QUANTUM MECHANICS . "QUANTUM MECHANICS" (LOS 80 PASAN FACTURA, 2019)

LOS 80 PASAN FACTURA sigue la inexorable tarea ardua de exhumar el pasado musical de las islas, siempre con el san benito de ser frontera física (y parece que psíquica) a la hora de poder exportar a la Península su legado musical. La Canarias Experimental, electrónica y alquímica pasa por grandes agrupaciones como DUE, QUAXAR (podéis leer algo de ellos aquí), CASTILLO INTERIOR (aquí) o ARTE MODERNO, por centrarnos en las ediciones más Avantgarde (desde ahí podemos abarcar también apabullante Jazz Rock de JUAN BELDA o la profusa cantidad de bandas Punk que atesora el sello). 

QUANTUM MECHANICS son de Tenerife, que en plenos años 80 y 90 era un hervidero underground donde había ejemplos de casi todos los estilos imaginables. Del palo más puramente electrónico bailable, armados de sintetizadores y cajas de ritmo, surge esta banda de Electro Dark compuesta por Antonio Arriaga (encargado del aspecto visual y tristemente fallecido en un accidente de moto tras la disolución del grupo y creación en Madrid del dúo ESTRUCTURA), Varick (Santiago Rodríguez) y Nocytox (Alexis Schwartz) ambos a los sintetizadores. Al igual que pasaba con QUAXAR, se trataba de gente muy polifacética y con enorme sensibilidad artística (desde escultores a pintores, pasando por el ya encumbrado cinematográficamente Elio Quiroga). 

Estamos hablando del extraño cambio de la década de los 80 a los 90... era del plástico y el neón; década del Techno Pop, los Nuevos Románticos y la Onda Siniestra. Es una escena difícil de sondear, y que mejor literato para ello que el recientemente publicado libro NegroOscuro (Onda Siniestra y After Punk en España) de Pablo Martínez Vaquero, que en uno de sus últimos capítulos nos cuenta como locales como El Central o El Garaje Hermético sirvieron de punto de unión a la Nueva Ola que venía de Madrid. Así estos sitios ven nacer a Ataúd Vacante (que venían de Familia Real), los ya citados Castillo Interior o Los Signos de la Lluvia.

Mezcla de la influencia de bandas como Parálisis Permanente y cosas del Sello 4AD, pululan por allí La Colonia, La Donna Inmóvil, Moral Femenina, Radio Korea, Mujeres de Provecho, Facies, III República o Imagen Sagrada... sin embargo, no hay rastro de QUANTUM MECHANICS, y es que es lo que tiene la exhumación de estas grabaciones; al igual que pasó con CASTILLO INTERIOR, el boca a boca no se materializa en Historia Escrita hasta que algún sello consigue recuperar grabaciones y reactualizar legados que de otra forma duermen el sueño de los justos.

Imprescindible para conocer este legado es la serie de libros de Vicente Martín Abreu, pura arqueología literaria y legenda de las Islas. Prácticamente no se me ocurre agrupación, maqueta o publicación que no haya pasado por sus páginas y programas de radio.

Era más que plausible que Vicente Martín Abreu los haya citada en los profusos y cargados de datos Intervíu Hotel, Grandes Éxitos o Los Años Previos, excelentes libros para el que quiera adentrarse en el Underground Canario al más exhaustivo nivel. Excepto Rock Around Canarias que no lo tengo, no he encontrado a priori rastro de QUANTUM MECHANICS, y tras contactar con el autor me confirma de que no los conocía. Así pues, estamos ante otro de esos eslabones complicadísimos que Jonathan Delgado se saca de la manga de vez en cuando... un Oopart Musical que surge para formar otro ladrillo que faltaba en la Historia Musical Canaria.

Así que los datos con los que me tengo que conformar, y que no son pocos, son los de el Dr. Pompeyo Pérez Díaz de la Universidad de La Laguna, encargado de las notas interiores del libreto. El disco en sí son 8 cortes recogidos en una bonita caja/digipack con postal y chapa. La grabación de la música se hizo en 1989 en un 8 pistas analógico y quitando esto, los únicos datos técnicos que puedo aportar son el uso característico de voz sintetizada (vocoders y demás); desconozco los artefactos que usaban tanto en el sonido como en el aspecto visual (luces, decorados, proyecciones...). Quizás  enlace a un concierto que dieron en La Factoría en 1991 (aquí) o este otro en KU Tenerife (aquí) os sirva de más ayuda.

35 tecnológicos, tensos y deshumanizados minutos de música en 8 cortes con aroma a himno. Abre el Dark Synth de "Laboratorio Extraño", donde resalta una extraña dicotomía muy común en el sonido de la banda... fondo de teclados ultramelódicos y por encima una voz semi susurrada/recitada con frases heladas, cortantes y nihilistas. Como si juntaras a Aviador Dro con los Gothic Sex, las letanías de QUANTUM MECHANICS se enclavan dentro del Electro Dark de los 90, a un pasito de la EBM y siempre con la posibilidad de echarse unos bailes introspectivos.  

Con voz distorsionada, cabaretera y triposa estalla "Neo Danza". Ritmos cíclicos (loops) de los teclados, heladas homilías vocalizadas que invitan a la estereotipia muscular y a llevar los ojos al entrecejo. Impagables las letras y alusiones temporales, científicas y etéricas en la banda. Más oscura y gótica es "Sistema Cuántico"... para enmarcar las letras que van desgranando explicaciones científicas sobre partículas, la mente, experimentaciones y escalas atómicas. Brutal. Me encanta la frase: "ningún fenómeno existe hasta que es observado, sistema cuántico es poder...".  Onda parecida sigue "Apocalipsis Mundial" con una sábana de teclados que por momentos parece New Age, curioso contraste entre las crudísimas letras y las melodías algodonosas de los sintes. 

La intro post apocalíptica pseudo cinematográfica de "Intro" es deliciosa (tiene un puntito a lo Carpenter), con sus profusos teclados y bases rítmicas programadas. Lo cyberpunk hace acto de presencia en la más rápida, a ratos simple pero epiléptica "Eutanasia", que seguro que sería un himno revientapistas en sus conciertos. Si bien otras agrupaciones del género aportaban elementos del rock (como Clan of Xymox), QUANTUM MECHANICS eran pura energía Electro; hubiera sido interesante averiguar a qué podrían haber llegado en futuras grabaciones. 

El final pasa por las notas de música clásica de "La Muerte", sencillas y sin pretensiones, evolucionando hacia espacios meditabundos de corte gótico (es curioso, pero hay un soniquete en el teclado que recuerda a recursos de compositores de bandas sonoras de Serie B italianas). "Persecución Final" cierra por todo lo alto. Vocalizaciones robóticas, sangre derramada en un Laser Drome y peinados con crestas imposibles que desafiaban la ley de la gravedad.

