martes, 14 de mayo de 2019

ALFREDO COSTA MONTEIRO / TOMÁS GRIS / DAVID ÁREA - "ANILINA" (EX NIHILO RECORDS, 2018)



Otto Unverdorben destiló el índigo dando lugar al Crystallin. Punto de partida para la Anilina como partícula ultratóxica que desde 1826 va mutando sucesivamente hasta el Cyanol, la Potasa Cáustica y por último el aceite ultratóxica de la Anilina. Distintos caminos heteroalquímicos condujeron a la Fenilamina, siendo August Wilhelm von Hofmann el que acaba unificando teorías y sustancias.

***

ALFREDO COSTA MONTEIRO al acordeón y objetos; TOMÁS GRIS guitarra y objetos y DAVID ÁREA a la electrónica componen esta suite de 30 minutos de duración en el laboratorio alquímico DETRUITA SONON de Madrid. Edita en formato digipack EX-NIHILO RECORDS que en su página web etiqueta la música del trío como "reduccionista", algo que me ha llegado al alma y que me parece tremendamente apropiado a tenor de cómo se va desarrollando la electroacústica, electrónica mínima concreta y experimentación en estado puro de Anilina.

De sosegado discurrir, son sosegados los elementos disruptivos que destacan por encima de la base férrica que flota en los altavoces. Ruido blanco sobre el que se superponen notas espaciadas de guitarra, acoples ultraagudos y en general un toma y daca de los tres músicos a lo largo de media hora. El acordeón da un toque bizarro tremendo cuando interviene haciendo que uno se pregunte si no está en una especie de atracción circense caducada, herrumbrosa y para más inri, cargada de electroestática.


Sin el aspecto visual, me es difícil decir qué objetos se tocan, pero lo que parecen platillos rozados con arco, electrónica analógica de diversa índole y la procesada guitarra son instrumentos que se van repitiendo de forma constante. Sin existir base rítmica per se, sí que se notan algunos elementos que ejercen la función de percusión mínima, al menos de forma abstracta. 

Las notas casi golpeadas de la guitarra parecen desde luego vibráfonos, y el acordeón cuando interviene sube la oscuridad del conjunto... es un instrumento cuyo tono, timbre y características generales siempre ha tornado todo lo que toca de cierta melancolía, así que imaginaros cuando se usa con propósitos destructivos. 

Conforme va avanzando el tema se van trenzando los instrumentos en una especie de suite de cariz cinematográfico, camaretística y muy orgánica, aunque eso sí, se trata de música para oídos ya curtidos  en estas lides. Me gusta muchísimo cómo integran lo acústico de la guitarra y el acordeón con los broncos golpes de la electrónica de tal suerte que se huye de la música industrial agresiva para crear algo más minimalista, espaciado y que requiere de máxima atención para su disfrute.

Además, uno no se quita la sensación asfixiante de amenaza (real o no) ni por un instante.



lunes, 13 de mayo de 2019

MEDICINA - "TURBOÁCIDO" (MAI LEI BEL, 2019)


Las cosas urdidas a fuego lento suelen tener una lógica existencial más coherente. El tiempo de maduración natural influye bastante en el sabor del resultado, y creo que es la razón en sí de que los algecireños MEDICINA hayan publicado su primer larga duración tras la friolera de tres Eps que inexorablemente se han ido desgranando por aquí:

Medicina - "DOSIS 1 Soluble" (reseña aquí
Medicina - "DOSIS 2 Mlp" (reseña aquí)
Medicina - "DOSIS 3 #3" (reseña aquí)

Dicho de otro modo, el hiato de más de 4 años para soltar un vinilo a la palestra que bien merece que lo comentemos a fondo. La edición de Turboácido (que así se llama el artefacto) es para quitarse el sombrero en muchísimos aspectos. Desde el psicotrónico diseño a la cantidad de regalitos que incluye; Cd físico en su sobre con el artwork original, pegatinas, un póster... y ese color rosado que le sienta como anillo al dedo a un Shoegaze noventero, a ratos espacial, a ratos introspectivo, pero siempre con ese regusto añejo de una buena borrachera con licor de cerezas.

Grabado en los clásicos TRAFALGAR STUDIOS (Curro Ureba), MEDICINA son ALBERTO GONZALEZ a la guitarra y voz, DAVID R. DONOSO a la batería/percusión y JOSÉ M. SILVA aka POT al bajo, coros y teclados). El diseño si no me equivoco es de ALICIA AFANADOR sobre un trabajo de ANTONIO RAMÍREZ.... edición física de MAI LEI BEL (Austria).


Fuertemente influenciados por las descargas Noise Rock de finales de los 80 y primeros 90 (Grunge incluído), cantando en castellano es inevitable que me acuerde de grandes combos de Space Rock hispano que coqueteaban con el Pop como es el caso de los recién extinguidos SCHWARZ, o los LAGARTIJA NICK de su etapa más etéreo festiva. El Indie patrio en sí tiene una pátina reconocible en las machaconas guitarras y la languidez de las voces... una especie de "marca de la casa" que queda patente en los 10 cortes del disco.

Mezclar PENELOPE TRIP con los anteriores, añadirle pizcas de MY BLOODY VALENTINE, y añadir el empaque que ha supuesto la mejoría notable de las voces (mucho más marcadas y entendibles) y la potencia extra de una base rítmica que ahora se apoya en un bajo tan experimentado como el de Jose Pot (VIAJE A 800, HÍBRIDO, MEDICINA, ATAVISMO....).

La sensación general que me transmiten MEDICINA en un larga duración es el de estar en un Triposo y caleidoscópico parque de atracciones acuático en el que las atracciones en vez de ser tubos de plástico fueran intestinos humanos exponencialmente agrandados; nada es lo que parece y aunque se rescaten gran parte de sus himnos anteriores, han sido regrabados con mucha más energía.


"Infarto Juvenil" abre el disco (era el tema que aparecía en Dosis 2) con toda esa psicodelia pseudo festiva. Es como coger a los WOODEN SHJIPS y darles algo del gas de la risa quitándoles sobriedad. Espíritu popero en las estructuras pero con unos arreglos fuzz fantásticos que han engordado bastante el tema con respecto al EP... voces más discernibles, el apoyo del bajo y la solución evacuante de las baquetas. Sigue el magnificente acople de distorsión melódica en "Blanco de Impacto", corte con desparrame lisérgico que recuerda a los grandes momentos de MANTA RAY; las melodías de guitarra huyen de despliegues eternos innecesarios y se acotan en píldoras sublinguales que funcionan a modo de pequeños himnos urbanitas con algún que otro toque de efectos de teclado aquí y allá.

"Sobredosis" no pierde (ya lo comenté en su día) esa sensación Motorik a lo NEU! y LA DUSSELDORF. Como diferencias pues ahora suena como en otro plano. La música de MEDICINA es como las gafas de 3D antiguas de las películas de sobremesa que regalaban con la revista PRONTO... todo un acontecimiento. Fantástico trabajo de percusión y si no me equivoco, un apoyo subterráneo de teclados mínimos que antes no estaban ahí.

