GIRON - "STRANGE MOUNTAINS" (MUSIC2DREAM M208 // VERLAG SYSTEM VS033; 2023)

Nuevo trabajo del Cosmonauta GIRON en su exhaustivo mapeo de las Galaxias. ¿Qué faltaba tras entrar en contacto con los elementos que definen el paisaje?... se han mandado multitud de cápsulas del tiempo a lo más recóndito del cosmos; desde el debut Forest (2014) a los litolátricos restos encontrados en Stones (2015), habíamos surcado y planeado sobre la atmósfera en Clouds (2017) e incluso buceado las aguas en Oceans (2021). Emulando el contacto antropomórfico en Giron meets Flecha (2021) e incluso llevando el sonido a una comunión con el oyente a los pies del Monte Fuji en el Japan Tour 2019. Todo eso está esparcido en el no euclidiano espacio o en los teratógenos ejes de ordenadas y coordenadas. Hasta un remedo de emulador había quedado recogido con el impresionante proyecto Zytospace (2019) junto al gran Miguel A. Ruiz. Las Dádivas musicales habían sido plantadas y era cuestión de tiempo que el contacto con otra civilización fuera posible.

Justo cuando íbamos a dar la misión por acabada, observamos algo extraño en las montañas; fusión perfecta entre naturaleza y tecnología pululando en un ecosistema habitado por figuras dotadas de sinusoidales movimientos en una rompedora negación del ángulo recto... como si estuviera prohibido que la naturaleza creara algo abrupto y cortante. Oda a la vida en todo su esplendor celebrando el Misterio en una Danza casi imposible, como imposible de adivinar si está ocurriendo dentro o fuera de nuestras mentes pero joder... lo sensorial no engaña y lo que me penetra y empala es la misma esencia creadora.

GIRON ha descubierto vida en otros Mundos con este excelso Something Strange in the Mountains, editado por Music2Dream y Verlag System en precioso Digipack vestido de gala con el artwork de Patricia Alambiaga recreando esos submundos bioanimados de los Gong de Daevid Allen fundiéndolos con las ilustraciones imposibles de las portadas tanato-funk de MECO. El resultado es exquisito a la par que embriagador; una exploración tremebunda por la Kosmische de los 70... esa que definiera los cimientos del Ambient y que en este caso está vertebrada a través de equipos modulares y sintes analógicos, sin olvidar lo que un pelín después los compositores franceses hicieran en una época en la que música y literatura se dirigían a la exploración de otros mundos. Agonizaba ya un poco el Realismo Mágico en la literatura pero la semilla estaba plantada. Si la Kosmische te dragaba el alma con su hímnica sobriedad fruto de fúnebres drones a lo primeros Tangerine Dream, los secuenciadores de Jarre, Magne, Huygen (Neuronium) o Patric Vian daban daban forma animada a todo el asunto. Increíble que algo tan retro pudiera sonar y siga sonando FUTURISTA.

Y Tomás Girón ha sabido madurar en barrica de roble cósmico todo su arte que pasa por controlar los bio osciladores en un panel de mandos de auténtico lujo sin duda:

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`Korg Lambda, 900ps, Electribe 2, Microsampler, Monotribe, Dreadbox Abyss, Hades, Erebus, Make Noise O-Coast, Behringer Model-D, Vermona Perfourmer mkII, Novation K-Station, Waldorf Streichfett. Eurorack modular synthesizer: Doepfer, Erica synths, 4ms, Codex Modulex, Make Niose, Addac systems, Xaoc devices, Mutable, Winter Modular, Endorphines Shuttle system´. 

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Ensoñador, abre esa pequeña intro de "Something Happens" que como un suspiro (muy melódico) entronca con "Opening the Crack", pura electrónica años 70 con un pie en ese justo momento en el que la Kosmische derivaba al Ambient, Brian Eno se largaba a Alemania a colaborar con los Harmonia y hasta el bueno de David Bowie sabía que tenía que viajar a la fuente primordial del conocimiento y traerse bajo el brazo varios discos en su etapa Alemana. GIRON ha conseguido que su música `llore´ y sea plañidera, ensimismadora y profundamente espiritual bilocándose por igual hacia el progresivo y el Space Rock de unos Ozric Tentacles que al Cuarto Mundo de Hassell, sin olvidar esas bajadas de tempo hasta el infinito de Brian Eno. Lo cierto es que prácticamente hasta el séptimo corte (no sé si será casualidad, pero se inicia con "Opening the Crack" y el séptimo es "Closing the Crack") puede considerarse como una monumental Suite con ligeros cambios (exquisitos) que denotan una brutal progresión de Tomás a los instrumentos. Cada vez menos cosas programadas y más sensación de melodía `plug and play´. 

El `groove´ conseguido tiene la aureola de cualquier clásico de la electrónica Berlinesa y el toque a la producción, atemporal y analógico, refuerza esa sensación a fuerza de convertir algunas líneas melódicas en emulaciones de flautas electrónicas, instrumentos de cuerda procesados (emulados) y lo que yo suelo llamar un ambiente Catedralicio en el sentido litúrgico del término. Da igual el credo, pero GIRON en "Strange Mountains" logra homilías sin palabras, salmos sin voz, responsos sin cuerdas vocales... pero la sensación es clara, la escalada espiritual a través de una cuerda elíptica que sube, y sube, y sube... y sin darte cuenta llevas un buen rato metido en "Life Inside the Mountains" y ni te has enterado. Fabuloso el mini interludio obsesivo de "Smoky Wraiths", plagado de caídas en picado, vaivenes de flangers dando sensación de trémolos espaciales y una grandilocuente epicidad que estalla con esos pulsos percusivos que impriman de un fuerte minimalismo hipnótico al asunto y, sin solución de continuidad, casi que se abraza el Proto Techno con "Mutation" y sus siempre necesarios motivos `acuosos´. Agua eléctrica me gusta llamarla.

Generalmente los cortes se estructuran en melodías simultáneas adornadas por diversos efectos y la grandeza estriba en que nada suena fuera de lugar, sobra o falta. La duplicidad de elementos melódicos suben enteros a la atmósfera y lo que a priori pudiera resultar minimalista se viste de tintes más recargados como puede evidenciarse con escuchas con auriculares. El larguísimo "Fluids Stones Hatching" incluso juega con un soterrado Trip-Hop gracias a machaconas (algo enterradas) bases rítmicas; un tema que aunque no llegue a la modernidad de Gudrun Gut o Beate Bartel se sale bastante de los cánones espaciales Krautianos. No se usan `glitches´ y otros recursos modernistas que lleven esto al Avantgarde (es más, para mí la grandeza de GIRON es su recreación perfecta del pasado) pero sí que flota una frescura inusitada que bordea lo triposo y ácido (quizás los olvidados aunque más festivos ASTRALASIA, proyecto alternativo y bailable de gente de Mother Gong, puedan ser un referente).

"Closing the Crack" es la nana universal para dormir bebés extraterrestres. Ululante melodía crepuscular repetida `ad nauseam´ de una forma curiosa y es que parece que se omiten una de cada dos notas para crear un curioso efecto `mellado´, sincopado como el girar de un engranaje circular al que le faltara un diente  y cerrando (esto idea mía, no sé si el autor ha pensado algo parecido) una primera parte del álbum. Brilla cierto aroma cercano al Dark Ambient en "And They Arrived", corte que puede funcionar en cualquier Survival Horror que se precie y, aquí me refería con eso del cambio, me parece captar cierta influencia Carpenteriana a la par que Giallesca en su inicio aunque luego mute hacia una Kosmische de libro que se funde orgánicamente con la siguiente "Geodes".