Otra joya rescatada gracias a LOS 80 PASAN FACTURA de antes de que irrumpiera el Nu Metal, el Cyber Hardcore y otros estilos metaleros más estridentes, y que ya puede recogerse de forma oficial en los libros de música.

https://www.los80pasanfactura.com/quantum-mechanics.html

FÉRETRO - "DEATH INSIDE" (FÉRETRO RECORDS, 2019)

La única demo de la banda brasileña FÉRETRO es la última edición de la segunda encarnación existencial del maravilloso sello FÉRETRO RECORDS. Fiel a su incorruptible escrutinio, decide cerrar el chiringuito con una edición demencial que ni va a tener ventas, ni va a ser recordada... y es una lástima, porque vaya joya que se ha exhumado aquí. 

Una auténtica gema perdida en el tiempo (se editó en 2007) de Old School Death Doom. Lo que se ofrece es un epitafio digno de un sello que ha traído a la palestra ediciones de bandas como Orthodox, Monkeypriest, Megaton Leviathan, Bongripper, Santo Rostro, Blooming Látigo, Llord, Hipoxia o Ulls entre otros. A contracorriente, con pasión pero tan underground que las catacumbas se lo tragaron, sirva este pequeño texto como homenaje a uno de mis sellos de cabecera: FÉRETRO RECORS y EDUARDO SÁNCHEZ.

Tras y como se anuncia en la página, "This is the last release of the label, after 2nd November the label will be closed forever", así que para cuando leas estas líneas no tengo ni idea de si podrás conseguir alguna copia (sólo 50) de la maravillosa edición fabricada a mano en CD-R con cartón desplegable formando un ataúd. 

La banda FÉRETRO estuvo activa hasta 2008 y estaban formados por Marina Miyauchi (bajo), Ederson Vertuan (guitarra y coros), Raquel Basilone (voces y teclados) y Ronaldo Andrade (batería). Curioso cómo una banda con esta calidad desapareció en la nada; si bien es cierto que el sonido es puramente nineties, aquí hay unos detalles de profesionalidad que no suelen abundar en estas producciones. 

Los teclados ensoñadores al más puro estilo Opera IX (también las voces recuerdan a las de Cadaveria), el fantástico sonido de la grabación de Alexandre Bressan (estudio Audio-Pro, Río de Janeiro) contrastan con el artwork simple pero nostálgico de la propia Marina Miyauchi. Redondea el asunto unas fabulosas líneas de violín de un tal Élcio.

Fastuosa introducción ritual preludiando "Voodoo Doll", vieja escuela Death/Doom arrastrada, plúmbea y con un riff de guitarra central que puede recordar a una mezcla (también por la voz) entre los primeros Opera IX y Mortuary Drape. Los teclados, lejos de saturar, están espaciados a simples toques atmosféricos y junto con esos efluvios Thrash y Death completan un temazo como la copa de un pino. Mención especial a las excelentes voces guturales de Raquel Basilone. 

"Unholy Copulation" a lo primeros My Dying Bride me pone los vellos de punta. Las inflexiones de la guitarra también abrazan un poco al Death sueco pero son detalles que en mayor o menor medida eran comunes y se mezclaban en esta época... es decir, FÉRETRO no son originales pero se marcaron 26 minutos de música que hace que muchas cosas de hoy día que intenta emular este sonido palidezca en comparación; interludio con un piano de juguete degradado al absurdo (me recuerda a "Sepulcro" de Opera IX) y de aquí hasta el final acompañando de forma simple pero efectiva a un corte que tira más de aspectos Black a la sueca y que es extraño pero suena muy actual (como si se hubiera grabado hace dos días).

"Human Slavery" vuelve a terrenos más añejos. El tempo al ralentí roza el Funeral, la guitarra secretando melodías al  estilo Death / Doom inglés y los cambios de ritmo me recuerdan a cosas de hace poco como los BLOODY PANDA, MURKRAT o UNDERSMILE, las tres bandas con vocalistas femeninas. Hay algo en el sustrato de FÉRETRO que los lleva al Sludge, pero no se materializa del todo (hubiera sido interesante ver qué evolución natural habrían seguido). El caso es que se marcan un temazo que quita el hipo... vaya forma de repartir excrecencias musicales incluso en los arranques Death.

Cierra esta pieza de museo las notas de piano de "Through Her Soul" en dueto con un violín al más puro estilo Celestial Season que provocará lágrimas de nostalgia en más de uno y una. No puedo decir que sea un homenaje al Doom holandés porque estamos hablando de una grabación de hace 13 años pero.... madre mía que bien suena esto.

Intenta hacerte con una copia antes de que se pierdan para siempre.

https://feretrorecords.bandcamp.com/album/death-inside

EVADNE - "DETHRONED OF OUR SOULS" (FUNERE 06, 2019)

Pocas presentaciones necesita la longeva banda de Doom melódico EVADNE. Formados hace dos décadas, cumplen la premisa de que nadie es profeta en su tierra y para ello tienen que irse a sellos rusos como Solitude Productions a publicar sus dos últimos discos, The Shortest Way (2012) y A Mother Named Death (2017) tras dos previas autoediciones de su primera Demo y su primer largo The 13th Condition.

En 2014 ve la luz el Ep Dethroned of Light también autoeditado y es ahora que el sello armenio FUNERE lo reedita tras remezclarlo y remasterizarlo incluyendo extras como la grabación en directo de "Colossal", mas una versión de Officium Triste y In The Bitterness of our Soul, su primera y legendaria demo de 2004. La edición es muy bonita, con digipack tipo libro y cuenta con artwork de Vladimir Prokokiev (Paint-It-Black Design). 

"Black Remembrance", con colaboraciones de Fiar de Foscor suena ahora mucho más compacta. El Doom melódico de EVADNE recuerda mucho a bandas como Officium Triste, Novembers Doom, Daylight Dies o el conglomerado all-stars de Clouds, sobre todo por el uso de una voz muy gutural pero inteligible sobre un colchón de guitarras melódico (sin llegar al edulcoramiento). La base rítmica lenta y cargada de recursos se permite incursiones el en Black metal pero sólo puntualmente, mientras que el riff central de la guitarra recuerda muchísimo a My Dying Bride de su última etapa. Otra cosa bastante curiosa es cómo las vocalizaciones de Fiar y la subida del tempo los llevan a sonar de forma parecida a los Rotting Christ de su etapa mas gótica (A Dead Poem, Der Perfekte Traum...). 

