DARK SKY BURIAL - "V.I.T.R.I.O.L." (CONSOULING SOUNDS; SOULCCIX, 2024)

DARK SKY BURIAL es el proyecto en solitario nacido en las postrimerías de la Pandemia de nada más y nada menos que Shane Embury de Napalm Death, activado en modo ultra prolífico porque desde más o menos 2020 hasta ahora ha editado un buen puñado de álbumes (enlace a bandcamp), a lo que se añade ahora este V.I.T.R.I.O.L. que funciona a modo de recopilatorio de lo más granado de sus anteriores trabajos, incluyendo parte de sus llamados Maze Quadrilogy (álbumes que salieron con unas portadas de laberintos y que incluían cortes con títulos en latín).

Embury, encargado de programación de baterías, teclados y secuenciadores realza aquí su faceta experimental e intimista en una electrónica teñida de Avantgarde profusamente Ambient. La grabación de la música se realiza en The Imagination Sanctuary (Birmingham) con posteriores aditamentos alquímico / griálicos en los Parlour Studios (Russ Russell). Masterización de Mastered JP Braddock (Formation Audio) y un bonito artwork que desconozco su autoría y que adorna tanto la edición en Vinilo como en Digipack que edita CONSOULING SOUNDS. 

Que V.I.T.R.I.O.L. exuda banda sonora de Sci Fi lo pone de manifiesto las decadentes subcapas de "Decay Is the Matrix of Fertility", que abre el disco en modo épico con esas bases percusivas de Ambient y Horror Synth necro futurista que es más disfrutable como siempre con auriculares. Conforme avanza el tema, se añaden elementos bombásticos de Dark Ambient y un excelso, meditabundo saxo tocado por Tom Dring que por las circunstancias que sea me recuerda al álbum Rendez Vous (1986) de Jean Michel Jarre en su último corte "Last Rendez Vous" que para los que no conozcáis la historia, la interpretación de saxofón desde el espacio exterior por parte del astronauta Ron McNair, miembro de la tripulación del transbordador espacial Challenger, quien falleciera en el accidente ocurrido el 28 de enero de 1986. Finalmente, pues fue interpretado el saxofón por Pierre Gossez.

Sigue "Excarnation" que mezcla el Ambient con la EBM en sugerentes pátinas que beben también un poco del Metal Industrial menos bilioso con samplers vocales y algunos arabescos propios de la electrónica tipo THE ORB. Más oscura resulta "Beware your Subconcious Destroyer" que aun manteniendo el tono bailable aporta algo más de oscurantismo (algo así como el Mortiis del The Smell of Rain) y manteniendo ese aroma a banda sonora retrofuturista. Sigue "Flesh Altar", que sin duda me ha gustado mucho más que las anteriores con esas capas de proto Techno y que si bien es cierto no llegan al nivel de sordidez del Industrial Noise en sus ejemplos bailables (carece de la mala hostia que aporta el Harsh) rezuma de esa negrura decrépita tan necesaria en este tipo de discos.

A partir de aquí, el disco se vuelve más oscuro para mi gusto; tempos lentos para el himno "Vincit Qui Se Vincit" con sacros recitados en latín que ponen la carne de gallina. Me encantan estos ritmos arrastrados y sus bases rítmicas tanato litúrgicas;  se van siguiendo temazos como la espacial y cósmica "Constellation of Archetypes" con sus cascadas de teclados y sus remaches de notas minimalistas y cánticos angelicales, o la más barroca / fantasmagóricamente ululante  "Embrace The Shadow". Suena variado y ecléctico en el in-crescendo de "Mind Rats" que balancea a la perfección todos los elementos expuestos anteriormente (experimentación, industrial y melodía) haciendo hincapié en las percusiones programadas que sin solución de continuidad estallan en marciales golpes en "De Omnibus Dubitandum Est", perfecta para la masturbación en grupo en el laserdromo de tu barrio... y ojito que una de las características de DARK SKY BURIAL es que nunca pierde de fondo (casi que diría que en todo el disco) la melodía redentora e introspectiva, como ocurre en ese andamio sonoro procesional de  "The Vertical Labyrinth" que cierra un notable álbum muy trabajado lleno de detalles.

https://consouling.be/release/vitriol

https://darkskyburial.bandcamp.com/music

MALABRIEGA - "FRIPPADA ANDALUZA" (ASTRONOMY RECORDING MUSIC; ARMCD010; 2025)

Muy sorprendido al encontrarme con la continuación de Fiebre de los sevillanos MALABRIEGA nada más y nada menos que siete años después que salvo algún que otro cambio en la formación (a priori y si tiro de memoria, creo que han perdido la flauta / saxofón de Luís Oria. Por tanto, Juan Castro sigue a la voz, Joaquín Sainz toca la guitarra eléctrica, Manuel Soto `Noly´ la española, Sergio Carmona el bajo y Raúl Gómez hace lo propio con la batería. El apartado técnico en Frippada Andaluza que así se llama el álbum se completa con grabación y mezcla en Estudios Pelícano (Jesús Chávez), masterización en Black Box Mastering (Miguel Angel González) y la sugerente ilustración de Virginia Pron / layout y diseño de Iago Méndez. La edición en Digipack corre a cargo de ASTRONOMY RECORDING que últimamente anda lanzadísimo con su distribución a través del experimentado y renacido áMarxe. 

Desaparecidos los vientos Jethro Tullianos, el sonido abandona bastante del Jazz Rock tradicional pero acentúa lo Progresivo y en cierto modo un giro hacia una suerte de Psych a lo andalusí brutalmente destilado y cargado de una calidad monumental. También tirando de memoria se cae los ligerosa arrebatos de Metal Progresivo o más bien se sutilizan. El resto, ineludible volver a traer a la palestra a Frutería Toñi, a Triana y todo el sustrato del Rock Andaluz y, si me pellizcáis el pezón del centro (ese que es más largo y colgante), si quitáis la voz no es difícil entroncar en cierta manera con esos proyectos gaditanos post Viaje a 800 como Atavismo, Híbrido y para terminar la conexión andaluza, los algo desaparecidos Kermit a quienes me gustaría rescatar porque hay muchos pasajes instrumentales en que me recuerdan a Litoral (2014).

Curiosamente, tardé mucho en conectar con el primer disco (editado por Sacramento Records) mientras que este ha entrado con la sutilidad de un supositorio mentolado de punta hueca y creo que es porque suena más apelmazado, grueso y emotivo a la par que original en el sentido que han sabido conseguir una frescura e identidad propias dentro de un recinto tan cerrado como el Prog a la andaluza (quizás me equivoque, pero vuelvo a reiterar que la base me parece mucho más lisérgica y los contrastes con lo flamenco me han gustado más).

Toda una declaración de intenciones King Crimsonianas con la apertura de "Frippada Andaluza (La Mar Limpia", diez excelentes minutos que se abren con una sugerente calma que también podría recordar a los primeros Porcupine Tree. Los sincopados ritmos Progresivos y la excelente base rítmica han crecido enteros a nivel compositivo rozando ese término que no me gusta mencionar (P_st R_ck) pero que aquí se sublima porque no sobra ni falta ninguna nota, especialmente de una guitarra que espirolea como el humo de un pebetero. Cambios de ritmo para alternar con la acústica denotan melodías nunca acomodadas que a pesar de ciertos momentos angulosos (equilibrio perfecto entre melodía y virtuosismo) permiten de alguna manera que la voz de Juan Castro deslice sus letras poéticas más o menos a medio camino entre Triana y los primeros Tabletom. 