Misma esencia, más punkarra (la voz algo tratada le sienta muy bien) y más acelerado es "Diagnostico, Prescripcion y Tratamiento". Machacón como un pico de benzodiazepinas a las cuatro de la tarde en agosto. 


Sigue "Pirotecnias" con algo de los primeros RIP K.C. o los mismísimos LÜGER. Muy marcadas las líneas de bajo y una producción equilibrada que le da el punto perfecto entre suciedad/limpieza para un tema que parece sacado de "esa otra movida" más oscurantista que se vivió en nuestro país al margen de la oficial. Porque es curioso... a pesar de la acidez que practican MEDICINA hay una fuerte base de Pop decadente que roza el Post Punk menos agrio. 

Uno de mis temas preferidos, como no podía ser de otra forma, es "Sensorial". Todo flota, todo se va desarrollando a trocitos resbaladizos.... mantras vocales, cascabeles festivos, loops de bajo y una guitarra que zurce más que toca. Va dando notas como puntadas para mantener al tema en un plano elevado de realidad. Electromagnetismo musical en estado puro; no en vano eso es el Shoegaze cuando está pletórico. Grandioso cómo va subiendo la distorsión sin llegar nunca a estallar. Todo comedido como una infección autolimitada, como un duelo mal llevado, como un mal de amores que se enquista... o como agobiarte dentro de una pompa de jabón que has hecho tan gruesa que no puedes romperla.


Siguen las referencias a Antonio Arias en "Hermanas". Cuando el corte se quiebra en dos parece que estoy escuchando un Boogie Rock And Roll a la antigua pero tuneado (con notas de piano incluidas). Música simple para mentes jodidas. Se carga de Fuzz y Reverb el más oscuro "Ensamble". Lento, arrastrado e incendiario, es depresivo a su forma con intentos de suicidio incluidos en esos gritos desesperados con forma de riffs de guitarra cortantes. ¿He dicho ya que la voz ha mejorado muchísimo con respecto a los EPS?.

Para cerrar nada más y nada menos que "Soluble", en modo cabalgata Jam proto Grunge y el cañonazo "Histamina", primo putativo de los HAWKWIND... Space Rock ultra espeso, sugerente, pletórico en su fiereza antialérgena y que ahora es más largo que el original, con sutiles cambios por todos lados (las voces) que lo agrandan hasta el punto de que pudiera durar una eternidad. 

Como ponerte peta zetas en los sobacos y las plantas de los pies e irte a hacer running.... van estallando conforme sudan y lo que era un simple ejercicio se convierte en una carrera espacial al fondo del punto Cosmos.





miércoles, 8 de mayo de 2019

GOLDEN ASHES - "GOLD ARE THE ASHES OF THE RESTORER" (AURORA BOREALIS RECORDINGS ABX078, 2019)


A través del sello de culto inglés AURORA BOREALIS, casa de más de una joya psicotrópica del alcance de SYLVESTER ANFANG II (Kosmies Slachtafval), el ritual ancestral de BLOOD OF THE BLACK OWL (A Feral Spirit) o lo primerísimo de MOSS (Chtonic Rites) nos llega ahora la enésima perversión del Black Metal en la formación de GOLDEN ASHESSEIROM (más conocido como Maurice de Jong), que viene practicando su Black Ambiental desde hace casi dos décadas, crea este espeluznante Golden Are The Ashes Of The Restorer, posiblemente de los discos más adictivos a los que me he enfrentado en mucho tiempo. 

Bajo los áureos auspicios de la fértil unión autofágica con Mories del grupazo de culto GNAW THEIR TONGUES nada sano (de cordura hablo) podía salir, y en los 35 minutos que dura el disco uno tiene la sensación de que está siendo despedazado por algo que brilla mucho (que no es el sol) y que te lleva al mismo centro del Universo.


Si a estas alturas no te has dado cuenta de que Mories es Seirom es que algún problema tienes... quizás dándote la vuelta lo arregles. Si tuviera que atenerme a cada proyecto del caballero necesitaría dos artículos... Caput Mortuum, Cloak Of Altering, De Magia Veterum, Gnaw Their Tongues, Grand Celestial Nightmare, HAGETISSE, Mories, OFFERBEEST, Ophiuchus, Pyriphlegethon, Seirom, The Black Mysteries, The Night Specter.... y ahora, pues eso, GOLDEN ASHES.

La edición es tanto en Cd (digipack) como Vinilo (en un precioso amarillo trasnparente) habiendo sido grabado, mezclado y masterizado por Maurice de Jong en los DBJ III (Drachten, Holanda). Todos los instrumentos y voces son del propio Maurice, al igual que el artwork.

En cuanto al sonido, las diferencias con respecto a proyectos como GNAW THEIR TONGUES son más que evidentes. Si aquellos refuerzan el aspecto operístico de su Black Metal nihilista y salvaje, directo a la pútrida cloaca de los más bajos instintos humanos, GOLDEN ASHES llevan esa fórmula a otros niveles más Cósmicos y elevadores. 


La sensación a lo largo del disco es la de Trascendencia. El uso asfixiante de los teclados tiene la enorme virtud de sonar a un cruce Techno entre EMPEROR y un club de baile inglés de mediados de los 90. En el tema que abre el disco, "The All Consuming Light of Eternal Death", se aboga por una asfixante, enterrada percusión con capas y capas de teclados Lo Fi aterradores. La voz es lejana y parece provenir del centro mismo de un vórtice mental... el conjunto es Black Metal pero la electrónica tiene algo de Rave perversa y psicotrópica que tal y como he comentado, adultera el sinfonismo hacia su reverso oscuro.

Si tuviera que definir esto rápidamente y con el filo de una navaja en mi garganta, diría que es Black Metal bailable en el filo mismo del fin del Cosmos. Sigue la mayestática cabalgada de "Sweltering And Swarming Towards Infinity", más terrenal pero a su vez ganando en violencia. Los sintes siguen ahí, sempiternos, imperturbables como una constante en Física Cuántica.

Las guitarras, frías como el hielo, generan el calor necesario para fundir las partículas de "Gold Are The Ashes Of The Restorer"... épico, sublime, majestuoso y visceral... tan visceral es que no sé si el amarillo áureo que lo impregna todo es el pálido tono verdoso de la piel invadida por bilis. Si mezclas a LIMBONIC ART con SUMMONING, pero con algo de Shoegazing y el etéreo uso de los sintéticos teclados en el Synth Pop y el Disco (pero ojo, muy tratados) obtienes algo parecido.