Natalie Koskinen de Shape of Despair le da un cierto toque de sonido finlandés (quizás la estructura sea parecida a los míticos Rapture sobre todo en algunos giros hacia el Black Melódico) al siguiente corte "Awaiting". Voces susurradas, algunos ligeros soundscapes de teclados y en general Doom/Death clásico con un buen dueto de voces al más puro estilo Theatre of Tragedy, notas de piano decadente incluidas. Sigue "The Wanderer", tema donde la escena holandesa y finlandesa se alían para traernos un híbrido ultra melódico de Doom ralentizado con unas guitarras pletóricas flotando sobre una pátina depresiva. 

Es encomiable lo que han ido creciendo EVADNE con los años, depurando su sonido si no enteramente en lo original que es complicado en estas lides, sí en una calidad tremenda y despliegue técnico. Me sabe a gloria su versión "Like Atlas" de los dioses Officium Triste o el ritmo arrastrado y más crudo que le imprimen a "Colossal" en directo (no se nota que es directo, la verdad) con algún que otro interludio ligero a lo Katatonia (destacar las cuidadas letras, algo que por ejemplo no ocurre en Officium Triste, que suelen ser reguleras).

La demo In The Bitterness of our Souls se incluye en su totalidad, incluido el artwork (excelente) de la época con todos sus defectos (las voces en inglés muy forzadas) y sus virtudes que son muchas. Tres larguísimos temas que a veces pueden recordar a ese estilo de Doom gótico tan pegadizo como un sudario de un mes de los alemanes Crematory. Abre el épico "At The Edge of the Cliff" y su profusión de clichés (violines, voces femeninas...) que me trae a la palestra a los olvidados AMALTHEA. Producto de una época, la evolución de EVADNE ha sido notable. captándose su crecimiento como músicos sobre todo en la guitarra, que pasa de ser mero acompañamiento en estos temas a protagonista principal de sus últimos discos. 

Aun así, "The Autumn of the Withered Roses" sigue teniendo un encanto muy particular aunque la producción flaquee y tenga ese toque maquetero (se nota en las voces femeninas sobre todo). El cierre de "Bleak Remembrance" ya coqueteaba en la intro con los ritmos más electrónicos que empaparon la escena (véanse los Theatre of Tragedy) en la entrada del milenio. 

Otro pedazo de historia rescatado de una banda en continuo crecimiento y que junto a otras como DANTALION, HELEVORN, AMALTHEA, NAHEMAH, POETRY, OFFENSE, LUGUBRIOUS y otros marcaron una época. Sólo sobreviven los que más han perseverado.

https://evadneofficial.bandcamp.com/

https://funere.bandcamp.com/album/dethroned-of-our-souls

TROND - "WILLKOMMEN IM UNHEIL" (SATANATH RECORDS/BLACK METAL PROPAGANDA DEUTSCHLAND; 2019)

Sonido de corte clásico black metalero del proyecto germano TROND, editado bajo los auspicios de Satanath Records y el conglomerado/distribuidora Black Metal Propaganda Deutschland, especializado en producir a bandas Alemanas de nuevo cuño en cuento a Black Metal se refiere.

Cuando digo sonido clásico me refiero a que lo que aquí encontramos es una sucesión de temas al más puro estilo noruego con cortantes y helados riffs de guitarra, cabalgadas de blast beats como mandan los cánones y alguna que otra bajada interesantísima del tempo que los lleva a los niveles de los primeros SATYRICON por poner un ejemplo que sea claro. Esto es básicamente lo que encontramos en Willkommen Im Unheil.

La banda se funda recientemente por un miembro de ABIGORUM, Tino "Fluch" Thiele (que si no me equivoco suele hacer guitarras y voces, y colabora también en Metamorph, Wulfgar, Feuermann, Phreneticum, Von.Troll, ex-Die Nebel der Endlosigkeitque), y desconozco si hay alguna otra colaboración que se me escape (hay coros y alguna que otra voz limpia en el disco). Me gustaría destacar especialmente el extrañísimo artwork obra de la artista rumana Luciana Nedelea (os dejo un link aquí porque creo que sus trabajos merecen mucho la pena).

Uno de los primeros detalles en los que me fijo cuando me enfrento a este tipo de proyectos es al sonido, y la verdad es que TROND han conseguido una muralla de granito nada desdeñable con poquísimos puntos flacos. No hay huecos, la guitarra tiene una afinación fabulosa, las voces perfectamente ejecutadas (en algunos aspectos me recuerda a los primerísimos Dimmu Borgir) y se nota que se trata de la obra de un músico ya con bastantes tablas. La base rítmica es compacta, pero no tengo claro del todo si se trata de batería programada; el caso es que si es digital está bien cuadrada (virtud metronómica) y no suena vacía aunque hay partes en el sexto tema donde la velocidad alcanza las cotas de unos Limbonic Art y otros tramos en el octavo en que ocurre justo lo contrario.... baja el resto de instrumentos y se queda sóla la percusión; en estos dos casos sí que se nota algo de artificialidad, pero no entorpece para nada el conjunto.

Un álbum que se disfruta por su honestidad. Un monolito alemán con auténticos himnos descarnados desde el mismo inicio de "Im Herzen Des Windes", con esas inflexiones vocales de libro y aceleros rítmicos al más puro estilo Emperor, muralla sonora mediante, riff de guitarra más melódico pero cortante detrás que juntos son la base de todo el género que estalló en los 90.  "Die Jäger Werden Fleißig Sein" y "Zur Zeit Ohne Ende" ponen el pie en el acelerador; cortos pero intensos, destacando sobre todo en el segundo coros a dos y tres voces muy conseguidos.

Cuando más empiezo a disfrutar el disco es a partir del medio tiempo atmosférico de "Kinder Im Herzschlag Der Erde", con unas fantásticas voces al más puro estilo Pagan que ponen los vellos de punta, máxime con la entonación germana (todo el disco está cantado el alemán) que tiene algo de marcial. Fabulosa la melodía de la guitarra y en general la composición, que tiene algo de los primeros ANCIENT. "Nächte Schwärzer" es todavía mejor... una especie de sirena o alarma anti aérea abre melódicamente para luego cortar abruptamente hacia terrenos tipo MARDUK.

"An Wahrheit Immerhin Gedacht" es beligerante como jugar darle una colleja a un amigo con una muñequera de pinchos. Puro necro Black nihilista a velocidades de órdago, que si bien no pasará a los anales de la originalidad, tiene el suficiente empaque para ser un destacado ejercicio de género... las fieras "Nimmermüde Dunkelheit" y "Die Großartigkeit Des Krieges" o el épico final compuesto por "Mein Todloser Geist" o la instrumental agreste (a lo Immortal) "Ausklang" cierran un más que recomendable disco de Black a la Noruega.

https://satanath.bandcamp.com/album/sat253-trond-willkommen-im-unheil-2019

TEOSOFÍA, FOTOGRAFÍA POSTMORTEM Y ESPIRITISMO EN EL BLACK METAL DE EMANATION (by CORONEL MORTIMER)

TEOSOFÍA, FOTOGRAFÍA POSTMORTEM y ESPIRITISMO en el BLACK METAL de EMANATION (parte IV y ÚLTIMA)

"El tema del Sueño era bien conocido en la literatura antigua, en

donde encontramos muchos sueños proféticos y escatológicos: un ejemplo

de ellos nos ofrece Platón cuando cuenta que Sócrates en la prisión decía

a su amigo Critón: `Parecíame que una mujer hermosa y de noble aspecto, vestida de blanco, se acercaba a mí y, llamándome por mi nombre, me

decía: Sócrates, al tercer día llegarás a la fértil Ftía´ Marco Tulio Cicerón.