Más enterradas pero presentes campean sábanas Canterburianas (más marcadas quizás en Fiebre) reflejando esa etapa ya quizás menos experimental de Soft Machine pero mezclado con aromas pastorales de Folk Rock. Eso sí, tengo que reconocer que echo de menos el saxo aunque sí que es verdad que estructuralmente parece tener menos cabida. Sigue "Tu Pelo", con un crescendo magnífico de la voz que aporta una epicidad que transforma el tema en una especie de himno. Buena introducción a la guitarra flamenca en "El Duelo" con muy buenas letras meditabundas que sobrevuelan una compacta base rítmica y una fusión muy conseguida entre Flamenco y Rock Psicodélico. Aunque hay solos de guitarra que se repiten a lo largo de todo el álbum, afortunadamente no se abusa de este recurso que para un servidor suele ser algo que le provoca reacciones anafilácticas. Muy buen `fade out´ y finalización del tema, cosa que a veces no es nada fácil de hacer. 

Sigue "¿Qué Será?" con buen juego de dobles guitarras y buen y sincopado bajo. Se va recrudeciendo por momentos la música que alterna desde lo desértico / crepuscular (quita la voz y tienes a Palm Desert a la andaluza). Vuelvo a reiterar la enorme labor de Juan Castro a las voces / letras. Buen cambio de ritmo sobre el minuto tres y pico que roza el Hard Psych peyotero que casa a la perfección con ese deje andaluz de la voz de Castro. Pequeño puente de minuto y pico de "La Levedad del Ser" que se sale de los parámetros estilísticos mutando a un campestre, pastoral Folk Rock que se va revitalizando hasta conectar con el inicio pseudo Noir de "La Libertad", musicalmente más recrudecida e imposible de no conectar con Triana. Una absoluta maravilla que funciona como un himno atemporal sin visos de caducidad. 

Encauzamos el tramo final con el minimalista inicio de "La Libertad", y esos siete minutazos redentores que huelen a epílogo en "Reflejo Vacío", fusionando estilos, destilando todo lo anterior, y mostrándonos a unos Malabriega que se mueven cómodos en todo tipo de registros (maravilla el arranque oscuro metalero sobre el minuto dos y pico) y la facilidad con la que vertebran los puentes, estribillos y melodías de un discazo que en mi opinión les ha quedado de lujo... y todavía queda esa joya de orfebrería de "Calamidad" que orientaliza a Malabriega, brilla con ese recitado enorme, esas letras que son machetazos, esa guitarra que se abre distorsionándose con algo de los Lagartija Nick en Omega... y sí, lo digo sobre todo por lo crudo que se vuelve el ecosistema musical en el que se mueven (aunque evidentemente nunca tan oscuros como los granaínos).

Permitidme que os recomiende este maravilloso segundo disco de Malabriega. DESCOMUNAL.

https://astronomyrecordingmusic.bandcamp.com/album/frippada-andaluza

JOAN GÓMEZ ALEMANY / JOSEP LLUÍS GALIANA - (INTERACCIONS SONORES 2.0; LÍQUEN RECORDS LRCD034, 2024)

Antes de abrirnos a esta fabulosa dádiva de Interaccions Sonores 2.0 os recomendaría os hiciéseis el favor de leeros el texto de su predecesor, Interaccions Sonores (Líquen Records, 2019) más que nada para ahorrarme volver a curricular a dos grandes como Alemany / Galiana que para hacer una presentación rápida, no cabe discusión en que son dos de los principales `eje y peldaño´ de la electroacústica e improvisación ibéricas... todo dentro de una escena que evidentemente se vertebra con muchas más figuras de las que os he ido contando sobre todo en las reseñas del sello LÍQUEN RECORDS, y a su vez de ésta con la vanguardia sonora nacional.

Fiel al espíritu de la primera entrega, se juega con la cordura del oyente al que se le lleva a lo liminal... justo aun sitio donde no sabemos si lo que suena es real o utópico, electrónico, acústico o aleación de ambos. Al oyente se le vapulea y se le hace lo mismo que a los instrumentos... se lo `procesa´. En este nuevo formato (se estrena en concierto el 4 de Mayo de 2023 en la Sala SGAE Centre Cultural València) Alemany improvisa al piano y aporta la electrónica precompuesta (la misma estructura electrónica / procesado electrónico sobre el que en este volumen 2 ambos músicos improvisan) y Galiana al saxo soprano y barítono. Muchas cosas pasan entre ambas grabaciones que se detallan con profusión de detalles en el magnífico libreto escrito por Alemany que acompaña a un Digipack que publica nuevamente LÍQUEN RECORDS donde podréis leer que este proyecto acaba entroncando de múltiples maneras tanto con Llibertats Sonores de 2023 (con la inclusión de Avelino Saavedra) o el fabuloso Entartete Improvisationen de 2024, esta vez junto a Jesús Gallardo. 

El disco se registra el 31 de Agosto de 2023 (Rockaway Studios, Castelló de la Plana) por Raúl Artana. Mezcla y masterización son de Joan Gómez Alemany y bueno, el diseño gráfico de Sergi Moya (Cap i Cua) bajo imágenes de Tato Baeza y Laura Pastor. 

Adentrándome en el aspecto musical, imagino que por cuestiones de bagajes personales, alejarme de los experimentos de AMM sobre todo en ese largo `fade in´ que hace cuerpo para ir abriendo "Interaccions sonores. Part I". Es una constante en la electroacústica y la improvisación libre sonar en los registros bajos con un espectro sonoro parecido al del Dark Ambient y la electrónica. Imagino será cosa de frecuencias y ese abotargado y lento discurrir del piano preparado de Alemany donde las cuerdas casi que son pellizcadas mientras en la retaguardia el silencio lucha con algo parecido a una regurgitación in-crescendo que acaba materializándose en asordinadas trazas subrayadas del saxo (parece barítono pero como todo lo que acompañe a este disco, necesitarás meter el dedo en la llaga). Coincidan o no los instrumentos (las encarnaciones de AMM han sido varias), lo cierto es que esto suena Británico por los cuatro costados (indaguen ustedes en el fondo de catálogo ciclópeo de EMANEM o PSI de Evan Parker y ya me cuentan).

La sensación siempre es cinética. Se avanza en una suerte de espiral (para mí no un círculo porque nunca capto el cierre completo) de un minimalismo a dos bandas de un altísimo nivel de compenetración. El tono es oscuro; tanto, que ya digo que para sí lo quisieran muchos grupos del ámbito de la electrónica oscura tipo Dark Ambient. Las Glosolalias escupidas a la boquilla del saxo por Galiana son furiosos dentro de que están cortados de sus tonos agudos hasta que todo estalla en un agónico grito o nota antropomórfica que da paso a toda una plétora de clústers del piano tipo arpa de Alemany en "Interaccions Sonores. Part II". Se alternan las notas tradicionales con las vivisecciones del interior del instrumento en vivo y en directo. Me váis a perdonar que recurra a un texto de Interaccions Sonores I pero creo que define a la perfección lo que estoy escuchando ahora mismo:

`Alucinante el oscuro interludio, suerte de pútrida música o lo que es lo mismo, procesar el sonido de los gases de un cuerpo en putrefacción (¿seguro que esto no es Noise?) y pretender esbozar Free Bop por encima. El tramo final es Galiana 1 contra Galiana 2 en ignominiosa cópula hacia Galiana 3.0. Gana Alemany. Minimalismo que recuerda a Glass o Cage, pero mezclados con esos juegos de silencios propios de la Spontaneous Music Ensemble. Tal es el punto de abstracción que por determinados momentos creo estar inmerso en un disco plagado de Field Recordings (bueno, algo de eso hay) pero a la amabilidad de las notas del soprano uno siempre encuentra la salida. Por poner algún ejemplo, podría abarcar desde las más matemáticas composiciones de Braxton o Brötzmann hasta las inhumanas salvajadas crípticas de Evan Parker.´

