miércoles, 22 de mayo de 2024

SPITTING TONGUE XIV: DYATLOV - "INVITADOS EN NÚMERO PERTURBADOR" (LOS80PASANFACTURA, 2021)


`La primera noche, ellos se acercan
y toman una flor de nuestro jardín.
No decimos nada.

La segunda noche ya no se esconden,
pisan las flores, matan nuestro perro y no decimos nada.
Hasta que un día, el más frágil de ellos,
entra solo a nuestra casa, nos roba la luna,
y conociendo nuestro miedo,
nos arranca la voz de la garganta.

Y porque no dijimos nada,
ya no podemos decir nada.´
VLADIMIR MAYAKOVSKY

Asfixiado por un poderoso Bondage Techno Punk, Carlos y Deborah me vuelan la cabeza con su fabuloso, pegadizo y magmático Tenía la Rara Virtud de no Existir por Completo (2023). Tanto me cala aquello que mi dominatrix de la contracultura canaria Jonathan de LOS80PASANFACTURA me envía este previo Invitados en Número Perturbador, acojonante inmersión // asfixia controlada en pátinas corruptas de Synthwave, necroTechno y subrayados Industriales de raíz metalera. ¿Quiéres que te lo resuma con las letras de ellos?.... simple: `Déjame mirar dentro / del eléctrico parpadeo / entre tu piel y el hueso / es sólo, cuestión de tiempo´.

No voy a repetir conceptos con DyatloV. Herrumbre y verdín, orín y azufre. No sé qué comenté en la anterior reseña pero a todo lo citado añadiré a los míticos HOCICO. Producción limpia pero agresiva que refuerza muchísimo esas bases de eletropunk salvaje y despiadado pero con la inteligencia (letras) de un misil teledirigido, sin olvidar para nada el Dark y lo gótico pero sí despojándolos de todo su teatral emolumento para concentrarse en lo que duele. Desde los devaneos cibernéticos de "Kaos", tan agradables como copular con Tetsuo en una noche loca (y sin protección.... preparen las tiritas), con magnífico tempo abotargado e inclusión de capas Synthwave (por no mencionar la bipolaridad vocal exquisita de Deborah) a la mediúmnica y bailable "Éxodo" que para que lo entendáis, si Moisés llevó al Pueblo Elegido a salir de Egipto, evidentemente fue como DJ mientras el los israleitas gritaban: `y duele!!!´.

"Disidencia" sigue la línea anterior pero volviéndose introspectiva hacia el EBM sudororo y lúbrico, contrastando para coger algo de aire en la sincopada "Revienta" con la vértebra / estructura de latigazos sonoros. No había escuchado Invitados en Número Perturbador y ya no tengo claro cuál de sus dos álbumes me gusta más.... "Réplica" es muy Punk pero nada simple en el empleo de los sintes; más minimalista e hipnótica, misma agria bilis, pero muy mántrica.... tanto es así que cuando entra el cañonazo acelerado de "Éxodo" me pilla desprevenido. Machacona, bases duras y secas, Techno chirriante como afeitarte con un quitamiedos de una carretera rural.

¿Qué queda? Pues una dosis dual entre "La Apatía" con su tono apocalíptico / crepuscular y el electro táser timpánico de "Rayados". MUY RECOMENDABLE.

https://www.los80pasanfactura.com/store/p103/Dyatlov_%22Invitados_en_n%C3%BAmero_perturbador%22.html



lunes, 20 de mayo de 2024

GALIANA, GALLARDO, ALEMANY - "ENTARTETE IMPROVISATIONEN" (LÍQUEN RECORDS LRCD029, 2024)

Los rangos estilísticos de ENTARTETE IMPROVISATIONEN son tan amplios que difuminan por completo cualquier atisbo de encasillamiento en escuelas, estilos, atildamientos varios o clasificación académica. Cuando los vientos de Josep Lluís Galiana van zajando espacio (el aire es la carne del cosmos, y Galiana la corta como un bisturí) uno puede correr el riesgo de decir que esto es Impro pura y dura pero escasos segundos después, a la par que extremos tonos barítonos barren el polvo de vuestras casas la atención se me va a una percusión brutalmente versátil, sincopada, y con cierto regusto orientalizante que aunque esté inmersa en el exquisito caos sí que parece responder a patrones compositivos no sé si estudiados de antemano, pero posiblemente expuestos en consideración en ese telón de fondo pineal que tenemos en el frontispicio interno de la frente de nuestros entrecejos. 

Quizás me he dejado llevar por la pasión y os ruego me disculpéis. Estoy hablando de un fabuloso nuevo trío (Galiana, Gallardo, Alemany) que ha editado un yunque en forma de disco (grabación y mezcla por Raúl Artana en Rockaway Studios) a través de LÍQUEN RECORDS. He empezado la casa por el tejado ya que bien pensado, si ellos no han tenido compasión con el oyente, por qué voy a tenerla yo con el lector... es más, tampoco entiendo por qué las casas tienen que tener tejados.

Conforme avanza el disco los motivos percusivos se ven todavía más reforzados con la maestría de Joan Gómez Alemany y su piano expandido y aquí parad las máquinas un momento. La pregunta no es QUÉ porque sabemos de qué trata un `piano expandido´; la clave radica en `HASTA DÓNDE lo ha expandido´ a tenor de la apabullante glosolalia de motivos melódicos que van desde espectrales y agudos golpeteos de timbres Gamelan a atonales y dismórficos usos de corcheas a lo Cage. Por otro lado tenemos la fuerza a la batería de Jesús Gallardo, de una inventiva expansiva (algo así como baquetas de punta hueca como las balas) que nos hace olvidar la ausencia de un bajo. Pica, repica, recontrapica, taladra y emulsiona a placer mientras Galiana (me remito por ejemplo al epílogo de "Entartete Improvisationen I") se suelta un larguísimo ejercicio respiratorio en circular que quita el hipo. 

Escuchado este primer corte una y otra vez, no consigo decidirme si ponerlo en ese post Coltraniano submundo ultra Free Jazz de Charles Gayle (lo primero que se me viene a la cabeza en cuanto a intensidad controlada) o en la escuela de improvisación de Jazz a la Británica de Evan Parker (intensidad de `control descontrolado´) pero sí que me doy cuenta de que quizás buscar un referente sea un craso error en el disco que hoy os presento. Es decir; si yo fuera un trazo de un lápiz en vez de un ser humano, no sería capaz de separar los términos Free, Avant, Contemporary y demás sino que preferiría hacerme el loco, no señalarme y ser por tanto tan recto y sutil como un encefalograma plano. ¿Cuál es la moraleja? que ENTARTETE IMPROVISATIONEN están curtidos y su música no tiene lo que se llama `solución de continuidad´ porque es fluída, coherente y bebe de todo y de nada a la vez.

El minimalismo de "Entartete Improvisationen XII" subyuga por sus ásperos tonos abstractos exigiendo al oyente toda su atención para separar piano de batería dentro de un microcosmos Drone asordinado con puntos en común con la tradición del Free a la británica (podéis recurrir a EMANEM del recién fallecido Martin Davidson y el bastísimo catáloco de la Spontaneous Music Ensemble). Esas cascadas de los saxos son Coltranianas a mi humilde entender y cuando emulsionan con la batería y los angulares tonos del piano (quizás Cecil Taylor es una referencia no en cuanto a estilo evidentemente, sino en cuanto a FUERZA VITAL) que a veces caen como plomiza lluvia que empapa todo el engranaje que usa Gallardo (por ejemplo en la ferretería que despliega en "Entartete Improvisationen III" o en el solo para percusión "Entartete Improvisationen VIII"). Que Galiana haya decidido moverse entre los diversos timbres posibles (soprano, tenor y barítono) refuerza y amplía la gama de tonalidades haciendo más atractivo navegar por un álbum que se va a los 80 minutos de duración. Aunque no me atreva a ponerlo a la ligera, fraseos obsesivos del saxo tenor remiten al Spiritual Jazz de Pharoah Sanders pero pasado por un filtro obsesivamente contemporáneo.

