viernes, 12 de julio de 2019

ZYTOSPACE - "WÜSTE LAND" (VERLAG SYSTEM / TORACIC TAPES, 2019)


"Ni la sombra tuya que te sigue por la mañana
ni tu sombra que al atardecer sale a tu encuentro;
te mostraré el miedo en un puñado de polvo.
Frisch weht der Wind
der Heimat zu
mein Irisch Kind,
Wo weilest du?" T.S. ELIOT

El apabullante proyecto célula ZYTOSPACE engloba a los multiinstrumentistas Miguel A. Ruiz (ORFEÓN GAGARIN, DEKATRON II...) y Giron (GIRON, EL CÍRCULO DE WILLIS) como binomio proteico de urnas cavitarias en un cuerpo célula ensoñador y meditativo, que sónicamente recoge todo ese fantástico submundo ya transitado por gente como CLUSTER, SCHULTZE, TIM BLAKE o los mismísimos PINK FLOYD. Imposible de entender el sonido si no has buceado en la fina línea transitoria que separó el Rock de la Electrónica en Alemania, y que acabaría dando como resultado un sonido propio, genuino y que a día de hoy todavía es objeto de culto. 

Por otro lado, la electrónica trascendental de secuenciadores de los compositores franceses empapa de maravillosa  pseudociencia cada una de las notas que se destilan de Wüste Land (Tierra Baldía) y que podría resumirse a la perfección con la mítica sesión que realizaran en los ochenta Vangelis y Michel Huygen (Carlos Guirao también estaba por allí) de NEURONIUM.


Una poderosa columna de sintetizadores analógicos sobados hasta el infinito para demoler rocas estelares en detritus biodegradable musical. Y es que es una época de Ovnis, de misterios, de Jiménez del Oso y sus jerseys de cuello vuelto a pesar de un inclemente sol en Sudamérica. Es la época del sentir los pulsos electrónicos mientras sobrevuelas Nazca o te sumerges en el Triángulo de las Bermudas para darte un chapuzón. Reencarnaciones, exorcismos y trampaantojos a la luz de fotografías emulsionadas en albúmina... el albor de la ciencia asequible para el pueblo genera su propia mitología, y esa mitología usó el abrigo de la electrónica para manifestarse vox populi. Libros y contralibros. Uno que dice que Jesús Vivió y Murió en Cachemira, otro que desmorona la teoría del anterior (no recuerdo el nombre); un dentista que dice que J.J. Benítez copió su libro El Rostro de Jesús en el best seller El Enviado... gloriosa época sin duda.

No, no son testigos de Jehová, pero van de puerta en puerta con sus catálogos de EL CÍRCULO DE LECTORES o PLAZA & JANÉS para ofrecerte la nueva entrega de CABALLO DE TROYA (también denunciado como especie de copia de El Libro de Urantia y cuyo proceso puede seguirse por la emeroteca de Interviú), especie de Snuff literario ambivalente a reivindicar una y mil veces. Si en Francia y España gustan del Misterio, en Alemania reflejan el cosmos mediante la abstracción, sustituyendo el todopoderoso sintetizador (caro) por miles de efectos de estudio en manos de un mago como Conny Plank, figura sin la cual problemente no se entendería todo esto. 

Colonia, Berlín... y de ahí al Espacio Profundo.


Realmente soberbio cómo se modela el sonido en esos grandes tornos de alfarero... asombroso cómo se destila la electricidad en ondas sonoras; a través de enormes columnas de potenciómetros que de tan complejos, y sin manual de por medio, provocaron más de un dolor de cabeza hasta que del ejército se vendieran a visionarios músicos, mucho más versados en la comprensión intuitiva de la máquina que el común de los mortales. Así, estos pioneros reflejan el Cosmos produciendo sonidos y estímulos extraños en la psique del oyente. Se emulan bioritmos de procedencia ignota que si bien siempre han estado ahí, es la primera vez que alguien los convoca a este lado de la realidad. Por eso son elegidos como baluarte de lo Espacial. POR ESO HAY QUE AMAR LO ANALÓGICO.

En sumas cuentas, Wüste Land son dos cortes de energía contemplativa, Kosmische en suma, y tan llena de detalles que se necesitan muchísimas pasadas al disco para captar la infinidad de capas. Editado en un precioso digipack a 3 paneles por VERLAG SYSTEM y TORACIC TAPES, en gloriosa imaginería infra roja (magnífico diseño de Alonso Urbanos) como si estuviésemos sentados dentro de una nave de reconocimiento.


Dos navegantes de la eternidad a los mandos de tecnología abyecta de extrañísima nomenclatura, ambos músicos cuentan con un arsenal que ríase usted de los cómics de ciencia ficción a lo Metal HurtlandKorg Microsampler, Vermona Perfourmer Polyphonic, Dreadbox Erebus & Abyss Analog Synths, Electribe Sequencer, Alesis Andromeda, D.S.I. Mopho Keyboard, Clavia Micromodular, Behringer Model D Synthesizer, Emu Vintage Keys Plus, Roland Strings, Waldorf Streichfett, Korg SQL Sequencer... 



A pesar de que es imposible no acordarse de Florian Fricke en un título como "Das Totenamt - Sermon des Feuers", corte que abre el disco, es TANGERINE DREAM y su Alpha Centauri lo siguiente que se me viene a la cabeza. Lo pastoral de lo acústico aquí se sustituye por lo electrónico, pero la forma de abordar las acuosas melodías mediante soundscapes cuasi religiosos es deudora sin duda de POPOL VUH, al menos en esencia. Se toman su tiempo ambos músicos en abrir el tema, y no es hasta el minuto 5 que los sincopados ritmos tan característicos de gente como Jarre o Vangelis hacen acto de presencia. 

Los vibrafónicos toques percusivos, las flotantes melodías cantarinas y los múltiples adornos hablan de dos maestros a los sintetizadores. 30 minutos de instrospección que en las partes más oscuras recuerdan al primer Schulze, pero que lejos de plantearse como mera copia/homenaje, se dilucida como obra fresca y personal en la que ambos músicos juegan en el mismo equipo y asaltan tu mente como un tajo de  mandoble a cuatro manos. 


Si el planeta que estamos explorando parece árido, no así son las maravillosas melodías secuenciadas que se bordan mediante punto francés, nudos de posta Kraut, eslabones de cadeneta Floydiana, ZizgZag a lo Brian Eno y minimalismo expresivo en puntadas de realce pseudobailable a lo THE ORB. Si el tema fuera un capullo en flor, podríamos decir que es a partir del minuto 14 cuando se abre en dos frentes en los que un Miguel A. Ruiz y Giron dialogan en partes diferenciadas que se van trenzando en un extrañísimo juego de PingPong. Un etéreo sampler entra por el cuadro de mandos y cuando el tramo final entra en terrenos del Albedo 0,39 tengo ya tantas ondas alfa en el cerebro que me voy al centro de donación más cercano antes de que la hidrocefalia de felicidad que me está invadiendo estalle como un perverso grano en un agujero negro.

Especialmente reveladores se tornan los minutos finales con una dosis de improvisación (creo) muy abstracta y subyugante que por momentos roza lo Industrial y el Noise.

"Chroniken des Lichts - Was der Donner Sagte" es la segunda parte de Wüste Land y lleva al límite de lo desconocido al Berlín Astral. Ya no sé si estoy contemplando la negrura del cosmos o estoy dentro de una sonda de colonoscopia y lo que creo son estrellas en realidad son bulbos cancerígenos fosforescentes. Los toques Ambient se funden con los pulsos Kraut (escúchese Phaedra y Rubycon por ejemplo) en una masa flotante de una tranquilidad pasmosa (estamos en el minuto 6 o así) y si crees que esto es electrónica sencilla te invito a apagar las luces y ponerte los auriculares.


A pesar de mostrar la faceta más sombría de ZYTOSPACE con respecto al corte anterior, "Chroniken..." está cargado de filigranas de índole progresiva, a veces asomos orientales, otras simples soundscapes atmosféricos, que en suma dan la sensación de estar vagando por un pasaje yermo. Menos cinético y más flotante, influencias del Ambient House de THE ORB incluso (sin llegar al Dub, claro), no puedo más que recomendarte Wüste Land si te van estos estilos.

Como mezclar la espiritualidad sonora en Herzog con una nana atávica y profana para dormir los planetas.

"Me senté en la orilla
a pescar, con la árida llanura a mi espalda
¿Pondré por lo menos orden en mis tierras?
El Puente de Londres está cayendo cayendo cayendo
Poi s'ascose nel foco che gli affina
Quando fiam uti chelidon —Oh, golondrina, golondrina
Le Prince d'Aquitaine à la tour abolie
Estos fragmentos han sostenido mis ruinas
Why then Ile fit you. Hieronymo's mad againe.
Datta. Dayadhwam. Damyata.
Shantih shantih shantih". T.S. ELIOT

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miércoles, 10 de julio de 2019

EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS... PARTE 5


EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS... PARTE 4
PYRAMID - "Pyramid" (MENTAL EXPERIENCE, 2018)


++En anteriores entregas de El Extraño Episodio de 
Pyramid Records... parte 1parte 2parte 3, parte 4++

36 maravillosos minutos recuperados para la ocasión por MENTAL EXPERIENCE (GUERSSEN) y siguiendo la línea argumental de los trabajos editados bajo el auspicio de THE MAD TWIDDLER (TOBY ROBINSON)

Supuestamente grabado entre 1975/1975 pero escondida la grabación como los Pergaminos de Qumrán hasta que se exhumara en 1997 por Psi-Fi (os recomiendo leeros los artículos anteriores para enteraros del asunto), estamos ante una triposa y alucinante suite de Kraut psicodélico en su máxima expresión... guitarras soñadoras, sintes cargadísimos de electricidad y mellotrones subrayando el cuadro de mandos.


