martes, 31 de enero de 2023

ORFEON GAGARIN - "KEDR" (BATAN BRUITS BB002, 2006)

Sigue saliendo a la luz poco a poco todo el fondo de catálogo de mediados de los 80 del músico Miguel A. Ruiz, que casi que tiene sección fija por estos lares. Tras la recuperación hace dos años y pico de su homónimo Orfeon Gagarin (primero reeditado por Ediciones Toracic en CD-R, y luego en vinilo por Verlag System) tenemos ahora su segundo álbum KEDR. Como no quiero insistir demasiado en detalles que ya he ido contando, os emplazo al Dossier con entrevista incluida que publiqué en el Zine MOEDULAR de Oigovisiones Label:

https://issuu.com/oigovisioneslabel/docs/moedular_fanzine_n_0_digital

KEDR se edita originalmente en 1986/1987 (Toracic Tapes / TO2 C-46, Cassette), para rescatarse y remasterizarse en 2006 por el sello Batan Bruits, creación ex profeso para la magnífica bso imaginaria Han Llegado Los Robots (Die Roboten Sind Unter Uns) ‎donde Héctor Hernández y Ruíz creaban una soundtrack alucinante dedicado al advenimiento de los `cerebros mecánicos´ que se relataba en el añejo libro de los años 50, Die Roboter sind unter uns (Rolf Strehl), importantísimo y clásico dentro de su obscurantismo por el rompedor diálogo social que traía la llegada de la computación y el progreso científico tecnológico (por cierto, existe edición española). La portada es obra del único e inclasificable cineasta César Velasco Broca y el interior es una foto posiblemente tomada ante la expectación creada con el lanzamiento del Vostok 1 (la primera misión espacial tripulada soviética).

(panel de control del Vostok I)

Por su parte, y para los puntillosos como yo, el recopilatorio Crónica Técnica de 2018 (Geometrik) había ya sacado el tercer movimiento del disco ("Musik III") en vinilo. En esta ocasión, KEDR recrea sónicamente a la perfección la carrera espacial soviética y su figura central más conocida Yuri Gagarin, en concreto a su primer vuelo de 1961. Otra vez un dúo con Ruíz que toca Casio CZ1000, Yamaha DX7, Casio sampler y violín modificado, al que se une la flauta de J. Juarros y es aquí donde me salta la tapa de los sesos.... los propios Kraftwerk en sus inicios y bastante más allá tenían a Florian Schneider con su violín y flauta eléctricos así que pensad lo que queráis (casualidad, homenaje.... ahí queda el dato). 

Ojito, la edición de Batan Bruits estaba totalmente agotada y casualmente se encontraron copias en un viejo almacén. Eso y mi rapidez a los dedos han hecho posible obtener una copia y en el momento en que escribo estas líneas y si no me equivoco, todavía podéis haceros con alguna a precio ridículo (también el de los Robots) antes de que se los trague la noche de los tiempos. Seguimos.

Si bien hay múltiples variantes con el término KEDR, por ejemplo el subfusil Kedr PP-91 y su prototipo setentero (PP-71), está claro que Ruíz probablemente se refería al mítico diálogo entre la sala de control y Yuri Gagarin durante el lanzamiento del Vostok 3KA-3 (o Vostok 1) el 12 de Abril del 71. Si el distintivo de llamada rusa a nivel aeroespacial (vaya, entre el astronauta y los que están en la sala de control) era KEDR (pino o cedro en ruso), su homónimo internacional sería el distintivo de llamada CEDAR que permite la comunicación radial durante los vuelos. 

¿Y qué es lo que se dijo?... pues allá va:

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- Koroliov: Etapa preliminar… intermedia… principal… ¡Despegue! Le deseamos un buen vuelo. Todo está bien.

- Gagarin: ¡Vamos! Adiós, hasta pronto, queridos amigos.

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Musicalmente estamos ante una suite cósmica de 47 minutos anclada en lo cinemático pero con un revestimiento oscuro que lo lleva a esos submundos contemplativos de Eduard Artémiev en las neuronales películas de Tarkovsky. Varias capas en conjunto, una más drone y grave y otra serrada en primer plano transcurren similar a los discos más crípticos de Coil o Nurse With Wound (quizás las colaboraciones con Graham Bowers o Soliloquy for Lilith). Lo sinusoidal contrasta con contrapicados y ruido de maquinaria espacial y se pasa de un corte a otro (todos titulados Kedrmusik y variando el número) pero siguiendo un hilo umbilical /score. Por ejemplo "II" suena muy retrofuturista y de tempos abotargados, con múltiples subcapas que aparecen y desaparecen como compresores de aire aleatorios y curiosamente llevándonos a una atribulada selva cósmica Noir Sci-Fi Giallesca, si es que se me permite masturbar las palabras de esa manera. Imaginad a Waldo de los Ríos en La Residencia o Quién Puede Matar a un Niño pero puesto de LSD.

Alucinante cómo suena esto con auriculares... y pensar que es del 87 y si no me equivoco, hay muchísimo aquí de Xenakis (sus obras electroacústicas) y hasta de Bernard Herrmann o Penderecki por esa manera de componer asfixiante. Si se coge la vértebra musical suena a clásica contemporánea y electroacústica, aunque los detalles industriales lleven al conjunto a otro nivel. Fiel reflejo de los sentimientos oscuros vividos por los anónimos anti-héroes de la carrera espacial soviética, Orfeon Gagarin crea un clima de claustrofobia donde la melodía no excluye para nada el empleo y uso de aguerridos pasajes que rozan el Noise a base de abstracciones caleidoscópicas muy atonales que curiosamente acaban sonando lisérgicas. He dicho atonal, pero a veces parece Fluxus o Dadaísmo ("Kedrmusik IV-V") por esos collages imposibles (Pierre Henry, Schnitzler, Cage o Jean Dubuffet).

(Edición original en cassette, circa 86/87)

La flauta me parece captarla bastante enterrada en el conjunto, casi siempre en graves tonalidades (por ejemplo en "Kedrmusik VI") usándose más notas sostenidas que melodías `per se´. En el tema citado brillan las bamboleantes percusiones vibrafónicas y entre nota y nota es donde mejor se captan los ruidos respiratorios de J. Juarros a la flauta. Alucinantes los toques pseudo-sinfónicos en "Kedrmusik VII" que parecen como bocinas de un viejo concurso de televisión que se estuviera radiando desde lo más profundo de la Galaxia gracias a un cable de antena tan largo como la Tenia intestinal de un Viejo Dios muerto. Parece mentira que luego llegaran gente como Ikue Mori con su laptop cuando Miguel A. Ruíz estaba haciendo esto en España en el 87. Fin de fiesta con las Krautianas (a lo Canaxis 5 o incluso, permitidme la osadía, la brillante etapa avantgarde de Battiato) "Kedrmusik VIII y IX", esta última con bombo de batería (sampler quizás) y un prodigioso trabajo a los sintes.

No será la última vez que Yuri Gagarin rondará a Miguel A. Ruiz más allá del nombre del proyecto, como se demuestra en su Voces a 45 rpm del 2019 (Geometrik/Munster). Para resumir, una joya exhumada de uno de los grandes genios y pioneros de la música electrónica y vanguardista española.

https://toracic.bandcamp.com/album/orfeon-gagarin-kedr

sábado, 28 de enero de 2023

EDENA - "ZAURI BATEN PROZESUA" + "HARRIAN" (AUTOEDITADO, 2022)



E     D  E                N      A
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La presentación en sociedad del proyecto EDENA (Edén en euskera) pasa primero por recordar que mi primer contacto con Aitor Edena fue con los BERVNA, hace la friolera de una década, y a quienes tuve el placer de entrevistar con motivo de una serie de trabajos que tenían publicados y que me llegaron vía epistolar. Así que bueno, creo que es aconsejable partir de aquí, leerse la entrevista, ponerse a los añoradísimos Bervna (por ejemplo el brutalífico LVR de 2017, su directo 02.05.2015, o Mingorri III). 

Tras la disolución de la banda llegarían BALLARD, con una reformación de miembros y tal que vengo a contar en otra entrevista a propósito de su Demo 2017 y que nuevamente os aconsejo leer para no perderos en los bosques de trincheras oxidadas del Sludge Crust Psych a la Vasca. En 2018 llega el violentísimo Nacer, Vivir, Morir en el Mismo Lugar, el 7" Igual y un Split con Hipoxia que vale su peso en oro (alguna otra cosa hay editada pero no he tenido ocasión de catarla o reseñarla). Bien... entre todo este maremágnum de suciedad alquitranada donde transitan gente tan ilustre como los dioses AKAUZAZTE, Killerkume, Loan, Meido, Orbit Unit, Positiva, Mikel Vega y un sinfín más que nos llevaría un buen rato describir. En síntesis, lo que quiero decir es que tenéis que preparar vuestra psique para un terrorífico, descarnado y visceral Noise con trazas de Industrial, pepitas de Crust Doom y una flotante nube tóxica de lisergia química.


EDENA no tengo ni la más remota idea de cuándo surgen, pero los sonidos de su cinta (DE - 173), de la que ahora mismo me estoy enterando de su existencia, datan de 1999 y tal y como se viene a decir en el bandcamp `es imposible datar exactamente ninguna de ellas salvo "Itxura apurtzaile", grabada durante la primavera de 2020 con J. Espinosa a la percusión´. Lo cierto es que parece que salió en plena pandemia o confinamiento y ni me enteré de este asunto, así que saltamos a 2022 donde ve la luz Zauri Baten Prozesua en una cassette totalmente DIY, envuelta en papel de lija (limitada a unas 100 copias) y que son 23 minutos de descenso a los infiernos.  Un detalle son los motivos `gatunos´ en todas sus portadas que la verdad me pierdo en qué conexión pueda haber.