Poco sosiego vamos a tener. Se baja el tempo un pelín en "The Uniform Sombreness" que por lo demás sigue la misma línea. Es como si varias realidades paralelas, varias formas de entender la música de Maurice de Jong, hubieran sido unidas desde diversos ángulos dimensionales haciendo el proceso inverso de descomponer la luz blanca en colores. 

GOLDEN ASHES son partículas funerarias de toda etnia, tiempo y lugar dirigiéndose inexorablemente a un único, puntiforme Maelmstrom primitivo. Se acentúa el ambiente sucio en "Drifting Slowly Through The Portal Of Sorrow Towards The Vod Of Death", más cinematográfico, espacial y flotante, tirando de Ambient pero pasado por un tapiz de Kraut Berlinés enterrado en el fondo... más o menos como unos POPOL VUH perversos y degradados.

"Wanderer Of The Eternal Forest" tienen la epicidad del Dungeon Synth pero con la dosis de Noise que las ediciones de GNAW THEIR TONGUES en CRUCIAL BLAST se gastaban. Por compararlos a algo, podría citar a los infames NIHILLL. A estas alturas tengo la sensación de que estoy flotando en un triposo viaje hacia algo que me supera en su enfermiza, constante sensación de derrumbe. 


Algo biológico, preternatural y añoso que se está derritiendo en un cénit cegador no necesariamente negativo. "Seven Bodies Before I Reach Divinity" o cómo mezclar sintetizadores y loops a lo THE ORB con el fiero metal extremo que aunque enterrado en capas y capas de teclados y procesados industriales.

Cargado de misantropía extraterrena, la procesionaria "The Charred Gates Of Benevolence" es el BLOOD FIRE DEATH de BATHORY en clave litúrgica. Como si hubieran resucitado a Quorthon de la tumba mediante ritos sumerios prohibidos... gloriosos, lejanos cantos nibelungos sobre los que planea la sempiterna visceralidad del Black Nórdico. 

Recomendadísimo disco, tan difícil de catalogar como apasionante resulta su escucha.



jueves, 2 de mayo de 2019

ABIGORUM & STRIBORG - "SPECTRAL SHADOWS SPLIT" (GRIMM DISTRIBUTION / DEATH PORTAL STUDIO, 2018)


Tremenda sorpresa me he llevado con el Split entre ABIGORUM y STRIBORG que me llegó hace unas semanas. Editado por GRIMM DISTRIBUTION y DEATH PORTAL STUDIO, y con un minutaje de casi una hora de duración, estamos ante un triposo viaje alucinógeno de Black Doom Industrial en el caso de los primeros, y un explosivo tour de force de Coldwave y electrónica Lo Fi en los segundos.

Spectral Shadows, que así se llama el Split, se abre con 5 cortes de los rusos ABIGORUM formados por Aleksey Korolev (pope de SATANATH RECORDS) en todos los instrumentos excepto un tal Abstrusus que colabora a las voces. Lo curioso es que la parte de ABIGORUM va de menos experimentación a una total inmersión en el Ambient que hace que el tema de STRIBORG enlace a la perfección. 


"The Darkness of Aeons" abre el cotarro con una fiera violencia fruto de mezclar a unos LIMBONIC ART con elementos industriales. Rápida, cortante y con atisbos Doom, es un caos sonoro considerable. Batería versátil (aunque monolítica), contundente y con un tempo rapidísimo, guitarras frías como el hielo rozando lo marcial y las vocalizaciones insalubres de Abstrusus. No puedo quitarme de la cabeza comparar este corte con los dioses underground canadienses ZARAZA, más Doom en su propuesta pero podridos hasta la médula también, y algo del sinfonismo Black de EMPEROR o ARCTURUS.

Donde más evidentes se hacen los elementos ambientales de eso que llaman Blackwave es en el segundo "Vortex Cathedral´s Shadow". Tribal y machacón en sus base rítmica cuasi Techno, se va abriendo paso como un bisturí una procesada línea de guitarra sobre la que reposan las vocalizaciones más melódicas de las voces, con un timbre de voz cercano a Sakis de ROTTING CHRIST en sus experimentaciones más electrónicas de allá por el año 2000. 

Me encanta este tema... la melodía enfermiza de la guitarra parece transcurrir en un plano irreal que se desarrolla en otro tiempo y el conjunto tiene algo de.... no sé, de Sumerio, Mesopotámico o qué diablos sé yo.


"Orpheus Dreams" baja ya a terrenos de electrónica pura y dura salvo por las percusiones que tienen nuevamente aires marciales rozando el Dark Ambient y el Black Industrial al estilo de lo que hacen GNAW THEIR TONGUES y otros proyectos de CRUCIAL BLAST o lo que es lo mismo, un jarabe emético a base de sangre coagulada y azufre en terrones. 

Más abstracta y "cibernética" es "Striborgum", homenaje ante sala de lo que está por llegar con STRIBORG. Un corte despiadado de Cyberblack Metal o algo así que parece venir de otro mundo y que mezcla a la perfección lo orgánico de la batería con lo industrial del resto de instrumentos.


STRIBORG, leyenda Australiana activo desde los 90, ha ido mutando su sonido desde el Black Metal a la Coldwave y su "Spktr" es una insana muestra de cómo 30 minutos pueden dragarte el alma como un agujero negro. Baja fidelidad a raudales, escasos cambios de ritmo y un pétreo ambiente nihilista que sobrevuela un corte que posteriormente se tocaría en vivo en el Live At Mona con miembros de la Australian Art Orchestra coincidiendo con un espectáculo de luces de RYOJI IKEDA

Pulsátil, mimimalista... en sí es como una versión futurista de la Dungeon Music que puede desesperar a no iniciados en el género. A mí me ha parecido una fantástica muestra de cómo convertir mi cerebro en titanio fundido. Soberbio. Tiene que ser glorioso escuchar este tema con las aportaciones que hicieron  con el clarinte bajo, el guzheng, el violín eléctrico y la trompeta.


MANDIVULA - "NONSENSE" (AUTOEDITADO, 2019)


El barcelonés GERMÁN SÁNCHEZ, parte integrante dentro del grupo de Noise Rock y Post Punk DES AMES LIBRES (D.A.L.), se desprende de la cápsula madre para traernos MANDIVULA, proyecto personal anclado en la Darkwave, la electrónica minimalista de corte cinematográfico y en definitivas cuentas, algo así como mezclar en una batidora a ARCOS DE NEPAL, la banda sonora imaginaria DROKK para Megacity One y mucho de un revitalizado CARPENTER

"Disease" abre el EP Nonsense con un sincopado ritmo electro con soundscapes retro futuristas tan atractivos como jugar en un laserdrome con balas reales. Lentamente, sobre la propulsada base rítmica, se hacen de querer unas letanías a lo KRAFTWERK que junto con el espectro abigarrado de Synth Pop forman el ingrediente perfecto para bailar hasta altas horas de la madrugada. 

