MOTHER - "II" (CONSOULING SOUNDS; SOUL0211, 2024)

Impresionante flujo laminar asfixiante y atmosférico el de los belgas MOTHER en este su segundo álbum (titulado II) de Black Metal hipnótico, mántrico y en cascada. Formados en Oostende en 2018 en el que editan I, su disco anterior que data ya de hace cuatro añitos. Como una brutal Moozak Black, cargadísimo de trémolos y pequeñas variaciones cuasi simbólicas, II es un único tema de 40 minutos que te subyuga desde el inicio y que me atrapa precisamente porque a pesar de usar elementos que a priori suelen estar ya bastante manidos (Shoegaze, toques Hardcore y demás), lo hacen tan bien que el triposo viaje pasa de lo alcalino a lo ácido con la sutileza de una tetania por herrumbre.

Lynn Claus (bajo), Tom Soete (batería) y Tour Sohete (guitarra / voces) logran llenar todos los espacios posibles y vuelvo a eso del `flujo laminar´ y de cómo se consiguen los estados alterados (meditativos) de consciencia gracias a lo explosivo de su propuesta que básicamente consiste en matener una tensión tan elevada que cuando llega el cambio (a veces ligero y casi imperceptible) consigue un meneo neuronal considerable en el oyente. Por supuesto, es de destacar en prácticamente todas las referencias que me llegan de CONSOULING SOUNDS el límpido sonido y acabado, en esta ocasión gracias a la mezcla de Tim De Gieter (Much Luv Studio) y la masterización de Jack Shirley (Atomic Garden). 

CONSOULING SOUNDS edita en Digipack Cd y Lp y yo os comento lo que pasan en estos 40 minutos de vorágine. Apertura nórdica ultra intensa, con riffs cortantes y mucho permafrost que acompaña a una base rítmica a todo trapo sobre la que se desarrolla la voz con timbre cercano al Hardcore pero que le sienta de maravilla al conjunto gracias a detallitos que sutilmente hilvanan con el Black. Parones de dos segundos para coger fuelle, arranque y vuelta a parar. La melodía de la guitarra a partir del minuto dos y pico es obsesiva, melódica y repetida en una espiral in crescendo alucinante....

Hasta que vuelve a parar y se queda el bajo con rasgueo de exquisita atmósfera durante unos diez segundos. Como si se tratara de un score cinematográfico, la estructura principal se irá repitiendo durante todo el disco (un poco a lo Process of Guilt pero mucho más vitaminados y como si se hubieran bebido diez litros de bebida energética). Un dato importante es que en este tipo de grupos, si estás en estado de gracia y los trémolos incansables funcionan, como es el caso, la épica está asegurada y más si metes voces acertadas.

Momento estelar allá por el minuto 10 en el que todo se calma, entran voces limpias y por momentos parece que estoy metido en los In the Woods de Omnio o Strange in Stereo. Se roza el Doom hasta hacerme recordar ese fantástico, denostado y olvidado The Dead City Blueprint de los ingleses THINE. Tras este pasaje se vuelve a un medio tiempo Black Metalero cuasi instrumental que sutilmente sube, sube, sube y sube hasta entroncar en circular con la cruda melodía del inicio. 

En resumen, experiencia enteógena musical a través de un cuidadísimo disco en el que no falta ni sobra una nota. Se recomienda escucha a alto volumen con auriculares. Por cierto, grandiosa bajada del tempo y recitados en los minutos finales que ponen los vellos de punta para enrocar con una mayestática outro donde brilla la percusión y que por ligeros momentos podrían llevarte a cositas (ojito, sólo detalles) del Black Austríaco como Summoning o Abigor pero remodernizados. 

https://consouling.be/release/ii

https://thisismotherspeaking.bandcamp.com/album/ii

BEFA - "EXORCIZANTE" (ARTHROPODA MUSIC, 2024)

Diseño del gran Alonso Urbanos incluido el logo, fabricado `a mano y máquina´ en papel kraft azulado y con inserto diploide de onírico acabado para recoger este trabajo de BEFA, proyecto de Dani Btqc  y que tiene sus colaboratrices / conexiones necroumbilicales con entes de lo industrial / electrónico como Scumearth, Sr. Bajundá, HARKO, Art Uro, Gravelbed o Donnie Strickland (aka MxCx Scythe). Suenan algunos recitados que imagino serán obra de los grandes Sebensuí A. Sánchez y Roberto Grau aunque prácticamente todos los nombres antes citados pueden fundirse en una Necro Big Band que tocara algo así como Lounge Industrial para graduados en el gremio de la ferretería.

Dada la enorme potencia del primer párrafo de su bio, tengo que reproducirlo aquí en todo su esplendor:

`Befa tenaz del Credo´. Con esta frase, Abogados Cristianos acusaba a la Hermandad del Coño Insumiso de un delito de atentado contra los sentimientos religiosos, e inspiraba también el comienzo de este proyecto. Crisol de miles de referencias sonoras (los universos de Justin Broadrick, Kevin Martin, John Zorn, Antonio Murga, Excreted Alive y tantos otros) e insonoras (el antifascismo, el satanismo buenista, la enteogenia atóxica, la sublimación del ser humano por David Nebreda, Buttgereit y GG Allin, las obras de Bataille, Herzog, Sagan, Artal, Buñuel, Krishnamurti, Klein, Munch, Cecilia Bartolomé, Baron Cohen, Nolde, Chomsky, Haneke, Rothko, Lanzmann…), solo pretende ofrecer un pasatiempo a aquellos catequistas que creen que el telediario de Vicente Vallés es demasiado objetivo y moderado.´

Impresionante. Podría dejar aquí la reseña....

Exorcizante, que así se llama el álbum (tercero tras De la Otredad y Audienteogénica), son 50 minutos en 9 cortes curetados por Scumearth y alguna que otra colaboración, que se edita en formato físico por Arthropoda Music y tras reiteradas escuchas se va a mi cajón de favoritos de lo que llevo de año; un ente que va creciendo y creciendo hasta convertirse en una mala bestia de Industrial Urban Neo Folk con fabulosos pasajes de Dark ambient, Noise y Power Electronics que suena duro, compacto y seco gracias al excelente masterizado de Art Uro que por momentos me lleva de lleno a los inicios de la música Industrial. Mezclar a Throbbing Gristle con Controlled Bleeding, infusionar con Harsh Noise y dejar secar al sol melillense de Esplendor Geométrico. A priori, ningún himen timpánico ha sido dañado en la grabación pero habría que comprobarlo.

Abre el disco "L355N355 (remixed by Sr. Bajundá)" con tintes herméticos a base de percusiones minimalistas y un discurso homiliesco en la retaguardia al más puro estilo Esplendor Geométrico. Pulsátil y rítmico, no puedo quitarme tampoco de la cabeza a cosas como Controlled Bleeding aunque todo tapizado de texturas Harsh Noise que se cortan abruptamente después de subir en un melódico clímax cercano a la Synthwave pero con tribales y potentes percusiones tipo bodhrán que aportan un acojonante clímax tribal bailable al estilo de los CUT HANDS de William Bennet (Whitehouse). Sigue "Ordalía Acusmática", que acentúa los aspectos Dub (no sé si me explico) con abotargado tempo y haciendo hincapié nuevamente en lo percusivo con unas bases rítmicas loopeadas que van percutiendo al oyente como fakires acústicos. 

Al final del tema sólo queda harina de hierro.

