TETRAMORPHE IMPURE - "THE SUNSET OF BEING" (AESTHETIC DEATH ADCD 112, 2025)

Desde Turín (Italia), y tocando un lento Death / Doom de vieja escuela (con ramalazos de Funeral Doom) os presento a TETRAMORPHE IMPURE y su The Sunset of Being, desconocidísimo tras prácticamente 20 años de existencia sacando grabaciones muy underground (un Split y una Demo) que se recopilarían en 2020 en CD por Solitude Recordings (que tengo que ponerme las pilas e intentar encontrarlo a tenor de lo que me ha gustado esto). Es a finales de 2025 que AESTHETIC DEATH saca por fin su debut en digipack vestido con portada / contraportada (que ojo puede llevar a engaño al oyente en cuanto a estilo) de Petri Ala-Maunu junto a desasosegantes óleos en el diseño final (os invito a investigar) de Karl Wilhelm Defebach (1895), Władysław Podkowinski (1866-1895) o Clement Auguste Adneux (1860)... pero ya advierto desde el inicio que el conjunto del diseño puede despistar al que se encuentre con esto de forma casual.

Detrás del proyecto está Damien Dell'Amico (jovencísimo tocaría el bajo en Buried in Time de los MORTUARY DRAPE), encargándose de todos los instrumentos excepto la batería que la toca el músico de sesión Samuel Bassani y la coproducción, mezcla y masterizado de Alex Sedin para terminar de pulimentar los detalles técnicos. 

Escuchando los 40 minutos está bastante claro que estamos ante un disco de alguien que ama el Death / Doom y que por tanto está dirigido a fanáticos del género que busquen su nueva dosis de calidad. Imposible desligar esta grabación de bandas como Evoken, My Dying Bride, Anathema, Paradise Lost e incluso toques a los monolíticos Mournful Congregation. Para ser un proyecto en solitario suena muy cohesionado, orgánico y da la sensación de banda completa destacando sobre todo la construcción que se hace desde la base rítmica (el instrumento principal de Damien es el bajo) con una batería que suena descomunal. Guitarras, voces y demás efectos de teclados van a ir sumando a un álbum que desde el mismo título podría ser un homenaje a cosas como Anathema ("The Sunset of Age").

"Forsaken Light" abre con 11 minutos agónicos que pasan por la característica intro atmosférica de teclados ambientales, voces teatrales susurradas y la entrada de un riff grueso al más puro estilo My Dying Bride del The Light at the End of the World. Base rítmica aplastante mientras se va desarrollando un corte que bebe tanto de la escuela de `Peaceville Three´ como de pasajes más rápidos y doble bombo a lo Decomposed o Dusk. Varias líneas de guitarras que se van turnando, conviviendo o desarrollándose con el teclado (a lo Evoken o los pasajes de los primeros Paradise Lost) y voces tanto guturales como limpias (por alguna razón me retrotraen a los primeros Golgotha) redondean un tema de corte clásico que rinde homenaje al género pero que a la vez tiene su propia consistencia individual. Me gusta mucho la manera en la que se juega con los tempos, las paradas y la alternancia de los timbres vocales... es nostálgico pero a la vez suena fresco y los segundos finales para mí son un clarísimo homenaje en modo lentísimo (que me peguen un tiro si me equivoco) al ultra himno imperecedero "The Sunset of Age" de ANATHEMA.

Sigue "Night Chants" más o menos por la misma línea en la que acaba el anterior (prácticamente se difuminan de manera sutil) con la guitarra dejando caer notas en cascada, muy armónicas y limpias hasta que todo se va apretando en una ordalía que pasa con pasmosa facilidad del pútrido Death al Funeral Doom (algo así como el Withered Shades de OPHIS para que se me entienda, pero sin que nunca se pierda en la brújula el norte de los My Dying Bride). Sigue "Spirit of Gravity" rozando el Dark Ambient al inicio dando pausa estratégica al oyente para eclosionar luego en un medio tiempo cargado de groove, arrastrado y con ese acople característico de Craighan en los solos (también algo del Doom Finés a lo Yearning o la escena sueca hay por ahí). Onda primeros Evoken o incluso Esoteric, haciendo buen uso de las dobles voces de nuevo y fundiendo el corte con teclados, guitarras atmosféricas en una fabulosa doble línea épica ascendente y un persistente doble bombo.

Fin de fiesta con los 11 minutos de "The Sunset of Being", Old School Death / Doom de toda la vida, con guitarras acústicas y teclados campaniformes inclusive. Negritud, claustrofobia y una espiral descendente de miasma existencial para culminar un muy recomendado debut recomendadísimo para amantes del género. Muy pendiente de qué puede deparar un segundo disco.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6698

https://tetramorpheimpure.bandcamp.com/album/the-sunset-of-being

BLUE MERROW - "BLUE MERROW" (ROCK CD RECORDS / AUTOEDICIÓN, 2022)

Toca presentar a BLUE MERROW desde Pontevedra, lugar entroncado umbilicalmente con este Blog a través de tantos y tantos proyectos que os he ido trayendo a lo largo de 16 años de todo estilo y raigambre. En este caso, si me tiráis abruptamente de los pezones a la vez y girando ligeramente hacia la derecha para que no me enrolle y resuma rápido, os diría que tocan un ácido, habilidoso Galaican Psych Prog Rock de regusto setentero con todas sus patchoulíescas consecuencias (entraremos luego en detalles). Alquímicamente amalgamados tras la disolución de Hofmann's Legacy, que ya reverenciaran la acidez desde su mismísimo nombre, emulsionan en 2019 hacia Blue Merrow y unos años después (2022) editando el homónimo album que hoy os traigo en ROCK CD RECORDS o lo que es lo mismo, autoeditándoselo ellos (hasta aquí puedo contar porque no quiero entrar en mi funesta experiencia con la revista Rock Estatal, RockCd y este binomino molecular de birriosos libretos de estilo y mafia de rancio abolengo sin cultura musical alguna que quiero inmolar en mi más profunda memoria reptiliana).

Aparquemos cuentos y pavorosas anécdotas que sacaré en mis memorias algún día. Flipantes Blue Merrow, su portada retro (Carlota Cao), la grabación en Zolio Unreal Studios, la masterización de Diego Bea Besada. y por supuesto, formación claramente influenciada por el Hard Rock puro y duro de Deep Purple: Ángel Olañeta Rosales (cítara armónica de sextas y coros paradigmáticos), Ángel Vejo Gamero (energía primordial eléctrica sintetizada en cable Jack), Damián Garrido Portela (gárgaras de cactus, homilías, exhortaciones y toqueteos percusivos), Diego Hernán Ruiz (cítara gruesa de cuartas, cítara acústica de sextas) y Alberto Cid Casalderrey (colonoscopia a viejas canteras de granito). 

Los 50 minutazos se abren con líneas de órgano a lo John Lord en "Uncle Tom", con sonidazo retro que asusta. Una guitarra calmosa a lo Yawning Man, crepuscular y desértica, a caballo entre la acidez y el Hard Rock puro y duro mientras lenta pero inexorablemente se añade la base rítmica. Despegue e ignición, destaca el insistente órgano y la voz bluesera, bien ejecutada y que, permitidme el lujo de especular, me hubiera encantado en castellano (no todos los temas, pero alternar sí). Boogie rock, mecedoras cosmológicas y balaseras western Purplelianas; muchísimo eclecticismo y calidad, con pasajes fuzzeros de guitarras que se te pegan con esa malsana infección del Blues Rock (Edgard Broughton Band, toques a Jefferson Airplane...). En definitiva puro desparrame. Por cierto, impagable las líneas de piano a lo Scott Joplin pasado de anfetas. 