Durante algunos ritmos se aventura MANDIVULA por pasajes a lo NINE INCH NAILS pero lo que prima aquí es un Ambient Tribal amenazante que va corto y al grano... algo así como los griegos HAU o MILLIONS OF DEAD TOURISTS pero más limpio todo (los griegos tienden a soltar bilis en toda la música que tocan). Por cierto que ayudan la acertada mezcla y masterización de PEDRO PINA en los SUBSTANCIA LABORIATORIOS. La edición física es un digipack con artwork de RecluseDark que podéis pillar en el enlace al final del texto.


"My Spine" se estructura en subcapas y se disfruta más con auriculares. Techno minimalista con trazas a lo THE ORB, interludios más etéreos y vuelta al disfrute de la inexorable, machacona base percusiva. Contrasta el más opresivo, gótico y con algo de... no sé, ALIEN SEX FIEND, el intenso "Void" que lejos de perder las señas de identidad, llevan la propuesta de MANDIVULA un pasito mas allá dotándola del empaque que el Coldwave suele ofrecer a estos proyectos. Destacar la infecto contagiosa melodía que vertebra el tema; insistente y peligrosa como una obsesión psicopática. 

"Austerity" sin embargo me ha parecido más plano y aun no estando del todo mal, no alcanza la decrepitud electrónica de "Glass Bones", corte en el que vuelve a mascarse algo del Punk oscurantista que citaba antes. Darkwave en estado puro como retorcer los órganos genitales de los miembros de CLAN OF XYMOX en un remix masturbatorio. No hay voces, pero algún que otro sampler vocal le habría sentado del carajo al conjunto. 

Se puede bailar en todas las festividades, qué diablos... hasta los óbitos son motivo un para mover las caderas. "Grey" tira más del espectro Dub y subsónico, con elementos disruptivos machacones en forma de voces procesadas en lo que para mi gusto es el mejor corte del EP. Oscuro como un Mahnjong de baquelita negra o tan pulsátil como el hipnótico danzar de unos nunchakus fosforescentes batiendo carne en el día del Juicio Final.

Complementándose a la perfección con el anterior, "Mute Speech" es la salmuera séptica con la que se finiquita Nonsense y que demuestra lo viva que está la escena Synth ochentera. En resumidas cuentas, un buen trabajo de debut con algunos flecos que limar según mi humilde opinión (en algunos arriesgar más, en otros alargar más el minutaje) pero que para nada restan potencia a esta nueva muestra de cómo sobre alquitrán fundido y descalzo se baila mejor. 

Lo mejor, las incursiones espectrales en el goticismo vaporoso de los ochenta.


miércoles, 1 de mayo de 2019

PLASTIC WOODS - "ICARUS" (SURNIA RECORDS, 2019)


Lo que otros grupos necesitan para madurar (o sea, 3 o 4 discos), PLASTIC WOODS se lo saltan y nos revientan en la cara un debut que más quisieran otras bandas tener en su discografía. Un grupo unido a RED EYE (reseña aquí) tanto en lo geográfico (República Atávica de Antequera) y mediante la molécula del bajista Antonio Pérez Muriel, al que se suman Javier Rubio Arrabal a la percusión/batería y Jesús de la Torre Sánchez a la guitarra, flauta travesera y voces, colaborando también en algún tema Elvira Simancas Fernández al clarinete.

Suturando la violencia kárstica de amputar el Stoner mediante bisturí Hard Rockero con un hilo trenzado de Psych, Doom y Progresivo, PLASTIC WOODS se desangran en 8 cortes tremebundos que aportan una frescura inusitada a estilos que ya aparentemente habían pasado al grado de manantiales secos. Darle la enhorabuena a SURNIA RECORDS que además de este Icarus también ha tenido el acierto de sacar lo nuevo de PYRAMIDAL en CD.

La potente portada de GONZALO SANTANA bien podría ser un acertijo greco-latino perdido en el tiempo. Onírica, Dunsaniana, Borges´style; casa a la perfección con el inicio instrumental de "Avoid The Sea...", hija bastarda de la unión entre las percusiones motorik de NEU! o L.A. DUSSELDORF y ese marchamo popero y psicotrónico de los WOODEN SHJIPS. Como elegirse a los integrantes de THE BEACH BOYS como protagonistas en una partida de La Llamada de Cthulhu


El rumbo que adquiere el tema con la sinusoidal guitarra y la base rítmica simple pero efectiva habla de desiertos a lo YAWNING MAN, o a esas vistas aéreas que se marcaban EL PÁRAMO antes de dejarse seducir por su lado más comercial de TOUNDRA. El caso es que "The Myst" empieza a dejar traslucir los aromas a Bon Scott de su vocalista.; es decir, nanas boogie aliñadas de Rhythm and Blues.

Mucho más oscura y tirando de Occult Doom es "Dressed in Black". Aquí el bajo gana protagonismo y hace crecer a la batería, correcta pero sin florituras. Un interludio fantástico y vuelta a recrudecerse en una versión más pétrea de DEEP PURPLE y en definitiva de todo aquello que se llamó Proto Doom pero ojo, que cuando entra la flauta travesera se me caen unas lágrimas anales (léase palomino) a la ropa interior. El Space Rock cuando se viste de musgo y líquen brilla en la oscuridad como la baquelita de los adornos de un Barrio Chino.

Unos fraseos jazz me traen a CAMEL a la cabeza. O a CARAVAN y bandas del CANTERBURY inglés. Ahora sí, la percusión en su tono más minimalista resalta la labor de Javier Rubio, que va de menos a más a lo largo del minutaje del disco. Me encanta el fundido a alquitrán del final del corte, apocalíptico y épico en su desenlace.


La grabación en los GREEN CROSS STUDIO de Málaga es correcta, y la masterización clásica de Mario G. Alberni en los KADIFORNIA resalta sobre todo en los pasajes más Prog como en la instrumental "Egeo" aunque en general el sonido es un poco plano y adolece de algo de potencia... se capta a la perfección en el riff de bajo que abre "Mino´s Slave"; pero claro, todo esto ya son gustos personales. Digamos que Icarus es un disco de un Power Trío DONDE se nota que es un trío. 

Dicho de otro modo, algo más de empaque hubiera sentado de lujo sobre todo a la batería que es la que más hueca ha quedado. Pero ojo, esto es un debut y se lo pueden permitir... además, tampoco yo tengo la clave de cómo debe de sonar un disco así y puedo estar equivocado.

Sigamos. Fantástico juego de voces y coros en la citada "Mino´s Slave" que para colmo se adentra en el Space Rock Progresivo andaluz de forma excelsa. Sigue la cabalgada en forma de himno "Song For the Pariah" con guitarras acústicas, voces en Vocoder y a continuación uno de mis temas favoritos, "Syriktes"

La parte más arriesgada de PLASTIC WOODS, ese sonido que los hace distintos a la media, se capta aquí a lo largo de 10 minutos y pico. Alunizajes a lo MARS RED SKY sobre todo en el uso de la base rítmica (es curioso, pero este tema suena mejor que todo el disco en cuanto a producción) y la fantástica flauta travesera tipo BLOOD CEREMONY, junto a la estructura no convencional del corte (aunque algo de "Planet Caravan" hay por ahí...), los convierte en un hermano incestuoso, teratogénico y bastardo a caballo entre COMUS y SLEEP.