Abren varios segundos de Power Electronics de "Negative Space" que se continúa sutilmente con el Funeral Doom de "Lurra 31". Una pesadez brutal de sonido que hace que se me vengan a la cabeza gente como los japoneses Funeral Moth o los Bloody Panda. Apabullante duelo entre la guitarra, totalmente enclavada en un riff eterno y circular (a lo Burning Witch, Teeth of the Lions Rule the Divine) de Aitor Edena y la batería de Iortitz Ipiña (también en Ballard). Si tuviera que comparar con algo, diría los primeros HIPOXIA sin dudarlo. Primitivísimo corte que también me trae por supuesto a la cabeza a los propios Bervna. Dura 9 minutos pero en tiempo divino serían 9 Kali Yugas.


I  P I       Ñ                                  A

Por cierto, su lema `soinu barik beste diskurtsorik ez´ (ningún discurso mas allá del sonido) me sirve para remachar de que se trata de un proyecto casi instrumental lo cual es para mí un acierto. Lo ecléctico de la música quedaría tapado con la inclusión de voces digamos... `regladas´. Así disfrutamos más perlas como la electrónica "Y tú, ¿también flotas?", un loop industrial (no tengo muchos datos técnicos, así que poco puedo decir sobre la grabación) que sirve de entrada a la visceral "Munstroaren Munstroa", distorsionada hasta el punto del vómito drone al más puro estilo Skullflower, Ramleh y entes por el estilo. Aullidos de fondo y un ULTRA))) RIFF rayano en el Power Electronics son todo lo que Edena necesita para dragarte por un intestino metálico electrificado y cagarte en un vertedero nuclear que se limpia el culo con nuestros tímpanos en "Negative Space II", calma después de la tormenta a través de un volátil clímax donde prima el tratamiento de pedaleras de la guitarra para conseguir texturas a lo Earth pero mucho más cósmicas.

Curioso pero es como los primeros Popol Vuh en el País Vasco. Para cerrar el círculo con la apertura de la cinta se vuelve al Power Electronics inicial y esos impulsos sinusoidales tipo Throbbing GristleControlled Bleeding y similares mentes cuerdas. 


Meses más tarde, se registra un directo en la Cantera de Mármol rojo de Ereño editándose en una cinta de cassette metida dentro de una caja de porcelana y con artwork de M. Lopez Orosa. Como no podía ser de otra manera, se le titula Harrian, que viene a querer decir algo así como `en la piedra´. En esta ocasión EDENA son G. Bilbao a la batería, P. Asensi al bajo y Aitor a la guitarra, sintetizadores y voz.

Más estructurado que en la anterior cinta, abre "Harrian 0". Un acople drónico sobre el que planean los platillos de la batería y un crescendo bastante desértico que podría recordar a unos Yawning Man pasadísimos de rosca. La batería seca, monolítica y reiterativa añade un punto muy tribal que con el conjunto de los instrumentos llevan a EDENA a un nivel algo más lisérgico. Por poner similitudes, me recuerda a viejas bandas de Space Rock texano como los ST 37 (aquí) o los siempre olvidados Negative Reaction. Impresionante el plúmbeo tempo de "Harrian I", que con auriculares te mete dentro de la vagina de la Cantera de Ereño. Aunque se pierde esos toques más Industrial de Zauri Baten Prozesua, Harrian es más brillante para mi gusto... la afinación alta de la guitarra contrastando con los tonos vibrátiles del bajo y el imperturbable golpeo procesionario del bombo son Psicodelia Experimental Lítica en estado puro.


Sigue una reinterpretacion en power trío de "Lurra 31" (Tierra 31). Más plagada de detalles que su versión para dúo, es igualmente un cañón de Drone doom que te invierte el peristaltismo y las tripas del revés hasta que te das besitos a tí mismo en tus propias nalgas. Más refinada y con un bajo acojonante, sobre todo en los segundos finales. Finiquita la cinta "Harrian II" donde se repite el concepto monolítico pero añadiendo burbujeantes toques de alquimia modular de sintes y una voz gritona pasada por el filtro de un viejo micro de esos de radioaficionados (no estoy seguro). Para mi gusto, este corte representa hacia donde creo debería ir el proyecto... un Industrial Noise que no pierde el Drone doom en el camino y cuya principal virtud es poder partir granito con sonido.

Quiero más.

lunes, 23 de enero de 2023

STRUCTURE - "STRUCTURE" (ARDUA MUSIC, ARDUA010CD; 2022)

STRUCTURE, proyecto formado en 2021, hunde sus raíces en ese sonido característico de la escena holandesa de Death/Doom de los años 90 pero retorciendo y virando quizás un poco más el barco hacia esa plúmblea atmósfera del Funeral Doom atmosférico imperante en bandas como Clouds o Pantheist. Tono casi marcial que es lo suficientemente marcado y procesionario para hacerte desesperar si no te gustan estos estilos o directamente encumbrarte al Nirvana su eres de sinapsis lentas. Detrás de Structure está Bram Bijlhout que se encarga de todos los instrumentos (guitarras, teclados, bajo y batería) dejando toda la tarea vocal a una leyenda como Pim Blankenstein de los Officium Triste entre otros... por nombrar a una banda que entronque con esa escena holandesa que quiero reflejar porque el currículum es extenso (sin ir más lejos, de sus proyectos favoritos para mí están los Extreme Cold Winter).

Blankenstein y Bijlhout comparten tablas tanto en un período concreto de los Officium Triste (el Split Inmersed y el álbum Mors Viri, años 2012 y 2013 respectivamente) como en los The 11th Hour. El EP debut homónimo son 35 minutos que se visten de gala en un precioso artwork del propio Bijlhout y Kalle Pyyhtinen, editándose primero en cassette por Brutal Insanity Records y meses después en digipack por ARDUA MUSIC (ex-The Vinyl Division). La varita mágica del masterizado de Greg Chandler (Priory Recording Studio) añade una profundidad y dureza que son ya marca de la casa. A propósito otra vez de la portada, la fotografía pertenece a las `botanical series´; podéis indagar en la faceta fotográfica de Bram Bijlohout por aquí:

https://www.brambijlhout.com/

(Bram Bijlhout)

La vértebra del Ep es sin duda la guitarra tal y como se puede comprobar en el excelente riff de apertura de "Remain Faithless", en el que además se hace uso de los teclados de una manera muy particular (casi parece que por momentos nos vamos a meter en uno de los primeros cortes de los My Dying Bride). La voz de Pim destruye todo a su paso, adaptándose al paso lentísimo de la base rítmica. En definitiva, corte con estructura de himno y aporte de teclados que suenan 100% a los My Dying Bride de los inicios o lo que es lo mismo, leves subrayados de apoyo y sin caramelizar. La guitarra de Bijlhout acomete un solo tremolar doblado sobre sí mismo en un fantástico pasaje instrumental decadente, fundiendo escenas (sueca, finlandesa y holandesa) a placer. Otro buen puñado de excelentes riffs de guitarra para "Lost" y un ritmo un pelín más acelerado. 

No sé la razón pero me es imposible no encontrar similitudes con la manera de tocar de Andrew Craighan; notas que se alargan hasta hacerse coincidir con la pegada de la batería, revolviéndose como el bajo y emulsionando a placer. Un tema de vieja escuela Gothic / Doom de esos que ya no se hacen, al igual que el magnífico "And they Remembered".... largo inicio instrumental y épico desarrollo con lucimiento vocal de Blankenstein. Soberbia la batería y sobre todo la repetición `ad nauseam´ del motivo melódico de la guitarra en modo espiral que le añade un poder hipnótico tremendo al corte. Pegadizo como el sudor pre mortem. Mismas palabras podría repetir para "As I Take What is Mine", que lanza a Structure a un tempo que roza el Funeral Doom. 

Cierra "Catatonic", instrumental con recitado en vocoder, cuerdas sampleadas y dejándote con ganas de más. Recomendado y más que notable Ep de STRUCTURE, proyecto que espero tenga continuidad y a ser posible, con Pim a las voces.

https://arduamusic.bandcamp.com/album/structure-ep

https://structure-doom.bandcamp.com/


miércoles, 18 de enero de 2023

JUAN BELDA & THE BIT BAND - "MOSCAS EN LA PLAYA" (LOS 80 PASAN FACTURA / ALTAFONTE, 2022)

Seis años ya desde que LOS 80 PASAN FACTURA me pusiera tras la pista de la Juan Belda Bit Band, y desde entonces, cuatro álbumes reseñados en profundidad y donde más o menos doy un repaso del enorme currículum de Belda. Por orden de reseñas, están No Encuentro la Tónica (Los 80 Pasan Factura / Altafonte, 2019), Carretera Mágina (Los 80 Pasan Factura / Fol Música 2016), La Rueda Infinita de Hans (Discos Necesarios, 2012) y I Love You!!! (Discos Necesarios, 2008). De la parte anterior más experimental de Belda solo puedo atestiguar los impresionantes ARTE MODERNO, y ya la etapa para mí desconocida más en solitario con discos como Desde el Hierro, el dedicado a la India en RTVE, su colaboración con Hugo Westerdahl o los primeros con Grabaciones Accidentales (Juan Belda, 1986 y La Pasión, 1990) sencillamente no he tenido la ocasión de escucharlos.