El Prog nos estalla en la cara con la acuática, calmosa "Blue Merrow" que contrasta mucho con la anterior y se mete de lleno en el sinfonismo de Nektar, Novalis, toques a Camel pero sobre todo bandas progresivas germanas ultra olvidadas como Kin Ping Meh, los primeros discos de Faithful Breath antes de virar hacia el Heavy o los maravillosos Karthago; en definitiva, largas excursiones instrumentales de un patente virtuosismo acaramelado en ocasiones (nunca garrapiñado) con unas fabulosas letras a la antigua usanza (`the most beautiful face trapped in the body / of another being / she´s doomed to wander thousand miles / forever again and again´). Llegados a este punto, aunque hay momentos de guitarra solista y no llegan a la excentricidad inhumana de los griegos Aprodite´s Child, sí que veo algunos puntos de conexión con el extrañísimo, hermético Art Rock de 666 (1972) e incluso pasajes lunares con reminiscencias a Pink Floyd. Sigue "Three Ways to say Goodbye" con una arrastrada melodía capitaneada por una guitarra y espíritu cercano a Wishbone Ash pero más Blues y por supuesto con un glorioso órgano que se sale durante todo el álbum (acompaña, subraya, hace sus cositas en solitario en definitiva vertebra todo el andamiaje de Blue Merrow). 

Apabullante la calidad del quinteto y ojito con cómo va evolucionando el tema en un épico clímax final. Pajaritos y aroma campestre en la entrada de "The Utopist" que, dicho sea de paso, tiene un toquecito Folk inicial (luego muta) a lo Comus o Tyranossaurus Rex pasando por el espíritu baladesco (esos solos de guitarra) de Rainbow. Mi recomendación aquí es quemar incienso y cerrar los ojos; toda una experiencia los coros y la facilidad con la que hacen fácil lo que es difícil, `construir discos de canciones con melodías hoy día´. Y por supuesto, las sutiles letras: `the liar is the painter / and the stupid is just me / no one want to tell you / all the truth is behind my skin / I believe in all your lies / and I thought it was for real / the real need is your desire´... llegando al tramo final entran melodías orientales lisérgicas que abruptamente dan paso a la más veloz y de claro estilo a lo Deep Purple y Hard Rock en general "Crossing Time", perfecta para quemar gasolina en carretera. Conserva su cosmicidad soterrada a lo Jefferson Airplane y la voz sube octavas hasta el punto de hacerme dudar si estoy metido en el universo de Vanilla Fudge o en la NWOBHM. Me encantan las virguerías del teclado, la bajada de tempo atmosférica y en general, lo enchufados que suenan a partir del minuto cuatro y pico.... una pasada que me lleva a otros tiempos.

Los que me conocéis, ya sabéis que siempre lo he dicho. Una banda es buena cuando se defiende bien en los tiempos lentos, y Blue Merrow lo hace a la perfección en "Traveller´s Way", poco convencional y que va desde el pseudo acústico inico al wah wah posterior con toques garaje (sixties). Psych Rock taimado, sutilmente oriental que tiene su culmen en la bellísima "Images" que abre con piano y recuerda enormemente a los mejores URIAH HEEP. Con estructura de himno (sinfónico) redentor finiquita por todo lo alto este discazo que me ha dejado gratamente sorprendido y raudo y veloz acudo a su siguiente EP Navagio de 2025 que por supuesto, será otra historia que os contaré por aquí.

MUY, MUY RECOMENDADO.

https://bluemerrow1.bandcamp.com/

TEOSOFÍA, FOTOGRAFÍA POSTMORTEM Y ESPIRITISMO EN EL BLACK METAL DE EMANATION

E M A N A T I O N

ENLACE:

   https://drive.google.com/file/d/1pvx_NvDW1A7iEhRZmXKEifHWZpZXBmmi/view?usp=sharing

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GU VO - "II" (SENTENCIA RECORDS SR20LP / REPETIDOR R238; 2026)

Atornilladme los cojones que en gravedad cero se me salen los tornillos del traje espacial Abanderado de algodón ingrávido. Usaba tirantes, pero se me engancharon con una hélice y desde entonces les he cogido respeto. Vuelven los Krautenses (Kraut de la Creta Cósmica) tras cuatro años de espera desde su flamante debut (lectura obligada porque no VOy a repetir presentación) GU VO (Sentencia Records, 2022). Alejandro Ruíz (a la VOz y sintes, también en el duo 2020), Eduardo Escobar (batería) y Raúl Burrueco (bajo), y estos últimos diseccionados en mayor o menor medida de formaciones como Blacanova, Tannhäuser o Trisfe (un cable de aquí, una power bank de allá....) 

Como banda está bien plantada pero si esto fuera la Nostromo, como tripulantes me faltarían el que primero sale de la nave a hacer el chorra y el que luego sale a intentar salvarlo y acaba reGUlar (infectado, amputado, anoxiado...) Y como disco, así en general, el sabiamente llamado II es una bomba que estalla si manipulas cualquiera de los tres cables que la conectan; uno es de Heavy Psych / Space Rock (ponme Yuri Gagarin, Hawkwind en su etapa más corrosiva, la escena italiana a lo Black Rainbows o Giobia), otro es de Kraut planeador (desde Neu! a LA Dusseldorf, para pasar por Cluster o Harmonia), y el tercero que lo conjuga todo (la Masa que no acalambra pero te pone en tu sitio) es el de cierta oscuridad Post Punk marcial (no se me quita de la cabeza la sensación de que los penúltimos Killing Joke me están abofeteando disfrazados de sombras chinescas detrás del planeta ese que estoy viendo por el rabillo del ojo, o que Alan Vega está oculto detrás de un fotograma de una película de Paul Schrader con una navaja automática para afeitarme en seco)

Minimalista pero efectiVO diseño de Daniel López para un disco que graba y mezcla Nacho Darcía (Desmodus Sound) para posteriormente masterizarse en Jamming Masters sonando como un jodido cañón este prensaje / edición a cargo tanto de Sentencia Records como Discos Repetidor. Uno de los aciertos es conjugar bajo con sintetizador como elementos principales en la vértebra del sonido y soldarlos mediante Alquimia hasta que son uno solo, de tal suerte que cuando lo mezclas a la batería (impenetrable, densa, hipnótica) lo que obtienes es la base rítmica de un trío convertido en duo extendido (no sé si se me entiende). 

Una GUitarra en este ecosistema sería un fatal error y Gu Vo lo saben; seis cuerdas sería como mezclar agua con aceite y el efecto solista se rehúye completamente del modus operandi de una banda cuyo principal objetiVO es levantar una muralla (Muzak) abigarrada (para los manitas, comprad kilos y kilos de estropajo de aluminio). Para qué quieres una GUitarra si un sinte con potenciómetros puede desencajar tus moléculas y centrifugarlas, soltarte un empaste o incluso borrar / resetear a modo fábrica las circunvalaciones de la masa gris encefálica. No suenan exactamente psicodélicos sino más bien PSIE (PSicoanalíticamente Influidos por Enteógenos), haya o no haya sustancias de por medio, la realidad se raja mostrando sus uterinas costuras (porque todo, todo al fin y al cabo, desde la vida a la muerte, pasa por una DIOSA RAJA). Indudablemente Gu Vo son `motorik´; ya sabéis, esa manera de percutir que parece el engranaje perpetuo fabricado por un relojero obsesiVO compulsiVO... pero permitidme añadir que en este seGUndo disco lo motórico, clave del Space Rock y el Kraut, parece haber mutado desde esa a priori sequedad de la máquina que se mueve por inercia foucaltiana a algo más (no sé si es el término correcto), HUMANO. Es decir, la sensación de cinética de lo puramente Kraut (la autopista infinita de la Autobahn germana) se torna dialogante y me da la sensación de que si golpeo la música no soltará aceite de motor sino sangre. 

Oscura, muy oscura. Insondablemente oscura.... PERO SANGRE.