"Geodes" (preciosa palabra que viene del griego γεώδης / geôdês, significando algo así como `con forma o aspecto de tierra´ añade grandeza apocalíptica y vuelta a ciertos compases estructurales Carpenterianos (como si mezclaras Rescate en Nueva York con Tangerine Dream) aunque son los 11 minutazos de "Robotic Cristals" los que te dejan clavado al asiento. En definitiva un trabajo con mucha presencia modular, que transita a esa especie de tribal órdago percusivo del final que es trabajado de forma milimétrica para inducir al trance.

OTRA OBRA MAESTRA DE GIRON.

https://giron.bandcamp.com/album/something-strange-in-the-mountains

https://verlagsystem.bandcamp.com/album/something-strange-in-the-mountains

HOLY HEX - "VISIONS" (Spinda Records & Sacramento Records, 2022)

A LA MEMORIA DE YASSER COSANO

(sigue soñando música)

Me parece increíble que todavía, y a pesar de estar bastante al día de todo lo que sale, siga dándome sorpresas o se me hayan pasado cosas tan grandes como la que tengo entre manos. ¿Cómo diablos no me había percatado de que Fran Sánchez, uno de los miembros fundadores de Blooming Látigo, banda a la que idolatro, tenía este pedazo de proyecto y ya había sacado dos discos antes?. Hagamos un poco de biografía; tirando de los libretos y los datos que tengo por aquí, el sevillano Francisco Sánchez Dorado formó parte de Blooming Látigo hasta 2010 así que técnicamente no llegó al debut Esfínteres y Faquires (2012) pero sí a ese brutal y para mí una y mil veces a reivindicar homónimo Ep de 2008 (a ver si algún sello se lanza a rescatarlo). Es el tiempo de gloria para emergentes figuras como Xavier Castroviejo, Borja Díaz, José Alcántara, Gonzalo Santana....

En un viaje sabe dios por qué motivos, se va andando a comprar cigarrillos a Estados Unidos y se empapa en Los Ángeles y Seattle de las lánguidas vibraciones que yacen en los drónicos espacios entre riffs de Earth, SunnO)))... de ese Doom que calienta pero no quema y es como calima. Un Doom Drone orgánico que bebe de convertir la pedalera de tu guitarra en un monolito telúrico sub/ultra/amplificado. Se doctora en el santo oficio de convertir el sonido en un lúbrico chorrear necro-luminiscente y edita su debut WAS? (2017), acompañado de gente ilustre como Antonio Pérez Bohórquez (excelsos Hand of Fatima o el colectivo de ex-pacientes psiquiátricos GENTEMAYOR a quienes reseñé en la revista Rock Estatal). Por cierto, disco que se graba en Cádiz en los ya para mí conocidos Estudio 79 de Rafael Camisón.

A continuación, tras volverse a pie de Estados Unidos y dándole vueltas por el camino a la cabeza, acaba en el proyecto Noise llamado Pouring Tongues con ilustres gentes vinculadas al sello Sacramento Records de Jose Almero como son  Lamorte (Vie / Split con FÖSS), Mordida (The Wind Ashes), Looking for the Elf (He, The Lion), Subliminal Chaos (Witchcraft) o Deviante (Moira).... como podéis ver, todos reseñados y reflejados por estas páginas. Bien, fruto de esta conexión imagino que vendría luego sacar el segundo disco de HOLY HEX entre Sacramento Records y Spinda entre otros (vuelta a la conexión entre Sevilla y Cádiz), Behold your Own. Antes de pasar al disco que hoy os presento, recalcar que he usado bastante información de la excelente página SEVILLA DISONANTE donde podéis encontrar muchísimos más datos.

Visions sale en CD y LP a manos tanto de Sacramento como de Spinda, con grabación esta vez en La Mina (Sevilla) por Ignacio Velascos. El artwork es imposible que no lo reconozcas; obra del grandísimo Gonzalo Santana Hidalgo que parece que aquí se hubiera metido un supositorio con trozos de cerebro de Nicolas Winding Refn, cachitos de carne adobada Cronembergiana y algo batrácico a lo Lovecraft (por cierto, no sé si es casualidad pero esta portada podría ser etiquetada con aquella de Disciplina Noxa de los Blooming). Además, se trata de un disco que al contrario que los anteriores, ahónda en la electrónica más Lynchiana y onírica pero sin perder esa esencia lánguida y drone (algo así como hacer una grabación de campo recogieno los gases en descomposición de un cadáver abotargado). Por lo tanto, el uso de la guitarra es sustituido por sintetizadores además de una grandísima colaboración en el último corte que desvelaré más adelante.

Se trata de un álbum que tiene cierta estructura onírica que podría perfectamente ser compatible con las diversas fases del Sueño, pero no de un sueño cualquiera... digamos que sería el sueño de David Lynch (¿recordáis eso de `¿quién es el que sueña´ que tanto trae a la gente de cabeza en la tercera temporada de Twin Peaks?). En una entrevista que he leído por ahí Fran comentaba que tocaba los sintes como si se tratara de guitarras, y esto queda claramente en evidencia en la brutal apertura sobria y magnificente del homónimo "Visions", con fúnebres y decadentes ecolalias vocales que recuerdan a los cantos meditativos de la música espiritual hindú. Imaginad que estáis en un templo oriental en esa alternativa Los Ángeles de Blade Runner dedicándole unas Morning Ragas a Siva con una beretta en la mano derecha y un rosario en la izquierda. Brutalmente envolvente, con esa rebaba retrofuturista del Ambient actual, el corte es una absoluta delicia.

Como me gusta poner etiquetas, esto es claramente Freud REM Doom, como queda en evidencia con "Tides". Sonidos graves del inconsciente libidinoso (no el colectivo, que se nos pelea Jung), entramos en un terreno ultra lánguido a caballo entre la Kosmische y las bandas sonoras de Nicolas Winding Refn (sin ir más lejos, esto quedaría de lujo en la segunda temporada de Cowboy Copenhaguen). Doble juego de notas, una más serrada y la otra más suave creando un crescendo minimalista que tiene la estructura y andamiaje de los sueños y las pesadillas.

Reiteración `ad nauseam´ de una melodía pegadiza como pegadizos son los tegumentos que unen las vísceras, tripas y órganos en una vivisección. Maravilloso. Sigue "Immaterial" donde vuelven a resaltar unos magníficos cánticos glosolálicos estomacales (algo así como si vinieran de una suerte de andrógina Lisa Gerrard). Se me vienen a la cabeza pasajes de discos de Dead Can Dance o Brendan Perry en solitario (sobre todo su electrónico Ark de 2010) pero sin dudarlo, el cariz oriental para mí existe y puedo practicar a la perfección mis Pranayamas al ritmo del roce de cuerdas vocales de Francisco. 

La base drone de teclados, evidentemente, muta en una especie de Shruti Box o Harmonium algo más sofisticados (el tejido de los sueños) y el conjunto de todo Tangerine Dream es "Phil", reflejando todo ese retro aroma espacial del Kraut más electrónico, fundiéndose poco a poco en "Night Swimming", que me pone los vellos como escarpias porque esta vez sí que sí, es puro y genuino ambiente fílmico de Neón otra vez a lo Winding Refn o Lynch pero todo mucho más metido dentro de la Synthwave. Quizás me esté equivocando pero después de más de una docena de escuchas, Visions me parece una especie de servicio litúrgico musical (no sé de qué credo) practicado en una India Radioactiva cuyo pútrido pero sacro Ganges hubiera visto sustituido el agua por un flujo de partículas nucleares. En las orillas, con los pies sumergidos en ese flujo y apoyados en los Ghats (escalones), las candelarias iluminan NEO-VARANASI; escalera a lo místico, ascensor a lo abyecto.