Ojito que me tengo que tragar mis palabras con los detalles percusivos aquí... tremendos arranques contenidos de Jazz Fusión que le sientan como anillo al dedo. Sin casi solución de continuidad, me vuelan la cabeza con el triposo "... And Rise The Sun", con funestos arabescos de clarinete, estructura baladesca Post Glam y un exquisito aroma Folk. Quizás alguien se acuerde de los maravillosos LORD SUMMERISLE de Barcelona, los malogrados ALEPPO PINE, los clásicos FOOZ y bandas del estilo.

Resumiendo, PLASTIC WOODS son una joven banda que se han marcado un debut catedralicio. A pesar de la inexperiencia en el local de grabación, los temas son tan jodidamente buenos que han grabado un clásico. Hay tanto potencial aquí que desde ahora son banda a seguir bajo cualquier circunstancia. Lo que otros tardan una década y no consiguen, PLASTIC WOODS lo hacen con tanta facilidad que estoy abrumado.

jueves, 25 de abril de 2019

CHAOSOPHY - "WHO ARE THESE PEOPLE AND WHAT DO THEY BELIEVE IN?" (LIQUEN RECORDS LRCD006/DISCORDIAN RECORDS, 2017)


Tres músicos improvisando de forma salvaje abren Chaosophy. Caos en forma de saxofón alto y piano eléctrico Rhodes (El Pricto), saxofón tenor/soprano (Josep Lluís Galiana) y batería/percusiones (Avelino Saavedra). 

Espejismo musical a base de un arquitectónico y complejo sistema de ordenadas y coordenadas en el que, casualidades del destino y de la singularidad del espacio tiempo, ha sido grabada esta tremebunda sesión del 5 de Diciembre de 2017 en los Shark Studios de Paterna (Valencia) por Julio Valdeolmillos.

Fantástica y definitoria la portada (El Pricto) alejada de esos espantosos retratos de virtuosos con gorras de medio calado o gorros de gángsteres tan habituales en el jazz y que me producen escalofríos. Aquí se ha recurrido a algo más europeo y fresco, una imagen de tres astronautas que parecen hablar un diálogo extraterrestre (su música) mientras nos miran con curiosidad. 


Si pequeños patrones y variaciones musicales pueden crean grandiosos estados alterados de consciencia, ¿qué ocurre cuando el grado de beligerancia y cohesión es tan elevado que se roza la simultaneidad de los Sistemas Dinámicos?. Dicho de otra forma, ¿seremos capaces de preveer el movimiento vibrátil de su música y situarlo en un GPS acústico/mental?. Todavía más fácil, cómo demonios puede uno sentir el pulso de la música dentro de tanto caos?.

Esto que puede parecer una perogrullada adquiere en mi cabeza importancia catedralicia. Analizando variables como Los Atractores de Punto Fijo, la Divergencia Exponencia de Trayectorias, la Sensibilidad y el Determinismo, pero todo aplicado al campo de la Improvisación Libre y el Free Jazz, llego a la conclusión de que de la misma forma que un Sismógrafo recoge las sutiles variaciones de las placas tectónicas, la representación gráfica de la música de este potentísimo trío crearía a buen seguro Mandalas Psicorrágicos de barroca evolución (posiblemente infinita).

"Eristocracy" es muestra de todo el rollo que os he soltado. Yo, que he tenido oportunidad de ver a estos tres salvajes músicos en estado de gracia delante de un escenario, puedo atestiguar que la tensión de su música se masca. Los devaneos entre saxos altos y los más líricos tenores caminan el fiero paso de aquel monstruoso Free Jazz de Ornette Coleman, pero sin perder nunca de vista la siempre aguerrida forma de entender estos géneros que tienen los británicos. 

Necesitas escuchar mínimo tres veces cada corte (una por cada músico, una por cada negación de Pedro... como si dijese: "joder, esto no puede ser real") para comprender el trenzado que se establece; las innumerables sordinas (con la parte interior del muslo, que lo he visto en directo) de El Pricto, la concentración ensimismada de Galiana, que me sorprende muchísimo con las ráfagas de notas cortas y en sábana, sin perder nunca el compás y jugando con todas las partes de su instrumento, y luego la percusión casi tribal de Saavedra que convierte la batería en un lienzo y cada vez que golpea la baqueta se rellena un espacio en blanco.

"The Myth of the Nipples" es abstracta. Soplidos, Glosolalia musical agreste con cierto aroma a Mu de Don Cherry, los Heliocentric Worlds de Sun Ra y esas salvajes incursiones político circenses de la Art Ensemble of Chicago ("Reese and the Smooth Ones"). De forma inexorable se vierte una percusión enorme que requiere de la máxima atención del oyente para empaparse de la cantidad de microdiálogos que mantiene con los vientos. No creo que se trate de virtuosismo (odio esa palabra), sino de hilo umbilical con lo Sacro. No encuentro otra palabra para transmitiros el grado creativo en, no lo he dicho hasta ahora, Who Are These People and What Do They Believe In?, que es así como se titula.

Cambia el registro la más fusionera "If You Can´t Be Right At Least Be Loud" donde El Pricto conduce un atmosférico Muzak de piano eléctrico que nutre el fondo sobre el que se desarrolla un apabullante solo de Galiana al saxo tenor.

Como si de una oscurísima sesión de la Tony Williams Lifetime, pero con aliño de Soft Machine, Saavedra recuerda al genial Williams en acercamientos a un Post Bop casi Funk rematado por arabescos exquisitos marca de la casa. Luego acotado solo del Piano Rhodes y vuelta al motivo principal melódico; para rematar, abstracciones minimalistas para rematar un corte sublime.

Fastuoso el inicio de "The Only TRUTH In The Multiverse Is That SHIT HAPPENS", de los mejores títulos que he leído en mucho tiempo. Los tres músicos jugando con los aspectos más ambientales de sus instrumentos acercándose al terreno del Jazz Rock. Nunca quietos, siempre en movimiento, el trío se va desplazando a una suerte de Free Bop in crescendo. Curioso como en ocasiones tienes la sensación de que hay toda una base rítmica (con bajo y todo) tocando. Supongo que el espectro que abarcan es tan amplio que te amortajan en poliuretano. 



Para rematar la faena, "It Is Their Firm Belief That It Is A Mistake To Hold Firm Beliefs". Los vientos muy Coltranianos, con Saavedra codeándose con el mismísmo Rashied Ali. Se vuelve a los planos dimensionales del comienzo del disco pero con el Rhodes ejecutando una impresionante cabalgada que va ganando en protagonismo. 