Hélices movidas por necro electrónica perversa, magia `motorik´ con un bajo en estado hipnótico como rampa de salida, despeGUe (o inmersión) para el reverso tenebroso de Kraftwerk con "Sorcerer". Estructura rock y por tanto, más cerca de Hawkwind que de los alemanes, Gu Vo entran en la carne y salen con toda la amplitud de una bala de punta hueca. No están aquí para quedarse; están aquí para hacer pupa y que el oyente tenga que hacer control de daños. Burbujeantes requiebros de los sintes que bien pudieran eVOcar al sonido que hacen las bisagras de las Puertas de Tannhäuser. Murallas de epicidad a prueba de trompetas en una nueva Jericó futurista, de habitantes vestidos con togas de Kevlar. Cuidado con la orientalizante "Drill", con un bajo taladrante y notas minimalistas que por contra son desplegadas como inmensos telares de terciopelo. Apelmazada batería imposible de separar de esa escena italiano japonesa de bandas de los sellos Riot Season o Heavy Psych Recordings. 

Bajada de tempo en "Yukio" que se viste de gala gracias a los Silver Apples conjugados con Suicide. Domados en lo VOcal, drogados en el tempo, cercanos a Kluster (y a Cluster) con crescendo terrorista hasta que todo se mete en un loop / círculo reiteratiVO que induce al trance. Por cierto, que el bajo durante todo el álbum me recuerda a los Mars Red Sky cuando bajaban (todavía más) el pie del acelerador. Está clarísimo que Gu Vo juegan con el `punto de fuga´ pictórico y lo aplican a lo sonoro;  construyen ánGUlos con escuadra y cartabón en Catedrales Fulcanéllicas que no usan material físico sino ondas, dejando impronta sólo experimentable mediante lo audible (o si tienes suerte y te dan cita para un TAC). Juegan al Prog enrevesado de Math con "Martian Dust Devil" en una ligera atonalidad flotante que busca crear atmósfera (oscurísima) por encima de giros inesperados (otra vez esa maravillosa palabra llamada Muzak). El sinte punza como acupuntura con electrones, el bajo dormita y la batería susurra. Se duerme el Cosmos. Fase REM y la Realidad se disuelve en la nada (se apaga)... Dios tiene Nistagmus, y del movimiento de sus ojos se crea la vida. 

Todo el ritmo de la creación recomienza. Nistagmusgénesis. Cosmogonías Nistágmicas. Círculos concéntricos. Concentración de Círculos. Círculos que se mueven de forma concéntrica. Concentración en los círculos concentrados. Concentración extrema da como resultado el punto. El punto tiene masa infinita y estalla. Estallido en Concentración de Círculos y Círculos que se mueven de forma concéntrica....

El sampleado en "601" deja claro que Drokk, aquella Carpenteriana banda sonora de Geoff Barrow, siGUe más que vigente. La robótica y plañidera VOz acompaña un corte que se va agriando en carácter poco a poco hasta que saca la pus con cascabeles electrónicos (Kraut´n Roll) y una fuerza descomunal que te reduce físicamente. Reducido el oyente a Sparring, es manoseado con una insistencia que solo se la he visto en directo a los Yuri Gagarin (estuvieron a punto de convertir mis huesos en serrín óseo). Por mí, podría durar eternamente la sensación. "Penguin Land" es fresca, la base rítmica inventa pasajes (cartografía) sobre un brochetazo de electrónica hasta que paran y la Kosmische hace acto de presencia. Mundos olvidados, planear y VOlver todo a reintegrarse en una especie de electrónica retro a lo Vangelis, Michel Magne, Patrick Vian, Jarre y demás pero con soflama rock. Penúltima "Frog Rug" con los Neu! y la escena de Düsseldorf por bandera aunque todo metastasiado de Hawkwind.

Fase final con Space Doom Jazz de ritmos percusiVOs agónicos en "Ebb Tide". Baja la marea. Todo afloja. Se destensa... los sintetizadores se vuelven yonquis adictos a las benzodiacepinas y la batería inenta matar a una jodida pulga saltarina que está intentando no resbalar por la caja. Morimos. Nacemos.

Morimos desde que nacemos.

https://sentenciarecords.bandcamp.com/album/ii

https://repetidor-shop.bandcamp.com/album/ii-2

JOSEP LLUÍS GALIANA / JESÚS GALLARDO / MATÍAS RIQUELME - "TAR" (LÍQUEN RECORDS; LRCD040, 2026)

Durante incontables veces he invocado literariamente la libertad musical de Josep Lluís Galiana (saxo tenor y soprano), Jesús Gallardo (batería) y Matías Riquelme (cello); tanto es así que se me antojaría tedioso enumerar aquí cada una de las reseñas en las que han intervenido aunque no obstante, sí que me gustaría especialmente dejar enlace a Les Trahison des Mots (Schujaj!, 2020) de Riquelme, texto que he recordado por casualidad. He vuelto a ponerme el álbum y vaya, pero vaya joya (encima creo que está a precio irrisorio). Me limitaré a ir directamente al grano porque poniendo simplemente Líquen Records + Galiana en el buscador del blog me salen 33 textos, así que ruego entendáis que no presente a los músicos.

Antes de que sigáis, un inciso. Sé que significa TAR, acrónimo de TODO AL ROJO pero quería improvisar en el texto; meta ficción literaria en una reseña? no lo sé pero prometo que ningún concepto, idea, lugar, organismo vivo o similar ha sido dañado para la realización de este escrito. Si consideras que debiera haberme metido la lengua en el esfínter como un símbolo Ourobórico, llama al 112 y os darán instrucciones. Sigo...

TAR nace en un primer encuentro como cuarteto (junto a la baterista gallega Lucía Martínez) que recuerdo a la perfección porque pregunté precisamente a Josep si Todo al Rojo (así se llamaba la grabación) iba a salir en formato físico. Tan solo unos pocos meses más tarde, TAR queda establecido como trío y este álbum homónimo que hoy os presento se graba en directo en Isósteles Estudi, suerte de espacio autogestionado en Borriana (Castellón) y en el que Radomir Blazik y JJ Doc intervienen en determinados momentos en procesos de grabación, mezcla y luego esa transmutación alquímica del masterizado que es de Doc (Isósceles Estudi) y Jesús Gallardo (Mondo Ritmic). 

El álbum se acaba de editar (tan de rabiosa actualidad que me acabo de quitar un trozo de colmillo de la pantorrilla y vengo de vacunarme)en digipack que se viste de gala con preciosa fotografía de Marc Dufour (dejo enlace a su portfolio) que, por alguna sincrética razón relaciono con las nubes en el ventoso camino a la antigua Lhasa (Tíbet). Y cosas de mi mente, recuerdo que TAR es el nombre con el que se conoce a la Tibet Autonomous Region que no es exactamente el espacio de la Gran Meseta Tibetana, sino uno de los espacios que quedaron divididos tras la invasión China (y posterior descuartizamiento territorial) sobre el 1950. Hagan sus apuestas.... lo que me queda, TODO AL ROJO. Y es que hay mucho de conexión espiritual y de meditativo en los 48 minutos del disco, y en el Tíbet eso se simboliza con el rojo; sagrado y auspicioso, representa una intensidad espiritual enfocada en la transformación y la conexión vital así que como digo, TODO AL ROJO.

Locuras aparte, TAR tocan un Free Impro Jazz agresivo (me vais a permitir evocar ese lugar del inframundo helénico llamado Tártaro, y por ende llamar a este estilo Tartarian Jazz que por cierto en todo inframundo que se precie pasa un río, al inframundo iremos tod@s... así que TAR o `TODOS AL RÍO´), con un nivel de abstracción bastante importante que funciona telepáticamente gracias a ese misterioso hilo conductor interactivo en el que los músicos fluyen / combinan a tal nivel que todo acaba desembocando en un momento en el que casi se atisba `lo compositivo´, ya bien sea por reflejo, sutileza sonora pareidólica, azar, o ese poder de la telecomunicación que define a la perfección la frase de Nietsche que viene en el libreto: `lo uno que se afirma en lo múltiple´. Sea como fuere, los cuatro minutos de "TAR I" son de una descomunal fuerza que entronca muchísimo con la fiereza de Charles Gayle a los vientos (diría que también algo de Paul Dunmall si mis tímpanos están hoy bien afinados) mientras que la batería percute con regusto Post Punk a lo Fred Maher de Masacre (no sé si es por la sequedad violenta de la pegada o por la entropía que genera) mientras que el cello de Matías Riquelme suena cálido en el pizzicato (a lo Ron Carter) pero en otras por alguna razón se me viene a la cabeza algunos viejos discos oscurísimos de Alan Silva (Luna Surface, 1969 por ejemplo) o el más radical y moderno Erik Friedlander, colaborador habitual de Zorn.