Aunque parezca imposible, todavía mejora el asunto con la final y mastodóntica "Odd God" de 9 minutazos de duración y con la colaboración de nada más y nada menos que el violín de Miguel Palau (DOCE FUEGOS y otros entes...). Drones, flangers, potenciómetros y maquinaria de calderas para un tono más pesadillesco si cabe. Imaginado a los Geinoh Yamashirogumi de AKIRA pasados de benzodiacepinas; el violín en la retaguardia es de lo más psicotrópico que he escuchado en mucho tiempo.... cuesta discernir si se trata de un violín o un saxo con sordina, pero lo cierto es que le da un cariz sacramental al conjunto en los compases finales que elevan a este Visions de HOLY HEX a la categoría de disco IMPRESCINDIBLE del underground experimental patrio.

MUST-HAVE

https://holyhex.bandcamp.com/album/visions

https://sacramentorecords.bandcamp.com/

https://spindarecords.bandcamp.com/album/visions

ESTRANGEMENT - "DISFIGUREMENTALITY" (AESTHETIC DEATH ADCD 090, 2022)

Casi que como de la nada descubro a estos ESTRANGEMENT desde Australia (y luego con parte Irlandesa), activos desde 2010 primero en formato `one-man-band´ con JS (Vita Dolorosa y últimamente en los excelsos Aphonic Threnody) a todos los instrumentos, publica demo en cassette con Aurora Astralis Records en 2013. Buenas críticas por todos lados, acaba consiguiendo Split con los japoneses Begräbnis en nada más y nada menos que Weird Truth para luego, salvo una cover de My Dying Bride por ahí aislada, no reaparecer (composición compleja además de la consabida pandemia) hasta este impresionante (de culto instantáneo) Disfigurementality con una formación que viene a perfilar esos aires neoclásicos y progresivos de la (ahora sí) banda. LIGAMINCER (contrabajo, cello, violín y teclados), EUTERPE (flauta, flauta baja, flauta irlandesa y voces) y CZR (violín y percusión) acompañan a JS DECLINE (voces, guitarras, bajo, batería, cello, teclados, cuencos y balalaika). 

El sello AESTHETIC DEATH es el encargado de vestir en físico el precioso artwork de Anton Pulvirenti. El resto, prácticamente una hora del Funeral Doom más extremo, bizarro y original que llevo escuchado en muchísimo tiempo masterizado por Last Gasp Recordings. Poner etiquetas a veces es fácil, pero no es justo. Me gusta más la metáfora o las comparativas y quizás tengo que decir que desde que me ha dejado con las mismas sensaciones con las que me dejó el debut de Wiljen Wij. Esa sensación de estar escuchando algo realmente distinto pero cohesionado, transitando por terrenos que van desde el Jazz hasta incluso tintes flamencos aunque posiblemente lo que mejor case en la descripción sea una especie de fusión del Funeral Doom con lo Clásico. Lo mejor, que nunca se pierde el norte y el conjunto resulta de una exquisitez que tira de espaldas... un disco que mejor que describir es experimentarlo pero al menos por lo que a mí respecta, es de esos discos que salen una vez cada mucho tiempo.

La corta pieza "Destitution Stench" abre con voces graves rodeada de instrumentos de cuerda tocados con arco (contrabajo y cello) en un timbre parecido al de los fineses Aarni aunque se mantiene esa sobriedad imperativa magnificente de los primeros Pantheist o los propios Wijlen Wij. En la retaguardia rezuma cierto cariz de tinte irlandés / céltico pero muy sutil y ritual. Alucinante la tristeza que imprime al conjunto el violín y al nivel de opresividad que se llega cuando las voces guturales entran, recordando a los dioses ELEND. "Detritivore" pone toda la carne en el asador. Riffs de guitarra intrincados con bases rítmicas poco convencionales dentro de un inicio con cierto parecido a los Opeth o primeros Katatonia por lo angular de algunos pasajes.... bueno, hasta que entra la flauta y ya te descoloca sobremanera. Un interludio pastoral y neoclásico llevado por los instrumentos de cuerda y la flauta te llevan a una suerte de operetta fúnebre que se va cargando de detalles hasta estallar en un tempo lentísimo con flotantes teclados y la impronta de los Mournful Congregation (por poner ejemplo cercano). 

Las partes clásicas se integran a la perfección con el estilo formando un solo cuerpo musical, y ahí es donde radica la potencia de estos ESTRANGEMENT. Para el minuto seis y pico se ha conseguido mutar todo a un Death Metal de índole sueca, melódico pero más sucio de lo habitual. Sigue otra pieza puente; la instrumental "Belong Beneath" es para uso y disfrute de la sección clásica / romántica que se elonga y une a "The Light Unknown", puro ejercico del Death/Doom inglés de toda la vida con un riff de guitarra al más puro estilo My Dying Bride pero con un pasito en la progresividad de Yearning (With Tragedies Adorned, 1997). Larguísima introducción instrumental reforzada con un contrabajo que parece estar llorando y que acompaña el paso a las guturales voces que llegan a los opresivos niveles de Stjin Van Cauter en Until Death Overtakes Me. Lo que ocurre a partir de aquí es difícil de describir... vaya, pero vaya trabajazo de la guitarra solista (no sé si también suena el balalaika). Flautas, pasajes campestres, cánticos y contrapicados del violín. Quizás `rara avis´ como Aarni o los Umbra Nihil, si es que siguen existiendo, sepan de lo que estoy hablando.

"Fire Voice" vuelve a las voces tibetanas del inicio. Marcado ritmo marcial con percusiones metálicas en un clima celtíbero y de raíz Pagan. Impresionante la fusión de voces guturales y la entrada de la base rítmica y guitarra al más puro estilo cuasi Viking y Prog (Tusmorke, Alwanzatar...). Todo arde (las letras incluso); hasta la flauta suelta humo. Majestuoso se queda corto. Sigue "Clusters" en plan cinematográfico a lo Penderecki, con opresivos movimientos de cuerda drónicos que cortan la respiración y que son eso, un cúmulo de clústeres de todos los instrumentos bordeando a una caída de aviones alemanes Stukas junto a la Sinfonía 3 de Gorecki, experimentaciones vocales inclusive (los chillidos infantiles). "Womb of Worlds" viene a ser el segundo movimiento de la anterior. Voces operísticas y gregorianas, subrayadas por la flauta mientras se mantiene un grave sonido de cuerdas frotadas con arco por detrás. Exabruptos metálicos van irrumpiendo como un metrónomo apocalíptico, a modo de explosivas bombas sonoras que recuerdan a aquellos locos de The Nulll Collective y todo ese extrañísimo Funeral Doom que surgió alrededor de la escena belga.... pero ojito, que no se pierde el hilo nunca y siempre se vuelve al cauce inicial y si no escuchad qué manera épica de terminar. Alucinante.

El tramo final pasa por otro corte instrumental que explora las posibilidades de fundir el flamenco con pasajes de flauta y ritmos celtas en "Asleep in the Vineyard", antecediendo el monolito "Doppelganger" de 13 minutos de duración. Sublimación de todo lo descrito hasta ahora, inconmensurable trabajo del contrabajo, los sincopados quiebros del violín o la sordina de la flauta, extendiendo una sábana fúnebre sobre la que se van a ir deslizando los suficientes elementos sonoros para tragarte y regurgitarte una y otra vez. Desde los acústicos momentos Opethianos a esa canción de cuna o lo que sea que suena a partir del minuto 5 y que me pone los vellos como escarpias. Como un bálsamo, los dos minutos y pico de "Samsaric Dreaming" dan algo de sosiego a nuestras torturadas almas....

Un disco absolutamente demencial, necesario y único que posiblemente necesite de muchísimas escuchas para desgranar todo lo que trae dentro. Para mí, uno de los discos del año (del que sea).