* PLACA DE PETRI I: EL TEMPLO DEL SUEÑO y el SUEÑO MAGNÉTICO*

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“Ven hacia mí, ven hacia mí, madre Isis;

Mira, percibo lo que está lejos de mi ciudad”

El intérprete de los sueños recibe en la antigüedad clásica el nombre de Onirocrítico, y quizás el más destacado de ellos (no el más antiguo, sino el más conocido) sea Artemidoro de Daldis (siglo II D.C), uno de los llamados profesonales/intérpretes del sueño. La literatura Onirocritica que se conserva tiene perlas como Oneirokritiká (Ὀνειροκριτικὰ), con una anotación exhaustiva de más de 3.000 sueños de pacientes, y donde destaca el uso del simbolismo, así que no cuesta ver aquí los primeros pasos subrepticios de la Teoría Psicoanalítica. 

El mismo Artemidoro cita cuatro etapas en la literatura de la interpretación de los sueños, siendo ellas: jónico-ática de los siglos V-IV a.C., otra licia entre los siglos IV a.C. y II p.C., otra siria de los siglos I a.C.-I p.C., y otra microasiática occidental de los siglos I-II p.C. En cualquier caso, la literatura más antigua que se conoce se va al papiro egipcio del escriba Pentaur o Qenherjepeshef, donde se recogen 108 sueños que tenían el estatus de mensajes divinos.

La moderna psiquiatría establece Curas de Sueño inducidas, que no son más que líneas trashumantes de los primeros experimentos griegos bajo el auspicio del Dios Asclepio (Esculapio) que se remontan al 300 a.c. y sus Asclepeion (Templos del Sueño) eran donde el paciente se sometía a una Purificación Ritual mediante el sueño, pasando la noche en el Abaton (parte más sagrada del templo). Los sacerdotes encargados de la purificación, los Iatromantis, prescribían curas basadas en interpretaciones de sueños, casi siempre con la intervención de serpientes no venenosas. La Enkoimesis era la práctica ritual en sí; la Incubación permitía al soñante acceder a estados alterados de consciencia durante la fase REM, momento donde se manifestaban los sueños premonitorios y donde por tanto se coqueteaba con el mas allá.

(Abaris, el Hiperbóreo Iatromantis)

En la Doctrina Espirita, el sueño adquiere connotaciones esotéricas y místicas y estos pasarían al plano que va desde la Revelación (mensaje del otro lado de la Realidad) hasta su repercusión en el mundo Corporal. El sueño Patomnésico se centra en los recuerdos del pasado, mientras que los Fisiológicos engloban aspectos más alucinatorios (y por ende rayanos en la aleatoriedad). Por otro lado estarían los sueños proféticos (Premonitorios) y los sueños Espirituales que transcurren a modo de vivencias en el plano espiritual. Según el investigador Milton Felipeli el encuentro con los seres queridos fenecidos es posible en tanto en cuanto en ocasiones se manifiestan los sueños como pequeños traumas, situaciones no acabadas o directamente contactos donde la dualidad ayudar/ser ayudado adquiere connotaciones mediúmnicas. 

Entraríamos aquí en el campo del hipnotismo, haciendo su aparición Franz Mesmer (1733-1815), padre de la Hipnosis Moderna, que hablaría de algo tan extravagante como el magnetismo animal o capacidad de cualquier ser humano de curar a otro mediante esta especie de fuerza no visible de la naturaleza. La aparición de lo eléctrico y de los canales de energía sutil que recorrían el cuerpo humano (y la cura mediante el Trance) enroca con el orientalismo, el Qi y las armonías del Flujo Universal. Hemos pasado al campo de la Ciencia y aparece el concepto del Sueño Magnético.

El Sueño Magnético, según es recogido en el Diccionario Espirita, sería: "Desdoblamiento parcial del Espíritu provocado por el magnetismo. Al obrar el fluido magnético sobre el sistema nervioso, produce en ciertas personas un efecto que se ha comparado con el sueño natural, pero que difiere esencialmente de éste en varios aspectos. La principal diferencia consiste en que, en ese estado, el pensamiento es enteramente libre, el individuo tiene una perfecta conciencia de sí mismo y el cuerpo puede actuar como en el estado normal, lo que demuestra que la causa fisiológica del sueño magnético no es la misma que la del sueño natural; pero el sueño natural es un estado transitorio que siempre precede al sueño magnético: el paso del uno al otro es un verdadero despertar del alma. Por esta razón, los que por primera vez son puestos en sonambulismo magnético casi siempre responden que no a esta pregunta: ¿Dormís? Y, en efecto, ya que ven y piensan libremente, para ellos lo que hacen no es dormir, en el sentido vulgar de la palabra". 

Se ha dado la vuelta al círculo. Podéis iniciar el viaje en TEOSOFÍA, FOTOGRAFÍA POSTMORTEM y ESPIRITISMO en el BLACK METAL de EMANATION (parte I), (parte II) y (parte III).

* PLACA DE PETRI II: CRISTALIZACIÓN MEDIÚMNICA*

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"Un libro indica la vida de quien ve el sueño, pues los hombres recorren el ejemplar de igual modo que pasan por la existencia; y también el recuerdo de sucesos pasados, ya que los acontecimientos de otros tiempos quedan recogidos en volúmenes. La acción de devorarlos beneficia a las personas cultivadas, a los eruditos y a todos los que se ganan el sustento gracias a los discursos o a los escritos. A los demás les vaticina una muerte repentina" ARTEMIDORO DE DALDIS

EMANATION, tentáculo psicorrágico de CG SANTOS, testamenta hasta la fecha su trabajo musical con Temple Sleep Crystallization, editado en 2016 por Bestiaire en dos ediciones de vinilo, una normal y otra recogiendo una fabulosa entrevista mas la cassette (que a día de hoy sigo buscando en edición física) Appendix Two: Ceremonial, con 60 minutos más de anexo musical.

En palabras del CG SANTOS, el estudio introspectivo del existencialismo metafísico y del espiritismo experimental en EMANATION vienen derivados de experiencias traumáticas del autor y seres queridos, incluyéndose unos textos explicativos sobre cada corte en el insert del vinilo, que por cierto es una maravilla a nivel de acabado, como todos los anteriores trabajos y denota una línea argumental tan coherente como apasionante.