Se da paso luego a una pieza central "TAR II" de 40 minutos que empieza con espaciadas notas de Riquelme, minimalismo tímbrico metálico en la percusión (cuasi monástico y ritual). Preciosismos del soprano en micro notas agudas que se van cargando de un esbozo o bosquejo de una melodía Coltraniana (abanicos espirituales) o especie de código morse espiritual / escalera al Nirvana (y digo Nirvana porque no me quito de encima lo de TAR y sus dejes tibetanos en el empleo de la T como TARA, AVALOKISTESVARA o mantras como `oṃ tāre tuttāre ture svāhā´) y ojito al rasgado del cello de Riquelme con connotaciones drónicas, hipnóticas y de una belleza descomunal que sirve de base para que saxo y batería dialoguen de forma íntima (sin estridencias) y muy, pero que muy líricamente. Me encanta la manera en la que Galiana invoca una nota y la sostiene el tiempo suficiente para que la percusión encaje (Gallardo es de vieja escuela y se nota), y la inexorable subida de tempo que va acompañada precisamente a cuando el cello es tocado con arco.

Al contrario que otras grabaciones de LÍQUEN RECORDS que suenan más europeístas, no sé la razón pero TAR me lleva una y otra vez a la escena de los Lofts, al oscurantismo de grabar en una sola toma de ESP DISK, a los inencontrables álbumes de BYG / ACTUEL.... pero no se me entienda mal, el grado de experimentación aquí es mayor y eso sí que es Europeo (no tengo ni la más remota idea de qué postura adopta la boca y manos de Galiana en el minuto diez para invocar esos sonidos). La clave disruptiva del disco es sin duda cuando Riquelme coge el arco porque lleva el sonido a un nivel drónico que está a un pasito del Folk, la Clásica Moderna y la Música de Cámara; algo así como mezclar UNIVERS ZERO con Evan Parker. 

A continuación sigue un largo pasaje de mediumnismo improvisatorio pero reitero que para mi gusto, más cercano al Free Jazz, con toda una panoplia de cascabeles / recursos diversos a la percusión y Riquelme en estado de gracia a la pulsación (y rasgado) de las cuerdas. ¿Es el azar en la música improvisada una entelequia? ¿dónde empieza y acaba el plano de lo creativo improvisado? En cualquier caso, TAR no resulta `duro´ ni áspero en extremo y se disfruta casi que como una suite (atentos a los bombos explosivos de Gallardo en el minuto 25 en adelante), con sus paradas épicas y sus episodios narrativos. La parte final es un abigarrado, estilizado ruidismo a base de sordinas, rasgados, roces y puntuales notas inmoladas.

Eso sí, los tres últimos minutos sacan a la superficie una fabulosa textura ondulante que se va cargando de agresividad y vuelve a llevarme a los antros neoyorquinos del Downtown (el Knitting Factory) y estructuras a veces más cercanas al Art Rock que al Free (reitero, ayuda mucho a esto la manera de darle al violonchelo con el arco). Culmina esta maravilla "TAR III" en modo acharolado, nocturno, sombrío y modal... con gabardinas que huelen a nicotina añeja y pitilleras grabadas con iniciales que aparecen en escenas de violentos crímenes. Punzante Noir Jazz de cabinas de teléfono que cantan la muerte por anticipado, golpes de nudillos y huesos que estallan en fisuras. 

No hay Nirvana. Os he desollado. TODOS AL ROJO.

https://liquenrecords.bandcamp.com/album/tar

https://liquenrecords.com/2026/02/07/tar-galiana-%c2%b7-gallardo-%c2%b7-riquelme/

JUANLU BARLOW & HIS LOVE-HIT RECORDINGS - "HIS IS NOT A NEW BROKEN TAPES ALBUM" (OIGOVISIONES LABEL; OV27, 2025)

THREE BROKEN TAPES es una banda / proyecto malagueño de Juanlu Barlow que comienza andadura más o menos por 2009 y que continuaría singladura con la adición de Fran Barrionuevo. No he tenido oportunidad que yo recuerde de escucharlos (al menos una batida rápida por la maraña de mi memoria no me trae nada claro). En 2013, y con motivo de la publicación de Bye Bye Borrasca, entran en contacto teguminoso con la coreógrafa Ximena Carnevale, fruto de lo cual surge la pieda de danza contemporánea CRUDO (también andaban por ahí Paloma Peñarrubia y Kitty Soul) que bueno, se celebrara en el Teatro Cánovas y mirando aquí y allá he dado con el pdf del programa de mano. 

Por supuesto, toda la historia se va enmarañando en este blog; Juanlu colabora en los tres volúmenes de Close/Stare. Así que recuerde, reseñé el magnífico Traspasa tu Marco, no te Evadas donde Juanlu aporta fotografía mientras que musicalmente participa en los otros que se me vienen a la memoria; Acto de Fe y Volvamos a Perturbar el Tiempo que no tengo y creo están agotados que yo recuerde). Por otro lado, Fran Barrionuevo es GRAN BENGALA, asociado suturado (cuerpo, alma, espíritu y metal) a la historia de los mejores diseños en Oigovisiones Label. Por el camino parece quedar un 7" (leyendas) que no se edita y así hasta el momento actual en el que me encuentro en el buzón una auténtica belleza en forma de cassette limitadísima que al primer impacto visual parece una colaboración mediúmnica entre Buñuel y el `enfant terrible´ Eduardo Casanova por los juegos y elección de colores. Puedo tirarme hasta mañana describiendo esto pero es más fácil resumir: es como tener una obra de arte entre las manos. Un objeto cargado de poder artesanal y que desafía en inane / vacuo signo de los extraños tiempos que estamos viviendo.

Sigamos. This is not a Three Broken Tapes Album es un oopart musical dentro del espectro electroacústico habitual de las ediciones enclavadas en Oigovisiones Label. Compuesto (salvo un extra digital que anda por ahí que es puramente 3BT) por Juanlu Barlow & his Love-Fi Recordings, en esta ocasión se juega al hermetismo en los datos y parece que es Juanlu el encargado de la música (no lo he comentado pero su actividad es muy prolífica bajo sus múltiples aliases (Little Bradley, Lüüü o J. Barlow) mientras que el erótico festivo diseño corre a cargo de Fran Barrionuevo (dejo fotos y el material empleado para que os hagáis una idea):

Baby pink cassette C50 / Overcover on 250gr corn cardboard / Cover on 250gr corn cardboard / 16 pages booklet on 250gr corn cardboard, 120gr corn paper and 120gr pink Popset paper

Estamos ante un álbum de 14 canciones de toda la vida distribuidas en dos caras de la cinta, y antes de entrar en lo que son mis impresiones personales, os dejo la presentación del propio artista: 

`¿Un nuevo disco de Three Broken Tapes? No estoy del todo seguro, y me encanta jugar con la única pista que sugiere la portada asegurando que esto no es un disco nuevo de Three Broken Tapes, pero, ¡vaya que suena a 3BT!

Lo que sí sé con certeza, quizás esta mal que yo lo diga y me da igual, es que el alma detrás de este proyecto es Juanlu Barlow aunque su sonido parece estar atrapado en una encrucijada: demasiado analógico para ser un disco de Lüüü y demasiado electrónico para ser uno de Little Bradley, alias bajo los que publico mis otros discos. Detrás del diseño está Fran Barrionuevo, compañero de aventuras en Three Broken Tapes y amigo de la vida. No podía ser de otra manera, me conoce demasiado bien, nadie como el para seguir jugando al despiste aportando su estilo visual fresco, elegante y minimalista. Tardó apenas tres días en realizar todo el entramado del diseño para que no me echara atrás. Gracias Fran!!!