Fantásticos exabruptos musicales donde el lado percusivo del piano contrasta con la musicalidad del saxo soprano sorprenden por sus ejercicios circulares a lo Parker remachados con ráfagas rápidas de piano rozando el Rag avanzado (no sé si eso existe). Estamos metidos de lleno en la abigarrada "Interaccions Sonores. Part III" donde la interacción se torna casi telepatía por parte de los músicos.... porque por parte del oyente, imagino que la confusión en el tramo medio de este corte será algo (el trenzado de saxo, piano y electrónica es tan cerrado que se masca la textura de hilo de cobre). Me encanta el extremismo y cómo rompen las etiquetas volcándose casi en un Harsh Noise tan y como lo hicieron en el disco anterior del que dije en su día:

`Lo barítono se ha transformado en subsónico y en sístoles y diástoles sinusoidales que van emergiendo a este lado de la realidad mediante el despojo del detritus de las notas graves. Cualquier oyente despistado podría confundir esto con la versión más amable del Harsh Noise Wall, pero afortunadamente en el minuto 2 y medio un sostenido lucha contra su propio alter ego (que ha mutado a una mezcla entre digeridoo y cuenco tibetano). Imaginad que cogéis la etapa eléctrica de Miles Davis y la destiláis molecularmente hasta quedaros con un esbozo de 8 bits... si habéis sido capaces de imaginar algo así y entenderlo... bueno, entonces sois la hostia. Electroacústica que coquetea con el Dark Ambient, libre de prejuicios.´

Volvemos a terreno conocido (con sus disonancias y atonalidades, sus ángulos y requiebros) en "Interaccions Sonores. Part IV", que de inicio suena terrenal, cercano al Don Cherry más ancestral (MU) para ir sosegándose a un diálogo puramente de Impro Jazz con ese `hum´ mántrico dando cuerpo en la retaguardia. Alucinante el cariz metálico que adquieren los soplidos del saxo y la algarabía de recursos percusivos que da el piano en sus vísceras dando la sensación agónica de Música de Cámara en la Ferretería de mi Pueblo (pero en gravedad cero), cosa que se extremiza en "Interaccions Sonores. Part V" aunque asumo que a estas alturas todos andaremos medicados con sustancias inyectadas y ya se sabe que la lisergia, con sangre entra.

Fulmina este excepcional disco los más de doce minutos de "Interaccions Sonores. Part VI", aguerrido destilado de todo lo anterior, con cosas que se llevan todavía más al extremo, y que no hacen más que convencerme de que al igual que su anterior volumen, es un álbum de adquisición obligada. Alucinantes loopeos, delays y ecos del saxo... sensación de que Alemany juega con el espacio / tiempo con la facilidad de un nigromante, y esa cosa que no me quito de la cabeza aunque no la he comentado antes de que los 60 minutos son la banda sonora perfecta para acompañar la lectura de La Divina Comedia... o al menos, para atraversar algún que otro de sus círculos. Música para atravesar túneles físicos o mentales... música macro o microscópica, notas que se abren cerrando puertas que a su vez abren otras en una escheriana arquitectura sonora cuya resolución sólo está al alcance de .....

https://liquenrecords.com/2024/11/28/interaccions-sonores-2-0-joan-gomez-alemany-josep-lluis-galiana/

VOIDWARDS - "BAGULNIK" (AESTHETIC DEATH; ADCD 110, 2024)

Desde las profundidades de Moscú, debutan VOIDWARDS (por cierto, curioso que algunas partes de su sonido me traigan a la cabeza a los italianos Dolorian y su disco de culto Voidwards) con Bagulnik, una de las agrupaciones más oscuras del panorama Funeral Drone Doom en 40 densos minutos divididos en dos cortes que beben de ese pútreo caldo de cultivo de agrupaciones / proyectos a lo Crucial Blast tipo Gnaw Their Tongues, cositas como Theologian, Aghast, Skullflower o Ramleh por citar algunos nombres que me vienen de sopetón aunque puestos a afinar, por el contexto de la grabación (ahora daré detalles), no puedo olvidar uno Gulaggh de VORKUTA (Crucial Blast, 2012), uno de los discos más desasosegantes que he tenido ocasión de echarme a las orejas. Hay más, por supuesto.... esas letanías ultra densas, largas y procesionarias podrían recordar a HJARNIDAUDI (Pain:Noise:March de 2016) pero tampoco es cuestión de hacer aquí un catálogo de influencias.

Lejonis (voces, guitarra, sonidos y cello) juntoa Yury (guitarra de ocho cuerdas, fretless bass de seis cuerdas) graban en los Void Studio (Moscú). El masterizado es del grande Greg Chandler en sus Priory Recording Studios y la portada obra de Anna Bespalova. Fotos internas de la propia banda y layout de Stijn Van Cauter. La edición, digipack negro como la noche de los tiempos acompañado de libreto de 8 páginas cuidado con mimo por AESTHETIC DEATH. Por cierto, una búsqueda exhaustiva en las redes me ha llevado a un Ep previo llamado Amidst the Ocean of Fog (2022) con la misma formación aunque desconozco si el estilo era el mismo.

Bagulnik es conceptual y hace referencia a una serie de eventos ocurridos en una ciudad del norte de Rusia (imagino que Bagulnik) donde los habitantes se ven aquejados de insomnio, depresión y miedos que relacionan a una serie de pantanos de las afueras de la ciudad. En dichos pantanos crece el Ledum, planta de flores blancas que produce una neurotoxina que provoca psicosis y alteraciones neurológicas. Todo esto es recogido en el diario de Ivan Perfiliev, profesor del lugar que recoge todos estos eventos (inclusive autoagresiones tan viscerales como ciudadanos que se golpean la cabeza contra una pared para hacer desaparecer `voces´ intrusivas en sus mentes). El diario termina abruptamente con las palabras: `The May Fog is the Densest, it Callls me Forth´. 

Dicho diario es descubierto por Lejonis que usa fragmentos del diario para construir las letras de los dos temas que componen el álbum. Para más inri, la banda visita los pantanos en 2003 y fotografían el lugar (podeís ver dichas fotografías en glorioso blanco y negro dentro del libreto). Si con todo esto que parece el argumento de una película de `found footage´ no te atrae el disco, es que tienes el alma muerta. Lo primero a advertir es que esto es para gente que ame la mononolítica crudeza y extremismo del Funeral Doom de gente como Worship, Bunkur o los FinlanDIOSES Wormphlegm. 

Disonante, atonal, opresivo, disarmónico y lento, muy lento, son los 20 minutos de "Bagulnik I" que abren con una cortante muralla de guitarra eléctrica y una percusión tan antigua como la noche de los tiempos. Sonido sucio y múltiples capas de sonidos de difícil catalogación (me parecen escuchar campanas de iglesia) van rellenando un fondo que transcurre como el légamo putrefacto de una ciénaga. La voz, inhumana, alterna entre esos primeros cánticos decadentes del inicio (se va sumando el bajo a la base rítmica) y su posterior transformación en una fuerza gutural de la naturaleza. Si en vez de concentrarte en los instrumentos por separado, dejas que te arremeta toda la muralla, la sensación es muy decadente y depresiva girando el asunto hacia esa vertiente del Funeral Extremo Depresivo que bueno, tiene sus seguidores (entre ellos yo). 