Era difícil superar a Carretera Mágica y No Encuentro la Tónica... pero es que este nuevo Moscas en la Playa es una auténtica delicia que mezcla el Rock Progresivo, el Jazz Rock, la Fusión, partes más Avantgarde y electrónicas con todo lo que se te pueda ocurrir, máxime si tu banda se compone nada más y nada menos de una plétora de músicos con un currículum que asusta. A ratos puedes centrarte en el Canterbury si te fijas en el uso sosegado la flauta, pero al rato están en terreno urbano y rompedor, abstracto y en picado propios del Rock en Oposición (sin ínfulas oscurantistas, eso sí). Decir Jazz-Rock porque haya saxos y bases rítmicas Funk deudoras de Miles Davis sería acotar demasiado así que bueno, lo mejor siempre sacar uno sus propias conclusiones. Lo que verdaderamente vertebra la originalidad del sonido de la Big Band es la camaleónica forma de manejar los teclados de Belda, teniendo siempre por bandera esos estilos New Wave que transitaba en los 80 y 90.

Algunos cortes son micro ecosistemas donde habita lo psicodélico en forma de un Space Rock urbanita que curiosamente puede recordar a los Mother Gong de su etapa media, y si hablamos de Jazz Contemporáneo los espaciales devaneos de los sintes de Belda crean grooves que me despistan por completo (ahora Funk, ahora marcianos), de alguna manera (no sé de cuál) conectados a la vanguardia catalana más soterrada pero por otra, al completarse con el sonido orgánico de una banda de jazz al completo, nunca se pierde la esencia del Jazz Rock setentero.

JUAN BELDA BIT BAND ahora mismo son (lo siento, si me entretuviera en el `corpus delicti´ de cada uno de los músicos no acabaría nunca y muchos de ellos ya son perros viejos de presa):

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* Juan Belda // Piano, synth, organ, guitar and tapes
** Juanjo Ortí // Saxophone Drum
*** Pelayo Arrizabalaga // Saxophone
**** Jorge Pardo // Flute and saxophone
***** Javier Colis // Guitar
****** Enrico Barbaro // Bass
******* Miguel Gil // Saxophone and Flute 
******** Markus Breuss // trumpet
********* Samuel Tarraco // Trumpet
********** George Marti // Trombone
*********** Hugo Westerdahl // Guitar
************ Iñaki Araquistain // Saxophone

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Moscas en la Playa se compone, graba y produce por Juan Belda en Estudios Fonoelástica con algún corte rescatado del lejano 1987 y oro que es de Markus Breus. Oscar Herrador masteriza el resultado y la portada (`Coworking´) es de Ximena Bares. Producción ejecutiva de Francisco Macías (investigad este misterioso nombre, que anda detrás de muchas ediciones fantásticas en los últimos 15 años). El digipack lo diseña Madoka Belda y editan nuevamente LOS 80 PASAN FACTURA y ALTAFONTE


Abre la fresca "Mayo Tranquilo" con un pletórico Belda al Moog y unas oscilaciones muy `exploitation´sobre una base rítmica totalmente desenvuelta y remachada por pianos, saxos y flautas que poco a poco se van alternando en mini solos. La forma en la que la electrónica dialoga con el resto de instrumentos lleva al conjunto a una demencial vuelta de tuerca del Rock Progresivo. Por cierto, la manera en la que se abre el disco me recuerda a Soft Machine aunque luego todo vaya deslizándose poco a poco a un cruce entre lo que vienen haciendo hoy día bandas como Flat Earth Society (escuchad Boggamasta sin las voces) y el rollo Canterburiano de toda la vida. Eso sí, "Pasodoble" te da una hostia en toda la cara... si Pete la Roca lo clavó en el Be Bop con Malaguena (Blue Note, 1965), aquí la Bit Band deconstruye un pasodoble con sus trombones circenses dándole al asunto una frescura brutal.... destaca los mini solos contenidos del trombón de George Marti, dialogando juguetonamente con Arrizabalaga mientras Belda crea un demencial fondo de Moogs, órgano y Rhodes. Es latino todo, pero del que sangra; a partir del minuto 2:30 se desatan los infiernos... vaya manera de subir los tonos del saxo, vaya camaleónica base rítmica y qué intrincadas resultan las melodías. 

"La Voz de su Amigo" es Mellotron, vientos, base rítmica y ladridos... así tal cual. Jazz Noir en plan canino, muy andante y con un registro que me recuerda por una parte a algunos trabajos de Medewski, Martin and Wood, mientras que en el siguiente "Judeoconverso (Fanfarria)" la introducción de la guitarra de Westerdahl me retrotrae a los Ceramic Dog de Marc Ribot por un lado e indiscutiblemente, como no podía ser de otra manera, la serie de la Radical Jewish Culture de Zorn en TZADIK. Ritmos Klezmerianos cuasi tarareables en los vientos puntuados de un Belda que se viste vibrafónicamente de Kenny Wollesen (es rara la comparación, pero el abordaje percusivo de uno parece complementarse con la manera en la que trata la electrónica Belda, dejando las notas flotando y buscando el espacio). Maravilloso cómo se miden los tiempos, el ritmo arrastrado y la atmósfera que aporta el Mellotron. SUBLIME. 


Sigue "Marzo 2020", con un toquecito de Easy Listening, muy sosegado, lisérgico y plagado de samplers vocales; aquí los teclados son muy ochenteros y los instrumentos de viento casi parecen metido en un loop. Mucho más interesante me parece la sincopada "El Taladro del Vecino" con riffs de guitarra del maestro Javier Colis, piano intrincado y saxo pletórico del gran Arrizabalaga para un tema corto pero lleno de detalles que marca un considerable cambio en el álbum; de los primeros temas más jazzeros, a partir de aquí se busca más la experimentación y se reduce el número de músicos en un contraste bastante sugerente. Así, "I Was Sitting in a Room" tira de minimalismo electrónico con sampler de voz de Alvin Lucier, uno de los grandes de la exploración y experimentalismo musicales. Por tanto, sobre un riff cósmico de Colis y sintes se construye una melodía crepuscular que suena a Surf pero con dosis excesivas de opioides. Con la boca abierta me quedo en "Flamenquito Eléctrico" y es que se retuerce todo un puntito más con la trompeta de Samuel el Tarraco que se procesa / alquimiza con la percusión electrónica de Pedro-Barceló y la maestría de Belda en una suerte de Cuarto Mundo de Jon Hassell en versión flamenca... increíble pero cierto.


La última parte del disco es una absoluta locura; "_Skype" es el Swing del futuro (magníficos platillos de Juanjo Ortí), mezcla el Swing con Chrome y directamente al manicomio; sigue "El Viejo Metrónomo" o lo que es lo mismo solo Belda a la guitarra y Moog en el corte más oscuro del álbum, al igual que la experimental "Moscas en la Playa" (originalmente de 1987) y rescatada aquí para la ocasión, con multitud de sintes atacando desde todos los flancos y aunque a priori pueda sorprender lo distinto que suena con respecto a los primeros temas, para mi gusto da un aire de frescura que termina por rematar Markus Breuss en su composición "Itinere-Itinere". Experimentación con cintas de cassette al más puro estilo CASSIBER como fondo y colchón de la siempre interesante trompeta de Breuss mientras que la marcianada la pone el Moog de Belda

Como MU de Cherry pero en clave electrónica para cerrar uno de los discos más alucinantes de 2022. No, no saldrá en las listas de discos del año porque esto es para otro tipo de oídos. IMPRESCINDIBLE.

lunes, 16 de enero de 2023

CAVE DWELLER - "INVOCATION" (AESTHETIC DEATH ADCD 089, 2022)


Go forth, under the open sky, and list
To Nature’s teachings, while from all around
Earth and her waters, and the depths of air—
Comes a still voice

-"Thanatopsis" William Cullen Bryant

Justo dos años después de reseñar el impresionante Walter Goodman (Or The Empty Cabin In The Woods) ‎vuelve el proyecto CAVE DWELLER (Massachusetts) o lo que es lo mismo Adam R. Bryant de P A N D O, idolatradísima banda de los que os traje Hiraeth (2020) y Rites (2021), dos delicatessen para paladares bífidos. Como no quiero repetir conceptos, para biografías e historias tenéis los enlaces que os he dejado, así que paso del tirón a este brutal Invocations, editado como no podía ser de otra forma por AESTHETIC DEATH en un digipack de lujo con libreto de 20 páginas con un trabajo fotográfico que tira de espaldas.

A nivel técnico, cada corte ha sido tratado de una forma diferente, tal y como se explica perfectamente en su bandcamp: `an experiment in music and poetry. Each track was recorded and mixed differently, using multiple mediums and techniques, including simple smartphone tracking, digital and analog tape recording methods, and field recordings at places of importance´. El resultado final es mezclado y masterizado en Uncle D's Acadian Colonoscopy Clinic por el propio Adam R. Bryant

Siguiendo la misma idiosincracia del debut, cada tema se nos presenta con una imagen fotográfica, las letras en el libreto y algunos apuntes o detalles, bien sean de la grabación, motivos inspiracionales o de la letra. El disco se abre con la hermética y a ratos opresiva "An Invitation", de raíz Folk y Drone y con un loop apabullante de violín mezclado con piano sobre la que entra la homiliesca voz de Bryant recitando un poema (Mount Washington) con un tono de voz bastante cercano a Nick Cave pero con muchísimos más registros centrados en un poderoso Dark Ambient que pone los vellos de punta. Como pasar la lengua por un viejo, salado y húmedo monolito cubierto de musgo, brilla la acústica subrayando unos maravillosos pasajes en los que la voz alterna la tonalidad de las frases; unas graves, otras más agudas, imperativas o simplemente resignadas al más puro estilo Neo Folk de maestros como Sol Invictus o Current 93. Sigue "To Accept the Shadow", Junguiano título para un tema grabado en parte en la cima del monte Webster en las White Mountains en pleno Samhain y tal y como se sugiere en los textos, hubo acampada nocturna.