Las sospechas, las mismas. Se cree que se trata de un producto proveniente de UK, concretamente proyecto de músicos de la banda de SUN DIAL, o al menos es lo que se rumorea por ahí. El caso es que en espíritu parece conectarse con el Kraut pastoral de los primeros POPOL VUH, GILA o los COSMIC JOKERS, pero sí que es verdad que el espíritu Kosmische parece mezclarse con otros elementos propios del progresivo y de la Neo Psicodelia inglesa. 

Desde el brutal inicio cargadísimo de sintes y aroma a PINK FLOYD, "Dawn Defender" es una delicia atemporal, que flota en el ambiente con una sutileza que barre cualquier duda que pueda tener sobre el origen de estas grabaciones y me la sustituye por un sano vacío mental, contexto perfecto y genuino con el que ser cómplice de este maravilloso disco de música cósmica, progresiva y evocadora. Cierto es que la producción tiene algo de británico por mucho que se hable de que esté grabado en Colonia, y la forma de desarrollar esos ambientales soundscapes con la guitarra me recuerdan muchísimo a gloriosas figuras de la psicodelia que cohabitan en el sello EL PARAISO RECORDS, SULATRON o TRANSUBSTANS


Dicho de otro modo, lo mismo puede recordarte a una Jam perdida de AGITATION FREE que los ORESUND SPACE COLLECTIVE o FIRST BAND FROM OUTER SPACE. Los meditativos riffs de guitarra cargados de wah wah, acusosos y con mucho filtro Lo Fi son un caleidoscópico mandala musical que lo cubre todo, apoyándose el conjunto en las percusiones suaves pero efectivas y unas muy trabajadas líneas de bajo.

El resto, teclados y más teclados formando una brutal, abigarrada maraña espacial de alto octanaje. Si no viajas con esto es que estás muerto. Para la edición de MENTAL EXPERIENCE se han remasterizado las cintas originales y añadido un inserto con texto del mítico ALAN FREEMAN (THE CRACK IN THE COSMIC EGG y ULTIMA THULE).

Imprescindible Oopart.

PREMATURE BURIAL - "ANTIHUMAN" (SELFMADEGOD RECORDS, 2019)


El bestial, sincopado "Back To Zero" es el arranque del debut de PREMATURE BURIAL, que pone las coordenadas de cómo va a sonar Antihuman en sus gloriosos 46 minutos de metal de vieja escuela. La edición en CD es del sello Polaco SELFMADEGOD excepto para Méjico y Sudamérica que se encargará VOMIT RECORDS... además, y como mandan los cánones de hoy día, pronto tendremos cassete (en Japón por Home-Dubbed Junks y en UK por At War With False Noise) y una posible edición en vinilo. El diseño de portada, artwork y demás, correcto sin muchos aspavientos (by NOR PREGO).

JM DOPICO (DISHAMMER, MACHETAZO, BODYBAG y muchísimos otros) a cargo de todos los instrumentos salvo algunas aportaciones de Francisco Liaño (guitarra rítmica) y Óscar Dafonte (solos de guitarra) como protagonistas de un producto que funciona sin trampa ni cartón como lo que es, un álbum que recoge la gloria del Speed/Thrash de mediados de los 80 para recrudecerse en algunos puntos con una soberbia mezcla de tres elementos a mi parecer: MOTORHEAD, VENOM y CELTIC FROST

Así transitan por tanto "Oceanic Burial Ground" y "Alpha Wolf in No Man's Land", ambos con un tempo rápido (sin llegar a las cotas de la velocidad de la luz de RAVEN, pero sí con el Groove de ENTOMBED por ejemplo). Hace acto de presencia el Heavy Doom en la fantástica "Temperance I / Tombchild", con riffs de guitarra a caballo entre los primerísimos (primerísimos me refiero a su primer disco) ELECTRIC WIZARD y el Proto Doom americano de TROUBLE, THE OBSESSED y PENTAGRAM


Al tratarse de un disco grabado sin Overdubs, Triggers y efectos de ese tipo, la sensación de espontaneidad y directo se masca a la perfección, cosa que le sienta muy bien al espíritu "necro" de PREMATURE BURIAL. Una atmosférica intro percusiva, básica pero sumamente efectiva se une a las distorsiones de una guitarra en modo Lo Fi. Así da comienzo "Temperance II / Reptile Eyes", demostrándome que los discos de un sólo instrumentista no tienen que ser aburridos. Lo que hace que Antihuman funcione son los temas (afortunadamente los virtuosismos no tienen cabida aquí, y eso es muy de agradecer), que están muy trabajados y se te meten en la cabeza con su arrastrar thrashero y la infecciosa voz semigutural de Dopico, claramente cruce entre Tom G. Warrior y Lemmy, para que os hagáis una idea.


Si tuviera que quedarme con un sólo corte del disco sería "Condemned To The Twiligh Zone" y su épico riff de guitarra, que aparece y desaparece dentro de un compost que recuerda muchísimo a la forma de desarrollar los temas de KILLING JOKE. Aquí no hay Post Punk per se, pero esa sucia y alquitranada forma de conectar el Thrash con el Punk marcó época, y cuando se ralentiza a niveles de metrónomo enfermo, se me ponen los vellos de punta. Puede parecer una comparativa algo traída por los pelos, pero sería como si los suecos ALASTIS hubieran grabado un disco Pop... o como si a TREPONEM PAL les hubiesen robado los instrumentos con los que hacían electrónica.

"Creator and Destroyer" se abre con un amago de Throat Singing que siempre sienta bien como elemento ambiental. Luego, puro Speed Thrash que pueden recordarte tanto a la escena europea como a la americana, todo dependiendo de cuáles sean los dioses de cabecera que condicionen tu psique. Yo por mi parte, me arriesgo y digo que la simpleza acre de este corte exuda VENOM por todos lados, aunque los CELTIC FROST de Morbid Tales son otra opción (hasta escucho un "uhhh" por ahí!!). Por cierto, que en algunos puntos del disco la combinación bajo/batería adquiere connotaciones agresivas a lo SLAYER que sientan de lujo. 

Los amantes de la vieja escuela van a disfrutar de lo lindo. Ya sea con el pegadizo desarrollo de "G'Mork Rising" y sus aires a METALLICA, SODOM o incluso el Black nórdico en su faceta primitiva  (fantásticas voces susurradas) a esa rendición al Heavy de toda la vida que es "The Grave Song". Para finiquitar "Seekers Of The Truth",  versión de CRO-MAGS pasada por el filtro de la NEW WAVE OF BRITISH HEAVY METAL (o algo así).

Muy buen regusto a coñac ennegrecido. Placer al paladar cuando recuerdas sabores que ya creías extinguidos. No es revival, es un muy buen disco de Heavy Thrash de toda la vida.


martes, 9 de julio de 2019

MISA TRIDENTE - "IUCIDIUM" (LENDT RECORDS, 2019)


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Hace poco más de un año, me quedé patidifuso con el debut Año 0 de MISA TRIDENTE, Split con MAAURGE y que reseñé aquí. La enorme paleta expresiva detrás de proyectos relacionados como BUIO MONDO, MONO CANÍBAL, y alguno más del que no puedo soltar prenda tendrían que estar poniendo sobre aviso a la literatura musical oficial, si es que existe algo así como ojeadores (en este caso, orejadores de talentos emergentes). Tuve el placer de escuchar en primicia la grabación, e incluso escribir alguna frase promocional sobre el disco, pero nada de ello hace justicia a las sensaciones a flor de piel de estos 40 minutos de puro y duro ascenso apócrifo a través de un Ano Divino. 

Una escalada Sacra con los pies descalzos a modo de Vía Crucis por unos intestinos putrefactos; pies que resbalan por la mucosa pero que firmes, inexorables, siguen los recovecos y pliegues laberínticos de lo Cecal. Esa sensación anti peristáltica, ese duro acontecer del anti-parto son perfectamente atribuibles al cariz ritual de la música de MISA TRIDENTE, que con una soberbia maestría marca los tiempos a la perfección. El fin es el principio, solo cambia el orificio por el que entras o sales.


Edita LENDT en una edición que para mi gusto deja mucho que desear en cuanto al digipack y el cdr; ojo, el diseño de MANUEL CANTERO es perfecto, pero que me corten en transversal con un cútter si esto no estaría de lujo con un troquelado en un A5. No digo que el formato esté mal, pero ahora que está agotado una reedición más acorde (los dineros mandan, claro) y con algo más de lujo sería un puntazo. Digo esto del lujo porque el Dark Ambient, el Ritual Noise y estilos afines siempre se ha caracterizado por rizar el rizo en cuanto a los formatos, y Iucidium, que entra en mi ranking particular de lo mejor del año, merece algo más trabajado en cuanto a papel, formato y esas cosas. Este es el único punto negativo que le puedo poner a un disco que me ha volado la cabeza, y voy a meterme de lleno con la música.

Voz y coros de ISABEL SIERRAS y DRUGOD, y la fantástica aportación de violín eléctrico de MIGUEL PALOU (aka DOCE FUEGOS), crean una amalgama tensa (solve et coagula) de discurrir arrastrado y lento. Percusiones marciales, procesionarias y de índole funesta adornan unas subidas y bajadas marcadas a fuego por acoples de guitarras y teclados, ecos y las homilías fantásticas de las voces, tanto en segundo plano en las partes más ambientales y tranquilas como en modo proclama.