Nada desdeñable es el uso de elementos propios del Dark Ambient, bien sea por los sonidos de campo o por el uso de cello que siempre aporta un toque a lo Música de Cámara o sinfonismo séptico que le va a la perfección a estos estilos. Posiblemente si ralentizas a Gnaw Their Tongues al ritmo casi de asistolia y lo mezclas con Skepticism, Evoken o una versión rural (nada de cosmicidad) de Esoteric te saldrá algo parecido. Lejos de lo que pueda parecer, la funeraria pátina de Drone tiene muchos cambios que son apreciables mejor con auriculares a modo de triposo viaje que recomiendo realizar a oscuras y alto volumen. Quien quiera ahondar un poco, os dejo un enlace a un concierto reciente aquí.

Sin solución de continuidad entran los otros 20 minutos de "Bagulnik II" que me retrotrae a ese pérfido minimalismo de The Black Void (Stijn Van Cauter) en aquella soterrada bestia de Desolate (2003). Acentuado el aire de amenaza, prosigue imperturbable con una guitarra que modula sincopadamente al son de una base rítmica reanimada en vida. Vuelve a entrar la voz desde el inframundo dentro de una maraña de asperezas, sonidos disonantes (esto es muy de Evoken) y una considerable claustrofobia que va acentuando poco a poco el ambiente apocalíptico y malsano. Se trata de un álbum `experiencial´ en el sentido de que las descripciones no hacen justicia.... tienes que enfrentarte al triposo viaje que te proponen. Tramo final donde es complejo distinguir si hay cánticos o bien son las vibraciones de una ciclópea campana aunque al fin y al cabo, da igual... el muro de guitarras te lleva de la mano hasta el centro mismo del pantano donde se capta esa decrépita luz de `cosa muerta que se pudre´ que habita en este tipo de lugares.

ULTRA RECOMENDADO PARA AMANTES DEL ESTILO.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6547

ISABELLE DUTHOIT & PROYECTO OCNOS - "CHILLAR TODO EL DÍA" (SENTENCIA RECORDS; SRCD24, 2024)

Áspero y brutalmente atonal es Chillar todo el Día de Isabelle Diuthoit & PROYECTO OCNOS, grabación / mezcla en directo el 5 de Noviembre de 2021 por Javi Mora (Espacio Turina, Sevilla) y que sale a la luz por Sentencia Records en formato digipack. Proyecto Ocnos, bajo diversas encarnaciones (aunque siempre pivotando alrededor de la primitiva molécula o prión de Gustavo A. Domínguez y Pedro Rojas), lleva ya un tiempo soterrando el subsuelo hispalense y creo que el texto de su página web es tan potente que es imposible que pueda eludir reproducirlo aquí:

`Ocnos, cuyo nombre utilizó Cernuda para su poemario sobre lugares de Sevilla, es un misterioso habitante del Hades que pasa la eternidad trenzando una cuerda de juncos que su asno devora en el acto. Símbolo de lo efímero, y de lo in-útil, la trenza de Ocnos establece una perfecta analogía con el arte, que no sirve a ningún propósito más que a sí mismo; y particularmente con la música que, como la cuerda, desaparece inmediatamente tras ser creada.´

En esta grabación, masterizada y engalanada por Borja Díaz y Gonzalo Santana respectivamente. Portada muy a lo Evan Parker del The Topography of the Lungs (1970) mezclada visualmente con cierta sutileza de cuando Zorn tenía mala baba (sus grabaciones en DIW o las primeras cositas en Tzadik). La ilustración escogida es el impresonante grabado `Muscles of the tongue, mouth and throat, with interconnections to the nose: three figures´ de A. Bell según G. Bidloo, 1798. La formación aquí es:

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Isabelle Duthoit, cantante
Alejandro Rojas Marcos, piano
Luz Prado, violín
Marco Serrato, contrabajo
Borja Díaz, batería
Pedro Rojas-Ogáyar, guitarra eléctrica
Gustavo A. Domínguez Ojalvo, clarinetes y concepto musical
Alfonso Camacho, audiovisuales
Ana Sánchez Acevedo, dramaturgia y escenografía

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Presentar a cada músico sería tedioso, además de que much@s ya han recorrido las páginas de este blog en reseñas de conciertos o discos (desde Luz Prado a los combos jazzísticos de Borja, Serrato y Gustavo). Sí que me gustaría hacer hincapié en la excelente labor de Isabelle Duthoit, también clarinetista, y que ha colaborado con vocalista y clarinetista francesa que ha colaborado con artistas tan insignes como Joelle Leandre, Marilyn Crispell, Ingebrigt Håker Flaten, Paal Nilssen-Love, Matija Schellander o Tom Hodgkinson. 

Chillar Todo el Día es una obra experimental basada en un cuento de Kafka (los detalles de la trama y sus implicaciones en la música os la dejo para vuestras investigaciones) y que a nivel sonoro yo capto diversas partes bastante diferenciadas y que beben de distintas fuentes estilísticas casi todas ellas del Free o la Impro Europeas. Así pues, esta poliédrica incursión en forma de suite viene a ser una especie de reverso tenebroso entre las composiciones de Carla Bley (Escalator Over the Hill por ejemplo), las obras más crípticas del primer Free Jazz europeo de Keith Tippett con su bestialidad irrepetible de la CENTIPEDE BAND (Septober Energy, 1971), pero todo más enfocado a la Impro pura y dura de silencios casi perpetuos de unos AMM o Spontaneous Music Ensemble (por supuesto, siempre guardando las distancias con los nombres casi míticos que estoy soltando aquí). Dicho de otra manera, la electroacústica (Cage o Riley) juega al parchís con la garra de juventud de Evan Parker, Guy o Lytton y haciendo diversas incursiones melódicas en aquel Free Jazz Británico primigenio donde todavía no se había perdido totalmente el fraseo melódico. 

Claro, luego tienes una bestia de la naturaleza que es la base rítmica Serrato-Díaz o esa impresionante cascada de clústers de piano de Rojas Marcos que tiene la fuerza de Cecil Taylor en sus mejores conciertos. Cuando pones todos estos elementos en la batidora, lo que obtienes es una trama pautada de corte insano (la voz gutural de Isabelle es apabullante), clímax atronadores que rescatan lo mejor de Hidden Forces Trio y en definitiva, una obra con una personalidad propia que no se asusta nunca de pasar de la Concrete Music a las disonancias puras y duras. Evidentemente, sobre la parte dramatúrgica y el diseño del set de Ana Sánchez Acevedo no puedo opinar más que por las fotografías que he visto que apuntan a que fue un evento trabajado hasta el último detalle.

Un excepcional gruñido hace de `fade in´ para empezar la fiesta con "Obertura". Minimalistas ejercicios donde destaca un piano nervioso que interactúa con todos los instrumentos (micro notas asordinadas del clarinete, los platillos de la batería o los tonos grávidos Noir del bajo). La voz de Isabelle se animaliza (pasa del rango de lo grave a lo agudo de forma casi imperceptible y vibrando en la misma longitud de onda que el clarinete) a la par que la Arkestra se va contorsionando sobre sí misma en ejercicios abruptos de todos los instrumentos. "La Quietud" es minimalismo basado sobre todo en la base rítmica y algunas regurgitaciones del clarinete en tonalidades muy bajas, cosa que se vuelve a repetir más adelante en el largo "Me Burlo de Vuestra Protección". Imposible no acordarse de la Spontaneous Music Ensemble.