Con un registro más marcial (o ritual), un histriónico piano con diversos procesamientos electrónicos en la retaguardia van marcando una coda muy cercana a los Cyclobe, Coil y otros. El contraste de lo analógico con lo electrónico adquiere tintes de clásica contemporánea (escúchense experimentos de Xenakis). A esa primera parte le sigue un Carpenteriano teclado plagado de flangers (esas oscilaciones propias de sus bandas sonoras) que casi entroncan con el Horror Synth y similares. Percusiones tribales a lo Michael Cashmore, aroma a Thighpaulsandra (parece un incienso su nombre) y lentamente un cinematográfico score que se va tornando épico y grandilocuente donde brilla muchísimo el violín. Descarte del anterior disco, y aunque se incluyera en el Ep editado en digital (Between Worlds), sigue la intimista "Bird Song", puro Neo Folk con un trabajo vocal ALUCINANTE. Musicalmente es de los temas más simples, con su base rítmica y tal, pero el resultado final y cómo está colocado en el tracklist resulta de una alarmante belleza, al margen de que las letras son pura poesía... y ojito con el distorsionado fade out con riffs encabronados de guitarra a lo primeros Opeth o Katatonia.

"The Meeting" es difícil de describir. Grabaciones de campo (caballos, ríos...) en las cuevas de Hadley, las cataratas Sanderson Brook y uso de toda una amplia plétora de instrumentos (desde guitarras hasta un Yamaha de los 70), todo para construir un mini collage atmosférico que se deconstruye a través de la guitarra acústica y que sirve de puente hacia "Entelechy", minimalista pieza cuasi Jazzera, otra vez con ecos a Nick Cave y que está grabada prácticamente de una sola toma. En ocasiones, si uno coge el conjunto del disco, parece estar metido dentro de un bucle mental entre el Canterbury, el Folk Rock inglés y un desesperanzador Dark Ambient... no sé, imaginaos a Fairport Convention en plan Post Punk o algo así.

El Spoken Word es un arte, y "The Light Keeper" roza lo sublime, recordándome en algunos momentos a algunos maravillosos discos de Danielle de Picciotto con Alexander Hacke (Perseverantia por ejemplo). Tras un primer pasaje prosigue un tramo instrumental con angulares contrapicados a lo Penderecki, brutales percusiones sintéticas propias del Industrial Noise y vuelta otra vez al Spoken Word asfixiante donde no puedo evitar acordarme de discos bastante controvertidos de Whitehouse o Sutcliffe Jugend aunque el trasfondo musical sea casi Lynchiano (esos platillos de la percusións suave y el piano) y su sustrato literario más onírico. Simplemente una maravilla.

Dice Bryant en la descripción de "Mirror": `sounds recorded from a cottage getaway in York Harbor. The lyrics and inspiration for this track came from a soul quest assigned to me through a rigorous training progra frm the new year to litha. The frame drum is made of moose skin and tendon, played under the ocean fog on a rainy night´. A lo que yo añado: es como una extensión de la BSO de Conan the Barbarian de Poledouris. Épica y brutal, con ese sentido marcial de proyectos como Blood of the Black Owl... flipantes las voces a lo Summoning por cierto y un demoledor giro a partir del minuto seis que te va dejar con la boca abierta. Avisados quedáis. "Solastalgia" cierra con un loop de un viejo 7" sobre el que se construye un oscurísimo himno. Guitarra, flauta de madera y grabaciones de campo en el Mohawk Trail State.

 Creo que mejor que describirlo, es dejaros las letras:

who is this radiant moss flower that descends the deep?”
“I wonder...”

birch chaga grows roots into the fields of Elysium
saturated in mercury
direct descent to the poison path

“Is it you, Lao Tzu?”

eyes stare in silent annoyance
reflecting back
and reflecting back
uncanny familiarity

“Is it you, Kannon?”

death kisses the lips of eternity's bliss
mortality weakens to the blessings of cast iron tea
he laughs
you smile slow
how unfortunate, that
I must return

All the gods between us and the branches of infinity
are you and my love embraced through the enchantments of the earth
In the relief of my breath, I inhale the secrets of our souls,
for the eyes are the sacred passage to divinity and the creators
With a relax of air, I release this plane from such subtle illusions of disconnection
For I am the architect, the sun and the moon, that laughs through the clear waters
awakening from the dream to see you within a momentary lapse of reason
before laying back down my head to rest

Breath. Release. Repeat.

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viernes, 13 de enero de 2023

YELO & AROCA - "ÁMBITO / MULA" (REPÚBLICA IBÉRICA RUIDISTA RIR086, 2022)

Cada vez que me enfrento a un trabajo musical que cabalga entre la improvisación libre y la clásica contemporánea me pongo dos pinzas de la ropa en cada pezón para contener ciertas emociones, máxime si hay electrónica de por medio y está tan bien trabajada como en este magnífico ÁMBITO, suerte de colaboración entre Juan Jesús Yelo (paisajes sonoros, theremín de luz, campos electromagnéticos y arpa eólica) y José Joaquín Aroca (saxofones soprano, alto y barítono). Y digo esto porque desde la vanguardia norteamericana cuasi contemporánea más universitaria (finales de los 80 y principios de los 90), hasta diversas escenas más jazzeras, he pasado por mis tímpanos un buen número de grabaciones cada una con su particular idiosincracia. ¿Mis preferidas?.... pues sin duda aquellas en las que ambos elementos, electrónica y vientos (o cello, contrabajo.... que también tengo un buen puñado de referencias de cuerdas mas electrónica) se consagran a un mismo objetivo, me da igual si con composición de por medio o mediante ese cordón umbilical sacro de la improvisación.

El contexto de ÁMBITO (me encanta esta palabra que os invito a diseccionar etimológicamente) son unos encuentros improvisados ideados por el pintor, escultor y artista murciano Cristobal Gabarrón (siento resumir tanto, pero si hablo de su currículum se me gastaría la tinta digital y la gente que maneja internet me ejecutaría inexorablemente por gastos excesivos) que invita a artistas de otras disciplinas a bosquejar esos límites (unas veces reales, otras imaginarios) del ámbito, el cual por cierto no responde a coordenadas al azar, sino que se elegirán cinco sitios de interés medioambiental en cinco respectivos continentes, todo ello en el espacio temporal de dos años. 

Lo que recoge el digipack editado por República Ibérica Ruidista se graba en direccto en el Paraje Pinar Hermoso (Pedanía El Niño de Mula) el 26 de Febrero de 2022, tal y como se cuenta `entre los almendros en flor, bajo la lluvia y sobre el barro´. Podéis ampliar información aqui:

https://gabarron.org/es/Ambito

El propio Cristóbal cede la foto de portada y Paco Vico se encarga del diseño gráfico mientras que el sonido lo mezcla Fran Martínez Baillo. Lo demás, os lo voy a ir contando pero antes, y aunque no me guste el corta y pega, me encantaría que leyérais este fabuloso texto que acompaña a la Bio y que refleja lo que se vivió en la jornada en cuestión: 

`El primer evento del proyecto de Gabarrón tuvo lugar en febrero de este año en el paraje Pinar Hermoso en la pedanía El Niño de Mula. Se esperaba un día radiante de febrero entre los almendros en flor, pero vino el frío y la lluvia y el barro. Los plásticos cubrían los aparatos, bajo los toldos miríadas de gotitas se condensaban en los saxofones, el barro pesaba en los zapatos y acababan de atacar a Ucrania. De algún modo todo esto está en el disco, que recoge la parte sonora del happening-performance-action painting llevado a cabo en Mula. El mismo ambiente calaba en la pintura de Cristobal Gabarrón y las declamaciones de Carlos Aganzo, Joaquín Araujo y Raúl de Tapia. Los trazos de uno y las palabras de otros atraviesan el disco sin encontrar paralelismo en lo sonoro. Sin embargo, sí podemos intuir en alguno de los episodios cómo la danza de Manuela Salvado da forma a los sonidos, va esculpiendo con sus movimientos el espacio sonoro y queda en el disco como el vaciado de una escultura.´

Diseccionar musicalmente ÁMBITO (MULA) es complicado y quizás un sobrevuelo por el conjunto sea lo más acertado, en vez de detenerse en cada uno de los cortes. Empezando con el saxofón de José Joaquín Aroca, me quedo helado con la amplitud de registros que abarca, casi siempre sosegados y de un marcado acento espiritual no sé si Coltraniano, pero sin duda sí que muy deudor del atavisto telúrico de Ayler o el Coleman más experimental. La manera en la que suena y procesa el sonido en ese "Episodio 1" me hace recordar al olvidadísimo Eddie Harris y la forma en la que electrificaba el saxo (magnífico su Silver Cycles de 1968)... pero claro, aquí interviene sin duda Juan Jesús Yelo con su torno de alfarero sonoro manipulando, añadiendo grabaciones de campo e incluso generando bajas frecuencias propias de las Ondas Martenot. Eso, y el ruido de la lluvia y las irrupciones de lo rural hacen dudar si no estamos dentro de un disco de Dark Ambient oscurantista cañí (algo así como Ibero Dungeon Synth sería la cosa) pero es entrar esos toques bajos del saxo juguetones que me embriago de una inmensa paz espiritual porque no puedo evitar acordarme de la manera gospeliana y plañidera con la que Ayler acometía su instrumento o con la que Wadada Leo Smith (con su trompeta) mecía aire y saliva en una nana contemplativa en Ten Freedom Summers.

Pelos de punta en cómo el apabullante theremin de luz suena como una Shruti Box propia de las Morning Ragas indostaníes en "Episodio 2", con puntadas zurcidas por un asordinado saxo rayano en esa escena ahora muy en boga del Doom Jazz que practican gente como Bohren & Der Club of Gore, The Lovecraft Sextet o los extintos The Mountfuji Doomjazz Corporation. El uso del eco en el saxo y cómo se vertebra es mántrico hasta el punto de que puedes (os invito a hacerlo) recitar algún mantra que queda perfectamente medido métricamente. Definir esto sin escucharlo es complejo, pero "Episodio 8A" es lo más cercano a prestarle a Fulcanelli un saxo y cacharreo electrónico a ver si puede dar con su jodido enigma de las Catedrales mientras que la apertura de "Episodio 8B" parece vestida con la ropa exhumada de Pharoah Sanders con los jugueteos necroelectrónicos de Ikue Mori que por cierto se nos va a los 14 minutos y pico aunque cosa curiosa, hay muchísimo aquí de la escena vanguardista Berlinesa y el Kraut primitivo justo antes de que mutara en lo que luego sería la New Age.

