domingo, 29 de octubre de 2017

THYRANT - "WHAT WE LEFT BEHIND" (INDIE RECORDINGS; 2017)


Si quisiese hacer una reseña estándar de este disco no podría. Hay cosas que van unidas mediante cordón umbilical a tu propia existencia y de forma invariable, hablar de ellas es hablar de un pedazo de uno mismo, aunque sea como anexo a pie de página. No me sentía capacitado para hablar de THYRANT hace unos meses cuando salió el disco y lo aparqué (sinceramente creo que por prejuicios porque se me había metido en la cabeza que era algo técnico a lo MESUGGAH... es lo que tienen los prejuicios, que suelen ser irracionales y sin fundamento), pero lo que el tiempo me ha demostrado es que cada estilo musical, cada disco y cada tema tiene su momento específico en el tiempo. El ecosistema del metal se sostiene por sus propias reglas y pese lo que nos pese la semilla la tenemos metida y bien metida y por lo general son plantas perennes las que anidan. Vienen plagas, épocas florecientes e incluso quemas del terreno; al final, siempre vuelve aquello con lo que creciste.

"What We Left Behind". No se me ocurre mejor forma de titular un disco de gente formada por el sustrato del metal "old school way" de mi ciudad, Málaga. Reconozco a todos y cada uno de estos músicos veteranos y los he visto tocar infinidad de veces con sus proyectos de adolescencia (ZONA PÚRPURA, LIVING PAIN, PUNISHMENT, PLAGUE OF HATE...) así que el título del disco tiene para mí un significado muy especial. Miro atrás y recuerdo infectos calimochos en infectos locales con gente infecta en infectos conciertos al aire libre. Muy delgado y cargado de vitalidad, viviendo cada momento como si fuese el último, sin un duro en el bolsillo, pero cargado de ilusiones. Veo una ciudad que bullía de historias y en las que surgen sellos, bandas que me acompañaron en ese hálito especial que tienen tus primeros años cuando descubres un estilo o tienes un orgasmo físico y vital con alguien por primera vez. Quizás estoy aquejado de algo así como de Diógenes existencial, pero no me preocupa demasiado, creo que ya para lo mío ya no hay cura. En cuanto a la formación: Daniel Pérez, Vocals // J. Mérida, Guitar // Miguel Navarro, Guitar // Rubens Oliver, Bass y Miguel Vegas, Drums.


Eso son instantes que vamos dejando atrás, al igual que amigos (algunos DEP), músicos, proyectos e historias. Lo que dejamos atrás, física, mental y sociológicamente hablando... pero ojo, la cabra tira al monte, y así, de sopetón, sin Demo conocida (ya bastantes Demos y Maquetas con TDK de portadas fotocopiadas han parido con sus múltiples proyectos a lo largo de casi 25 años) se sacan de la manga un disco que respira por todos sus poros Metal de corte Europeo. 

Graban en ARTESONAO (MIGUEL MORA/FRAN REQUENA) y mezcla MARTIN FURIA, para luego masterizar JENS DREESEN en los SKYLINE TONFABRIK alemanes. Para colmo, llaman la atención de (nada más y nada menos) que INDIE RECORDINGS de Noruega, que les edita en Lp y Cd. Para mí, que llevo a rajatabla eso de "What We Left Behind", esto no es más que la línea inevitable del Karma, que devuelve con creces y recompensa toda una vida de pasión por la música. Por cierto, artwork (no muy de mi estilo) de MARCELO VASCO que aunque intachable en ejecución, para mi gusto una portada que pega más con CROWBAR y cosas así. 

Mención aparte merece el nombre del grupo. Usar THY me remite a PAN.THY.MONIUM y aunque aquí no haya Avantgarde de por sí, pues podría ser un claro homenaje al bueno de SWANÖ y sus UNISOUND, que tantas alegrías nos ha dado el hombre. En cuanto al juego de palabras, que investigue el lector, que luego os idiotizáis y estamos dando lugar a una generación de idiocia de proporciones bíblicas.

El riff que da inicio a "Bury Me" define un estilo, una época y casi una existencia. Death Sueco que puede ir desde los mismos DISSECTION a otros momentos donde la melodía es como un cable de cobre pelado por un chatarrero... está expuesta y es orgánica; puedes cabalgar la electricidad para meterte el cable entre huevo y huevo si eres hombre y entre los labios vaginales si eres mujer. Sentir la profunda descarga de un riff a lo EDGE OF SANITY que te parte por la mitad cuando crees que el tema es tan burro que no habrá resquicio de piedad. Y claro, uno que ya peina muchas canas no puede olvidar a ENSLAVED, a CARCASS y ENTOMBED en los arranques de Death n´ Roll y es que discos como "Heartwork" o "Wolverine Blues" ha marcado su impronta a sangre y fuego (por ejemplo en temas más sincopados como "Endless Hunt" "Delusion"), y por ende, pues a QUORTHON y sus BATHORY que en paz descanse(n) cuando tiran por terrenos más agrios.


No, lo siento. Sé que hay gente que ve Thrash por todos sitios, pero si lo hay, no es de Florida (si acaso lo hay es germano), y el Black Metal (que lo hay), sí que es nórdico sobre todo por el uso tan característico del doble bombo de la batería (pongamos a IMMORTAL o BATHORY). Y los que usan el nombre OBITUARY de forma indiscriminada para todo lo que escuchan deberían de tratárselo... ahí lo dejo.

Leo bastante, y me váis a perdonar señores/ras críticos/as, que sí... que las dobles guitarras son muy MAIDEN o NWOBHM y esas cosas, pero esto es Metal de toda la vida, haciendo hincapié en la atmósfera (esa palabra tan bonita que es "Groove") y olvidando la técnica más dada en grupos americanos de este palo que la verdad es que me aburre bastante. Una base rítmica de bajo/bateria que te pasa en un suspiro del Blast Beats Black metaleros de "Hard Boiling" a ralentizaciones que rezuman primeros PARADISE LOST o MY DYING BRIDE, y todo en el mismo tema. Con todo ello no estoy diciendo que sea un disco perfecto, pero sí que hay pocos puntos flacos. Si acaso puedo ponerle defectos es algún tema que me llega menos, como "Damned At Midnight" que me resulta tan sueco que sí que me da la sensación de haber escuchado ese juego de dobles guitarras antes en otras encarnaciones (quizás NIGHTINGALE) o los propios EOS. Puestos a elegir, cuando más he disfrutado es cuando bajan el ritmo (soy de neurona lenta), y la atmosférica forma en que se finaliza el citado "Hard Boiling", con los machacones riffs de guitarra a lo AMORPHIS (cojones, cómo no vamos a mentar a Finlandia) primera era, son una delicia. 