No hace falta decir que en las partes más duras se roza, se frota, se pulsa, tensa, destensa y asordina todo lo habido y por haber hasta el punto de que la confusión de lenguas de BABEL fue simplemente una anécdota sin importancia. "Entartete Improvisationen IV" es un cara a cara sin piedad entre batería y piano preparado con ausencia de vientos pero de algún modo recreando el submundo agreste de Cherry y Blackwell en MU o más acertadamente y gracias a los momentos más mistéricos de Alemany esas bellezas intransigentes con la melodía de los Helliocentric Worlds de la Sun Ra Arkestra. No todo en el disco corta y produce tetania; hay momentos para lo lírico en el piano y una excelsa batería Jazz Noir de Gallardo ("Entartete Improvisationen X") sobre la que campean introspectivos saxos baladescos y Blues (el lento tempo casi litúrgico de "Entartete Improvisationen XIV").

Exquisito Free Jazz de alta alcurnia con "Entartete Improvisationen XIII" en modo trío avasallador de inusitada ferocidad (insisto en el acierto de sustituir al bajo por un piano preparado) con cada instrumento conectado espiritualmente a los dos restantes para crear una molécula jazzística indivisible y de pesadísima masa molecular (permitidme la osadía de llamarla algo así como ENTARTETE MOLECULAREN). Los solos lejos de aburrir están perfectamente insertados en el tracklist y al anterior de Gallardo sigue un bellísimo solo al soprano de Galiana (un instrumento que me encanta) en "IX" o un fascinante despliegue de recursos de Alemany ("VII") donde ocurre esa magia del sincretismo en la que lo que son cuerdas transmutan en teclados electrónicos y recursos de toda índole se quitan la máscara para transitar desde la electroacústica a momentos cercanos al Noise (cosa que se acentúa en un atonal dúo entre saxo y piano preparado ("V"). 

Afortunadamente, tengo aquí al lado una gran cisterna de la que tiro y por la que se va todo el academicismo de rancio abolengo. Tras liberarme de mis cadenas dogmáticas, me propongo a abrazar con todo mi ser los 12 últimos minutos ("XVII" y "XVI"); saxos que resuenan como paquidermos desbocados, gárgaras magmáticas que producen un miasma esputado y que hierve en el frío metal de Gallardo, que lo monta a punto de nieve. Alemany ha sido elegido protagonista en una nueva película de Cronemberg y los clavijeros, arpas, cuerdas y apagadores lo abrazan en un Bondage percusivo que ríase usted de los Cenobitas (nota mental: preguntar a los cenobitas por la Improvisación Libre).

No voy a añadir más. DISCAZO RECOMENDADÍSIMO para gente a la que guste de perder su esmalte dental rozando dientes.

https://liquenrecords.com/2024/01/04/entartete-improvisationen-josep-lluis-galiana-%c2%b7-jesus-gallardo-%c2%b7-joan-gomez-alemany/

https://liquenrecords.bandcamp.com/album/entartete-improvisationen



sábado, 27 de abril de 2024

SPITTING TONGUE XIII: KAWABATA MAKOTO - "WE´RE ONE-SIDED LOVER EACH OTHER" (BAM BALAM RECORDS BBCD 016CD, 2017)

El dios de la guitarra Kawabata Makoto de los Acid Mothers Temple crea en We´re One-Sided Lover Each Other una brutal suite drone construída a través de capas al más puro estilo de Fripp y Eno. Música que fluye en una cascada de arpegios y láminas microtonales ultrahipnóticas al más puro estilo del inconmensurable disco de Father Moo & The Black Sheeps. Crecer, fluctuar y morir en un Lounge Drone en el que Eros y Tánatos intercambian sus papeles en un circense baile veneciano donde se copula con el pensamiento. "We're One-Sided Lovers Each Other (Dedicated To O)" como mastodóntica y sapiencial pieza de 44 minutos que llega a rozar a la Kosmische pero sin sintetizadores... algo así como lo que hacía en su estudio con la imaginación pretérita el grandísimo Conny Plank.

Extasia y cinética en lo estático, las estrellas y planetas tienen su música aunque un acorde cósmico dure cuatro Kali Yugas. Cada cambio de la guitarra desplaza una de las 108 cuentas mántricas del Japa Mala de Dios. Sexo practicado al borde del Cosmos, justo en ese sitio donde todavía nada se ha creado, en el momento en que escribo estas palabras la realidad está siendo zurcida (urdida) en una imposible singularidad. 

"I Can't Reach Your Lips" cierra el disco con 11 minutos donde el drone se torna agrio y salvaje. La guitarra nerviosa está poseída con un apenas esbozado ente antropomórfico que nos habla a través de los ululantes trémonos fuzz oceánicos de Makoto hace exudar de su guitarra. GLORIOSO.

http://www.bambalam.com/

ENDLINGR - "TRA" (CONSOULING SOUNDS; SOUL0194, 2023)

Hace poco os traía la reseña de The Cabinet of Dr. Caligari de SLEEPBOMB, proyecto muy cinematográfico que por alguna razón se me viene una y otra vez a la cabeza cuando escucho este segundo álbum Tra (el debut From the Molten Vaults no he tenido ocasión de escucharlo) de los belgas ENDLINGR también editados por el insigne sello CONSOULING SOUNDS. Unos americanos, estos últimos belgas (Guent), lo cierto es que ambos comparten esas luminiscentes líneas de guitarras pseudoprogresivas que parecen viajar hacia hipotéticos puntos de fuga neuronales alienantes e hipnóticos. Si tuviera que definirlos de forma más musical, diría que tocan un Space Rock Psicodélico brutalmente intimista que me trae a la cabeza a los portugueses Signs of the Silhouette que traje por aquí hace ya varios años.... ese tono nocturno, de Film Noir mezclado con las guitarras crepusculares de la escena de Palm Desert y unos mistéricos

La banda la conforman Jo De Geest a la guitarra (John Ghost es otro proyecto suyo), Kris Auman al bajo (Alfredo, Belcirque, Predatory Void, Stadlander, Monkey Business) y Sylvester Vanborm a la batería (Wallace Vanborn, Future Old People are Wizards, Alex Verdi, Batsmasher...) A nivel técnico, se graba y mezcla por Koen Gisen en Studio La Patrie con masterización de Karel De Backer. El agreste artwork es obra de Joris Vanpoucke y a nivel musical el disco se estructura como la escalada ritual de una cima con tres puertos de montaña como son "Tra", "Ent" y "Crest"

Me gusta mucho como lo define el propio sello y firmo sus palabras: 

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`Tra constitutes the physical structure of an entity. Ent is the giant root. The beginning of a cycle that connects everything and everyone. It also reveals the circular nature and pitfalls of the human condition. It is a trifecta of sound design, evil spirit riffs and movie scene madness in which you lose yourself and forget about all that was or is to be.

The trip takes you along a heavy and groovy but also calm and trippy rollercoaster of a harmonic ride. It is a journey that leads you to a place somewhere between the desert stretches of a forgotten dimension and the day-to-day city ant hill in which we all subside.´

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Tra es un álbum que no se nos revela en todo su esplendor si no hacemos un acto de escucha atenta. Es fácil perderse en este tipo de discos instrumentales si no nos ponemos auriculares y pausamos nuestro metabolismo al mínimo; es entonces cuando se nos abre todo un abanico de detalles pulcros. Abre "Crest" con una calmosa base rítmica muy a lo Yawning Man. Brisa musical que se va enrevesando y que se construye a través de acordes muy espaciados de la guitarra, minimalista y con adornos muy sutiles de lo que parecen efectos de pedales además de voces radiadas que se sitúan en un plano lejanísimo. Glorioso parón sobre el minuto 4 y cambio de ritmo hacia una psicodelia progresiva bastante oscura (algo así como los primeros Crippled Black Phoenix) y a partir de ahí lo lisérgico se adueña de todo con muchos riffs atonales y la base rítmica perfectamente sincronizada.