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=5699

https://estrangement.bandcamp.com/

Einar Død - "DEN SVARTE KRYPTEN" (ASTRONOMY RECORDING MUSIC ARMCAS002, 2023)

Einar Død es un proyecto de Dungeon Synth y Ambient que debuta con su primer trabajo Den Svarte Krypten, y que engloba en sus filas a Javier Miranda (teclados y composición) e Iago Méndez (teclados, arreglos y artwork). Bien... vamos a deshuesar por partes. A Miranda ya lo conocemos de trabajos electrónicos bastante eclécticos reseñados por aquí como Mirror Games (2020), Strange Imperfection (2021) y Doppelgänger (2022). En bandas formó parte de los primerizos Kalte Sonne y bueno, en estos trabajos en solitario denota un despliegue de estilos bastante ecléctico que pueden ir del mismo Ambient al Space Rock o incluso el Metal en varias vertientes. Por su parte, Iago Méndez también lleva un buen puñado de años en el candelero, llevando el sello Astronomy Recording Music y que sacaría Split con Miranda que podríamos situar como `precuela´ o antecesor del trabajo que hoy os presento.

Rompiendo totalmente con lo anterior pero usando los ingredientes propios de la electrónica se consigue en esta maravillosa cassette limitadísima a 15 copias todo lo que el amante del añejo Dungeon Synth busca; es decir, como si en una caldera metiéramos el fúngico verdor mate del Black Metal junto a la electrónica más oscura perteneciente al Dark Ambient. Dejándola a fuego lento se macera y surge un sustrato `Lo Fi´ cuando es necesario, a la par que poderosamente minimalista de notas por lo general poco dadas a barroquismos y sí a la simpleza repetitiva e hipnótica. Un estilo en el que otrora fue dueño y señor el Midi y cuyo principal atributo es el de EVOCAR. Imposible no citar un pelín del Burzum carcelario, esas intros imposibles de los Summoning o viejos Pazuzu, los parajes caleidoscópicos de los finlandeses Jääportit o lo que son los abuelos de esto pero por otras vías, Tangerine Dream, Klaus Schulze (básicamente la Kosmische alemana) y toda esa caterva que influenciaría a Mortiis. Al fin y al cabo, prácticamente casi que todos los grandes popes del viejo Black Metal han tenido sus coqueteos electrónicos... escúchese los Neptune Towers de Fenriz por ejemplo.

Bien, sin querer ahondar demasiado porque nos tendríamos que ir hacia el Post Punk o el Industrial, nos quedaremos en un término medio que es el de lo épico. Solo hay que ver la portada a lo Hero Quest, Dragones y Mazmorras y los juegos de cartas de Magic. Hablaba arriba de que el Dungeon Synth es EVOCADOR y para ello busca la complicidad del oyente para meterse dentro de submundos olvidados, Hiperbóreas decrépitas, Atlantis sumergidas o mazmorras olvidadas al amparo de obsoletos hongos luminiscentes. Así se puede definir esa apertura maravillosa y crepuscular de "Blood Axes Off in the Distance"; pátinas espaciales con percusiones machaconas y ese soniquete particular del Dungeon Synth que parece mitad piano, mitad celeste. Correoso, lento y pegadizo va avanzando a ritmo de bombo y múltiples instrumentos sintéticos (otro de los elementos claves para que el Dungeon funcione). Siguen los aflautados compases de "The Sorcerer's Voice", cuya melodía acampanada principal obsesiva es una delicia, aunque pronto entren pasajes más pastorales que me traen a la cabeza a los Summoning pero sin el Black. Me encantan esas percusiones que parecen vibráfonos de estalactitas.

"Sylborn, the Ancient Predator" juega a varias bandas entre una guitarra acústica, secuencias de notas en cascada y algunos sonidos en la retaguardia. En conjunto hay pasajes que resultan bastante experimentales por lo atonal o quizás es justo lo contrario, se les ha llevado a una simpleza tan extrema que están sostenidos solo por un leve andamiaje sonoro (en el buen sentido). Muy buena la parte en la que entra el sampler de batallas y la percusión de guerra. Es curioso pero no es un corte que suene realmente a Dungeon Synth.... es quizás más progresivo de lo que a priori pueda parecer, cosa que contrasta con el sí mucho más de libro "Landgrave Gallien", cerrando la Cara A y que podría haber firmado el mismo Vikergnes... letánica muestra de cómo hacer música depresiva, contemplativa y arrebatadora en su sencillez. 

La Cara B se abre con la intro "Gaze Into the Crystal Ball", puente hacia "Whispers From the Constellations"; toda una oda a la épica, repetitiva y circular repitiendo el motivo melódico `ad nauseam´ como si de un score cinematográfico se tratara y creo que con un bajo subrayando algunas partes. "Her Ionae's Call" tiene otra de esas facultades del buen Dungeon Synth y es que según se mire puede EVOCAR al pasado o a un retrofuturismo híbrido (con esos toques del Synth Wave pero sin moduladores). Dicho de otra manera, la imagen de un viejo bosque nevado compite con la de un invierno nuclear y una ciudad en abandono radioactivo, al margen de que algunos pasajes podrían entrar en The Beyond de Lucio Fulci. Eso sí, los samplers de caballos y vida cotidiana ancestral no dejan lugar a dudas del pasado ignoto por el que nos movemos.

Fin de fiesta con la bombástica "Danse Macabre in the Autumn Mist", donde todos los ingredientes previos se unen en una sublimación del sonido que propone Einar Død. Una fascinación por el propio pasado... haya o no haya ocurrido este en la realidad. Muy buena la parte en la que el piano se queda casi solo con una especie de grave nota sostenida de fondo, para luego volver a entrar la percusión marcial y acompañarnos, otra vez con toques de bajo, por el camino iniciático del Héroe. Clímax final con sinfonismo Synth procesionario y ganas de ver la continuación de esto.

RECOMENDADO.

https://astronomyrecordingmusic.bandcamp.com/

IVÁN CEBRIÁN & VÍCTOR CERDÁN - "INSIDE // OUTSIDE" (OIGOVISIONES LABEL 0V19, 2022)

Inside // Outside es la referencia 19 dentro del creciente catálogo de OIGOVISIONES, suerte de combinado humano de connotaciones biosectarias que en forma de panfletos sonoros de una exquisitez soberbia van difundiendo su particular credo experimental y mutagénico. En otras palabras, y desde oficialmente 11 años, un sello independiente de acuna a artistas de diferente índole y calado para producir maravillosas piezas de orfebrería como este USB-CARD, ineludible formato para poder aunar la imagen y sonido de Iván Cebrián y Víctor Cerdán. Hablando de formatos, estamos ante una obra de Kitty Soul / The Lacemaker: Round USB Card (70 copies) / Cover on 250gr Materica Ardesia cardboard / 4Gb Screen-printed Round USB-Card /Semitransparent plastic bag / Hand-cutted & Hand-assembled. 

Cebrián nace en Cuenca (o en una cuenca sería también plausible) y su trabajo dentro de la experimentación se enfoca en el Ambient, el Minimalismo y ciertos tonos rituales. Dentro de su currículum está el pertenecer al colectivo inclasificable MENHIR (por ahí andan algunas colaboraciones con Suso Sáiz y varias bandas sonoras). Sus herramientas de trabajo son los sintetizadores analógicos y los daguerrotipos sonoros obtenidos en el estudio. Por su parte, el madrileño Víctor Cerdán se encarga de la realización audiovisual, siendo profesor e investigador por la Complutense de Madrid y con un currículum bastante potente a nivel televisivo y de cortometrajes. Con Cebrían técnicamente es la tercera colaboración tras el largometraje Perderlo Todo (2021) y el corto Exhumar a Prim. 

