miércoles, 9 de septiembre de 2020

THE CEPI NOMADS + HIC - "CEPI MEETS HIC" (TORTO RECORDS TRT003, 2019)


Los amantes del Free Jazz y la improvisación libre deberían tener en cuenta al contrabajista Tommasso Rolando, con proyectos que abarcan desde el Jazz al Rock a la electrónica; bien sea acompañado de otros músicos como en la Orchestra Bailam o en solitario con (contrabajo/electrónica) en Stoni

Un buceo en mis estanterías refresca mi memoria. Tomasso aparece en la formación de los impresionantes Calomito del sello Megaplomp, cuyos discos Inaudito (2005) y Cane di Chiena (2011) me volaron la cabeza hace unos años. Os recomiendo encarecidamente que buceéis en el Free Jazz italiano a través de joyas como Calomito, Mondongo, Crap o Electrik Leak, y si os apetece dar el salto al impresionante catálogo de Rudi Records (Daniel Cavallanti).

Sin embargo, lo que hoy os vengo a presentar es a su muy recomendable sello TORTO EDITIONS, de reciente creación, y que tiene entre otras maravillas este The Cepi Nomads + Hic - Cepi Meets Hic, un disco enorme tanto en su realización como plantel de músicos. Grabado en La Claque, Teatro Della Tosse por Raffaele Abbate tras previa organización del evento por Barre Phillips y Tomasso Rolando, quien posteriormente mezcla en Studio Torto (Genoa). El toque final a la masterización lo da el afamado Udi Koomran en Tel Aviv (The Pergola) con currículum que abarca tantos nombres  importantes que da vértigo (Soft Machine, Yugen, Orphaned Land, Amygdala, Present, Shub Niggurath o los españoles October Equus). 

La edición se presenta en un precioso digipack con portada y diseño muy deudores de la estética de Esp Disk.

 
(Barre Phillips)

Antes de seguir, ahondemos en la clásica figura de Barre Phillips (27 de Octubre de 1934 en San Francisco, California), contrabajista en The Cepi Nomads que cuenta con una dilatadísima trayectoria tanto en discos quintaesenciales como Magick Brother (Gong), Up to Earth (Chris McGregor), What Comes After (Terje Rypdal) y un sinfín más. Funda en 2014 el European Improvisation Center y toca con músicos de la talla de Eric Dolphy, Jimmy Giuffre, Archie Shepp, Lee Konitz o Marion Brown

Sigamos. Según el libreto, CEPI es un lugar sólido localizado en el Sur de Francia y que simboliza la idea de Phillips acerca de la improvisación: flexible en cuanto a los músicos, pero no en la idea en sí. Por otro lado, HIC vienen a ser un grupo de estudio bajo la supervisión del saxofonista italiano Claudio Lugo (Dolmen Orchestra, Ensemble Dissonanzen, Picchio Dal Pozzo...). Estas dos fuerzas de la naturaleza, CEPI y HIC, conforman la friolera de 20 músicos que resumo aquí:

The Cepi Nomads
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Barre Phillips - Contrabass
György Kurtag - Electronics
Laurent Charles - Tenor & Baritone Saxophones
Lionel Garcin - Alto & Soprano Saxophones
Gérard Fabbiani - Bass Clarinet
Vlatko Kučan- Clarinet, Sopranino Saxophone
François Rossi - Drums
Emmanuel Cremer - Cello
Patrice Soletti - Electric Guitar

Hic
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Eugenia Amisano - Voice
Pippo Costella - Voice
Lorenzo Capello - Drums
Mario De Simoni - Classical Guitar
Marco Traversone - Electric Guitar
Giulio Gianì - Alto & Soprano Saxophones
Francesco Mascardi - Flute, Tenor Saxophone
Claudio Lugo - Soprano Saxophone
Pietro Martinelli - Contrabass
Tommaso Rolando - Contrabass
Tina Omerzo - Piano, Roli

(Claudio Lugo)

(Tomasso Rolando)

49 minutos divididos en diez partes donde interactúan veinte músicos enchufadísimos, respondiendo a esa brutal frase de "We Made a Big Circle, We Played with the Fire".  Se abre el disco  ("Part I") con detalles minimalistas de percusión, vientos y cuerdas contenidos abrazados por un piano anguloso pero flotante gracias al cual no perdemos pie en el maremágnum abstracto del inicio. Los contrabajos tocados con arco se acentúan con las notas más agudas del violín y las diversas ecolalias vocales de Eugenia Amisano y Pippo Costella. Tras un inicio silente rompe el tema en un crescendo bestial, mitad Spontaneous Music Ensemble por lo matemático, mitad tribalismo de la Art Ensemble of Chicago... a ésta precisamente recuerdan los soplidos sincopados de los saxos barítonos y la forma en que se alían en cascada con voces, percusiones de toda índole y un piano Sun Raniano (etapa Heliocentric Worlds).

Sin embargo, el conjunto flota dentro de esa marabunta británica en los siete minutos de la "Part II". Difícil no acordarse de Barry Guy o Evan Parker. El free jazz orquestal es dominio de Carla Bley, Keith Tippett o la Brotherhood of Breath de Chris McGregor, aunque bien es cierto que los detalles electrónicos en "Part III" le dan al conjunto un toque más bizarro. Cogemos algo de aire en el inicio de "Part IV" con la guitarra acústica subrayando los fraseos de viento, rozando lo modal pero con esas densas marañas del clarinete que suben el grado de humedad relativa tal y como Don Cherry lo hacía en su etapa de Codona... allí donde estaba dilucidando esa especie de World Beat asequible pero intrincado de la ECM

(Barre Phillips)

Si escuchas con auriculares te sentirás atrapado por una inmensa vorágine de sonidos que te llegan de los dos canales; susurros a lo Julie Driscoll , contrabajos en duelo y todo ese espíritu ancestral de la Sun Ra Arquestra de mediados/finales de los 60; una maravilla con la que hay que entrar con machete acústico para conseguir avanzar, sobre todo en los tres últimos minutos del corte. Sutilmente entramos en "Part V" donde se hacen amos y señores los contrabajos y la percusión. Cuerdas rasgadas, pulsadas, maltratadas y llevadas al límite en un ambiente de Música de Cámara sobria, meditabunda y oscura, a lo que ayuda esa asfixiante sordina mantenida de los instrumentos de viento.

Fabulosos los aires a Septober Energy de Centipede y Ark, ambos proyectos de Keith Tippett que contaron con un plantel enorme de músicos y que puede recordar en muchos instantes a este Cepi Meets Hic aunque bien es cierto que aquí hay poco JazzRock en sí. Me atrevería a citar más como influencia al Jazz Británico de los 60 a través de la figura de Trevor Watts y siempre en su etapa Pre Amalgam... es decir, los cinco o seis primeros discos de la Spontaneous Music Ensemble. Aun así, la flauta en "Part VI" y la batería van adquiriendo toques Swing primero y directamente Rock luego, con un excelente trabajo melódico de los vientos y piano que cual rubik van construyendo una melodía con extractos deslabazados. 

Un puzzle que se va juntando y que tiene su continuidad expresiva en "Part VII", Free Jazz pero con esa nota agresiva melódica del piano muy a lo Cecil Taylor. Impresionante el poderoso arreón final con todos los instrumentos trenzándose de forma salvaje y el lento fade out marcado por la percusión y la guitarra eléctrica elongándose hacia la corta pero apabullante "Part VIII"


Fin de fiesta con "Part IX (The Good Soldier)" bajando el tempo a una coda infecciosa, minimalista y anclada en la Improvisación Libre. Batería pseudo militar con hincapié en la caja, punzante e insistente contrabajo, guitarra acústica y una letanía de sonidos amortajados que se deslizan sin exabruptos. Siete minutos que cuando se unen a "Part X" a través del clarinete y la guitarra acústica te das cuenta que es como si hubieras escuchado una larguísima intro. El saxo tenor aparece aportando su candor melódico en contraste con un contrabajo rasgado en la parte aguda del mástil y un lento, difuminado piano con reminiscencias a Bohren & Der Club of Gore.