Por cierto, imposible no acordarse de A Love Supreme en las idas y venidas puntuales con ruido de ganadería de fondo. Una puñetera genialidad de contrastes en el diálogo más intenso que recuerdo en un disco; la estática acumulada de los campos electromagnéticos de Aroca y el pastoreo del ganado con un saxo pletórico de New Thing. Muy curioso cómo el barítono se transforma a veces casi en un contrabajo en el monumental "Episodio 10" que casi llega a los 20 minutos. Arpa eólica, partes cuasi Noise de tintes marciales, el theremin de luz iluminando la noche primera de los tiempos y un soliloquio acojonante del saxo soprano... todo esto y muchísimo más. A veces describir demasiado es destruir así que me contengo, aunque bien es cierto que como se dice en los Mitos, todo aquello que tuvo un nombre debe seguir siendo nombrado para no perder su existencia.

Sin dudarlo, Cristóbal Gabarrón, Juan Jesús Yelo y José Joaquín Aroca, mas quienes anduvieran aquel 26 de Febrero por la Pedanía El Niño de Mula, dejaron una impronta tan alucinante que convierte a este disco en algo tan especial como necesario. Una obra de CULTO.

https://republicaibericaruidista.bandcamp.com/album/ambito



sábado, 7 de enero de 2023

EL LABERINTO DEL LEPISMA (46) - "El Juego de los Niños (Juan José Plans)"

 *El Juego de los Niños / Juan José Plans (Organización Sala Editorial, 1976) *

La historia de una búsqueda, la historia de una de las novelas más terroríficas del terror hispano. Juan José Plans, con su radiofónico programa HISTORIAS DE RNE, cerraba los esfínteres con un relato audionarrado llamado La Isla, a la vez relato titulado Pánico que saldría en sendos números 34 y 35 de la revista Cosmópolis. Ya venía colaborando Plans con Narciso Ibañez Serrador cuando éste se queda petrificado con la brutalísima historia y decirle adaptarla con sutiles cambios mientras que Plans a la misma vez escribe la versión novela notablemente diferente. Resultado, el film de Chicho, de culto mundial QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO y el ostracismo de Plans que queda relegado a un segundo plano (prácticamente todo el mundo creía que la historia era original de Chicho). Por cierto, en el siguiente enlace os dejo una dramatización de la novela a cargo del propio autor de 4 horas y media:

https://www.youtube.com/watch?v=52Y_NorzZdk&t=8s

Ahora entra mi historia. 20 años o más buscando la edición original de la novela que tuvo una reedición en 2011 (igualmente inencontrable). 20 años de lepisma, dedos sucios y estanterías... incluso recurrí a internet cuando se me puso a tiro dos ejemplares (con escasa diferencia de tiempo) a un precio irrisorio.... pero claro, los venedores, ávidos y listos, se dieron cuenta de que aquello era un incunable y con excusas, y a pesar de haberla echado al carrito, se excusaron diciéndome uno que no tenía existencias ya y que era un error de la página, y el otro con no se qué historia de que la novela estaba subrayada (a pesar de que insistí de que me daba igual se negó a vendérmela así). 

Nunca he dejado de buscarla, huyendo de los desorbitados precios (ahora mismo hay dos copias en la red, una a 80, otra a 100 euros, ambas en peor estado que la mía). ¿Y cómo fue el encuentro?. Pues no era un día cualquiera pero como si lo fuera para vosotros. Tras mover centenares de libros fijé mi vista en una estantería y vi una novela tardía y bastante vacua de Plans que no me interesaba y durante una ráfaga de microsegundos volví a acordarme de El Juego de los Niños; justo a continuación subí la mirada y la ví allí, en todo su esplendor. Las sensaciones son difíciles de describir y las dejo a vuestra imaginación pero apunto dos detalles: uno, que es una segunda edición, también del 76, y que desconocía totalmente dada la rareza de que salieran dos ediciones. La otra... pues que dentro encontré un trozo de una antigua faja (puede verse en la imagen) que muestra que la novela y la película se hermanaron bastante. Nunca he visto una copia del libro con esa faja y creo que es un detalle importante para futuros coleccionistas.

Otro sueño cumplido.

ENJOY YOUR LEPISMA WEAPONS

jueves, 15 de diciembre de 2022

JAVIER PIÑANGO - "I.R.REAL 10" (AUDIOTALAIA atp013, 2022)

Fue en 2018 cuando tuve la oportunidad de charlar con Javier Piñango y el añorado Juan Antonio Nieto con motivo de su maravilloso Afterglow que se editaría por Plus Timbre, sucesor del oscurísimo y rompedor Two Unfocused Cardinal Points (Marbre Negre, 2016). El nexo de unión si mi memoria no me falla fue a través de un Dossier sobre Gruppo Ungido y una entrevista con A.L. Guillén que vertebró cual bisagra mi forma de acercarme a la música y a los músicos. Mucho he escrito sobre el Piñango músico pero otro filón importansísimo sería el Piñango escritor, literato, comentarista o como quieran llamarlo, que tan excelentemente adornara el impresionante, imprescindible, ignominioso (las tres íes) Experimental Qumram, Motherfuckers! (Gruppo Ungido / Endogamic). 

Esta faceta escritora estalla en todo su esplendor en el disco-libro-río-sinapsis I.R. REAL 9 que nos aboca inexorablemente al momento-ahora que estáis leyendo, aunque por el camino quedan colaboraciones e historias como Drolé de Guerre junto a David Área (otra vez en Marbre Negre) o los  demenciales compilados de Synthomes (Ex-Nihilo Records) y el Mattoid Compilaton Vol.2. Seguramente me dejo más por el camino pero así dejo los suficientes rastros para que os dibujéis una película sonora sobre Piñango y su sombra arquetípica, el KORG MS20.

Enfrentarte a un I.R.REAL 10 impone por muchísimas razones. Sus 67 minutos pueden escucharse como una suite prácticamente atemporal que podría ser digna heredera de esos Technical Space Composer's Crew y su único pero de culto Canaxis 5 de 1969, los primeros KLUSTER, algo de los germanos Limbus 4 y su álbum Mandalas y en general todo ese caldo de cultivo romepdor de una Alemania a contracorriente del Schlager. A ratos Industrial, otras imbuido de un poderoso Dark Ambient, nada se estanca y los burbujeos necro-espaciales rebotan en unas láminas durísimas que solo pueden provenir de una máquina capaz de sustituir al motor del Apollo XIII como es el Korg, lo cierto es que hay muchas escenas en una... y brilla lo español con nuestros Esplendor Geométrico, Miguel A. Ruiz (Orfeon Gagarin) y la línea trashumante que va de Madrid a Barcelona con la movida experimental que tan bien tratara Javier Gonzalo en La Ciudad Secreta (Munster) con la Barna Preolímpica y es que esa brutalífica actitud Punk que tanto se refleja en el terrorismo sonoro de la forma de grabar y tocar de Piñango. De ahí se podría viajar a Valencia o incluso a las Islas con Quaxar o DUE, debatir qué diablos es la vanguardia y cuáles son sus límites. 

La otra manera de meterse en esto es seguir las pistas que nos va dejando Javier en sus textos y postales que vienen dentro de la maravillosa cajita que se ha currado Edu Comelles de Audiotalaia pero no quiero adelantar cosas que váis a leer a continuación. 

(Fotografía: David Area)

Un viaje psíquico, social pero ante todo humano de un artista irrepetible cargado de vivencias. Adelanto que es imposible hacer justicia en un simple texto a la profundidad de capas de abordaje que requeriría I.R. REAL 10 pero por mi parte, he dado todo lo que tengo para intentar hacer una autopsia in-vivo a dos hermanos siameses imposibles de separar por cualquier tipo de cirugía (ni siquiera la cirugía sonora). También he tenido la oportunidad de que Almudena Villar y su magnífico ojo fotográfico me responda a algunas preguntas quizás demasiado personales pero que están formuladas desde el inmenso cariño que se le tiene (me gusta hablar en presente) a Juan Antonio Nieto

Almudena-Juan Antonio o una molécula indisoluble en agua. Maravilloso. Sigo....

Piñango y su Korg MS20, de oficio, jodedores de tímpanos, jinetes de ondas serradas y surfistas de lo sinusoidal. Caballeros magnéticos sorbedores de Teluria y hermanastros de Berlín, de Europa del Este o los primeros extraños compositores franceses, echando un pulso a los mismísimos Throbbing Gristle con brazos de titanio. Dos entes unidos en una Matrioska inexpugnable a la que es imposible de arrebatar su última capa... esa que posee el secreto y que pela los cables hasta su misma esencia. Esa que da calambre y duele pero que a la vez nos hace gozar. El placer del dolor nunca ha sonado tan alto y tan violento.

/////////// Veamos Javier, creo que si no me falla la memoria, es la segunda vez que tengo el placer de charlar contigo, la última vez a tres bandas con el añorado Juan Antonio Nieto. Sirva esta entrevista de homenaje a su insigne figura.

A estas alturas de mi vida, se me hace bastante cuesta arriba definir a los artistas, encorsetarlos o meterles etiquetas. Creo que indagar en los currículums debe ser cosa del oyente así que quiero preguntarte por el otro Javier Piñango. ¿Podrías decirme quién es Javier Piñango al margen de lo musical?