Lejos de proyectos Noise sin sentido, MISA TRIDENTE busca la melodía y lo lírico, como ese fantástico motivo religioso alrededor del minuto 24 que pone los vellos de punta. Mitad coros gregorianos, mitad dádiva copta, se me pone la piel de gallina con ese minimalismo electrónico y fusión de voces femeninas, lo barroco del violín y mil una capas que desafían al oyente. La producción ni limpia ni sucia ayuda al conjunto, y esas notas de piano que parecen sacadas de cualquier grabación perdida de JACULA no son de este mundo. También podría establecerse paralelismos con AGHAST o con ese submundo francés de ELEND, pero eso lo dejo a vuestro arbitrio. 


Medios oficiales dirán cinematográfico, yo te digo que esto suena a buceo por la España de los ritos perdidos, de las mascaradas Leonesas, de los cuentos contados a la lumbre, de los miedos ancestrales al poder del Dogma... el dogma como elemento opresor y aniquilador de la psique en una población muerta de hambre y al límite. MISA TRIDENTE como vómito negro de estrellas que brillaron en los cielos cuando los hermanos se volvieron contra hermanos, vómito negro de estrellas que ya no están en el firmamento pero que otrora iluminaron los segados campos bañados en sangre. 

Biblias de carbón que se deshacen nada más tocarlas porque el mito es el poder que subyuga. Fuegos apagados con agua bendita ponzoñosa y besamanos infecto de sotanas rígidas como rígida queda la tela empapada de esperma. 

Como una grabación de campo en Garabandal mezclado con un soundscape de SUNNO))), MISA TRIDENTE ha grabado un clásico, para mí disco una de las grabaciones del año, y que merece una edición mejor. Es impresionante la cantidad de agrupaciones clónicas que salen en este país con vinilo bajo el brazo, e impresionante también la cantidad de músicos que luchan contracorriente sacando auténticas joyas como esta. 

Otra prueba de ello la tendríais con DOCE FUEGOS (entrevista aquí), que ya tendría que estar en boca de todos y todas... pero oigan, hace mucho que aquí se vende el pescado en subastas de lonja. 


viernes, 5 de julio de 2019

JAVIER PIÑANGO - "I.R. REAL NUEVE" (AUDIOTALAIA ATP011, 2019)


I.R. REAL NUEVE de JAVIER PIÑANGO, es un (personal e intrasnferible) cuaderno de campo de investigación sonora plagado de esbozos, apuntes y esquemas de una Alpujarra Psíquica que nos atrapa en sus, ahora sinusoidales, luego serradas, formas de sentir, pulir y amortajar el ruido. Álbum de fotografías que suenan, textos que parecen escritura automática tras pasar por un Diván Psiquiátrico con olor a algarroba, cosecha de verduras estivales y tierra removida. 

Y digo amortajar porque la sensación que tengo a menudo con estos discos es la de que estoy llenando orificios de mi cuerpo con estropajo metálico mojado en alcanfor líquido. El Korg MS20 de PIÑANGO es una Gónada Industrial que emula vida a partir de vibraciones que no están atadas a algo material. Soliloquios de efectos, objetos y vibraciones que en más de una ocasión parecen cercanas a meter un micrófono en una cubeta de sosa cáustica en la que se estuviese fabricando jabón o cal para volver a dar vida a esas viejas paredes rurales.

Nos habla el autor de un exilio (y por ende autoexilio) que se nos torna críptico en los textos que acompañan la fabulosa edición de AUDIOTALAIA en formato A5 (diseño y edición de EDU COMELLES), papel verjurado gris oscuro, solapa de papel Kraft con cubiertas de gomaespuma tan agradables al tacto que se ejerce una curiosa  comunión (o sinapsis) muy sutil entre lo barroco del ruido que sale por los altavoces y la placentera sensación de caricia cuando tengo el libreto entre las manos.


Otro tema sería lo hermético del producto y es que cual Alan Turing de las reseñas, uno se ve en una peligrosa tesitura de voyeur extraño para intentar dilucidar qué diablos trata de contarnos su autor. Intentar abrir una psique mediante otra es inútil, y a veces lo mejor es dejarse arropar por los efluvios y por lo sugerente para captar no el todo de una obra, pero sí lo que nos sugiere en su aquí y ahora. 

Dicho de otro modo, I.R. REAL NUEVE son fotografias tan personales que sólo con el código de lo impersonal seremos capaces de entenderlas. Y amigos y amigas, el código de lo impersonal en mi pueblo es "dejarse llevar". Desnudarnos física y psíquicamente para ser golpeados y empalados por un sonido orgánico y denso que nos toquetea, moldea, mastica y regurgita en una masa de entendimiento abstracto que nada necesita de explicaciones vacuas.

Dividido en dos mitades casi simétricas, los primeros 4 cortes hablan de un exilio (sin condena, en consecuencia, sentenciado por la mugre...) que cae hacia un paisaje que parece estar en vías de desaparición no física sino como imagen o recuerdo. Exilio mental dice PIÑANGO en esta maravillosa reflexión: "es caída, es tiempo de caída, es exilio mental de grifo abierto hacia el sumidero que espera silencioso allá abajo...".

++++++++++ EXILIO: "via crucis invertido, golpeándose ondas contra más ondas y todas ellas contra el suelo hecho de rietas y contra alguna clase de techo invisible más allá de los tres mil metros...".

Así pues, "Exilio Ocho Abismo" es agua eléctrica golpeando contra caliza abrasada por el sol mientras se masturban miles de chicharras bajo el inclemente sol.


Si tuviera que comparar esto con algo, así y a bote pronto sin pensar demasiado diría que hay algo de la ominosa capa industrial del sonido del grandísimo ALAN SPLET en ERASERHEAD. Un pulso del Korg que se engalana de multitud de efectos que cubren todo el espectro del sonido, desde lo subsónico hasta los motivos más agudos y la sensación constante de estar metido en un sueño o un recuerdo que lejos de detenerse, muta en diversas fases de la que "Exilio Sima Ingravidez" es la flotante fase REM.

Es la parte más espacial de la música de un PIÑANGO que lleva su sintetizador a un Tour de Force; límite de posibilidades expresivas casi alienígenas como esas desasosegantes irrupciones (aportes en el mundo espiritista) de cariz percusivo ("encrucijada ingrávida con la galaxia rodeando al astronauta percutido por el pedregal de asteroides"...). Más electroacústico que otros discos suyos, I.R. REAL NUEVE juega con el sabio engaño de imitar lo natural (engañar al oyente) mediante el tratamiento y procesado maestro del sonido, que incluso se permite una especie de lírico acercamiento a la melodía en su tramo final gracias a un épico y mantenido fundido Drone.

Continúa la caída con la unción especial de "Exilio Tierra Aceite", más ritual y metido en el Dark Ambient y por lo tanto oscurísimo en su desarrollo. Un mar eléctrico invariable de fondo al que se suman imitaciones pseudoantropomórficas de vida en forma de retro futurismo arcade e infinidad de detalles de electroacústica sin alma ("el sonido, el jodido sonido que todo lo dispara, es kamikaze, se lanza, Alpujarra mental abajo, destinado a estrellar decibelios contra la alambrada final en esta quién sabe si huida o retorno"...).


Para cerrar la primera parte, "Exilio Interior Saeta"; 15 minutos de angustia en la que parecen captarse atisbos de voces que nunca se articulan del todo (se amputan nada más salir a la superficie), una nota subliminal en Do en modo eterno que se va moviendo con la rapidez del aceite que se derrama (al fondo), y los constantes ataques de una deformada saeta procedente de otro planeta ("el canto que se oye desde el otro lado es el de una guerra civil que emite sífilis sónica"...). Impagable el clímax final en un largo fade out que adquiere tintes de Kosmische.

++++++++++ AUTOEXILIO: "el presentimiento del ajuste de cuentas es ya un acto decidido de supervivencia animal...".

"Autoexilio Caldera Oscilación" es el lado salvaje de PIÑANGO. Sin concesiones, abstracto hasta la médula; un asalto frontal de orfebrería oxidada sin la más mínima piedad hacia el oyente. Con algo de los primerísimos ESPLENDOR GEOMÉTRICO, el madrileño se recrea en una obsesiva y negra Muzak de la que sólo sales cuando él escarba una salida en la pétrea maraña tejida. Los jugueteos del Korg no buscan tu complicidad sino atraparte; amagos de juguetonas melodías son trampantojos existenciales que te borran la sonrisa de la cara en un instante ("desde la gasolinera del alma negra, surtidor de audioespectros, va manando el vocerío que zancadilleará a torpes aprendices de la insipidez abultada, lánguida, un trapecio de trapecista desintegrándose sin red a la que encomendarse"...).


"Autoexilio Filtro Ebriedad" es sin embargo más meditativa. Burbujeante y circular, como la saliva en la comisura del ajusticiado a garrote vil, la sensación general es la de estar en una audición de motores y turbinas ciclópeos en un pabellón  gigantesco que se abriera al mismo cosmos ("trazando un sindios de órbita..."). Un punto de fuga que lo draga todo inexorablemente.

Con algo de música minimalista y Concrete llega a continuación "Autoexilio Radiografía Cosmos", o lo que es lo mismo, la kosmische vista desde el punto de vista del Noise. Motivos Wagnerianos intentan respirar en la maraña siempre cambiante en un Korg MS-20 demasiado encabronado para que pueda respirarse a su alrededor. Un etéreo dial de radio que sintoniza estados de ánimo ("cosmos reconvertido en frenética factoría, o mejor dicho, en tajo de albañiles que auscultan tórax y abdomen de la iberia tenebrosa y la sitúan a continuación ladrillo a ladrillo en el extrarradio del mapa cósmico...").