La Música Contemporánea hace acto de presencia con las cuerdas golpeadas (no sé si de guitarra) y sonidos muy difíciles de localizar (cuesta saber si es una cuerda destensada del violín, de la guitarra o un objeto golpeando el contrabajo) pero que exuda en conjunto teatralidad y si bien no se llega al rock en ningún momento, no es baladí citar a Art Bears o Henry Cow, a cositas de Dagmar Krause y vaya usted a saber si hasta de Julie Tippets. Estamos en "Nuestra Raza no Aprecia la Música". Cuando se alcanza tal nivel de disonancia el espacio / tiempo se deforma y se entra en un trance del que nos saca Serrato allá por el minuto 2 de "En Medio del Sueño" con un maltrato evidente de las cuerdas del contrabajo (elongaciones, bondage y rasgueos con arco). La segunda parte del corte donde se suman todos los instrumentos como una muralla es de una sobria intensidad que roza el Doom jazz (si alguien sabe lo que es ese género) al margen del cariz `gutural´ que aporta la voz de Isabelle.

De mis temas favoritos "Concerto Grosso" donde se eleva el asunto a máximas cotas de intensidad. Un puño americano de ImproJazz de corto minutaje que engarza con la pieza "Interludio" de cariz mucho más Jazzístico. El triple juego de cuerdas (contrabajo, guitarra y violín) es la TTT o Trinidad de Torturas Timpánicas (se rozan, se autoagreden, copulan, rompen y reconstruyen una y otra vez en los 60 minutos del disco). Sigue "Nuestra Vida es Dura" con un ejercicio circular de Gustavo al clarinete que me trae mucho a la cabeza (cambiando a trompeta) al Don Cherry de finales de los 60. Por cierto, me encanta el sincopado ritmo de la guitarra eléctrica de Pedro Rojas, la profusión de recursos percusivos de Borja Díaz y los asfixiantes jadeos de la voz... todo dirigido a un decrescendo cinematográfico alucinante.

"¿No será un simple chillido?" juega con una oscurísima atmósfera de glosolalias abotargadas y circulares clústeres de guitarra y violín. Soberbia la explosión y giro hacia ese Free doom de agrupaciones como Dead Neanderthals. Tras la mentada arriba "Me Burlo de Vuestra Protección", toda una sábana de Jazz benzodiacepínico que va subiendo peldaños en sus últimos minutos conforme el sopor es revertido como los antídotos de los relajantes neuromusculares hasta que se desemboca en "Su Último Chillido"... diez minutos donde se destila más de todo lo anterior y se finiquita con la bienllamada "Finale".

En resumidas cuentas, un DISCAZO IMPRESCINDIBLE si te gustan estos estilos.

https://sentenciarecords.bandcamp.com/album/chillar-todo-el-d-a

EDU COMELLES / SERGI PALAU - "ABOUT BERLANGA" (OIGOVISIONES LABEL OV-28, 2024)

Edu Comelles (música) y Sergi Palau (visuales) son artistas quintareferenciales (tanto, que no voy a biografiarlos sino enlazaros a las líneas vitales de sus págines web) que unen fuerzas en este atonal, poliédrico planeo bicromático homenaje al gran Berlanga en la que se me antoja una de las mejores ediciones del sello OIGOVISIONES LABEL hasta la fecha. ABOUT BERLANGA, que así se llama la edición, es una suerte de banda sonora `audiovisual´cuidadísima hasta en el más mínimo detalle artesanal que a la sazón es: 

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una 4Gb SD Card (Lossless & HiQ Mp3/Live Av FullHD), con portada impresa en papel de 250gr (Materica Clay cardboard) que sustenta un insert en papel de 180gr (Materica Limestone), además de 4 preciosos fotogramas en 180gr (Materica Limestone). Todo recubierto con su funda protectora de plástico y sellado con la pegatina con el logo del sello.  

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¿Qué es lo primero que hago? Pues como ya me vais conociendo, pues quemo la música a un cd-r y lo meto dentro para tener acceso rápido y directo a los maravillosos 33 minutos que pasaremos a describir a continuación aunque he de advertir que la experiencia es audiovisual y para ello se incluye un vídeo del Festival Volumens (La Mutant, Valencia, 2022) que es de OBLIGADO VISIONADO.

Intentar abarcar todos los detalles técnicos de semejante proyecto sería tedioso, así que resumo con varias pinceladas: idea original de Antonio J. Albertos, grabación del vídeo y edición por TV2Beat / Sergi Palau, diseño de F.Ba y masterización de Rubén Suárez. El resto sería casi la lista de los créditos finales de Superman. No me gusta hacer corta y pega, pero los artistas definen a la perfección su trabajo:

`About Berlanga es un proyecto audiovisual en clave digital y contemporánea. que toma como punto de partida el universo cinematográfico de Berlanga y sus bandas sonoras. para construir una paisaje sonoro y visual crítico sobre la nostalgia, la memoria colectiva y el recuerdo. 

La pieza toma como punto de partida tres de las más icónicas bandas sonoras de Miguel Asins Arbó· Plácido, El Verdugo y Bienvenido Mr Marshall para hacer una relectura de las mismas a través de su deconstrucción musical y procesado electrónico. El conjunto presenta un paisaje sonoro en el que el ruido de cintas magnetofónicas y altavoces antiguos dialoga con ensof1aciones musicales que disparan la memoria y el recuerdo de unas melodías que, más que bandas sonoras. forman ya parte de un imaginario cultural común. 

Desde lo visual Sergi Palau despliega su imaginario seleccionando imágenes y secuencias de las mismas tres obras que, aún procesadas digitalmente. buscan crear una nueva narrativa sin separarse del mensaje social desprendido de ellas y que conjuntamente con la pieza musical, trasladan el universo Berlanga hacia una nueva y poética dimensión.´

Esto resume bastante la parte sonora y visual, pero lo que le da empaque contextual y cuerpo es la descripción casi atávica que hacen de ese hilo umbilical que une generaciones, sensaciones, vivencias, olores y nostalgias hasta el punto de que la reflexión filosófica hace acto de presencia enclavando About Berlanga en un determinado momento de nuestra historia:

`Es un viaje de ida y vuelta persiguiendo un imaginario sonoro y visual de una época pasada, donde la sátira era el instrumento para combatir la censura del régimen de Franco y dibujar una crítica feroz a un sistema atroz y perverso. Desde la óptica y escucha actuales. con la retromanía y el culto a la nostalgia es fácil que proyectos como este acaben en este cajón desastre revisionista. Sin embargo aquí, About Berlanga busca una lectura crítica sobre cierta nostalgia, especialmente cuando en el momento actual resulta tan vigente como hace 60 anos. ¿Qué ha pasado desde entonces? ¿Cómo sigue vigente una sátira y su discurso político en la actualidad? 

¿Por qué seguimos combatiendo la misma sinrazón, intolerancia y desigualdad? About Berlanga no quiere buscar respuestas, quizás plantearnos la forma en como alimentamos la nostalgia y como esta a veces no es neutra.´

Aunque voy a describir los patrones sonoros (como los sastres, con sus costuras inclusive) de Comelles, es ineludible visionar el procesado de imágenes de Palau y de cómo todo fluye en un orgánico carrusel de blancos y negros. La experiencia total es audiovisual y el punto exacto de cosmicidad se alcanza evidentemente con la todopoderosa presencia bioespectral de Pepe Isbert haciendo de Guardián del Inframundo de las Artes; o más bien de nexo de unión entre el sonido (su voz) y la imagen (su fisonomía trascendente). Y perdonad que insista en Isbert porque es algo casi Atávico y Arquetípico lo que se invoca desde las mentes creativas de Comelles-Palau. Más que un homenaje, es un estudio social de toda una épica a través del sonido y la imagen.... y creedme que eso es complicado de realizar y que llegue a tocar la fibra sensible tanto como me la ha tocado.