Abre el disco la atmosférica "Convocation: Descent of the Spirit", temazo que se desenvuelve dentro de un mántrico clímax a medio tiempo. Una base rítmica imperturbable y un fondo de sonidos que rebotan, van y vienen como la exactitud de un ciclo cósmico. Lo que pudieran parecer trompetas y cellos procesados combaten con un sempiterno, agreste acople de guitarra distorsionada plagado de inflexiones esporádicas que hablan del Black Metal de corte más funerario, procesional y decadente que puedas echarte a las orejas. 

Lo sinfónico es aquí reducido a inmanencias sólo interrumpidas por ligerísimos cambios de la batería... así hasta que rompe el siguiente "Obsession: Transient Derangement of the Psychic Balance" donde se toca el tema de la religión como fenómeno obsesivo. La música sigue su talante atmosférico tornándose cada vez más cruda, con producción sucia al más puro estilo nórdico y con irrupciones de sonidos industriales de fondo que vuelven a conectar a EMANATION con cosas como GNAW THEIR TONGUES o ciertas bandas de COLD SPRING. La voz biliosa en un tercer plano enterrada entre capas de distorsión que te sacan el alma por las fosas nasales. Como si de un in crescendo se tratara, estalla "Fascination: Dead Spent, The Intender Radiation", tema del que me voy a permitir poner aquí las letras porque me fascinan:

"Taxus dead regrets with soft muted inedia eyes at the resonant valporate of the spithra shah. Semiotic rigid rays of Radiant N conjuror of the pseudaril, like thoron from the self-mastery plane, that is not a place but a state that co-exist in the same sat; unknown to one another, undulating intruder radiation through the rhythmic nectar sublimation".

Estamos en la tercera parada y la batería sigue imperturbable. Sólo ligeros cambios de la guitarra y el tempo varían un flujo de partículas necróticas que emponzoñan de violencia acústica a ese muro de sonido que más parece un arma de destrucción masiva. La Fascinación, término sucesor de la Obsesión y antesala de lo Subyugante se tratan en el libreto como fases comunes tanto de la Ciencia como de la Religión desde la edad antigua (cito textual): "A constraint which paralyses the will of its victim, and makes him act in spite of himself, reducing him to a state of absolute tyrannical bondage". Musicalmente, "Subjugation: Absolute Tyrannical Bondage" es una cabalgada de Raw Black Metal al más puro estilo primitivo de bandas Noruegas. 

Helados y cortantes riffs de guitarra y un drone constante de efectos, sintes o lo que sea que habita de forma parásita el fondo musical (me parecen escuchar incluso cantos tipo gregoriano, todo mezclado con unas voces al final deudoras del Pagan), mientras unos Blast Beats gélidos, rápidos te sacan totalmente los miasmas a base de vibración malsana. Los habituados a los discos primeros de SHINING, DEATHSPELL OMEGA, BURZUM o los propios TEITANBLOOD sabrán a lo que me refiero. 

Sigue el llamado Appendix One: Beyond, compuesto por "Crystallization, "Eremitic", Bridges" y Compulsion". De tintes atmosféricos y prácticamente instrumental, destaca el uso de un pulso constante del cuenco tibetano sobre el que flotan voces psicopómpicas de un incierto origen psicofónico ("Crystallization"). "Eremitic" es una solemne mini suite al más puro estilo JACULA/ANTONIOUS REX con un catedralicio órgano que despliega una melodía que, curioso, en algunos momentos me recuerda a los compositores de bandas sonoras italas (Frizzi, Ortolani, Cipriani y otros) aunque seguro que habrá oyentes que piensen en el Dungeon Synth. La entrada de la percusión trae aires de Prog a lo GOBLIN... y es que en sí parece un soundscape con una oscura línea de Mellotron de los 70. Al margen del cariz mayestático que adquiere la música, esto podría ser perfectamente una banda sonora bastarda en las postrimerías cinematográficas del fantaterror italiano de Michel Soavi.

"Bridges" se compone de una preciosa línea de piano que se va doblando sobre sí misma y arropa de efectos de electrónica minimalista, mientras que "Compulsion" es una mezcla etérea de ambos en un sostenido empuje barroco que situa al oyente en un estado contemplativo cercano al sueño. Aparentemente simple, escuchas atentas revelan detalles de cosas que se retuercen bajo la superficie, pero eso ya es trabajo de campo del oyente...

* PLACA DE PETRI III: EL SEGUNDO ANEXO*

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"With these aspects in mind, now you can enter into Temple Sleep Crystallization, a work about the dangers of spiritism, self-death research and artificial obsession, as tools to seek beyond. THE AUTHOR.

Por problemas de espacio, se adjuntó los 60 minutos de Appendix Two: Ceremonial en una cassette adicional. Dos caras de 29 minutos de duración que sigo buscando obsesivamente (como casi todo lo que me rodea en la vida). 

Cercano a algunos trabajos del proyecto LIKE DRONE RAZORS THROUGH FLESH SPHERE, Appendix Two es música ritual en su más pura esencia. Un hipnótico Cello, violín y lo que parece un cuenco tibetano mas procesamiento, destilan la música de cámara a su más mínima esencia... esa que es propia de la música Gamelan, la Raga india y otros derivados más propios de la música concreta; un loop drónico que es perfectamente explicado en este texto recogido también en el Insert:

"For those who are seated waiting without will, be thrown down by an intruder coming from the place where the four sitters are. The person overthrown in first place, si then lead into the room in which the four circle, where the rhythmic musical drone is continued immutable. When the somnolence of the subjugated has lasted for half an hour at least, he begins to be reactive, will then be able to be consulted. But it is not the man who speaks, it is merely his voice and his flesh, the indruder speaks by his mouth. This procedure requires medicated draughts, lacerations, self-mutilation entailing considerable loss of blood, and/or self poisoning with the dead fluids of a sacrifice, usually an animal of the consulted specie and colour".

Nótese el detalle temporal de los 30 minutos, justo lo que viene a durar cada cara de la cinta. Estados alterados de consciencia provocados por una sábana de ruidos repetitivos que me llevan a la estereotipia, la pérdida de la cordura, y el transitar peldaños que bien podrían subir o simplemente bajar eternamente. Si el primer corte utiliza lo acústico, el segundo es un surco cerrado de vinilo que podría sonar por toda la eternidad.