Cambio de onda con la hipnótica "The Greatest Weight: Eternal Deposit - No Return (ft MxCx Scythe)" que tira más del palo Dark Ambient con un fantástico recitado difícil de encasillar pero que por alguna razón me recuerda a un olvidadísimo proyecto llamado Lo†Ph que tocaba una especie de Doomcore y Waporwave. Bestial cómo se te va enrollando la voz a lo largo de la espina dorsal. Siguen dos temas más cortos... el claustrofóbico "Inyenzi" y el monástico "La Castidad, el Cilicio y el Candado Chino", este último especialmente interesante por el uso Ambient (The Orb) que se le da al inicio y cómo posteriormente se va todo dragando en un fade out de Harsh Noise (Como si mezclaras a Enigma con algo de Japanoise). Toques de tabla percusiva, cascabeles y ritmo pastoral en la obsesiva "Vulveneración", a ritmo de raga electrónica en cerca de ocho minutos de experimentación con construcción circular en la que se van metiendo pequeños cambios y que en cierto modo podría recordarnos a Muslimgauze. Psicotrópismo caleidoscópico en dosis sublinguales.

Toques de Cyberpunk en ese pequeño puente de "El ero-guro de Eniwetok" (otra vez Esplendor Geométrico) hacia la luminiscencia órfica de "El Ojo Viéndose a sí Mismo (vs HARKO)", netamente enclavada en un Dark Ambient sobrio, espacial, subyugante y por supuesto con tintes cinematográficos que pasan como un suspiro. Termina el disco por todo lo alto con "Un Beso es el Inicio del Canibalismo", con sonido / collages de arpas o similar creando un ambiente oriental tipo Gagaku Japonés o Gamelan indonesio. Luego un silencio estratégico y cambio de onda. Se desmenuzan los elementos anteriores... se los despieza y deconstruye. Procesado, destilado, paso por el Atanor y el Fuego Alquímico....

solve, et coagula.

https://arthropodamusic.bandcamp.com/album/exorcizante

ORFEON GAGARIN - ORFEON GAGARIN & THE SUPERMOON ORCHESTRA ( Geometrik – GR 2161 // Munster Records; 2025)

Describir a estas alturas lo que implica la figura de Miguel A. Ruiz para la música cósmica sería tórpido por mi parte. No sé si lo he entrevistado una o dos veces. Tampoco puedo resumir de cabeza todo lo que he escrito de él pero bueno, así de sopetón sí que puedo centrarme en ORFEON GAGARIN, uno de sus proyectos con más (permitidme la redundancia) proyección (entiéndase por proyectar todo lo que se quiera... ya sea desde un proyectil a una carrera musical, pasando por una banda de música (proyecto) y de ahí a una polución nocturna....). Por tanto recuerdo el homónimo Orfeon Gagarin, Voces a 45 rpm, Salmos Funiculares o KDER como reseñas que si las visitáis, os llevarán a sí mismas a otros enlaces de otros proyectos de Ruíz reseñandos aquí. Sería, como dijo Eluard, `otros mundos, pero que están en este´.

Mismo poliédrico camuflaje podríais aplicar a la aquí llamada Supermoon Orchestra, a la sazón insignes Doppelgangers ultra Analógicos obtenidos de Ruíz por Meiosis como el circense, ambulante y denostado Polypodium Borametz (órgano preparado, sintetizador Smog), el regurgitado por el Cosmos y 3 veces denegado por San Pedro, Sebastián Ventraly (ritmocomputor, voder mod.1936 y magnetósforos), el insigne, poroso, antiguo piloto de aeronaves proscritas y ex agente de la CIA, Michel Delacroix (efectos tipo FX) y el único del que dudo de su existencia por no encontrar el parte de nacimiento en el censo de Ganímedes,  Didier Rotulien (secuenciador de ADN y falso theremín).

Puedo aseguraros que este Orfeon Gagarin & The Supermoon Orchestra es uno de sus mejores trabajos hasta la fecha; desde la inmensa portada del gran Adamo Dimitriadis que luce inmensa en un vinilo diseñado por Alonso Urbanos, y que se graba entre 2022 y 2024 en Estudios Toracic. El prístino sonido es apabullante (mi más sincera enhorabuena por el prensaje, la mezcla de Renaud Cerveau aka Syncoxis y la masterización de Ángel Álvarez), y la edición a cargo de los grandes MUNSTER y GEOMETRIK RECORS es imprescindible.

Dicho lo cual, el disco suena como una moozak lounge ultra triposa, retrofuturista y burbujeante como meterse un paracetamol efervescente sin agua directamente sobre la lengua. Evocación a mundos y submundos, a playas post nucleares abrasadas, a marcas de cosas que ya no existen y que se pedían por catálogo en California en los años 60 y sobre todo, suena tremendamente adictivo, sugerente, hipnótico, agradable y genuinamente atemporal. Pero ojo, todo esto está sonando no en la realidad, sino cabalgando una sinapsis neuronal que cimbrea eléctricamente como un cable pelado de alta tensión. Dentro de esa electricidad es donde la Orfeon Gagarin & The Supermoon Orchestra se desenvuelven a la perfección. La pseudo militarizada "Ciudad Instantánea" abre con sublíneas a lo Cluster, con robotizadas voces a lo Kraftwerk y unos devaneos sinusoidales que rozan lo antropomórfico. Cuidado porque incluso te invita al baile con sus entramados Synth aunque bien es cierto que esa cosa que parece un theremin no sé si está cantando una zarzuela afinada tan alto que hiere, o bien es el canto de amor / cópula entre potenciómetros silvestres.

Brillante rendición del Dub y la Higlife (a la electrónica cósmica) en "Gente de la Tierra", con uso inteligentísimo de la estructura y la melodía con voz en off en la retaguardia ultra atmosférica (La Tierra Contra los Platillos Voladores; Fred F. Sears, 1956) . Afro electrónica sin olvidar las raíces Kosmische mil veces citadas (hoy no me apetece dar un aluvión de nombres porque ya lo he hecho en anteriores reseñas) y que eclosiona en todo su esplendor pseudocientífico con "Operación Sky-Hook" donde ya si queréis podeís acordaros de vuestros compositores alemanes, franceses, griegos y de donde queráis pero que, ojito, esto es del gran pionero Miguel A. Ruiz. Vuelvo a usar la misma estructura.... hay otros países, pero están en este. En clave mucho más experimental cierra la Cara A "Mar Salicional / Vals Astrodinámico", en cierto modo orientalizante y con toquecitos a los Moogs oxidados de Wendy Carlos pero con mucho más dinamismo; algo así como si le añadieras la visión del centro del campo sonoro de TOMITA. Me encantan los tempos lentos, opiáceos y arrastrados del disco que añade la potente virtud de lo onírico.

Como estoy en Gravedad Cero y en el Otro Lado del Espejo, en vez de darle la vuelta al vinilo pongo el tocadisco del revés para escuchar los ritmos techno industriales que abren la Cara B. "Máquina Expositiva" rompe abruptamente con lo anterior y nos infunde energía necro bailable con loops Synth sobrevolando una mini melodía que exuda epicidad sinfónica Zarathustriana (algo así como technificar el Dark Ambient). "Alacrán del Espacio / Criatura de Orejas Amarillas" recuerda al Orfeon Gagarin más angular y noventero. Dentro de ese entramado analógico en el que hay que abrirse paso machete en mano, uno capta toquecitos a Sun Ra vertiginosamente repetidos aunque hay tantos detalles (percusivos, ecos, pulsos, glitches y sonidos que caen a plomo) que es verdaderamente difícil encasillar esto... mi consejo con la eclecticidad de Ruíz es dejaros llevar porque lo mismo un minuto estás acordándote de Diseño Corbusier o aquel mítico disco de Arte Moderno (Juan Belda) que se te vienen a la mente bamboleos de tropicalismo. 

Justo entonces es cuando "Revestimiento Tántrico" me estalla en la psique como lo que es.... todo un himno intradural, triposo al máximo y que hace mis zonas de energía vertebral sean recorridas por una serpiente Kundalini tan drogada que por razones del destino, me sale por el culo en vez de por la coronilla (`inversión sapiencial de Chakras´ o lo llamo). Cierra "Hacia las Cefeidas [en Wagon-LITS]", suerte de locomotorik (locomotora Kraut o algo así) a lo Neu! o L.A. Dusseldorf pero sin olvidar la raigambre Pop (al menos para mi) de Rheingold. Me encanta cómo se va enterrando todo en una maraña de ruido blanco.