Grandioso. Recomendado para oídos exigentes.


viernes, 4 de septiembre de 2020

RUINAS - "IKONOKLASTA" (SPIKEROT 016CD, 2020)


Hace casi una década pude ver los estragos del Movimiento Iconoclasta de León III (más bien de sus postrimerías) en el antiguo arte bizantino de las iglesias escondidas de Göreme en Turquía. Caras borradas para siempre mediante el simple acto de `picar la piedra´ sobre todo en la zona de los ojos. Los ojos tienen una especial importancia en el mundo antiguo y la `intervención´ sobre ellos dota o quita poder... ya sea destruyendo, ya sea poniendo monedas para facilitar el tránsito. La máxima expresión de todo esto suele ser la Calavera, paso final en el Vía Crucis que va de la vida a la muerte, con parada en la putrefacción. Así puede verse en la composición fotográfica (Álvaro de Marthyrium y Layout de César Valladares) que adorna el Digipack/LP editado por el sello italiano Spikerot del debut de la banda RUINAS (con logo del grandísimo Christophe Szpajdel).

El legado de Machetazo es como poner un petardo de los gordos en las vísceras de un cuerpo en descomposición. Salen pitracos como RUINAS, los Leprophiliac, Premature Burial (el acojonante Antihuman) de JM Dopico o el ambiental - O I D E, proyecto de Iago Alvite que colaborara con ellos ya en los últimos años, y cuyo Iatroxenia os traje por aquí hace unos meses. Es curioso que todos estos proyectos hayan ido a parar al sumidero séptico de mi Blog, y si rizo el rizo, voy a ponerme mi traje de León III y coger el escoplo y el martillo.


Imagino que titular Ikonoklasta a su disco debut irá relacionado con la abolición de la idolatría. El Death Metal y sucedáneos es muy propenso a tal clase de entronización/canonización de viejas glorias. Pasarse la idolatría por allá donde se defeca y dar lugar a un disco honesto en tanto en cuanto es lo que te apetece grabar en un momento dado... supongo que eso tenían en mente Rober  a la guitarra, bajo, voz y sintes (Banished from Inferno, Ovakner, ex-Machetazo, Varunian, ex-El Día de los Muertos, ex-Luzbel) y Angel a la batería (Ovakner).

Acostumbrado a los nombres que habéis leído arriba, he de reconocer que Ikonoklasta me suena muy limpio;  grabación/mezcla en The Ocean Studios (Brais Landeira) para posterior masterización de Scott Hull (Visceral Sound, Maryland) seguramente tenga algo que ver. Pig Destroyer, Anal Cunt o Agoraphobic Nosebleed son compactos, brutales... pero muy audibles. . Es decir, viento el bagaje de Scott Hull en esto de la masterización, el tipo suele sacarle el máximo partido de limpieza a lo que toca (aunque se trate de los Skullflower). 

Ikonoklasta son 32 minutos cantados en castellano de un Death plagado de vetas Hardcore, Crust y algunos detalles en ciertos riffs de guitarra de Brutal Death de toda la vida. Bajo todo eso, flota una niebla thrasher (sobre todo en los primeros temas) que llevan a acordarse de los discos más secos y compactos de Soziedad Alkoholika, Ratos de Porao, toquecitos a Sepultura y sobre todo Krisiun. Por lo menos es lo que se me viene la cabeza en la apertura de "Trepanación", todo un alegato con un riff central técnico a lo Suffocation pero rodeado de ambiente Crust Punk en las bases rítmicas. 


Muy al estilo de la escena más combativa sudamericana, las voces cantadas en castellano, inteligibles, me recuerdan a mis añorados Epidemia en "Ikonoklasta" o "Ciclón Tarántula". La base rítmica se va a velocidades de órdago en el clímax final de la primera (mezclándose con un sampler) mientras la segunda tiene vértebra a lo Brujería. Arranques de velocidad controlada y un riff épico a lo Intestine Baalism (no me atrevo a decir sueco, pero suena parecido) estalla en "Fauces de Saturno". Abigarrado, técnico y muy rápido, con insertos cuasi cinematográficos a lo Mortician y una excelente bajada de tempo que dota de atmósfera a un corte que tira más del palo Death Melódico.

"Supercélula" es más Grind, con apenas 28 segundos pero siempre dentro de un ambiente controlado (no se llega a la fealdad exudada de El Kaso Urkijo por ejemplo) sirviendo de puente al estándard, festivo (para mi gusto) y algo más flojo "Instinto Genozida" que se permite incluso el lujo de un solo de guitarra. Es justo a partir de este tema donde para mi gusto empieza a subir Ikonoklasta. La procesionaria "El Tormento de las Ratas" tiene mucho groove y se desliza como un bisturí hacia la seca  y cortísima "Ira, Cuchillo y Fuego" (parecido en estructura al posterior "La Conjura de los Insectos"), muy al estilo de Crani Sèptic. Sigue el magnífico medio tiempo "Vómito de Sangre" bajando a terrenos Sludge y haciendo algo que llevaba todo el disco deseando... que la voz se volviera más gutural y cruda. Simple, directo riff revienta cervicales con esa característica forma de dejar colgado un acople hasta que recuperas el aire. 


Sin duda, lo mejor para el final. "Nueva Peste (De Profundis)", a base de guitarra distorsionada, voz y teclados, recuerda a las intros de Rotting Christ y a la sensación fangosa del Black griego en general, sirviendo de excelente apertura a "Retrovirus" con la base rítmica a todo trapo y un riff al más puro estilo Brutal Death americano. Como colofón, ambientes Carpenterianos y Synthwave en "Ad Vermibus Gloriam", especie de cover bastarda de Rescate en Nueva York o sobre todo Frizzi en The Beyond

En resumidas cuentas, un debut notable que me deja con ganas de ver cómo evoluciona hacia un segundo disco que cohesione un pasito más los elementos que se muestran. La técnica/calidad están de sobra; personalmente disfrutaría más de una voz más sucia y enterrada e incluso convertir el último tema en algo así como Goblin pasados por filtro Death Metal. Por lo demás, nada que objetar... que se muera (otra vez) León III.


miércoles, 2 de septiembre de 2020

TESLARADIO - "NOISESCAPES" (OIGOVISIONES LABEL OV7 / EL SUEÑO DE TESLA, 2020)

"Paso por una calle y estoy viendo en la cara de los transeúntes, no la expresión que realmente tienen, sino la expresión que tendrían para conmigo si conociesen mi vida, y cómo soy yo, si se transparentase en mis gestos y en mi rostro la ridícula y tímida anormalidad de mi alma. En ojos que no miran, sospecho burlas que encuentro naturales, dirigidas contra la excepción inelegante que soy entre un montón de gente que hace y goza; y en el fondo supuesto de fisonomías que pasan, carcajadas de la tímida gesticulación de mi vida." 

Libro del Desasosiego. Fernando Pessoa


I. TODO SUENA.

Estoy de acuerdo con todo eso de la Existencia No Percibida y aquello de "Si un árbol cae en un bosque y nadie está cerca para oírlo, ¿hace algún sonido?", jodido kōan/problema/paradoja Zen que es capaz de acabar con tu psique si uno no anda muy fino ese día. 

Pero es que pasa una cosa con todo esto del Zen... (atribuíble también a "la luna no existe si nadie la está mirando" de Albert Einstein), y es que en los tiempos que me ha tocado vivir, no hay espacio libre que me lleve siquiera a plantearme algo así como que "no haya cerca nadie para oírlo"..... viene a ser como esas pelis de sobremesa donde un asesino cree que ha cometido el crimen perfecto y al final, por mal que le pese, siempre hay un maldito testigo. A unas malas, siempre nos queda reconstruir cosas o reinterpretarlas como en Baku: Symphony of Sirens... lo perdido se exhuma y se reinterpreta adquiriendo nuevas tonalidades. Un sucedáneo que rellena una pieza. Un empaste en la demencial dentadura de la Historia de la Humanidad. 

Uno de los grandes problemas de la gentrificación es que la contaminación acústica reverbera/vibra/es generada a tan altas dosis que su radio/espectro de acción es duradero, y haya o no alguien para escucharla, SONARÁ. Y por tanto, si el puto árbol de las narices cae a día de hoy, estoy más que seguro que alguien lo escuchará o lo que es más plausible, alguien lo habrá grabado con algún tipo de tecnología sin haber tenido que estar presente. Ya sea una cámara, un satélite o un drone. Así que queridos y queridas, lo primero es que es casi impensable no visualizar el árbol; y lo segundo... seguro que algo lo habrá grabado, y si no ya invocaremos su sonido con una Ouija.