Lo único que me queda claro es que lo mejor es dar al play y dejarse llevar por el festín de cacharrines y guitarras con el que intento desafiar géneros y expectativas, si las hubiera. Espero disfruten la experiencia.´

Numinoso burbujeo Indie Pop espectral de aletargado tempo crepuscular (algo de Country onírico hay) destaca en la atonalidad de una guitarra que más bien parece un banjo en "It's never too late". Espiritualmente, es el tipo de canción que uno escucha cuando se despierta en una sucia playa de botellones tras la Noche de San Juan, aterido de frío, esquivando condones arenosos y con toda la humanidad durmiendo mientras uno se pregunta por qué diablos no se quedó en su puñetera casa. Percusiones simples pero efectivas y espíritu garajero mezclado con rock americano endogámico. Sigue el organillo gospel de iglesia oxidada y ritmos danzables de "Nothing to Fear", genial para servir de base a las lánguidas voces (toquecitos de Spacemen 3, de Loop, de Spektrum....) de una suerte de música para electro crooners que hicieran giras por estaciones de servicio (algo así como el Sinatra de Loja) en la zona de Las Pedrizas (Málaga). Como si SUICIDE hubieran decidido tirar para el Pop y no agredir a nadie (psicológica y sonoramente), se van deslizando acertadas melodías luminiscentes (luz hay, lo que no sé si es una luz sana o nuclear).

Analogismo de Loops secuenciales y glitches muy bien encajados adornan la guitarra que atraviesa la cuasi espacial "Secret Universe", un temazo himno que me flipa y que cuenta además con una voz que me recuerda a los devaneos de mi añorado David Lynch y su particular timbre vocal. Muchas capas que se van retorciendo en espirales, enterrando una falsa simpleza (realmente el conjunto es muy barroco) e inyectándome en vena (también bajo la lengua) una especie de sustancia rosa degradante (que no degradable) que me hace adicto a un sonido que se recarga una y otra vez como en "Push the Nose", especie de New Wave cuasi gótico neofuturista con soniquete de órgano en la retaguardia porque eso sí, una de las principales virtudes aquí es en dejar escondido el preciosismo gracias al fabuloso uso que se hace el esfumino sonoro (ya me entienden los puristas de la Hi Fi). Sigue el Pop Indie (esas baterías) de "Red Lights" que ojito que es más amenazante de lo que a priori puedas pensar (casi que creo que Alan Vega está escondido en la cinta magnética y va a saltar a darme un tajo en la yugular como me descuida con un disco afilado de los Silver Apples). 

Excelentes los motivos timpánicos y el inexorable, hipnótico discurrir de una estructura / forma de componer muy, pero que muy cercana al Psych de los Wooden Shjips y la psicodelia aeronosa de Austin (Texas). Querido Juanjo, hubieras tocado en el BANG BANG BAR en la tercera temporada de TWIN PEAKS si le hubieras mandado esto a Lynch. Igualmente vale esto para la extrañísima road movie musica de "Beat Street", que sé que acontece bajo el cielo, pero no sé de qué planeta. Cuatro minutos y pico para la robótica "Bloody Dance Floor", con lo que parecen casiotones o melodías pixeladas de 8 bits mientras me masturbo esperando que cargue el maldito juego del Commodore 64 (no he ido al cole, hay alerta amarilla). Maravilloso como todo va fluyendo en el Laserdrome jodido de tu mente... si te da el rayo rosa, mueres.

La pletina me da la vuelta a mí y empieza la Cara B con "Bees in the Wind". Electro Dark si se lo propone, Pop sincopado de espectrales lazos cuasi tribales de Dub elegante y órfico que sin solución de contiuidad vuelve a las praderas americanas con "Cow Cow" en una suerte de electro Folk sediento de jugo de cactus y una guitarra que parece afinada bajo el influjo de algún enteógeno. Me joden sobremanera etiquetas como Indie. No entiendo lo que significan... ni Post Rock ni mierdas. Esto suena como si en el último pueblo de Utah hubieran instalado unos columpios en un solar y yo estuviera dándole que te pego con el culo desnudo pegado al metal. 

Igualmente anómala y rompedora es "Troubled Mind" que empieza letárgica y se va animando en actitud devocional apocalíptica (sin llegar a Neofolk ni cosas raras pero sí con algo de ese extraño metaverso de Julian Cope y su Autogeddon). Hacia el final del corte se gira hacia la Fusión (no sé de qué) y se entronca con la mueve caderas "Check One, Check Two", para mi gusto de los mejores cortes de la Cara B. Fabulosa la crepuscular voz y la sensación de amenaza espacial inminente (ya sea por un meteorito, o porque estás participando en un rodeo texano con ganado vacuno cibernético fuera de control). Moved las caderas, hijos e hijas de la gran puta. Chascar los dedos. Usad las espuelas para escribir vuestra vida en la piel de vuestras fláccidas barrigas... meteos por la alcantarilla existencial más cercana y perderos para siempre en los ritmos bailables, EBM a la española, de "Hi Dreams". Transformad el Cuarto Mundo de Jon Hassell en el Nuevo Edén plantando semillas (regado con la distorsión de la guitarra) y recopilando especies para la Nueva Arca antes de que llegue el Necro Diluvio. 

Sacad las lenguas y romped vuestras mandíbulas que Simeon Oliver Coxe III y Danny Taylor (Silver Apples) vienen a daros la comunión con tapacubos bendecidos por un Cristo Alquitranado. Sigue la cosa apretada con "Leave Reality Behind"... a ver si se va a acabar el mundo y no voy a poder terminar la reseña. Espera Dios, cojones!. Sintes cuasi VaporWave, Loops y un cierto sinfonismo Lo Fi (es posible algo así?) completan la desconexión de mi cuerpo / alma con lo terrenal. Ahora sí que floto y me elevo (o desciendo, que ya no lo sé). Guitarra acústica adorna un ritmo latino (tango?) rebozado en electrónica en la final "Slow Emotion" que por lo que sea me trae a la cabeza a Geoff Barlow en DROKK pero también es cierto que bien del tarro no estoy.

PERDÓN. MIL PERDONES por no haber reseñado esta auténtica maravilla antes. 

MUY, MUY RECOMENDADO para psiconautas, amantes del arte y gimnastas de los tímpanos.

https://oigovisioneslabel.com/portfolio/this-is-not-a-new-three-broken-tapes-album

https://oigovisioneslabel.bandcamp.com/album/this-is-not-a-new-three-broken-tapes-album

MONNIK - BELIDENISSE (CONSOULING SOUNDS; SOUL0208; 2025)

`hier, waar ik u heengaan liet

                             lig ik als mens te midden dorre aarde

                                                                  ik schreeuw mij blind maar de dood is doof geworden

       zonder woorden sterf ik, ingetogen´

MONNIK es el sobrenombre del artista experimental belga Thibaud Meiresone-Keppens, que en este Belidenisse (quinto trabajo desde 2015 para el insigne sello CONSOULING SOUNDS) nos vuelve a llevar de la mano por paisajes y texturas de un Ambient teñido de chamanismo, Drone, experimentación y multitud de capas que se van engarzando como un mecanismo de relojería. El excelente sonido (prácticamente todo lo que viene de este sello) es obra de la masterización de Gert Van Hoof para una edición vestida de gala (vinilo rosa, negro y digipack) gracias a la evocadora portada de Jules Meiresone (como una de esas oscurantistas acuarelas que están situadas en las penumbras más inhóspitas de viejos lugares de peregrinaje votivo). Eso sí, no puedo compararlo con trabajos anteriores porque es el primero que escucho de él.

Belidenisse, que se traduce por algo así como `creencia´, deja claras sus connotaciones pseudo litúrgicas, espirituales y enaltecedoras a través de unos cortes que se construyen de forma sosesaga pero que con múltiples escuchas van revelando un sinfín de detalles. Es como visitar el interior de cualquier catedral; el empaque es directo y te asalta los sentidos pero no es hasta que buceas en los detalles que verdaderamente te sumerges en el simbolismo de lo que te rodea. También puede ayudar a que os pongáis en contexto si os dijo que Monnik es, como habréis adivinado, `monje´ en neerlandés. Además, el disco se compone tras la lectura de Thibaud del libro Confesiones (397-400 d.C.) de San Agustín de Hipona.... una road movie filosófica literaria donde Agustín de Hipona trata te demas tan abstractos como el tiempo (una extensión de la mente). Sigamos.