De forma sutil y sin exabruptos sigue "Ent" con un bajo descomunal (muy a lo Bill Laswell), subrayando una moderada esencia jazzera y a un pasito del Dub. Pátinas atmosféricas, capas de guitarras, mucho hincapié de platillos en la percusión y el bajo que no descansa, afinado en un subsónico y penentrante tono. De forma curiosa, el tema parece melódico pero no lo es, o lo es pero en determinados momentos; algo así como si estuvieras girando un cubo rubik musical constantemente y la música esbozara melodías pero no se manifiestan de forma completa hasta que coinciden al menos dos de las caras del cubo.

A estas alturas está claro de que estamos sumergidos en un triposo viaje anímico. Sobre el minuto 8 bajan las revoluciones y los herzios a sonoridades acuosas y subsónicas rozando el Ambient. Un loop sostenido como una sábana kilométrica de musgo adherido a la roca va dejando paso a una procesionaria línea de la batería que parece sacada de esas bandas de Doom Jazz a la holandesa (The Mountfuji Doomjazz Corporation, The Lovecraft Sextet o los alemanes Bohren & Der Club of Gore) o como los Yawning Man metidos dentro de una garrafa de benzodiacepinas reconcentradas. Lejos de acabar, se reinventan y acaban sumergidos en una serie de vaivenes que se van casi a los 30 minutos de duración. Cortan, se abren y cierran.... como las líneas argumentales de un film de Lynch.

Cierra la homónima "Tra" que es un destilado de todo lo escuchado antes y del que destaco un magnífico interludio donde con bajan el tempo al ralentí en una calma casi opresiva. Más oscuro que todo lo anterior y con una acidez más estilizada, te dejan con la sensación de haber asistido a una película construída a base de fotogramas de serotonina y sinapsis musicales expresionistas.

MUY RECOMENDADO.

https://consouling.be/release/tra



domingo, 21 de abril de 2024

A. L. GUILLÉN - "ISLAS DE CIELO" (LÍQUEN RECORDS LRCD28, 2024)


`Los verbos desconocen ese tiempo
que es anterior y posterior a todo.
Tiempo en que tú naciste sin nacer,
cuando el agua y el cielo de tan cerca
tenían en proyecto el horizonte.
Cuando el silencio va a romper en grito
sin dejar de ser grito y ser silencio.
Y el ala es ala ya y aún no vuela.
Y el mar, siendo ya mar, no ha comenzado
a mover el diafragma de los aires.
En ese instante de equilibrio puro,
tú, isla, soledad, pájaro mío.´
Pedro García Cabrera (Como es tu Gozo)

Una Isla. La Isla. Lugar Hermético (Hermes) y cerrado, utópico y de difícil acceso. La perfección a veces alambicada a un pensamiento futuro Junguiano o ideación de la Morada Última. Bastión mecido por el Amnios en una red neuronal pétrea que en la antigua Grecia es habitáculo de los elegidos por los dioses y a la vez, Isla es símbolo de la huída y el aislamiento. Estaba el movimiento surrealista en pleno apogeo cuando el pintor Óscar Domínguez invita a André Breton, Benjamin Péret y Jacqueline Lamba a visitar Canarias. En la orilla, desnudos y cargados de ideas angulares, Agustín Espinosa, Pedro García Cabrera, Domingo López Torres y Emeterio Gutiérrez Albelo. Suceden cosas, manifiestos, poemas, exilios,  Guerra Civil y Segunda Guerra Mundial... pero los espigones de las islas ya guardan grabados los poemas escritos por la erosión del agua, poemas que son leídos por los Ciegos Dioses (también exiliados por la represión franquista) como Braille prohibido.


He escrito tanto sobre A.L.Guillén que posiblemente soy el equivalente en palabras a un Flanneur parisino. Podría dividir su carrera en etapas, estilos, giros e incluso hilar tan fino como la sutura de un tendón pero nada de eso sería justo (ni necesario realmente) para describir el magnificente Islas de Cielo, nuevo álbum de Guillén tras una serie de álbumes algo más personales e intimistas. Que lo acoja el sello LÍQUEN RECORDS de Josep Lluís Galiana ya es signo identificativo de la brutal calidad del disco que tras una serie de primeras escuchas se me antoja una suerte de sonoro Poema-Río sobre el Aislamiento y esa palabra que viene rodeando al artista Granaínoalmeriense que es la `INSURGENCIA´

Él lo cuenta mejor que yo en unas palabras de presentación que van de mis ojos a la lengua como soma. Siento que me están follando. Aisladamente, por supuesto:
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`En nuestro crepúsculo, donde el campo de concentración es ya el mismo mundo, ¿no es el valle hermoso del silencio de todo lo perdido el momento en el que todo puede sonar Nuevo de Nuevo? Eterno el Sí desde el No de nuestro Surrealismo. Aislados. Pero hacia el mismo cielo. [...] Como aislados nos quieren Nosotros ya somos la aislada insurgencia. Ser afirmación periférica de surrealidad. Habitar el claro que nos conecta como islas al Cielo Común. Viajé hacia la piedra sonora antigua atlante que nos unía. Antes, la única isla, isla de lo perdido. Y pude acelerar la transmutación de la piedra en mar desde el poeta surrealista canario que olvidó su historia. Transmutar el descenso de su palabra hacia el núcleo ígneo de la piedra. Acelerar su aparición con-fundiendo. Aislado.

Aislado comprendí que si no nos queda más que el silencio, tenemos todo el cosmos por sonar.´

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Al contrario de lo que pueda presuponerse, Islas de Cielo es un disco donde para mi gusto la improvisación ha dado paso a la composición (otra cosa es que a veces ambas puedan ir de la mano y compartir cordón umbilical). Construído en cuatro bloques (poemas sonoros) hilados a la perfección, se pasa de lo experimental al Ambient, el Free Jazz y lo Avantgarde; lástima que dichas palabras a día de hoy de tanto usarlas nos suenen inocuas y descargadas de su antigo poder. Sin embargo os puedo asegurar que si les buscáis el protopuerto USB que llevan y las recargáis de energía telúrica, conseguiréis que vuelvan a poseer la fuerza atávica, pila alcalina musical, que tanto animó a los juguetes Cassiber, Henry Cow, Marc Bolan, Frith, Arto Lindsay, The Lounge Lizars o añadir lo que os venga en gana según vuestro acervo musical. Flota en el ambiente cierto aire fúnebre y onírico que homenajea a los fallecidos poetas vanguardistas canarios y los efluvios de la absenta/ausente ya de sus coetános franceses.

Sobre todo este contexto me ha ayudado mucho una entrada en Facebook del poeta canario Sebensuí A. Sánchez que aunque pueda parecer algo extenso, quiero dejarlo aquí en todo su esplendor:

(Óscar Domínguez)
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`Es un disco centrado en textos de la Facción Surrealista Canaria, y a mí, como canario, amante de la poesía, y más aún del surrealismo, uno de mis movimientos artísticos favoritos (o puede que al que más cariño tenga), ya que engloba una gran parte de mis pasiones personales como son lo Oniroide, el Arte y la Revolución....pues me llega muy, muy hondo.

Como bien me comentó Antonio, es un disco de Justicia Poética, porque realmente nunca se había hecho un disco de estas características, ni de ningunas parecidas, debido a la profundidad instrumental y artística del disco, que luego detallaré, enumerando los extraños artilugios que en él aparecen, y que lo hace algo único, con cuatro cortes largos de sonoridades inaprensibles e inefables.

Es tremendo, que nunca se hubiera hecho un disco sobre los surrealistas canarios, (o al menos que yo sepa), siendo, como fue, el punto de inflexión, de la conexión surrealista en el mundo hispanoparlante, de los años 20, de París, curiosamente no se estableció con España, sino con las Islas Canarias, llegando incluso a visitarlas Breton y cía; este empequeñecimiento de reconocimientos, es siempre debido a las antípodas geográficas de las islas, e incluso a componentes ideológicos y políticos, en los que se incluyeron asesinatos, por parte de esa fuerza demoníaca llamada Fascismo, y a otros "cambios de chaqueta", de los propios surrealistas canarios, la reivindicación de este grupo, siempre quedó entre aguas turbulentas, aunque por suerte, para nosotros, uno de los protagonistas del Movimiento, como fue, Domingo Pérez Minik, en 1975, y ya muerto el dictador, publicó el libro llamado "Facción Surrealista de Tenerife", en el que cuenta maravillosamente, todos los pormenores y pormayores de este colectivo único. 