Estamos hablando por si no os habéis dado cuenta, del PROGRESO. Del maldito progreso y su sonido/posibilidades. Porque tal y como se expresa en el texto El Sonido de la Ciudad Automática que abre el libreto, mal que nos pese nuestra urbe es domótica y como ya no necesita de nuestras manos, vive sin vivir en nosotros... y todo lo que existe suena. 

Ruido automático que se torna a ratos siniestro, a ratos asiniestrado.

II. GARACHANACHARAGA.

Y mira que te lo advertí. Al igual que el pionero Francisco López y su ruidismo entomológico, o Javier Piñango y Juan Antonio Nieto en sus prístinos cócteles molotov de sonido, Chinowski Garachana patrulla la ciudad con su proyecto TESLARADIO. Noisescapes se me antoja obra de arte en múltiples aspectos... ya no solo por su manipulación extrema de las grabaciones de campo, las torsiones imposibles fruto de su emético volcado al sonido (complejas interacciones con la realidad y mil recursos más); es que su acabado Arty remite al Futurismo, al Dada(ísmo), al panfletismo, al pantuflismo cívico y algo así como `constructivismo cañí´ (no sé si existe, que quede claro). Al final de esta reseña hay un enlace donde puedes profundizar en su figura si eres extraterrestre o has llegado aquí desde otra línea temporal distinta.

Como si de un Fanzine se tratara, destaca la fantástica introducción de Jacques Attali (Ruidos. Los Ruidos del Poder / Ruidos y Política. 1977) y un fantástico mini-panfleto de Eduardo Serrano llamado Ordenanza de Protección Acústica del Centro de Nuestra Ciudad, o esa nostálgica pseudo carta de suicidio urbano que es Noisescapes y el Mundo Nuevo que nos Espera Ahí Fuera por Marcelo Expósito y que se dedica a los añorados Antton Ignorant y Víctor Nubla. El resto es tan extenso que se me hace imposible de tratar aquí (Xoán-Xil López, Los Voluble, Marcelo Expósito, Maria Andueza, J.L. Espejo...); mejor os compráis alguna de las 50 copias que ha sacado OIGOVISIONES LABEL / EL SUEÑO DE TESLA.

¿Y dónde se mete todo eso?. Veamos: Díptico en papel de 250gr KeayKolour Tiza + cubierta/booklet en Nettuno Blue Navy 215gr ; 20 páginas de libreto (18x18cm) en papel Nilo Green, acetato impreso y un sobrecito negro para el CD, todo ello envuelto en una funda tipo 7" con la pegatina clásica de Oigovisiones Label. Todo esto se resume a la perfección diciendo que el diseño es de GRANBENGALA, para que veáis por dónde tiran las cotas de calidad del artefacto.

III. SÍNTESIS, PAISAJES, TÍMPANO-MASAJES.

Al collage dadaísta de voces en "Noisecapes" sigue la esquizofonía industrial de "Border". Golpes densos, impulsos desasosegantes sobre los que se despliega una letanía imperturbable de samples vocales e insertos de telediarios. La música, trabajada en alambique, es fruto de mezclar esos ambientes volátiles del Dark Ambient con bases rítmicas electrónicas. El ruido (blanco, rosa o marrón) es la argamasa que une los ladrillos de nuestra Urbe-Psique, plagada de callejones y que lentamente va dibujando un mapa en "Jerusalemer Strasse", pequeño puente hacia la combativa "Acoustic Mordor", algarabía infecta, pútrida y violenta de la ciudad en armas.

Esplendor Geométrico o Francisco López son una influencia. Orfeón Gagarin y Miguel A. Ruíz creo que también... así queda demostrado en la oriental "Zentropa". Metronómica, disruptiva y un puntito decadente pero sin llegar a la opresividad de los proyectos primitivos de Cold Meat Industry. "O Bonde Para Alfama" sigue esa misma línea; se emplea un esfumino sonoro que mezcla los ingredientes en un compost brillante, lúcido y perturbador si se escucha con auriculares. Si eres propens@ al nerviosismo te aconsejo que escuches Noisecapes en dos o tres sesiones separadas y si es `escucha consciente´ mejor.


Sigue "Lisboa Subterránea", uno de los temas más experimentales. Fantástica la deformación de la voz en portugués creando una letanía robótica de cariz religioso. Opresivo y malsano posee toda la fuerza marcial de la primera música industrial. Ecos a Cabaret Voltaire o Throbbing Gristle en sus primerísimos inicios, estoy seguro que haría las delicias masturbatorias de Crowley y Pessoa en su esquivo encuentro suicida en La Boca del Infierno

Los 30 triposos minutos de "Tánger_Beirut" se meten de lleno en una mezcla de Noise y grabaciones de campo, vertebrado en cuatro partes diferenciadas. Una primera parte con subidas/bajadas de un suave magnetismo que lo impregna todo en un segundo plano al inicio pero que lenta e inexorablemente se abre paso como en un oleaje magnético. A los 18 minutos asistimos a un nuevo comienzo del corte... música Räi, ambiente de mercadillo y Beats bailables al más puro estilo Esplendor Geométrico de su etapa melillense (Sheikh Aljama o Arispejal Astisaró) conforman la parte más melódica y estructurada de los 78 minutos que dura Noisescapes. La tercera parte viene allá por donde cae el minuto 13, larguísimo fade out de Noise Industrial puro y duro rallano en el Harsh Noise Wall salvo el epílogo final tras el sampler vocal que dan paso a la cuarta parte. Abstracción árabe en un lúcido Corán Magnético plagado de Suras acústicos, sonidos de saxos en descomposición y regurgitaciones telúricas de dudosa procedencia. Sin duda, estos 30 minutos son lo mejor del disco.

"Fin de fiesta con "Las Máquinas También Lloran (Ruidos del Trabajo y Sonidos de Resistencia"  y "Trainwaves" son dos odas a la era industrial donde lo que parece una máquina locomotora se acompasa a una exalación humana, pasos y otros sonidos con la misma cadencia, mientras la fantasmal "Espacio Público (Extracto interacción Túnel Mundo Nuevo" que por el título y los samplers me ha recordado a aquella famosa performance/interacción de Einsturzende Neubauten dentro de una especie de puente. 

Perfecto el cierre con el remix de Structweird de "Border" dándole un toque onírico, orquestal y devastadoramente groovy. Lo dicho, TESLARADIO ha derribado un árbol y lo hemos oído. TODOS.

https://www.tesladream.org/

https://oigovisioneslabel.com/portfolio/noisescapes

martes, 1 de septiembre de 2020

ABAUNZ - "ILUNPEAN ARNAS HOTSA ENTZUTEN (JOLLIES JS007, 2020)

Reconozco que no ha sido fácil transcribir en palabras las emociones que provoca Ilunpean Arnas Hotsa Entzuten de ABAUNZ, proyecto del Dj y Productor de Azkoitia Xavier Abaunz. Bajo un sustrato aparentemente Black Metal, se retuerce el sonido para llevarlo a zonas diametralmente opuestas al comfort acústico. Aglutinar Techno, electrónica y sampleo dentro de la Muzak de metal extremo nórdico es cuanto menos arriesgado, y fruto de la libertad que da trabajar en alambique sonoro la música sin rigidez de sellos, lo que surge es una joya de Electro Black, Hip Hop y (perdonad mi dificultad a la hora de definir el sonido) un cruce entre Dark Ambient y Vaporwave. Por cierto, es el sello Jollies de Brooklyn quien saca la edición en cassette (con muy buen sonido) aunque para los detalles técnicos os emplazo a una entrevista con Xavier al final.

"Zikintasuna Hurbiltzen" abre la cassette usando glitches, invocaciones y con ese regusto alquitranado de la nueva electrónica pseudo cinematográfica que está surgiendo por todos sitios. Himno retorcido embebido de percusiones lanzadas de forma imperturbable por generadores de sonidos y drum machines. Oscurísima producción haciendo resaltar una voz rasgada, solemne y con cierto cariz ritual; cuando desaparece la voz, el limo que queda de fondo es ElectroSynth en su máxima expresión pero siempre con el apuñalamiento de distorsión de lejanas guitarras y producción LoFi. Es en "Gustoa Zaude" donde los elementos industriales y el sampleo se hacen dueños y señores de ABAUNZ. Una música rica en detalles que resalta al escucharse con auriculares y que gusta de unos tempos lentos muy atmosféricos. 