JAVIER:  Es difícil, o casi imposible, separar a ese tal Javier Piñango de "lo musical", pero no solo en el sentido de lo creativo, o sea de mi faceta como músico, sino también en algo que me ha acompañado siempre y que podría denominarse como "transmisor", y en el sentido que hablamos, como "transmisor de sonidos". Es verdad que también lo literario y mi faceta paralela como escritor y en tiempos lejanos como comentarista (que no periodista) musical, en este caso también desde la escritura, son cuestiones que me han acompañado siempre. Pero, insisto, es ese ente transmisor de sonidos arriesgados y no convencionales, propios y ajenos, lo que de siempre puede ir unido al nombre de Javier Piñango. Desde que con 14 años empecé a organizar disco-forums de música progresiva, krautrock o qué sé yo, Jimi Hendrix (por ejemplo), hasta cuando más tarde fundé sellos discográficos, organicé eventos y festivales o dí charlas y conferencias sobre diferentes temas relacionados con lo sonoro y la gestión cultural de lo sonoro.  Y volviendo a lo que decía antes, hasta te diría que incluso lo escrito, en mi caso, tiene un algo que ver con todo aquello que suena.

En definitiva, ese Javier Piñango al margen de lo musical por el que me preguntas, es en realidad el reflejo en un espejo del mismo tal Piñango y el millón de millones de sonidos que he mamado desde crío.

(Fotografía: Almudena Villar)

/////////// Ahora vamos a hacer justo lo contrario. Como el ventrílocuo electrónico pertinente que eres, me gustaría que ayudaras a tu KORG MS20 a presentarse a sí mismo haciéndolo lo más antropomorfo posible. ¿Qué siente, de dónde viene y cómo crees que piensa?

JAVIER:  Mi querido y viejo Korg MS20, que llegó a mi casa (de entonces) allá por 1981, me dice que era (y es) un sintetizador lleno de posibilidades: muy bien diseñado y con una amplísima capacidad de generación sonora que yo, el ente humano, he ido aprendiendo a encontrar y explorar, desde entonces y hasta ahora, de una forma que en aquellos años 80 me habría parecido sencillamente inimaginable. Recordemos: el Korg MS20 es un sintetizador analógico, monofónico, patchable, semimodular, que Korg lanzó al mercado en 1978 estando en producción hasta 1983. Y ahora viene lo bueno, aunque el MS20 sigue una arquitectura de síntesis sustractiva convencional de osciladores (2 VCO’s)  /  filtro /  VCA, su versátil panel de conexiones permite unas amplias posibilidades de "juego", además también de incluir un procesador de señal externa. Esta flexibilidad y su sonido rotundo y grueso, especialmente en frecuencias bajas, hicieron de mi MS20 y todos sus compañeros un sintetizador fantástico y casi legendario.

Ahora soy yo el que hace algunas acotaciones ya de tipo estrictamente personal.  Y es que en mi caso particular, siempre lo he considerado, de algún modo, como un sintetizador hijo del punk. Probablemente primero por una pura cuestión temporal ya que Korg lo puso en circulación en 1978. En segundo lugar porque su fantástica relación calidad/precio lo convertían en una herramienta relativamente barata en comparación con otros sintetizadores, facilitando así el acceso a medios "sintéticos" a un buen número de músicos heterodoxos y transgresores. Por último porque sus propias y tan especiales características encajaban perfectamente en esa actitud del do it yourself tan propia del punk.

Dicho esto, añadiría que como músico, utilizándolo en mayor o menor medida desde ese lejano 1981 (año en que me compré el modelo que hoy, más de 40 años después, sigue acompañándome), he aprendido a utilizarlo primero desde un sentido puramente musical y luego, sobre todo desde 2010, año en el que comencé a trabajar en mi proyecto en solitario I.R.REAL, a hacer un "auto-reseteo" (formal y mental) de todo lo aprendido hasta entonces para partir de nuevo desde cero y avanzar en un progresivo uso TOTAL de este sintetizador hasta hacer que mis proyectos sonoros estén marcados definitivamente por el uso único del Korg MS20. De algún modo, mi sintetizador te diría que Javier Piñango ha aprendido a desaprender "a tocarlo" para centrarse en su manipulación como generador sonoro y el trabajo exhaustivo en la exploración de los límites y posibilidades sonoras del mismo.

(Fotografía: Almudena Villar)

/////////// A este respecto tengo que añadir que posiblemente es el disco más versátil y (cogiendo el término con pinzas) `accesible´ o `melódico´. Esa manera de hacernos mover el esqueleto con el décimo corte "Front​ó​n Beti Jai | Marqu​é​s de Riscal" para mi gusto son toda una manera de recrear lo cósmico desde un abordaje casi bailable y proto Techno (imperdible es ese sonido que parece emular un arpa de boca). Es por eso que en I.REAL 10 capto tantos contrastes. Algunos cortes poseen estructura definida y otros se nutren de una abstracción importante, angular y caleidoscópica (no sé, algo así como Thighpaulsandra versus Monte Cazazza). Es por eso que no deja de llamarme la atención diversos debates e historias entre el ruidismo, los ruidistas, los improvisadores y mil historias más, y escribe Piñango: `planos electrónicos, utilización (también podría denominarse musicalización) del ruido (que no ruidismo), choques y superposiciones sonoras aplicados a un pasaje siempre cambiante con la tensión como continuidad y elemento narrativo´

Te pregunto, Javier... esa diferencia entre lo que llamas `utilización del ruido´ la separas del `ruidismo´. ¿Puedes decirme cuál es la ambos conceptos ¿rehúyes en algún momento del Noise y quieres apartarte de dicha escena?

JAVIER:  Siempre he pensado que existe una diferencia que separa al "ruidista" de alguien que trabaja con ruidos, un "ruidador", que es el concepto con el que yo me siento más identificado. Sin embargo para mí un "ruidista" es alguien que pone en ESE RUIDO el objeto final y único de lo que hace. No como en mi caso, en el que ESE RUIDO termina por formar parte de una organización de RUIDOS, compuestos o improvisados, que en su confrontación entre ellos mismos y en la suma mezclada de todos, generan un resultado que va más allá de lo que cada uno de ellos era en sí mismo. ¿Me explico? Es esa "organización" que yo envuelvo en un proceso de manipulación de fuentes sonoras (RUIDOS varios) la que en un sentido muy personal califico de "musicalización".

En cualquier caso, efectivamente no me siento como parte de esa escena del noise, creo que mi trabajo abarca un campo más amplio en el que pueden convivir y a la vez confrontar pasajes de ruido extremo con pasajes ambientales o incluso con remansos de una cierta quietud (al menos aparente, ja, ja).

/////////// Antes de meternos en detalles de tu último trabajo, se me viene a la cabeza un excelente documental sobre Eliane Radigue y su vínculo cuasi espiritual con su sintetizador (por cierto que "Hotel Mediodía" y su minimalismo casi vocal, gorjeante y sub sónico tiene algo de Radigue). Separar el KORG MS20 de Piñango es como decapitar a una persona, tal es el grado de comunión que creo que habéis conseguido hombre y máquina. A estas alturas, ¿sigues sorprendiéndote de lo que puedes obtener del KORG? Y justamente lo contrario, ¿te has sentido alguna vez decepcionado con dicho sinte por no poder llegar a plasmar alguna idea que tenías en la cabeza?

JAVIER:  Lo primero, qué grande y maravillosa es Eliane Radigue. Y sí, separar MS20 y Javier Piñango sería a estas alturas casi un acto criminal, ja, ja. En ese sentido entiendo el sintetizador como un "instrumento", algo que no ocurre a menudo entre los músicos que trabajan con sintetizadores. Es decir, un instrumento concreto, determinado, único... En cuanto a la capacidad de sorpresa, como expliqué antes, sus posibilidades en cuanto a generación y manipulación sonora siguen asombrándome, tanto cerebral como sensitivamente a través del propio acto de la manipulación (manual, precisamente) del mismo. Todo esto sucede en un "tiempo real" de creación de sonidos y composición, por lo que las ideas van surgiendo también en ese mismo "tiempo real", de modo que no hay una idea preconcebida clara que previamente tenga yo en la cabeza, todo SUCEDE sobre la marcha, lo que hace que de pronto me pueda encontrar ante algo absolutamente inesperado. Así que, al menos por ahora y mientras siga trabajando de esta manera, no parece haber lugar para la decepción.

(Sao Paulo 2015, Fotografía: Wellington Tiberio)

/////////// Sin saber técnicamente si estoy en lo cierto, los diecisiete cortes del disco muestran una depuración de sonido que te dejan con la boca abierta. "Plaza de la Santa Cruz" despliega capas con una pulcritud y facilidad casi milimétricas. El sincretismo musical es brutal y las ondas generadas emulan o transitan por las mismas longitudes de onda que cuencos tibetanos o instrumentos metálicos. Sin usarse guitarras, se identifican momentos cercanos a `riffs´ que harían palidecer a Sunno)). Drone llevado a otro nivel donde el músico es el maestro de ceremonias que conduce a una orquesta de un solo intrumento. 

Quisiera darte la enhorabuena por I.R. REAL 9 que para mi gusto supera con creces a su predecesor en todos los sentidos pero sé que no todo el mundo está familiarizado con este concepto de I.R. REAL que si mis datos son correctos, se remonta a 2010. ¿Puedes explicar a los lectores qué es I.R. REAL en términos generales?.