(Agustín Espinosa)

Uno de los motivos, como decía, es la fatalidad del aislamiento de las islas, y que los artistas de por aquel entonces no salieran de su tierra, exceptuando a Oscar Domínguez, el más conocido de todos, justo por ello, porque se fue a París, y porque tuvo una relación intensa con otra grandísima pintora como fue, Remedios Varo, llegando a confeccionar juntos algún 'Cadavre Exquis' con imágenes. 

Me llena de ternura, el respeto conque Antonio, se ha acercado a la cultura canaria, con mucho tacto, introduciéndose como un antropólogo en el sentir, la filosofía y la cultura indígena guanche, sabiendo la peculiar situación cultural canaria de "pueblo sin rostro", y reivindicando sus orígenes ancestrales cuasiborrados, por un atroz genocidio.´
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En el apartado técnico el álbum sale en un precioso digipack de tres cuerpos con diseño de Mara B. Stones. Se masteriza por Jorge Marredo y cuenta con colaboraciones de lujo como Sebensuí A. Sanchez y la propia Mara B. Stones (recitados), el saxo del grandioso Pelayo Arrizabalaga y las voces de Virginia Pedrosa. Como datos adicionales, vuelvo al facebook de Sebensuí A. Sánchez a propósito de la grabación:


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`Grabado durante cuatro años, alrededor de varias islas con grabaciones de campo, en piscinas naturales de Garachico, en Sta Cruz de Tenerife, en un caserío de Las Hayas de San Sebastián de La Gomera, en el Parque de Garajonay, lugar este, de leyendas románticas guanches, además de Reserva de la Biosfera como Patrimonio de la Humanidad, grabado también, sobre rocas de la Caldera de Teide, la montaña más grande de España con 3.718 metros, donde en su cima se esconde una violeta, la famosa Violeta del Teide, única en su especie, que se conserva a temperaturas casi gélidas. 

Además hay algunas grabaciones, en una isla muy marciana, debido a su aspecto rocoso - lunar, de hecho se ha grabado alguna película de ciencia - ficción allí, por su orografía completamente volcánica, hablo de la isla de Lanzarote, e incluso hay algunos sonidos de lancha ferry entre Lanzarote y el islote de La Graciosa.´
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Como llegado de otro tiempo y lugar, un agudo pitido hace de `fade in´ a "Valle Hermoso del Silencio" que abre el disco y con letras basadas en `Como es tu Gozo´ de Pedro García Cabrera. Entra un trémolo de cuerdas afinadas muy alto y con cierto regusto soterrado a lo que me gusta llamar Guanche Surf o lo que es lo mismo, las cinco `eses´ (Sal, Sol, Sonido, Sierra y Susurro). Las voces de Guillén irrumpen de forma casi alegórica/invocada mezclándose con toda una maraña de grabaciones de campo que describen en sonido ese microscópico momento perpetuo foucaltiano del agua golpeando la piedra, quizás la más antigua de las percusiones que existan. Se va desarrollando todo en un in crescendo cuasi tribal con regusto a Drone. Tres minutos y ya estoy en trance.

Entra la batería y desplaza a todo lo anterior (atonal y áspero versus curvilíneo terciopelo). La guitarra se vuelve melódica e intimista, lúbrica y nostálgica al más puro estilo de (siempre a reivindicar) Sefronia lo cual es totalmente lógico. La poesía y Guillén están unidos tan holísticamente que son virtualmente inseparables. Sigue "Wa-Yewta" (basado en el crudísimo `Luna de Miel´ de Agustín Espinosa). El mal o la malignidad que los guanches reflejaban en Guayota / Guaiota, deidad mitológica maligna de Canarias que presumiblemente habitaba la Caldera del Teide y donde precisamente se han realizado las grabaciones de campo (intervenciones sobre las rocas). Precioso y evocador el recitado de Sebensuí A. Sánchez sobre campanas litúrgicas. Se da paso a la experimentación pura y dura con algo parecido a frotamientos y cópulas entre piedras... un drone áspero que va y viene con la voz de Guillén, acompañada por lo que creo que es un piano aunque luego hay láminas de un catedralicio sintetizador. 


La sensación es algo así como de claustrofóbico dadaísmo Industrial vertebrado con capas de sonido mastrioskal que aunque nunca se vuelque al Noise, sí que tiene la mala hostia de su andamiaje. Improvisación pura de cuerdas destensadas sobre un fondo apelmazado parecido a hacer gárgaras con esquirlas de piedra volcánica que lenta pero inexorablemente se transforma en avalancha pétrea o batalla cósmica en la ladera de una montaña. Decía Sabas Martín en `Ritos y Leyendas Guanches´ (Miraguano, 1985) que Guayota y el Dios Supremo Achaman (el Cielo para los guanches): `Guayota había encerrado al dios del sol Magec en el interior del Teide, sumiendo a todo el mundo en la oscuridad. Los guanches pidieron clemencia a Achamán, quien tras una encarnizada lucha consiguió derrotar a Guayota, liberar a Magec y taponar el cráter con Guayota en su interior.

La leyenda cuenta que el tapón que puso Achamán es el llamado Pan de Azúcar, el último cono, de color blanquecino, que corona el Teide. Cuando el Teide entraba en erupción, era costumbre que los guanches encendieran hogueras con el fin de espantar a Guayota o bien, según otra versión, para que si Guayota lograba salir del Teide, creyera que seguía en el infierno y pasase de largo ´.


(Emeterio Gutiérrez Albelo)

Guitarras acústicas, fondos de cuencos tibetanos, un precioso recitado de Mara B. Stones y un fundido a crimen de ataudes salados y cruces oblongas finiquitan los casi 13 minutos que dura esta maravilla. 

"Ycodex" comienza en modo collage sonoro y cuenta con la colaboración a las voces de Virginia Pedrosa. Esos abruptos tonos de la eléctrica de Guillén son puro Rock en Oposición, Frith, Zorn y la calculadísima orfebrería sonora de Cassiber o Derek Bailey. Los sonidos de fondo son del Mercado de Teguise (Lanzarote) y las letras se basan en `El Enigma del Invitado´ de Emeterio Gutiérrez Albelo. Puro Guilleanismo, aceleración y desaceleración tanto de la música como de ese característico timbre de la voz que parece poseída en un falsete de cuerdas vocales esfaceladas. Me encanta eso de `Polifonía Babilónica´ porque lo define a la perfección; aunque la guitarra sea el instrumento principal da la sensación de que tiene mil doscientas cuerdas y abarca todas las escalas posibles, ya sean pentatónicas, zaratustrianas o evangelistas. Todo adquiere una dimensión superior cuando el saxo de Pelayo Arrizabalaga se permea en un desbocado Free Jazz que sí que recuerda (cómo no) a una mezcla entre The Lounge Lizards y los propios Les Rauchen Verboten.

(Dibujos de Luis Ortíz Rosales)
 
Este antropológico, social y a ratos espiritual viaje lo culminan los 12 minutos de "Sacer" que si mis datos son correctos es un término que viene de la Antigua Roma y que juega con una ambivalencia extraña dado que se podía aplicar tanto a lo sacro y divino como a lo abyecto. Se basa en el poemario `Lo Imprevisto´ de Domingo López Torres escrito desde la desalmada penitenciaría / campo de concentración de Fyffes (Santa Cruz de Tenerife) donde es encerrado y asesinado por falangistas en una de las peores muertes imaginadas; arrojado al mar dentro de un saco junto a otros prisioneros; hago un inciso para comentar en este punto de que el tema tiene grabaciones de campo realizadas en la lancha ferry que va de Lanzarote a La Graciosa (atad vuestros cabos). El libro contó con unos alucinantes dibujos de Luis Ortiz Rosales

De inicio calmo de voz y guitarra, va creciendo con la entrada de la base rítmica. Una estructura semi circular va llevándolo todo hacia un terrorífico clímax de ruidismo acuático, helicoidales sonidos de hélices amplificadas que se desplazan hacia un subsónico drone que enroca con silencio y unas líneas de guitarra a modo de arpa mediúmnica procedente de ese más allá donde habitan los más de 1.000 desaparecidos en 1937 en Fyffes. Cierra el círculo en mismo agudo pitido que abría Islas de Cielo y vuelvo a poner el disco de nuevo.