Hablaba antes de `cariz ritual´... en Ilunpean Arnas Hotsa Entzuten no me quito de la cabeza la sensación de estar ante algo surgido de AKAUZAZTE. Cada lugar deja su impronta e imagino que ser de Azkoitia, sin tener marca registrada, influye en esos claustrofóbicos descensos de ABAUNZ. Si bien es cierto que el Black Metal experimental de Gnaw Their Tongues podría ser referencial, aquí se traspasa más la línea hacia lo electrónico en el proceso inverso... es decir, si en Gnaw Their Tongues la base es el Black (o lo que prima), ABAUNZ es más electrónico y los detalles Black son la guinda del pastel para hacerlo todo realmente bizarro. 

Sin ir más lejos, me pilla de sopetón ese riff crudo que abre "Badakit", con una melodía central alucinante, reminiscente de la correosidad del Dungeon Synth que se entierra cada vez más en distorsiones y refinerías Noise. Surgen las bases rítmicas tribajes y me acuerdo del añorado proyecto YUNCLAS. Una pista de baile situada en un mundo paralelo entre Satyricon y el Techno americano (es posible algo así?). 

"Gezurra Zarete" es alucinante. Bases de sampladelia, voz Black (¿quedará bien la ropa, lenguaje urbano del Hip Hop con el Corpsepaint?...) y otra forma originalísima de adorar los bosques. Finísimos detalles de Dub y la conexión con la madre tierra, la ancestralidad propia del primer Black Nórdico, aquí llevada a terrenos de Afrika Bambaataa, y una curiosa forma de descomponer la música como lo es "Burua Bueltaka", que por momentos me recuerda a Futuro de Hierro, Coágul y cosas así pero sin perder esa base onírica, casi medieval, del Dungeon Synth. 

Determinados detalles del Folk se filtran (consciente o inconscientemente) ayudando a la atmósfera enrarecida y experimental de Ilunpean Arnas Hotsa Entzuten. Para pruebas claras el cántico inicial de "Eraikuntza Berriak Posible Izateko", los breaks y esos correosos ritmos que se pegan como Napalm se permiten acelerarse en cabalgadas de Blast Beats invertidas, Trip Hop asfixiante y giro inverosímil en "Bakarrik Esaten, Ez Dakit Sinisten" hacia una línea de Rapeo en lengua madre muy curiosa en tanto que parece percusión vocal india (Konnakol).

La revisión/mezcla de "Hegoekira Begira (Egoera Mentala Azkoitti Remixe)" con la voz impresionante de Anari, clásico de AKAUZAZTE y que cerraba Enlatatua (1995), podría sonar en una cinta de cassette comprada en plena Guerra de Vietnam. Una canción para un baile especial. Danzantes portan granadas en las manos con el seguro quitado. Cuando pare la música, se suelta la granada... quizás lo sientas, quizás no. 

Depende de la dosis de Opio que lleves dentro.

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Si habéis llegado hasta aquí, os aconsejo seguir un poco más porque creo que el propio Xavier Abaunz  os cartografiará para adentraros en ABAUNZ. Una pequeña pero creo que esclarecedora entrevista:

 • A ver, lo primero felicitarte por Ilupean Arnas Hotsa Entzuten. Me tiene ensimismado; su variedad estilística, eclecticismo, detalles… ¿Quién diablos es Xavier Bastida, en qué grupos si los hay ha tocado?. ¿Podrías trazar un árbol genealógico musical que me ayude a entender mejor tu música?.

Soy un tio de Azkoitia (Gipuzkoa) que le gusta mucho la música y que nunca ha tocado en ningún grupo. Y si te digo la verdad, ahora me daría un poco de pereza tener que consensuar con otras personas lo que quieres hacer, ya que me he acostumbrado hacer lo que me de la gana en todo momento, pensando solo en mi. Empecé en esto de producir en 2010 creo, pero cuando digo producir me refiero hacer música con el ordenador y otros cacharros, no a productor clásico de grupos. 

Amsia, un tio de Azkoitia que es el puto amo tanto haciendo música como en cuanto a que controla el mundo de los aparatos electrónicos (con decir que el se hace sus sintetizadores modulares te digo bastante ya) montó un curso del secuenciador Ableton y cuando me entere pensé que era perfecto para mi. Antes ya lo intente antes con el cubase pero lo dejé, pero cuando hice este curso del ableton con el Amsia me enganché desde el primer momento. Era justo lo que buscaba y de ahí en adelante pues he seguido en mi casa haciendo música y aprendiendo las cosas yo solo, ya que el curso que hicimos era para principiantes desde cero con las cosas básicas para empezar. 

Luego he ido subiendo la música en mi pagina de soundcloud desde 2012. También hice algunos CDRs para mis amigos de Azkoitia, con portadas que me hacia un colega de mi cuadrilla (Bixxiu) y se las regalaba, pero básicamente he subido la música a soundcloud siempre. La unica música que he sacado vamos a decir de forma oficial aparte de este cassette, es cuando metí un tema en cada recopilatorio de Iberian Juke, que los dos salieron en el 2015. 

Iberian Juke es un sello que nació y se creó desde un grupo de facebook llamado juke/footwork (Spain). Era un grupo que estaba gente que le molaba el footwork y desde ahí nacio la iniciativa de hacer un recopilatorio de footwork. Estabamos cuatro gatos en ese momento pero salio adelante ya que casi todos los que estaban en el grupo eran productores o djs. La música que estaba haciendo en esa época tenia influencias del footwork pero no era footwork o juke. Para los recopilatorios me centré más en este estilo. 

Despues de esto seguí por mi camino haciendo lo que me llenaba y hasta hoy que he sacado este cassette.

He tardado tiempo en procesar todo lo que se escucha en la cassette (muy bien producida por cierto). Desde el Dark Ambient a partes industriales, Black Metal y toques del Folk de tu tierra. Podría establecer paralelismos con discos que salen en Cold Spring o Crucial Blast. ¿Qué música te gusta, influencia y mueve tus entrañas?. ¿Puedes citarme proyectos hispanos que te parezcan interesantes y concomitantes a lo que haces?.

Pregunta dificil de contestar en unos párrafos jajaajaja. Escucho mucha música de estilos diferentes como es normal en una persona que escucha mucha música pero claro algunas cosas o estilos te llenan más que otras como es lógico. Seguramente el estilo de música que más escucho sea el hip hop; me gusta profundizar en cada música pero creo que me paso mas tiempo con el hip hop que con otras cosas. Es un océano en el que te metes y no puedes salirte. 

Dentro del hip hop hay mogollón de escenas que se han creado con el tiempo y es un no parar de meterte en esa mierda y no salirte, o al menos es lo que me pasa a mí. La costa este, la costa oeste con el g-funk, en el sur con las Memphis tapes o el sonido de Houston con Dj Screw su chopped & screwed, que por cierto mi hermano esta trabajando en Houston y estuve dos veces en la tienda de Dj Screw. Y así muchas ciudades más. Claro ahora Atlanta está de lleno en el centro por el trap pero hay muchas cosas más.  

Luego parecido con esto, el R&B me gusta mucho también. Otro estilo al que le tengo mucho cariño, igual el que mas es el grime. No será lo que más escuche pero cuando me pongo cosas de la peña de Roll Deep o Ruff Sqwad es otra cosa, como que me llena más, no se como esplicarlo. En cuanto a la electrónica también hay infinidad de escenas y estilos que me gustan. En la década de los 2000s me marco mucho la escena inglesa, pero no solo eso claro. Luego por el año 2010 aproximadamente los sellos Night Slugs y Tri Angle y lo que salio a partir de allí en soundcloud en la década pasada con colectivos como Bala Club o NON Worldwide.  Esa escena de soundcloud que no tiene ningún nombre y no lo entiendo la verdad, porque es lo mejor que ha pasado en la electrónica en la década pasada junto con el footwork (para mí claro). Gente como Oxhy, Avburn, Visionist o el mismo Arca que le meto en la mismo cajón, y muchos otros, es lo que mas he disfrutado últimamente en cuanto a electrónica se refiere porque creo que han mirado hacia delante. 