El álbum se abre con minimalismo Dark Ambient y toques percusivos de campanas rituales; "Vaeghevuur" son ocho minutos eclécticos donde una guitarra a penas esbozada y una percusión ultra lenta alcanza tempos casi de Funeral Doom. Es más, si me apuráis, la afinación de la guitarra tiene un toque a lo Evoken considerable, aunque estemos hablando de estilos bastante opuestos. Entra la electrónica de forma magnificente con cierto aroma retro, aparecen elementos necro sinfónicos y todo va caminando con una parsimonia cercana a un Via Crucis. Se repite la melodía `ad nauseam´ creando un ambiente hipnótico / mántrico que roza la psicodelia oscura. Tras un parón a mitad del corte, y lo que parecen voces susurradas, brilla la manera en la que el belga parece rendir homenaje tanto a la Kosmische como a los mismísmos Tangerine Dream de su primera etapa. Electrónica analógica burbujeante, espacial y macrocosmos versus microcosmos. Una jodida delicia.

Por alguna razón, se me vienen constantemente a la cabeza los Dead Can Dance de Spiritchaser o el trabajo Ark en solitario de Brendan Perry en la fabulosa "Wederopverisenisse"; orientalizantes cadencias que podrían retrotraerte también a olvidadísimos proyectos como RAJNA pero mucho más introspectivo aquí. Además de colaborar Katrien Hermans al contrabajo, la manera en la que Monnik usa la electrónica recuerda en muchas ocasiones a los primeros trabajos de Sopor Aeternus... algo así como un punto de unión entre lo clásico, la música de cámara y lo ochentero, todo mezclado en un flujo laminar de brutal pesimismo en el tono general que evoca en el oyente. La guitarra aporta aroma Folk que junto a lo electro, tampoco está cerca de aquel fabuloso At the Foot of the Garden (2003) de Blood and Time (Scott Kelly) aunque el `fade out del corte´ sea un largo drone / soundscape.

Vuelven a sonar las campanillas en "Apostaet", aunque pronto entran bases percusivas más cercanas al Noise. Guitarra minimalista aportando nuevamente algo de Doom al corpus musical en un desarrollo que lenta, pero inexorablemente te va dragando la médula de líquido cefalorraquídeo. Melodías construidas sin prisa, que rebotan contra el inmenso hueso frontal del cráneo de un Dios intuido, esbozado o físico (quien sabe). Tonos apocalípticos in crescendo en unas composiciones que resultan curiosamente atemporales (a ratos parece estar sacado todo de la más remota cueva del Dungeon Synth, para a continuación hacerte dudar si no es una banda sonora apócrifa de AKIRA). Monnik ha creado una obra maestra con Belidenisse, exquisita, numinosa, tribal o sinfónica cuando lo requiere... si me apuráis, Belidenisse no es un álbum sino una ideación mental que flota en el subconsciente, como flotan las voces recitadas de Thibaud exanguinándote allá por el minuto 10. 

Absolutamente recomendado.

https://store.consouling.be/products/title-belidenisse-lp?_pos=4&_sid=e6a89cbb6&_ss=r

https://monnik.bandcamp.com/album/belidenisse

DEMONOLOGISTS vs VAINORAS (AESTHETIC DEATH; ADCD 116, 2026)

Hace escasas semanas os traía el brutal disco Rakshasa de DEMONOLOGISTS, a la sazón la segunda vez que hablaba de dicho proyecto de Indiana tras el igualmente recomendable Secret Ceremonies junto a los Ambient Ritual de ORD (Rusia). Ya sabéis que no soy dado a repetirme y prefiero que visitéis los enlaces previos para poneros en antecedentes, máxime cuando el álbum que hoy os presento es en colaboración con el Australiano (parte de los Subterranean Disposition) Terry VAINORAS con una panoplia extensa de proyectos y diversas paletas sonoras. Sigamos. 

DEMONOLOGISTS vs VAINORAS se edita en flamantísimo digipack de precioso diseño botánico (Layout de Mara Battiste) en AESTHETIC DEATH (por el arcano Stuart Gregg, buceador del inframundo desde hace décadas) y la formación es un trío compuesto por Cory Powell / Evan Price (electrónica, sintes, voces, ruidos...) de DEMONOLOGISTS, y el propio Terry Vainoras aquí en una faceta más jazzística (saxofón tenor, voces y guitarra). El artwork ya digo de entrada que es una preciosidad... una mezcla de viejo códex botánico medieval con tintes Lovecraftianos que me recuerda algo a los olvidadísimos diseños de los discos de Funeral Doom de Buenos Aires QHWERTT (sobre todo He Who Has Known the Gardens o Cloudland).

Construido como una suerte de suite de Doom Noise Jazz necro fungoide, como iremos desgranando poco a poco, lo primero que destaca es que son 40 minutos perfectamente medidos; ni sobra ni falta nada. Está todo cronometrado para que funcione como una dosis calculada de enteógenos. Luego está la fantástica masterización de Evan Price que consigue alear la calidez de lo jazzístico con la sobriedad hiriente / oxidada de los diversos estilos del Noise redirigiéndolo todo a un estilo combinatorio (reitero que no es un split, sino una combinación de músicos) ultra orgánico. Muy ecléctico, casi progresivo diría, Plantae Arcanus, que así se titula el disco, va recorriendo a lo largo de 11 cortes todo un muestrario de plantas psiquedélicas, venenosas o con propiedades alucinógenas a través de una exquisitez compositiva (y nivel) que lo lleva del tirón a uno de los discos que más me han gustado en lo que llevo de año. Imaginad una suerte de combinación entre los proyectos tipo The Mount Fuji Doom Jazz Corporation / The Lovecraft Sextet, Badalamenti, el Cool Jazz y un Black Industrial Noise elegantísimo (¿es posible esa expresión?). Estos hilos de cobre estilísticos se trenzan sabiamente haciendo que pasemos de pasajes agresivos a meditativos momentos Lounge Noir Jazz.

Lisergia asegurada, abre "Ephedra Foemin" con una serie de sonidos ambientales procesados (desde ruidismo a grabaciones de campo / samplers). Saxo asordinado, lejanas voces guturales y estructura abstracta a la que se va añadiendo un crescendo muy Electro Synth Carpenteriano (diría que ochentero) enlazando a la perfección con un pasaje más violento con voces homiliescas que parece una destilación alquímica de los antiguos ALASTIS con una BSO de un Arcade.

Poliédricas percusiones van esbozando el ritmo arrastrado de "Atroppa Belladonna" con perfecto contraste entre un comedido Noise y el tono melodioso del saxo tenor. Voces ululantes y expectrales se sincopan con ritmos cuasi Klezmer del saxo (¿alguien recuerda el brutal Doom Hasídico de Deveykus en Tzadik?), en un corte que va creciendo, balanceándose como un mal viaje de LSD y que abruptamente enlaza con las notas de piano de "Brvgmansia Genvs", un endiablado puzzle al más puro estilo The Kilimanjaro Dark Jazz Ensemble pero con los elementos áridos del Noise en contrapicados excelentes. Ojito con el magnífico uso de las voces que recurren tanto al Hip Hop como a la `percusión Konnakol´ vocal del Sur de India (lo que se llama Música Carnática y que tanto he escuchado) y cómo se va abigarrando todo (saxo, piano, noise y voz).

Adquiere mucho protagonismo el saxo en los segundo iniciales de la excelente "Hyoscyamvs Niger", con bases rítmicas cuasi Dub y un insistente piano. La estructura de Black Industrial sigue existiendo, solo que enlentecida a un tempo agónico y revestida de acústica... tanto es así que se abraza la sensación opiácea de Vaporwave, usándose el ruidismo más como subrayado y elemento de refuerzo. Introspectiva y hermética, "Cicvta Virosa" es por contra más Electro Doom Jazz con voz y percusión que parecen sacados del Funeral Doom. Conforme avanza todo, se trenzan el saxo, una batería jazzística y el piano, acompañándose luego de cánticos, devaneos Free y abruptas arremetidas Avantgarde. 