Pero si tengo que quedarme con algo, sin duda serán los 18 minutos alucinantes de "Autoexilio Nueve Superficie", difíciles de definir, pero que para mí son la sublimación de todo lo anterior mediante un corte épico, magnético y con una fuerza enorme. Un martillo industrial anti supercherías que va desplazándose en un glorioso via crucis con mini etapas meditacionales de timbre orientalizante y que se va enrevesando como un perverso mandala sin salida.

Sólo por este final ya merece la pena su adquisición. Si las estrellas meditan y piensan, "Autoexilio Nueve Superficie" es fiel reflejo de sus oraciones.



jueves, 27 de junio de 2019

ORFEON GAGARIN - "VOCES A 45 RPM" (GEOMETRIK/MUNSTER, 2019)... UNA ENTREVISTA, UNA RESEÑA, UNA ORACIÓN...


«¿Vienes del espacio exterior?», preguntó la anciana. «Ciertamente, sí. Pero no se alarme, soy soviético»

****** //// PRIMERA VOZ ++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++

Hace unos meses reseñé la fantástica reedición de toda una obra de culto como es el homónimo disco de ORFEON GAGARIN que se editase en 1986. Aquí podéis repasar el texto y poneros en contexto de qué, cómo y quién (por qué también) es MIGUEL A. RUIZ pionero músico de electrónica, noise, industrial y lo que queráis, y parte integrante de la cultura del Tape Trading con su TORACIC TAPES en los 80. 

Al final de la reseña incluyo una entrevista con Miguel Angel en la que podéis conocer mejor a este insigne bastión de la electrónica (germano) cañí, si es que no lo conocíais de antes (o de siempre).

Voces a 45 rpm, nuevo disco bajo el concepto ORFEON GAGARIN, desde ya es un clásico en lo que a electrónica avanzada se refiere. Séptimo trabajo como tal, el anterior data nada más y nada menos que de 1994 (Contestación Capilar). La edición de GEOMETRIK (en colaboración con MUNSTER) en precioso vinilo con sugerente portada (a Gagarin le puedes poner lo que sea que le queda bien al tipo, que viene a ser como un PhotoCall ancestral y atávico de la Vieja Rusia), con 250 copias en vinilo blanco esperma y otras 100 copias que pueden pedirse al sello ROTOR si quieres conseguir el CDR exclusivo con temas que han quedado fuera del LP. Artwork cómo no de ALONSO URBANOS.


Yo, que soy más chulo que un ocho tendido, o lo que es lo mismo, el signo del infinito, he conseguido mediante estratagemas innobles los temas de la edición especial (Miguel Angel ha tenido la amabilidad cósmica de regalarme el vinilo) para poderos traer aquí la reseña in extremis de todo el corpus que contiene Voces a 45 rpm

Aprovecho para invocar mediante malas artes a alguien de Geometrik, Munster o Rotor que me pudiera suministrar el dichoso Cdr (previo pago, claro, que alguna copia quizás haya quedado de más o vete a saber) que para mi gusto, y tras darle un montón de pasadas, es una adición IMPRESCINDIBLE al disco y un error haberlo dejado al margen o limitado a tan pocas copias (lo siento pero es demasiado bueno para perderse hasta que alguien vuelva a reeditar esto dentro de 25 años).

Tened en cuenta el tema de las reediciones de estas obras; acabo de conseguir Neumotórax S.XX de 1988 no en su cassette original, que se cotiza bastante, sino una ultralimitada edición del sello italiano Menstrual Recordings en CDR y que pasaría por una serie de problemas de prensaje que hizo que lo que iba a ser un cd de un color acabaría transformándose en otro por problemas de stock (una historia larga). O sea, que el material que contiene el dichoso CDR de Voces a 45 rpm bien podría rellenar un 10" o algo.... y ahí lo dejo.


"I see no God up here."

******//// SEGUNDA VOZ +++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++

Vale, pero... ¿a qué suena el disco?. Pues es una pregunta harto difícil. Cuando te enfrentas a un disco de ORFEON GAGARIN puede ocurrir de todo y según mi humilde opinión, su cuerpo musical está más unido a los pioneros alemanes de la Kosmische que a otra cosa. Así, y a modo de resumen, Voces a 45 rpm es el disco que CAN habrían grabado si hubieran prescindido del rock... es decir, es un compost multiétnico, poliédrico y camaleónico que recuerda a esa extraña forma de componer y tratar la música que tenían los de Colonia. 

Dicho de otra forma, si coges CAN hasta Landed y los cuelas en un tamiz musical hasta despojarlos de la rabia visceral que se gastaban, lo que queda es un pulso vibrátil de electrónica selvática, Dub infecto contagioso (hay un regusto jamaicano, funk y bailable siempre ahí latiendo) y algo que en definitiva puede extenderse al corpus musical de Irmin Schmidt. Todo ello puede escucharse en esos arabescos extraños de "Para Comprender el Átomo", que a pesar del aire retrofuturista que exhala, no se ancla en ningún lugar en particular.

Melodías cargadas de complejidad, entrecortadas y con regusto a las virguerías que haría Lee Perry en su estudio, como en ese imposible y pegadizo inicio de teclados en "Un Hublot Pour Voir La Terre", suerte de ciencia ficción utópica que se te pega al paladar. Electrospace franchute mezclado con ese momento mágico en el que los alemanes dieron el paso de lo abstracto a lo melódico (véase KLUSTER a CLUSTER y por ende a todo lo que haría luego CONRAD SCHNITZLER). Mezclada con la melodía un fantástico sampler a lo MICHEL MAGNE o PATRICK VIAN


Alucinante es poco, y siguen maravillas como "Carbono 14" en modo banda sonora de la carrera espacial Africana (no sé si existe algo semejante, lo siento); un hit que puede bailarse en cualquier estación espacial acondicionada para ello. Juraría que si se usara una trompeta con sordina electrificada, podría meter a "Electrolytic Godspell" en el FourthWorld de JOHN HASSELL. Una sibilina melodía que parece salir de un sintetizador efervescente que se estuviese metiendo en agua. Una presencia bastante importante de bajos en el espectro subsónico del sonido hacen que me vibren los carrillos como si estuviese ingiriendo cantidades industriales de Peta Zetas.

Otra de las cualidades de la música de ORFEON GAGARIN es que a veces parece provenir de una radio fuera del tiempo. Así es en "Interpentecostal Headling", con aroma a Electro Gospel sin voces pero igualmente devocional, contrastando con esos arrebatos cuasi Techno de "Capri Horses In Pal Secam", rebozada en capas y capas de secuenciadores, loops y frenéticos ritmos que se van acelerando cada vez más.

El final del vinilo es de órdago. Desde el cabaret político anafiláctico de "Instrumentos Básicos (Live Version)", que rezuma años 90 por todos lados (al menos recuerda mucho a esa forma de despuntar del avantgarde electrónico y a la manipulación de cintas o Tape Collage) a "Kranken Cafe", que vuelve a coger el testigo sonoro del inicio del disco en cuanto a espíritu Reggae y Dub electrónico, con bases de drum and bass a la turca como MERCAN DEDE o los siempre olvidados motivos étnicos de DISSIDENTEN.

"Torres Quevedo" finiquita con regusto a ESPLENDOR GEOMÉTRICO época melillense pero sin Noise de por medio. Fastuoso, sorprendente siempre ORFEON GAGARIN en uno de los discos imprescindibles del año.

"When they saw me in my space suit and the parachute dragging alongside as I walked, they started to back away in fear. I told them, don't be afraid, I am a Soviet like you, who has descended from space and I must find a telephone to call Moscow!"

****** ////TERCERA VOZ +++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++

El Cd de la edición especial que se vende en ROTOR incluye en abstracto y cinematográfico tema "Looking For My Catholic Bible", que contiene uno de los más fabulosos usos de un sampler que he oído. Un corte magnético... que se pega al tronco del encéfalo gracias a unas bases percusivas repetitivas y mágicos efluvios retroespaciales. Tiene todo el sabor de la España cerrada con olor a zotal, alcanfor y la presencia siempre implacable del Lepisma en un papel amarillento; entiendo que por longitud y por no ser tan experimental no se haya incluido, pero para mi gusto, es un Hit de la Hostia.

Sigue "Ars Mutiland" en clave Industrial y con algo de Dark Wave ahí pululando. El sonido es más básico/crudo (no sé si Demo), contrastando con la más sofisticada y espacial "Lucarpian Little Prawns". Siete minutos de electrónica planeadora, ambiental y con toques de minimalismo concreto o lo que es lo mismo, una imposible mezcla entre NEURONIUM y JOHN CAGE. ¿Recordáis esas películas españolas donde el protagonista o la protagonista se ponía a hablar con Dios en una especie de diálogo redentor?. Sonaba un sintetizador  llorón básico de fondo (bíblico pero con toques a copla andaluza)... pues algo de esto suena al final.

Glorioso también es la sístole/diástole eterna, navajera en "Horas Complicadas", banda sonora bastarda del cine Kinki en el futuro. 

Poco más que añadir. Os dejo con una entrevista con el gran MIGUEL ÁNGEL RUIZ:

«Наджейда!»

******//// VOZ EN OFF +++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++

Lo primero es agradecerte que accedas a responder un pequeño cuestionario para un medio tan pequeño como es LA MUERTE TENÍA UN BLOG. Me voy inevitablemente a los años 80 e intento dilucidar quién es Miguel Angel Ruiz, de dónde sale, qué instrumentos tiene y cuá es la situación de la escena electrónica en esos primeros tiempos de Toracic Tapes. ¿Puedes hacerme una especie de currículum vitae tuyo y de la escena que nos ponga en contexto?.