El homónimo casi instrumental "What We Left Behind" inicia una tríada final de cortes que para mí son lo mejor del disco. Más centrado en una suerte de Doom atmosférico con un tratamiento de las guitarras cercano a gente como Gregor MackintoshAndrew Craighan y otros dioses del Doom a la inglesa, un bajo correcto en sus soliloquios con la batería que se va expandiendo como sólo los cortes instrumentales de este tipo de grupos saben hacerlo... y es eclosionar hacia lo épico (voy a rizar el rizo, pero los riffs de guitarra me recuerdan algo a EMPYRIUM o YEARNING). Sobre el tema con acrónimo "E.O.S." no hace falta decir nada, que cada cual juzgue (por cierto, guitarra invitada aquí y en "Bury Me" de LOLO CASARES).

La acústica abre el mayestático "Carving The Throne", diez minutos a medio tiempo ("One Road To Asa Bay" Ultra Melodic Way) con el mejor corte del disco. Épico, con una melodía haciendo de estribillo/puente que te raja el culo hasta el esternón por delante y los omóplatos por detrás. Muy buena labor la del bajista, máxime teniendo en cuenta que no se trata de un disco donde prime la técnica sino la atmósfera y la batería... bueno, sabiendo quien la toca pues es de una pulcritud intachable. 

Poco más que añadir. Me ha parecido un debut alucinante que lejos de sonar añejo, revitaliza y me reconecta con una época de mi vida que tenía bastante apartada. Ahora me pongo reflexivo y no puedo por menos que acordarme de lo que he ido dejándome atrás.






sábado, 28 de octubre de 2017

TRIO QUATER - "TRIO QUATER" (EASY FINGER RECORDS, 2017)


Desde BÉRGAMO, Italia, surge el sello EASY FINGER RECORDS, otro de tantos sellos independientes que intentan reflejar en la medida de lo posible las grandes posibilidades que ha traído la autoedición y grabación a la música. Su primera edición viene en un desplegable de cartón con un diseño bastante intimista que me ha recordado (no sé la razón, conexiones sinápticas serán) a HUGO PRATT.

Generalmente no me muevo por terrenos tan amables como el propuesto por TRIO QUATER, compuesto por 3 guitarras acústicas/clásicas de las que se deriva aires de blues, flamenco, jazz, folk y mucho minimalismo, pero la verdad es que me he quedado prendado de la forma de tocar de LUCA BREMBILLA (guitarra clásica), JONATHAN LOCATELLI (guitarra acústica) y MARCO PASINETTI (guitarra acústica y clásica). 


Las primeras escuchas evidentemente me dejan algo chocado (ya he dicho que últimamente el ruidismo y otras lindeces me alejan bastante de estas propuestas) pero cuando ahondas en su música, los aires folk de temas como "The Wizard" te dejan totalmente descolocado. Lo que a priori parecía algo de fácil escucha se torna intrincado (dentro del espectro acústico en el que nos movemos, claro) y las tres guitarras se alinean, fluctúan y complementan de forma tan orgánica que los estilos se funden muy sutilmente. 

Es el caso de la aflamencada "Para Tí", con aires pseudo progresivos andaluces y setenteros (los que estén familiarizados con la última etapa de OPETH sabrá a lo que me refiero), moriscos (mediterráneos en definitiva) que te trasportan a lugares soleados, positivos. Los punteos y acompañamientos van variando a lo largo de todo el disco, cambiándose de matices constantemente (con algún toque surf acústico incluido). El largo "Morning Glory" está plagado de detalles y es quizás el tema más jazzero del disco, pero que al carecer de base rítmica en sí, y por la forma de tratar de las guitarras, remite de forma inevitable al Latin Jazz del que la verdad es que no soy seguidor. Sin embargo, cuando te pones el tema varias veces seguidas, las posibilidades de las 3 guitarras se hacen casi infinitas y las etiquetas se van difuminando. 


De mis temas favoritos es el triste, embriagador y afilado "Otra Vez", de cariz afrancesado... a "tango o muerte" que yo lo llamo. Un tema bello en su forma y desarrollo, que dialoga también con el flamenco, pero que no queda quieto nunca, añadiendo detalles de música balcánica y circense (un acordeón hubiera sido perfecto aquí, pero rompería la estructura del disco, claro). "Colorando Il Colorado" parece que lleve tres melodías a la vez (como en una de esas pelis de IÑÁRRITU) para irse luego lentamente fusionando.

Cierra la maravillos "Asturias" (de ALBÉNIZ) de la que pocas pegas se pueden poner. Comienza capturando una melodía folk tradicional y a partir de ahí un caleidoscopio de notas psicodélicas. En definitiva un muy buen disco que si tuviera que ponerle un pero, o más que un pero una nota discordante, me hubiera gustado que fuera más arriesgado... sustituyendo quizás una de las guitarras acústicas por una eléctrica, y ver cómo funciona el resultado. Pero eso sólo es una cuestión personal porque el experimento de ver el zumo de notas que pueden extraerse de 3 guitarras a la vez dialogando les ha salido bastante redondo.

Por lo demás, intachable ejecución para un disco en cierta forma bastante virtuoso.

jueves, 26 de octubre de 2017

ARRASTRADOS BAJO UN CIELO / CIUDAD DEL KAOS - "Se huele el grito que viene, se oye el odio que crece" (VARIOS SELLOS, 2013)


ARRASTRADOS BAJO UN CIELO y CIUDAD DEL KAOS, bandas de hardcore crust chileno colaboran en  "Se huele el grito que viene, se oye el odio que crece", agrio split 7" coeditado por multitud de sellos y distribuidoras. Como podéis comprobar, si se quiere se puede:

    Collector´s Series DIY
    Sarri Sarri Distro & Records
    Pólvora Distro Ediciones
    Ravachol prod
    Empty Kofola B Ottles co.lab
    Malen Records
    Deviance Diy Label & Fanzine #33
    FanRahua Turva
    Mochila Records
    Existencia Muerta Records
    Distro Masapunk
    FFC Productions
    Cabeza de Vaca Records
    Diy Piraten
    Acción Ilícita
    La Lluvia No Cesará Records
    La Otra Mejilla Nunca Diy Label
    Reset No Equal Zero
    Noseke Records – NR-ES05
    Lord Bimbo Discos
    Tercer Mundo Ediciones
    Kawaii Records – KW056

ARRASTRADOS BAJO UN CIELO estaban conformados por Daniela (voces), Gabriel Konejo Guerra (guitarra, bajo y voces), Ignacio (guitarra) y Monkey (batería). Por lo visto su bajista durante el intervalo 2012-2013, Danyel Moraga, fallece en un concierto de la banda DOOM en 2015 en lo que es la gira sudamericana de la banda británica. Estos datos los cuenta siempre mucho mejor el propio FERRI BALLAFIU de COLLECTOR´S SERIES, uno de los implicados en esta edición y por ende un especialista en este tipo de grupos:


Tres temas cargados de rabia social en forma de Crust Punk más melódico de lo habitual (casi que diría que huye del Grind) con las pertinentes proclamas sociales en las letras. Técnicamente son correctos, no yendo mas allá de lo básico para llevar a buen puerto los temas. Guitarras enterradas en un maremágnum de bajo/batería pistónica y voces agudas tanto masculinas como femeninas. Para mí el corte más interesante es el tercero, "Víctimas", precisamente porque se distinguen mejor las guitarras y es más grind que los anteriores. 