Sin dar un segundo de respiro, es enorme la creatividad que encontramos en Plantae Arcanus. Un sostenido de voz, saxo y ruido pasados por un filtro casi Dub hacen que "Verbana Officinalis" me recuerde a los estertores de The Bohren & Der Club of Gore. Voces limpias, guitarra eléctrica y ritmos danzables. Sigue la babosa, estentórea, fungoide y batrácica "Mandragora Officinarvm" con tubulares uso de vibráfonos y exquisitos pasajes de Harsh Noise minimalista mezclado con cánticos monásticos de regusto acuático. Por cierto que la manera en la que arremete Vainoras al saxo me recuerda muchísimo a los Dead Neanderthals. Vuelta por cierto a la orientalización de la voz con un recitado mántrico y devaneos Pop. 

Tramo final con la hipnótica "Psychotria Viridis", con sonidos asordinados del saxo que parecen moscardones, motivos melódicos de los teclados casi pastorales / medievales y lo que parece un harpa en cascada sirven de intro a la Badalamentiana "CSL"; chasquidos de dedos, teléfonos, pasos de baile de salón y ambiente Lynchiano (imposible no acordarse de Twin Peaks). Fantástico onirismo de cortinajes rojos abigarrados donde campea un Smooth Jazz (fabulosa la batería) con ese elemento tan extraño de la voz (susurra, se agrieta, se diluye y recompone....) Toda una oda a la experimentación que inexorablemente se va recubriendo de tonos Free. En contraste la más ambiental "Tabermanthe" es algo así como el reverso tenebroso de la anterior con una percusión que muta, cuerdas que se rasgan (no sé si con un arco) y ligeros tonos tribales (imaginad una versión oscurantista del Cuarto Mundo del compositor John Hassell). 

PLANTAE ARCANUS es una obra maestra del Doom Jazz (por resumir en etiquetas de forma rápida) que es indispensable en cualquier discoteca que se precie. No sobra ni un minuto del álbum y "Cascabela Thevetia" redondea esta maravilla con un Dark Ambient opresivo en los minutos iniciales y un inclasificable clímax final acelerado que dejo al oyente que lo califique como pueda.

UNO DE LOS DISCOS DEL AÑO.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=7004

https://aestheticdeath.bandcamp.com/

https://demonologists.bandcamp.com/

https://vainorasandthealtar.bandcamp.com/

JAVIER PIÑANGO / JUAN ANTONIO NIETO / MIKA MARTINI - "MADRID AUSTRAL" (PUEBLO NUEVO NETLABEL; PN244, 2025)

Hace unos meses os traía uno de los trabajos editados de manera póstuma del grandísimo Juan Antonio Nieto; Broke the Silence (Nova Alternativa, 2025) junto a Jan Kruml. Siguiendo la estela de aquel, tengo el inmenso honor de traeros Madrid Austral, grabación de archivo de 2017 en el seno del Centro de Creación e Investigación Cultural La Tortuga (Barrio de Lavapiés, Madrid) de Juan Antonio junto a su grandísimo amigo y también recientemente perdido Javier Piñango y Mika Martini (Chile, 1967); por supuesto, me voy a saltar las biografías harto conocidas de Piñango y Nieto porque de ellos he vertido muchísima información por estos lares. 

Evento organizado por la ínclita Latimeria / Almudena Villar, registro de audio realizado por Pedro López Hernández y masterización posterior de René Roco (Santiago; Chile, 2024) en lo que fueron tres sets individuales de cada artista, y un cuarto con los tres improvsiando. Todo ello editado en un digipack editado por PUEBLO NUEVO NETLABEL con fotografía de portada de Pedro López Hernández, Almudena Villar y Mika Martini (que posteriormente retoca el diseño). Por cierto, el título MADRID AUSTRAL me parece una jodida genialidad por causas geográficas obvias.

Javier Piñango (1962 – † 2025)

El disco se abre con el "Set 1 - Javier Piñango". 23 minutos de inicio sobrio y calmado, plagado un exquisito ruidismo que tiende al Drone y al Dark Ambient a partes iguales gracias a esa arma de destrucción masiva del KorgMS20. Un flujo de sonido más agudo que va reverberando sutilmente se eleva sobre vaivenes más grávidos creando esa dupla tan característica del Industrial Noise más deshumanizado. Ambiente de maquinaria pesada (siento ser reiterativo en las descripciones, pero si a las tuberías de una acería se le hace una colonoscopia sonora, el resultado puede ser similar), aceleradores de partículas y capas de sonido que se van superponiendo unas a otras. Pausas de pseudo silencio refuerzan el desangelador ambiente con murallas sonoras que parecen rebotar contra un abismo ciclópeo al filo del mismo Cosmos, hálito sutil de Harsh Noise en ciertos puntos (casi tengo que mirar a mi alrededor a ver si hay un escape de gas) e incluso algunos sonidos que tienden a lo estentóreo y antropomórfico. 

Minimalista, sin concesión para el oyente, Piñango trabaja los aspectos tímbricos desde un enfoque áspero como frotarse una hemorroide con estropajo metálico. Por supuesto, hay momentos de efervescencia modular (minuto 15 o así) y de tonos acampanados de forma sincrética que engañan al oyente hasta el punto de no saber si está ante electrónica pura o electroacústica. Cósmicos efluvios de potenciómetros para finiquitar el corte.

(1961 – † 2022)

Sigue "Set 2 - Juan Antonio Nieto" con lo que parece la evocación de una lejanísima grabación de campo litúrgica. Un collage que se carga de esos glitches característicos de su estilo junto a la sensación de estar metido dentro de un oleoso oleaje / mar electromagnético, de un perennialismo sónico de `constructor de catedrales de partículas´, con un marcado minimalismo que por contra resulta barroco en detalles. Más estilizado que Piñango, pero igualmente metido dentro de un bloque indestructible de Permafrost.

El Noise aquí no tiene esa maraña tan claustrofóbica del KorgMS20 pero salir indemne de la audición es complejo, como complejo es intentar averiguar la procedencia de unos sonidos, samplers, grabaciones de campo o simplemente uso de generadores de ondas que en conjunto sugieren lo que el estado de ánimo del que escucha sintonice. Trance chamánico a través del laptop, en una improvisación en tiempo real en la que Nieto da forma como en un torno de cerámica a una pieza que a la misma vez va engarzando de piedras preciosas (micro insertos de Harsh) como si de ofebrería se tratara. 

Mika Martini (Chile, 1967)

Mika Martini (Hugo Espinosa Chellew) es además el alma máter del sello; músico electrónico autodidacta y con un currículum tan largo que prefiero que pinchéis en el enlace. A él pertenecen los siguientes 20 minutos en su "Set 3 - Mika Martini" donde da rienda suerta a un micro sampling acuático y burbujeante en inicio, brutalmente minimalista y cargado de tonalidades Lo Fi; todo hasta que se abre en abanico una apabullante creatividad experiemental con multitud de recursos. El procesado que se hace de todos los samplers y el cariz cuasi ciber futurista rompen con la línea anterior más sobria de Piñango / Nieto; dicho de otra manera, si los anteriores dibujaban un plano geográfico mayestático de la visión de una lejana Galaxia, Martini nos relata el sonido de cómo sería llegar a uno de esos planetas, visitarlo y cartografiarlo.

Eso no quiere decir que no nos adentremos igualmente en pasajes cacofónicos Industriales, uso de efectistas ecos / delays. Además me parece escuchar sonidos de pájaros procesados y otros animales, flautas (imposible no relacionar todo esto con la Kosmische más oscurantista o una vuelta de tuerca lisérgica de John Hassell), todo ello en una batidora de recursos que quitan el hipo (esos lejanos pianos enterrados en una vorágine de hélices) y un clímax acuático final fabuloso.