Pero claro, también hay otras cosas y de otras épocas que me gusta indagar tambien. En cuanto a guitarras, el metal es lo que he escuchado toda la vida, cuando tenia 13 o 14 años mi banda favorita era Sepultura, hasta ahora que sigo escuchando bastante metal. Ultimamente me decido más por el trash y black metal aunque siempre va por momentos como es normal pero tiro mas por ahí; el “Dead as dream” de Weakling o el “Remains of a ruined, dead, cursed soul” de Mutiilation los he puesto bastante últimamente en cuanto al black metal y en cuanto a trash he estado escuchando a algunos clásicos de los 80 como Kreator, Flotsam and Jetsam o Slayer. Luego hay tambien otros estilos que suelo escuchar como el jazz, reggeaton o el folk pero si no no acabamos nunca. 

En cuanto a projectos mas cercanos que están en activo y que me gustan hay bastantes cosas claro. En cuanto a guitarras Anakrosis, Lisabo, Akauzazte, Killerkume, Borrokan o la peña de Orthodox y sus otros projectos me gustan mucho, además otra vez son un trio y tengo muchas ganas de verlos. En cuanto al hip hop cosas como Elsso Rodrigez, Soto Asa, Somadamantina, Manu beats, la peña de Urano, La Zowi o N-wise, que su disco “Casino chips” es un puto clásico ya y no se porque la gente no le ha hecho ni puto caso, no lo entiendo la verdad. El disco de Goyo the Ghoul “Deidades y monedas” en Crystal Mine este año tambien está de puta madre, mirando a Memphis pero con toques g-funk y las producciones de Reggie Romero están que se salen. Ah y Amarillo Slim de Left Cost que se la suda y no saca nada casi pero que pa mi es el mejor. En cuanto a electrónica la peña de Total Trax, Sweat Taste o Shoeg que su disco “Container” es la ostia. Luego tambien está Cardevore que hace lo que le da la gana y siempre es interesante... seguro que me he dejado muchas cosas pero es lo que me ha venido ahora.

Hay un detalle alucinante en Ilupean Arnas Hotsa Entzuten y es el equilibrio entre la inhumanidad de la drum machine y los coqueteos con el Folk, ya sea en tu forma de cantar o en la estructura/vértebra de los temas. Dependiendo del día que me pille, pienso que estoy o ante un disco de Techno y electro o bien ante un impresionante ejercicio de Pagan Black. ¿Cómo definirías tú Ilupean Arnas?.

Me alegra muchísimo que me digas esto ya que es lo que estaba buscando desde el principio y que me comentes esto parece ser que en parte lo he logrado, para ti por lo menos jajajaja. Desde el principio mi preocupación era sonar artificial en cuanto que hay cosas distintas y que cada bombo, caja o guitarra tiene que sonar de una cierta manera para lograr eso. Creo que para mi eso es lo mas importante y a lo que le dedico mucho tiempo. Pero con artificial no quiero decir que busco que no suene a máquina, ya que los sonidos fríos tambien me gustan mucho. Pero que no suene artificial en el sentido de que lo que estás escuchando lo tienes que creer, que escuches un todo y no cosas por separado.

¿Puedes contarme cómo se compuso?. Detalles de grabación, anécdotas… también estoy bastante interesado en el tema técnico; instrumentos y demás que sueles manejar.

El álbum entero lo compuse y lo grabe en el estudio casero que tengo montado en casa. Mi estudio de casa esta formado con el secuenciador Ableton, el maschine como caja de ritmos, un teclado midi, una guitarra baratísima, un plato technics 1200 para pillar algunos samples y un micro de 30 euros. 

Al principio estaba haciendo canciones como para un Ep, me contacto el de Jollies para que le mandara alguna cosa le dije que le mandaria el Ep cuando terminase pero al final me salió un álbum; me sentía a gusto y llegue a 8 temas ya que con el Ep me parecía que quedaba corto con la idea que tenía en la cabeza. 

El ultimo tema del álbum es un remix que hice de una canción de Akauzazte donde cantaba Anari, me parecía que encajaba perfecto en el álbum. Lo que tenia claro también es que le quería meter voces cantadas y eso es la primera vez que lo hacia. Al principio empecé probando pero cuando ví que me convencía lo tuve claro. Por encima de todo lo principal era buscar el sonido que tenia en la cabeza y intentar acercarme lo máximo a ese sonido. 

A propósito de esto último, y sin saber exactamente si se ha grabado analógico o digital (ya sabes, Plug Ins y eso), el resultado es muy orgánico incluso con las Drum Machines… no sé si es por la producción pero el toque LoFi tiene algo de Dungeon Synth.

Hace 3 años aproximadamente subi a soundcloud un mix con temas ambient del black metal y temas de dungeon synth y algunas cosas me gustaron bastante mientras estaba haciendo el mix pero tampoco controlo mucho el dungeo synth la verdad. En cuanto a la producción, buscaba ese sonido sucio pero un poco orgánico pero repito que no buscaba para sonar como que estaba tocado, ese no era la finalidad (sucio y organico pero que oliera a maquina también).

Otra cosa fascinante viene de la mano de las percusiones con aroma oriental que convierten los temas en pseudo-bailables. Si no es EBM poquito le falta. Tienes que reconocerme que cantando en lengua madre y con percusiones indo-arábigas la mezcla es cuanto menos sorprendente. ¿Hay una razón para todo esto?.

Lo que dices del EBM lo veo y tiene su lógica pero la verdad es que viene de otro sitio esa influencia de esos ritmos. Más que indigo-arabigas esas percusiones vienen del caribe, pero claro esos ritmos que hago vienen mas de gente como Endgame que le mete otra sonoridad a esos ritmos y que es uno de los que más me ha gustado en los últimos años. Me parece un crack el tío; creía que tenia un sitio en mi álbum si lo hacia con credibilidad y pasado por un barniz sucio claro.

¿Cómo surge editarlo en un sello como Jollies de Brooklyn?. Ya de paso, me gustaría que me contaras cómo ves el panorama musical aquí en España. 

Lo de Jollies no tiene ningún secreto. Yo no mando temas a ningún sello, los suelo subir a soundcloud y ya está. El tío de Jollies me escribió por soundcloud que le molaba las cosas que tenia subidas y si podría mandarle algo. Yo le dije que estaba haciendo una cosa y que cuando terminase le mandaría. Pues le mandé el álbum y me dijo que le gustó mucho y quería sacarlo en casettes... me pareció un tio de confiar y para adelante. 

Viniendo del País Vasco, y tocando la música extrema, me es imposible no preguntarte si conoces a bandas como Numen, Aiumeen Basoa, Adhur o incluso Akauzazte. El acervo musical que existe en tu tierra me parece de una riqueza enorme y casi todos los proyectos que tocan (de lleno o tangencialmente) al metal extremo tienen algo distinto.

Akauzazte son la ostia y además son de mi pueblo. Es una suerte que tengamos un grupo así en nuestro pueblo, son una puta leyenda por aquí. Les hemos visto mogollón de veces, y en directo tambien son la polla. Luego el batería de Akauzazte tambien tiene otro grupo de brutal death que se llama Anakrosis, con gente del pueblo tambien, buah!! son una puta sobrada en directo y además sacaron hace poco un disco “Perpetual Nightmare” que aconsejo a la gente que le guste el brutal death... que le de una escuchadita que no se va arrepentir. Luego en cuanto a los grupos que me has mencionado Numen me parecen interesantes y los he escuchado un poco pero tampoco mucho. En cuanto a Aiumeen Basoa y Adhur no me gustan mucho la verdad, hace tiempo que no los escucho pero no tengo buen recuerdo de ellos.

La Cara B cuenta con algunas bases, sampleos e incursiones dentro del mundo del Loop y la Sampladelia; la forma en la que mezclas todo eso con la distorsión de las guitarras son de una epicidad encomiable. Tal es el punto de todo esto que en algunos pasajes parece que estoy escuchando una versión reformada del Black Nórdico pero puesto de patitas en las Calles de Detroit. El uso de instrumentos cercanos al Santoor y las voces en vasco, todo a la vez, me suena a Folk Tailandés……………….. ¿crees que he perdido la cabeza?.

Un poco si eh!! Ajajajajajjajajjaja…pero tampoco vas muy desencaminado. El tema de los sampleos es porque yo tengo una mentalidad de productor de hip hop, aunque haga otra cosa muy diferente la mentalidad esta ahí. Como te he dicho antes, escucho mogollón de hip hop de mucha clase, en el hip hop ya sabes el tema de los samples  esta al orden del dia. 