No voy a añadir más a este ya clásico descomunal por derecho propio. Lo podéis pillar abajo en la versión normal o en la que incluye un CDR con 3 temas extra:

https://www.rotordiscos.com/catalogo/and-the-supermoon-orchestra/5015/

GRAVA - "THE GREAT WHITE NOTHING" (AESTHETIC DEATH; ADCD 108, 2024)

Pues unos tres años después del aplastante Weight of a God (Aesthetic Death, 2022), os traigo The Great White Nothing de los daneses GRAVA. Los elementos son los mismos.... Sludge Doom ultracorrosivo que por razones de madurez suena mucho más compacto y violento que el anterior. Los toques Post Hardcore están más limados, la agresividad de las voces pseudo Black y en definitiva, toda esa mala hostia queda canalizada en unos riffs memorables (cosa harto difícil en estos estilos) que se te quedan grabados a sangre y fuego (por ejemplo, el maravilloso "Decimate").

La formación si no me equivoco es la misma (algunos ex-miembros de Whelm) con Niels Asger Svensson (bajo), Casper Axilgård (batería) y Atli Brix Kamban (guitarra y voces). El cuarto miembro es evidentemente el impresionante trabajo nuevamente de Brad Boatright (Audiosiege) en el masterizado de un álbum que se graba en los Farvemøllen y se mezcla en Skovhytten Studio (Troels Damgaard Holm). Al resultado se le adorna con portada de Johannes Larsen y se ofrece en un digipack de perfecto acabado a cargo de AESTHETIC DEATH. El formato vinilo lo saca Vinyltroll Records y la cassette Evil Noise Recordings. 

Para mi gusto, The Greath White Nothing es mucho mejor disco que Weight of a God porque integra todas las categorías estilísticas de una forma tan sutil y engrasada que rebosa frescura a pesar de estar transitando por terrenos que ya tienen más de tres décadas que transhumancia sonora (por ejemplo, la apertura del disco con "Erebus"). Así y con todo, tendremos pasajes donde a pesar de sonar efluvios a Neurosis, Crowbar, detalles de la guitarra de bajadas aletargadas del tempo que te llevan a una especie de onírico, fúnebre y caleidoscópico Black doom en el que siempre y por encima de todo se cuida muchísimo la melodía. Técnicamente el álbum es perfecto, la base rítmica es un martillo pilón, la guitarra rebosa inventiva y las voces siguen tan putrescentes como en Weight of a God además de que cada corte tiene una identidad propia; "White Tresher" es una evolución lógica del anterior pero más gélido (como si en un sustrato muy antiguo la guitarra estuviera sacando los riffs del permafrost helado con afinación que casi se entronca con el Black Nórdico).

Es "Decimate" el tema que he tenido en bucle toda una semana. Impresionante cómo se te queda ahí grabado. Primitivo y circular, el bajo está inmenso y la guitarra flamígera crea el micro clima perfecto para tensiones-destensiones controladas de la voz. El resultado es un himno que cuesta quitarte de la cabeza (`Man is born into trouble / Born to bludgeon, to purge´) y que tiene su continuación con el sublime "Breaker", tema que por estructura y vértebra vuelve a recordarme a los Rotting Christ (la voz y ciertos detalles de la guitarra) de mediados del 2.000, acentuándose en la melodía del estribillo al ralentí. 

Sí, que estamos en un disco de Sludge Hardcore y tal, pero es que GRAVA se deslizan como reptiles en la crepuscular y redentora "The Fall" con una apertura que pone los pelos de punta (`I taste the salt in the air / i hear scythes on the wind / old scars burn gain / let the river wash them clean´) y que a pesar de la simpleza de la melodía de guitarra está todo tan compacto y la calidad es tan alta que, vuelvo a repetir, la sensación que se me queda es la de revitalización del género. Incluso se permiten cerrar con un solo de guitarra sobre un flotante soundscape/drone ambiental que se se extiende varios minutos y nos permite coger aire antes de "Mangled", pura brutalidad contenida en un recipiente autolimitado y hermético que si se abre se expande como poliuretano inflamable. Innegable captar los ecos a Through Silver in Blood o, tirando de la escena española, nuestros Lords of Bukakke, Moho, Adrift y demás acetábulos metastásicos que campearon la tortuosa escena Sludge hace 25 años.

Hiriente "Bayonet" que sube el tempo y tira de voces más guturales en determinados tramos. No hay ni un sólo relleno en un álbum que se entroniza con ese epílogo de "Ceasefire" que pertenece por derecho propio una hipnótica base rítmica bajo la que caracolean ligeros toques experimentales atmosféricos o lo que se dice en mi tierra, la calma instrumental antes de la tormenta que resulta el agrio final con "Hinterland" con apertura cinematográfica y posterior entrada en los gélidos aullidos musicales de la gran nada blanca, con sus repuntes Death/doom que terminan por redondear un discazo tremendo y que marca una evolución fabulosa de unos músicos que han ido puliendo cosas desde aquellos Whelm de A Gaze Blank and Pitiless as the Sun (2013) hasta esta bestia antediluviana de The Great White Nothing.

https://gravadanois.bandcamp.com/album/the-great-white-nothing

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6544

2020 - "2020" (SENTENCIA RECORDS, ANDALUCÍA ÜBER ALES, SUBLIMA TATTOOS Y DISCOS; 2025)

Sentencia Records, Andalucía Über Alles y Sublima Tattoos & Discos unen fuerzas en la edición del debut de 2020, a priori Punk Noise experimental con detallitos `distópicos´ y que tienen en su haber ser concebidos inmaculadamente por obra y gracia de los detritus de Blooming Látigo, Gu Vo, Las Janes y AAVV.... dicho de otro modo, esta música está más limpia que las alcantarillas de un Polígono Industrial de la perifera de Sevilla en pleno Agosto. Mentaba la exquisita palabra `utópico´, suerte de mierda inservible, bisagra existencial o recurso narrativo por mi parte para decir que la música suena urbana, áspero/xidativa hasta el punto de la tetania, disfuncio/atonal y a impulsos en el exclusivo uso que Alan Vega / Suicide sincopaban el ritmo... pero sin olvidar esa pátina necro futurista y tremendamente pegadiza como la de los Silver Apples pasados por una criba de Hardcore Noise lento.... insisto, lento. Tempos lentos, psicodélicos (hablaremos más adelante de ancestralidad urbana) y, por supuesto, de rancio abolengo electrónico.

Vale, mis cojones plomados bien, pero... ¿quiénes son?. Pues 2020 dicen ser Lord Xavier Castroviejo (Blooming Látigo, Pylar, Naja Naja, Virtud Corona...) a la voz, Alejando Ruiz de Gu Vo a los teclados / sintes, Carolina Cebrino a la batería (Las Janes) y la guitarra es cosa de Alfonso Benítez (AAVV). En cuanto al apartado técnico, se graba DIY en directo (Abril de 2024) en Desmodus Sound (José Antonio Muñoz) y posterior masterizado en Jammin Masters por Cem Oral con papel de lija de grano grueso.... un Cem Oral del que poco hay que decir pero por si acaso os he dejado enlazado currículum. Isaac Fernández se encarga de la foto de portada y Carolina Cebrino de la interior.