Pues ahora imaginad a los tres artistas en densa comunión. Un hilo umbilical que los atraviesa en "Set 4 - Javier Piñango, Juan Antonio Nieto y Mika Martini". Un alambique en el que se van destilando los elementos característicos de los tres... una trenza electrónica difícil de definir y que es mejor sentir a volumen elevado con auriculares. Ambient aliñado con Noise abstracto, en ocasiones helicoidal y unos artistas posicionados en un nivel de excelencia. Poco a poco se va girando hacia un nivel de densidad considerable y te toca a tí como oyente abrirte machete en mano.

Muy recomendado para los amantes de los estilos descritos. Desconozco cómo pueden comprarse las copias físicas pero lo tienen en descarga digital en la página.

https://pueblonuevo.cl/bios/mika/

'De Azcona a Fonollosa, vivir y sobrevivir en el realismo cotidiano’, de Trío Mudo

TRÍO MUDO

DE AZCONA A FONOLLOSA, VIVIR Y SOBREVIVIR EN EL REALISMO COTIDIANO

Ineludible la figura de Rafael Azcona (1926-2008) en el guión de películas como La Escopeta Nacional, El Pisito (1958), El Verdugo (1973) y muchas otras, y sobre cuya figura no creo que se precise presentar demasiado. Compañero generacional de escritores afines como Ignacio Aldecoa (creo que El Fulgor y la Sangre, al igual que Como el Viento Solano son máximas representantes del neorrealismo literario que tan bien redlejara la sociedad (rizando el rizo, urbana en Azcona, rural en Aldecoa) y que sirve de punto de partida para esta maravilla a la que asistí ayer dentro del entorno del MaF, ese cúmulo explosivo de actividades culturales englobadas dentro del Festival de Cine de Málaga, y en esta ocasión en una acogedora sala del MIMMA.

Sólo a un alma inquieta y sensible como la de Antonio Acién (713ºAmor) se le ocurriría hilar cual hilo umbilical los múltiples detalles de los guiones de Azcona con el poemario maldito, acre y visceral de Jose María Fonollosa (Barcelona, 8 de agosto de 1922-7 de octubre de 1991), suerte de Pessoa cañí y brutalmente denostado, desgarrador, olvidado y como casi siempre en estos casos, reivindicado póstumamente. 

Antes de progresar, creo que para definir bien la psique de Fonollosa sirve a la perfección el poema encontrado tras su muerte (imagino que su último escrito) que dice tal que así:

`No a la transmigración en otra especie.

No a la post vida, ni en cielo ni en infierno.

No a que me absorba cualquier divinidad.

No a un más allá, ni aun siendo el paraíso

reservado a islamitas, con beldades

que un libro garantiza siempre vírgenes.

Porque esos son los juegos para ingenuos

en que mi agnosticismo nunca apuesta.

Mi envite es al no ser. A lo seguro.

Rechaza otro existir, tras consumida

mi ración de este guiso indigerible.

Otra vez, no. Una vez ya es demasiado.´

(Fotografía cortesía de DAMIÁN FERNÁNDEZ)

Posiblemente capta este texto a la perfección el modo de ser del poeta. Pues bien, en un espectáculo titulado `Los 100 de Azcona. 'De Azcona a Fonollosa, vivir y sobrevivir en el realismo cotidiano’, de Trío Mudo´ se presentaba, esta vez sin la presencia de Damián (para mi gusto, que no tiene que ser el tuyo, el mejor batería que conozco de mi ciudad), y en una suerte de experimento sonoro, Antonio Acién a la guitarra española distorsionada de forma mediúmnica a través de pedaleras (cuerdas de nylon, podías sentir casi la sangre aflorando a las falanges en algunos tramos). La idea era establecer un hilo narrativo de extrema actualidad como es el problema de la vivienda con bisagras argumentales en forma de guiños muy concretos a escenas de las películas El Pisito y El Verdugo, apuntaladas luego por poemas musicalizados de Azcona elegidos para la ocasión para dar soporte emocional a lo visionado... todo ello con el prólogo de una apertura instrumental con un loop de capas que abrazaba el Drone.

Al contrario que otros eventos previos de TRÍO MUDO como aquel fantástico `Nosferatu, el Centenario del Vampiro´ o `Cuarenta Años de Desencanto´ (también dentro del contexto del MaF y alrededor del ahora más reivindicado que nunca, Leopoldo María Panero y El Desencanto, quizás uno de los documentales más impactantes que recuerde), esta vez la estructura era algo distinta. A los visuales / proyecciones siempre la figura de Manolo Luque pero, en vez de un andamiaje en forma continua, Antonio se encargaba de reconducirnos como maestro de ceremonias por lo que íbamos visionando y el por qué de los poemas elegidos. 

Cierto que yo partía de una cierta duda (inquietud) inicial sobre si esas interrupciones iban a cortocircuitar en cierta manera ese trance existencial al que me gusta atarme (el Bondage oyente con el artista); dicho de otra manera, mis experiencias `en directo´ con TRÍO MUDO siempre han sido casi espirituales, catárticas en grado sumo, y poderosamente duras. Pero claro... una vez iniciado el asunto, los múltiples requiebros, detalles de guión casi simbólicos en Azcona, el uso de determinados planos (esa brutal secuencia en punto de fuga del final de El Verdugo) necesitaban de una cierta explicación o todo hubiera quedado enterrado en un sin sentido hermético.

Absolutamente apabullante ver cómo se conectan los problemas sociales de El Pisito (1959) y la vivienda con la situación actual y así, en agradable compañía, fueron destacándose unos temas al más puro estilo Acién.... la voz, una homilía con cadencia poética sin aburridos virtuosismos; dura, seca y punzante como el filo de una navaja y como los temas de los que tratan los poemas. Porque esto no es una ópera rock. Esto es un poemario musicalizado llevado al límite a través de pasar las cuerdas de nylon de la guitarra española por una distorsión controlada en volumen que subrayaba en los medidos momentos la intensidad de unos poemas, los de Fonollosa, que no se cortan un pelo en tratar controvertidos temas para la conservadora españa de la época (de las drogas a la prostitución, de la venganza al odio divino y de éste al amor cortés; de lo más ruín del ser humano al gnosticismo y al amor). Todo un inmenso puzzle que iba quedando simbólicamente definido en las pausas entre los temas que finalmente resolvían mi duda... no solo no interrumpen la atmósfera, sino que se hacían vitalmente necesarias.

La música a nivel estilístico transitaba por rumbas necróticas, tangos aclimatados y otros cortes incluso más atonales, acelerados e impulsivos como caballos desbocados (no sé definirlo mejor que como country para adictos al speed)... tanto es así, que dudé por la salud de los dedos de Acién (tampoco hubiera importado algo de sangre, que estábamos en familia). Muy, pero que muy difícil destacar uno sobre otro pero el final con "Sois Mezquinos, sois Viles" me puso los vellos de punta no solo por la dureza existencial del poema o la distorsión del sonido subrayando las inflexiones sino también por ese acojonante uso del silencio que siempre ha estado presente (llamadlo pausa si no queréis decir silencio) en Trio Mudo reforzando la estructura andalusí / mediterránea (en esencia) por la que transita el conjunto. "Me Maldigo en el Nombre de Dios" no se quedó atrás y creo que si se hubiera tocado con batería y eléctrica habría quedado absolutamente brillante.  Ecos en la voz de `trovador´, de `pliegos de cordel´ y de `cantares de ciegos´. Flamenco fúnebre para "Entierro", con un poema de Fonollosa que es un Haiku de punta hueca.

Y más, mucho más. "No Tengo Más Remedio" sonando casi a guitarra eléctrica y con la sensación de que había más de 10 dedos tocando el instrumento o ese casi asfixiante flujo sostenido de "Tengo un Grito Formado en la Garganta". Si pudiendo venir te lo perdiste, pues lo siento por ti. Gracias al MaF por apostar por cosas que no huelan a rancio abolengo y por seguir poniendo en la palestra a uno de los tesoros más importantes y enterrados del panorama nacional musical... TRÍO MUDO.