Decía Jacques Derrida que la Hauntología es el carácter espectral de ideologías del pasado cuya ambigüedad ontológica ronda de manera persistente en el presente bajo la forma de los fantasmas intangibles del mundo contemporáneo. Lo hauntológico bebe de lo fantasmagórico y está ineludiblemente unido al marxismo, pero como todos estos conceptos acaban abarcando un campo de estudio más amplio que en About Berlanga que puedo resumir diciendo que es un choque frontal de trenes desbocados... uno que va por un raíl desde el pasado, otro que transcurre por el presente. ¿Problema? pues que se trata del mismo tren. "Plcd" abre con multitud de glitches y motivos acampanados que se encorsetan en disruptivos tonos que parecen proceder del mismo éter donde copulan las ondas radiadas. Un minimalismo electrónico exquisito muy sosegado y meditativo, a ratos hipnótico y curiosamente aun viniendo del pasado para transmutarse en el presente, posee cualidades del futuro.

Ese lento discurrir de cintas magnetofónicas, de surcos erosionados y cierto aire a Alan Splet en sus originarios proyectos en Eraserhead. Mientras escucho la música medito en intentar descomponer en moléculas la cara de Jose Luis López Vazquez pero tras hacerlo, descubro que detrás habita el abismo y me entra la congoja así que vuelvo a mi zona de comfort. Fabuloso cómo el corte se vuelve melódico con el empleo de teclados litúrgicos espaciados en el tiempo y la sensación de que me están amortajando con algodón impregnado en colonias viejas que ya no se fabrican. Magnífico el giro que toma la música sobre el minuto 7 recreando una suerte de `nana espectral´ que pone los vellos de punta. 

Crepitantes puertas y pasos en "Vrdg" se abren a espaciadas y letárgicas notas pellizcadas, vaivenes pulsátiles cuasi vibrafónicos crean una bella trama electroacústica que bien podría representar la caleidoscópica mente del Verdugo tras sumirse en litros de alcohol esperando que pase la aciaga noche en la que tendrá que desmotar las herramientas de su maletín... como igualmente pueden reflejar esos instantes de belleza pre mortem del que se sabe ajusticiado en los primeros albores de la mañana. Magnífica la habilidad constructiva de Comelles creando capas y subcapas. Pero insisto que esto sólo es la mitad de la experiencia porque Palau despliega toda una vorágine de efectos visuales aplicados a unas ya de por sí icónicas imágenes. El tema que cierra el álbum, "MrMrshll", es una delicia de guitarra procesada y drones loopeados mediante magnetófonos que con las alteraciones en cascada de los fotogramas alteran los estados de consciencia (os invito a que al menos veáis el teaser). 

Desconozco el grueso de recursos que se han empleado, pero entre la guitarra acústica y la electrónica de fondo, mi cabeza porosa me retrotrae al primer Florian Fricke y sus Popol Vuh... a la Kosmische pastoral y Khrisna Von Goloka. No voy a añadir mucho más de lo que se me antoja una referencia (limitada a 50 copias) de adquisición OBLIGADA; una experiencia ciertamente lisérgica (curioso porque los colores predominantes siempre son el blanco y negro) y que induce a un trance nostálgico, meditabundo y con olor a naftalina.

https://oigovisioneslabel.com/tienda/ov%c2%b728-edu-comelles-sergi-palau-about-berlanga

https://oigovisioneslabel.bandcamp.com/album/about-berlanga

JAVIER ARNAL - "BARAÚNDA" (WD RECORDS; WDR015, 2024)

Si me llegan a decir hace unos años de Javier Arnal iba a desestructurar molecularmente su música desértica y crepuscular en necro industriales Bosones de Higgs ruidistas pues posiblemente hubiera pellizcado mi pezón izquierdo hasta necrosarlo. La cosa no queda ahí porque el sello detrás de algo así es WDRECORDS que lo capitanea Josep Maria Soler (aka Stahlfabrik) que pocas presentaciones necesita. Leyenda de underground que poco voy yo aquí a aportar que no hicieran mil veces mejor desde la Revista Procedimentum donde se abre en cuerpo, alma, espíritu y ano (enlace aquí). Baraúnda, que así se llama el disco, se edita en formato digifile limiatdo a 100 copias que masteriza Dal Verme (otro que da para artículo) tras la grabación / mezcla del propio Arnal. Del trabajo gráfico se encargan Alicia Salvador junto al propio Soler.

Dice Arnal (o alguien) de Baraúnda que `es un intento de desmontar el orden sonoro de algunas de mis composiciones anteriores llevándolas a su descomposición orgánica donde apisona el retumbo de dulces melodías´... cosa que yo no comparto y que prefiero reestructurar como que `es un orden sonoro de algunos de mis intentos de composiciones apisonadas llevándolas a su descomposición de dulces melodías orgánicas en retumbe´. Puede parecer similar, pero si lo meditas, verás que no y que entre palabra y palabra se abre todo un universo de posibilidades... y es que no es lo mismo eyacular fuera de un cactus que dentro del mismo.

La preciosa palabra Baraúnda hace referencia al desorden, al ruido y al tumulto, y esas tres posibilidades estructurales son las que se han usado para descomponer material de temas previos de melódica pólvora en arrope (aunque se grabe en directo en LA CASITA ROSA ESTUDIO) como Canciones Defectuosas, Tus Besos, El Impostor o The Liars en una pegadiza pátina mortuoria de abyecta electroforesis musical... algo así como echarle el aliento a un espejo y oler a muerto porque estás muerto, no porque tengas halitosis. Ignoro cómo ha sido el proceso de mezcla pero conociendo a Javier de habérmelo follado literariamente, posiblemente ha metido cada uno de sus discos en un hueco de un revólver y girado el tambor hasta poner la música a punto de clara de huevo. El resultado funciona... y no sólo es que funcione, sino que es de una calidad que quita el hipo. Poneros vuestro traje de psiconautas que nos vamos a adentrar dentro del propio Javier.... me da igual si entras por la boca o por el culo, pero nos vemos en el centro del corazón (Anahata Chakra de color verde cadáver).

El disco se abre con "Baraúnda Prólogo", planeadora melodía de guitarra ultra procesada donde yacen incrustadas las voces tipo Spoken Word de Javier. Todo muy mistérico y dental (la voz enterrada como una muela infectada rodeada de su gordo flemón), sibilante y sibilino creando atmósfera introductoria con la que dar paso a "Baraúnda Primera", a la sazón siete minutos de Dark Ambient que como sanitario me suena a la válvula espiratoria del Ventilador Mecánico (o Pulmón de Acero) que Asiste a Dios Todopoderoso. Cósmico sin llegar a Kosmische, Industrial sin abrazar el ruidismo pero lo suficientemente metálico para que necesites de vacuna ótica. Vaporosas olas con elementos disruptivos campaniformes, glitches y chirridos (cuesta a veces reconocer la procedencia del sonido) y un perfecto giro hacia el oscurantismo abisal y claustrofóbico. Flipante la profusión de capas in crescendo que hace que el conjunto (con sus deformadas voces de fondo) suene a una especie de Cuarto Mundo de John Hassell pero que hubiera sido compuesto desde cualquier apócrifo hospital psiquiátrico. Capto vientos asordinados y olor metálico (sangre).