Cierro este largo artículo sobre EMANATION en cuatro partes con otro texto maravilloso recogido del Insert:

"There are not scientific methods to revert this kind of altered mind state. Electroshock therapy and limb amputation techniques, like trepanation and other invasive methods of annulation of the self, are commonly applied without results. Chemical routines and hypnotherapy can suppress temporally the connection, but are not useful in long term. Studies in N, N-DMT functional analogs and nucleic acid polymers therapies are promising, but needs further reseach".

https://emanation.bandcamp.com/album/temple-sleep-crystallization

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ANA ARENAS & YUNCLAS - "LUDDITA" (ZONA WATUSA, 2019)

Grabado en una sola sesión, Luddita se enmarca dentro de un dadaísta discurso deconstructivo entre hombre y la máquina. Tomando como punto de partida el movimiento de los artesanos ingleses del s.XIX y su primitiva lucha contra las máquinas (la destrucción de telares, uno de cuyos primeros ataques se atribuye a Ned Ludd), estamos ante uno de los grandes alegatos contra la Revolución Industrial de la historia. 

No siendo el único evento, el Luddismo se vería también en el mundo rural con la destrucción de máquinas trilladoras (Disturbios de Swing de 1830) y entronca hasta nuestros días con el Neoludismo y la lucha activa/armada por el medioambiente, en cuyos extremos tendríamos a Unabomber (Theodore John Kaczynski, de coeficiente intelectual 167) y su "Manifiesto de Unabomber" (para interesados, leer aquí).

Quedémonos en el mundo más amable de las ideas y extrapolemos el asunto a la música. La bailadora internacional ANA ARENAS (Sevilla) trasciende la rigidez de lo académico para aportar la base rítmica del taconeo a la maquinaria industrial del creciente proyecto YUNCLAS, del que también os he hablado bastante por estos lares. El sello de Barcelona ZONA WATUSA edita una fabulosa (tan fabulosa que se me antoja imprescindible) cassette, preciosa en cuanto a diseño (el color rosa, el A5 y el minimalista artwork proto revolucionario de Studio Denk) con la sesión completa de 40 minutos dividida en dos caras.

Musicalmente, una de las grandes bazas del Noise, Industrial Proto Techno de YUNCLAS es su cariz árido, salvaje y chirriante como una deshumanizada cadena de trabajo dieciochesco. El uso de grabaciones férricas de campo, una pseudo guitarra procesada/transformada al más puro estilo "cojo el soplete y te enteras" dialoga en profundidad a base de códigos secretos con la angulosa forma de desplegar el pulso percusivo flamenco en los tacones de ANA ARENAS. El resultado a nivel sonoro produce una amenazante y pseudoterrorista maraña de ruido teledirigido con más mala baba que el código de honor del movimiento agrario de La Mano Negra. 

La sesión es Ourobórica y su final se come al principio o lo solapa en el sentido de que es circular. Un denso taconeo dialoga mantras de percusión con la pútrida guitarra deconstruida de YUNCLAS, que acomete un Muzak aflamencado a base de acoples eternos de Fandangos y Soleares (o eso me ha parecido). Sería bastante complicado establecer qué es orgánico y qué es procesado, pero destaca una potencia de sonido (casi todas las producciones del músico astur tienen una fuerza descomunal) que te achicharra y evapora el líquido cefalorraquídeo hasta que acabas escupiendo el cerebro por la boca.

Especialmente memorables en la sesión son algunos momentos en que el Noise se transforma en el ruido de telares (al fin y al cabo, es paradójica y recurrente siempre la comparación entre las capas de ruido con el uso de un telar) mientras el taconeo se dobla sobre sí mismo rebotando en un bucle analógico potentísimo.

Una especie de Comunión Flamenca entre SUNNO))), EARTH y la bajada a los infiernos andalusíes del  'fellah min gueir ard' que pasa por samplear las ecolalias imposibles del Agujetas (creo que es él, no estoy seguro porque bien podrían ser grabaciones en discos de pizarra) y que emulsionan con el golpe seco y duro del herrero, distorsionar/fusionar ritmos ancestrales (el toque) en una eterna, distópica lucha entre el progreso industrial y el movimiento obrero o lanzar toda la maquinaria al espacio exterior mediante un punto de fuga acústico.

Imprescindible y de culto desde ya.

https://zonawatusa.bandcamp.com/album/luddita-2

STARLESS DOMAIN - "EOS" (AESTHETIC DEATH ADCD 063, 2019)

Desde Estados Unidos, la banda STARLESS DOMAIN sigue esa corriente de Black Metal atmosférico ultrasaturado de sintetizadores en cascada (eso que se llama Deep Field) y que a priori huye del sinfonismo para enclavarse en un sonido que tira más del Shoegaze y el Ambient. Como suele ocurrir también en estos casos, las individualidades de los músicos  queda destilada a simples iniciales, quedando como partícipes de un todo y emulando las características macrocósmicas del Universo. 

La formación se reduce a AW (sintetizadores, guitarras, bouzouki, voces),  AE (guitarras, bouzouki, batería y programaciones) y J (bajo y voces principales), y su debut EOS se edita bajo el auspicio de AESTHETIC DEATH en un bonito digipack de tres paneles (diseño de Ioe Key) con artwork abstracto como mandan los cánones. También hay edición (creo que agotadísima) en cassete a cargo de Pacific Threnodies y Black Horizons. A la par que este disco, han editado otro largo llamado ALMA y un split con TOME OF THE UNREPLENISHED del que os hablaré en otro texto.

Un flujo de teclados al más puro estilo Sci Fi abre el único corte de 58 minutos de EOS. Desde el mismo inicio, el objetivo del grupo es borrar todo rastro de humanidad, individualidad o esperanza... transportarte mediante sonido a la inmensidad de un Cosmos agreste y amenazador, y que mejor recurso para ello que adornarlo de imposibles blast beats Black Metaleros al más puro estilo Limbonic Art. 

Las voces enterradas en la mezcla y la repetición del motivo melódico despersonalizan al oyente, que queda atrapado en una vorágine/vórtice en el que se pierde pie. Si bien la estructura básica puede compararse a Dark Funeral, Marduk, 1349 y otras bandas que usan la velocidad como arma, en el caso de STARLESS DOMAIN supura una capa insistente de teclados que me recuerda en ocasiones al fastuoso disco And The Light Swallowed Everything, proyecto de Maurice de Jong bajo el avatar de Seirom. Bajo toda esa epidermis de furioso metal extremo, destacan muy al fondo en la mezcla los detalles del Bouzouki, bastante parecido a la Mandolina.

Me gustaría destacar los cambios de ritmo, que aunque sean pocos (básicamente parecen existir para que cojamos fuelle), destacan por crear un clima de irrealidad tecnológica; se usan bases electrónicas que pueden recordar a la música de baile más hermética e incluso diría que sobresalen toques de Vaporwave. Así, y hasta el final, se va repitiendo la misma estructura con ligeros cambios, alternancia de varios tipos de voces... desde la inhumana y aguda hasta guturales propias del Funeral Doom. 