Estamos ante una absoluta obra maestra. Estoy exhausto.




sábado, 13 de abril de 2024

MOURNING DAWN - "THE FOAM OF DESPAIR" (AESTHETIC DEATH ADCD 098, 2024)


`Tomber du temps
des instants qui proclament
mon isolement ma défaite´

Sobre los longevos franceses MOURNING DAWN ya os he hablado en un par de ocasiones así que os recomiendo leeros antes las reseñas de Waste (2017) y Dead End Euphoria (2021) para no tener que repetir demasiados datos. El nuevo disco, sexto ya, se titula The Foam of Despair y es tan correoso como desenterrar algo muerto para el bocadillo de la merienda. Tras grabarse en diferentes lugares, la mezcla y masterización corre a cargo de Déhà (Opus Magnum Studios). La portada es obra de Laurent (mas fotografías de Tiphaine Zanutto y Pierre Senecal) y la edición tanto en fastuoso digipack como en vinilo (co-edición junto a Tragedy Productions), corre a cargo nuevamente de Aesthetic Death. Para los amantes del cassette, me consta que hay edición limitada a 66 copias de los ucranianos Depressive Illusion Records.

En cuanto a la formación actual, evidentemente sigue Laurent (guitarra, bajo, teclados y voces), Vincent (bajo), Fréderic (guitarras) y Nicolas (batería). Tirando de hemeroteca, entre miembros que ya no están y los que forman parte ahora de la formación tenemos hasta tres integrantes que han llegado a tocar en los Funeralium así que bueno, podéis intuir un poquito que esa mala hostia (o de los Ataraxie) está aquí presente pero si se me permite el inciso, diría que más estilizada. Exanguinados y curados en sal con los años, Mourning Dawn han integrado ese Black Doom de tonos depresivos (a lo Deynonichus) con partes melódicas que recuerdan a los primeros Katatonia además de elevar muchísimo la calidad compositiva hasta el punto de que este The Foam of Despair es para mí su mejor disco hasta la fecha. 

52 minutos del mejor Death / Doom de corte depresivo que te puedes echar a los oídos en los tiempos que corren y donde destacan unas cortantes y heladas guitarras, pasajes de experimentación al más puro estilo Dark Metal de los Bethlehem y similares y en definitiva una intensidad que alcanza cotas tan altas que a penas te deja un segundo para respirar. 

La apertura del disco es espectacular. "Tomber Du Temps" se desarrolla con la tensión de un tendón seco estirándose hasta que se rompe; tras un sampler de voces entra la base rítmica arrastrada, estalla la guitarra y la voz agria se eleva sobre una maraña ultra decrépita. La entonación (está cantado en francés) y el ritmo hacen que todo adquiera una cadencia procesionaria y sin perder en ningún momento la melodía (bestial el riff de guitarra a lo Katatonia en segundo plano). Impresionantes los parones y el mini pasaje instrumental que parte el tema por la mitad con solo de guitarra incluído y unas letras desangeladas (`L´enfer / Le présent / eternité renversée / consolation d´une attente / fut elle funèbre´) aunque lo que me ha dejado tocado es el magnético clímax que adquiere todo cuando entra el saxofón de Adrien Harmois... algo así como mezclar The Mount Fuji Doomjazz Corporation con Death / Doom.... sencillamente genial. Sigue la ultra pegadiza melodía de "Blue Pain" (con el mítico Déhà / Olmo Lipani colaborando a las voces) a caballo entre los Bethlehem tardíos, los nuevos Canaan y por Katatonia por supuesto. El Dark Metal le sienta muy bien a Mourning Dawn y añade un elemento depresivo y nihilista muy marcado que hace que las guitaras fluyan de forma muy orgánica. Hacía mucho, pero que mucho tiempo que no escuchaba un disco tan inspirado.

Vuelve los ritmos más atonales y los acoples en "Borrowed Skin", otra vez con acertadas cuñas de samplers de Spoken Word de corte existencialista y bases simples pero efectivas de teclados que ayudan a subir muchísimos enteros la atmósfera. Por cierto la batería está descomunal a lo largo de los 11 minutos. Las letras, otra vez geniales (`We will vibrate your loss / we will weave your cloth / we will vibrate your loss / I am not in my body / I am just a color / in borrowed skin´). Por cierto, se hacen uso de percusiones casi electrónicas (otra vez me recuerdan a los italianos Canaan) que, para los que tengan ya cierta edad les puede traer a la mente a los olvidadísimos Eterne ingleses que coqueteaban con la Darkwave. De forma bastante orgánica entra "Apex" con un tono muy Old School aunque sin perder una base muy dura, compacta y en cierto modo abstracta muy propia del Black doom depresivo francés; las voces de Laurent son descomunales desarrollándose de forma sinuosa y mezclándose otra vez con la batería descomunal de Nicolas.

"Suzerain" es muy distinta. Ahonda mucho más en el Dark Doom de corte electrónico a través de las baterías programadas de A.K. además de la guitarra de Fabien Longeot. Las letras están sacadas de Suzerain del poeta y miembro de la resistencia francesa René Char (L'Isle-sur-la-Sorgue, Vaucluse, 14 de junio de 1907, París - 19 de febrero de 1988) y con una biografía apasionante. Creando un contraste muy marcado, "The Color of Waves" abre de forma sobria y cuasi cinematográfica para ir dejando paso a un marcado acento fúnebre en la forma sincopada de ir desarrollando sinuosamente las melodías y volviendo a la agónica letanía del inicio del álbum. Un tema descomunal plagado de contrastes, ritmos pausados casi góticos y un manejo de la intensidad estudiado a la perfección para conducir al oyente por todo un carrousel de emociones que tiene su punto álgido en "Midnight Sun" cerrando The Foam of Despair por todo lo alto. Desde la manera de abrir el disco mezclando Industrial y Techno en las bases a las atmosféricas caídas en barrenas que rozan el minimalismo, "Midnight Sun" juega con el electro y explosivos arranques de un Black Doom Noise excelente que no vienen más que a confirmar que MOURNING DAWN han grabado un disco que entra en mi top ten de este año.

IMPRESCINDIBLE.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6035

https://mourningdawn.bandcamp.com/album/the-foam-of-despair



viernes, 29 de marzo de 2024

SPITTING TONGUE XII: вершина / VERSHINA - "D E M O" (AUTOEDICIÓN, 2023)

`Vértice, cima o pico´ parece ser la traducción correcta del término cirílico вершина (VERSHINA), nuevo proyecto de Funeral Noise Sludge (de momento instrumental) que surge casi que por casualidad. Os remito a repasaros un poco la entrevista realizada a EDENA hace poquito para tener todos los datos posibles. 

Abril del año pasado, EDENA como banda son invitados a tocar un directo en el aniversario del veteranísimo programa de radio `Desenterrador´ que por circunstancias que me son desconocidas no pudo celebrarse bajo el nombre de EDENA. Ni cortos ni perezosos forman Vershina con Gorka (Ballard) y Pele (antiguo batería de Bervna) que se suman a Aitor para dar un concierto al que siguen cuatro más, siendo uno de ellos recogido en el Bilbao Death Fest grabándose de forma cruda y directa (como un bocadillo de mercurio de termómetros antiguos) con tres micros y volviendo en espíritu a esa etapa brutalífica de Bervna.