Vengo del futuro y he venido a salvar la corteza terrestre. No, ahora en serio, soy un tipo normal, con ojos, boca y dos manos con las cuales me gusta retorcer potenciómetros…, conocí el sintetizador a primeros de los años 80 y desde entonces tengo fascinación por ellos ya que tienen algo de dos cosas que me gustan: emiten sonido y tienen cierta aura mística y de religiosidad alienígena, pues de siempre los he asociado a la comunicación y la posibilidad de otros mundos. 

También influye el hecho de que presencié muchas películas de serie B de tema fantástico. Comencé con instrumentos prestados y con pocos medios, con el tiempo he podido reunir más herramientas, ya que para mí es fundamental el poder contar con una paleta amplia de sonidos, a modo de un El Bosco hecho con pinceladas sónicas y en medio de texturas imposibles. Por eso no me he limitado a los aparatos analógicos, como ahora mucha gente suele venerar, he usado y procuro usar los más diversos útiles, en mi primera cassette hacia 1981 utilicé exclusivamente una radio con la cual no podía prácticamente sintonizar nada audible por lo que grabé extraños pitidos y mantos uniformes de ruido, a modo de primario sintetizador; en aquella época la tecnología era bastante costosa comparado a la actualidad. 

Otra radio que tuve fue conectada con un adaptador inadecuado por lo que emitió un zumbido, que combinado con las interferencias provocadas por una afeitadora paterna, diese lugar a una cacofonía de ruido extremo, que ahora bien podría calificarse como “música industrial”, entonces era simplemente “algo parecido” a lo que escuchaba en viejos vinilos de “musique concrète” ó electrónica al estilo Telemusik de Stockhausen. 

Luis Mesa fue el primer artista al que conocí, por medio de un programa en Radio 3 que dirigía Jose Miguel López dedicado a la música experimental casera, “Club del Ruido” creo que se llamaba. Con Luis grabé como Técnica Material,  y dimos un memorable concierto muy extremo en Puertollano de la mano de Marcelo Expósito, que entonces dirigía el fanzine Necronomicon. Por medio de él y de Luis conocí mucha escena experimental de la época, también por medio de Francisco Felipe, que residía muy cerca de mi casa, que en ese momento estaba enfrascado en las cintas de cassette sin fin y en las instalaciones con sonido abrupto, brezo seco y manipulaciones de cinta con voces, loops con sonidos de piano, etc. 

Sin duda ellos no estaban en mi misma onda sino en una órbita paralela pero de aquellos encuentros fueron sin duda fructíferos. Después cree mi propio sello de cassettes Toracic Tapes para publicar “ORFEON GAGARIN”, tras investigar con mi equipo recién adquirido Korg y otros cachivaches como un Commodore 64, un cartucho de sonidos de percusión para Spectrum y experimentar con magnetofones viejos y micrófonos de saldo. 

Después vinieron muchas más cassettes y conocí a otros músicos, como Markus Breuss (quien me introdujo en la escena free jazz, funk americano, etc),  Francisco López, Siegmar Fricke), Juan Teruel (que creó su sello Uvegraf), Juan Monreal (a.k.a.Proletkult), entre otros. El haber sido publicado por el sello primigenio de Asmus Tietchens fue una de las grandes sorpresas de mi carrera. 

Y de entonces a la actualidad, a través de un océano de experiencias y de vicisitudes varias. 

(then)

Antes de meternos en faena con tu nuevo disco de ORFEÓN GAGARIN, quisiera seguir buceando un poco por el pasado. Uno de los proyectos que menos conozco y que casi ni he escuchado son AMBULATORI SEGRETO donde tocabas junto a Siegmar Fricke y Stefano Barban. ¿Puedes contarme algo de este proyecto? ¿veremos algún día reediciones de todos estos trabajos… he de reconocer que sólo ver la portada de “Myxom Radiation” me pone los vellos de punta.

Eramos amigos y nos reuníamos periódicamente, unas veces en el norte de Italia, donde vivía Stefano, otras veces en el norte de Alemania, de donde Siegmar es originario. Era un proyecto poco ambicioso y el objetivo muchas veces era pasarlo bien. No obstante hay algunos logros, y si, estaría genial recuperar algunas de esas grabaciones.

Recientemente también publicas trabajo con Fricke…. De AMBULATORI SEGRETO a EFFICIENT REFINERIES, otro proyecto que se inicia en los 90 y del que ahora podemos disfrutar también “Terahertz”, el nuevo álbum. ¿Puedes hablarme algo de este EFFICIENT REFINERIES? ¿Qué te une a la escena alemana?. Has editado discos con DIETER MAUSON (“Mantis Predictor”), el propio FRICKE….

A Siegmar le conozco por una carta que envió a Andrés Noarbe en los años 80, dándose a conocer. Entablamos amistad y enseguida proyectamos posibles colaboraciones. Entonces Siegmar elaboraba una simpática música muy tecnológica pero arraigada en el pop alemán, cuando de siempre he escuchado a grupos alemanes entre mis preferencias. 

A lo largo de muchos años hemos continuado colaborando. Quizás “Terahertz” es la culminación de todo este esfuerzo, pues ha sido editado por el sello propiedad de Uwe Schmidt, un músico al que tanto Siegmar como yo tenemos muchísimo respeto y cariño. 

Con Dieter publiqué en Toracic “Mantis Predictor”, otro músico procedente del mundo del “pop” y con el cual tengo asimismo una gran amistad.

(now)

JUAN ANTONIO NIETO, FRANCISCO LÓPEZ, RAFAEL FLORES, JAVIER PIÑANGO, ANDRÉS NOARBE, JUAN TERUEL…. MIGUEL A. RUIZ…  ¿Quiénes son estos tipos tan raros que tienen nombre de película de MARIANO OZORES?.

Jaja, también Marinetti y Balilla Pratella tienen nombres que parecen sacados de una película neorrealista italiana.., Mariano Ozores no hizo música pero seguro que en su cabeza rondaba una música bastante surrealista también.., te puedo decir que conozco a todos personalmente y doy fe de que son buenos chicos..

Una de las cosas que resultan curiosas al repasar tu trayectoria es que parece gustarte colaborar con otros músicos (LUIS MESA, FRANCISCO LÓPEZ…). Es algo que llevas haciendo desde siempre y que continúas ahora con proyectos como DEKATRON III,  BUIO MONDO o GIRON. Concretamente me gustaría que me comentaras algo de esa nueva grabación con GIRON, “Zytospace”, más que nada porque creo que casáis bastente bien ambos con vuestra manera de entender la música planeadora.

Sí, es una especie de desafío a mí mismo, el que de un material ajeno combinado con el creado por mí dé lugar a una criatura potencialmente apartada de lo conocido. Como en un laboratorio químico impredecible. Creo que de todos los músicos que he conocido he aprendido algo, mi sed de saber es infinita. 

Con Tomás Girón data mi más reciente colaboración, coincidimos bastante en cuestiones musicales y ha sido realmente muy fluido trabajar con él. Gran parte del CD son sesiones grabadas en su estudio y reacondicionadas parcialmente en mi estudio, hay mucha improvisación al viejo estilo de la música planeadora de los 70, prescindiendo de ordenador (salvo en la postproducción) y con uso absoluto de hardware de muy diversos tipos.

ORFEON GAGARIN evoca misterios rusos del espacio. La música es melódica, sugerente y plagada de samplers. ¿Qué samplers usas en los trabajos de ORFEON GAGARIN?... lo digo porque el de “Looking For My Catholic Bible” es impresionante.

Esa muestra en concreto, junto a otras de semejante calibre, me la proporcionó el gran cineasta y amigo Velasco Broca. El gusta de buscar en extrañas emisoras de radio argumentos para sus fantasías oníricas. Siempre me ha encantado incorporar voces y elementos discordantes en mis temas. Quizá por mi empeño inconsciente de “cinematografiar” mis composiciones. 

Soy un fan de los 4 pistas de cassette y las grabadoras de mano, suelo viajar con algún aparato de estos. 


¿Cómo surge editar el disco en la insigne GEOMETRIK RECORDS?. No sé si te proponen primero grabar un disco o tú vas con el máster a que lo escuchen…

Conozco a Andrés Noarbe desde principios de los 80. Realmente es admirable como se ha mantenido desde aquellos años en el mundo de la música alternativa sin hacer ninguna concesión. 

Tu forma de tocar la Berlin School y la Kosmische me resulta muy fresca y novedosa. Se mezcla amablemente con muchísimos estilos. Lo mismo puedes invocar a los pioneros de la electrónica francesa que a los mismos de la escuela alemana. En tu último disco “Voces a 45 rpm” hay momentos en los que incluso rozas el Trance. ¿Qué puedes contarme sobre la gestación del álbum? ¿Partes de ideas preconcebidas o es un trabajo de improvisación?. Lo digo porque el disco está cargado de melodías, posibilidades y una inventiva encomiable. A día de hoy hay mucho ruidismo que se basa en hacer discos de una sóla nota o melodía y con un álbum tuyo parecen salir 400 de otros artistas… 

“Voces” está confeccionado a base de temas elaborados para actuaciones en directo en los últimos dos años. Es un repertorio con un componente visual (vídeo sincronizado) que no está evidentemente presente en el disco pero asimismo importante. Lo que dices del ruidismo, muchas veces es un recurso fácil, el ruido cubre todo el espectro sonoro y por consiguiente, redundan arreglos y otros recursos. Y eso que yo he hecho de todo desde los 80, ahora casi lo veo como algo anticuado. 