CIUDAD DEL KAOS me han gustado mucho más. Pedro (guitarra y voz), Eric (bajo) y Nicolás (batería) en mi opinión resultan más versátiles, cargados de un claustrofóbico groove reverberante que contrasta con la agudeza de ARRASTRADOS BAJO UN CIELO, los temas en general están llevados más a medio tiempo. El thrashero inicio de "Ruinas De Lo Cotidiano" casi llega al Brutal Death, aunque sí que es cierto que la base rítmica resulta demasiado simple para ese tipo de estilos habitualmente muy dados a delirios técnicos.  

En definitiva, un Split 7" curioso que sí que es verdad que no inventa nada nuevo, pero a los aficionados al género o para completistas es idóneo. Con tan pocos temas y minutaje es realmente complicado valorar a este tipo de bandas. Suenan bien aunque uno no se quita el marchamo maquetero de la mente, además de que tienen la acritud necesaria... ¿qué más necesitas para ponerte el pasamontañas?.




martes, 24 de octubre de 2017

PEPO GALÁN - "HANABI" (HISS NOISE RECORDS HNR-019, 2017)

Hana (花) que significa flor y Hi (火) que significa fuego conforman la palabra "Hanabi". Flores de fuego que también valdría para fuegos artificiales, especialmente esos que gustan mucho a los japoneses durante las festividades veraniegas, aunque la historia dice que parecen venir de China, siendo su principal fin el ahuyentar a los espíritus malignos. 

El multi instrumentista malagueño PEPO GALÁN nos ofrece su particular Matsuri con sus gélidos fuegos azulados (me vais a perdonar, pero tiendo a ponerle color a la música, y la de Galán abarca todo el espectro azul) a base de un lento soundscape de piano arropado por electrónica procesada. Es curioso como en algunos aspectos su música me retrotrae a la neblinosa atmósfera de la bso de VANGELIS en BLADE RUNNER a base de unas minimalistas cadencias (sostenidas) de electroacústica donde sin duda el peso de la melodía (lenta, lentísima) la lleva el piano, hasta el punto de que SIGUR RÓS y BRIAN ENO se aparean con SUSO SAIZ para dar vida sonora a algo atemporal. 

Para algunos futurista (especialmente en esa densa maraña industrial difuminada que va ganando peso al final), para otros evocadora de antiguos recuerdos (el lado diametralmente opuesto de la línea) con esas notas de piano de corte clásico. Lo cierto es que recomiendo su escucha en la más completa oscuridad y con auriculares.

Una pequeña joya de 17 minutos en forma de Ep editada por el sello japonés HISS NOISE RECORDS y que podéis escuchar y conseguir aquí:



BERUNA - "LVR" (AUTOEDITADO; 2017)


BERUNA (PLOMO en Euskera) dieron la noticia de su ruptura abruptamente, dejando a propios y extraños con la miel en los labios; no en vano, creo que se encontraban en el pico creativo de su carrera. Su imparable trayectoria al Olimpo del Sludge Crust Psych Doom era inexorable, máxime cuando tendían hacia ciertos derroteros psicodélicos que los emparentaban (sólo de forma tangencial) a gente como LORDS OF BUKKAKE o MOHO pero con el matiz agrio y oxidado propio de las bandas del Norte al estilo AKAUZAZTE, LOAN, MEIDO....

El caso es que muchos eran los rumores; desde una supuesta cinta de cassette de menos de 15 copias que se distribuyó en los conciertos de la banda (y que les llegué a pedir y que se agotaron), un split con BLOOMING LÁTIGO que no llegó a materializarse (por falta de entendimiento, logística o no se el qué) y primeramente estaba hablado para editarse con SANTO ROSTRO. Estaban trabajando en un nuevo larga duración (llamado "Tunguska", de carácter más experimental y que permanece inédito, estando constituido por un sólo tema de 44 minutos de duración), pero la banda se apartó temporalmente de dicho proyecto para concentrarse en nuevos temas. A título póstumo llega entonces "LVR", que se edita en su bandcamp gratuitamente pero que AITOR EDENA ha tenido el detallazo de hacerme llegar un artwork a tamaño vinilo de 12" para la banda y familiares. Betiereko eskertzen AITOR EDENA.


Musicalmente estos tres temas muestran esa faceta mucho más fúnebre que ya captaba en los últimos temas de la banda (abarcando composiciones entre 2014 y 2016), rozándose el Funeral en el aplastante inicio de "Lohietako Monarka", que si se me permite la comparación, suena  a los BLOODY PANDA MURKRAT (curiosamente ambas bandas con vocalista femenina gutural al frente) pero con los toques rituales de BLOOD OF THE BLACK OWL. Música lenta, asfixiante y con cierto matiz Folk (el corte está basado en el poema "Le Mal" de RIMBAUD) gracias a unos coros etéreos que ponen la piel de gallina. Colaboraciones (me vais a perdonar, pero he tenido que usar el traductor a Euskera del google y puedo cometer errores garrafales) de MARESTI a los sintes, gong y drone acentuando el gusto de BERUNA por hacer jams de drone psicodélico embriagadoras y muy imaginativas. Alucinante cómo el corte se va disolviendo en sí mismo.

Le sigue el potentísimo arranque death/doom de "Ixiltasunaren Dorrea", al más puro estilo MY DYING BRIDE en "The Sexuality of Bereavement", para luego mutar en Sludge Crust pútrido  rozando un Black tan nihilista como unir boca culo en un Ouroboros no apto para pusilánimes. Voces encabritadas en idioma materno y cambios de ritmo de todo tipo. 

Lo digo ahora y lo dije en su día; hemos perdido muchísimo con la disolución de una de las mejores bandas Doom (cada cual aplique la pre etiqueta que prefiera) de la península. Los acordes de guitarra acústica adornan "Harea", desarrollando un maravilloso diálogo con la percusión a los que se van añadiendo fondo de sintetizador y guitarras mientras mis ojos lenta pero inexorablemente van girando hacia atrás, apuntando directamente a la nuca... ahí se quedan estáticos cuando los recitados irrumpen majestuosamente de la nada, y ahí permanecerán mientras alguien en este insano país no edite esto en un vinilo como se merece. Dense prisa que duele.

ATSEDEN BAKEA
BERUNA TALDEA

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sábado, 21 de octubre de 2017

JESÚS GALLARDO - "IMATGES" (LIQUEN RECORDS LRCD004; 2017)


A lo largo de la vida de este humilde blog, los mayores retos a los que me he enfrentado suelen venir de discos compuestos por un sólo instrumento. Contrabajistas, guitarristas y en este caso, todavía más difícil según mi opinión, batería y percusión. La dificultad estriba básicamente en que el espectro sonoro que deriva de un instrumento como la batería (añadamos percusiones como anexos, gadgets o lo que queráis) es tan característico que resulta extremadamente complicado salirse de lo virtuoso (que me aburre horrores) para entrar en algo que resulte expresivo y atrayente. 

En otras palabras, que no estemos ante un ejercicio de onanismo sonoro, además de que la percusión por sí sola siempre se ha tratado como algo más de acompañamiento que como instrumento solista. Ahora bien, ¿es el instrumento el que domina al músico o al contrario?... porque quizás la magia resida en enfrentarse a este desde una perspectiva completamente distinta, hasta el punto de convertirlo en parte integrante de la psique del músico. Es entonces cuando fluye algo distinto, que ahonda en campos bastante poco transitados y que requiere un alto grado de complicidad del oyente.


La nueva edición del sello LIQUEN RECORDS es "Imatges", debut de JESÚS GALLARDO, baterista y percusionista licenciado en el Conservatorio Superior de Música de Valencia en el ámbito del Jazz. Evidentemente, el currículum vitae de alguien como GALLARDO no se circunscribe solamente a un disco como el que vamos a tratar, sino que tiene más proyectos como YE YI & CO (con tres discos en su haber). Como todo buen músico de Jazz, abundan las colaboraciones (PERICO SAMBEAT, RICARDO BELDA, FABIO MIANO...). Lo mejor es que investiguéis en su propia página:


El atrayente diseño gráfico del digipack es obra de LORENA RIUS y el disco es grabado, mezclado y masterizado por ENRIQUE "PANTERA" ARA MARTÍN en los IBERIAN LYNX LABORATORIES con la colaboración de MONDO RÍTMIC (escuela de música donde el propio Gallardo imparte talleres de batería). 

Adentrarse en la psique de un batería haciendo algo como lo que se destila en "Imatges" es arriesgado, y me hace sentir voyeur en un mundo que no me pertenece. Las opiniones aquí vertidas son únicas, personales e intransferibles, y evidentemente, dado el carácter personal del disco, variarán con mucho dependiendo del ente codificador. Una colección de 12 historias aparentemente sin nexo de unión pero perfectamente imbuidas de vida conservadas en la salmuera eterna de un disco duro, no lo voy a negar, pero no por ello exento de musicalidad y belleza.

"En El Frente" es como una batalla en primera línea; un uso indiscriminado de todo lo habido y por haber de la batería y sus elementos anexionados. Requiebros, barroquiscos percusivos y juguetes varios funcionan como una metralla percusiva que cae de los cielos, contrastando con la más calmada "Despertar Jurásico", donde se hace uso del arco abrasando los platillos que emula otras épocas primitivas y que tiene algo de ese ancestral uso de la percusión de gente como ED BLACKWELL o incluso (quizás me equivoque) los tribales ritmos minimalistas de la SUN RA ARKESTRA de sus HELIOCENTRIC WORLDS. Sigue el sincopado ritmo de "Cova De L´Ocre", curioso tema de aires marciales y pseudo folk donde la melodía se ha desbrozado completamente para llevarla a su más pura raíz básica, huyendo de adornos superfluos y usando el ritmo como elemento puro y sin diluir. Curioso como hasta ahora no he echado de menos en absoluto la adición de ningún otro instrumento.


Lo futurista hace acto de presencia en "Láser y Cera". Más cercano a la forma de tratar un contrabajo en la improvisación libre que a una batería en sí misma, asistimos a un despliegue de inventiva colosal por parte de JESÚS GALLARDO. El tracklist es totalmente acertado, y los contrastes hacen el efecto deseado... así la procesionaria "Mar Xa" nos resetea y transporta a una aguerrida marcha de guerra, con los contrapuntos alucinantes de las baquetas golpeando madera. 

Si cerramos los ojos en "Fuegos Artificiales" e imaginamos un cielo estrellado en plena noche es inevitable que no captemos destellos de color. El bombo como el instante de ignición y los platillos como la rama de colores que imprima la nocturnidad... con la boca abierta estoy ante esos instantes poéticos que ha sabido expresar a la perfección Gallardo. Cada nuevo cohete es perfectamente marcado por el bombo y si estamos atentos captaremos incluso la traca final. Sigue la oscura "Mazmorra" donde se hace hincapié en percusión metálica minimalista a través de lo que parecen chapas y gongs. Cierra este bloque "Caleidoscopio", tema curioso porque es un redoble visto desde varios prismas y ópticas, con ligeras y sutiles variaciones difíciles de captar (sí, como girar un caleidoscopio). 

El tramo final del disco no tiene desperdicio... desde la polirrítmica "Wapotrónico" que parece una lluvia de neutrones o el vientre de una batería cuando tiene hambre (peristaltismo percusivo podríamos llamarlo) hasta "Cajón Desastre" y "Ducha De Neutrinos", aluvión de posibilidades al instrumento. Está claro que propuestas como estas se disfrutan mejor en directo y con lo visual, viendo el despliegue alucinante que suelen mostrar los improvisadores de batería (cosa que he tenido la ocasión de hacer con gente como AVELINO SAAVEDRA o JAVIER CARMONA), pero la verdad es que "Imatges" es lo suficientemente asequible para no perdernos en un mar intrincado de golpes y tan complejo como para necesitar más de una decena de escuchas para exprimirlo en su totalidad.

Cierra "Can a La Sombra", que no sé si podría ser un homenaje encubierto a JAKI LIEBEZEIT o una ida de olla mía. Si bien es cierto que lo Motorik no es evidente, sí que hay cierto grado de obsesión alemana en el corte. Como dije al principio, a cada oyente le sugerirá algo distinto.

Y poco más que añadir. Disco arriesgado, necesario y muy, muy recomendable.


martes, 17 de octubre de 2017

NACHO JAULA - "RESTOS DE ACCIDENTE" (MARBRE NEGRE; 2017)


Los Restos de Accidente componen una coda variada que trasciende la carne para abarcar aspectos que entroncan incluso con lo social. El accidente como suceso eventual que viene a romper el estado natural de las cosas deja restos a nivel biológico, psicológico y social. Curiosamente, para los académicos musicales, un "accidente" es una forma de alterar el sonido mediante el sostenido, el bemol y el becuadro. Al final de cualquiera de los casos a los que nos refiramos, son los restos los que miden la magnitud del accidente en sí mismo. En ocasiones pienso que la misma existencia es un resto... la parte de un todo que perdió su mayestática presencia en la noche de los tiempos, y de lo que  no somos más que parásitos en un intestino abocado al fracaso.

NACHO JAULA, multi instrumentista malagueño del que os he hablado tantas veces como para que esta reseña no sea precisamente un accidente, viene dejando "restos" psicológicos con su música en mi psique desde hace bastante tiempo. En esta ocasión, se torna oscuro y siniestro, casi abrazando el Drone Doom de corte funerario para traernos una serie de largas piezas claustrofóbicas. JAULA es bastante versátil y variado, y ante su prolífica carrera intachable no puede uno no puede más que quitarse la tapa de los sesos en señal de reverencia.


El artwork y masterización corren a cargo de otro que tal baila, PEPO GALÁN, y la edición es de MARBRE NEGRE de Barcelona, que desde 2009 lleva emponzoñando nuestras existencias con el lado menos comercial de la música. Limitado a 30 copias en formato A5, y con una duración de casi 60 minutos, no estamos precisamente ante un plato para amilanados oyentes de electrónica de club y similares. Aquí se busca el acople, la densidad y el juego bipolar más salvaje que puedas imaginar, llegándose incluso a bucear por aguas más propias del Dark Ambient, como es el caso del espectral inicio de "Cripta En La Boca".

Ni un atisbo de cordialidad ni sosiego, sólo pesadumbre y pena que se transmite como un duelo patológico en "Dios Es Un Almanaque", corte que se va desarrollando a través de un fondo minimalista de sintes y pedales sobre los que irrumpen picos anímicos que emulan un duelo. Una aterciopelada mortaja acampanada con lo que parecen rasgueos de guitarra (se aprecia todo mucho mejor con auriculares)... oscurísimo.

"La Playa De Los Nazarenos" rompe el disco con una melodía obsesiva y cíclica de lo que parece ser un bajo arropada por minimalismo Techno descarnado (en la forma más que en la esencia) de tintes procesionarios, contrastando con la mucho más Noise, industrial letanía de "Pequeña Esquela Desinformada", una de esas perlas que hacen que hasta TETSUO te parezca humano. Sirenas de ambulancia, el olor de la cobriza sangre mezclada con alquitrán; de la masa cerebral aliñada en tragedia.

Esquelas de sonido anómalo que te van predisponiendo para la tragedia en estado puro en el largo (26 minutos) "Restos De Accidente", temazo con ecos a los ultraolvidados TIBETAN RED, a los primeras TORACIC TAPES de MIGUEL A. RUIZ o RAFAEL FLORES y que revitaliza géneros tan denostado como es el Noise o el Drone a través de lo que parece una guitarra procesada por un agujero negro que haría eyacular al mismo STEPHEN HAWKING.

Lenta pero inexorablemente, "Restos De Accidente" se convierte en un desolador paseo espacial por un mundo muerto. Intentar atrapar mercurio en gravedad cero... el estado anímico de un doliente con los objetos de un ser querido... el miembro recién amputado por un accidente que busca ciego el resto de sus perdidas conexiones nerviosas.... RESTOS, TODOS SOMOS RESTOS.




miércoles, 11 de octubre de 2017

BLUSA - "K" (NOOIRAX / ITACA RECORDS; 2017)


Regreso inesperado de la longeva banda sevillana BLUSA, que tras su segundo trabajo "¡Toca Breakbeat, Perro!" de 2014 se disuelve en un mar de silencio. Con un sonido bastante diferente que su anterior disco, este "K" resulta más fresco y original, moviéndose a placer entre una exquisita electrónica que se licua en melodías Post Rock netamente instrumentales. 

En cualquier caso, antes de meternos en materia, podéis recordar aquella reseña si os apetece:


En formato trío, BLUSA en 2017 son Daniel Barja (guitarra), Curro Molina (bajo, programaciones y diseño artístico) y Antonio Ortiz (batería y sampler). Editan en digipack y vinilo con NOOIRAX y la malagueña ITACA RECORDS, que a paso lento pero seguro sacan discazos como CRÓ!, KERMIT o BUFFALO. Grabado y masterizado en Marzo de 2017 en ESTUDIO 335 (Domingo Díaz), y con un espectacular diseño plástico a cargo de CURRO MOLINA de los propios BLUSA, donde texturas abstractas de tonalidades verdosas y azuladas dan un cierto matiz acuarela al resultado. Dicho lo cual, y arrancando motores, creo que lo primero que tendría que hacer la banda es quitarse eso de post - rock sureño de las promos, entre otras cosas porque da lugar a engaño. 


La música de "K" es tan exquisita y llena de matices que abordarla desde una etiqueta semejante distorsiona la realidad. El corte que abre el disco es "#2" y lo primero que notas es que la electrónica a lo STEREOLAB o los espaciales SCHWARZ se mezcla a la perfección con atmósferas y pasajes que parecen sacados de JARRE o VANGELIS o incluso del rock más progresivo y sinfónico. El minimalismo preciosista de "#3+#1" es soberbio con casi ocho minutos de guitarras que juegan a cabalgar espirales, y una base rítmica que tiene mucho de MOGWAI y similares alejándose gracias a los cielos de los oscurantismos vacuos de los clones de ISIS, PELICAN o CULT OF LUNA

Puestos a arriesgarse, creo que aquí hay mucho de STEVE WILSON e INSURGENTES por ejemplo, y de rock espacial meditabundo con PINK FLOYD por bandera... y si no escuchad las emisiones de radio desde otro planeta que abren "#9"; la maestría en que se van sumando los instrumentos es la de una banda que lleva ya bastante en el candelero y sabe lo que quiere. No sobra ni falta ninguna nota de guitarra, y los temas duran lo que tienen que durar, si alargamientos innecesarios. "#7" y su obsesivo riff de bajo que parece repetirse hasta la eternidad. Capto toques a PYRAMIDAL, LUBIANKA, DOMO y en general toda esta nueva ola de psicodelia que tan buenos discos nos está dando.

"#6" se va deslizando como poperas pompas de jabón espaciales en una lámpara de lava en modo eterno. Maravilloso fondo de teclados con algo de los PHONOCAPTORS (sin el surf) o KAUFER (modo cinematográfico "on"). Se revisitan a los últimos ANATHEMA en "#4", especialmente en esas bases rítmicas de carreteras espirituales que coquetean con PORTISHEAD. Los casi diez minutos de "#10+#11" son el Grial para los que buscan la curación del alma. Toques a YAWNING MAN pero en versión cósmica; no todos los desiertos son de arena. La electrónica nunca llega al noise, pero sí se vuelve más abstracta en el crescendo eclesiástico del corte, adquiriendo la textura de una vieja iglesia sobre la que cae una lluvia especial... una lluvia donde el agua es sustituida por acuarela de tonos lapislázuli. Soberbio.

Un disco apasionante sin duda que aunque tenga en cd gracias a la banda, me acabaré pillando en su respectiva edición en vinilo porque me ha volado la cabeza y estoy seguro que va a ser uno de los discos del año. 





MOUNT CANE - "BARDS" (ODIO SONORO/SACRAMENTO RECORDS; 2017)


En 2013 se separan THE EYES y de dos de sus miembros y alguna que otra parte integrante de THE TAQUIKARDIC SINNERS y THE BOOTY HUNTERS se da lugar a MOUNT CANE, banda de Barcelona que toma por bandera a KYUSS, MASTODON y BLACK SABBATH para hacer las alitas de pollo adictivas esas que nos gustan tanto. No diré que se trate de algo original, porque evidentemente no lo es, pero tras escuchar detenidamente su debut "Bards" hay que reconocer que el disco va de menos a más en cuestión no de calidad, que la tiene durante todo el minutaje, sino de interés en cuanto a la de ofrecer algo distinto. 

Si eres amante de estos estilos el disco va a saberte a gloria bendita, tanto en sus toques Stoner de toda la vida como en las incursiones por terrenos más sureños; la  base rítmica es muy potente, y las guitarras tienen la versatilidad suficiente para que los temas (en general cortos) no decaigan un sólo instante. La voz es más que correcta y pocas pegas se le puede poner. Ya digo que en general "Bards" me parece un buen disco pero dentro de su estilo ya de por sí bastante constrictivo y que hace difícil la expansión hacia otros horizontes, lo cual no es necesariamente malo, ojo... todo depende del oyente con el que topes o cuál sea el objetivo que tengas planteado a largo plazo como banda. 

El disco se graba en LA ATLANTIDA STUDIO (Edgar Beltri & Mario Patiño) y editan los incombustibles ODIO SONORO y SACRAMENTO RECORDS en edición tanto en cd como vinilo.  La formación en el momento de la grabación si no me equivoco es la siguiente: Jordi Castany (voz); Edgar Beltri (guitarra); Marc Serracarabasa (guitarra); Quim Fondevila (bajo); Àxel Vidal (batería) y Dani Bañón (guitarra). Sigamos ahora con la música.


Los tramos rápidos como la inicial "Sea Storm" o "Sight With No Sense" o la rock n´rolera (coros incluidos) "Tow Truck" son Stoner de vieja escuela y por ende temas en los que menos me detengo. Es quizás cuando bajan el tempo cuando adquieren mucho más cuerpo. Se tornan blueseros y con aroma a charca ponzoñosa y bidón oxidado de polígono o lo que es lo mismo, un poco a lo DOWN y esas cosas (también CROWBAR) para que se me entienda bien. Baste escuchar el arranque a lo SABBATH de "Our Victory" o la final y larga "Hell In Me", que es una jodida bala de punta hueca rellena de vinagre. Lenta, bluesera y arrastrada con requiebros vocales algo más guturales. 

Entre medias un poco de todo. El pegadizo riff en "The Boat", con muy buena interpretación vocal (en general a lo largo de todo el disco en todos los registros) y aromas épicos que no defraudará a los acérrimos stonerheads. La instrumental "Silver Track" que me descoloca un poco (no sé, pero yo el tracklist lo hubiera modificado un poco y habría convertido esto en una intro o parecido) marca psicológicamente el tramo final del disco con los mantras repetitivos en "Astro" con dobles guitarras puramente a lo IRON MAIDEN y desarrollo para que se luzca la base rítmica. 

Fin de fiesta con la agresiva "The Destroyer" o la Panteriana "Stone Fist", para acabar con la ya mentada "Hell In Me", para mí el mejor corte del disco. La duda que se me plantea es que si los músicos tienen tanta garra, fuerza y tablas, por qué no intentar algo más arriesgado... "Bards" es como un ejercicio de estilo que les sale de puta madre porque tienen nivelazo para mucho más. 

Este disco no puede decepcionar porque simplemente cumple a la perfección con los dogmáticos pilares del Stoner, y como digo, a partir de la instrumental "Silver Track" va mejorando enteros y terminando por todo o alto con un nivel compositivo bastante alto. En sí, tocar a lo Kyuss es como una Boa Constrictor y salir de sus anillos opresores es complicado, aunque los puristas del género realmente no creo que busquen salir de la asfixia, sino regodearse en ella. 

Terminando... "Bards" es uno de los mejores discos de Stoner en lo que va de año, y espero que el puente hacia algo distinto. No esperes originalidad. Esto se trata de drogas y dosis... y te puedo asegurar que estas sustancias son puras y no están degradadas. Ahora bien, si lo que buscas son drogas de diseño, es justo decir que debes mirar en otras direcciones.







lunes, 9 de octubre de 2017

THE YOU AND WHAT ARMY FACTION/RITA MOSSS - "SPLIT 7" (SWEETOHMRECORDINGS; 2017)


Volvemos al underground griego (Karditsa) otra vez de la mano de SWEETOHM RECORDINGS, sello que últimamente estoy visitando con bastante frecuencia. Esta vez se trata de un split 7" de 2016 entre las bandas THE YOU AND WHAT ARMY FACTION y RITA MOSSS

La Cara A es de THE YOU AND WHAT ARMY FACTION, cuarteto desde Atenas tocando un correoso PostPunk con ramalazos noise y de blues industrial que quita el hipo. Formados allá por 2009 y tras una serie de trabajos, es en 2017 que editan "Rite", disco que en próximas fechas desgranaré a fondo. 

"Sadie´s Blood" es un sugerente tema con mucho de los últimos SWANS y suaves toques a lo BONG en formato terrenal en el clímax final (fantásticos los toques orientales de lo que parece una guitarra afinada como un sitar o un sitar emulando a una guitarra); épicas percusiones, ritmos sincopados y dosis justas de ruidismo en una banda que cuenta con miembros de CALF (Chris Koutrolis), los Crust Punk PROCRASTINATE (Achileas Kaminiotis) y con alguna que otra conexión con el death metal (los griegos MORTAL TORMENT o los turcos CENOTAPH) a través del guitarrista Anastasses. Brutal.

La Cara B es el corte "Sheeps From Hell" de los inclasificables, humorísticos RITA MOSSS. Dúo con estatus de culto (en ocasiones trío) de intenso Crust Punk hemorroidal enharinado de Sludge corrosivo con bases percusivas 4 por 4 y una visceralidad primitiva de las que dan cefaleas.

También de Atenas, y con un sustrato LoFidelity potentísimo que me recuerda a mis queridos RIZOMA, los extintos REZNIK por ejemplo o a la energía en estado puro de CRUDO PIMIENTO, por poner ejemplos hispanos. Black metal teñido de Grindcore, voces enloquecidas  y riffs de guitarras secos, romos y cargados de tetania.

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BRUTALIZZED KIDS - "PÁLIDOS COMO LA SAL" (LOS 80 PASAN FACTURA; 2017)


A estas alturas de mi vida mi acervo musical es considerable, lo cual no creo que eso sea ni positivo ni negativo, sino sólo una prueba de dos cosas. Una que todavía no he perdido la pasión por la música, y la otra que bueno, más o menos me cuido y sigo vivo que es importante, no?. He visto surgir imperios que han caído estrepitosamente, revistas, modas y estilos que han soltado sus últimos estertores en medio de la confusión de no saber qué era lo que los estaba asfixiando. Al fin y al cabo, no creo que lo importante sea el estilo que tocas, sino cómo te lo planteas y si el último fin que tienes como músico es ser congruente contigo mismo; con las raíces y con tus expectativas. A veces la etiqueta es un nudo corredizo muy peligroso.

Cuando pongo discos como el nuevo de BRUTALIZZED KIDS mi cabeza hace "Reset" a un punto exacto de mi vida. Un punto muy personal en el que no voy a entrar demasiado, porque es eso... personal. Lo que sí puedo decir es que hubo una época en que yo necesitaba himnos, necesitaba reacciones contestatarias, necesitaba flambear el fuego que consume a todo adolescente e incluso subirme a un escenario y tirarme de cabeza si hacía falta; se trata de sobrevivir a un cambio psico hormonal brutalmente agresivo que te transforma en otra cosa. Una crisálida de testosterona, semen y serotonina.

Grupos como SLIPKNOT, FEAR FACTORY, los proyectos Nu Metaleros de CAVALERA, los hispanos caídos en desgracia (the) DISMAL sonaban de vez en cuando en mi reproductor para traerme las únicas noticias del mundo que me interesaban, a pesar de que uno ya había dado un firme paso para meterse en terrenos más extremos. Todo esto se refleja en cortes como "Confié" u "Otra Vez" con colaboración de Edui Bercedo... rápidos, festivos, amargos y explosivos como fuegos fatuos a base de Peta Zetas de a kilo.


Los sonidos simples pero efectivos del Metal en toda su mayor gloria, esa que parece que se hizo en probetas para rebautizarse en algo llamado Nu... que es Nu dependiendo del lado histórico por el que te aproximas, claro. BRUTALIZZED KIDS (Canarias) llevan más de una década haciendo esto, y tiene ese toque diferente, ecléctico y variado (que no abigarrado, barroco ni técnico) que los pone en el candelero una y otra vez. Da igual si lo llamas metal electrónico, porque también hay algo de industrial por ahí ("Por Dentro" y su algarabía electrovoltaica o la trip hopera "Maxíbamato"), o del Groove Metal ("Bang Bang" y la épica "Ercasam") que movía a combos noventeros a lo STATIC X pero con un puntito a HORA ZULÚ... y muy mucho de KTULU también ("Pálidos Como La Sal" o "A Mi Lado").

Se trata de tatuarte de forma subliminal mensajes en tu zona gris, y eso Albert (voz), Fafe (guitarra y coros), Efren (bajo y coros), Skynet Doctor (sinthes y coros) y JO-C  (batería y coros) lo hacen a la perfección porque usan la argamasa de PUNK para unirlo todo; y es que punk y electrónica son un sabio cóctel que bandas como VON LMO  o DEVO usan como moneda de cambio habitual. El baile al servicio de la protesta.

Grabación en GUAMASA ESTUDIOS  por AYOZE HERNÁNDEZ excepto "Maxíbamato" que se graba en los MONOROTTEN por FBK. El artwork corre a cargo de VISION HUNTER y la edición, en toda su gloria, por los incombustibles LOS 80 PASAN FACTURA. No es sólo nostalgia sino de revitalización y en eso BRUTALIZZED KIDS son maestros. e indudablemente, los 90 pasan factura.

Cuando el metal puede bailarse, se calienta... y una vez caliente, puede pasar cualquier cosa.



miércoles, 4 de octubre de 2017

BLADÍMIR ROS - "DEMO" (Autoedición, 2017)


Inevitable no catalogar Zaragoza como punto de expansión del pop oscurantista desde la década de los 80. Ahondar en nombres sería asunto reiterativo simplemente por el carácter histórico de los grupos que podríamos citar, y siendo sincero, no he habitado las charcas ochenteras tanto como debiera y a día de hoy soy simplemente un voyeur sonoro y aprendiz en tan fantástica escena musical. Y claro, si uno cita cosas góticas y barrocas acaba entroncando con GABINETE GALIGARI, los primeros HÉROES DEL SILENCIO (recordemos la obsesión particular de BUNBURY por el tango) e inevitablemente THE MISSION, y mis gafas musicales se convierten en monóculo. Soy bastante amateur en estas lides y sugiero que sea el oyente el que termine de redondear esta reseña... 

Es por ello que es grandioso saber que todavía hay unas ascuas vivientes en toda esa escena, y para colmo vistiéndose con galas Cabareteras, de Chanson, Bolero y Tango de navajas oxidadas de esas que transmiten tetania. De esto sabe mucho Antonio Acién y sus rumbas apocalípticas en Trío Mudo, o el onírico mundo paralelo de Carlos Desastre en cualquiera de sus encarnaciones (en solitario o 713º AMOR)... y llegados a este punto, CORCOBADO se hizo experto en el tema, oigan (sus "Boleros Enfermos De Amor" que dan buen testimonio de ello). 

Ah, sí, perdón. Estoy hablando de una grabación demo de la banda de Zaragoza BLADÍMIR ROS. Perdón por el mal trato al lector, pero estoy acostumbrado a pensar en voz alta y al contrario cuando escribo.

Escuchando el maravilloso inicio de "Descenso al Maelstrom""Sin Perdices" (para mi gusto el punto flaco de la demo) averiguamos que los instrumentos de viento se llevan mucho protagonismo. Un tema colocado ahí de modo extraño; muy socarrón pero rompiendo un poco la vena de amarga bilis que hiede en el resto de temas. "Cambio De Cromos" es hiriente como un punzón, con letras aguardentosas muy trabajadas que hablan de amores traicioneros, autopsias anímicas in vivo y un insidioso piano de salón desértico. 