Para hablaros de Inside//Outside, tengo que meterme de lleno en el mundo de videoarte y es que la obra en a penas 18 minutos de duración es todo un tratado de Alquimia y psicología al más puro estilo del proceso de individuación Junguiano. La palabra Transmutación Alquímica pasando por cuatro estados internos muy particulares... `NIGREDO´ o la purificación a través del fuego, donde somos conscientes del apego al mundo material y pasamos a un nuevo estado de conciencia. `ALBEDO´ en el que se cuestiona nuestro propio ser y se crean los Arquetipos gracias a un fuego intensificado que resulta agente del cambio. Tercer paso de la transformación es `CITRINITAS´ donde despierta la creatividad y la inteligencia divina; el fuego alcanza límites brutales que disuelven la dualidades de los objetos y de ahí a `RUBEDO´ solo hay un pequeño pasito. Muere la libertad creativa y queremos ser agentes del cambio dentro del Caos. Ya no es necesario el fuego y el plomo se ha convertido en oro. 

Pues bien, coged ahora estos conceptos y ponerlos en un montaje audiovisual de índole cuasi estática, con fotogramas que se mueven con la lentitud de la rotación de los planetas y acompañadlo todo de un fabuloso drone, sutiles loops y un gusto particular por esa forma de reflejar lo infinito de compositores franceses como Patrick Vian o Michel Magne, sin obviar por supuesto la electrónica Berlinesa o vertiente más oscurantista y menos rockera del Kraut. El resultado es una banda sonora que se incluye completa en el USB y que os recomiendo encarecidamente escuchar con auriculares.

Hablábamos de  Transmutación y creo que en la web de Oigovisiones Label lo dicen mejor que yo: `con el trabajo con materiales externos (en origen mercurio, azufre y sales) podemos transformar nuestro estado interior, espiritual y de conciencia. La transformación metafísica y sanadora en un momentos delicado. Adaptan dicho concepto en común y posteriormente escogen materias primas contemporáneas; de un lado fotografías y vídeos obtenidos por las sondas espaciales de la NASA, del otro sonoridades y atmósferas resonantes´. 

Dicho lo cual, la impresionante sucesión de imágenes es hipnótica y perfectamente sincronizada y pergeñada para que los colores (o ausencia de ellos) nos impacten a través de formas, granos, líneas rectas o curvas en paisajes que solo existen (pero existen) bajo en aumento de un microscopio de barrido. Así, la obra está estructurada en diversas partes no claramente definidas salvo quizás esa ruptura del minuto 9 donde se planos fijos se pasa a incluir algunos oleosos y lánguidos contrapicados móviles (sobre todo de sondas espaciales), al margen de estratégicos fundidos a negro. Clave es sin duda el mensaje que recibimos nada más comenzar el vídeo: `The Music of this Film is about Inner States´ y a continuación `The Image of this Film is about External States´... a lo que me gustaría añadir ciertos apuntes personales. Dentro de lo interno o externo de lo sensorial (imagen o sonido), también tenemos lo macrocósmico y lo microcósmico... y es que hay momentos en los que las texturas y pátinas visuales son tan mayestáticas y atávicas que resulta casi imposible saber si estamos ante algo amplificado al extremo producto de un microscopio de barrido o bien ante un angular ciclópeo de una cámara o globo sonda. Ahí radica el inmenso poder de Inside // Outside; la capacidad de despertar ocultas sinapsis en hibernación y confundir los sentidos dentro de un trabajadísimo proceso de sanación metafísica al que debríamos someternos más a menudo.

Con la música pasa igual. Ese Moog sombrío del inicio puede reflejar por igual la complejidad de un estado anímico concreto o el crujir de planetas o grabación de campo de un movimiento cósmico perpetuo. Técnicamente impecable, cuesta parpadear. Uno se queda absorto en unas primeras proyecciones que parecen deformaciones o difuminados de obras de William Blake a las que se les hubieran pasado uno de esos efectos de desenfoque extremo. El crepitante inicio musical es muy oscuro, fiel reflejo de esos primeros esbozos espaciales de los primeros Tangerine Dream pero con rebozado más Dark Ambient si cabe... algo así como si Brian Eno nos hubiera salido por la parte Industrial/Noise de la historia. Cierto dinamismo luminiscente parece arroparnos a partir de la mitad del metraje, de tal suerte que la música también muta hacia algo más `flotante´ o `ensimismado´ borrando un pelín ese oscurantismo sobrio para pasar a un estado metitativo (muy buena por cierto la masterización de Gonzalo Lasheras... limpia pero sin perder nada del agreste chorro de sonido).

Poco más puedo añadir. Creo que es otro maravilloso objeto de transformación desde el fuego alquímico de las forjas de Oigovisiones Label.

https://oigovisioneslabel.bandcamp.com/album/inside-outside

https://oigovisioneslabel.com/portfolio/ivan-cebrian-victor-cerdan

ORFEON GAGARIN - "KEDR" (BATAN BRUITS BB002, 2006)

Sigue saliendo a la luz poco a poco todo el fondo de catálogo de mediados de los 80 del músico Miguel A. Ruiz, que casi que tiene sección fija por estos lares. Tras la recuperación hace dos años y pico de su homónimo Orfeon Gagarin (primero reeditado por Ediciones Toracic en CD-R, y luego en vinilo por Verlag System) tenemos ahora su segundo álbum KEDR. Como no quiero insistir demasiado en detalles que ya he ido contando, os emplazo al Dossier con entrevista incluida que publiqué en el Zine MOEDULAR de Oigovisiones Label:

https://issuu.com/oigovisioneslabel/docs/moedular_fanzine_n_0_digital

KEDR se edita originalmente en 1986/1987 (Toracic Tapes / TO2 C-46, Cassette), para rescatarse y remasterizarse en 2006 por el sello Batan Bruits, creación ex profeso para la magnífica bso imaginaria Han Llegado Los Robots (Die Roboten Sind Unter Uns) ‎donde Héctor Hernández y Ruíz creaban una soundtrack alucinante dedicado al advenimiento de los `cerebros mecánicos´ que se relataba en el añejo libro de los años 50, Die Roboter sind unter uns (Rolf Strehl), importantísimo y clásico dentro de su obscurantismo por el rompedor diálogo social que traía la llegada de la computación y el progreso científico tecnológico (por cierto, existe edición española). La portada es obra del único e inclasificable cineasta César Velasco Broca y el interior es una foto posiblemente tomada ante la expectación creada con el lanzamiento del Vostok 1 (la primera misión espacial tripulada soviética).

(panel de control del Vostok I)

Por su parte, y para los puntillosos como yo, el recopilatorio Crónica Técnica de 2018 (Geometrik) había ya sacado el tercer movimiento del disco ("Musik III") en vinilo. En esta ocasión, KEDR recrea sónicamente a la perfección la carrera espacial soviética y su figura central más conocida Yuri Gagarin, en concreto a su primer vuelo de 1961. Otra vez un dúo con Ruíz que toca Casio CZ1000, Yamaha DX7, Casio sampler y violín modificado, al que se une la flauta de J. Juarros y es aquí donde me salta la tapa de los sesos.... los propios Kraftwerk en sus inicios y bastante más allá tenían a Florian Schneider con su violín y flauta eléctricos así que pensad lo que queráis (casualidad, homenaje.... ahí queda el dato). 

Ojito, la edición de Batan Bruits estaba totalmente agotada y casualmente se encontraron copias en un viejo almacén. Eso y mi rapidez a los dedos han hecho posible obtener una copia y en el momento en que escribo estas líneas y si no me equivoco, todavía podéis haceros con alguna a precio ridículo (también el de los Robots) antes de que se los trague la noche de los tiempos. Seguimos.

Si bien hay múltiples variantes con el término KEDR, por ejemplo el subfusil Kedr PP-91 y su prototipo setentero (PP-71), está claro que Ruíz probablemente se refería al mítico diálogo entre la sala de control y Yuri Gagarin durante el lanzamiento del Vostok 3KA-3 (o Vostok 1) el 12 de Abril del 71. Si el distintivo de llamada rusa a nivel aeroespacial (vaya, entre el astronauta y los que están en la sala de control) era KEDR (pino o cedro en ruso), su homónimo internacional sería el distintivo de llamada CEDAR que permite la comunicación radial durante los vuelos. 