No se me ocurren más adjetivos. Hay que rendirse ante la maestría de El Pricto, Galiana y Saavedra que tienen las narices de coger al Caos por sus gónadas y darle la forma que ellos quieren en su torno de barro particular. Créeme cuando te digo que se trata de un álbum IMPRESCINDIBLE si eres amante de estos estilos. 

Crece y crece con cada escucha como el jodido Big Bang, que todavía dicen que se está extendiendo.... ¿o será replegando?. A veces Free, otras Jazz Rock, pero con una energía descomunal que queda patente en cada uno de los 9 cortes del disco. Hay quien afirma que este tipo de grabaciones no suele recoger la grandeza de los directos; pues bien, aquí, un claro ejemplo de lo contrario.

LAMORTE - "VIE" (VARIOS SELLOS, 2019)



Si no me equivoco, creo que he reseñado discos de las bandas en las que militan o han militado los miembros de LAMORTE, nueva encarnación poliédrica de la oscuridad sevillana más mugrienta y salvaje, la que exuda Zotal almibarado en las esquinas y te asesina con diptongos imposibles, a la sazón, LAMORTE digo.

Sexteto, sí, sexteto (en los tiempos que corren, un gesto de valentía) con músicos veteranos en esto de meter alambres por las fosas nasales hasta el cerebro y dañar sólo lo justo y necesario. SCUMWORM, MORDIDA, DEVIANTE, SUBLIMINAL CHAOS... desde el Grind al Hardcore, y entre medias pues todo un catálogo de exquisiteces. 

Dos baterías (Jesús Torronteras y Manu Jiménez), tres guitarras (Frank Serrano, Juanma Lavado y Adri Sin Fe), el bajo de Danielo Martínez y la versatilidad enorme de Jose Almero a la panoplia de voces. Como para meterlos en el catering.

La coedición es de nada más y nada menos que de 12 sellos: SACRAMENTO RECORDS, NOIZELAND, FÄSTING RECORDS, FUZZ T SHIRTS, NOOIRAX, VIOLENCE IN THE VEINS, ODIO SONORO, THE BRAVES RECORDS, BARRAKS, NON PROFIT RECORDS, LONGLEGSLONGHARMS y SALA HOLLANDER. Ediciones en vinilo rojo y en CD digipack con artwork de Ricardo Barquín Molero. Grabado por Sculer y Manu Hollander en los Sacramento Labs / Hollander Studio y mezcla y masterización por Iván Ferro en Kollapse Studio

Más clásico, Platón...


Antes de meterme de lleno en los temas, la primera impresión que me da Vie es de dificultad de etiquetar. La presencia de tres guitarristas crean una pantalla a modo de lámpara de lava en la que en cuanto te estás embebiendo de un riff de guitarra, otro te está empalando para luego turnarse en sus funciones y despistar totalmente al oyente. La definición rápida sería una suma de las estructuras groovy de MORDIDA con la agresividad de SUBLIMINAL CHAOS, pero claro, eso sería hacer trampa y no me dejaría dormir en paz hoy. 

Dependiendo del estado de ánimo en que me encuentre, tildaré a Vie de Black Atmosférico, de Post Hardcore, de Noisecore.... o que se yo, Black Core. Asfixia, claustrofobia y decrepitud en seis temas que en 25 minutos te reducen a polvo. Es un ciclo vital de tres generaciones (lo que se necesita para hacer un Genograma) que pasa a una velocidad tan rápida que la descomposición se torna incluso bella. Sí, hay algo sublime en la muerte y sus ritos de paso... un fatuo misterio que se alumbra a sí mismo gracias a su propia putrefacción.

Durante segundos arañan la superficie patrones de estructura de Black Death Sueco, pero con la forma nihilista en que se entienden hoy día esos sonidos... es decir, no hay nada PURO por así decirlo en LAMORTE sino que todo está camuflado, tapizado o mezclado con otros estilos para así dar la solución de continuidad necesaria que necesita un disco para (parafraseando al texto interior) ser recordado en su Aquí y Ahora y en su Después y Siempre. CRIPPLED BLACK PHOENIX son un ejemplo claro.


Progresiones, escalas que tienden al Shoegaze mas apocalíptico y salvaje y por ende con un puntito depresivo alucinante que se capta sobre todo en las partes susurradas y limpias de voces. Duetos imposibles de voces encabronadas y partes atmosféricas remiten al Black depresivo francés, ese que tildan de Avantgarde, y por otro lado pues imposible olvidarse de los oxidados inicios de NEUROSIS, auténticos especialistas en eso de revolcarse en escombreras plagadas de jeringuillas usadas. 

Ojo, no estoy hablando de originalidad extrema. Bandas peninsulares como MENTAT, LOAN, MEIDO, MOHO, LORDS OF BUKKAKE, ANOTHER KIND OF DEATH o MOKSHA han cabalgado los mismos espectros en mayor o menor medida, pero la verdad es que Vie suena tremendamente coherente y al igual que me pasó con MORDIDA (reseña aquí), la suma de elementos y cómo están dispuestos es lo que le dan al conjunto la frescura necesaria. Eso, y que los temas son buenos, claro. 

Redoble y estocada agresiva de Doom agreste con escalas ascendentes como pebeteros en "First Cry". Las voces chillonas en contraste con la música siempre comedida/melódica de la banda son su punto fuerte. Requiebros, estoques y línea trenzada de riffs de guitarra en parsimoniosa lucha con una base rítmica Post Hardcore. 

Sin embargo, pronto llega la más sinuosa "Air". De lleno en los cenagosos terrenos del Black Atmosférico y depresivo. Es curioso, pero se me viene a la cabeza una versión recrudecida de la injustamente olvidada banda DISMAL (o THE DISMAL) en su primer Ep The New Bomb justo después de abandonar el Death Metal y abrazar fronteras más Nu. Eso es más patente en el inicio de "Every Nigh, Every Breathe". Fantásticas las marciales percusiones, y destacar otra vez el enorme trabajo de las voces.


Cambia el registro con la nana fúnebre de "No Surrender", caracoleada y engañosa como un hormiguero kilométrico. Encurtidas guitarras para un corte que se toma su tiempo en crecer pero nunca estalla (quizás mejor así) y que conserva en toda su maraña de sonidos un arrastrado glissando de guitarra que es puro nervio. 

Siguen "Last Call", con las señas de identidad de DEVIANTE (reseña aquí), y el guantazo a mano abierta "Dead Soul" que abre tus entrañas primero con toques Floydianos para luego mutar varias veces sobre sí misma en diferentes texturas, la última de ellas con teclados ambientales de fondo y fundido a negro. 

Muy buen debut. Amantes de CRIPPLED BLACK PHOENIX, AMENRA y grupos de la escudería NEUROT RECORDINGS van a flipar de lo lindo.





lunes, 22 de abril de 2019

ORTHODOX Y COPE EN LOS 3 THOLOI DE ANTEQUERA....