21 minutos de Sludge instrumental muy agrio y con tintes de Funeral Noise con gotitas de Corrupted, amagos de KHANATE y una intensidad agria alucinante. Toda la energía del directo con una guitarra devastadora, una base rítmica plúmbea como pocas y toda esa acidez implícita que llevan las bandas de este estilo nacidas en el País Vasco. Así a nivel de bandas estatales me recuerdan a los primeros HIPOXIA pero sobre todo, ese despliegue de voracidad acre y los parones con acoples son marca de la casa Ballard y Bervna (en mi opinión). Lejos de quedarse estancados, bajan a los subterráneos del Funeral Doom pero mezclado con pátinas Noise... lo que parecen gritos de fondo añanden una sensación considerable de claustrofobia y la manera en que todo se desarrolla es fresca, dinámica o con el espíritu de una Jam decrépita (arranques Crust incluidos).

Puede pillarse la cassette en el bandcamp (limitada a 20 y quedan 8) y espero que este proyecto tenga continuidad porque estoy muy falto de bandas que me drenen el líquido cefalorraquídeo.

https://vershina.bandcamp.com/album/d-e-m-o



jueves, 28 de marzo de 2024

HIEMIS - "MALLEUS MALEFICARUM" (NOCTIVAGANT, 2023) + HEREJE TÚ, HEREJE YO... UNA ENTREVISTA A JUAN CARLOS TOLEDO

Tengo el inmenso placer de compartir una breve conversación mantenida con Juan Carlos Toledo sobre su magnífico Malleus Malleficarum, nuevo álbum de HIEMIS que viene a poner otro ladrillo en esa inmensa catedral sonora que son Thule (Gradual Hate, 2019), Hyperborea (Noctivagant, 2019), Radix (Noctivagant, 2020), La Chose (Gradual Hate, 2021), Zothique (Noctivagant, 2021) o Yggdrasil (Noctivagant, 2023). No he podido resistirme a realizar un breve ejercicio de nostalgia pero eso es algo que leeréis en la entrevista. Con respecto a Malleus Malleficarum es otra obra maestra de HIEMIS que a pesar de la prodigalidad con la que compone, es capaz de reinventarse y ofrecer frescura álbum tras álbum.

Amantes del Dark Ambient más ritualístico van a ver sus expectativas más que saciadas en un disco contextualmente trazado sobre el pérfido Martillo de las Brujas escrito por los monjes dominicos Heinrich Kramer y Jacob Sprenger y publicado en Estrasburgo en 1487. Poco voy a añadir al respecto porque el libreto que viene dentro del Digipack de la edición física publicada por NOCTIVAGANT (limitado a 100 copias) lo relata a la perfección. Musicalmente son 51 minutos estructurados en una suerte de apócrifa suite de 9 cortes que incluyen recitados extraídos del mismo libro. Momentos más sinfónicos se alían con partes que parecen ir de la mano con la Kosmische más oscura gracias a claustrofóbicos pasajes de sintetizadores y que por alguna sinapsis extraña mía, se me va la cabeza bastante a discos absolutamente míticos como los de Fernando Machado / MORPHEUS y su Elohim (1998) y Ouroboros (1999) o helados pasajes a lo Jaaportit, acetábulos de la vieja Dungeon Music de Mortiis y un exquisito gusto por la sobriedad renacentista son sólo algunos ingredientes que podemos destilar en viejos alambiques alquímicos. Es ahí cuando entran los exquisitos andamiajes catedralicios de los viejos Elend o los icónicos Emme Ya.

Pero no me malinterpretéis. Una de las principales características de HIEMIS es que consigue un universo propio y particular en cada álbum que no aburre ni decae un instante. Lejos de estériles nihilismos vacuos, Juan Carlos se ejerce como antropólogo y sociólogo musical para darnos aprendizaje en cada uno de sus discos.

Abre "Quod Maledictum" con una densa pátina malsana muy cercana al Horror Folk en sus diversas variantes (tanto cinematográficas como sonoras) tan en boga estos últimos años. Un chirriante drone se mezcla con un soliloquio de voces caprinas, crepitar de madera, ruidos de naturaleza parando de forma abrupta para permitir la entrada de un nostálgico y absorbente piano conformando un gélido ambiente ancestral que embriaga al oyente amortajando de musgo sus fosas nasales. Sigue "Eternus Ignis" y sus aires proféticos. Vientos procesados abrazan amagos de Noise especialmente efectivo a máximo volumen con auriculares; micro melodías que parecen surgir de un desalmado casiotone y voces en latín susurradas se sincronizan en un decrépito vaivén. "Mali Spiritus" inicialmente posee cualidades meditativas monacales y litúrgicas que invitan a la introspección zurcido con unos motivos melódicos que me recuerdan muchísimo a viejos proyectos de Funeral Ambient Doom extremo como los olvidadísimos Hlidolf o Beyond Black Void

Desconozco qué instrumentos se han usado, pero me encantan esos acoples electrificados de "Incubi et Succubi" que parecen la versión espectral de campanas. Spoken Word, Noise y Drone se únen como un sacramento desconocido con lejanísimas bases percusivas ultra deformadas aunque prefiero de largo esos tonos casi apocalípticos necro gregorianos de "Foedus" y sus motivos melódicos cercanos al Dungeon aunque es especialmente remarcable lo cerca que pueden estar algunos momentos de los primeros Tangerine Dream o Schulze. La parte más atonal y abstracta de HIEMIS hace acto de presencia con "Invocatio ad Daemonium", prácticamente un score cinematográfico aunque pronto vuelven los efluvios medievales con la hímnica y redentora "Fidem".

Afrontamos el tramo final con los 10 minutos y pico que conforman "Iuramentum" y "Confessio". Efectos de viento mezlados con sonidos tubulares procesados hacen vibrar el espíritu en la misma longitud de onda que la Tradición Perenne Guenoniana. Obligados a renunciar a ese término despectivo del paganismo, transitamos la senda obligada de la tortura física y espiritual. Ambient Drone para intentar ahuyentar a lo daimónico. "Confessio", uno de mis cortes preferidos del disco, nos agarra etéricamente de ese cordón umbilical que nos une a lo Junguiano. Obligados mediante tortura a desgarrar carne y alma, sentimos esa evanescencia propia de los momentos iniciáticos del ser humano. Lento, asfixiante corte luminiscente en cierta forma que culmina otro excelso trabajo de Juan Carlos Toledo.

JUAN CARLOS HIEMIS Y CORONEL MORTIMER SENTADOS EN UN ÍGNEO CADALSO CONVERSAN AJENOS AL FUEGO. HEREJE TÚ, HEREJE YO....

UNA ENTREVISTA CON JUAN CARLOS TOLEDO



Saludos Juan Carlos. Es un placer poder charlar contigo tras haber escrito sobre todos tus trabajos de Hiemis. Antes de meternos de lleno en ese proyecto, tengo que reconocer que soy una persona bastante exhaustiva en cuanto a los datos así que me gustaría que empezáramos por tu primera banda Lament con la que llegásteis creo que ha sacar tres grabaciones (y que se remontan nada más y nada menos a 1996) y el posterior proyecto Silent Love of Death con tu hermano.

Cuando llevas mucho tiempo en algo, recordar los inicio lo sueles hacer con nostalgia y cierta melancolía de manera inevitable; en mi caso recuerdo la emoción de grabar en un estudio semiprofesional intentando darlo todo en cada toma para que sonara lo mejor posible. 

Eran los 90 y la escena oscura estaba en pleno apogeo con sus distintas vertientes (gothic rock, darkwave, darkfolk, etc) En nosotros estaba la intención de plasmar nuestros intereses musicales en una banda de música alineada al sonido del sello 4AD. Contábamos con una cantante, guitarras arpegiadas con efectos eco y delay que se encargaba mi hermano Miguel Ángel y un bajo contundente el cual lo interpretaba yo. Grabamos una primera maqueta con 2 canciones, participando en alguna emisora de radio y en lo que por aquel entonces se estilaba como los fanzines. Recuerdo la emoción de ver nuestra reseña en el fanzine madrileño Archive de nuestro amigo Juan Fco. Camacho Conesa.