JAVIER:  Efectivamente es en 2010 cuando me planteo la idea de crear un proyecto en solitario, después de mucho tiempo de colaboraciones con otros artistas, y que además este proyecto tuviera una identidad propia y un nombre genérico, I.R.REAL, con unos conceptos claros y diferenciado de otros trabajos también en solitario creados en paralelo pero con planteamientos diferentes. La idea que tomé como punto de partida fue esa utilización (musicalización) del ruido y la creación de choques y superposiciones, todo ello buscando una narratividad sonora (y también en muchos casos conceptual) dominada por la tensión y los planos y contraplanos, en un trabajo de composición y edición muy complejo. Además estos diez discos realizados desde 2010 como una serie bajo el epígrafe de I.R.REAL, han ido mostrando una clara (y creo que lógica) evolución del proyecto: de la combinación de elementos analógicos (sintetizador), digitales y grabaciones de campo procesadas de los primeros volúmenes, a ir progresivamente dando paso al uso en exclusiva del sintetizador y a la exploración casi compulsiva de los límites sónicos del viejo Korg MS20, que por otra parte ha estado siempre ligado en mayor o menor medida a mi trabajo sonoro desde los años 80. De algún modo podría decirse que el viejo sintetizador ha acabado por apropiarse del concepto I.R.REAL en sí.

(Konvent Barna; Fotografía: Albel Castells)

/////////// De entre toda la saga de volúmenes, tuve el placer de reseñar el fabuloso I.R. REAL 9 que finiquitaba una trilogía íntimamente ligada a tu vida personal y a la Alpujarra de Granada. Hablas de un exilio pero todo resultaba bastante críptico… desde la música a tus textos. Viendo ahora dónde se sitúan las coordenadas (Madrid) de I.R. REAL 10, voy dilucidando un poco los aspectos autobiográficos de tu obra. La pregunta vendría a ser: ¿estamos siguiendo algún tipo de línea temporal? ¿qué relación de amor-odio es la que tienes con Madrid y por qué hablas de reconciliarte?

JAVIER:  No, en realidad no hay ninguna línea temporal. La trilogía que formaron los volúmenes 7, 8 y 9 respondía a un posicionamiento político, desde lo sonoro, que partía de los paisajes en descomposición, desintegración y ruinas del 7 (un mundo arrasado por el capitalismo y el neoliberalismo letal), y que continuaba luego tomando "prestado" el paisaje vertical y extraterrestre de la Alpujarra, ligado como dices íntimamente a mi vida personal por ser mi padre nacido en el pueblo de Cádiar (en la Alpujarra granaína). Ese paisaje próximo y definitivamente irreal de la Alpujarra, me servía en el volumen 8 para retratarlo  profundamente en sonido y vibraciones. Y finalmente más tarde, ya en el 9, acompañado por unos textos que, te doy la razón, podían resultar un tanto crípticos, hacer de audio y texto un vehículo de escape con Sierra Nevada como un murallón que separara esa tierra irreal alpujarreña, en la que exiliarse, de la Iberia "infernal":  podredumbre, corrupción y la vieja y ancestral tendencia fascista ibérica... En definitiva, una metáfora de un autoexilio en pos de la supervivencia. Pongamos síntesis analógica generando ambientes, rupturas y quebrantos sónicos, más textos airados y en el filo, y tendremos el paisaje final de esa trilogía.

Ahora vayamos a I.R.REAL 10. Como te decía no hay ningún hilo temporal. En realidad el planteamiento de este décimo disco viene de la necesidad desde hacía ya tiempo de retratar, desde mi más personal percepción, lo que en general la ciudad de Madrid, que es mi ciudad, en la que nací y vivo, me sugería para bien y para mal. Una ciudad a menudo maltratada, por no decir siempre, por una fauna de especuladores, corruptos, fascistas de todo pelaje, sinvergüenzas sin escrúpulos y mil desgracias y desgraciados más. Pero también, como decía, mi ciudad, en la que a través de unas localizaciones muy concretas he querido presentar la combinación de ese submundo terrible con paisajes que van más allá, entre lo subterráneo, lo deforme, lo raramente bello, la superficie viciada y a la vez adictiva, lo esperpéntico (Madrid es en realidad un puro esperpento) y en definitiva la absoluta irrealidad. Toda esta combinación de lugares y percepciones mías de esos mismos lugares y de la ciudad en sí, son los que alimentan esa confrontación de amor-odio... Y este disco nace de una cierta necesidad de reconciliación, de querer hacer las paces con esta ciudad, lo cuál, en realidad, viene a ser algo imposible aunque en ciertos momentos de "quietud" pueda aparecer el espejismo de que esto pueda llegar a ser posible.


/////////// Con I.R.REAL 10 nos planteas un viaje sonoro por determinados enclaves de Madrid que además se acompaña con unas excelentes imágenes de Almudena Villar y unos textos sobrecogedores que demuestran tu enorme faceta poética. Antes de nada, ¿podrías hablarme de Almudena y la relación de amistad y trabajo que os une desde hace tantos años?. Ella ha sido la encargada de poner imagen a muchos de tus últimos trabajos y también tus colaboraciones con el grandísimo y recientemente perdido Juan Antonio Nieto.

JAVIER:  ¿Qué puedo decir de Almudena? Más allá, mucho más allá de la amistad, lo que hay es un cariño inmenso, un montón de vivencias compartidas en estos años, vivencias vividas con la mayor complicidad en los buenos momentos y también en los regulares y en los malos. Almudena es enorme, es sencillamente enorme, es una de las mejores personas que he conocido en mi vida... Y en lo artístico para mí es sumamente fácil trabajar con ella. Soy fan absoluto de su foma de plasmar fotográficamente la realidad (y en mi caso, la irrealidad, ja, ja). Su trabajo es absolutamente reconocible, con esa capacidad suya para microfotografiar el detalle de un algo para convertirlo en otro algo diferente, y hacerlo como digo con un estilo propio cuya óptica encuadra lo inimaginable y hace de lo cotidiano un mundo insólito. En fin, ¿he dicho ya que soy fan total de mi querida Almu?

 ALMUDENA:  Dice Javier que es fácil trabajar conmigo pero creo que, sin duda, lo que resulta fácil es colaborar con él, por la claridad de sus ideas, sabe lo que quiere, no hay ambigüedad y así es difícil equivocarse, y luego está lo extraordinario de su música ¿cómo se pueden sacar sonidos tan increibles de un MS20? La obra de Javier es puro punk, pura poesía, pura fuerza, que i.r.realmente nos arranca  las entrañas.

/////////// Almudena, tus fotografías siempre me han parecido excelentes, además de que casan a la perfección con el sonido tanto de Javier como de Juan Antonio. Al igual que le preguntaba a Javier, me gustaría que me ayudaras a desentrañar tu persona. Sé que es difícil definirse a uno mismo pero, ¿quién es Almudena Villar (sus inicios, su relación con la música…)?

ALMUDENA:   Realmente, mi relación con la música viene desde la cuna, ya que mi abuelo era compositor y mi padre dirigió una editora de música, también mis primos han sido músicos profesionales, en fin, en mi casa siempre se ha escuchado música, y en los primeros 80 llegó la Nueva ola a Madrid (o si se prefiere la Movida) y en aquellos años locos iba a todos los conciertos y compraba todos los discos que podía,  en esos años conocí a Juan Antonio que me colaba a sus conciertos, aunque entonces no le hacía mucho caso…

Respecto a la fotografía, nunca fue una afición para mi, la poca técnica que he adquirido ha sido por obligación profesional, fotografiando en las excavaciones arqueológicas y  largas sesiones fotografiando materiales, así empecé a cogerle el gustillo, pero no podía desperdiciar carretes, el revelado era carísimo. Todo eso cambió al llegar la fotografía digital, en los 2000 quisimos hacer un proyecto de los muros de Gijón, el salitre hace maravillas, Juan Antonio iba a intervenir los muros y yo a fotografiarlos pero al final no lo hicimos pero mi querencia por las paredes y los palimsestos que en ellas se crean ahí sigue, de hecho varias portadas que hice para Juan Antonio son muros.  La cámara digital  también hizo que pudiese robar algún disparo en mi trabajo y surgió la serie Arte de obras en la que he fotografiado andamios, herramienta, tierra, maquinaria, etc. Empecé a hacer las portadas para Juan Antonio Nieto y sus colaboradores, para Javier Piñango y  flyers de conciertos.

/////////// ¿Hay alguna influencia del futurismo, el fluxus o cualquier otra movida artística en tu ojo a la hora de encuadrar una imagen?. Dicho de otro modo, ¿qué artistas o colectivos te han influenciado a nivel artístico?

ALMUDENA:   Siempre he sido una apasionada del arte contemporáneo, desde las vanguardias rusas al expresionismo alemán, el futurismo, claro, todo los que sea Una bofetada al gusto del público y Fluxus, desde luego, todo movimiento artístico que se enfrente a los establecido, que suponga una ruptura, que sea una respuesta al mercantilismo o que reclame una libertad absoluta a mi me tiene ganada, y además Juan Antonio lo sabía absolutamente TODO de fluxus. La influencia de fluxus me viene, sobre todo, por el tema del objeto, del found object, mi manera de acercarme a las cosas, que más que la búsqueda del detalle es una mirada casi EXTRAVIADA ,  esa es mi fotografía,  una forma diferente de ver las cosas.

Además de mis pintores favoritos, que no son pocos, entre los que destacan Paul Klee, Egon Schiele, Odilon Redon…, bueno y se me olvidaba decir que idolatro a Man Ray. Una gran influencia en mi trabajo, también,  es el cine al que soy muy aficionada de siempre.

/////////// A Juan Antonio estuve a punto de conocerlo cuando vino a Málaga hace muy poquito pero no pude asistir por temas de trabajo. Siendo nuestra relación prácticamente epistolar siempre me sorprendía la humanidad que destilaba, preocupándose más por los demás que por sí mismo (recuerdo sus mensajes de apoyo durante la Pandemia). Sé que no es fácil pero me gustaría que hicieras un esfuerzo emocional y me dijeras no quién era Juan Antonio Nieto sino a quién hemos perdido. ¿A quién perdemos en lo personal y en lo artístico con su temprano fallecimiento? ¿Qué diferencias hay entre pasear por Madrid con él y hacerlo en soledad?.