EL THOLO DE LO VOLÁTIL o FESTIVAL S´COPE´N WORD
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          Muchísimo tiempo he tenido que esperar para hablar sobre el tema perdido de ORTHODOX o dicho de otro modo, la Dádiva musical de los Sevillanos al Archidruida, navegador de las piedras, JULIAN COPE. Cuando en 2014 se editó Conoce Los Caminos cargadísimo de rarezas en un doble CD me frotaba las manos pero cuando vi el tracklist la cara se me descolgó hasta el punto de besarme mis propias pelotas... duro, pero cierto. "Antequera", se quedaba fuera por misteriosas circunstancias y tuve que tirar de contactos en Agharta para averiguar qué diablos había (o no había) pasado.


Pero no adelantemos nada. Estamos haciendo una reseña en clave de hipnosis regresiva y el núcleo del recuerdo lo tiene la banda: "Marco había tenido contacto previo con Julian Cope debido a su épica colaboración con Sunn O))) y a muchísima música que nos descubrió a través de su página web, y le mandó nuestro primer disco, Gran Poder. Cope se mostró bastante entusiasmado con él, llegando a reseñarlo como Disco del Mes y a decirnos que fue lo único que escuchó durante 6 horas seguidas en un viaje en coche... Curiosamente un mes después (marzo de 2006) vino a Sevilla a tocar en un festival. Él solo, su bajo y los amplis... nos dejó a cuadros su sonido, su interpretación y, especialmente, uno de los poemas que recitó", me cuenta Borja tirando de memoria atávica.

          Julian viene a Sevilla a un Festival de Spoken Word y con precisión quirúrgica desliza un poema que se me antoja glorioso. Glorioso, épico y visceral, que ejerce de alquímica hoja quirúrgica capaz de diseccionar el paraje Kárstico y separar el suero de la piedra mediante un colosal Centrifugador Cósmico en el que rocas oolíticas, brechoides y clásticas se licuan en un hipertónico líquido a duras penas apto para la inyección en vena. Resultado... figuras marmóreas, quietas y sublimes como las víctimas del Vesubio en Pompeya, la maldición akásica de Sodoma y Gomorra, la mirada de Medusa o la violencia paralizada en los Guerreros de Terracota (Xi'an; Shaanxi, República Popular China)

Así luce un atardecer en los parajes de El Torcal de Antequera y su laberíntica, magnificente estructura de torcas, pasillos, cuevas y simas.


          Cope está embebido de conocimientos durante su búsqueda de saber para la escritura de THE MEGALITHIC EUROPEAN lo que le lleva a dedicar todo un poema a los Tholos de Menga, Viera y el Romeral en Antequera (Málaga). En 2006 en forma de Profeta Megalítico (no en 2007 como se cita de forma errónea en el libreto), enchufa su bajo a un Marshall mientras en una pantalla se va proyectando la traducción del poema. El Teatro Lope de Vega tuvo que quedarse sobrecogido sin duda... eran las 20:00 horas del Domingo 5 de Marzo de 2006 y tiro de imaginación porque de momento no he encontrado ninguna reseña del evento (visual o literaria).

Los miembros de Orthodox y Cope tenían que verse en ese festival pero por motivos que se antojan ya lejanos y en ese instante que da la timidez y el respeto reverencial no se encuentran; y es ahí donde interviene un tercer elemento: "Jello Biafra, que también tocaba en el mismo festival, nos llevó al camerino de Cope, y éste se pensó que Biafra tocaba con nosotros... La idea de colaborar poniendo música a su poema viene de conocernos allí, e ir a visitar determinados lugares de poder juntos"


          ¿Y si a Biafra le hubiera dado por colaborar también en "Antequera"?. Nadie lo sabe pero me parece una anécdota brutal que Cope pensase que Biafra era miembro de Orthodox. No es mi intención convertir esto en una novela, pero quizás a alguien le interese saber que después de aquel primer contacto todos se van a una mítica sesión de fotos. Horas antes la pareja de Cope le dice a la pareja de Serrato que no se olviden de los Trajes de Semana Santa... impagable anécdota.

          Un interesante pero extraño viaje en el que se visita Itálica, Ciudad Romana de Santiponce y su Conjunto Arqueológico. De allí el bizarro conglomerado antropomórfico hispano-galés (al que se añade el poeta Annexus Quamm) marcha al Enclave Arqueológico de los Dólmenes de la Pastora y Matarrubilla, o al menos eso es lo que parece porque surge cierta confusión con respecto a lo que Cope consideraba como Conjunto Dolménico de la Pastora; donde fueron tomadas las fotos (él cita en su página "Towards the Hill of the Shepherdess") en sí es una galería, no una colina, túmulo ni nada parecido).

Sobre fotos, también resulta inspirador estas palabras del Galés en su página HEADHERITAGE: "Orthodox’s singer and bassist Marco pointed out to me that their titles are all taken from various phases of the Easter festival that occurs in Seville, as are their black shrouds – each one replete with knotted cord and looking somewhere between a full-face burkha, Sunn0)))’s grim robes and the Ku Klux Klan. It’s for this reason that the Orthodox guys were somewhat nervous of being photographed in central Seville, and even more so by a photographer in a WW2 German peaked cap".... curiosa reflexión que con el tiempo y el ir conociendo datos de las dos partes no hace más que agrandar la leyenda de lo que fueron unos momentos de alta intensidad.


EL THOLO DEL CÍRCULO o LOBATÓN BUSCA A COPE
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          A raíz de todo este encuentro surge la posibilidad de musicalizar aquel poema. ORTHODOX hacen una primera (y única) demo que mandan a Cope. Dice al respecto Borja: "Le mandamos una demo grabada en un estudio barato en los locales donde ensayábamos, con la idea de que Cope opinara y editar la música para re-grabarla a continuación. El Druida, como ente heredero de Loki que es y será, se quedó con esa demo tal cual. Iván, el dueño de los locales donde lo grabamos, nos escuchó y se me acercó para decirme que qué hacía intentando tocar un doble bombo con un único bombo. La administración de los recursos siempre ha sido uno de nuestros fuertes, y sirve para crear el ambiente perfecto para que las palabras de Cope hagan su efecto".

Esta sería una parte de la historia claro, porque hablando con Serrato sobre el asunto me comenta que se sintieron un poco decepcionados cuando no se les dio la oportunidad de grabar la pieza en condiciones óptimas. Aquello era solo una Demo y la idea de la banda era mejorarla. Que Cope se quedara la grabación como estaba podía ser resultado de que o bien era una genialidad como tal, o corresponder a otro de esos episodios de corre, corre que se esconde tan característicos de él. 