¿Y qué es lo que se dijo?... pues allá va:

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- Koroliov: Etapa preliminar… intermedia… principal… ¡Despegue! Le deseamos un buen vuelo. Todo está bien.

- Gagarin: ¡Vamos! Adiós, hasta pronto, queridos amigos.

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Musicalmente estamos ante una suite cósmica de 47 minutos anclada en lo cinemático pero con un revestimiento oscuro que lo lleva a esos submundos contemplativos de Eduard Artémiev en las neuronales películas de Tarkovsky. Varias capas en conjunto, una más drone y grave y otra serrada en primer plano transcurren similar a los discos más crípticos de Coil o Nurse With Wound (quizás las colaboraciones con Graham Bowers o Soliloquy for Lilith). Lo sinusoidal contrasta con contrapicados y ruido de maquinaria espacial y se pasa de un corte a otro (todos titulados Kedrmusik y variando el número) pero siguiendo un hilo umbilical /score. Por ejemplo "II" suena muy retrofuturista y de tempos abotargados, con múltiples subcapas que aparecen y desaparecen como compresores de aire aleatorios y curiosamente llevándonos a una atribulada selva cósmica Noir Sci-Fi Giallesca, si es que se me permite masturbar las palabras de esa manera. Imaginad a Waldo de los Ríos en La Residencia o Quién Puede Matar a un Niño pero puesto de LSD.

Alucinante cómo suena esto con auriculares... y pensar que es del 87 y si no me equivoco, hay muchísimo aquí de Xenakis (sus obras electroacústicas) y hasta de Bernard Herrmann o Penderecki por esa manera de componer asfixiante. Si se coge la vértebra musical suena a clásica contemporánea y electroacústica, aunque los detalles industriales lleven al conjunto a otro nivel. Fiel reflejo de los sentimientos oscuros vividos por los anónimos anti-héroes de la carrera espacial soviética, Orfeon Gagarin crea un clima de claustrofobia donde la melodía no excluye para nada el empleo y uso de aguerridos pasajes que rozan el Noise a base de abstracciones caleidoscópicas muy atonales que curiosamente acaban sonando lisérgicas. He dicho atonal, pero a veces parece Fluxus o Dadaísmo ("Kedrmusik IV-V") por esos collages imposibles (Pierre Henry, Schnitzler, Cage o Jean Dubuffet).

(Edición original en cassette, circa 86/87)

La flauta me parece captarla bastante enterrada en el conjunto, casi siempre en graves tonalidades (por ejemplo en "Kedrmusik VI") usándose más notas sostenidas que melodías `per se´. En el tema citado brillan las bamboleantes percusiones vibrafónicas y entre nota y nota es donde mejor se captan los ruidos respiratorios de J. Juarros a la flauta. Alucinantes los toques pseudo-sinfónicos en "Kedrmusik VII" que parecen como bocinas de un viejo concurso de televisión que se estuviera radiando desde lo más profundo de la Galaxia gracias a un cable de antena tan largo como la Tenia intestinal de un Viejo Dios muerto. Parece mentira que luego llegaran gente como Ikue Mori con su laptop cuando Miguel A. Ruíz estaba haciendo esto en España en el 87. Fin de fiesta con las Krautianas (a lo Canaxis 5 o incluso, permitidme la osadía, la brillante etapa avantgarde de Battiato) "Kedrmusik VIII y IX", esta última con bombo de batería (sampler quizás) y un prodigioso trabajo a los sintes.

No será la última vez que Yuri Gagarin rondará a Miguel A. Ruiz más allá del nombre del proyecto, como se demuestra en su Voces a 45 rpm del 2019 (Geometrik/Munster). Para resumir, una joya exhumada de uno de los grandes genios y pioneros de la música electrónica y vanguardista española.

https://toracic.bandcamp.com/album/orfeon-gagarin-kedr

EDENA - "ZAURI BATEN PROZESUA" + "HARRIAN" (AUTOEDITADO, 2022)

E     D  E                N      A

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La presentación en sociedad del proyecto EDENA (Edén en euskera) pasa primero por recordar que mi primer contacto con Aitor Edena fue con los BERVNA, hace la friolera de una década, y a quienes tuve el placer de entrevistar con motivo de una serie de trabajos que tenían publicados y que me llegaron vía epistolar. Así que bueno, creo que es aconsejable partir de aquí, leerse la entrevista, ponerse a los añoradísimos Bervna (por ejemplo el brutalífico LVR de 2017, su directo 02.05.2015, o Mingorri III). 

Tras la disolución de la banda llegarían BALLARD, con una reformación de miembros y tal que vengo a contar en otra entrevista a propósito de su Demo 2017 y que nuevamente os aconsejo leer para no perderos en los bosques de trincheras oxidadas del Sludge Crust Psych a la Vasca. En 2018 llega el violentísimo Nacer, Vivir, Morir en el Mismo Lugar, el 7" Igual y un Split con Hipoxia que vale su peso en oro (alguna otra cosa hay editada pero no he tenido ocasión de catarla o reseñarla). Bien... entre todo este maremágnum de suciedad alquitranada donde transitan gente tan ilustre como los dioses AKAUZAZTE, Killerkume, Loan, Meido, Orbit Unit, Positiva, Mikel Vega y un sinfín más que nos llevaría un buen rato describir. En síntesis, lo que quiero decir es que tenéis que preparar vuestra psique para un terrorífico, descarnado y visceral Noise con trazas de Industrial, pepitas de Crust Doom y una flotante nube tóxica de lisergia química.

EDENA no tengo ni la más remota idea de cuándo surgen, pero los sonidos de su cinta (DE - 173), de la que ahora mismo me estoy enterando de su existencia, datan de 1999 y tal y como se viene a decir en el bandcamp `es imposible datar exactamente ninguna de ellas salvo "Itxura apurtzaile", grabada durante la primavera de 2020 con J. Espinosa a la percusión´. Lo cierto es que parece que salió en plena pandemia o confinamiento y ni me enteré de este asunto, así que saltamos a 2022 donde ve la luz Zauri Baten Prozesua en una cassette totalmente DIY, envuelta en papel de lija (limitada a unas 100 copias) y que son 23 minutos de descenso a los infiernos.  Un detalle son los motivos `gatunos´ en todas sus portadas que la verdad me pierdo en qué conexión pueda haber.

Abren varios segundos de Power Electronics de "Negative Space" que se continúa sutilmente con el Funeral Doom de "Lurra 31". Una pesadez brutal de sonido que hace que se me vengan a la cabeza gente como los japoneses Funeral Moth o los Bloody Panda. Apabullante duelo entre la guitarra, totalmente enclavada en un riff eterno y circular (a lo Burning Witch, Teeth of the Lions Rule the Divine) de Aitor Edena y la batería de Iortitz Ipiña (también en Ballard). Si tuviera que comparar con algo, diría los primeros HIPOXIA sin dudarlo. Primitivísimo corte que también me trae por supuesto a la cabeza a los propios Bervna. Dura 9 minutos pero en tiempo divino serían 9 Kali Yugas.

I  P I       Ñ                                  A

Por cierto, su lema `soinu barik beste diskurtsorik ez´ (ningún discurso mas allá del sonido) me sirve para remachar de que se trata de un proyecto casi instrumental lo cual es para mí un acierto. Lo ecléctico de la música quedaría tapado con la inclusión de voces digamos... `regladas´. Así disfrutamos más perlas como la electrónica "Y tú, ¿también flotas?", un loop industrial (no tengo muchos datos técnicos, así que poco puedo decir sobre la grabación) que sirve de entrada a la visceral "Munstroaren Munstroa", distorsionada hasta el punto del vómito drone al más puro estilo Skullflower, Ramleh y entes por el estilo. Aullidos de fondo y un ULTRA))) RIFF rayano en el Power Electronics son todo lo que Edena necesita para dragarte por un intestino metálico electrificado y cagarte en un vertedero nuclear que se limpia el culo con nuestros tímpanos en "Negative Space II", calma después de la tormenta a través de un volátil clímax donde prima el tratamiento de pedaleras de la guitarra para conseguir texturas a lo Earth pero mucho más cósmicas.