Posteriormente grabamos un par de maquetas más pero con un sonido menos dulce y más áspero, cercano al rock gótico y a la coldwave. Nos quedamos sin cantante y tuve que pasar a las voces. Comenzamos a usar referencias literarias en nuestras canciones con autores como Edgar Alan Poe o Guy de Maupassant.

(Lament)

Reconozco que sinceramente no he tenido ocasión de escuchar nunca nada de ambas bandas porque nunca he tenido el material a tiro o me movía por círculos más Doom pero sí leer alguna reseña en la vieja Revista Maldoror o quizás Mentenebre. Lo que sí sé es que fueron discos muy bien vistos y valorados por público y crítica.

Así es y fue a raíz del año 2000 cuando damos un paso adelante en cuanto a la forma de trabajar que condicionaría todo lo demás. Adquirimos y montamos nuestro propio estudio de grabación en casa. Nos dio una versatilidad para probar nuevos sonidos y una nueva forma de interpretar y concebir la música con las nuevas tecnologías. 

De esta forma en 2002 conseguimos grabar "The Poet´s Senses" nuestro primer álbum como Silent Love of Death y publicarlo bajo el sello discográfico italiano Palace of Worms. El proyecto había madurado a sonidos más cercanos al darkfolk: guitarras acústicas, líneas de cuerda, timbales. Conceptualmente era una oda al romanticismos del siglo XVIII-XIX y a los autores más representativos de ese espíritu.. Espronceda, Rosalía de Castro, Bécquer, Baudelaire, William Blake, etc.  Fue un álbum que tuvo una muy buena aceptación por la crítica y nos dio pie a participar en varios recopilatorios bajo el sello vasco Caustic Records de Manix, "My dear freaks I" y "My dear freaks II" con bandas como Trajedesaliva, Narsilion, Trobar de Morte, etc.

Unos esbozos más sobre aquella época antes de avanzar en el tiempo. Revista Maldoror, proyectos tremendos como Traje de Saliva, El Luto del Rey Cuervo, Morpheus…. ¿qué diferencias captas entre aquellos lejanos años y la forma de vivir la música actualmente? ¿teníais contacto con otras bandas?

A finales de los 90 y en los inicios de los 2000 había una escena oscura underground en nuestro país que con el paso del tiempo ha ido desapareciendo: fanzines como Archive, Maldoror, Sekuencias de Culto, webzines como Sonidobscuro, Mentenebre, La Defunción, programas de radio, locales, festivales...y por supuesto bandas como las que mencionas. Nosotros, por nuestro carácter, por nuestra localización geográfica (Andalucía) y por otros factores no hemos estados dentro de dicho circuito de una forma directa. Por supuesto, a través de conocidos hemos tenido algún contacto pero de manera puntual.

(Silent Love of Death)

Fuertemente influenciados por los poetas del XVIII y XIX irrumpen Silent Love of Death y me llama especialmente la atención esa dedicación en vuestro `Donde Habite el Olvido´ a Luis Cernuda. ¿Por qué Cernuda? 

Recuerdo que en aquella época (2008) mi hermano y yo redescubrimos el surrealismo en sus distintas disciplinas y vimos en la obra de nuestro paisano Luis Cernuda la excusa perfecta para homenajear su figura como autor de una poesía especialmente bella. Comenzamos a musicalizar sus versos y nos decantamos por el spokenword como herramienta perfecta para conjugar los textos de Cernuda con nuestra música. 

Posteriormente  se nos ocurrió aderezarlo todo con la aportación visual de nuestro amigo Guillermo García,  quien fue elaborando un videoclip para cada canción . Todo ello se plasmó en nuestro segundo y último álbum "Donde Habite el Olvido" publicado en 2011 bajo el sello valenciano GH Records de nuestro ilustre y queridísimo amigo Avencio Delgado.

Llega un momento en que se disuelve (ignoro si traumáticamente o no) Silent Love of Death e inicias el proyecto Hiemis. ¿Qué cronología sigue este asunto? ¿Ya venías componiendo cosas más enfocadas al Dark Ambient o llegaron ambos proyectos a coexistir?

La verdad es que fue todo gradual y muy natural. Vas evolucionando como persona y surgen nuevos intereses, nuevas responsabilidades, nuevos estilos de vida. Mi hermano se fue apartando a otras ocupaciones y yo continué con la música. Tuve un amago por retomar el sonido de la coldwave de antaño con un proyecto llamado Resurrectina, publicando un Ep en bandcamp sobre el año 2016 pero fue en 2018 cuando elaboro una propuesta sólida con Hiemis. Ya había probado en etapas anteriores con Silent Love of Death alguna canción con sonidos ambientales, por lo que profundicé experimentando sobre ciertas texturas de dark ambient, obteniendo como resultado el álbum Nachtstücke, publicado en formato digital en GH Records.

(Silent Love of Death)

¿Por qué llamarlo HIEMIS? Yo sé el significado pero prefiero que lo cuentes tú.

Buscaba un nombre sencillo, que se identificase con la música que elaboro. Todo aquello relacionado con la estación de invierno encajaba perfectamente. Poco más.

Uno de los aspectos que destaco más de HIEMIS es su claustrofóbica belleza. Casi una experiencia iniciática, tus álbumes parecen llevar un extenso trabajo de investigación. Desde los nombres de los temas a las portadas, hay cierta simbología. `Thule´ de 2019 es si no me equivoco tu segundo contacto con el sello Gradual Hate Records. Mi pregunta va a ser un poco extraña…. ¿crees que la Atlántida estuvo en Sevilla o zonas aledañas? Un tartésico de pura cepa como tú tiene que tener su opinión al respecto.

Desde hace un tiempo todo lo relacionado con la mitología y las antiguas culturas me apasiona. La cuestión es que sobre la antigua civilización de la Atlántida hay mucho escrito y muchas teorías pero pienso que aún quedan sorpresas por descubrir. Una visión de la civilización atlante que me apasiona es la que plantea el profesor e historiador Germán Cabello Aethelman. Plantea un mega imperio formado por diversos reinos con intereses comunes, expertos en navegación y otras disciplinas y que llegaron a controlar gran parte de Occidente. Y que el epicentro de este imperio estuviese ubicado en suroeste de nuestro país y en concreto en unas zonas actualmente pantanosas de la provincia de Sevilla no lo descartaría.

¿Cómo fue el contacto con Avencio de Gradual Hate? Es decir, dado que alternas trabajos en el sello Noctivagant (Albuquerque, New Mexico) y otros con Gradual Hate, estoy bastante despistado con este asunto. Mi suposición es que tu prodigalidad compositiva lleva a tener que compartir álbumes en dos sellos pero no sé si estoy en lo cierto.

Conozco a Avencio desde que colaboraba en el webzine Sonidobscuro, donde precisamente nos hizo una entrevista a Silent Love of Death. Es de las personas con mayor capacidad de trabajo que conozco y un referente dentro de la escena underground por todo lo que hace como promotor cultural y responsable del sello GH Records. 

Le debo la oportunidad que necesitaba para sacar adelante el primer álbum de Hiemis, y cada vez que hemos coincidido para colaborar lo hemos hecho muy a gusto. Es muy cómodo trabajar con él. Pero como bien dices no siempre coincidimos, especialmente cuando compones más de un álbum al año. Phillip, responsable del sello norteamericano Noctivagant también es un buen amigo, tiene otra forma de funcionar pero también muestra buena predisposición a la hora de publicar los álbumes de Hiemis y es con quien actualmente tengo una mayor continuidad colaborativa.

`Hyperborea´ me pareció un discazo descomunal. Las referencias aquí a Lovecraft, Sprague de Camp o Ashton Smith se acentúan con `Zothique´ por lo que quiero entender que eres además de tartésico eres lector. Me parece magistral mezclar (o dejar fluir) las doctrinas teosóficas con lo aparentemente fantasioso de escritores como Robert Howard o Ashton Smith. 