Sigue "Baraúnda Segunda" que recuerda bastante a los experimentos de Miguel A. Ruiz en cualquiera de sus facetas o las descomposiciones sonoras de Quiroga en los excelsos canarios DUE... pero esto es sólo al principio porque luego la guitarra de Javier va desplazando todo lo anterior dando al conjunto (ahora sí) todo el empaque planeador de la Kosmische (o al menos así lo escucho yo). Para los puristas, quizás mejor emplear la electrónica francesa de Michel Magne o Patrick Vian, cosas que me permito soltar aquí sin tapujos porque tampoco le debo nada a nadie. El que escucha es un escuchador. 

Sigue la más electroacústica, acuosa y humectante "Baraúnda Tercera", suerte de himno obsesivo que sigue la misma estructura que la anterior. Tras la intro, vuelve a hacer acto de presencia la guitarra procesadísima pero esta vez empapándose totalmente de todo lo que la rodea, e igualmente recordándome a la más oscurantista escena Kraut pastoral como primeros Popol Vuh o la versión batrácica de Witthüser & Westrupp. No soy Pauline Oliveros pero me puedo permitir darte un consejo / guía de escucha: olvídate de todos los elementos y céntrate en la sutil mini melodía de fondo que son tres notas que se repiten `ad nauseam´. Cuando te quieras dar cuenta, estás volando.

A partir de aquí se suceden 20 minutazos repartidos entre "Baraúnda Cuarta" y "Baraúnda Quinta" en las que Arnal da rienda suelta a toda una serie de recursos experimentales; el primero con deformación litúrgica de la voz, guitarrazos cercanos al Drone doom en una estructura procesionaria metalera cuasi homiliesca y quizás, de todo el disco, la parte más hipnótica, minimalista y jodidamente repetitiva. Prefiero explicar poco y que subas el volumen. El otro, letanía apocalíptica radiada desde una estación de radio ilegal de una secta destructiva... la versión onírica (reverso tenebroso) del disco de los Niños de Dios que siempre quisiste tener y que suena industriosamente industrial.

Realmente, no entiendo como propuestas de esta calidad no revientan los circuitos periodísticos. Quedan "Baraúnda Sexta" y "Baraúnda Fin" que te las dejo a tí, querid@ oyente.

Ultrarecomendado:

https://javierarnal.bandcamp.com/album/bara-nda

https://wdrecords.com/baraunda/

UNTIL DEATH OVERTAKES ME - "DIAGENESIS" (AESTHETIC DEATH; ADCD107, 2024)

`Bereavement ravages the mind, and time promises to blunt its strength. A pale wasteland may recover one day, but the guilt that comes with fading memories takes root instead. And here, time only strengthens it. As clear images become abstract dreams, guilt bears down with its growing, crippling mass.The only ones to understand, who could ever forgive, have already gone ahead, and are those same ones fading out of view.

And when they're truly gone, only death may forgive.´

   (new Van Cauter)                                               (old Van Cauter)

Aunque he citado muchísimas veces al belga Sjin Van Cauter en este blog como influencia de otros discos y artistas, es la primera vez que reseño un álbum suyo, y eso que parece que fue ayer cuando mediante catálogos en papel conseguí mi copia del flamante Prelude To Monolith (Firebox, 2003) y pasaron algunos añitos hasta que otra edición física cayó en mis manos: Days Without Hope (Marche Funebre Productions, 2009). Entre medias conseguí un buen puñado de material descargado de la por entonces ineludible Doom Metal.Com donde iban cayendo inexorablemente sus primeros Absence of Life (2001) y Deep Dark Red (2001), que si mal no recuerdo se editaban físico por el sello The Nulll Records del propio artista que entre unas cosas y otras lleva en activo desde más o menos 1999. 

La formación inicial de UDOM incluía a Pamela Durrell (flauta), Elke de Smeldt (guitarra acústica y teclados) y Jo Rennette (guitarra, bajo y teclados) aunque ignoro si existe algo grabado bajo esta formación y las razones por las que se transforma en un proyecto en solitario; lo que sí se es que todo data del periodo comprendido entre 1997 y 1999 donde se hacían llamar MACABRE DESTINY y se coqueteaba con el Folk. La siguiente fotografía que dejo me indica dos cosas... una, que tocaban en directo y la segunda, que efectivamente había flauta:

Lo cierto es que gracias a Stjin y su música me adentré en el Funeral Doom de corte Extremo / Ambient que se extendía además a sus otros proyectos en solitario como Beyond Black Void y The Ethereal (ambos en físico por Marche Funebre), The Sad Sun o vueltas de tuerca ultra retorcidas hacia el Noise o Drone como Fall of the Grey-Winged One, Cold Aeon, Dreams of Dying Stars, I Dream No More... y muchos más. Luego estaba su participación en bandas como los ultrapoliédricos The Nulll Collective, In Somnis, Solicide (llevo buscando su disco en físico una eternidad) o aquel impresionante debut de Wijlen Wij. Tras toda aquella vorágine de primeros del 2000 hasta 2009 o así la producción era impresionante, hasta que vino el silencio y su posterior vuelta la escena con Until Death Overtakes Me con una serie de discos editados por la discográfica italiana Dusktone (AnteMortem y Missing, 2016 y 2018 respectivamente).

Precisamente Wijlen Wij, The Nulll Collective y los espaciales Arcane Voidsplitter son los tres proyectos que acaban editando con el insigne sello AESTHETIC DEATH, además de cerrarse (o abrirse) de alguna manera el círculo (Van Cauter es asiduo colaborador del sello inglés sobre todo en el apartado gráfico y de layout) con este nuevo Diagenesis de UNTIL DEATH OVERTAKES ME que sale en formato Digipack a 6 paneles con el siempre reconocible estilo espacial de artwork de Stijn. El término diagenesis proviene del griego y hace referencia al término geológico de formación de una roca sedimentaria así que imagino que a nivel abstracto conectará con la psique como así atestiguan las letras siempre minimalistas que siempre me han recordado a una especie de vuelta de tuerca (fúnebre) de los Haikus Japoneses. Cuatro temas en 60 minutos sólo apto para iniciados en ese pétreo, monolítico, apelmazado y ultra lento devenir de la música de Stjin.

"Ascension" recupera los efluvios ambientales y sinfónicos de sus primeros discos con una apertura clásica en la que está siempre omnipresente un teclado que te subyugando, una percusión mínima y voz ultragrave al más puro estilo Skepticism. Basado en un tempo tan lento como el devenir de un Kali Yuga, la guitarra plúmbea y ultradistorsionada se acompasa a los platillos de la batería para crear un efeccto irreal / onírico que se acentúa con esas letras ultracósmicas marca de la casa: `I have begun... my eternal sleep / my mind has... been made undone / the self shattered... freely surrendered / to persist only... within memories / and so i may enter... a new existence / one where i am... made of dreams´. Pasajes instrumentales donde se acentúa ese decrépito y necrosado Ambient que contrasta con unas guitarras tan extremas que dan la sensación de ser estallidos de electricidad en el silencio del Cosmos;  puro y genuino Funeral Doom meditativo que induce al trance y que recomiendo escuchar con auriculares a altas horas de la madrugada.

Siguen los 16 minutos de "End's Lure" con unos fabulosos teclados orquestales de cuerdas y ecos al romanticismo de Chopin. La brusca entrada de la guitarra es casi un cañón (la forma insana de tocar la guitarra ha permanecido incólume en cerca de 25 años) y esa percusión bombástica con tambores que imprima al conjunto de un aroma épico decadente. Un cruce entre Skepticism y sus monásticas capas de teclados y los Elend más ambientales. Al igual que su música que tiende a disolverse en el éter espacial, las letras adquieren connotaciones de un pesimismo existencialista considerable: `a return to before / a return to nothing / and all pain will be forgotten / all pain forgotten´. Mi mejor consejo, dejarte llevar...