Es en las bajadas de tempo cuando más apreciamos los detalles que discurren por detrás de la capa de Black Metal; un minimalista y circense motivo melódico arropado por las cuerdas del Bouzouki resaltan todavía más el clima de desesperanza y desolación estelar al que te lleva inexorablemente un disco no para todos los oídos y que disfrutarán más los que quieran disfrutar de un atmosférico dragado catártico a velocidad de crucero. La verdadera fortaleza de este disco está en la repetición y el contraste entre las dos líneas de desarrollo, una brutalísima en primer plano y la más melódica y mántrica construida mediante los duelos bouzouki/sintetizador que desafían la física cuántica. 

Para mí, una jodida y malsana muestra de cómo llevar el Black Metal a unos niveles de vacío existencial que asustan. 

https://starlessdomain.bandcamp.com/album/eos

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=4247

PYLAR - "HORROR CÓSMYCO" (HUMO INTERNACIONAL; HUM017, 2019)

I.  ////////// Non Relinquam Caput Pupa //////////

"Entre las angustias de los días que siguieron está el mayor de los suplicios: la inefabilidad. Jamás podré explicar lo que vi y conocí durante esas horas de impía exploración, por falta de símbolos y capacidad de sugerencia de los idiomas".

Lovecraft

Antes de comenzar a meterme de lleno en con una de las bandas que están revolucionando la escena de la música a nivel nacional e internacional, quisiera citar a Simon Reynolds en la introducción e su libro de mini-ensayos Después del Rock, Psicodelia, Postpunk, Electrónica y Otras Revoluciones Inconclusas con el objeto de que el sabio lector se de cuenta de la tremebunda bajada de calidad que vive el periodismo musical hoy día. Dice Reynolds: 

"En consecuencia, la prensa musical tuvo una enorme influencia, y determinados escritores -los impulsivos, los aquejados por complejos mesiánicos - disfrutaron de un prestigio y de un poder que hoy resulta difícil de imaginar (...) Esta combinación de activistas críticos (....) sirvió de combustible a un síndrome de evolución de carácter arrollador. Una tendencia competía con otra y cada nuevo desarrollo se veía rápidamente seguido de una etapa reactiva o de un viraje brusco.  (....) Emergió una nueva generación de periodistas musicales, cuya escritura parecía estar hecha del mismo material que el tipo de música que defendían. (....) Algunos grupos existían más en el nivel de las ideas que en el de las propuestas plenamente realizadas, pero sin embargo marcaban la diferencia por su sola existencia y por tener buenas apariciones en la prensa".

Ojito con lo que acabáis de leer porque entronca directamente con todo el acervo musical que nos está dando PYLAR en nuestro eje temporal, con la salvedad de que en esta ocasión, la prensa (especializada o no), no sabe cómo diantres acercarse a la propuesta de un grupo que se sale completamente de los estándares. Dicho de otro modo, hay bandas que no se merecen la prensa que aquí se estila, y esto ya se está convirtiendo en un mal endémico que va a ser difícil de erradicar. 

Leyendo toda la diarrea literaria que está saliendo a propósito de su nuevo Horror Cósmyco, uno se da cuenta del bajísimo nivel del que escribe críticas musicales (me incluyo, no vayáis a creer que uno va de sobrado). Los reiterados usos de adjetivos son comodines que lo mismo le valen para un disco de Sludge que para otro de Black Metal, y para lo nuevo de PYLAR, pues lo que se hace directamente es mezclarlos todos para intentar que el oyente tenga una sensación de peligrosidad/amenaza que en el mejor de los casos lo que hace es moverse dentro de una pueril sucesión interminable de idiocias a la enésima potencia. Críticas literarias que más parecen un copia/pega de unas y otras y que parten de la base de una búsqueda de hemeroteca sí... pero por las hemerotecas de los diccionarios de sinónimos.

La culpa de todo este momento extraño de la crítica musical la tiene la irrupción de una corriente/moda de escribir en la que cada pluma se cree digna heredera tentacular de lo Lovecraftiano, y por tanto, se acaba todo desviando hacia lo Numinoso y olvidándose de lo que también importa, que es el análisis musical tanto del producto en el momento en el que sale, como su correlación con todo lo que le rodea en el pasado (del futuro ya se preocuparán otros). 

Decía también Reynolds que los periodistas musicales de la década de los 80 aprovechaban sus textos para ofrecer pequeños ensayos artísticos (sobraba muchísimo espacio en revistas como NME o Melody Maker), y por ende, surgió esa corriente tan potentísima de popes de la escritura musical, con tal grado de influencia que creaban/derrocaban escenas y hacían surgir términos, etiquetas e incluso eran capaces de predecir el futuro de la música.

Antes de adentrarme en la nueva obra de PYLAR, simplemente diré: Non Relinquam Caput Pupa.

II. ////////// Horror Cósmyco o la Infección del Lenguaje //////////

"All my two-dimensional boundaries were gone

I had lost to them badly

I saw that world crumble and thought I was dead

But I found my senses still working

And as I continued to drop through the hole

I found all surrounding

To show me that joy innocently is

Just be quiet and feel it around you"

5D The Byrds

(fotografía de Elena Lenguas)

Primera parte de una trilogía, PYLAR se adentra por otros derroteros más experimentales si cabe tras su celebérrimo A Ella Te Conduce la Sagrada Espyral. Su discurso cambia de coordenadas; una vez empapados de los mitos y creencias (de arena y piedra) Atávico/Tartésicas y sus conexiones con la Diosa, irrumpen abruptamente en lo Cosmogónico y el Terror Ancestral del miedo al Cosmos. Apoyados por la séptica prosa de Francisco Jota Pérez, que le viene como anillo al dedo a esta nueva fase dentro de la evolución de la banda, convierten su tejido y maraña de sonidos en una espesa mortaja donde hay unos cambios más que evidentes. 

Los teclados son más espaciales, se juega más con esa angulosidad efervescente del Kraut electrónico pero sólo en determinados y puntuales momentos. Por contra, destacan varios pasajes donde irrumpe por vez primera una suerte de ritmos Sludge en las guitarras que recuerda a una malsana recreación de los MOHO, LORDS OF BUKKAKE y bandas similares, pero dentro de una producción mucho más embarrada... y es que uno de los aciertos de este Horror Cósmyco es la producción (en los Atlantes territorios de LA MINA). La excelente cubierta y todo el artwork es obra de Gonzalo Santana y la edición vuelve a ser de HUMO INTERNACIONAL tanto en CD como LP.

El uso que se hace del violín, la trompa y los teclados es realmente complicado de desenmarañar y si no me equivoco, esa ha sido la intención de la banda... una mini orquesta tan procesada que no me atrevo a separar lo que es un violín en plena descomposición del paquidérmico soplido en sordina de la trompa... al fin y al cabo, yo lo que quiero es que el golpe sea tan potente que me noquee, así que no soy de los que necesitan establecer qué suena a cada instante y en cada lugar.