Por supuesto que hacer ruido innovador es muy difícil. Procuro no aburrirme con lo que hago y por eso busco nuevas vías, mezclas, ritmos y armonías imposibles…

Continuando lo anterior, te pregunto qué piensas de tanto nuevo artista electrónico en la escena. ¿Qué piensas de la resurrección del Neo Giallo (compositores imitando a artistas italianos), el Synth Pop Carpenteriano en boga y el Ruidismo puro y duro que hay en la península?. 

Me hace gracia, pues en los 90 era un género desprestigiado y ligado muchas veces a la música disco y a las bandas sonoras de películas porno…, Goblin por ejemplo es un grupo que he escuchado bastante, también me gusta el cine “giallo” y tal. Lo que hizo Carpenter era interesante pero no acabo de entender como hay gente que le imita tanto,  como cineasta le veo bastante mejor!.

(con GIRON)

Siguiendo con las soflamas rusas, ¿qué evoca en ti la figura de Gagarin? A día de hoy estamos asistiendo a una gran cantidad de películas que lo recuerdan, documentales o incluso libros. Los héroes rusos tienen una pátina de tragedia bastante marcada…

Si, me impresionó un documental que ví sobre su vida, de ser un héroe a nivel mundial pasó a ser un hombre con muchos problemas, alcohol, etc.., una tragedia. De chaval compré un libro gigantesco sobre él en una librería hispano rusa que existía en Madrid. Enseguida vi una conexión entre aquellas fotografías tintadas y los sonidos que comenzaba a elaborar en mi cuarto. 

Suelo encontrarme con muchos músicos que no escuchan música. No parecen estar al tanto de nada. ¿Es ese tu caso o todavía tienes la pasión melómana que pululaba en tu adolescencia?. Si es así, recomiéndame música tal y como si me la estuvieras grabando en una vieja cassette de TORACIC TAPES.

Reconozco no estar muy al tanto de lo que se cuece ahora. A veces repaso los catálogos de Rotor y tomo nota de cosas nuevas que me pueden interesar…, escucho siempre música pero normalmente es de otras épocas. Sobre todo a gente muy poco conocida , música para librería, sin ningún afán comercial, dando rienda suelta a su imaginación, recreando paisajes sonoros, documentales científicos o situaciones extrañas. 

Nunca he sido fan de la música anglosajona (exceptuando algunos grupos progresivos setenteros) ni de la new wave ni nada semejante. Me interesa más la música que se produjo en otros países europeos (Francia, Alemania, Italia, etc). 

Bueno Miguel, se me ocurren mil preguntas más pero creo que te dejaría exhausto y las cosas para que vivan tienen que guardar sus secretos. Te agradezco enormemente el esfuerzo y despídete con lo que quieras, proyectos de futuro, una poesía… es tu espacio.

Simplemente agradecer tu trabajo. Pues cada reseña que leo en tu blog es como un libro ameno y evocador. Que la fuerza te acompañe y la salud, compañero.



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miércoles, 26 de junio de 2019

The MIDNIGHT, The SEQUENCER and THE UGLY, PARTE 2, reseña All The Same Dream...


“La Ley de la Octava es el principio donde las matemáticas y la música tienen partes iguales, es aquella fórmula a través de la cual se pueden unir fórmulas astronómicas y musicales, matemática y música, hasta los colores, todo bajo un mismo denominador.” Herman Hesse, El Juego de los Abalorios.


He tenido una visión. En los entresijos que yacen entre el sueño y la vigilia, en el instante perpetuo del mundo hipnagógico, en el aquí y ahora de Khrisnamurti, en el segundo de Foucault, en el filo mismo del abismo... allí se me ha revelado una imagen; una imagen con cualidades plásticas pero intangibles, una suerte de bodegón neodadaísta de repercusiones ciclópeas y terroríficas. Un futuro del futuro que sueña el pasado con los mismos esquemas rígidos de pensamiento como si de un motivo Jungiano se tratara. La sombra de JUNG, lo atávico, quizás tiene forma de cadenas de Ceros y Unos entrelazados en una cadena de Adn que muta hacia lo digital prescindiendo de Polímeros superfluos.

El mundo, la existencia reducida a una gráfica de ordenadas y coordenadas. Todo, la vida, lo antropomórfico, el miedo, el amor... desplegado en hebras de irrealidad que no son más que números y fórmulas. Una etérea mancha cancerígena en la psique atávica del Ser que va creciendo como una metástasis divina... una metástasis que descompone la existencia y la degrada a un nivel Ballardiano, utópico, irreal y funesto.


El futuro, lo siento, está jodido. MIDNIGHT SEQUENCER coge el miedo y lo reformula en sonido. Existe en algún oxidado rincón del planeta una máquina de sonido perpetuo, estoy seguro. Un engranaje olvidado que se activó hace mucho tiempo (quizás con el primer soplo de la razón), y que desde entonces emite como un secuenciador eterno. El ser humano ultra tecnológico está abocado al fracaso y a la réplica. Todos el mismo patrón. Todos el mismo deseo... y todos el mismo sueño. 

La música de MIDNIGHT SEQUENCER, lejos de lo que pueda pensarse, no es aleatoria. Sigue patrones (mandalas de sonido) que se pueden representar en papel. Tiene un deje bailable, pero entiéndase baile como dádiva a lo divino, como comunión con la naturaleza última de las cosas. Los movimientos de putrefacción del cuerpo son la última danza; último baile íntimo e introspectivo (el baile lento) hacia la propia autofagocitación.


Se trata de un disco que funciona como un viaje. Particularmente, soy de la opinión de que el disco va creciendo con las escuchas y en cada pasada que le das descubres un nuevo detalle. Existe además un punto de no retorno en el álbum en el que se transforma el sonido para adquirir una pátina más sombría... es decir, se empieza en lugares conocidos y relativamente seguros, pero uno acaba perdiéndose en una selva tan amenazante como tomar café en un bar de Saigón en los años 70 a altas horas de la madrugada (y te limpiaras la roña de las uñas con una bayoneta).

Se parte de la espacial "Carbon Relic", de estructura aparentemente simple pero que se va desarrollando con la maestría que tenían los compositores clásicos electrónicos como JARRE, VANGELIS, o la etapa más posterior y melódica de TANGERINE DREAM. Primeras escuchas pueden hacerte pensar que estás atrapado dentro de un disco de SynthPop al uso, pero pronto la máscara cae y te das cuenta de que hay más de experimentación a la Berlinesa. 


Pero ojo, el entramado que sustenta All The Same Dream es la melodía repetida, secuencia hasta el infinito, pero al fin y al cabo melodía... se huye de la asfixiante mortaja de los primeros improvisadores alemanes (CANAXIS 5) para buscar el punto medio en una constante repetición del motivo principal que induce al trance. Otra forma de interpretarlo sería lo cinematográfico. "Carbon Relic" es como un breve Score de ciencia ficción definido en un conjunto de fotogramas, pero repetido hasta que pierdes pie; un trenzado de tres melodías que se repiten  en una arquitectura digital ad infinitum.

"Black & Chrome" y "Chemical Flashback" siguen la misma estructura pero con tempo superior, con base CARPENTERIANA (no puedo quitarme de la cabeza sus imposibles bandas sonoras para THE FOG, ASSAULT ON PRECINT 13 o ESCAPE FROM NEW YORK que tanto mal han hecho en mis neuronas. Mi masa cerebral está tunelada gracias a estas psicorragias de sintetizador que se disparan en ráfagas flambeadas de Flangers, Reverbs, picos y bajadas del botón Attack y demás lindeces masturbatorias de los potenciómetros. Por poner un ejemplo actual, quizás ZOLTAN, UMBERTO y la banda sonora alternativa de DROKK podrían ponerte en contexto, pero siempre con el añejo sabor de TOMITA.


Sigue "Paraphilic Love Map", donde resalta una obsesiva línea de bases percusivas que inicia el principio del cambio en All The Same Dream. Se va oscureciendo todo como una mortaja de algodones impregnados de alquitrán y las melodías que subrayan el tema dan la impresión de que están en proceso de descomposición, cosa que se acentuará en el final épico del disco. Por alguna extraña razón, tengo una sensación en el subconsciente que rezuma algo oriental; es como si MIDNIGHT SEQUENCER pudiera servirme para la lectura alternativa de El Corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad o bien estuviera metido dentro de una película de Nicolas Winding Refn y sus efluvios filipinos.

Así pues, "Who Killed Me?" es ya harina de otro costal. Si se me permite la comparación y no se me quema en la hoguera, pues diré que este corte es Dungeon Synth futurista. Es MORTIIS en clave Dungeon pero las mazmorras se han convertido en habitaciones domóticas. La melodía principal irrumpe como una nana giallesca deslabazada en LoFi. Un soundscape muy ambiental que se mece al ritmo de las olas hertzianas, mezcla de SCHULZE, del mítico ZANOV, o con la suciedad franchute de IGOR WAKHÉVITCH.


El homónimo "All The Same Dream" funciona como una intro sinfónica en un grupo de Black Metal noventero, pero sólo unos instantes antes de convertirse en la banda sonora del recreativo de tu barrio cuando estafas infectado de granos. Posiblemente el toque más SynthPop del disco sea este junto con el siguiente "Downtown Macabre", muy cerca de esos locos que fueron WARNING (pero sin guitarras, solo en espíritu) con su imposible single "Why Can The Bodies Fly" o su disco Electric Eyes (Vértigo, 1983) . Destaca un recrudecimiento del tema con la entrada de un sinte que emula una guitarra (yo pensé lo contrario, como puede leerse en la entrevista), y que dota de un aire apocalíptico al conjunto.