Me paso mucho tiempo en la pagina de internet whosampled donde aparecen los samples de muchísimas canciones de hip hop (no solo de hip hop ya que en la electrónica tambien hay mucho sampleo). Me puedo pasar horas mirando los samples de peña que me gusta. Por eso para mí meter samples en temas míos se me hace muy natural, luego lo de meter guitarras a los samples es más complicado o se me hace mas complicado por lo menos a mí. Lo difícil es meter una guitarra que no suene artificial como te he dicho antes, tiene que sonar real. 

Lo de black nórdico pero en Detroit si puede ser, aunque no creas que directamente para este disco me haya influído el techno de Detroit pero entiendo lo que quieres decir. De Detroit a mi me ha influído más J Dilla y esa movida pero que me gusta el techno de Detroit también. La cuestión era buscar ese equilibrio pero sin forzar nada, si no se nota que esta forzado.

Bueno, para ir terminando, cuéntame planes de futuro. Este es tu espacio para que te despidas como quieras.

En cuanto a planes de futuro no tengo muchos la verdad. Seguir haciendo música en casa cuando y como quiero y sacarlos o subirlos a internet. Ese es el plan. Como no toco en directo y no lo pienso hacer pues se reduce a hacer música.

https://jollies.bandcamp.com/album/ilunpean-arnas-hotsa-entzuten

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viernes, 21 de agosto de 2020

ANA BÉJAR - "SAHARA STAR" (DISCOS BELAMARH BLM5, 2020)


"Es el final de los tiempos
Es el final de los días
Es el cielo con la tierra
Es una fruta podrida
En el suelo masticado
Un hueso ya sin semilla"

Que un disco como Sahara Star salga en este momento de la historia de la música no es baladí. ANA BÉJAR es parte de la historia musical (escrita, oral y sentida) de nuestro país, pero perdonadme que en vez de hablar en retrospectiva, y a tenor de los momentos sociales que se están viviendo a nivel mundial, hoy os hable hacia delante, sin retrotraerme ni un maldito segundo. Internet está ahí para quien precise información biográfica pero yo, salvo de terminados apuntalamientos retrospectivos que precisaré para sostener este texto, prefiero hablaros con las sensaciones que me ha provocado, y esas sensaciones hablan siempre de algo que está delante, nunca atrás... es decir, Sahara Star es un disco cinético, motriz, profusamente engalanado de belleza, y que discurre por una suerte de espiral imperfecta.

Cada vez que crees que vas a retomar parte de algo pasado te das cuenta de que lo has sobrepasado en la circunv(o)alación (hacia dentro o hacia fuera) de la espiral; no hay punto de partida per sé ni meta, llegada o fin. El aquí y ahora de 42 preciosos minutos de música que te tocan la espina dorsal, que alteran el estado perceptivo y con la complicidad siempre del oyente, hacen que te drogues musicalmente. Los sobrios y estáticos momentos en The Good Man (Luscinia, 2016), palidecen con mucho si los comparamos con Sahara Star, mucho menos rígido y anclado a ese primer Dream Pop o como diablos se llame... y posiblemente me equivoque pero se primer trabajo que aquí lo tengo en mi estantería, tenía algo de Cabaret itinerante que aglutinaba una maravillosa colección de ideas que es en este último disco que recoge en físico DISCOS BELAMARH donde se han sublimado. 

Su versión de "La Materia No Existe" de 713ºAMOR (Atardecenaranjainfierno; El Muelle Records, 2016) sería ejemplo radical de lo que Ana Béjar puede hacer a tu psique si se lo propone y el Ep intermedio Everything I Say (Madrugada Records, 2019) un descenso a los infiernos lánguidos de Julee Cruise con aliño de PJ Harvey... ¿o será Gospel Folk mezclado con canciones de cuna teratogénicas?. Para eso tienes tus orejas y yo las mías. Y este va a ser todo el repaso al pasado que voy a permitirme porque la vida son dos días y el horizonte me reclama. No voy a parar hasta que le de un beso con lengua al maldito horizonte.. porque dice una leyenda que me acabo de inventar que si lo hago, y el horizonte me devuelve el beso, de ahí a la cópula hay un paso, y de la cópula imposible a regenerar el mundo solo es un pasito más.

Sahara Star (toda la música de Ana excepto la versión de "Everything" de Vic Chesnutt y algún tema de con el apoyo compositivo de Jesús Martínez), masteriza Guillemo Quero y se graba entre Algeciras, Madrid y grabaciones de campo en Tánger . Los créditos completos vendrían a ser:

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Ana Béjar: vocals, guitar, keyboards, drum machine, shutri, mandoline. 

Jesús Martínez: guitar, keyboards, e-drums, bass. // Alfonso Pachés: drum machine songs 4, 8, 9. // Atthis: drones and piano, song 4. // Conrado Isasa: lap steel, song 5. // Gerardo Ramos: bass, songs 3, 10. // José Ojeda: piano song 5; guitar song 9. // José Vargas: field recordings song 9. // Matías Eisen: bass song 1. // Nacho Laguna: bass, songs 4, 9.

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"I First Came Blind" abre con unos toques percusivos que parecen un bodhrán. De forma desnuda la voz te arropa cuando hace frío y evapora los exudados de la muerte cuando estás en tránsito. Coros espectrales, minimalismo de guitarras que te mecen en un acuoso tempo surf evanescente y desértico (me atrevo a decir Californiana... como una versión más humana y menos motórica de Moon Duo o Wooden Shjips) y constante drone de fondo tan característico de la Shruti, instrumento que adoro desde hace muchísimo tiempo por su presencia meditativa. Si todo el Pop fuera como este tema la vida nos iría mejor a los humanos. El homónimo "Sahara Star" es una pieza de orfebrería con fantásticas programaciones percusivas y coqueteos electrónicos sobre los que brilla la acústica y un insistente bajo. Uno de los detalles (que se perpetúa a lo largo del álbum) es un procesado exquisito del sonido guardándose un perfecto equilibrio entre melodía y experimentación (puestos a metaforizar, en un torno de barro puedes hacer bellas piezas o modelar auténticas angulosidades sin sentido). 

Sigue "Rhoda", espiritual coda con Ana en apnea por los registros más altos de sus cuerdas vocales. Susurros Folk teñidos de acidez en una intro marcada por los teclados. Pasan 3 minutos como un suspiro y cuando entran las percusiones electrónicas me da la sensación de estar cayendo a una velocidad tan rápida que me deja el cuerpo en estado de embriaguez. Buceo en melaza sonora, puedo respirar bajo el agua el Soma musical de Ana Béjar y tararear sin ahogarme "If Got a Star". Como seguidor absoluto de los trabajos de ATTHIS no puedo más que quitarme la tapa de los sesos como dádiva y ofrenda. Hablando de ambientes acuáticos, ese piano me retrotrae a Sentimiento Oceánico (reseña aquí). Preciosos los espacios entre las voces y cómo sale a la superficie el sonido del bronce cuando vibra (quizás un cuenco tibetano, quizás electrónica procesada, no lo sé).


La frontera se traspasa con "Everything", para mí uno de los grandes temas del álbum. Pulsátiles aires tribales que transitan por la World Beat. Hay algo trágico en cómo se derrama el piano, en cómo Ana canta y dialoga con la mandolina, en los sprints oníricos a lo Nick Cave o PJ Harvey y si me apuráis, Jarboe sin la negritud inabarcable de esta. Si este disco hubiera salido en un país como Finlandia o Noruega habría reventado listas. El Pop exquisito, inteligente, hipnagógico y brutalmente introspectivo no es materia para oyente hispano, acostumbrado a pachangas monumentales de plazas del pueblo y guirnaldas infectas. 

Apasionante cómo se va creciendo "Haunting Eyes" en un etéreo Country. Bajo la voz y la guitarra hay algo magnético que me atrevería a comparar a las composiciones de Lynch con Badalamenti para Julee Cruise. Es la sensación de que cuando la música se acopla y permanece suspendida en ámbar acústico podría durar eternamente. Hasta el Aspergillus en una maldita tumba egipcia parece durar eternamente cuando se duerme. Despierta cuando entra en contacto con el oxígeno miles de años después... así es "Oxygen" (this is the way how all begins....). Una infección del alma como puente orgánico hacia la cover de Vic Chesnutt "Exile". Me niego a describir este tema. Si estuviera en pleno desierto viendo el atardecer y de repente el giro de la tierra se parara no me importaría lo más mínimo. Aquí y ahora, siempre Presencia. 

El tramo final pasa por las grabaciones de campo de "And Yet it's Not Night", otra obra de arte que puede recordar la faceta experimental de Ana con Carlos Suero en IO.  Sincopado viaje a través de motricidad sincopada, electrónica mezclada al ralentí con tal cantidad de detalles que te recomendaría ponerte auriculares. El fin de fiesta con su germánico nombre "Himmel und Erde", pero cantado en castellano, viene a ser un himno mántrico donde no sé que me pone más los bellos de punta, si las letras, la Shruti Box o la sensación de que algo se acaba para empezar otra cosa... o bien la seguridad de que la espiral nunca se acaba y ese horizonte al final no llega, y por lo tanto me quedo sin el beso con lengua.

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(fotografía Jose Vargas)

Para terminar os dejo con una pequeña entrevista. Mi idea inicial era simplemente obtener vivencias y anécdotas con un pequeño cuestionario y usarlas para darle empaque a la reseña pero poco a poco fue adquiriendo forma y aunque mis preguntas resulten algo rígidas, Ana Béjar las dota de vida con sus acertadas respuestas:

Lo primero es que el disco me parece exquisito. Tras “The Good Man” y “Everything I Say” creo que tu música se ha sublimado y todo suena en un fértil plano meditabundo, melancólico y profundamente ensoñador. Los arreglos son preciosos y dignos de elogio. ¿Cómo surge la idea, proceso de grabación de “Sahara Star” y cómo eliges al impresionante plantel de músicos que te rodean?.

-     Cuando terminé de dar conciertos con “The Good Man” pasé un tiempo de colaboraciones con otros artistas mientras iba escribiendo las canciones e intercalando las sesiones de grabación de Sahara Star. También en esa etapa saqué un EP de versiones. Como ves, más que surgir de una idea o de un concepto determinado de disco, Sahara Star viene de una continuidad natural. La mayoría de los músicos son compañerxs que vienen de otras colaboraciones previas como Jesús Martínez, José Ojeda, Conrado Isasa o Alfonso Pachés, gente afín artísticamente y buenos amigos.

Viendo los créditos, uno se imagina a todos esos músicos tocando a la vez y seríais una big band de la hostia. ¿Es “Sahara Star” un disco de composición o de colaboración?... es decir, ¿qué espacio has dejado al libre albedrío de los músicos que te han ayudado?. Se distinguen perfectamente los drones neoclásicos del piano de Atthis y la huella personal en la forma de tocar de cada uno de los colaboradores.

-      Cuando le paso una canción a un músico para algún arreglo, conozco tan bien su estilo que confío plenamente en el resultado, así que intento que lo que añaden  permanezca, incluso si hay alguna leve imperfección en cuanto a sonido o ejecución, pues al fin y al cabo eso le da más vida. En cuanto a melodías puedo sugerirles cómo hacerlo, pero intento no dirigirlos, para que de ese modo lleguen a conclusiones que quizá yo no habría contemplado. En lo que se refiere a bajo, batería o sonidos y atmósferas en general es diferente, ahí no doy mucha soltura.

En esta ocasión casi la mitad de los temas están producidos y grabados los instrumentos por mí a excepción de algún arreglo. Es algo que ya hice con mi EP de versiones anterior, experiencia que me llevó a atreverme con canciones de este disco como ‘Exile’ o ‘And yet it’s not night’ o ‘Everything’. Las canciones que grabamos Jesús Martínez y yo llevan mucho peso de sus guitarras y el modo de concebir  arreglos, un contrapunto magnífico que creo equilibra el disco en su conjunto.

Imagino que no habrá sido un disco fácil Es un disco de canciones pero cada una de ellas parece abrirse hacia dentro como una espiral y la complicidad del oyente parece ser necesaria para ahondar cada vez más hacia el centro.

-     Cuando grababa en un estudio con la  banda al completo y grabábamos a la vez en diferentes cabinas, el proceso era totalmente opuesto al de ahora que trabajo en mi estudio probando y jugando sin tope de tiempo. Cada detalle ha sido sopesado, probado, rescatado, eliminado, vuelto a rescatar... un proceso siempre abierto que creo generan esas espirales que comentas, la sensación envolvente, la de ir desenterrando algo a cada escucha.

El equilibrio entre las bases rítmicas electrónicas, el folk y esa cadencia drónica del shruti box y el harmonium le dan a tu música un cierto perfil australiano,  americana también. Trip Hop que podría recordar a la escena electrónica nórdica (el Dream Pop noruego), partes experimentales, grabaciones de campo… “Sahara Star” es una joya que se abre con las escuchas. ¿Cómo demonios (tus ojos) te definirías a ti misma y a tu música ante un profano?.  

-       Es sorprendente, porque hablas de estilos que nunca habría considerado definitorios de mi música y eso para mí es positivo. Creo que el didyeridú australiano te puede recordar a las notas pedal del shutri box que toco en este disco, un instrumento muy folclórico con el que se consigue un drone y que te puede recordar también al sitar, la zanfoña u otros instrumentos folclóricos  de Asia o Africa que dan una nota constante por debajo, durante el desarrollo de una pieza musical.

Las bases rítmicas electrónicas que compongo son perfectas para trabajar esas canciones circulares que me gustan tanto, consigo cadencias casi tribales que con un batería en el local de ensayo no me saldrían, quizá porque a veces veo la fórmula rock como una prisión de la que escapar. Definirme me resultaría muy difícil pero dicen que hago rock experimental, rock de aristas, que continúo una tradición folk-rock..., con el prefijo ‘post’ a lo mejor se resuelve el acertijo: ¿‘post-folk’? ;-).

Discos Belamarh cuenta ya con un buen puñado de referencias pequeñas pero muy cuidadas. El futuro de la música no parece estar en los grandes estadios tal y como se ve en los acontecimientos del día a día. Llevas toda la vida en esto de la música; ¿qué diferencias hay entre la Ana Béjar de los comienzos y la Ana Béjar que se viste ese precioso traje que adorna la portada del disco?.

-     El verano pasado fui a presentar mi anterior EP a Radio3, al programa de Julio Ruiz, y éste me sorprendió con un extracto de una entrevista de hacía 20 años. Oí mi voz y me enterneció reconocerme, con tanto por aprender y por atreverse a realizar por delante.

He luchado por muchas cosas durante todos estos años: por ser escuchada y tratada en igualdad por el resto de mis compañeros a pesar de la etiqueta de “chica del grupo”, en tener el valor de hacer las cosas a mi manera y confiar, en continuar mi carrera a pesar de las dificultades... Creo que he conseguido una cierta autonomía que me permite disfrutar más de la música y estar abierta a un montón de experiencias y proyectos que me llenan de vida.

El futuro de la música no está en los grandes estadios, el mío tampoco lo fue nunca. Mi futuro estuvo en salas de mediano/pequeño aforo, esos han sido los escenarios donde he tocado mis canciones, muchas noches mágicas que no cambiaría por nada. Los artistas underground o minoritarios de este país seguiremos con nuestra música de una forma muy parecida a la era pre-pandemia, en el sentido que nunca fuimos programados en las fiestas populares, nunca nos invitan a estadios o a grandes festivales, no hemos recibido ayudas para sacar nuestros discos o pagar a los músicos, siempre fue un “háztelo tú mismo”; ya tienen a Loquillo para que dé esos grandes conciertos, esos que no ponen a la gente en peligro, porque ahora resulta que hay eventos que están protegidos por el Espíritu Santo y otros que son organizados por pequeños promotores o colectivos, que esos sí, esos son muy víricos.

  Dicho lo cual, ¿Cómo crees que trata este País y su industria musical a los artistas?... lo digo porque parecen primar más últimamente los pequeños (pero grandes) discos: Javier Arnal, Colis, Ojeda, Conde… gente que lleva toda la vida ahí pero que sin embargo parecen navegar contra corriente. 

-     No sé si es correcto decir que la industria prima actualmente a artistas como los que mencionas... Formamos parte de un colectivo donde cada pasito que damos es a costa de un gran esfuerzo. Claro que a cambio contamos con la total libertad de decir y hacer las cosas como consideramos. No tenemos nada que ver con el modelo de negocio de la música desechable/intercambiable/hit de spotify, canciones creadas para “petarlo” : ( , nada que ver con esa forma de consumir o crear arte, por eso somos libres de hacer las cosas a nuestro modo. Estamos al margen, atrincherados en carreras ya largas. No recibimos la atención o soporte que acaparan otros artistas de calado más popular. Me gustaría que el público supiera que cuando compra nuestra música está contribuyendo a que el arte más ‘local’ y no masificado tenga también su oportunidad. 

Hay algo críptico, intimista y onírico en el disco. En música y concepto. Si existe algo así como drogarse con música, sin duda “Sahara Star” es un trippy en toda regla. Viéndote con aquel gorro ruso en Málaga cuando tocaste en directo, y enrocando a este sueño musical que parece sacado de Carlos Castaneda no puedo por menos que preguntarte por las letras y concepto. Tu procedencia y África parece que tienen algo que ver con el asunto, no?.

-     Que Sahara Star te parezca un viaje es el mayor cumplido que puedo recibir. Viajé mucho de pequeña con mis padres, y luego todo lo que pude. Pero sí, sigo viajando con la música y me hace muy feliz si logro que otrxs lo hagan. Una vez se me acercó una chica en Berlín después de dar un concierto de voz y shutri, me dijo que había “hecho un viaje” y que no se  despertó hasta que dejé de tocar. Perder la noción del tiempo, ¿podría ser ese el concepto?

Temas como `Everything´ poseen una mezcla entre marcialidad y tribalismo que te desnudan el alma. Cuéntame algo de este corte en particular porque me tiene fascinado.

-     Me invitó Jordi Ximeno de Noaloha records al disco homenaje de Vic Chesnutt. Quise romper el encorsetamiento rock y grabé una base con mandolina y un ritmo muy profundo e insistente, lo demás fue fácil porque Chesnutt tiene mucha alma.

Tengo una duda que me corroe. Si estuvieras ante el fin del mundo, aquí y ahora, y escucharas “Sahara Star”, ¿qué efecto emocional te gustaría que provocara en el oyente?… lo digo porque hay escuchas en las que uno anda al borde del llanto y la melancolía y otras en las que parece que estoy sumido en un subidón de serotonina en vena que me deja una sonrisa de oreja a oreja. 

-     Que cause el efecto de un brebaje de Juan Matus por ejemplo, que a modo de psicoactivo que nos avive la sensibilidad y nos lleve por el camino del corazón. Es pedir mucho, pero no subestimemos el poder de la música.

Muchas gracias por tu música. Este es tu espacio para despedirte y expresarte como te plazca y prometerme que el subidón de `Exile´ no se me acabará nunca. 

-     Gracias a ti, y, según andan las cosas por aquí, a finales de este agosto maldito, sólo puedo decir “Que la fuerza nos acompañe”. Creo que las ganas de auto-exilio no nos van a abandonar por ahora...


"Es el cielo con la tierra
No dejemos que el fuego
Hiele la oscuridad
Bebamos vino caliente
En el invierno más frío
Dime cuándo nos perdimos, cuándo nos abandonamos
Dime cuándo nos perdimos, sin rumbo"


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martes, 18 de agosto de 2020

JORGE NUNO / LÄRMSCHUTZ - "FAUX AMIS VOL. 15" (Faux Amis, Cassette / DL, 2020)

Desde Utrech, el sello DIY Faux Amis concentra un montón de ediciones de Lärmschutz (Jan van Wessel, Rutger van Driel y Thanos Fotiadis) , agrupación de Free Noise holandesa con un puntito muy cercano a los Dead Neanderthals en cuanto a concepto, vértebra y desarrollo. Uno de los platos fuertes del sello son las colaboraciones con un montón de músicos afines de la escena noise/improvisación internacional, siendo este Volume 15 con el portugués Jorge Nuno un recomendadísimo ejercicio de música avanzada.

Sobre Jorge he escrito bastante por aquí; guitarrista muy versátil y ecléctico,  molécula integrante de Sign of the Silhouette (Spring Grove, Nu...), Dead Vortex (Event/RedShift) o Uivo Zebra (Uivo Zebra, Gancho) entre otros, aunque también inició hace poco su serie de grabaciones con otros artistas en Jorge Nuno Connection (reseña/entrevista aquí). Desde el AvantJazz hasta la Psicodelia más enrevesada, Jorge lleva en activo en la escena underground lisboeta la friolera de dos décadas, no solo con los proyectos que he comentado más arriba, sino también en agrupaciones dispares como Ensemble MIA, Lisamona, Riddle o Stereo Alligator.

Referencia número 51 de Faux Amis, la Cara A se graba por Jorge Nuno entre el 24 y el 29 de Marzo de 2020 para posteriormente masterizarse por Alan F. Jones en los Laminal Audio. Toda la música contenida en la cassette se realiza en el Confinamiento durante el Covid 19. 30 minutos en un tema titulado "Rua do Polo Sul" que se divide a su vez en 5 piezas con identidad propia que aprovechan los mil y un recursos que el portugués saca de una guitarra acústica. Improvisaciones minimalistas, eclécticas y exquisitas que abarcan desde mínimos esbozos melódicos a arpegios complejos, rasgueos, golpes en la madera, tensión/relajación de las cuerdas y que sin embargo, a pesar de todo lo que hermético que puedan parecer, consiguen bellos paisajes donde se atisba Folk, Blues e incluso un Acid Rock pelado de carne y expuesto en su más íntima y bella esencia. 

Me gusta especialmente cómo deja vibrar algunas notas mientras que otras son amputadas abruptamente para crear sensación de motricidad. Algunos pasajes consisten en el roce de objetos metálicos contra el tendedero del mástil y en otros el espectral Country Rock de Scott Kelly (Neurosis) se me viene constantemente a la cabeza. El tono seguido es en general tranquilo, sin exabruptos e histrionismos innecesarios, transitándose con fluidez por el espacio físico que abarca tanto la parte alta como baja del mástil... introspección meditabunda sin ningún tipo de postproducción ni truco electrónico o pedaleras y si escuchas melodías en dos planos es fruto de la maestría de Nuno a la guitarra. Impresionante "Rua du Polo Sul 5" que condensa melodías en las que cuesta no imaginarse un vibráfono a barrocas y abigarradas cascadas de notas tan juntas que en formato líquido serían un zumo depurativo.

La Cara B son dos terceras partes de Lärmschutz o lo que es lo mismo, Rutger van Driel al trombón y Stef Brans a la guitarra/mandolina; sin trucos, efectos, pedales ni postproducción y tomando como punto de partida la música del portugués... es decir, se sigue como discurso narrativo el clímax con el  que Nuno impregnaba su música para completar otros cuatro cortes en media hora que van de la abstracción pura y dura de vientos asordinados, sábanas sonoras de cuerdas (excelente diálogo del trombón con una guitarra de raigambre española y mediterránea), a partes que recuerdan al Gamelan Balinés a través de una mandolina que por momentos parece transformarse en Santoor. 

Esos detalles, unidos a la percusión obtenida de golpear la madera de los instrumentos (recurso sin el cual creo que no existiría el 80% de la improvisación libre) se alían para dibujar pasajes orientales. Cuando el trombón ejerce de solista, rezuman melodías características del Jazz `Noir´ nórdico (en los temas lentos de Atomic por ejemplo), aunque el inico de la cinta podría ser una apócrifa grabación de Paul Rutherford de la Spontaneous Music Ensemble. Es muy curioso ver cómo se expresan unos músicos acostumbrados al abordaje de sus trabajos desde una perspectiva Noise; el sosegado ritmo no va en detrimento de la altísima calidad de la música, que al igual que el la Cara A posee `Corpus Melódico Real´ o lo que es lo mismo, prima la composición a la improvisación agreste de este tipo de proyectos.

Sincopados soplos de trombón, mandolina tocada con arco o recursos percusivos de todo tipo, sea mediante toques del cuerpo del instrumento como secos pizzicatos, estamos ante Avantgarde de máximo nivel creado durante el ignominioso mes de Marzo de 2020. 

Recomendadísimo.

https://fauxamisrecords.bandcamp.com/album/faux-amis-vol-15-jorge-nuno-fa-51