Eso sí, cada instrumento está en el mismo plano de la voz, pero sin que nada se tape, por lo que el efecto psicodélico (o psicotrónico, ya que estamos) se multiplica a la enésima potencia. Discurren los 40 minutos como una pútrida Aurora Boreal que trajese mierda y miseria porque otro de los grandes aspectos de este trabajo es que lo épico se ha borrado por completo para sustituirlo por un discurso del Miedo en Gravedad Cero. 

En anteriores entregas de la banda, asistíamos a un diálogo supraterrenal entre Joseph Campbell, Robert Graves, Alan Moore y Gimbutas, pero con la irrupción de ciertos parámetros Black metaleros, PYLAR ha decidido entrar en esa corriente de insania estelar de Ligotti o Lovecraft que tan bien le sienta al Black Metal funesto de Deathspell Omega, Blut Aus Nord, Portal, Altarage o incluso Teitanblood.... es decir, los elementos progresivos de identidad de la banda se mantienen pero se mezclan con furiosos arranques angulares de blast beats y voces guturales (otra novedad) que desplazan ligeramente los furibundos cánticos rituales de anteriores trabajos.

El Universo Musical que nos ofrece PYLAR en Horror Cósmyco está empapado de miedo. Una de las grandes premisas Lovecraftianas.... o una de las que se me antoja más aterradora es esa de los ángulos irreconocibles/no euclidianos o lo que es peor, mirar hacia el cielo y no reconocer las constelaciones. No puede el Ser Humano imaginarse una forma más extrema de perder pie que no encontrar sus coordenadas en el Universo.

PYLAR aprovecha esa sensación de miedo y pavor para llevarla a su terreno y por lo tanto equiparar lo Macrocósmico con lo Infinitesimal en una alegoría que si aunque no funcione para la eternidad, sí que lo hace para los 40 jodidos minutos que dura el asunto.

II. ////////// Timor Amoris Generat Mundus Vacuus //////////

"Poisonous gardens, lethal and sweet,

Venomous blossoms

Choleric fruit, deadly to eat.

Violet nightshades, innocent bloom,

Omnivourous orchids

Cautiously wait, hungrily loom

You will find them in her eyes,

In her eyes, in her eyes".

The Garden Of Unearthly Delights, Dorothy Moskowith

(fotografía de Elena Lenguas)

Abre el disco "Tinieblas y Fulgor". Tenebroso in-crescendo cinematográfico donde la trompa se aliena con teclados y efectos que parecen masturbaciones de un Korg MS120 sobre la que se van sumando redobles de batería y una guitarra mucho más atmosférica que en anteriores discos. La voz de Lengua de Carpa parece llegar de otro plano de la realidad, cosa que se repetirá a lo largo de todo el disco hasta el punto de que parece que estuviésemos ante un disco instrumental.

En el minuto 5 ya están todos los elementos en la palestra y en esa clásica subida  de ritmo en PYLAR siempre me acuerdo de los SWANS y su forma de abrir los conciertos... los instrumentos se van sumando hasta que el muro es impenetrable provocando una experiencia embriagadora a la par que inmersiva. Los devaneos mántricos dan lugar a la machacona, metálica irrupción de un riff de guitarra pétreo (podría soportar el peso de todo el Universo); el violín sobrevuela con notas cortas pero angulosas a la pesadez herrumbrosa de una batería que marca un pulso al más puro estilo YOB, SONS OF OTIS, SUNNO))) y otras bestias pardas del estilo.

Para el minuto 6 todo se ha convertido en una psicodélica coda con extructura Sludge. Las cuerdas vocales de Lengua de Carpa se han petrificado y juegan de forma dual con entonaciones Black y chillonas homilías propias del Hardcore... pero claro, todo eso dentro de un Muzak insano con tantas capas que para llegar a la base tendriamos que pasar por quirófano. 

Otro de los aspectos a destacar es la trompa, que suena tan lejana que podría ser el chirrido de electrones derrapando en una puta carrera de partículas e isótopos. Atentos a la bestial forma de finiquitar el tema. Cerrad los ojos y buscad como en una sopa de letras los instrumentos; canta el violín, la trompa hace coros esporádicos mientras el Universo se está pudriendo y tú no te estás dando cuenta. El agua que buscamos para la vida es el exudado de una inmensa, abismal úlcera que se está comiendo metastásicamente la Realidad. 

(fotografía de Elena Lenguas)

"La Nada (se Cierne sobre Todo)" se mete de lleno en la experimentación. Toques fúnebres de la guitarra recuerdan a algunos proyectos como Funeral Moth, los arranques lentos y febriles de Monarch y cosas así, pero PYLAR han llegado al punto en el que es casi imposible compararlos con algo concreto sin jugarte el prestigio. Una percusión minimalista, idas y venidas de sábanas de teclados, una plañidera voz y la sensación de estar asistiendo a un cruce entre la primera fase comunal de AMON DUUL y las partes más tribales de NEUROSIS. 

La Cara B se abre con "Negros Abismos sueñan mi Muerte", que me suena a ORTHODOX por los cuatro costados en su inicio, aunque abruptamente se lanza a una cabalgada llega de detalles, con una histriónica línea de trompa y violín en diálogo cuneiforme compitiendo por la cordura. Salvaje el doble bombo y los registros vocales que alternan entre la guturalidad y el timbre característico del black. Cambios de ritmo y un sonido eclesiástico que no sé que diantres es que lo inunda todo como poliuretano; y es que hay algo de fondo que suena como un órgano tocándose dentro de una catedral fabricada en la Estación Espacial Internacional con piedra de meteoritos. 

El disco se cierra con lo que es el mejor tema en mi opinión. Un circense ambiente marcado por la cabaretera, afrancesada melodía de un violín en estado de gracia sonando casi como un acordeón, marca el inicio de "Tenebrosa Armonía" que lenta, inexorablemente se va cargando de toques industriales a lo Killing Joke de su nueva etapa y la sensación de estar metidos dentro de un Tiovivo que va a la deriva atravesando un Agujero Negro. Una batería sublime liderando la faceta más avantgarde de PYLAR y dejando la sensación de que este tema es el puente hacia el segundo volumen de la trilogía que está por llegar. 

Voy a cerrar la reseña con un trozo del excelente texto de FRANCISCO JOTA PÉREZ que capta a la perfección con su maravillosa forma de escribir el sonido de Horror Cósmyco:

"Érase una vez una transformación por vaciado de excrecencias de la evolución y ahí se espeja ahí

nada perdura ahí las lunas se tiñen de aceite de sombra ahí en los hígados podridos de la nergía indómita ahí donde finaliza ahí el límite no se encuentra".

https://pylar.bandcamp.com/album/horror-c-smyco-2

https://humointernacional.com/