          Como ente externo a todo ello, opino que (y esto son palabras mías), amante extremo del underground, pero con millón de historias que realizar y planificar, a Cope le bastaba con aquello para tener el colchón musical adecuado a su poema y no le importó un carajo la opinión de la banda al respecto. 

Puedo equivocarme, pero no tuvo que ser una conversación fluida cuando no consiguieron permiso expreso para la inclusión en Conoce los Caminos: "llegamos a masterizar la primera mezcla para incluirla en Conoce los Caminos, pero por respeto al Druida (o por respeto a su falta de respuesta) no lo hicimos al final. Ese recopilatorio se nos quedará siempre un poco cojo por eso". Además, a lo largo de todos estos años de ir sacando información a cuenta gotas de músicos y sello, y de incluso haber visto con mis ojos correspondencia clasificada, pues algo me tengo que mojar al respecto.

Sin embargo, como salido de la nada, nos llega este ya sold-out primer volumen de Heroic Gnostic Poem. Yo, que sólo soy un observador externo que se toma cervezas con MITRA de vez en cuando, contemplo 13 años de dar vueltas en círculo a una banda, y a un tipo con una gorra esperpéntica que en línea recta se dirige a editar en su HEAD HERITAGE PRESS su poema. 

Sí, dentro lo pone, atrás también... pero en la portada no veo el logo de la banda y oigan (poner aquí icono, gif de dedo acusador) a mí me ha dolido.


EL THOLO DEL ASCENSO RITUAL o SI RESPIRO ME QUEDO SIN COPIA
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          "Escuchar el tema después de varios años ha sido algo mágico; la combinación de la ingenuidad e intuitividad de las ideas (nuestras influencias musicales son bastante evidentes), junto al épico recitado de Cope hicieron de esta colaboración un magma pagano nunca más visto. 

Introducimos un riff que re-elaboraríamos luego para Baal en 2011, y la parte sin distorsión en la guitarra y el bajo era algo bastante original dentro de nuestros estándares por entonces. El resultado, escuchándolo 13 años después de grabarlo, es crudo y amargo, pero supongo que ciertas cosas deben ser así. Le debemos mucho al Druida y creo que los 15 minutos de música que le mandamos fue nuestra forma de agradecerle su pasión e interés por tres freaks del sur de Europa que empezaban a tocar en su grupo favorito".


Tengo dos versiones de "Antequera". La primerísima suena más cruda, dura 13:49 y tal y como me suponía, Cope ha masterizado, añadiendo y quitando (creo que de forma acertada) cosas al conjunto final. Agrio, atávico cordón umbilical que une la música de Basil Poledouris en Conan The Barbarian con los espaciados riffs flotantes de EARTH o SUNNO)))

El poema, que es jodidamente bueno, describe a la perfección el sentimiento adoratrix de alguien enamorado por las piedras y lo antiguo. Sirva de ejemplo este pequeño extracto:

"Enamorada! Goddes of those flatlands, 
Enamorada! Supreme imperious Diva, 
Who, somnolent and effortlessly, 
Dreamed us into being, 
And Whose dream had fertilised our land, 
And changed our ways of seeing, 
Whose touch had taught us horticulture, 
Great Enamorada, 
Upon the plain - 
Abundant grain, 
Brought forth as Nature´s larder".

Antequera en esta su definitiva versión, dura 14:16 y me quedo helado cuando pienso que son los decimales del número PI, o al menos de forma aproximada. Casualidades seguro pero bueno, ahí quedan.
{\displaystyle \pi \approx 3.14159265358979323846\;\dots }


          La batería se ha pulido, suenan fondos esporádicos de teclados. La voz de Cope tiene menos crudeza que en la versión anterior y está más integrada con el fondo musical y me surge una duda considerable; tengo la impresión de que no es la misma grabación de JULIAN COPE a la voz.. es decir, creo que lo ha regrabado. Posteriores indagaciones me reafirman en el dato. Cope tenía total libertad de uso sobre la grabación de la música y la voz ha sido regrabada.

A los coros lejanos de Marco se añaden ahora otros más melódicos y de forma general cada instrumento se capta ahora mejor, menos embarullado (la batería de Borja es menos sucia y de una prístina nitidez); los riffs de guitarra de Ricardo ya indicaban todo lo que estaba por llegar y estoy casi seguro de que se han añadido toques percusivos al final para darle un aire más bombástico (y el fade out en reverse).  Para mí un acierto el retoque, todo hay que decirlo... pero es que fácil lo ha tenido porque la música que ORTHODOX ofreció como regalo es una joya en toda regla. Un in crescendo cargado de vigor, con algo de BATHORY pululando en los riffs de guitarra y la esencia en general pero con ese cariz drónico de los sevillanos.

Yo que no tengo una versión, sino dos del tema, os aseguro que es orgiástico escuchar la base rítmica que daría lugar luego a partes de Baal en versión germinativa (el Raw Mix por así decirlo). Heavy Metal en estado puro con una entonación de Cope más espontánea que en la versión definitiva. 

Ahora bien, y como reflexión final, sólo comentar de que se trata de una edición tan exclusiva que el común de los mortales, los aficionados al metal de vanguardia y quien quiera investigar se va a encontrar con la sorpresa del sold-out ya que la tirada ha sido muy corta. 13 años de espera y todavía hay personas que no han podido escuchar esta obra sublime, aleación perfecta, de poema épico y doom de vanguardia. 


          Durante años he soñado con ver una edición en un 10" o algo similar y aun siendo de los privilegiados en haber conseguido una copia (gracias a Marco Serrato y a Orthodox; nunca olvidaré la dedicatoria ni lavaré el manchurrón de los calzoncillos), ojalá un futuro traiga algún acuerdo de reedición. 

Algunas personas han llegado a escribirme para preguntarme si merecía la pena pillarlo (salía algo caro), a otras les escribí sin más preámbulos para que por favor estuviesen atentos para comprarlo porque iba a ser obra de culto nada más salir. Dicho y hecho. Agotado en un tiempo récord y ya hay especulación en discogs con una copia a 100 euros. Edita HEAD HERITAGE PRESS en formato A5 con libreto con las letras del poema tanto en inglés como castellano, los créditos y una pequeña introducción sobre el contexto en que fue grabado. El CD viene incrustado en lo que yo suelo llamar una pezonera en plena portada, y a los que lo hayáis adquirido os sugiero que lo saquéis de ahí y lo metáis en una fundita de cartón de esas blancas porque se suelen arañar bastante ahí.

Y voy terminando. Como podéis comprobar, no hay ni una sola fotografía de JULIAN COPE en este artículo. La razón es de índole Kármica y Universal. Así me lo dicen las piedras. Ellos no salen en la portada de ANTEQUERA, y yo tengo que equilibrar el Cosmos negando al Archidruida en lo que han sido 3 sepulturas en forma de Tholo.

THOLO.... o era TORO?.....

Añado un enlace a la reseña en Rockdelux donde en pequeñito, abajo, podéis escuchar el tema: