jueves, 20 de septiembre de 2018

AUTUMNWIND - "ENDLESS FEAR" (SYMBOL OF DOMINATION/MORE HATE PRODUCTIONS, 2018)


Generalmente no hago críticas negativas. Cuando algo no me gusta suelo obviarlo y paso a otra cosa, pero en ocasiones creo que es necesario hacer una crítica negativa en profundidad que aunque al artista y sello en cuestión no creo les siente bien, sí que es más constructiva de lo que a priori pueda parecer. 

Cuando recibí el último paquete promocional desde Rusia (SATANATH RECORDS) intuía que iba a tener sensaciones encontradas con AUTUMNWIND, one man band proveniente de Damasco, Siria, tocando desde 2015 un Black Metal de corte atmosférico siendo Endless Fear su tercer disco que se edita en coedición de los sellos SYMBOL OF DOMINATION y MORE HATE PRODUCTIONS. La correcta masterización es en DIGIVISION RECORDS (BELARUS) y el artwork obra de PAINT-IT-BLACK DESIGN.  Vale, ahora pongamos la carne en el asador.

GaaRa "Abdulrahman Abu Lail" toca todos los instrumentos de una especie de suite de 5 temas donde los teclados tienen una presencia fundamental aunque se sirva de correctas líneas de guitarra y una batería programada al estilo SUMMONING o unos LIMBONIC ART venidos a menos. El primer problema que tengo con el disco es el envoltorio... veamos. Hacer un logo tan bueno como el de AUTUMNWIND y plasmarlo en una portada que no pega con nada de la música que tenemos en el CD es arriesgado; no sólo porque el nombre resulte manido e infantil, sino porque por los ojos el asunto no entra ni aunque tuviéramos unas cataratas en estado avanzado.


Ese es el primer punto. El segundo es el concepto. A ver, tiene que ser terrorífico e inspirador a la vez hacer un disco basado en unos ataques de pánico (para quien dude dejo un artículo del DSM IV de psiquiatría aquí), pero claro... poner esto en el libreto es de juzgado de guardia: "The first track on the record. It was recorded to simulate the mind of how a man sees the world when he is mad". No, no, y no!!!!!. Esto no puede hacerse en la vida. Si sufres tal o cual trastorno y compones un disco, no me cuentes qué pasaje está inspirado en qué parte y en cuál no... deja el asunto a la imaginación del oyente. Es más, si me fuerzas diría que no tienes que contar absolutamente nada de ataques de pánico. Todo esto resta fuerza al disco antes incluso de que le demos al Play.

"The guitar track on this track is the one that describes the awful feeling of panic and mad that can attack the mind of a man" reza otro de los comentarios (mal escritos) del libreto. Está claro que si estoy pelando el disco y ya le he quitado la corteza de la errónea portada, cuando me encuentro con esto ya no sé si comerme el producto en cuestión. Aun así, escucho varias veces el disco y no está mal del todo. A ver... queda a medio camino de todo y da la sensación de que podrían abrirse dos caminos. Uno de ellos es centrarse en el Dungeon Synth (tipo JAAPORTIT) y prescindir de todo lo que no sea teclados, y otra posibilidad sería desarrollar más el conjunto que queda desangelado así tal cual y meter voces que quedarían bien en un contexto de Black depresivo.


Vender el disco como proveniente de Siria es llevar al posible comprador al error porque aquí no hay nada que se parezca al folk de allí o que sugiera exotismo. La música en general tiene pasajes logrados que me recuerdan a las intros de los italianos EVOL o los añejos productos de ADIPOCERE RECORDS como AKHENATON (Divine Symphonies de 1995) o el anterior con el nombre de DAEMONIUMDark Opera Of The Ancient War Spirit de 1994.

Aun así, el disco aguanta varias escuchas con curiosidad pero es que cada vez que leo lo de los ataques de pánico y veo la portada se me cae el alma a los pies. 

Aunque no lo parezca, esto trata de ser una crítica constructiva para lo que creo que es un proyecto que podría dar mucho más de sí porque la música en Endless Fear no está del todo mal, se consigue una atmósfera opresiva y evocadora que por desgracia se va al traste por falta de... no sé, por falta o por exceso de todo. No debe ser fácil tocar Black Metal en Siria pero si hago esta reseña es porque creo que con otro enfoque se darían mejores resultados.

miércoles, 19 de septiembre de 2018

CELACANTO - "CEMENTERIO DE GIGANTES" (ALADERIVA RECORDS; FUZZ T SHIRTS; SOUTH AMERICAN SLUDGE, 2018)


Hay que viajar a 2013 para ver el germen de la banda de Castellón de la Plana CELACANTO. Con distinta formación graban en 2014 el homónimo Celacanto. Ahora vuelven con Cementerio De Gigantes y la formación establecida de JUAN P a las seis aletas lobuladas e immonuglobulinas vocales; CHRISTIAN a las cuatro aletas lobuladas y YAGO a la destrucción de fósiles pétreos. 

La grabación corre a cargo de ESTUDIOS ROCKETES (Alberto Sales) con mezcla y masterización en ULTRAMARINOS COSTA BRAVA (Santi García y Victor García). ALADERIVA RECORDS FUZZ T SHIRTS junto a SOUTH AMERICAN SLUDGE para la distribución en Sudamérica conforman los sellos implicados aunque me da la impresión de que otros se han caído de la edición.

El diseño es muy bonito. CD negro imitando a vinilo (con Obi) y cubierta de la propia banda con colaboración de Óscar Gómez. El resto de ilustraciones interiores y de contraportada se la reparten Thelab y Juan P. Aguilar conformando una sugerente edición.

Vayamos por partes y empiezo con lo negativo. La idea de CELACANTO es innovar según su hoja promocional, y yo que estoy de acuerdo con todo este tipo de propuestas me tengo que fijar en que no puedes ponerte o seguir con nombres que ya parecen agotar el catálogo de animales extintos, mitológicos o soñados. 

Es decir... Coelacanthimorpha o Celacanto, lo mismo que Siluros y otra fauna o elementos primitivos/mitológicos/geográficos, están ya demasiado explotados y lo que es peor, asociados a un tipo de música. Es decir; desde que surgieron MASTODON, la cosa no ha hecho más que crecer con CHIVO, KHAYMAN, CUERNO, LODO, GRAJO, ARAPAHOES, CABESTRO, CABEZA DE CABALLO, MARASME, EVILHORSE y no cito más nombres porque no creo que haga falta. Esta pequeña reflexión es sólo para advertir a las bandas de que tengan cuidado no vaya a ser que los nombres elegidos acaben convirtiéndose en esos espantosos tatuajes tribales/maoríes de mitad de los 90 que ya no te los quitan ni con implantes.


Cuando me llega una grabación de una banda con estos nombres mi mente ya está condicionada a un tipo de sonido, y creo que eso a las bandas no les hace bien, pero ojo, esto es sólo una opinión personal que nada tiene que ver con lo que a continuación os voy a contaros y que es la parte positiva, escúchese, la música de CELACANTO.

Pues bien, musicalmente hablando, CELACANTO han grabado un disco muy adictivo donde su principal baza es la mezcla de estilos. Lo que a priori pudiera parecer un disco más de Stoner o Sludge, queda sobrealimentado por una reverberante fuerza en la base rítmica que parece remitir a los paquidérmicos REVEREND BIZARRE. Por otro lado, el uso de unas voces limpias en castellano los aleja del canon de los géneros antes citados para entrar en algo más progresivo y psicodélico. Todo esto nos da de lleno en "Crio-Volcán", que para más Inri se permite riffs de guitarra de Doom clásico o Blast Beats propios del Black Metal junto a constantes cambios de ritmo. Las letras simples pero bien trabajadas funcionan como pistones mántricos y atávicos cogiendo fuerza gracias a la buena labor de las vocalizaciones.

"Hongo De Yuggoth" sigue por terrenos algo más Sludge (con voces propias del estilo) y aunque uno no se quita la sensación de un cruce entre YOB y NEUROSIS, el corte se sostiene sin problemas. Se carga de reverberación y vuelve a esos riffs de guitarra melancólicos y es curioso un efecto de las voces que me trae de cabeza. Cuando se vuelven más limpias no me quito de la cabeza el rock progresivo de los 70; imagino que será alguna conexión cerebral mía que anda suelta. Sigue "Progresión En Espiral" y su decadencia sureña a lo CROWBAR, EYEHATEGOD y otros amistosos vecinos en un tema algo menos atractivo.


"Mar Negro" abre con línea de bajo a la que se suma la potente batería segundos después. Hijos putativos de DOWN o PANTERA con una melodía hipnótica, insistente y quiebro final quebranta cervicales marca de la casa. "Pudenta" me parece muchísimo más atrayente y original. Abre a todo trapo con el doble bombo y las guitarras afiladas que más parecen traídas de un disco de Black Atmosférico. Sin embargo los contrastes con los lentísimos ritmos a lo (otra vez) REVEREND BIZARRE y algún que otro giro hacia otros estilos (no sé, pero algo de TOOL hay) hacen el tema muy disfrutable, especialmente con el desparrame lisérgico final de la guitarra.

Tramo final con la potencia de "Cabeza De Tubería Giratoria" con fantástico riff central que se aleja del Sludge otra vez aunque lo que prime ese estilo. Hay una cosa curiosa en CELACANTO y es que aunque quieren alejarse de todos esos sonidos creo que en Cementerio De Gigantes no lo han conseguido del todo. Las barreras estilísticas pesan y creo que un tercer trabajo vendrá a confirmar la dirección definitiva de lo que me parece una banda en crecimiento. 

Calidad hay a raudales... basta escuchar la sincopada procesión pseudo thrashera en la homónima "Cementerio De Gigantes" para ver que se trata sólo de pulir detalles porque no paran de meterse una y otra vez en terrenos del Doom Tradicional. Creo que están a puntito de dar ese salto al vacío en que puedes permitirte tocar, mezclar y alear lo que te venga en gana, y ese es el momento que estoy esperando.



lunes, 17 de septiembre de 2018

DANTALION - "THE SEVENTH WANDERING SOUL" (THE WAY of the HERMIT; Maestitia I CD, 2018)


THE WAY of the HERMIT surge como subsello de DARKWOODS para tender un puente desde el Black Metal (en sus múltiples variantes) hacia los sonidos más Doom, sobre todo ahora que parece que los sonidos Stoner, el Noise y el Sludge parecen estar invadiendo completamente la escena musical. Por otro lado, un nuevo tipo de metal extremo parece estar adueñándose de todo. 

El Black y Death de toda la vida pero vestidos de gala (preferentemente encapuchado si se tiene un trapo a mano) gracias a producciones de órdago y una reformulación de los viejos tópicos en nuevos arquetipos del mal; donde antes había ignotos bosques, ahora cohabitan tentáculos en vacíos de gravedad negra porque al igual que los vampiros o los hombres lobo, los terrores son como el sonido, necesitan adecuarse a los nuevos tiempos. Así surgen bandas de grandilocuentes o sobrios nombres con propuestas que aunque nihilistas a priori, son más de lo mismo y es que el tiempo pasa, y hasta hoy día los AKERCOCKE resultan amistosos. Lo que ahora nos venden como Avantgarde ya ha ocurrido, pero está confeccionado de otra forma.

Así pues, en ciertas ocasiones estallo de placer cuando doy con bandas que siguen los viejos patrones. Sin narcisistas diálogos ni misterios absurdos, sólo la capacidad de trasmutar su sonido y seguir componiendo un temazo detrás de otro porque el metal extremo es una selva que todo se lo traga... como esos abismos negros que les ha dado ahora a todas las bandas por poner en la portada o esos títulos que meta realidad absurda que no son mas que infantiloides reflejos de los mismos esquemas. Literatura de paraciencias al servicio de un público ávido de Hypes.

Digamos que ni todo lo que brilla es amarillo, ni todos los plátanos tienen la misma cantidad de potasio, pero os puedo asegurar que lo que sale de DARKWOODS y sus subsellos puede pillarse a ciegas porque está pasado por el filtro purificador de quien lleva muchos años en la escena y sabe lo que está haciendo. Para quejas y reclamaciones, os dejo un cútter romo bajo la alfombra de entrada a mi casa (yo tengo otro, veremos quien lleva la razon...).

Tras esta mierda de reflexión, una reseña de brutalísimo nuevo disco de los gallegos de culto DANTALION.

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"The Seventy-first Spirit is Dantalion. He is a Duke Great and Mighty, appearing in the Form of a Man with many Countenances, all Men’s and Women’s Faces; and he hath a Book in his right hand. His Office is to teach all Arts and Sciences unto any; and to declare the Secret Counsel of any one; for he knoweth the Thoughts of all Men and Women, and can change them at his Will."

La longeva banda DANTALION se atreve a cruzar ese puente que tiende THE WAY TO THE HERMIT hacia sonidos más ralentizados transformando su Black atmosférico en una suerte de Death melódico con trazas Black y repuntes doomeros extremadamente bien tocados de una calidad altísima como tiene que tenerla una banda con semejante trayectoria; siendo capaces de transformar la velocidad en melancolía tal y como hicieron grupos suecos a lo KATATONIAOPETH y quizás ingredientes de los viejos OPHTHALAMIA.

Es decir, estaríamos ante una recomposición de unos DISSECTION en etapa tardía con unos RUNEMAGICK de sus tres primeros discos, justo antes de que se sumergieran en un ponzoñoso y adictivo abismo Death/Doom. Ojo con tomar los nombres que estoy soltando por separado porque aquí se viene con coctelera o no entenderás nada. Realmente desde NECROPHOBIC a BEHEMOTH la paleta de estilos tiene subgamas que podría llevarnos a un debate eterno.


Vale, según lo expuesto se me ocurren bandas como los FOSCOR últimos o los extintos MISTWEAVER. No es nada fácil catalogar estilísticamente The Seventh Wandering Souls y siento decir que no estoy para nada de acuerdo en los que los catalogan como una banda de raigambre Doom inglesa (he leído prensa por ahí y de verdad pienso que han escuchado poca música). Si bien es cierto que hay toques en algunos riffs de guitarra podrían recordar a los genios ingleses MY DYING BRIDE o PARADISE LOST, la esencia destilada de su música, y quizás es por el toque de la voz o la violencia de unos temas que en general transcurren acelerados (algún medio tiempo hay), me llevan a poner el punto de mira en la escena Sueca y su particular forma de trabajar la melancolía (venga, añado también a los OCTOBER TIDE).

Esto es lo que nos encontramos cuando estalla "Chaos Is The New Age", posiblemente de los temas que guarden más la esencia y pasado Black de la banda junto con la tercera "Bloody Moon". Unas voces bien trabajadas con multiplicidad de registros que remiten a todas las bandas anteriormente citadas y donde prima el Åkerfeldt Style (sabes, no?). La base rítmica es un cañón a lo largo de todo el disco, y quizás algo tenga que ver la magnífica grabación, mezcla y masterización en  B2V Studios por Brais Barreiro

Mucho más atmosférica resulta "Gloom And Doom" donde ya empiezan a notarse muchos cambios de tiempo muy bien llevados por una guitarra que va cortando el tema en pedazos mientras diversas melodías van construyendo un tema variado y muy potente (vaya manera de aporrear la batería)... es más, esa forma de vertebrar y trenzar las guitarras hasta que queda flotando la lírica y la línea principal se desmarca con una sábana épica es Death Melódico de origen sueco en suma (vuelvo a remitiros a lo del cútter, que hasta el momento no han tocado a la puerta). Un temazo que por alguna razón me trae a la mente a los GOD DETHRONED o hasta algo de AT THE GATES en otros aspectos.


Es en "We All Die Into The Dark" cuando los cambios de tempo se hacen más presentes y palpables gracias a un uso más espaciado de las notas que repercute en que todo se vuelva más pesado y funesto pero sin perder la esencia de vieja escuela a lo RUNEMAGICK. Ahora sí que surgen determinados momentos de Death/Doom a la inglesa dándole una magnificencia impresionante al tema y es que cuando las viejas células apuntan a Hallifax la tormenta y la lluvia acechan... incluso la voz se hace más gutural por momentos.

"Death Comes For Us" continúa la línea argumental pero voy a rasgarme la camisa y decir que los toques thrasheros mezclados con Black a medio tiempo me recuerdan a los ultimísimos MORTUARY DRAPE, especialmente en el temazo siguiente "Shadows From The Past" y aunque pierda mi credibilidad con esto, os invito a poneros discos de los italianos como Spiritual Independence. Esta forma de mezclar estilos sólo funciona si los músicos están en un buen nivel compositivo y la verdad es que el séptimo disco de DANTALION es un temazo tras otro. 

"The End Of Everything" tiene el marchamo de lo épico. Guitarras que van dejándose caer en espiral por un abismo sin fondo (otra vez con esos parones tan deudores de MY DYING BRIDE). La batería se ralentiza o se acelera según nos acomete el estribillo o las cortantes y afiladas guitarras que subrayan una melodía que huele a epifanía macabra; a trasmutación perversa del oro en carne pútrida. 

Cierra la bucólica e instrumental "Abyss Of Solitude" que nada tiene que envidiar a los epílogos depresivos de grandes nombres del Doom Finlandés. Creo que DANTALION han grabado un disco descomunal  y que a día de hoy haya trabajos como The Seventh Wandering Soul que me remuevan las entrañas es harto complicado. Otra pequeña reflexión para la cantidad de trabajo compositivo del disco... donde una banda muestra una gran cantidad de recursos en 40 y pico minutos, otras sólo son capaces de añadir ruido y patrañas enterrando las deficiencias técnicas y lo triste de todo, es que esto último es tendencia y moda.

Por apuntillar, el disco se edita en dos ediciones, una normal en jewel case y otra limitada en precioso slidebox A5 Deluxe Digipak, todo con el sugerente artwork de vieja escuela de Beto.

Hasta ahora nadie ha pegado a la puerta y el cútter sigue en su sitio, aunque bien es cierto que desconecté el timbre para que nadie me molestara mientras escuchaba el disco. Pisadas en el suelo hay, aunque no sé si será de algún vecino o de alguien que ha venido a cantarme las cuarenta.

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ENTREVISTA CON DANTALION:

Veamos, una banda con 14 años de trayectoria en un País donde el metal extremo de toda la vida ha pasado a un sustrato todavía más recóndito en el que el Stoner, el Noise y el Sludge son el trio que te asegura el éxito. DANTALION para mí juegan a contra corriente, son la trucha extrema entre tanta banda clon. Digamos que pediros que os presentéis es casi un insulto, pero no comenzar una entrevista así es jugarme el pescuezo. Por variar un poco no quiero que me digáis quienes eran DANTALION sino quienes son ahora DANTALION.

Bueno, primero agradecer tus palabras y el interés en la banda. Yo soy Villa.

Dantalion ahora, pues somos un poco los de siempre, ya que la forma de hacer las cosas nunca ha cambiado demasiado. Hemos cambiado, pero aunque esta vez ha sido muy drástico, la verdad que nuestros discos siempre han sido bastante diferentes entre si. Los dos primeros mantienen un estilo parecido, mientras que el tercero y el cuarto ya mantienen otro, aunque similar entre ellos. Los dos siguientes igual….. este nuevo disco, sea un poco un punto de conexión entre influencias que hemos tenido siempre, pero desde el punto de vista que mantiene la banda hoy en día.  

Dantalion básicamente somos gente que disfrutamos tocando, haciendo la música que nos apetece en cada momento, sin tener que sentirnos obligados a nada.

A los veteranos se les debe respeto y aprendo con ellos. ¿Qué opináis del actual panorama de la música extrema nacional?.

Pues creo que está en un muy buen momento. Tenemos muchas bandas de calidad, y cada vez mas están firmando con sellos potentes, y teniendo mas reconocimiento por todo el mundo, solo hay que ver casos como Forcor o Altarage, ambos en Season of Mist, Empty en Osmose, bandas como Balmog o Graveyard, saliendo a tocar constantemente por Europa, Evadne, Perennial Isolation...

14 años pueden parecer demasiados pero es el punto perfecto para poder comparar generaciones y cambios a nivel de sellos y bandas. ¿Qué diferencias fundamentales encontráis ahora con respecto a vuestros inicios?. ¿Cambiaríais algo en vuestro devenir como banda?.

La mayor diferencia está a nivel estilístico. Aunque siempre hubo mucha parte que tiraba al Doom en nuestros principios Black Metal ahora mismo es evidente que no, pero la forma de trabajar y el enfoque global que tenemos como banda y los objetivos, creo que eso se mantiene siempre igual desde nuestros comienzos. Dantalion somos una banda que siempre hemos tenido los pies muy en la tierra.

Creo que no cambiaríamos nada, nos gusta el ritmo que tenemos de hacer las cosas. Quizás que con este disco estamos cerrando mas fechas para presentarlo en directo, ya que normalmente somo una banda muy de estudio, y el cambio que pueda haber en el futuro mas cercano sea que vamos a hacer mas directos. En lo musical, supongo que seguiremos en la línea de nuestro nuevo trabajo, pero quien sabe, somos una banda bastante imprevisible.

Me interesa conocer un poco la razón de tanto cambio de sello y sobre todo lo variado de los cambios. Sellos germanos, españoles, suecos, griegos…. ¿tenéis alguna experiencia negativa que queráis reseñar?... venga, esto es como la catarsis, nunca viene mal.

Pues si, el tema de los sellos suele ser complicado. Tengo que reconocer, que la parte buena de tantos sellos, es que siempre hemos tenido varias ofertas para editar cada trabajo, nunca nos hemos tenido que agarrar al primer sello que nos responde, y eso es algo  genial. 

Con nuestros primeros trabajos, teníamos contrato por tres discos con los alemanes Det Germanske Folket. La verdad que genial con ellos, diálogo fluido, apostaban por nosotros y corrían con todos los gastos de la banda pero creo que fichaban tantas bandas e invertían tanto en ellas, que de la noche a la mañana no hubo mas noticias suyas. Intentamos contactar con ellos varias veces, incluso hablamos con algunas de las bandas que tenían,. Y nadie supo de ellos. Desaparecieron.  

Con el tercer disco ya listo, decidimos que seria mejor trabajar con un sello de aquí, y aceptamos la oferta de Xtreem Music. Con ellos la comunicación muy fluida, y la verdad ningún tipo de problema. Ya con el cuarto, nos ofrecieron Unexploded Records unas condiciones mejores, y decidimos aceptarlas, pero la comunicación con el sello era muy mala, la promoción inexistente, decidimos no seguir con ellos. Al cambiar de estilo, contactamos con Sleaszy Rider, con quien hicimos los dos últimos discos, pero nuevamente la comunicación era cada vez mas mala, estás negociando cosas como qué cantidad de paginas podemos meter en el libreto, paneles del digipack  y  tardan un mes en responderte; nosotros con el diseñados parado a la espera… entonces hablamos con el y le comentamos que habíamos decidido firmar con otro sello, y fue cuando contactamos con Darkwoods.

Nuevamente decidimos que trabajar con un sello de aquí sería lo mejor, y viendo como  trabajan, la implicación que tienen, lo fluido del trabajo y el trato, no dudamos en que es la mejor decisión que hemos tomado.


Otra pregunta que siempre me ha corroído por dentro con muchas bandas cuando llevan tanto tiempo. DANTALION, duque del infierno, aquel que conoce todos los rostros… ¿creéis que a día de hoy os habríais puesto de nombre DANTALION con vuestro nuevo sonido?.

Pues recuerdo que en su día, hicimos una lista de nombres de demonios, y Dantalion por significado y sonoridad, fue el que mas nos gustó.  Es un nombre que no guarda nada detrás de eso, solo es un  demonio, me refiero a que hay nombres como Forgotten Tomb, o Paradise Lost, que son como mas místicos, Dantalion es como Behemoth, por ejemplo, es lo que es y nada mas. Realmente estamos cómodos con el nombre y posiblemente a día de hoy si fuera cuando creamos la banda, lo hubiéramos escogido de nuevo. 

A mi personalmente, un nombre no me parece mas que eso, algo para que se te conozca, lo importante es lo que hay detrás de el.

No se puede pasar por alto la evolución de DANTALION desde el Black metal a una especie de Black/Doom bastante distinto a lo que hacíais. ¿En qué momento decidís cambiar de estilo? ¿es una transición natural, fruto de cambios de formación quizás?. Personalmente pienso que el Black depresivo casa a la perfección con el Doom siempre que se haga con maestría y en “Seven Wandering Souls” creo que se ha conseguido ese clímax a la perfección.

La verdad que el cambio era algo que teníamos un poco en mente. Tras grabar Return to Deep Lethargy, Sanguinist decidió dejar la banda. Seguimos ensayando con una sola guitarra y son voz una temporada. Torgrym acabó también decidiendo no continuar, un poco por por la des motivación. Por aquellas fechas incluso llegamos a hablar de continuar como banda de estudio, ya que lo que mas nos gusta es hacer música, más que directos, y eso también fue uno de los puntos que lo hizo abandonar. 

Brais y yo, seguíamos ensayando, y sacando algunas ideas nuevas, y fue cuando entro Andrés a la guitarra. La verdad es que no dio una inyección de adrenalina, ya que venia con ganas y nos las contagió a nosotros. A el siempre le gustó mucho el Doom, y le comentamos que estábamos planteándonos continuar por ese camino, y la verdad que fue sencillo.

Digamos que quizás el vernos en un punto en que estábamos Brais y yo solos, pues que el cambio de sonido y de formación, fue como un renacer, fue como algo que necesitábamos. Luego completamos la formación con Diego y Largo e hicimos Where Fear is Born.

Con este nuevo disco, quisimos recuperar un poquito el sonido viejo, mezclado con el actual. Hemos cambiado las partes mas melódicas de los anteriores, por partes mas oscuras como los primeros, y la verdad que estamos realmente satisfechos con el resultado.

Otra cosa que no me pasa por alto es que recuperéis vuestro viejo logo de Christophe "Volvox" Szpajdel, cosa que me parece un acierto y es mucho mejor que el anterior. En el aspecto gráfico, siete cuervos y una figura encapuchada en el encuadre… ¿podéis hablarme del significado detrás del disco y el artwork?. ¿Se trata de una obra conceptual?.

Si, este disco nos parece mucho mas oscuro que los anteriores, y por eso decidimos recuperar el viejo logo. Realmente el nuevo no es más que el antiguo modificado, digamos que menos agresivo, ya que con el sonido de los dos últimos discos pegaba mejor, pero para este no dudamos que tenia que ser el de siempre, aparte con el diseño encaja mucho mejor.

La portada representa un poco el séptimo trabajo del grupo, de ahí los siete cuervos y la séptima alma errante. El contenido lírico no es de un trabajo conceptual, las letras no mantienen esa continuidad por así decirlo, pero como es costumbre en Dantalion, siempre acaban hablando de la muerte, la desesperación humana...

Desde el Where Fear Is Born, donde entró Diego a las voces, las letras corren de su cargo, antes las solíamos hacer mayormente yo y Brais, y eran diferentes, Diego les da otro matiz.

DARKWOODS se está convirtiendo en todo un referente a nivel de Black Metal nacional, y este subsello que inauguráis, THE WAY TO THE HERMIT está centrado en sonidos más Doom. ¿Cómo surge el contacto y cómo es el trato con el sello?.

Pues un poco como te comenté antes, estábamos en negociaciones con Sleaszy Rider, y la comunicación era muy difícil. Es complicado cuando tienes a un diseñador trabajando en el artwork, y está parado porque el sello no contacta contigo para hablar si el digipack es de 4 o 6 paneles, el libreto de 8 o 12 paginas.

Nos veíamos estancados, con el master listo y mil ideas para el artwork, pero estábamos atados de manos. Comentamos de ver mas opciones de sellos, pero teníamos claro que queríamos un sello de aquí, con quienes podamos tener un trato cercano, y decidimos enviarle una promo a Darkwoods, ya que es un sello que trabaja mogollón,  siempre está publicitando a sus bandas, y realmente tiene un roster donde no hay nada de relleno, todo material de primera.  Escucharon la promo, les gustó, nos hicieron una buena oferta, y tan facil como eso.

Trato cercano y profesional, esperamos que esto dure años, jajajja

Tras más de 15 escuchas de vuestro álbum las influencias no me quedan del todo claras. A veces veo retazos a la escena escandinava tipo KATATONIA, OPETH, y en otras riffs propios de los primeros PARADISE LOST. Otras me parece que surgen trazas de los RUNEMAGICK de su etapa intermedia… creo que lo que hace verdaderamente difíciles encasillaros son dos cosas: una la voz, y otra que el tempo es en general rápido. ¿Qué opináis?.

Pues sí, es complicado. Nosotros mismos no sabríamos definirnos en estos momentos. Creo que tocamos muchos palos en este disco. El elemento que mas predomina es el Death Doom, pero hay bastantes elementos de Black, cosa que en los dos anteriores no había nada. Este disco es más oscuro que los anteriores, y mas directo, menos melodía. Algunas partes incluso me recuerdan a bandas como Necrophobic, que es una banda que nos encanta a todos. No sabría encasillarnos en una etiqueta en concreto. Death Doom Black... (risas).

Creo que simplemente con este disco nos dejamos llevar en el aspecto compositivo, sin limitaciones de esto tiene que ser Doom, o Death o lo que quieras. En los dos anteriores lo teníamos mas claro, y si salia un riff black no lo usábamos porque no pegaba con el conjunto. En este nuevo trabajo simplemente nos dedicamos a hacer riffs que nos gustaran a todos, y siempre dentro de una base, pues usábamos diferentes elementos, y creo que el resultado es genial.

“Death Comes For Us” y “Shadows From The Past” son temas que parecen dividir estilísticamente un poco el disco en dos. El tempo baja y todo se vuelve más retorcido llegándose a una especie de mezcla entre el tecnicismo y la claustrofobia del primer Death/Doom inglés pero sin ser ello completamente evidente. Con “The End of Everything” me pasa algo parecido (hay un medio tiempo muy My Dying Bride pero sutil, corto y que pronto cambia). Digamos que capto una diferencia entre el principio del disco y el tramo medio/final. ¿Es intencionado, me acerco a la realidad o estoy perdiendo completamente el Norte?.

Jajajajaa, ni una ni otra. Yo creo que la diferencia que puede haber en los temas, es un poco en el orden de composición de cada tema.  Desde el primer tema que compones, hasta el ultimo pasa un año, y a medida que van saliendo temas nuevos, varían un poco de los primeros, siempre dentro de lo que es el núcleo del disco. Intentamos luego ver varias configuraciones de orden de temas, y lo escuchamos a ver como funciona mejor, siempre intentas que el tracklist consiga darle fluidez al disco.

Es cierto lo que dices con esos dos temas en concreto, de hecho los compusimos seguidos. The End Of Everything, es quizás el tema mas Death Doom del disco. Si tiene ese medio tempo  que puede recordar a MDB, pero luego se acelera  y es mas Death Metal. La verdad que es uno de los favoritos de toda la banda.

¿Cómo es el proceso compositivo habitual en un tema de DANTALION; generalmente alguien suele llevar el peso de la composición pero tengo que preguntarlo.

Pues si, yo creo que en toda banda hay alguien que lleva el peso de las composiciones. En Dantalion es desde siempre Brais. El llega al local con algunos riffs, luego allí cada uno vamos añadiendo nuestros instrumentos, y vamos dando forma, a veces se cambian cosas, creo que todos metemos bastante baza en lo que son arreglos,pero lo que son los riffs prácticamente son cosa de Brais.

Dantalion somos una banda muy democrática desde siempre y desde las letras hasta el mas mínimo riff nos tiene que convencer a todos o se descarta.

Para ir cerrando esta pequeña entrevista, habladme de proyectos de futuro, giras y cuál creéis que nos deparará un futuro trabajo de Dantalion. También quisiera que me recomendárais bandas de vuestra tierra que no sean demasiado conocidas.

Pues ahora estamos cerrando algunas fechas para presentar el nuevo disco, tenemos el  15 de este mes en Lugo, el 12/10 en Vigo, 12/12 en Salamanca, y ya para el año el 19/1 en Gijón, el 2/2 en Santander y el 16/3 en Zaragoza.  Estamos aun pendientes de cerrar alguna mas que iremos publicando.

De momento con ganas de que salga el disco, y de ver la respuesta de la gente.  Con este disco como te comenté, vamos a tener mas actividad en directo, y supongo que iremos mas despacio con el tema compositivo, ya que dedicaremos mas tiempo a ensayar repertorio

Sobre bandas  de nuestra tierra, pues la verdad que tenemos una buena riqueza. Bandas que no sean muy conocidas eso también es relativo; depende de lo que cada uno profundice en el underground, pero por ejemplo tenemos a Akouphenom, con un Death/Black denso y oscuro, Infrahumano, Death Metal atronador, Dioivo, con su peculiar y elaborado Black Metal.

Ya a un nivel mas conocido están Scent of death, brutalidad y tecnica, Marthyrium, con su rápido Black Metal Balmog, (de sobra conocidos)... como te digo tenemos calidad y variedad a raudales.

Esto es todo, es vuestro espacio para despediros como queráis.

Bueno, pues agradecerte tu tiempo y apoyo, ya no solo a Dantalion, sino al Metal en general, ya que los medios de este tipo son los que realmente hacen las cosas por que les mola. Espero que te haya gustado el disco, pronto leeré la reseña.

Agradecer a Daniel y Darkwoods su trabajo y apoyo, y a vosotros, que estáis dedicando vuestro tiempo a leer esta entrevista.

sábado, 15 de septiembre de 2018

GRASSA DATO/MONO CANÍBAL - "SPLIT" (CIVITAS MORTIS 010; 2018)


"For me, the first fact of human existence is the human body. But if you embrace the reality of the human body, you embrace mortality, and that is a very difficult thing for anything to do because the self-conscious mind cannot imagine non-existence. It's impossible to do". David Cronenberg

Definir musicalmente el nuevo split entre GRASSA DATO y MONO CANÍBAL no es tarea fácil. GRASSA DATO son ya leyenda del Industrial, Noise y Power Electronics patrio y con más de 40 ediciones en su haber tras unos 7 años desatascando oídos con bastoncillos metalizados. Por otro lado, MONO CANÍBAL se va haciendo hueco con una forma muy personal de entender el Noise, llevándolo a extremos cinematográficos tales que me gustaría inventarme una nueva etiqueta... el Noise Mondo. Quien esté siguiendo su trayectoria se dará cuenta de que hay un hilo común en todas sus grabaciones y es el del cine más oscuro y maldito. 

Cualquier tema de MONO CANÍBAL podría ser banda sonora de una oscura cinta de videoclub o una de aquellas bizarradas gore como GUINEA PIG y similares. Flota un ambiente perverso no sólo en su música, sino también en la de GRASSA DATO, que también comparte ese feeling oscuro que tarde o temprano estaba claro iba a materializarse en alguna colaboración. El Noise los cría, el Noise los junta...

Te guste, no te guste, ambos artistas se han marcado un Split en CIVITAS MORTIS que es para quitarse el sombrero... pero no un sombrero cualquiera, sino uno hecho con papel de aluminio para evitar interferencias de seres de otro plano. Tampoco sé si llegaron a un acuerdo tácito para hacer los temas con una determinada temática o bien simples cortes unidos por un artwork que, casual de los casuales, le viene como anillo al dedo a los correosos ambientes cyberpunk que se gastan ambos, especialmente esa contraportada tan cercana a TETSUO y los dogmas de la carne y el metal japoneses. Aunque ojito, que no se me ha pasado por alto al extraña fecundación que parece estar ocurriendo entre placas electrónicas y una suerte de óvulo de carne (o seitan, para los veganos).


Así pues, salvo algunas diferencias estilísticas, podríamos decir que "Derrota Por Instinto" (GRASSA DATO) y "Errónea Forma" (MONO CANÍBAL) se complementan el uno al otro creando un todo. El primero más lento, tribalista y sincopado, el segundo más metido en el Power Electronics gracias a  las colaboraciones de voz procesada de SAGAN UMMO

"Derrota Por Instinto" resulta casi melódico en inicio, con esa pátina de electricidad estática que se pega como jalea. Voces tratadas, difíciles de ubicar, parecen hablar de unanueva entidad antropomorfa que desafia a la Teoría de las Especies de Darwin. Un nuevo paradigma que curiosamente, en cuanto se imaginó quedó desfasado. El ruido lo acaba colonizando todo en esta pequeña intro que desemboca en una especie de jungla. 

Aparecen los ritmos arrastrados tribales con una organicidad lenta pero bailable que ya no se perderá hasta que el tema acabe; son los sonidos de una selva reproducidos en laboratorio, un ecosistema dual (carne/tecnología) violento, al límite y cuya esperanza de vida es tan larga como lo que tarde en oxidarse una de sus piezas. Al final, todo se reduce a un pulso, un brutal clímax que se ha ido mascando en tragedia... la pieza se vuelve agria y torna al Power Electronics de CON DOM o los primeros CONTROLLED BLEEDING, y es aquí


"Errónea Forma" es el nombre en latín de la Nueva Especie. Una entidad avanzada que piensa en abstracto y caga tornillos (curiosa paradoja). Un constructo en modo techno ralentizado que me recuerdan al fantasma agrio de un fantasma fenecido en la ruta del bakalao.. como si estuviésemos invocando algo que tomó una droga que sigue haciendo su poderoso efecto en la muerte y en el espíritu. La música es futurista pero para cuando te llega a los oídos ya no está de moda, por mucho que quieras hacerme creer que pintarrajearte las J´Hayber blancas me van a impresionar lo más mínimo, ¿o acaso no ves que llevas las gafas con patéticos cordones y su jodida cara de acné no la arregla ni el más afilado de los cútteres?...

Las voces de SAGAN UMMO son homilías histriónicas que irrumpen tras un tramo de Dark Ambient comedido. Rapear en gravedad cero sin oxígeno tiene mérito y no es lo mismo que poder emitir algún vocablo bajo el agua. Se roza la música electrónica mas nihilista que cohabita en sellos como COLD SPRING y entes del ruido como MEGAPTERA, todo en un tempo inusitadamente letárgico que se va disparando como un tren desbocado y es ahora cuando estalla el tema en todo su esplendor (bio tecnológico). Sublime y por momentos tocando la excelsa música que producen VÍCTOR HURTADO (ORDRE ETERN, QA´A, HUAN) o el inclasificable MARC O´CALLAGHAN en COÁGUL.


miércoles, 12 de septiembre de 2018

NIÑO DE ELCHE/MARCO SERRATO/ERNESTO OJEDA - "KARATE PRESS" (SENTENCIA RECORDS, 2018)


El 3 de Junio de 2015 se presentó en Sevilla en la librería Extra Vagante lo que fue el número 1 de la revista KARATE PRESS, y recuerdo haber visto por las redes fotografías de los implicados en aquellos ignominiosos eventos. Puede ser que la memoria me falle pero EMILIO R. CASCAJOSA (a quien por entonces yo conocía como "el cantante de la banda MIRAFLORES") y LUIS BOULLOSA habían pactado una animosa charla con DAVID LINDE imagino que decir esas cosas que suelen decirse en estos encuentros... (lo mal que está la cosa, que el papel volverá y que el underground es esto o tal cosa...). 

También se me vienen a la memoria unas instantáneas fotográficas donde los aludidos se tomaban unas cañas bajo el inclemente sol sevillano y yo no podía cuanto menos que sentirme seducido por tanto erudito y músico privilegiado pululando por allí, hasta el punto de que justo un año después la cosa apunto estuvo de repetirse aquí en Málaga (o al menos algo parecido) con una "sí pero no" presentación del siguiente número de KARATE PRESS en Churriana con concierto de JOWE HEAD y THE BLACK LENNONS.

(Foto: Archivo KARATE PRESS)

Todo esto puede estar tergiversado por el velo del tiempo, pero lo que no lo está es que el Sábado 11 de Febrero del año 2017 estaba yo bajando una calle de Málaga charlando con MARCO SERRATO sobre diversas historias. Acababa de aparcar y se dirigía a la presentación de su pieza "Yuggoth" con motivo de CRUJIDO, una serie de conciertos organizados por el saxofonista/músico griego AXILLEAS PÓ con el leit motiv de la improvisación. "Tengo en la recámara una grabación que se hizo con NIÑO DE ELCHE y ERNESTO OJEDA, está mu guapa pero no sé cuando verá la luz"... estas fueron más o menos sus palabras si mi diccionario Sevillano - Tartésico no me ha jugado una mala pasada. 

Quien más o menos me conoce sabe que ni de coña me olvidé de aquellas palabras. Pasaron a mi archivo personal de rumores que a veces uso como acupuntura periodística con la que sacar y atar cabos. Pues bien, ahora que se edita aquella grabación por SENTENCIA RECORDS en limitada a 100 copias, mayestática cinta azul la cosa empieza a tener sentido. 

Buceando en la red doy con el evento en la vieja página de KARATE PRESS (sección Tatami) en la que se menciona un concierto secreto a cargo de LA KARATE FREE FORM SESSION, suerte de Psych Jam experimental con nada más y nada menos que NIÑO DE ELCHE (a las poliglosias, ecolalias y xenoglosias flamencas), ERNESTO OJEDA (por entonces en MIRAFLORES a los teclados) y MARCO SERRATO al contrabajo. Por si esto fuera poco, PILU CABALLERO se encargó de la parte visual con proyecciones creo que de tipo aleatorio, pero desconozco el dato. Este evento es lo que se ha editado en una preciosa cinta con diseño de ELENA SERRATO y que aprovechando el momento y contexto en que se creó, ha sido acertadamente titulada KARATE PRESS.


Dice la web: "La clave es la siguiente: sin ensayos, sin reglas y sin que los músicos hayan tocado nunca juntos. Todo en un intento por ilustrar musicalmente el espíritu libre y rupturista de esta publicación que acaba de nacer con vocación investigadora y manifiestamente generacional" pero yo, que no me creo nunca esto de la Improvisación libre, voy a reflexionar un poco sobre todo esto. 

Creo que la improvisación o la Jam pura y dura son recursos de la versatilidad de un músico que no los hace por eso mejores ni peores. Conozco grandes improvisadores incapaces de leer una partitura o hacer un standard jazzístico, pero lo importante cuando se hace un concierto de este estilo es Invocar a la Energía; traer a este lado de la realidad ese sustrato telúrico capaz de transformar un evento que a priori sería inverosímil en algo Mágico. Esa es la característica principal que define esa sesión o como queráis llamarla.

Las reglas pueden ser las que sean, pero recuerdo una maravillosa conversación a propósito de las improvisaciones vocales de DAMO SUZUKI durante su gira española que recabó en un extraño concierto (recogido en "Puedo Ver Tu Mente" con CUZO). Los encargados de organizar aquella gira y yo mantuvimos una casual y sorprendente charla a propósito de Suzuki: "el tipo era extravagante, dormía con la chaqueta puesta y un reloj de esos antiguos con cadena. Por otra parte, eso de la improvisación era relativo... acompañándolo en todos los conciertos de la gira vimos que tenía 3 o 4 recursos vocales que se iban repitiendo siempre de tal suerte de que te dabas cuenta de que pegaban con cualquier cosa que se estuviera tocando".

(Foto: Archivo KARATE PRESS)

Claro, es que una cosa es una Jam y otra es la improvisación sin reglas que no quiere decir que el músico como ente individual no las tenga. Me decía ERNESTO OJEDA sobre este asunto: "la preparación previa fue individual, eso si, recuerdo que se habló de lo que cada uno aportaría, o tal vez no. Por mi parte, me centré en el apartado de la electrónica. Los últimos meses realicé una serie de conciertos de electricidad, y pensé que sería un elemento diferente y sorpresivo junto a la voz y el contrabajo. Días antes incluso hice una prueba de cómo sonaría el concierto, o mejor dicho, cómo quería que sonase, y la verdad es que fue todo como imaginé".

Bajo invitación y requisitos dignos de un Alan Turing, los asistentes se vieron emplazados a EL ESTABLO y lo que escuchamos en la cassette que se grabó por RAÚL PÉREZ y NACHO GARCÍA salvo lo que haya aportado la mezcla y masterización del propio ERNESTO OJEDA.

Sigue OJEDA"todo salió de forma natural. Nos conocíamos desde hace tiempo y cada uno sabía de qué pie cojeaba, eso permitió que la música fluyese de forma natural. Esto vine de hacerlo meses antes con Juan Acosta y Xavi Castroviejo (los actuales Naja Naja), grabación que se puede encontrar en la web de Improvisarios. La idea le gustó bastante a Emilio Cascajosa (por aquel entonces compartíamos formación con Miraflores) y decidimos volver a llevarlo a la práctica, esta vez con el componente visual que aportó Pilu Caballero con sus imágenes generativas que reforzaron toda la escena"

(Foto: Archivo KARATE PRESS)

Es imposible no detenerse un buen párrafo o dos en hablar de NIÑO DE ELCHE. A lo largo de los 35 minutos berrea, canta, susurra, gime y transforma su voz en percusión aunque sin llegar a la abigarrada expresión de los Cantos Konnakol propios de la Carnatic Music (Karnāṭaka saṃgīta o Karnāṭaka saṅgītam) tan propios del Sur de India. Lo que sí que hay es leves intentos (inconscientes o no) de abrazar el Throat Singing o la música Gamelan hasta hacerlas flamencas pero quizás esté en el camino erróneo en mi apreciación.

En algunos momentos se expresa de forma que no puedo evitar acordarme de MIKE PATTON en los proyectos de MOONCHILD con ZORN pero en versión flamenca (cosa que lo hace todavía más original e interesante). ¿Opinión personal?... me gusta mucho aquí pero le falta un punto de locura. De romper de modo definitivo con las reglas y algo más de histrionismo que aunque parezca que lo hay, sí que se le nota algo comedido.

Es muy curioso que varios meses antes se hubiera realizado la grabación de NIÑO DE ELCHE con SEIDAGASA que recogió KNOCKTURNE RECORDS en una alucinante y preciosa cinta. Ahí ya se dejan entrever esos recursos vocales del experimentador flamenco. El Flamenco Tartésico con trazas de Doom (sí, de Doom) que se escuchaba en "Sí, a Miguel Hernández". Posiblemente, invitado para la ocasión, NIÑO DE ELCHE empleó los recursos que ya venía practicando en aquellos tiempos.

MARCO SERRATO por aquel entonces estaba en plena eclosión de experimentación al contrabajo. Tras "Taaru"(2014) llegó "Seis Canciones Para Cuervo"(2014), alternándose con grabaciones de HIDDEN FORCES TRIO, ARCONTE o SPUTNIK TRIO que darían rienda suelta a una bestia parda a las cuatro cuerdas. Sin embargo, creo que la clave para entender su papel en esta improvisación sería "The Ominous", la brutal colaboración/simbiosis de electrónica y acústica junto a DAVID CORDERO en el proyecto JACOB. La razón por la que digo esto es que a pesar de la larga trayectoria de SERRATO como improvisador, no es tan fácil encontrar momentos suyos junto a la electrónica (manipulada o no) aunque puede ser que me equivoque. Si encuentro a alguien cómodo en la grabación es a Serrato, capaz siempre de intuir al otro con relativa fluidez.


Resumiendo, desde 2012 a más o menos 2015 tenemos tres años de exploración musical sin precedentes tras aparcar  las versiones más duras y extremas de su música con ORTHODOX. Tirando de hemeroteca mental, desde "Baal" hasta la publicación de "Axis" es cuando más florece el SERRATO avantgarde. Esa tonalidad expresiva del contrabajista es la que nos da la bienvenida en KARATE PRESS. Sonidos inhumanos, distorsiones imposibles que se acercan por momentos cuando se usa el arco a un doppelganger acústico de SUNNO))), cuatro cuerdas en abstracción expresionista (signifique esto lo que signifique) que crean un oscurísimo telón de fondo que se abraza a la perfección con los acoples electrónicos de OJEDA (salvo algún momento puntual aunque en general la sincronización es bastante potente).

El tercer elemento es ERNESTO OJEDA de los añorados MIRAFLORES. Persona afable, le pregunté malintencionadamente si habían surgido rencillas o malos rollos cosa que tampoco sería algo descabellado dada la tensión que se viviría: "sólo tengo cosas buenas que decir de todos mis compañeros. Cuando se cree en algo, todo sale de forma natural, es importante la libertad y que todos nos sintamos partícipes del proyecto. La improvisación es así, libre y natural, y con esta grabación capturamos toda esa energía del grupo de personas que estábamos allí, fue una noche inolvidable, y que cualquiera tiene el derecho a revivirlo y sentirse parte de ello. Hay que dejarse llevar. El futuro, siempre es incierto. La ilusión y el trabajo por nuevos proyectos definirán ese futuro"


Tengo que reconocer que este mismo texto lo he tenido que meter en Google no fuera a ser que sea copiado de Paulo Coelho y me denuncien por copiar. Creo que su papel es bastante complicado en la grabación y tira de repetir demasiado los mismos sonidos, quizás por miedo a enterrar en ruido al resto de miembros y porque la electrónica cuando se practica en conjunto con lo acústico ha de estar muy entrenada. Un tipo que berrea, otro que le da a las cuerdas... y tú con un sintetizador (no lo sé, pero imagino que un KORG MS20 de esos) así que entiendo  el papel del ruidista ante estos eventos. Aun así, el papel se salva sin debacles porque lo que funciona es la Trenza que se crea entre los tres músicos y aunque haya salientes puntiagudos, en general la textura es roma.

La Revista KARATE PRESS dice que La Verdad Está Bajo Tierra, pero yo creo que esto es falso. La verdad yace enterrada en las cabezas de las personas que tocaron en El Establo aquel día, pariendo una fantástica grabación que empieza con un duelo de un contrabajo con acordes y escalas (muy de nuestra tierra andaluza) y voz. La electrónica entra sin pegar portazos, sumando ruido y dividiendo por versículos los diferentes estados emocionales por los que transcurre la música... el contrabajo tocado con arco coincide con los momentos mas histriónicos de Niño de Elche que va derivando al quejío. Instantes después surgen esas variaciones vocales medio flamencas medio tribales que quedan enterradas en suciedad industrial. Puestos a ser quisquillosos, los momentos en los que el contrabajo se limita a percutir introspectivos ritmos y deja paso a la electrónica y voz son los menos logrados pero quizás sea porque en esos pasajes Niño de Elche se limita a cantar, sin experimentaciones de ningún tipo... y eso sí le pasa factura a esos minutos. 


Cuando la voz empieza otra vez a divagar con xenoglosias, ecolalias y glosolalias el bajo se encabrona volviendo el interés. Serrato ejecuta una especie de nana y ahora es él el que comulga con Ojeda en un pasaje bello y evocador sólo interrumpido por los silbidos procesados por pedaleras. 

Si tengo que ser sincero, me quedo con el bestial arranque de Serrato en la Cara B que ya de por sí vale por toda la Cara A entera. Grueso, metalero y arropado por las capas de sintetizador sucio (más industrial) de Ojeda esta vez mucho más cómodo, variado y con cambios de registro a los teclados en contraste. Niño de Elche vomita arabescos que quedan épicos en conjunto y hasta creo que hubiera quedado bien este trozo en el propio disco "Axis" de ORTHODOX por la idiosincracia colaborativa /transicional con la que se gestó aquel. 

No sé el orden con el que se grabó el asunto y si esto que escucho fue cronológico, pero aquí se los escucha mas inspirados. La cinta se funde en un clímax/algarabía de aullidos, tonos altos al contrabajo y camaleónicas vueltas de tuerca donde hay de todo, un constante y denso arco en el lado vibrátil/subsónico del contrabajo, cantos percusivos propios del desierto de India y pedales esparciendo ponzoña.

A pesar de los defectos que los hay (no de sonido), se trata de una grabación de archivo única e imprescindible. 


lunes, 10 de septiembre de 2018

KIRILL SAWAZKI - "DISCOMORPHER" (CIVITAS MORTIS 004, 2018)


Hace dos escasos meses os hablaba de KIRILL SAWAZKI y su Landschaften Und Prozesse, así que me remito a esa reseña en cuestión para la presentación de este interesantísimo artista ruso. Hoy toca contar algo sobre Discomorpher, otro revienta pistas de baile (de épocas pasadas, eso sí), editado en cassette por CIVITAS MORTIS. Lo primero aclarar que se trata de un disco de 2011 anterior al mentado "Landchaften..." y por lo tanto el estilo es algo menos depurado, pero básicamente se compone de una ultra adictiva base de sintetizadores en capas de Space Disco, Electro Funk y SynthWave aunque realmente las etiquetas en estos estilos son un poco ambiguas.


El tremendo contraste entre "Galaxy Birth", tema tocado por SAWAZKI en vivo en GAGARIN, concretamente en el Museo del Primer Vuelo (Festival de Música Electrónica y Espacial) y las idas y venidas pulsátiles a lo JARRE, primer VANGELIS y otros compositores más oscuros como ZANOV del segundo corte "Durch die Biosphare" marcan la tónica a seguir durante todo el minutaje de este extenso disco.

Resumiendo, dependiendo del momento uno no sabe si está en una nave espacial a la deriva en ÉRASE UNA VEZ EL ESPACIO, en una pista de baile donde suenan remezclas de PIERRE BACHELET y su "Emmanuelle" o los temazos clásicos de aquellos SPACE, MECO o LASER DANCE, por no hablar de la etapa technocircense de CLAUDIO SIMONETTI que tantos buenos momentos dio a la industria de la zapatería.

Más contraste entre la tranquila "Mars Rover" y el cohete hímnico que resulta ser "Neu Der Galaxis Offnend", todo un petardazo con cambios de ritmo, aroma a Scifi de Serie B y donde la principal característica es ese tipo de sonido obtenido por los sintetizadores y que emula a una especie de silbido. Todo mezclado con una limpieza tremenda a la producción que hace que cada una de las capas de sonido se distinga con una claridad pasmosa. Los sincopados arropes percusivos son Kraftwerkianos y la sensación en el oyente es la de convertirse en un doppelganger de un Neo Barón de Münchhausen del Futuro... montado en la bala hasta el jodido infinito, a la búsqueda de otros planetas y galaxias (sí, me consta que te ahogas o te revienta la presión, pero según una teoría que estoy desarrollando, si la velocidad es muy, muy rápida da tiempo cogiendo aire y aprentando el culo por aquello de la presión a llegar a donde sea).


La más moderna y Techno "Den Milchweg" es una evolución de su estilo característico a tempos algo más elevados y machacones, y donde vuelvo a ver contrastes. Si bien el estilo que practica el músico ruso tiene su raíz en los últimos años 70 y 80, la mezcla final resulta de una frescura tan apabullante que se torna atemporal. Digamos que OopartSynth sería como lo definiría si me quedara alguna credibilidad. Sigue la robótica "Le Voyage sur le Lunamobile" con unos teclados a lo KRAFTWERK que quitan el hipo.

Al fin y al cabo, decir Kraut, decir electrónica o Synth es todo dependiendo del prisma con el que se interprete porque hasta el loco de CONRAD SCHNITZLER hizo sus pinitos pop con aquel "Con 3" en 1981 o los embriagadores soundscapes de DEUTER se acabarían transformando en una empalagosa New Wave chakralizante (OSHO sectarios incluídos).