Me alegra que te guste, Antonio. Es curioso que con el paso del tiempo y tras editar ocho álbumes, mucha gente coincide con este disco o les llama la atención. Realmente mi intención, como seguidor de la literatura lovecraftiana y con todo lo que la rodea quise inspirarme en la obra de Clark Ashtom Smith pero también aproveché para poner sobre la mesa las distintas teorias teosóficas como las de Blavasky, Evola o Guenon.

`La Chose´ (Gradual Hate, 2021) es un disco que me fascina. El sincretismo, la figura de Martínez de Pasqually y la Sophia entroncan con la Tradición Perenne de René Guenon. ¿Qué puedes contarme sobre este maravilloso disco? Su contexto, cómo se grabó (es profundamente rico en matices) y sin querer ponerte en compromiso de ningún tipo, ¿qué creencias profesa Juan Carlos Toledo?

Me fascinó la capacidad y convicción de Martinez de Pasqually por conectar con el otro lado, con aquello desconocido que generaba a su vez terror y atracción.. Musicalmente intenté hacer una banda sonora con una composición clásica (piano, cuerdas y viento) para cada una de los grados que conformaban el proceso de aleccionamiento de los discípulos en la Orden de los Ellus Cohen.

Sobre mis creencias, opino que además de nuestra naturaleza, la que conocemos o al menos creemos conocer existen otros caminos, otras realidades inexploradas que en situaciones muy concretas podemos llegar a sentir o al menos intuir. Pienso que aún nos queda mucho por "redescubrir".

Deconstruir la Psique Alquímica de los viejos constructores de Catedrales no es nada fácil. `Radix´, otra belleza arrebatadora, nos lleva al hermético, críptico simbolismo griálico medieval mientra que `Yggdrasil´ se centra en la mitología nórdica y deja pinceladas excelsas de ese Neofolk que aunque sutil y mezclado con tu particular manera de deslizar el Dark Ambient, aporta ese punto distinto a otras bandas. Tus discos por tanto tienen algo (o todo) de conceptuales. ¿Es HIEMIS un contador de historias a la luz del fuego?

Me alaga la pregunta. Si llegas a la conclusión de que la música de Hiemis te traslada a otros tiempos, otras civilizaciones con dioses desconocidos y tierras sorprendentes, el viaje ha merecido la pena. En Radix a través de la obra alquímica soterrada en las catedrales en la búsqueda de Dios y su vínculo con el hombre... En Yggdrasil el origen y destino de nuestro universo según la mitología nórdica a través del relato de una sacerdotisa... son dos buenos ejemplos. Creo que queda clara cuál es la repuesta, amigo mío.

Por otro lado, dada la complejidad de ciertos pasajes donde asoman elementos de instrumentos percusivos, de viento y demás, ¿te has planteado alguna vez aumentar la formación? Y ya de paso y aunque tendría que habértelo preguntado mucho antes, ¿cómo es tu manera de proceder a la hora de componer?

Tras grabar Yggdrasil en colaboración con Eva Molina a la voz, me sirvió para reflexionar sobre lo enriquecedor que es abrirse a otros a la hora de trabajar algo que es tuyo. Fue una experiencia muy grata y estoy enormemente agradecido por la profesionalidad y buen hacer de Eva. Otra cuestión seria incorporar otro componente a la formación con todo lo que conllevaría.

Sobre el proceso de composición suelo meterme en mi estudio una vez que tengo definida la parte conceptual a la cual suelo dedicar bastante tiempo. Voy improvisando con los secuenciadores hasta conformar una estructura que me convenza. A partir de ahí trabajo todas las canciones que componen el álbum a la par, evolucionando y probando con distintos sonidos hasta la edición final.

▶ Tu último disco hasta la fecha es `Malleus Malleficarum´ cuyo título habla por sí solo. ¿Qué te ha movido a usar `El Martillo de las Brujas´ como subcontexto a tu música?

Es curioso cómo te viene la inspiración. En esta ocasión todo surgió tras ver el film The Witch de Robert Eggers. Me impresionó tanto el ambiente claustrofóbico como la historia que me llevó a leer varios libros sobre brujería, siendo uno de ellos el Malleus Malelficarum. A raíz de ahí entendí que era el nicho perfecto para construir sobre él un nuevo álbum.

Hay cierto halo cinematográfico en este álbum que lo aleja un poco de los anteriores. ¿Qué puedes contarme sobre la composición, grabación y elección del artwork para el disco? Llegados a este punto creo que eres tu propio ingeniero de sonido y tu propio masterizador…. ¿me equivoco?

Lo cinematográfico está presente en muchos de los discos que compongo, me encanta el cine y las bandas sonoras. Posiblemente en Malleus Maleficarum destaque este aspecto por las pistas de sonido de campo que incorporo con efectos de la naturaleza, de objetos o incluso humano. La idea era recrear una atmósfera lo más insana posible en muchos de los pasajes que conforman el álbum. A diferencia de los discos anteriores que son básicamente instrumentales, he dejado un espacio a la voz narrada como elemento complementario que enriqueciera las texturas de los secuenciadores, muchos de ellos distorsionados.

Sobre el artwork suelo participar de manera muy activa en cada uno de los álbumes que conforman la discografía de Hiemis. Creo que forma parte importante de la obra por lo que entiendo que hay que cuidar hasta el último de los detalles. Y para mí, que no soy un experto en la edición de imagen, se me abrió una ventana cuando accedí a la IA. Creo y confío, que la virtud está en la medida justa, y que usándola de manera correcta es una herramienta que facilita a las personas creativas elaborar sus proyectos de manera eficaz. A mí me sirvió para crear el artwork de mi último álbum y estoy muy satisfecho del resultado.

Con respecto al sonido, en este tiempo he aprendido la manera más práctica para sacar los proyectos... la autosuficiencia. Por lo que sin ser un profesional de la materia, no me ha quedado otro remedio que ir gestionando tanto la edición musical como la producción. Siempre aprendes cosas nuevas.

¿Qué piensa Juan Carlos Toledo de la Santa Inquisición? ¿Crees que algo semejante puede repetirse?

Fue uno de los hechos históricos más depravados que han carecido de castigo o coste alguno a los responsables, especialmente me refiero a los ideólogos de tal atrocidad. Por supuesto que se ha repetido y se repetirá, solo hay que mirar a los distintos conflictos bélicos donde hay soterrado un interés por castigar o eliminar al que piensa o es distinto por cualquier condición.

Prácticamente a la par de la salida de `Malleus Malleficarum´ me he topado nada más y nada menos con que has montado el sello OMINOUS SOUNDS cuya primera referencia es `Rituals from Ancient Europe´. 

El azar es así de caprichoso en cuanto a las coincidencias. Llevaba un tiempo cavilando en devolver a los demás lo que yo había recibido de manera tan grata, el apoyo y el respaldo suficiente para publicar un tipo de música tan compleja a la hora de ver la luz y darla a conocer. Con lo que conlleva afrontar un reto de esta envergadura, me puse manos a la obra, comencé a contactar con distintos músicos de distintos países con intereses comunes y surgió el álbum Rituals from Ancient Europe. 

Creo que es un álbum muy equilibrado donde confluye tanto la música ritual y el dark ambient. La crítica y el público están valorando de manera muy positiva este estreno del sello Ominous Sounds. Espero que sea el comienzo de una prolífera trayectoria. El tiempo dirá.

Va siendo hora de despedirnos Juan Carlos. Lo primero, preguntarte por proyectos de futuro tanto con Hiemis como con Ominous Sounds y lo segundo, pues que ha sido un placer y este es tu espacio para despedirte o contar lo que quieras. Te dejo la palabra:

Actualmente me encuentro inmerso en la promoción del sello Ominous Sounds, cerrando y acordando próximas publicaciones. Una de ellas será el nuevo álbum de Monotone Murk además de alguna que otra sorpresa. Con respecto a Hiemis estoy elaborando la parte conceptual del próximo álbum.

Me gustaría aprovechar estas líneas para aplaudir y apoyar todas aquellas iniciativas como "La Muerte Tenía un Blog". Cada vez es más necesario el cuidado y fomento de la cultura y en este caso de la escena más underground. Mis felicitaciones Antonio por tu buen trabajo y desearte lo mejor.