Es en el cierre "Sol De Injusticia" donde veo más parecido con EL LUTO DEL REY CUERVO, pero con la particularidad de ser un corte más "eléctrico" en esencia, trayéndome a la cabeza "Canciones Defectuosas" de JAVIER ARNAL. Una guitarra a lo Lynch/Badalamenti que flota en el ambiente reforzando la violencia de unas letras escritas con la sangre derramada en la caza de Mariano Gavín Suñén "El Cucaracha", bandolero Aragonés portavoz de leyendas varias en la zona de Los Monegros

Pero oiga, que aquí hay algo de organillo de feria, de vientos que bordean maravillosas melodías de pop fúnebre de carreta de caballos y estiércol, y encima con la actitud chulesca por bandera. Esa chulería que te lleva a ponerte un pañuelo impregnado en olor a nicotina alrededor del cuello, unos zapatos con puntera y dejarte un bigote afilado que podría casar con el 90% de las fichas criminales de la España más negra. Un trabuco de proporciones épicas como sólo lo rutilante (y BLADIMIR ROS tienen mucho de rutilante) puede dar; me refiero a esa sensación de un carromato de teratogenias que recorriera la Europa del Este en esos pueblecitos donde o te invitan a un licor de hierbas o te clavan una estaca en el corazón.


BLADIMIR ROS es un proyecto musical que en cierta medida coge el testigo de aquellos necrosados EL LUTO DEL REY CUERVO con la particularidad de acentuar los aspectos más folklóricos de aquellos para darle un giro de esos que gustaban en "La Huella Del Crimen". ROS BERET (voz) y CARLOS CHAHUÁN (teclados y guitarra) mas una pléyade de colaboradores, reinterpretan los compases de un viejo manuscrito musical tal y como se narra en esta bella historia:

"En mayo de 1980 un misterioso hombre apareció muerto bajo una encina en el parque Bruil. La policía lo identificó con la ayuda de un violinista callejero. Se llamaba Bladimir Ros y entre sus escasas pertenencias hallaron un cuaderno con textos escritos y anotaciones de acordes musicales.

A partir de esa guía conservada por el violinista callejero se han reconstruido un buen puñado de canciones. Este será, pues, otra banda tributo en estos tiempos de rebosante imaginación. Esta será, pues, la historia, las canciones y el pensamiento de Bladimir Ros".


lunes, 2 de octubre de 2017

V E R A N O - "ASTRO HUIDO EP" (EL MUELLE RECORDS; EMR029, 2017)


VERANO es un proyecto entre LORENA IZQUIERDO APARICIO (voz, poesía y performance art) y NACHO JAULA (guitarra, batería, grabaciones y ambientes), que justamente debutan un 22 de Septiembre (rito de paso astronómico) con el Ep "Astro Huido" que se graba y produce en Málaga durante Marzo y Julio de 2017; la edición corre a cargo de EL MUELLE RECORDS en un precioso digipack muy limitado que cuenta con los fantásticos dibujos/collage del propio Nacho Jaula (dentro de su "Colección De Atropellos"). 

No voy a esconder que para mí JAULA es uno de los artistas más completos, originales e interesantes a nivel ruidista y electrónico; baste leer las numerosas reseñas que he realizado de su trabajo. Es capaz de arroparte con un sutil tañido acampanado para luego reventarte los tímpanos en un pulso de proporciones épicas; pero lo que más resalto de su labor es la versatilidad que tiene para el cambio de registros y no aburrir ni un sólo instante teniendo en cuenta los a veces hipnóticos y repetitivos senderos que recorre la electroacústica... JAULA tiene la capacidad de llevar las cosas a un punto de no retorno aparentemente limítrofe con la nada, y sin embargo dar un pasito todavía mas allá.

"Astro Huido" es doblemente experimental por varios motivos. Si el uso de la voz y sus diversas modulaciones trance/afectivas suelen funcionar mejor con el apoyo del arte perfórmico visual (he tenido al oportunidad de asistir a las "performance art" de LORENA y son especialmente sobrecogedoras), no es menos cierto que sí que se han realizado obras donde la voz ha quedado arropada por un fondo ambiental surtiendo efectos parecidos o incluso más potentes si cabe. Sin ir más lejos, los proyectos más extremos de este género pueden encontrarse sin duda en los proyectos ritual/noise de MARC O´CALLAGHAN (COÁGUL) o incluso VÍCTOR HURTADO con FUTURO DE HIERRO / ORDRE ETERN


Pero... ¿qué pasa cuando suprimimos lo visual y la música no es un contexto, una excusa o un fondo sino un elemento vivo, agresivo y balanceado, tan o más presente incluso que lo vocal?. La experimentación se convierte en algo orgánico que sientes cómo se retuerce cual tentáculo amputado que gaste sus últimos impulsos eléctricos. No se trata de pasajes de noise o pedales, sino de guitarras sublimes al más puro estilo SUNNO))) o percusiones hímnicas las que apoyan los soliloquios enfermizos de LORENA, irremediablemente recordando a la poesía más perturbadora de DESASTRE. Un durísimo ambiente industrial de ruidismo descarnado es el cuaderno existencial sobre el que la voz deja su impronta tetánica punzante. Haciendo una metáfora, la música de Jaula es una plancha de acero sobre la que Lorena oxida sus letras (como cuando escribimos con limón en un papel en blanco y luego pasamos un mechero por atrás). 

Desde la tónico clónica siniestralidad de "Flor Sin Alas" a momentos de dura marcialidad como la homónima "Verano" o los éxtasis de ferretería oriental en "La Niña Del Agua", posiblemente uno de los temas más originales que he tenido ocasión de escuchar y que se carga de un soplido cualquier atisbo de electro world beat o cosa parecida con sus sonidos aflautados y cadencia sincopada. Como deconstruir una vieja melodía Shaolín donde las fuentes Zen dieran gasolina en vez de agua. 

Arranque casi Crust con la percusión intensa de "Acción Sin Palomas", aunando a la perfección cierto grind industrial que sería interesante de explorar en un futuro y ver hasta dónde puede llegar. Cierra esta joya de Ep "Amor", donde tanto LORENA como JAULA dan la sensación de haber sido teletransportados a una caja de música mental desde la que van dando cuerda a un inmenso bidón astado que unida a la decadente poesía necrótica apuntalan un proyecto que me ha dejado totalmente noqueado.

Estas cosas no se nutren del aire, por desgracia. Si quieres apoyar el proyecto, puedes pillar una de las limitadas copias por aquí o dejar que se pudra, seque y muera.