¿Referencias a parte de las citadas?; bueno, pueden sus mercedes meterle opio a Today is the Day, desgarrapiñar el DIY de Jad Fair, evidentemente el Post Punk ruidoso que casi comulga con el Industrial (Slint, This Heat, Sonic Youth, Lydia Lunch, Swans...) o incluso olvidar que no hay bajo y acordarse de algunos discos de Laswell y hasta llevar el asunto a ese terreno resbaladizo de SCORN. Nombres hay, ya elegís los que mejor os quepan en los bolsillos. Yo voy a quedarme con los que me tocan de cerca que serán los Blooming Látigo (Vía Dolorosa o las 15 Estaciones del Fakir, Giochi Divertenti, Disciplina Noxa), Virtud Corona (Umbral Croma), NAJA NAJA (Naja Naja, Unthought) o los GU VO (Gu Vo). Termino esta parrafada de las referencias con la sensación de que `no hay referencias´. 2020 es un proyecto con un disco que a todas luces se nota trabajado hasta el último detalle (por mucho que por ahí y por allá se lancen a por semi Jams lisérgicas de Post Punk mezclado con Kosmische)... es una arritma en el placentero ecosistema de lo sinusal. 

Toda una oda al caos ordenado de Chrome, con acetábulos ambientales de Coil y (gracias a los cielos) una huída en toda regla de pretenciosidad (póngase por ejemplo la etiqueta Math) y del virtuosismo de salón victoriano de eso que llaman Art Rock (por mucho que usemos el símil de que si algo es cuadrangular puede ser un cuadrado, pues lo mismo la idea era hacer un cuadrado sin ángulos y les salen un círculo.... ¿no lo entiendes?). Y sé que la pregunta que os corroe es: ¿es esta música salubre?. Yo te lo cuento, que soy el doctor de tu mente. Abre el esfínter, que voy:

Estropajo electrificado, impulsos y biorritmos. Onomatopeyas de Xavier Castroviejo y distorsión juguetona hasta que entra la potente batería de Carolina en "X". De fondo zurce chalecos de pana con hilo de mercurio la guitarra para terminar abrasándolo todo esa flamígera arma de destrucción masiva del sinte con fabulosos exabruptos en perpendicular. Sigue "I" en forma de tribal marcha urbana al fondo de la selva donde nacen las baterías de litio... al cementerio donde van a parar todas las baterías de tus putos móviles y tablets. Mece Xavi con la voz un ritmo de base y estructura que pudiera recordarte en la guitarra a los primeros The Sound o Television. Si mis oídos no fallan, estructura en circular de esas que van in crescendo hasta que se consigue ese momento mágico de lo mántrico / hipnótico. Como un martillo pilón, voz y batería remachan el corte por todo lo alto como si le estuvieran clavando una estaca de saliva y madera a un Drácula de 3 metros.

Misma melodía central parece compartir el anterior con la instrumental "V" aunque más distendido y psicodélico... ah, y que me amputen el pezón izquierdo si la guitarra aquí no bebe de Viaje a 800. Conserve o no mi pezón, y aunque esté en contra de los tatuajes, si vas a ponerte uno que el próximo sea `ecléctico´ (le añades un pene mahorí si te apetece). Sigue "OXD", maquinaria engrasada muy pulsátil y de ritmo poliédrico (no por ello carente de estructura, así que no estoy nada de acuerdo en todo eso de Free que he leído en varios sitios). 2020 está tan bien trabajado que la crudeza a veces te lleva a pensar en la libertad de formas (una de las lacras del underground y uno de los talones de aquiles de la prensa literaria especializada). Aprovecho para dejar caer que imposible no acordarse de los Moonchild de Zorn (especialmente Songs Without Words) ya bien sea con Patton como con Yamantaka Eye.

Cierra la Cara A todo un himno ambiental con voces loopeadas (creo) y una marcada electrónica de combate que en resumidas cuentas es al mismo tiempo un himno invocatorio producto de mezclar el Drone de Coil con Silver Apples y humanizar un poquito a los Suicide. Cuando algo está séptico, la infección ha pasado al conjunto, y así ocurre con la Cara B con "III", acople sostenido y ritmo pseudomotorik a la batería en un tema genuinamente Synth Punk. Melodioso, bailable, obsesivo y mediúmnico, con Castroviejo incluso haciendo sus pinitos como el primer cantante crooner glosolálico; por momentos diría que se ha calzado al Elvis gordo (ya sabéis, el que no murió y anda perdido por ahí) y está tocando en la Verbena de mi pueblo. Fabuloso cómo van difuminando instrumentalmente el asunto rozando levemente el Doom e incluso abrazándolo en amistad en ese pérfido y flotante inicio de "IX", que un ratito después se lanza en una cabalgada Kraut cuasi instrumental con subida / bajada de potenciómetro como mandan los cánones de la Kosmische más deshumanizada (ponga usted a un J.G. Ballard pre masturbatorio aquí). 

"IV" es un carrillón desbocado que se ha quedado pillado en las campanadas del año 2020. Agrio como chupar las encías de un fallecido (conocido o no), con cambios de ritmo ejecutados a la perfección por guitarra y batería. Hay un tipo de tubo corrugado que puedes encoger o ampliar y suena a tráquea partida cuando lo haces. Eso exactamente son los siete minutos de "VIII" que cierran el disco. Puedes sacar muchos detalles si estiras el tubo, o encogerlo y quedarte con una base tan dura como el diamante. Echaba mucho de menos esa forma de cantar (lamenta, llora, se eleva a cotas agudas que hieren como agujas...) de Castroviejo, pero es que el resto de la banda lo borda con una mezcla de psicodelia ruidista que repite melodías `ad nauseam´ hasta que te dejan totalmente exangüe. Suenan oscuros, con aires (repito) distópicos pero sin llegar nunca a nada pretencioso... más al contrario, 2020 están más cerca de algo telúrico (de la urbe seguro) que de fantochadas cibersynth y destilados homeopáticos varios que pululan por ahí. Curiosamente, a pesar de su relativo primitivismo en esencia, musicalmente acaban sonando más progresivos y avanzados que otros grupos que intentándolo no llegan. 

Poco más que añadir. El final del disco es sencillamente una genialidad y me niego a describirlo.

https://sentenciarecords.bandcamp.com/album/2020-2

https://sublimatattoosydiscos.com/

https://andaluciauberalles.bandcamp.com/album/2020

DARK SKY BURIAL - "V.I.T.R.I.O.L." (CONSOULING SOUNDS; SOULCCIX, 2024)

DARK SKY BURIAL es el proyecto en solitario nacido en las postrimerías de la Pandemia de nada más y nada menos que Shane Embury de Napalm Death, activado en modo ultra prolífico porque desde más o menos 2020 hasta ahora ha editado un buen puñado de álbumes (enlace a bandcamp), a lo que se añade ahora este V.I.T.R.I.O.L. que funciona a modo de recopilatorio de lo más granado de sus anteriores trabajos, incluyendo parte de sus llamados Maze Quadrilogy (álbumes que salieron con unas portadas de laberintos y que incluían cortes con títulos en latín).

Embury, encargado de programación de baterías, teclados y secuenciadores realza aquí su faceta experimental e intimista en una electrónica teñida de Avantgarde profusamente Ambient. La grabación de la música se realiza en The Imagination Sanctuary (Birmingham) con posteriores aditamentos alquímico / griálicos en los Parlour Studios (Russ Russell). Masterización de Mastered JP Braddock (Formation Audio) y un bonito artwork que desconozco su autoría y que adorna tanto la edición en Vinilo como en Digipack que edita CONSOULING SOUNDS. 

Que V.I.T.R.I.O.L. exuda banda sonora de Sci Fi lo pone de manifiesto las decadentes subcapas de "Decay Is the Matrix of Fertility", que abre el disco en modo épico con esas bases percusivas de Ambient y Horror Synth necro futurista que es más disfrutable como siempre con auriculares. Conforme avanza el tema, se añaden elementos bombásticos de Dark Ambient y un excelso, meditabundo saxo tocado por Tom Dring que por las circunstancias que sea me recuerda al álbum Rendez Vous (1986) de Jean Michel Jarre en su último corte "Last Rendez Vous" que para los que no conozcáis la historia, la interpretación de saxofón desde el espacio exterior por parte del astronauta Ron McNair, miembro de la tripulación del transbordador espacial Challenger, quien falleciera en el accidente ocurrido el 28 de enero de 1986. Finalmente, pues fue interpretado el saxofón por Pierre Gossez.

Sigue "Excarnation" que mezcla el Ambient con la EBM en sugerentes pátinas que beben también un poco del Metal Industrial menos bilioso con samplers vocales y algunos arabescos propios de la electrónica tipo THE ORB. Más oscura resulta "Beware your Subconcious Destroyer" que aun manteniendo el tono bailable aporta algo más de oscurantismo (algo así como el Mortiis del The Smell of Rain) y manteniendo ese aroma a banda sonora retrofuturista. Sigue "Flesh Altar", que sin duda me ha gustado mucho más que las anteriores con esas capas de proto Techno y que si bien es cierto no llegan al nivel de sordidez del Industrial Noise en sus ejemplos bailables (carece de la mala hostia que aporta el Harsh) rezuma de esa negrura decrépita tan necesaria en este tipo de discos.

A partir de aquí, el disco se vuelve más oscuro para mi gusto; tempos lentos para el himno "Vincit Qui Se Vincit" con sacros recitados en latín que ponen la carne de gallina. Me encantan estos ritmos arrastrados y sus bases rítmicas tanato litúrgicas;  se van siguiendo temazos como la espacial y cósmica "Constellation of Archetypes" con sus cascadas de teclados y sus remaches de notas minimalistas y cánticos angelicales, o la más barroca / fantasmagóricamente ululante  "Embrace The Shadow". Suena variado y ecléctico en el in-crescendo de "Mind Rats" que balancea a la perfección todos los elementos expuestos anteriormente (experimentación, industrial y melodía) haciendo hincapié en las percusiones programadas que sin solución de continuidad estallan en marciales golpes en "De Omnibus Dubitandum Est", perfecta para la masturbación en grupo en el laserdromo de tu barrio... y ojito que una de las características de DARK SKY BURIAL es que nunca pierde de fondo (casi que diría que en todo el disco) la melodía redentora e introspectiva, como ocurre en ese andamio sonoro procesional de  "The Vertical Labyrinth" que cierra un notable álbum muy trabajado lleno de detalles.

https://consouling.be/release/vitriol

https://darkskyburial.bandcamp.com/music

MALABRIEGA - "FRIPPADA ANDALUZA" (ASTRONOMY RECORDING MUSIC; ARMCD010; 2025)

Muy sorprendido al encontrarme con la continuación de Fiebre de los sevillanos MALABRIEGA nada más y nada menos que siete años después que salvo algún que otro cambio en la formación (a priori y si tiro de memoria, creo que han perdido la flauta / saxofón de Luís Oria. Por tanto, Juan Castro sigue a la voz, Joaquín Sainz toca la guitarra eléctrica, Manuel Soto `Noly´ la española, Sergio Carmona el bajo y Raúl Gómez hace lo propio con la batería. El apartado técnico en Frippada Andaluza que así se llama el álbum se completa con grabación y mezcla en Estudios Pelícano (Jesús Chávez), masterización en Black Box Mastering (Miguel Angel González) y la sugerente ilustración de Virginia Pron / layout y diseño de Iago Méndez. La edición en Digipack corre a cargo de ASTRONOMY RECORDING que últimamente anda lanzadísimo con su distribución a través del experimentado y renacido áMarxe. 

Desaparecidos los vientos Jethro Tullianos, el sonido abandona bastante del Jazz Rock tradicional pero acentúa lo Progresivo y en cierto modo un giro hacia una suerte de Psych a lo andalusí brutalmente destilado y cargado de una calidad monumental. También tirando de memoria se cae los ligerosa arrebatos de Metal Progresivo o más bien se sutilizan. El resto, ineludible volver a traer a la palestra a Frutería Toñi, a Triana y todo el sustrato del Rock Andaluz y, si me pellizcáis el pezón del centro (ese que es más largo y colgante), si quitáis la voz no es difícil entroncar en cierta manera con esos proyectos gaditanos post Viaje a 800 como Atavismo, Híbrido y para terminar la conexión andaluza, los algo desaparecidos Kermit a quienes me gustaría rescatar porque hay muchos pasajes instrumentales en que me recuerdan a Litoral (2014).

Curiosamente, tardé mucho en conectar con el primer disco (editado por Sacramento Records) mientras que este ha entrado con la sutilidad de un supositorio mentolado de punta hueca y creo que es porque suena más apelmazado, grueso y emotivo a la par que original en el sentido que han sabido conseguir una frescura e identidad propias dentro de un recinto tan cerrado como el Prog a la andaluza (quizás me equivoque, pero vuelvo a reiterar que la base me parece mucho más lisérgica y los contrastes con lo flamenco me han gustado más).

Toda una declaración de intenciones King Crimsonianas con la apertura de "Frippada Andaluza (La Mar Limpia", diez excelentes minutos que se abren con una sugerente calma que también podría recordar a los primeros Porcupine Tree. Los sincopados ritmos Progresivos y la excelente base rítmica han crecido enteros a nivel compositivo rozando ese término que no me gusta mencionar (P_st R_ck) pero que aquí se sublima porque no sobra ni falta ninguna nota, especialmente de una guitarra que espirolea como el humo de un pebetero. Cambios de ritmo para alternar con la acústica denotan melodías nunca acomodadas que a pesar de ciertos momentos angulosos (equilibrio perfecto entre melodía y virtuosismo) permiten de alguna manera que la voz de Juan Castro deslice sus letras poéticas más o menos a medio camino entre Triana y los primeros Tabletom. 

Más enterradas pero presentes campean sábanas Canterburianas (más marcadas quizás en Fiebre) reflejando esa etapa ya quizás menos experimental de Soft Machine pero mezclado con aromas pastorales de Folk Rock. Eso sí, tengo que reconocer que echo de menos el saxo aunque sí que es verdad que estructuralmente parece tener menos cabida. Sigue "Tu Pelo", con un crescendo magnífico de la voz que aporta una epicidad que transforma el tema en una especie de himno. Buena introducción a la guitarra flamenca en "El Duelo" con muy buenas letras meditabundas que sobrevuelan una compacta base rítmica y una fusión muy conseguida entre Flamenco y Rock Psicodélico. Aunque hay solos de guitarra que se repiten a lo largo de todo el álbum, afortunadamente no se abusa de este recurso que para un servidor suele ser algo que le provoca reacciones anafilácticas. Muy buen `fade out´ y finalización del tema, cosa que a veces no es nada fácil de hacer. 

Sigue "¿Qué Será?" con buen juego de dobles guitarras y buen y sincopado bajo. Se va recrudeciendo por momentos la música que alterna desde lo desértico / crepuscular (quita la voz y tienes a Palm Desert a la andaluza). Vuelvo a reiterar la enorme labor de Juan Castro a las voces / letras. Buen cambio de ritmo sobre el minuto tres y pico que roza el Hard Psych peyotero que casa a la perfección con ese deje andaluz de la voz de Castro. Pequeño puente de minuto y pico de "La Levedad del Ser" que se sale de los parámetros estilísticos mutando a un campestre, pastoral Folk Rock que se va revitalizando hasta conectar con el inicio pseudo Noir de "La Libertad", musicalmente más recrudecida e imposible de no conectar con Triana. Una absoluta maravilla que funciona como un himno atemporal sin visos de caducidad. 

Encauzamos el tramo final con el minimalista inicio de "La Libertad", y esos siete minutazos redentores que huelen a epílogo en "Reflejo Vacío", fusionando estilos, destilando todo lo anterior, y mostrándonos a unos Malabriega que se mueven cómodos en todo tipo de registros (maravilla el arranque oscuro metalero sobre el minuto dos y pico) y la facilidad con la que vertebran los puentes, estribillos y melodías de un discazo que en mi opinión les ha quedado de lujo... y todavía queda esa joya de orfebrería de "Calamidad" que orientaliza a Malabriega, brilla con ese recitado enorme, esas letras que son machetazos, esa guitarra que se abre distorsionándose con algo de los Lagartija Nick en Omega... y sí, lo digo sobre todo por lo crudo que se vuelve el ecosistema musical en el que se mueven (aunque evidentemente nunca tan oscuros como los granaínos).

Permitidme que os recomiende este maravilloso segundo disco de Malabriega. DESCOMUNAL.

https://astronomyrecordingmusic.bandcamp.com/album/frippada-andaluza

JOAN GÓMEZ ALEMANY / JOSEP LLUÍS GALIANA - (INTERACCIONS SONORES 2.0; LÍQUEN RECORDS LRCD034, 2024)

Antes de abrirnos a esta fabulosa dádiva de Interaccions Sonores 2.0 os recomendaría os hiciéseis el favor de leeros el texto de su predecesor, Interaccions Sonores (Líquen Records, 2019) más que nada para ahorrarme volver a curricular a dos grandes como Alemany / Galiana que para hacer una presentación rápida, no cabe discusión en que son dos de los principales `eje y peldaño´ de la electroacústica e improvisación ibéricas... todo dentro de una escena que evidentemente se vertebra con muchas más figuras de las que os he ido contando sobre todo en las reseñas del sello LÍQUEN RECORDS, y a su vez de ésta con la vanguardia sonora nacional.

Fiel al espíritu de la primera entrega, se juega con la cordura del oyente al que se le lleva a lo liminal... justo aun sitio donde no sabemos si lo que suena es real o utópico, electrónico, acústico o aleación de ambos. Al oyente se le vapulea y se le hace lo mismo que a los instrumentos... se lo `procesa´. En este nuevo formato (se estrena en concierto el 4 de Mayo de 2023 en la Sala SGAE Centre Cultural València) Alemany improvisa al piano y aporta la electrónica precompuesta (la misma estructura electrónica / procesado electrónico sobre el que en este volumen 2 ambos músicos improvisan) y Galiana al saxo soprano y barítono. Muchas cosas pasan entre ambas grabaciones que se detallan con profusión de detalles en el magnífico libreto escrito por Alemany que acompaña a un Digipack que publica nuevamente LÍQUEN RECORDS donde podréis leer que este proyecto acaba entroncando de múltiples maneras tanto con Llibertats Sonores de 2023 (con la inclusión de Avelino Saavedra) o el fabuloso Entartete Improvisationen de 2024, esta vez junto a Jesús Gallardo. 

El disco se registra el 31 de Agosto de 2023 (Rockaway Studios, Castelló de la Plana) por Raúl Artana. Mezcla y masterización son de Joan Gómez Alemany y bueno, el diseño gráfico de Sergi Moya (Cap i Cua) bajo imágenes de Tato Baeza y Laura Pastor. 

Adentrándome en el aspecto musical, imagino que por cuestiones de bagajes personales, alejarme de los experimentos de AMM sobre todo en ese largo `fade in´ que hace cuerpo para ir abriendo "Interaccions sonores. Part I". Es una constante en la electroacústica y la improvisación libre sonar en los registros bajos con un espectro sonoro parecido al del Dark Ambient y la electrónica. Imagino será cosa de frecuencias y ese abotargado y lento discurrir del piano preparado de Alemany donde las cuerdas casi que son pellizcadas mientras en la retaguardia el silencio lucha con algo parecido a una regurgitación in-crescendo que acaba materializándose en asordinadas trazas subrayadas del saxo (parece barítono pero como todo lo que acompañe a este disco, necesitarás meter el dedo en la llaga). Coincidan o no los instrumentos (las encarnaciones de AMM han sido varias), lo cierto es que esto suena Británico por los cuatro costados (indaguen ustedes en el fondo de catálogo ciclópeo de EMANEM o PSI de Evan Parker y ya me cuentan).

La sensación siempre es cinética. Se avanza en una suerte de espiral (para mí no un círculo porque nunca capto el cierre completo) de un minimalismo a dos bandas de un altísimo nivel de compenetración. El tono es oscuro; tanto, que ya digo que para sí lo quisieran muchos grupos del ámbito de la electrónica oscura tipo Dark Ambient. Las Glosolalias escupidas a la boquilla del saxo por Galiana son furiosos dentro de que están cortados de sus tonos agudos hasta que todo estalla en un agónico grito o nota antropomórfica que da paso a toda una plétora de clústers del piano tipo arpa de Alemany en "Interaccions Sonores. Part II". Se alternan las notas tradicionales con las vivisecciones del interior del instrumento en vivo y en directo. Me váis a perdonar que recurra a un texto de Interaccions Sonores I pero creo que define a la perfección lo que estoy escuchando ahora mismo:

`Alucinante el oscuro interludio, suerte de pútrida música o lo que es lo mismo, procesar el sonido de los gases de un cuerpo en putrefacción (¿seguro que esto no es Noise?) y pretender esbozar Free Bop por encima. El tramo final es Galiana 1 contra Galiana 2 en ignominiosa cópula hacia Galiana 3.0. Gana Alemany. Minimalismo que recuerda a Glass o Cage, pero mezclados con esos juegos de silencios propios de la Spontaneous Music Ensemble. Tal es el punto de abstracción que por determinados momentos creo estar inmerso en un disco plagado de Field Recordings (bueno, algo de eso hay) pero a la amabilidad de las notas del soprano uno siempre encuentra la salida. Por poner algún ejemplo, podría abarcar desde las más matemáticas composiciones de Braxton o Brötzmann hasta las inhumanas salvajadas crípticas de Evan Parker.´

Fantásticos exabruptos musicales donde el lado percusivo del piano contrasta con la musicalidad del saxo soprano sorprenden por sus ejercicios circulares a lo Parker remachados con ráfagas rápidas de piano rozando el Rag avanzado (no sé si eso existe). Estamos metidos de lleno en la abigarrada "Interaccions Sonores. Part III" donde la interacción se torna casi telepatía por parte de los músicos.... porque por parte del oyente, imagino que la confusión en el tramo medio de este corte será algo (el trenzado de saxo, piano y electrónica es tan cerrado que se masca la textura de hilo de cobre). Me encanta el extremismo y cómo rompen las etiquetas volcándose casi en un Harsh Noise tan y como lo hicieron en el disco anterior del que dije en su día:

`Lo barítono se ha transformado en subsónico y en sístoles y diástoles sinusoidales que van emergiendo a este lado de la realidad mediante el despojo del detritus de las notas graves. Cualquier oyente despistado podría confundir esto con la versión más amable del Harsh Noise Wall, pero afortunadamente en el minuto 2 y medio un sostenido lucha contra su propio alter ego (que ha mutado a una mezcla entre digeridoo y cuenco tibetano). Imaginad que cogéis la etapa eléctrica de Miles Davis y la destiláis molecularmente hasta quedaros con un esbozo de 8 bits... si habéis sido capaces de imaginar algo así y entenderlo... bueno, entonces sois la hostia. Electroacústica que coquetea con el Dark Ambient, libre de prejuicios.´

Volvemos a terreno conocido (con sus disonancias y atonalidades, sus ángulos y requiebros) en "Interaccions Sonores. Part IV", que de inicio suena terrenal, cercano al Don Cherry más ancestral (MU) para ir sosegándose a un diálogo puramente de Impro Jazz con ese `hum´ mántrico dando cuerpo en la retaguardia. Alucinante el cariz metálico que adquieren los soplidos del saxo y la algarabía de recursos percusivos que da el piano en sus vísceras dando la sensación agónica de Música de Cámara en la Ferretería de mi Pueblo (pero en gravedad cero), cosa que se extremiza en "Interaccions Sonores. Part V" aunque asumo que a estas alturas todos andaremos medicados con sustancias inyectadas y ya se sabe que la lisergia, con sangre entra.

Fulmina este excepcional disco los más de doce minutos de "Interaccions Sonores. Part VI", aguerrido destilado de todo lo anterior, con cosas que se llevan todavía más al extremo, y que no hacen más que convencerme de que al igual que su anterior volumen, es un álbum de adquisición obligada. Alucinantes loopeos, delays y ecos del saxo... sensación de que Alemany juega con el espacio / tiempo con la facilidad de un nigromante, y esa cosa que no me quito de la cabeza aunque no la he comentado antes de que los 60 minutos son la banda sonora perfecta para acompañar la lectura de La Divina Comedia... o al menos, para atraversar algún que otro de sus círculos. Música para atravesar túneles físicos o mentales... música macro o microscópica, notas que se abren cerrando puertas que a su vez abren otras en una escheriana arquitectura sonora cuya resolución sólo está al alcance de .....

https://liquenrecords.com/2024/11/28/interaccions-sonores-2-0-joan-gomez-alemany-josep-lluis-galiana/

VOIDWARDS - "BAGULNIK" (AESTHETIC DEATH; ADCD 110, 2024)

Desde las profundidades de Moscú, debutan VOIDWARDS (por cierto, curioso que algunas partes de su sonido me traigan a la cabeza a los italianos Dolorian y su disco de culto Voidwards) con Bagulnik, una de las agrupaciones más oscuras del panorama Funeral Drone Doom en 40 densos minutos divididos en dos cortes que beben de ese pútreo caldo de cultivo de agrupaciones / proyectos a lo Crucial Blast tipo Gnaw Their Tongues, cositas como Theologian, Aghast, Skullflower o Ramleh por citar algunos nombres que me vienen de sopetón aunque puestos a afinar, por el contexto de la grabación (ahora daré detalles), no puedo olvidar uno Gulaggh de VORKUTA (Crucial Blast, 2012), uno de los discos más desasosegantes que he tenido ocasión de echarme a las orejas. Hay más, por supuesto.... esas letanías ultra densas, largas y procesionarias podrían recordar a HJARNIDAUDI (Pain:Noise:March de 2016) pero tampoco es cuestión de hacer aquí un catálogo de influencias.

Lejonis (voces, guitarra, sonidos y cello) juntoa Yury (guitarra de ocho cuerdas, fretless bass de seis cuerdas) graban en los Void Studio (Moscú). El masterizado es del grande Greg Chandler en sus Priory Recording Studios y la portada obra de Anna Bespalova. Fotos internas de la propia banda y layout de Stijn Van Cauter. La edición, digipack negro como la noche de los tiempos acompañado de libreto de 8 páginas cuidado con mimo por AESTHETIC DEATH. Por cierto, una búsqueda exhaustiva en las redes me ha llevado a un Ep previo llamado Amidst the Ocean of Fog (2022) con la misma formación aunque desconozco si el estilo era el mismo.

Bagulnik es conceptual y hace referencia a una serie de eventos ocurridos en una ciudad del norte de Rusia (imagino que Bagulnik) donde los habitantes se ven aquejados de insomnio, depresión y miedos que relacionan a una serie de pantanos de las afueras de la ciudad. En dichos pantanos crece el Ledum, planta de flores blancas que produce una neurotoxina que provoca psicosis y alteraciones neurológicas. Todo esto es recogido en el diario de Ivan Perfiliev, profesor del lugar que recoge todos estos eventos (inclusive autoagresiones tan viscerales como ciudadanos que se golpean la cabeza contra una pared para hacer desaparecer `voces´ intrusivas en sus mentes). El diario termina abruptamente con las palabras: `The May Fog is the Densest, it Callls me Forth´. 

Dicho diario es descubierto por Lejonis que usa fragmentos del diario para construir las letras de los dos temas que componen el álbum. Para más inri, la banda visita los pantanos en 2003 y fotografían el lugar (podeís ver dichas fotografías en glorioso blanco y negro dentro del libreto). Si con todo esto que parece el argumento de una película de `found footage´ no te atrae el disco, es que tienes el alma muerta. Lo primero a advertir es que esto es para gente que ame la mononolítica crudeza y extremismo del Funeral Doom de gente como Worship, Bunkur o los FinlanDIOSES Wormphlegm. 

Disonante, atonal, opresivo, disarmónico y lento, muy lento, son los 20 minutos de "Bagulnik I" que abren con una cortante muralla de guitarra eléctrica y una percusión tan antigua como la noche de los tiempos. Sonido sucio y múltiples capas de sonidos de difícil catalogación (me parecen escuchar campanas de iglesia) van rellenando un fondo que transcurre como el légamo putrefacto de una ciénaga. La voz, inhumana, alterna entre esos primeros cánticos decadentes del inicio (se va sumando el bajo a la base rítmica) y su posterior transformación en una fuerza gutural de la naturaleza. Si en vez de concentrarte en los instrumentos por separado, dejas que te arremeta toda la muralla, la sensación es muy decadente y depresiva girando el asunto hacia esa vertiente del Funeral Extremo Depresivo que bueno, tiene sus seguidores (entre ellos yo). 

Nada desdeñable es el uso de elementos propios del Dark Ambient, bien sea por los sonidos de campo o por el uso de cello que siempre aporta un toque a lo Música de Cámara o sinfonismo séptico que le va a la perfección a estos estilos. Posiblemente si ralentizas a Gnaw Their Tongues al ritmo casi de asistolia y lo mezclas con Skepticism, Evoken o una versión rural (nada de cosmicidad) de Esoteric te saldrá algo parecido. Lejos de lo que pueda parecer, la funeraria pátina de Drone tiene muchos cambios que son apreciables mejor con auriculares a modo de triposo viaje que recomiendo realizar a oscuras y alto volumen. Quien quiera ahondar un poco, os dejo un enlace a un concierto reciente aquí.

Sin solución de continuidad entran los otros 20 minutos de "Bagulnik II" que me retrotrae a ese pérfido minimalismo de The Black Void (Stijn Van Cauter) en aquella soterrada bestia de Desolate (2003). Acentuado el aire de amenaza, prosigue imperturbable con una guitarra que modula sincopadamente al son de una base rítmica reanimada en vida. Vuelve a entrar la voz desde el inframundo dentro de una maraña de asperezas, sonidos disonantes (esto es muy de Evoken) y una considerable claustrofobia que va acentuando poco a poco el ambiente apocalíptico y malsano. Se trata de un álbum `experiencial´ en el sentido de que las descripciones no hacen justicia.... tienes que enfrentarte al triposo viaje que te proponen. Tramo final donde es complejo distinguir si hay cánticos o bien son las vibraciones de una ciclópea campana aunque al fin y al cabo, da igual... el muro de guitarras te lleva de la mano hasta el centro mismo del pantano donde se capta esa decrépita luz de `cosa muerta que se pudre´ que habita en este tipo de lugares.