Curioso pero es como los primeros Popol Vuh en el País Vasco. Para cerrar el círculo con la apertura de la cinta se vuelve al Power Electronics inicial y esos impulsos sinusoidales tipo Throbbing Gristle, Controlled Bleeding y similares mentes cuerdas. 

Meses más tarde, se registra un directo en la Cantera de Mármol rojo de Ereño editándose en una cinta de cassette metida dentro de una caja de porcelana y con artwork de M. Lopez Orosa. Como no podía ser de otra manera, se le titula Harrian, que viene a querer decir algo así como `en la piedra´. En esta ocasión EDENA son G. Bilbao a la batería, P. Asensi al bajo y Aitor a la guitarra, sintetizadores y voz.

Más estructurado que en la anterior cinta, abre "Harrian 0". Un acople drónico sobre el que planean los platillos de la batería y un crescendo bastante desértico que podría recordar a unos Yawning Man pasadísimos de rosca. La batería seca, monolítica y reiterativa añade un punto muy tribal que con el conjunto de los instrumentos llevan a EDENA a un nivel algo más lisérgico. Por poner similitudes, me recuerda a viejas bandas de Space Rock texano como los ST 37 (aquí) o los siempre olvidados Negative Reaction. Impresionante el plúmbeo tempo de "Harrian I", que con auriculares te mete dentro de la vagina de la Cantera de Ereño. Aunque se pierde esos toques más Industrial de Zauri Baten Prozesua, Harrian es más brillante para mi gusto... la afinación alta de la guitarra contrastando con los tonos vibrátiles del bajo y el imperturbable golpeo procesionario del bombo son Psicodelia Experimental Lítica en estado puro.

Sigue una reinterpretacion en power trío de "Lurra 31" (Tierra 31). Más plagada de detalles que su versión para dúo, es igualmente un cañón de Drone doom que te invierte el peristaltismo y las tripas del revés hasta que te das besitos a tí mismo en tus propias nalgas. Más refinada y con un bajo acojonante, sobre todo en los segundos finales. Finiquita la cinta "Harrian II" donde se repite el concepto monolítico pero añadiendo burbujeantes toques de alquimia modular de sintes y una voz gritona pasada por el filtro de un viejo micro de esos de radioaficionados (no estoy seguro). Para mi gusto, este corte representa hacia donde creo debería ir el proyecto... un Industrial Noise que no pierde el Drone doom en el camino y cuya principal virtud es poder partir granito con sonido.

Quiero más.

https://edenazarata.bandcamp.com/

STRUCTURE - "STRUCTURE" (ARDUA MUSIC, ARDUA010CD; 2022)

STRUCTURE, proyecto formado en 2021, hunde sus raíces en ese sonido característico de la escena holandesa de Death/Doom de los años 90 pero retorciendo y virando quizás un poco más el barco hacia esa plúmblea atmósfera del Funeral Doom atmosférico imperante en bandas como Clouds o Pantheist. Tono casi marcial que es lo suficientemente marcado y procesionario para hacerte desesperar si no te gustan estos estilos o directamente encumbrarte al Nirvana su eres de sinapsis lentas. Detrás de Structure está Bram Bijlhout que se encarga de todos los instrumentos (guitarras, teclados, bajo y batería) dejando toda la tarea vocal a una leyenda como Pim Blankenstein de los Officium Triste entre otros... por nombrar a una banda que entronque con esa escena holandesa que quiero reflejar porque el currículum es extenso (sin ir más lejos, de sus proyectos favoritos para mí están los Extreme Cold Winter).

Blankenstein y Bijlhout comparten tablas tanto en un período concreto de los Officium Triste (el Split Inmersed y el álbum Mors Viri, años 2012 y 2013 respectivamente) como en los The 11th Hour. El EP debut homónimo son 35 minutos que se visten de gala en un precioso artwork del propio Bijlhout y Kalle Pyyhtinen, editándose primero en cassette por Brutal Insanity Records y meses después en digipack por ARDUA MUSIC (ex-The Vinyl Division). La varita mágica del masterizado de Greg Chandler (Priory Recording Studio) añade una profundidad y dureza que son ya marca de la casa. A propósito otra vez de la portada, la fotografía pertenece a las `botanical series´; podéis indagar en la faceta fotográfica de Bram Bijlohout por aquí:

https://www.brambijlhout.com/

(Bram Bijlhout)

La vértebra del Ep es sin duda la guitarra tal y como se puede comprobar en el excelente riff de apertura de "Remain Faithless", en el que además se hace uso de los teclados de una manera muy particular (casi parece que por momentos nos vamos a meter en uno de los primeros cortes de los My Dying Bride). La voz de Pim destruye todo a su paso, adaptándose al paso lentísimo de la base rítmica. En definitiva, corte con estructura de himno y aporte de teclados que suenan 100% a los My Dying Bride de los inicios o lo que es lo mismo, leves subrayados de apoyo y sin caramelizar. La guitarra de Bijlhout acomete un solo tremolar doblado sobre sí mismo en un fantástico pasaje instrumental decadente, fundiendo escenas (sueca, finlandesa y holandesa) a placer. Otro buen puñado de excelentes riffs de guitarra para "Lost" y un ritmo un pelín más acelerado. 

No sé la razón pero me es imposible no encontrar similitudes con la manera de tocar de Andrew Craighan; notas que se alargan hasta hacerse coincidir con la pegada de la batería, revolviéndose como el bajo y emulsionando a placer. Un tema de vieja escuela Gothic / Doom de esos que ya no se hacen, al igual que el magnífico "And they Remembered".... largo inicio instrumental y épico desarrollo con lucimiento vocal de Blankenstein. Soberbia la batería y sobre todo la repetición `ad nauseam´ del motivo melódico de la guitarra en modo espiral que le añade un poder hipnótico tremendo al corte. Pegadizo como el sudor pre mortem. Mismas palabras podría repetir para "As I Take What is Mine", que lanza a Structure a un tempo que roza el Funeral Doom. 

Cierra "Catatonic", instrumental con recitado en vocoder, cuerdas sampleadas y dejándote con ganas de más. Recomendado y más que notable Ep de STRUCTURE, proyecto que espero tenga continuidad y a ser posible, con Pim a las voces.

https://arduamusic.bandcamp.com/album/structure-ep

https://structure-doom.bandcamp.com/

JUAN BELDA & THE BIT BAND - "MOSCAS EN LA PLAYA" (LOS 80 PASAN FACTURA / ALTAFONTE, 2022)

Seis años ya desde que LOS 80 PASAN FACTURA me pusiera tras la pista de la Juan Belda Bit Band, y desde entonces, cuatro álbumes reseñados en profundidad y donde más o menos doy un repaso del enorme currículum de Belda. Por orden de reseñas, están No Encuentro la Tónica (Los 80 Pasan Factura / Altafonte, 2019), Carretera Mágina (Los 80 Pasan Factura / Fol Música 2016), La Rueda Infinita de Hans (Discos Necesarios, 2012) y I Love You!!! (Discos Necesarios, 2008). De la parte anterior más experimental de Belda solo puedo atestiguar los impresionantes ARTE MODERNO, y ya la etapa para mí desconocida más en solitario con discos como Desde el Hierro, el dedicado a la India en RTVE, su colaboración con Hugo Westerdahl o los primeros con Grabaciones Accidentales (Juan Belda, 1986 y La Pasión, 1990) sencillamente no he tenido la ocasión de escucharlos.