ALMUDENA: Juan Antonio tenía todavía mucha música por hacer, mucho que decir en el ámbito de la experimentación, acababa de cumplir 60 años, me parecen tan pocos para la esperanza de vida hoy en día. Se que muchos músicos europeos y americanos se sienten un poco huérfanos, todos le pedían consejo y ayuda para venir a tocar a España, nunca dejó sin contestar ningún mensaje, procuró siempre dar direcciones y cuando era posible organizábamos  nosotros mismos los saraos, él sabía lo importante que era para los músicos mostrar su trabajo. Él era una persona, en el sentido más profundo de la palabra, buena. Su vida nunca fue fácil, su discapacidad le cerró muchas puertas, pero su altísima calidad como artista y su inquebrantable honestidad, fue derribando una tras otra y las que le quedaban.

Caminar con Juan Antonio  a mi me ha convertido en una artista, al acomodar mi paso al de él, me vi obligada a ver el mundo más despacio y empecé a observar todo con mayor detenimiento, este paso lento influyó mucho en mi fotografía.

Los últimos paseos que dimos ya fueron en silla de ruedas, pero nunca dejó de tener ese sentido del humor que siempre me enamoró.

(Almudena Villar, Juan Antonio Nieto, Javier Piñango, Entonado y Gregorio Kazaroff en Ágora Sol Radio; Fotografía extraída de su página web)

/////////// Finalmente Almudena, ¿en qué fotografías y pasajes de las 17 imágenes crees que Juan Antonio está más presente y por qué? ¿En cuál de las 17 localizaciones os gustaría volver a encontraros los tres, Piñango, Juan y tú?

ALMUDENA:   Yo elegiría dos localizaciones, en la que está más presente creo que es en Azca, ese día él me acompañó, por supuesto no pudo bajar, demasiadas escaleras, es un sitio inhóspito. Cuando preparaba la selección para enviarle a Javier, se las enseñé, me dijo Esta es mi favorita, es muy Lynch, y es la que va a elegir Javier. Cuando se las envié a Javier el sin dudarlo dijo: Esta, jaja, estaba claro.

Luego, para encontrarnos los tres, iría a un sitio más amable, al lado de casa de mis abuelos paternos, en la Plaza de los Guardias de Corps, a tomarnos un vermú, unas cañas, o lo que se terciara.

JAVIER:  Quizá en ese submundo tan madrileño de la estación de metro de Chamberí, la estación fantasma en la que desde hace décadas no se detienen los trenes. Creo que sería un espacio perfecto para que este trío nuestro se tomara unas hipotéticas copas y se zampara también unos hipotéticos torreznos, je, je.

/////////// Orgía de potenciómetros hirviendo en "Callao", más comedidos pero igualmente rompedores en "Plaza de la Guardia de Corps". Tengo que revelar que he entrevistado también al Korg de Piñango pero todavía estoy traduciendo sus respuestas que llegarán quizás en una línea temporal y lenguaje diferentes, pero que se traducen en las mismas sensaciones emocionales. De todo lo que me ha contado, se repite una palabra constantemente... `pasear´. Escuchar los más de 60 minutos de I.R.REAL 10 funcionan efectivamente como un paseo donde los cambios paisajísticos, de edificios o detalles arquitectónicos van con una fluidez que asusta. ¿Cómo ha sido el proceso compositivo? ¿relacionabas un enclave con un pasaje musical antes o después de componerlo?

JAVIER:  Lo primero, a partir de la idea que antes comenté de plasmar un Madrid I.R.REAL, fue construir ese itinerario, esa travesía con un principio y final a través de 17 localizaciones que por uno u otro motivo eran sugerentes para mí. Una vez tuve claro ese itinerario y esas localizaciones concretas, hablé con Almudena para explicarle la idea y pedirle que poco a poco fuera fotografiando esos espacios para construir las postales sonoras, visuales y escritas del disco. Y ahí es cuando comienza todo el proceso compositivo. Tenía que construir 17 piezas y hacerlo con la premisa de que el audio funcionara como una postal sonora dentro de un todo, que tuvieran esas piezas una duración que en ningún caso superara los 5 minutos y dotarlas, y este era el reto más difícil, en su orden en que figurarían en el disco y que inspiran este itinerario, de un sentido de la CONTINUIDAD fundamental para al final no tener un puzzle de 17 piezas diferentes entre sí, sin más, sino un puzzle con 17 piezas que encajaran perfectamente entre sí, UNA TRAS OTRA. A partir de todas estas premisas empecé a trabajar en pistas y más pistas de sintetizador para recrear, evocar poéticamente o directamente transfigurar paisajes, edificios, espacios, etc. Un trabajo del que tengo que reconocer que a nivel compositivo me siento especialmente orgulloso por su complejidad y su resultado final.

/////////// Vuelta a AUDIOTALAIA y al magnífico sello de Edu Comelles, que ahí sigue en la brecha desde 2007. ¿Cómo surge editar con Audiotalaia? Si no me equivoco tu primer disco ahí fue I.R. REAL Space Music de 2013 pero luego continuaste la serie en Plus Timbre donde incluso se iniciaría la trilogía última con el volumen 7 y 8, aunque terminaste sacando el 9 en Audiotalaia. ¿Qué razón hay detrás de esto? Puestos a elucubrar, me inclino a pensar que Audiotalaia te ofrecía la posibilidad de una edición física ya que el volumen 6 sí que fue con Audiotalaia (es un poco rompecabezas todo esto).

JAVIER:  He trabajado siempre con diferentes sellos, de hecho en mis discos en paralelo a la serie I.R.REAL sucede lo mismo, habiendo editado trabajos en Auriculab, Hazard Records o Impulsive Habitat por ejemplo. Dicho esto, indudablemente hay un plus de complicidad con Audiotalaia cimentado en mi larga amistad personal con Edu Comelles. A esto hay que sumarle el hecho de que siempre he pensado que si hay algo que distingue a Audiotalaia y al propio Edu en todo lo que hace, es el cuidado, el cariño y la profesionalidad en su trabajo, lo cuál valoro muchísimo. Ediciones como la del volumen 9 (librito de textos y fotos + audio de descarga digital) o la de este volumen 10, con todo lo que incluye, son difíciles de imaginar en cualquier otro sello. Y hay algo que tengo muy claro: si edito en físico es para hacer de esa edición un objeto (artístico o lo que sea, je, je) que sea mucho más que un simple CD.

/////////// Hablando de las ediciones físicas de Audiotalaia, lo cierto es que son una preciosidad. Personalmente tengo en mi colección los dos volúmenes últimos de I.R. Real (el 6 no, creo que está agotado), Erissoma & Lucas Bolaño o el Frozen Drumscapes de Avelino Saavedra, todos con un acabado impresionante que lleva el DIY a su grado máximo de exquisitez. La pregunta sería: ¿qué grado de implicación tienes con el acabado del álbum? Lo digo porque el artwork es de Comelles pero imagino que habréis llegado a algún tipo de consenso. Descríbeme si puedes cómo ha sido el proceso creativo del disco que estoy tocando ahora mismo con mis manos.

JAVIER:  Esto tiene mucho que ver con lo que te comentaba antes. En primer lugar lo cuidado y minucioso (y estéticamente sempre fantástico) de las ediciones de Audiotalaia. Y en segundo lugar ese nivel de complicidad con Edu Comelles que hace que el proceso sea en todo momento consensuado y que se realimente en cuanto a ideas en ambas direcciones. Me explico, en este volumen 10 yo tenía un punto de partida claro: encerrar CD, fotos y textos (en el reverso de las fotos) en una cajita de cartón. Parece sencillo pero no lo es. A partir de esta idea inicial Edu, como siempre hace, fue aportando más ideas y añadiendo matices a ese concepto: la textura de las fotos, la presentación de la hoja de créditos, la elección de los materiales, el montaje de todo eso hasta quedar como ha quedado... En fin, Edu es una garantía para mí, le admiro como artista y como editor, y eso es absolutamente fundamental.

(Sónikas; Fotografía: Adolfo Yagüe)

/////////// Otra cosa que me llama la atención, quizás una tontería mía, es que se haya elegido como foto de la edición la número 6, El Viaducto de Bailén. ¿Hay alguna razón detrás de esto?.

JAVIER:  Genial que me preguntes esto porque precisamente fue idea de Edu Comelles el  que esa foto, que es de mis favoritas (y tan espectacular como inquietante), sea la que aparezca como portada en la edición digital. Es una de esas aportaciones fundamentales de Edu de las que te hablaba antes.

/////////// Pues no quiero cerrar esta entrevista sin preguntarte por proyectos de futuro. El resto te lo dejo a ti. Este es tu espacio para que reflexiones, escribas o comentes lo que te apetezca.

JAVIER:  Lo primero Antonio es agradecerte esta entrevista, tus preguntas y reflexiones y la oportunidad (para mí siempre importante) de poder explicar y también reflexionar en profundidad en torno al trabajo que hace uno. Eso es impagable cuando existe un feedback entrevistador/entrevistado en el que se va mucho más allá de lo habitual.

En cuanto a proyectos futuros, de entrada la presentación en concierto del disco, en varias ciudades, durante los primeros meses de 2023. Y en paralelo comenzar a trabajar en futuras entregas, tanto de la serie I.R.REAL como de las que hago en paralelo, tanto en solitario como en colaboración con otros artistas. Pero tiempo al tiempo, lo primero es llevar este I.R.REAL 10 lo más lejos posible y al mayor número de oídos (atentos) posible.

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https://audiotalaia.bandcamp.com/album/i-r-real-10

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