Hay más, mucho más en este discazo de KIRILL SAWAZKI, pero prefiero que "Intergalactic Mission", "Das kosmische Entzucken" e "Infinite Way" los definas tú como trabajo de vuelta al cole.

sábado, 8 de septiembre de 2018

WINDEN - "ENSAYO SOBRE LA DIFERENCIA" (EL MUELLE RECORDS EMR037, 2018)


                               NACHO ROMÁN (http://www.nroman.net/) y RICARDO SUÁREZ (https://friedasstillinlove.bandcamp.com) son WINDEN, proyecto electrónico de Valladolid altamente ambiental y oscuro que debutan con "Ensayo Sobre la Diferencia"; cuatro largos cortes plagados de texturas a doble banda que como suele ocurrir con este tipo de proyectos, o te llega o se sume en un sopor cercano al amortajamiento. La música de WINDEN no es de sobremesa, qué duda cabe, ni tampoco creo que deba ser música de acompañamiento para otras actividades del día a día... más bien es una especie de suite en cuatro partes que debe de escucharse en soledad y con la máxima atención posible.

Edita EL MUELLE RECORDS con un precioso digipack diseñado por Sara González y Cristina R. Vecino (una bonita acuarela abstracta) mas un texto de Rodrigo Martín Noriega. Grabación, mezcla y masterización por Rafael Martínez del Pozo en “Grabaciones de Campo” durante los meses de abril y mayo de 2018. Pulso Play.


"La Caja de Pandora" abre con nueve minutos muy orgánicos donde lo que parece una guitarra procesada va creando diferentes estratos geológicos. La sensación es de flotar (hacia arriba o hacia abajo) y a pesar de que son sonidos que ya empiezan a cansarme un poco, he de reconocer que lo hacen más que bien. Su forma de abordar la oscuridad es muy versátil y no deja de ser curioso que se llamen WINDEN, quizás como homenaje a la serie de ciencia ficción DARK que tanto ha dado que hablar en estos últimos meses. Que este tipo de electrónica a lo ENO está en boga es más que evidente, y lo que hay que buscar es la diferencia.

Mucho más interesante es "Sangre" por su cruce entre la escuela berlinesa de Kraut tardío (esa que ya entraba en los 80) y su aroma a película de terror italo parlante. Las idas y venidas de samplers vocales le dan un toque irreal/surrealista al tema. A radio ignota que en ciertos aspectos parece conectar con el NEURONIUM de los 80 también, justo en el momento en que el proyecto se funde alrededor de la figura de MICHEL HUYGEN. Lo que sí noto es quizás un uso excesivo de los recursos que se repiten quizás demasiado (esas idas y venidas de olas espaciales y reverbs) aunque por otro lado, dependiendo del momento en que me ponga el disco el efecto mántrico e hipnótico que ejerce soslaya lo repetitivo de algunos momentos. 

¡
La cuasi eclesiástica "Ismo" es uno de los puntos álgidos del disco. Numinosa, ya sea en suave ascenso en rampa espiral o mediante escalones espirituales compuestos por las embriagadoras notas de un minimalismo que se enroca con música concreta. Las percusiones espaciadas (como bombas de polvo de talco) son un acierto y las múltiples capas que componen el tema lo dotan de una barroca esencia que es verdaderamente sobrecogedora en algunos instantes. 

Me gustaría aclarar aquí que WINDEN es un proyecto audiovisual, así que mis comentarios están sesgados al faltar la parte óptica pero bueno, soy una persona con bastante imaginación e intento suplirlo con películas internas.

Una preciosa línea de guitarra marca la diferencia con tantos y tantos grupos de este palo. Eso, la jodida diferencia... "Ensayo Sobre la Diferencia" es drone acústico, ambiental, desértico y despiadado con parecidos al último y grandioso disco de OIKOS. Por momentos cierro los ojos y parece que estoy escuchando algún proyecto perdido del sello Glitterhouse (tipo LITHIUM) sobre todo cuando la línea melódica principal empieza a ser alterada en su forma y tempo (aquí ya tengo claro por completo que esto podría estar ocurriendo en la ciudad de Winden). 

(Foto Cristina R. Vecino)

Es como si diferentes versiones de una misma canción se estuviesen mezclando en una Centrifugadora de Realidades, aparato de mi invención que voy a patentar y que se usa metiendo una moneda de euro... se mezclan todas las posibilidades de un instante en concreto, sea una vivencia, un sentimiento o en este caso, un temazo de Drone Ambient y se optiene un suero concentrado.

¿Va hacia delante o hacia atrás?... el caso es que no importa, también puede ser que una parte vaya hacia el futuro y otra hacia el pasado y estemos escuchando en el presente... mañana será de otra forma.

Un disco que crece y crece con las escuchas.

viernes, 7 de septiembre de 2018

NOISECULPTOR/MONO CANÍBAL - "Split" (MARBRE NEGRE MN067, 2017)


MARBRE NEGRE editó el año pasado una joya que quizás pasara demasiado desapercibida. Una preciosa cassette limitada a 30 copias con espectacular diseño de Manuel Cantero, muy distinto a los diseños habituales suyos. Con tonalidades oro (mate) y negro (incluída la cinta, que es de un negro charolado precioso), estamos ante un split entre NOISESCULPTOR y MONO CANÍBAL que no tiene desperdicio. 

La poderosa masterización de Santi Contubernio ha conseguido lo que adolecían otras producciones del estilo, y es una limpieza que no anula para nada la opresiva oscuridad de los 40 minutos (20 por cara) que dura el trabajo y es que la diferencia entre una grabación profesional y una cinta TDK se nota muchísimo. En cuanto al contenido y como siempre, lo mejor de los Splits suelen ser los contrastes.


Róbert Sipos de NOISESCULPTOR (también conocido como ROBOTRON), tiene en su haber decenas de trabajos y lo suyo es un Drone con tintes de Dark Ambient que nos sumergen en una realidad donde en vez de oxígeno se respira Napalm. Sobre una gruesa y abigarrada capa industrial van y vienen cánticos rituales que en una magnífica comunión con el ruido van creando impulsos rítmicos como olas en un mar eléctrico. Lo repito mucho, pero creo que un océano de serotonina sonaría de esta forma. 

Quizás sin llegar al violento uso del Power Electronics, "In The Salt Mine And Your", que así se titula el tema, es lo suficientemente perturbador para desestabilizar a un paciente psiquiátrico. A partir del minuto siete, las bases rítmicas pseudo techno añaden aires tribales que van y vienen a su antojo estableciendo su particular y sincopado (abstracto) modus operandi.


Los otros 20 minutos son para MONO CANÍBAL, ente electrónico biodegradable que vengo siguiendo desde sus inicios y que cada vez me sorprende más no sólo por su versatilidad, sino por saber exactamente qué sonido es el propio y adecuado para cada uno de sus proyectos. Podéis leer alguna reseña previa por aquí o en la extrañísima y primate entrevista que mantuve con él (aquí).

"Cadaver la Posibilidad" y "Carnicosovar" son los dos temas que van unidos como un siamés. MONO CANÍBAL pone el lado cinematográfico al asunto... como una película de Bud Spencer que hubiese salido mal y los muertos se contaran por cientos. Música perturbadora con un uso radiofónico de los samplers. 

El estilo es Dark Ambient con incursiones en el Noise... pero lo que hace original y fresca su forma de abordar la electrónica es el uso de ambientes cuasi Giallescos o con aroma a film de Serie B pero sin llegar a los niveles de su otro proyecto BUIO MONDO (los toques de Horror Synth están ahí en una maraña ambiental considerable). Dije que los temas estaban unidos pero no es cierto realmente. "Carnicosovar" entra de forma arrolladora con percusiones que más quisiera King Kong cuando hacía acto de presencia en la selva. El ambient de MONO CANÍBAL es violento, salvaje y ritual. 
 
Poco más voy a añadir. Me parece una grandísima edición, cuidada hasta el más mínimo detalle y con dos abordajes muy distintos de los sonidos electrónicos oscuros. 

VOY A ESCULPIRTE, 
Y CUANDO TE MOLDEE,
VOY A COMERTE Y ESCUPIRTE...