El final es de órdago. "Electric Pazuzu" como fastuosa rendición épica de TOMITA, VANGELIS o por qué no, OLDFIELD en su primera etapa y desnudo de elementos rockeros. A las idas y venidas de la percusión se le añaden lo que parece un Korg, o al menos me lo ha parecido en cuanto a fuerza y sonido. Un punto a favor son los toques de cantos gregorianos que ya me dejan totalmente noqueado... ¿podría estar ante una vuelta de tuerca de la propuesta pseudo techno de los celebérrimos ENIGMA (que me encantan, por cierto)?.  Supongo que todo dependerá del acervo musical de cada cual, pero a veces las líneas que unen los estilos son muy delgadas.


Sin embargo, el tema que para mi gusto eleva a All The Same Dream a la categoría de imprescindible es el mastodóntico "Deriberately Buried", de 19 minutos de duración, y que es un descenso ritual, iniciático y de no retorno. Minimalista puesta en escena, infectocontagiosa melodía que te resetea el tronco del encéfalo y que a mí me produce las mismas sensaciones de algo tan a priori  opuesto como pudiera ser  "Dunkelheit" de BURZUM en Filosofem.

Los mantras hindúes y budistas se recitan en múltiplos de 108 (o que puedan dividirse en fracciones de dicho número). El poder de la repetición, de las idas y venidas de unos toques de sintes acampanados ue se me meten en el cerebro de mala manera, de ritmos implosivos ambientales cuasi selváticos y la sensación de que estoy volcando mi ser antropomórfico a una especie de clon virtual (waiting, CORONEL MORTIMER´S decomposing process 82%...)

Decía algo sobre un regusto oriental, y creo que aquí está más que representado con las cascadas de un melodía que más que sonar parece como si "se derramara". Tour de Force, anti clímax, llamadlo como os venga en gana... yo vuelvo a conectar algo de esto con el Dungeon Synth y su malsana oscuridad húmeda.

Vuelvo a tener otra visión. Un resucitado y etéreo Kurtz se dirige en una balsa río arriba entre los detritus digitales de una jungla en descomposición. El horizonte se pixela como un viejo VCD y cuando Kurtz llega a dicha altura, se integra en los píxeles y desaparece.

Poco más me queda que decir. Os dejo los enlaces que corresponden que yo voy a masturbarme la glándula pineal con una uña que se me acaba de caer en el proceso purgativo.



The MIDNIGHT, The SEQUENCER and THE UGLY, PARTE 1, entrevista a CGSANTOS...



MIDNIGHT SEQUENCER es un floreciente proyecto de electrónica que se aleja en bastantes coordenadas del revival retro al que estamos asistiendo. Generalmente, sólo hago entrevistas a personas o grupos que para mi gusto son interesantes y tienen algo que aportar, y creo que era inevitable que lo intentase con CG SANTOS, parte integrante de TEITANBLOOD, vinculado al Black Metal Foucaltiano y psicopómpico de EMANATION, los míticos pero desconocidos aquí LIKE DRONE RAZORS THROUGH FLESH SPHERE o mil cosas más. 

Evidentemente, la entrevista no es tan larga como quisiera porque esto se transformaría en un bloque de difícil lectura, pero bueno, he intentado alejarme de las preguntas prefabricadas (con o sin acierto, el lector dirá). Por los temas tratados, por la honestidad del entrevistado, y por el cariz de culto (sea lo que sea esto) del contenido, para mí el texto (al menos las respuestas) son de obligada lectura.

En la segunda parte de este artículo, ofreceré mis impresiones sobre All The Same Dream en forma de reseña como es habitual, cuya edición a cargo de CIVITAS MORTIS ha sido la causante de que la entrevista y el texto se produzca. 

Mientras tanto, disfrutad con la lectura:


* +++ * Enhorabuena por “All The Same Dream” y un placer y un honor entrevistarte. Si te parece, y viendo tu enorme carrera musical y estilos abarcados, voy a intentar sacarte la máxima información posible sin anestesia.

Gracias.

* +++ * Formas parte de TEITANBLOOD y LIKE DRONE RAZORS THROUGH FLESH SPHERE, ahí es nada… ¿Podrías presentarte y contar a los lectores quién es CG Santos?.

Dicen que somos lo que hacemos, así que hablemos de música.

LDRTFS es mi proyecto más longevo, me encargo yo de todo. En Teitanblood me encargo de las atmósferas y de los FX fundamentalmente. Tengo otros proyectos menores y he tocado y colaborado aquí y allá de forma anónima, centrado casi siempre en el Black Metal, así que no tiene mucho sentido hablar de ello.

Ahora presento mi nuevo proyecto Midnight Sequencer, la razón por la que contactaste originalmente conmigo. Un proyecto con un planteamiento que rompe con lo que he hecho en los últimos 25 años… que ciertamente me saca de mi zona de confort y que me ha dado la oportunidad de explorar nuevos terrenos sonoros. Es estimulante.

* +++ * No es importante pero me gustaría saber si tienes formación académica y qué instrumento es iniciatico en tu carrera, primeros grupos y todo eso.

Mi formación formal se limita a las clases de música de la EGB; donde aprendías solfeo, a tocar la flauta y nociones de piano y guitarra. El resto, evolución autodidacta en locales de ensayo, aprendiendo de unos y de otros, sobre todo en guitarra y batería.

* +++ * Haciendo una hipérbole extraña, creo que el hecho de provenir del Black Metal le da a MIDNIGHT SEQUENCER esa aura de malignidad plástica tan marcada. La producción algo más sucia que otros proyectos del estilo lo aleja radicalmente del Synthwave y esos estilos. Sin embargo está claro que la influencia de CARPENTER, GOBLIN, SIMONETTI, FRIZZI y las bandas sonoras de Serie B está ahí. ¿Por qué surge MIDNIGHT SEQUENCER?.

Midnight Sequencer no surge de una inquietud personal por la electrónica. Surge de casualidad hace muy poco, en 2017, cuando Nasko me presentó el concepto y el esqueleto de las primeras letras de ‘The Baneful Choir’, lo que será el próximo disco de Teitanblood.

Sobre esas ideas es sobre lo que trabajo durante la preproducción, buscando sonidos y texturas que las apoyen y enfaticen. Después se va perfilando, adaptando a las letras finales y a las estructuras del disco, para evitar caer en recursos sonoros que nos hagan perdernos en montañas de sonido vacías de contenido; tiene que haber una correspondencia cruzada entre los diferentes elementos del disco; nada al azar.

Esta búsqueda me llevó a la síntesis. Tuve que aprender casi de cero a base de leer a Martin Russ, para meterme en terminología básica, el Cookbook de Welsh y el The Synthesizer de Mark Vail, para meterme un poco en programación a nivel teórico. Esto me dio la oportunidad de adentrarme en métodos de trabajo que jamás había explorado, y se abrió ante mi un nuevo mundo, literalmente.

Paralelo a mis avances en ‘The Baneful Choir’, iba escribiendo ideas, melodías y estructuras inspiradas por los sonidos que lograba recrear a base patching, modulaciones y rutas; sonidos que evidentemente no podía usar en Teitanblood, pero que tenían potencial. Esas pruebas y ensayos, son el germen del que nace Midnight Sequencer. 

Estrictamente no es la primera vez que estoy metido en electrónica pura; lo primero que hice a nivel musical en mi vida, fue electrónica. Hacía bases hardcore/gabber para DJs locales y raves a mediados de los 90, nada serio. Aquí había mucha cultura discotequera, muchos eventos, mucha noche. Me distancié rápido de ese mundillo y me acabé centrando en lo que ya sabes.


* +++ * Como comentaba antes, analizando “All The Same Dream”, hay algo muy oscuro en la propuesta. Desde los nombres de los cortes a lo hipnótico de sus desarrollos (esa bestial pieza de 19 minutos que cierra el disco). ¿Es un álbum conceptual?.

Es un álbum conceptual, como todos. Me parece más interesante como lo puedas interpretar tú, que ponerme a explicar los entresijos, que a la postre solo me importan a mi; pero bueno, resumiendo, habla del estancamiento evolutivo que implica nuestra hibridación con la tecnológica; de sus orígenes y consecuencias. 

* +++ * ¿Cuánto tiempo te has tirado componiendo y cómo ha ido evolucionando la grabación?.

Unos cuatro meses de forma intermitente. La versión final del disco la grabé entre enero y marzo de 2018, con algunos retoques posteriores.

El proceso de grabación es el mismo proceso de grabación multipista que para grabar cualquier otra cosa. Primero batería, luego bajos, etc. No hay misterio. Toda la electrónica, que supone el 90% de disco, la grabé en un multipistas digital. El 10% restante en un cuatro pistas de cinta. 

* +++ * Como comentaba antes, otro aspecto a destacar del disco, es que le has dado una producción más sucia de lo acostumbrado en este género. Hay un par de temas en los que resalta lo agrio del sonido, mientras que en otro una guitarra atraviesa la melodía de par en par. ¿Era tu intención alejarte de los clones del Synthwave y similares?.

Primero, precisar que no hay guitarras en el disco ((ndr: cagada por mi parte)). El sonido al que te refieres, es un sintetizador.  Aclarado esto… Mis influencias, como puedes suponer, no vienen del Synthwave. Estoy totalmente al margen del género y no lo conozco en profundidad. Si he de tener algún referente dentro de la electrónica, esos son los pioneros alemanes, y el hardcore de los 90. 