Era difícil superar a Carretera Mágica y No Encuentro la Tónica... pero es que este nuevo Moscas en la Playa es una auténtica delicia que mezcla el Rock Progresivo, el Jazz Rock, la Fusión, partes más Avantgarde y electrónicas con todo lo que se te pueda ocurrir, máxime si tu banda se compone nada más y nada menos de una plétora de músicos con un currículum que asusta. A ratos puedes centrarte en el Canterbury si te fijas en el uso sosegado la flauta, pero al rato están en terreno urbano y rompedor, abstracto y en picado propios del Rock en Oposición (sin ínfulas oscurantistas, eso sí). Decir Jazz-Rock porque haya saxos y bases rítmicas Funk deudoras de Miles Davis sería acotar demasiado así que bueno, lo mejor siempre sacar uno sus propias conclusiones. Lo que verdaderamente vertebra la originalidad del sonido de la Big Band es la camaleónica forma de manejar los teclados de Belda, teniendo siempre por bandera esos estilos New Wave que transitaba en los 80 y 90.

Algunos cortes son micro ecosistemas donde habita lo psicodélico en forma de un Space Rock urbanita que curiosamente puede recordar a los Mother Gong de su etapa media, y si hablamos de Jazz Contemporáneo los espaciales devaneos de los sintes de Belda crean grooves que me despistan por completo (ahora Funk, ahora marcianos), de alguna manera (no sé de cuál) conectados a la vanguardia catalana más soterrada pero por otra, al completarse con el sonido orgánico de una banda de jazz al completo, nunca se pierde la esencia del Jazz Rock setentero.

JUAN BELDA BIT BAND ahora mismo son (lo siento, si me entretuviera en el `corpus delicti´ de cada uno de los músicos no acabaría nunca y muchos de ellos ya son perros viejos de presa):

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* Juan Belda // Piano, synth, organ, guitar and tapes

** Juanjo Ortí // Saxophone Drum

*** Pelayo Arrizabalaga // Saxophone

**** Jorge Pardo // Flute and saxophone

***** Javier Colis // Guitar

****** Enrico Barbaro // Bass

******* Miguel Gil // Saxophone and Flute 

******** Markus Breuss // trumpet

********* Samuel Tarraco // Trumpet

********** George Marti // Trombone

*********** Hugo Westerdahl // Guitar

************ Iñaki Araquistain // Saxophone

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Moscas en la Playa se compone, graba y produce por Juan Belda en Estudios Fonoelástica con algún corte rescatado del lejano 1987 y oro que es de Markus Breus. Oscar Herrador masteriza el resultado y la portada (`Coworking´) es de Ximena Bares. Producción ejecutiva de Francisco Macías (investigad este misterioso nombre, que anda detrás de muchas ediciones fantásticas en los últimos 15 años). El digipack lo diseña Madoka Belda y editan nuevamente LOS 80 PASAN FACTURA y ALTAFONTE. 

Abre la fresca "Mayo Tranquilo" con un pletórico Belda al Moog y unas oscilaciones muy `exploitation´sobre una base rítmica totalmente desenvuelta y remachada por pianos, saxos y flautas que poco a poco se van alternando en mini solos. La forma en la que la electrónica dialoga con el resto de instrumentos lleva al conjunto a una demencial vuelta de tuerca del Rock Progresivo. Por cierto, la manera en la que se abre el disco me recuerda a Soft Machine aunque luego todo vaya deslizándose poco a poco a un cruce entre lo que vienen haciendo hoy día bandas como Flat Earth Society (escuchad Boggamasta sin las voces) y el rollo Canterburiano de toda la vida. Eso sí, "Pasodoble" te da una hostia en toda la cara... si Pete la Roca lo clavó en el Be Bop con Malaguena (Blue Note, 1965), aquí la Bit Band deconstruye un pasodoble con sus trombones circenses dándole al asunto una frescura brutal.... destaca los mini solos contenidos del trombón de George Marti, dialogando juguetonamente con Arrizabalaga mientras Belda crea un demencial fondo de Moogs, órgano y Rhodes. Es latino todo, pero del que sangra; a partir del minuto 2:30 se desatan los infiernos... vaya manera de subir los tonos del saxo, vaya camaleónica base rítmica y qué intrincadas resultan las melodías. 

"La Voz de su Amigo" es Mellotron, vientos, base rítmica y ladridos... así tal cual. Jazz Noir en plan canino, muy andante y con un registro que me recuerda por una parte a algunos trabajos de Medewski, Martin and Wood, mientras que en el siguiente "Judeoconverso (Fanfarria)" la introducción de la guitarra de Westerdahl me retrotrae a los Ceramic Dog de Marc Ribot por un lado e indiscutiblemente, como no podía ser de otra manera, la serie de la Radical Jewish Culture de Zorn en TZADIK. Ritmos Klezmerianos cuasi tarareables en los vientos puntuados de un Belda que se viste vibrafónicamente de Kenny Wollesen (es rara la comparación, pero el abordaje percusivo de uno parece complementarse con la manera en la que trata la electrónica Belda, dejando las notas flotando y buscando el espacio). Maravilloso cómo se miden los tiempos, el ritmo arrastrado y la atmósfera que aporta el Mellotron. SUBLIME. 

Sigue "Marzo 2020", con un toquecito de Easy Listening, muy sosegado, lisérgico y plagado de samplers vocales; aquí los teclados son muy ochenteros y los instrumentos de viento casi parecen metido en un loop. Mucho más interesante me parece la sincopada "El Taladro del Vecino" con riffs de guitarra del maestro Javier Colis, piano intrincado y saxo pletórico del gran Arrizabalaga para un tema corto pero lleno de detalles que marca un considerable cambio en el álbum; de los primeros temas más jazzeros, a partir de aquí se busca más la experimentación y se reduce el número de músicos en un contraste bastante sugerente. Así, "I Was Sitting in a Room" tira de minimalismo electrónico con sampler de voz de Alvin Lucier, uno de los grandes de la exploración y experimentalismo musicales. Por tanto, sobre un riff cósmico de Colis y sintes se construye una melodía crepuscular que suena a Surf pero con dosis excesivas de opioides. Con la boca abierta me quedo en "Flamenquito Eléctrico" y es que se retuerce todo un puntito más con la trompeta de Samuel el Tarraco que se procesa / alquimiza con la percusión electrónica de Pedro-Barceló y la maestría de Belda en una suerte de Cuarto Mundo de Jon Hassell en versión flamenca... increíble pero cierto.

La última parte del disco es una absoluta locura; "_Skype" es el Swing del futuro (magníficos platillos de Juanjo Ortí), mezcla el Swing con Chrome y directamente al manicomio; sigue "El Viejo Metrónomo" o lo que es lo mismo solo Belda a la guitarra y Moog en el corte más oscuro del álbum, al igual que la experimental "Moscas en la Playa" (originalmente de 1987) y rescatada aquí para la ocasión, con multitud de sintes atacando desde todos los flancos y aunque a priori pueda sorprender lo distinto que suena con respecto a los primeros temas, para mi gusto da un aire de frescura que termina por rematar Markus Breuss en su composición "Itinere-Itinere". Experimentación con cintas de cassette al más puro estilo CASSIBER como fondo y colchón de la siempre interesante trompeta de Breuss mientras que la marcianada la pone el Moog de Belda. 

Como MU de Cherry pero en clave electrónica para cerrar uno de los discos más alucinantes de 2022. No, no saldrá en las listas de discos del año porque esto es para otro tipo de oídos. IMPRESCINDIBLE.

DISCOS PAT

https://juanbelda.bandcamp.com/album/moscas-en-la-playa

https://www.los80pasanfactura.com/