"White Light" es todo un monolito fúnebre que me recuerda nuevamente a Wijlen Wij. Todos los instrumentos unidos en un hilo umbilical que adquiere cotas mayestáticas con un giro más inmediato que en los anteriores temas. Cuando entra la voz, es otro elemento más en ese imperturbable flujo espacial que se refleja otra vez en las letras y su tono circular, hipnótico, devocional y cíclico:

`tonight we'll dream of the dead stars from where we came

and in dead stars, fragments of us will meet again - again - we must

tonight we'll dream of the dead stars which we will be

tonight we'll dream of the black voids which will take us away

and in time of dead stars, the whole of us undone - undone - undone´

Es impresionante cómo de adictivo suena UDOM a pesar de no variar prácticamente la propuesta en dos décadas. A nivel sonoro, el equivalente al movimiento de los planetas con su magnificencia y letárgica lentitud procesionaria. Diagenesis se cierra recuperando el corte instrumental "For" que si mal no recuerdo es de 2009, año en que se editó en single aunque su versión primitiva es más antigua. Puro y genuino Ambient Funeral Doom que o lo amas o lo odias... no creo que haya medias tintas.

Está claro a estas alturas que yo lo amo.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6545

https://udom.bandcamp.com/

AMSIA - "ESTRATEGIAS PARA EL BAILE" (DISCORDIAN RECORDS, 2024)

Hace tres años que os traje por aquí  KUKUHERRI, editado por Zona Watusa en 2021 y que fuera uno de mis primeros contactos con el trabajo de AMSIA, al que siguiera el excelente Street of Crocodiles (2023). Estrategias para el Baile, que así se llama su nuevo álbum, es otro impresionante collage sonoro donde se usan montañas de Midis, sonidos de librerías, (osteo)síntesis modular, glitches y un sin fín más de trucos electrónicos; para no repetirme, os remito a ambos textos donde incluso encontraréis una entrevista. Volviendo al tema, su nuevo disco es editado en Discordian Records en formato digital y luego el propio artista saca en tirada ultralimitada en formato CD diy, la grabación es en Azkoitia y la masterización obra de Estanis Elorza (Doctor Master). Artwork y diseño es de PRCT y el diseño de la contraportada de Aorita. Nada más pulsamos play te viene un bofetón de texturas que han sido pergeñadas mediante:

Eurorack modular synthesizer, turntables and various sound modules and samplers (Clavia Nord Micromodular, Ketron SD2, Yamaha QY70, Korg M1r, Korg MS2000r, Kurzweil Micro Ensemble, E-MU Orbit3, E-MU Morpheus, E-MU Carnaval, E-MU Planet Phatt, E-MU Proteus 2000, E-MU 5000 Ultra, E-MU Esi4000, AKAI Z8, AKAI S1000, AKAI S5000, AKAI MPC1000, Roland JV-1010, Roland JV-1080, Roland Fantom XR, Roland M-OC1, Roland VariOS, Roland SRV-3030, Alesis MIDIVERB II, Elektron Analog RYTM, Kawai K4r, Kawai K5m, Pioneer EFX 500).

Dicho lo cual, nos adentramos en los 11 minutos del homónimo "Estrategias para el Baile" donde la Electrónica y el Jazz juguetean en mini ecosistemas cortos al estilo de la Toy Music de John Zorn o algunos experimentos de Jad Fair. Es tan densa la maraña de sonidos que la estructura / vértebra misma parece beber de la Impro y el Free, aun teniendo todo ese andamiaje electrónico detrás. Imposible no acordarse de una versión menos rockera de los CASSIBER con sus corta y pega de cintas magnetofónicas y un cierto aire selvático-cibernético que planea por ese Cuarto Mundo de Hassell o los retablos Ambient de Brian Eno. La angularidad es tan extrema que se deforma el sonido hasta producir momentos que a priori pudieran parecer errores acaban conformando todo un bastión de Avantgarde Jazz electrocontacioso y brutalmente experimental que roza el Noise en momentos puntuales. Si el Jazz fuera un ente antropomorfo esto sería el equivalente a la descomposición del cuerpo (ElectroJazzRot).

A un pasito de la Electroacústica y la Clásica Moderna con la breve pieza de cuerdas poliédricas "Matando al Minotauro", que contrasta con la muy enrevesada "Laboratorio de Tizas", dadaísta (des)composición donde los vientos y efectos procesados desafían al oyente hasta dejarlo totalmente exhausto y es que Estrategias para el Baile es muchísimo más enrevesado que Street of Crocodiles, al menos en mi opinión. Es apabullante cómo Amsia juega con los recursos propios del Free y los trasloca a la electrónica y me explico... "Nocturna Discordia" y sus sincopados cambios, giros y derrapes están pasados por una sordina parecida a la que se usa con los instrumentos de viento dando al conjunto final un tono retrofuturista Noir y cuasi Ciberpunk que finiquitan una primera parte del álbum bastante salvaje en lo sonoro.

"El Impulso Heroico y la Dimensión Insondable" es extenso (13 minutos) y juega en tempos más lentos, bombásticos y de cariz épico (algo así como la banda sonora de un Peplum hispanoitaliano experimental apócrifo). Percusiones Gamelan se mezclan con sinfonismo de ferretería, golpes histriónicos de superficies metálicas, bamboleos ululantes, glitches, harsh noise autolimitado y ráfagas de vientos en un score mistérico muy cinematográfico, plagado de funambulismo electroacústico y todo eso que responde al nombre genérico de SoundArt. Es tan amplio el espectro / abanico de sonidos entrelazados que desentrañarlos es el equivalente a despellejar en vida a un ser humano. Cuesta dentro de semejante abstracción hablar de crescendos porque la sensación es la de una película que se te está contando no de forma lineal, sino como si todos los fotogramas fueran una línea horizontal que pudiera abarcarse con la vista y transcurrieran en el mismo momento. 

Sigue "Tokiorainbowpikachucorporation", punkarra efervescencia de neón con muchas percusiones y ritmos que se cortan tan abruptamente como el tajo de un cútter, hasta que todo se va desvaneciendo hacia la oscura sala de interrogatorios de una cárcel de Pikachus convictos que son torturados mediante el suplicio de no ser capaces nunca de terminar una melodía (por lo visto, eso mata a los Pikachus). Mismo estilo pero más cool (jazz incluso) es "Inork Ezaitu Horrela Ikushi Nahi" que vuela hacia un cruce entre Naked City y los discos más australes de Ikue Mori que además se permite un fade out luminiscente, melódico y cercano a la New Age.

Fulmina el disco la muy oscura "Malakula Chief Nakamal", con apertura inusual de Dark Ambient y algo de lisergia espacial necrosada. Me encanta esta faceta `lenta´ que permite pasear entre densas columnas sonoras y admirar todo un paisaje de catedrales construídas con potenciómetros, leds y ristras interminables de librerías sonoras. Es el nuevo Golem que haría palidecer a Meyrink y donde Amsia ejerce de Cabalista Sonoro que cambia la arcilla por ondas sinusoidales que perfilan submundos y otredades cósmicas, singularidades insospechadas y un pulsátil drone adimensional tan ciclópeo como la misma Polinesia. Muy recomendable el tema escondido.... toda una rendición a la Kosmische.

https://discordianrecords.bandcamp.com/album/estrategias-para-el-baile

Para copia física, escribir al artista a sus redes sociales.