ULTRA RECOMENDADO PARA AMANTES DEL ESTILO.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6547

ISABELLE DUTHOIT & PROYECTO OCNOS - "CHILLAR TODO EL DÍA" (SENTENCIA RECORDS; SRCD24, 2024)

Áspero y brutalmente atonal es Chillar todo el Día de Isabelle Diuthoit & PROYECTO OCNOS, grabación / mezcla en directo el 5 de Noviembre de 2021 por Javi Mora (Espacio Turina, Sevilla) y que sale a la luz por Sentencia Records en formato digipack. Proyecto Ocnos, bajo diversas encarnaciones (aunque siempre pivotando alrededor de la primitiva molécula o prión de Gustavo A. Domínguez y Pedro Rojas), lleva ya un tiempo soterrando el subsuelo hispalense y creo que el texto de su página web es tan potente que es imposible que pueda eludir reproducirlo aquí:

`Ocnos, cuyo nombre utilizó Cernuda para su poemario sobre lugares de Sevilla, es un misterioso habitante del Hades que pasa la eternidad trenzando una cuerda de juncos que su asno devora en el acto. Símbolo de lo efímero, y de lo in-útil, la trenza de Ocnos establece una perfecta analogía con el arte, que no sirve a ningún propósito más que a sí mismo; y particularmente con la música que, como la cuerda, desaparece inmediatamente tras ser creada.´

En esta grabación, masterizada y engalanada por Borja Díaz y Gonzalo Santana respectivamente. Portada muy a lo Evan Parker del The Topography of the Lungs (1970) mezclada visualmente con cierta sutileza de cuando Zorn tenía mala baba (sus grabaciones en DIW o las primeras cositas en Tzadik). La ilustración escogida es el impresonante grabado `Muscles of the tongue, mouth and throat, with interconnections to the nose: three figures´ de A. Bell según G. Bidloo, 1798. La formación aquí es:

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Isabelle Duthoit, cantante
Alejandro Rojas Marcos, piano
Luz Prado, violín
Marco Serrato, contrabajo
Borja Díaz, batería
Pedro Rojas-Ogáyar, guitarra eléctrica
Gustavo A. Domínguez Ojalvo, clarinetes y concepto musical
Alfonso Camacho, audiovisuales
Ana Sánchez Acevedo, dramaturgia y escenografía

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Presentar a cada músico sería tedioso, además de que much@s ya han recorrido las páginas de este blog en reseñas de conciertos o discos (desde Luz Prado a los combos jazzísticos de Borja, Serrato y Gustavo). Sí que me gustaría hacer hincapié en la excelente labor de Isabelle Duthoit, también clarinetista, y que ha colaborado con vocalista y clarinetista francesa que ha colaborado con artistas tan insignes como Joelle Leandre, Marilyn Crispell, Ingebrigt Håker Flaten, Paal Nilssen-Love, Matija Schellander o Tom Hodgkinson. 

Chillar Todo el Día es una obra experimental basada en un cuento de Kafka (los detalles de la trama y sus implicaciones en la música os la dejo para vuestras investigaciones) y que a nivel sonoro yo capto diversas partes bastante diferenciadas y que beben de distintas fuentes estilísticas casi todas ellas del Free o la Impro Europeas. Así pues, esta poliédrica incursión en forma de suite viene a ser una especie de reverso tenebroso entre las composiciones de Carla Bley (Escalator Over the Hill por ejemplo), las obras más crípticas del primer Free Jazz europeo de Keith Tippett con su bestialidad irrepetible de la CENTIPEDE BAND (Septober Energy, 1971), pero todo más enfocado a la Impro pura y dura de silencios casi perpetuos de unos AMM o Spontaneous Music Ensemble (por supuesto, siempre guardando las distancias con los nombres casi míticos que estoy soltando aquí). Dicho de otra manera, la electroacústica (Cage o Riley) juega al parchís con la garra de juventud de Evan Parker, Guy o Lytton y haciendo diversas incursiones melódicas en aquel Free Jazz Británico primigenio donde todavía no se había perdido totalmente el fraseo melódico. 

Claro, luego tienes una bestia de la naturaleza que es la base rítmica Serrato-Díaz o esa impresionante cascada de clústers de piano de Rojas Marcos que tiene la fuerza de Cecil Taylor en sus mejores conciertos. Cuando pones todos estos elementos en la batidora, lo que obtienes es una trama pautada de corte insano (la voz gutural de Isabelle es apabullante), clímax atronadores que rescatan lo mejor de Hidden Forces Trio y en definitiva, una obra con una personalidad propia que no se asusta nunca de pasar de la Concrete Music a las disonancias puras y duras. Evidentemente, sobre la parte dramatúrgica y el diseño del set de Ana Sánchez Acevedo no puedo opinar más que por las fotografías que he visto que apuntan a que fue un evento trabajado hasta el último detalle.

Un excepcional gruñido hace de `fade in´ para empezar la fiesta con "Obertura". Minimalistas ejercicios donde destaca un piano nervioso que interactúa con todos los instrumentos (micro notas asordinadas del clarinete, los platillos de la batería o los tonos grávidos Noir del bajo). La voz de Isabelle se animaliza (pasa del rango de lo grave a lo agudo de forma casi imperceptible y vibrando en la misma longitud de onda que el clarinete) a la par que la Arkestra se va contorsionando sobre sí misma en ejercicios abruptos de todos los instrumentos. "La Quietud" es minimalismo basado sobre todo en la base rítmica y algunas regurgitaciones del clarinete en tonalidades muy bajas, cosa que se vuelve a repetir más adelante en el largo "Me Burlo de Vuestra Protección". Imposible no acordarse de la Spontaneous Music Ensemble.

La Música Contemporánea hace acto de presencia con las cuerdas golpeadas (no sé si de guitarra) y sonidos muy difíciles de localizar (cuesta saber si es una cuerda destensada del violín, de la guitarra o un objeto golpeando el contrabajo) pero que exuda en conjunto teatralidad y si bien no se llega al rock en ningún momento, no es baladí citar a Art Bears o Henry Cow, a cositas de Dagmar Krause y vaya usted a saber si hasta de Julie Tippets. Estamos en "Nuestra Raza no Aprecia la Música". Cuando se alcanza tal nivel de disonancia el espacio / tiempo se deforma y se entra en un trance del que nos saca Serrato allá por el minuto 2 de "En Medio del Sueño" con un maltrato evidente de las cuerdas del contrabajo (elongaciones, bondage y rasgueos con arco). La segunda parte del corte donde se suman todos los instrumentos como una muralla es de una sobria intensidad que roza el Doom jazz (si alguien sabe lo que es ese género) al margen del cariz `gutural´ que aporta la voz de Isabelle.

De mis temas favoritos "Concerto Grosso" donde se eleva el asunto a máximas cotas de intensidad. Un puño americano de ImproJazz de corto minutaje que engarza con la pieza "Interludio" de cariz mucho más Jazzístico. El triple juego de cuerdas (contrabajo, guitarra y violín) es la TTT o Trinidad de Torturas Timpánicas (se rozan, se autoagreden, copulan, rompen y reconstruyen una y otra vez en los 60 minutos del disco). Sigue "Nuestra Vida es Dura" con un ejercicio circular de Gustavo al clarinete que me trae mucho a la cabeza (cambiando a trompeta) al Don Cherry de finales de los 60. Por cierto, me encanta el sincopado ritmo de la guitarra eléctrica de Pedro Rojas, la profusión de recursos percusivos de Borja Díaz y los asfixiantes jadeos de la voz... todo dirigido a un decrescendo cinematográfico alucinante.

"¿No será un simple chillido?" juega con una oscurísima atmósfera de glosolalias abotargadas y circulares clústeres de guitarra y violín. Soberbia la explosión y giro hacia ese Free doom de agrupaciones como Dead Neanderthals. Tras la mentada arriba "Me Burlo de Vuestra Protección", toda una sábana de Jazz benzodiacepínico que va subiendo peldaños en sus últimos minutos conforme el sopor es revertido como los antídotos de los relajantes neuromusculares hasta que se desemboca en "Su Último Chillido"... diez minutos donde se destila más de todo lo anterior y se finiquita con la bienllamada "Finale".

En resumidas cuentas, un DISCAZO IMPRESCINDIBLE si te gustan estos estilos.

https://sentenciarecords.bandcamp.com/album/chillar-todo-el-d-a