El sonido en ‘All the same dream’ es deliberadamente directo. No tiene florituras de post-producción, no hay compresores, ni limitadores, ni efectos añadidos. La post se limitó a ajustar niveles y ecualización; todo ello con el objetivo de conservar dinámicas y texturas. La mezcla la hice sin darle importancia concreta a ningún sonido, frecuencia o melodía, si no a la interacción entre los diferentes elementos.


* +++ * Me resulta perturbador el artwork del disco. A priori no debería de ser nada maligno, pero me transmite algo que no sé definir… es como esa caja extraña que aparecía en la tercera temporada de Twin Peaks o como una especie de Sueño Atávico encerrado en vectores. Háblame si puedes del artwork. ¿Quién es M.MURDOCK (espero que no me digas MAD MURDOCK!!).

Mike Murdock es un diseñador estadounidense de realidad virtual. La portada es uno de sus viejos diseños. El resto del libreto, como en todos mis discos, lo hice yo.

No he visto la tercera temporada de Twin Peaks. Vi la serie en su momento, en 1990, y la precuela después; no entendí nada. La he revisionado numerosas veces desde entonces, me resulta hipnótica y placentera, pero mi entendimiento no ha aumentado mucho; el acercamiento pictórico de Lynch al cine y las interferencias de estudios y productores en la historia original, se ha encargado de ello.

No he encontrado ni una sola razón que me motive a ver la tercera temporada. Lynch y Frost son títeres en manos de un estudio sin ideas, que lo único que quiere es sacar tajada de viejos éxitos ((ndr: después de ver la tercera temporada, discrepo en todo)). Todos los rumores que hubo desde 2015 (?) al respecto de la tercera temporada, el descarado planteamiento de Lynch de usar un refrito de ideas descartadas de otros proyectos y todo eso… me quitaron las ganas.

Algún día la veré, pero no está entre mis prioridades.

* +++ * Sacas el disco con CIVITAS MORTIS que lleva un tiempo apostando por proyectos de estilo Synthwave y similares pero con MIDNIGHT SEQUENCER se me ha quedado la mandíbula colgando ¿Cómo surge la posibilidad de sacar disco con CIVITAS?. Me consta y sé que Eduardo saca cosas de calidad y con pasión por lo que hace.

Es Alex de Heresie Graphics quien me habla de Civitas Mortis. Él y Eduardo estuvieron en contacto cuando Alex llevaba Black Mass Records y Eduardo estaba centrado en Féretro Records. 

Eduardo es de la vieja guardia; con principios y las cosas claras. Civitas Mortis tiene todo el potencial para convertirse en una referencia del estilo en nuestro país. De hecho ya lo es, aunque ese hecho no haya repercutido en la prensa especializada y en el gran público aún.


* +++ * Cambiemos un poco de tercio. LIKE DRONE RAZORS THROUGH FLESH SPHERE es un quiste en la escena extrema española. Creo que es una muestra de lo vacuo y trivial de un periodismo que no es capaz de llegar hasta los verdaderos entresijos de lo que se está urdiendo a nivel underground. Empiezas el proyecto en 1999 si no me equivoco… a esas alturas no había mucha gente haciendo lo que tú hacías. ¿Puedes contarme algo de los inicios de LDRTFS y qué te mueve a crearlo?.

LDRTFS nace en el 98 bajo el nombre Drone Sphere, como una progresión del Black Metal que tocaba por aquel entonces. En aquella época era un comprador compulsivo de música y estaba muy metido en los circuitos de tape-trading, intercambiando material con medio mundo y recibiendo grabaciones de todo tipo. En uno de esos paquetes había una cinta sin etiquetar que me impactó. Eran ruidos mecánicos, distorsión, sin una estructura musical reconocible... Acabé averiguando que se trataba del ‘Venereology’ de Merzbow. Eso junto al ‘Calcutta gas chamber’ ((ndr: recomendadísimo disco y concepto el de John Watermann, sí señor)), el ‘Christ knows’ y cosas de Industrial Records y Cold Meat, influenciaron irremediablemente el sonido de LDRTFS.

Probablemente la culpa de que LDRTFS no sea tan conocido como crees que debería, sea mía. Es cierto que la prensa musical nacional es una nulidad, ahí no hay discusión; pero en este caso no importa. Siempre lo planteé como un proyecto cerrado al exterior, puramente underground, donde la música dijera lo que tenía que decir y punto, sin más comunicaciones externas. Algunas cosas han ido cambiando con el tiempo. Durante años fue un proyecto anónimo y sin relación con internet. Hoy en día estamos aquí hablando de esto para tu blog y hay un bandcamp con algunas grabaciones online; son cosas que pasan, el modus operandi evoluciona, pero las raíces siguen firmes.

No hay que infravalorar el papel de la prensa. La prensa y la música siempre han ido de la mano. Al fin y al cabo, para bien o para mal, son los artífices del éxito comercial de géneros en principio minoritarios, empezando por el Blues y acabando por el Black Metal. No obstante eso forma parte de otra época, de cuando la música era un negocio rentable sin paliativos, al que se podían subir las sanguijuelas de turno, prensa incluida, para coger un tozo del pastel. Actualmente, una prensa poco preparada, sin criterio y mal financiada, jamás podrá promocionar como debe a ningún tipo de artista o género. Siguen ahí intentando chupar del bote, pero no tienen la convicción ni el arrojo de antaño.

España es un hervidero de bandas, e incluso las que tienen estilos más mayoritarios y calidad objetiva, están atrapadas bajo su particular techo de cristal. Los viejos modelos no funcionan en un medio saturado como el actual; donde el que crea, no puede llegar al que consume. La democratización de los homestudios y la amplificación, abaratamiento y  aceleración de los procesos que ha generado internet, han roto el equilibrio definitivamente, del mismo modo que lo hizo en su momento la aparición de la música grabada o posteriormente la radio; aunque ahora vivimos una situación sin precedentes en cuanto a cantidad de creadores.

Cuando nace un medio de comunicación que segmenta y clasifica, automáticamente se satura y acaba convirtiéndose en un lugar parcial, que promociona a unos y posterga a otros mediante criterios arbitrarios y algorítmicos. Y aunque lo hicieran bien, hay tantas bandas que es imposible estar atento a todo lo que se publica; y muy difícil separar el grano de la paja.

Debemos ser conscientes, críticos y adaptarnos.


* +++ * Dentro de los splits que publicas, destacan grandes nombres como MIGUEL PRADO, CARLOS VILLENA o una de mis bandas preferidas de Funeral Doom español, que son OF DARKNESS. Hay cierto aroma de malditismo en todos estos nombres y proyectos, a los que se suma el tuyo. ¿Qué crees que falta para que LDRTFS trascienda la línea del puro culto underground y se convierta en algo no más mayoritario pero sí más conocido?. Dicho de otra manera, no hay nada en SUNN O))), EARTH y otros que LDRTFS no ofrezca. ¿Estamos ante el clásico desprecio hacia lo que viene de la Península?.

Si que ofrecen cosas que LDRTFS no ofrece; estética, contracultura, mensaje, pedigrí, carisma… LDRTFS no ofrece nada de eso; solo música, no me interesa el resto de aspectos. Lo que me motiva, es el proceso de creación; la búsqueda. El resultado final, si se edita o no, el formato, el impacto que tenga en el oyente, en la escena… es irrelevante.

Miguel, Carlos, Julkarn y Javi son gente verdaderamente implicada con lo que hacen. Sin trampa ni cartón. Es un privilegio poder contarlos entre mis colegas. Todos ellos son ciertamente exitosos en lo suyo, con trabajos a la altura del artista más famoso dentro de sus estilos. Es evidente que el exotismo de lo extranjero, vende; y es evidente que España es un país sin identidad, en el que desde cierto punto de vista, ninguno de ellos obtendrá el reconocimiento público que merece, aunque me consta que el reconocimiento que importa, ya lo tienen.

* +++ * En lo visual abarcas muchos estilos casi siempre abstractos, nihilistas y sugerentes. ¿Hay una imaginería pensada con antelación en tus proyectos? ¿Qué importancia le das al aspecto gráfico?.

Soy consciente de que el aspecto visual es muy importante. Para según que cosas, incluso lo más importante. No obstante, para mi, es secundario; la música es lo principal.

Una vez está acabado todo a nivel sonoro, es cuando me pongo a intentar encajar las piezas que me lleven a un nivel visual que apoye la música; no quiero que el envoltorio distraiga del contenido. No quiero que el aspecto visual añada connotaciones ajenas a lo que está implícito en la música; el aspecto visual, debe contextualizar, nada más.

Quizá de ahí venga ese aspecto abstracto del que hablas, quizá no.


* +++ * Algunas de las portadas tienen un aroma cinematográfico con ese uso tan marcado del blanco y negro y el sepia. Es como llevar a Buñuel a terrenos Drone. ¿Qué películas o libros son de cabecera para ti?.

El cine es una gran fuente de inspiración. Murnau, Lang, Dreyer, Tarr, Merhige y un largo etc, son una gran influencia a nivel visual, claro. Faust, Die Nibelungen, Vampyr, A Torinói ló, Begotten... son referencias obvias, siempre; más de una vez se han proyectado en mis directos.

Respecto a libros, fundamentalmente leo divulgación científica, pero me gusta leer cosas un poco ajenas a mi formación como biólogo. Ahora mismo en la “mesilla” tengo ‘La naturaleza del espacio tiempo’ de Hawking/Penrose, ‘Homo deus’ de Harari y ‘La conspiración contra la raza humana’ de Ligotti. Todos ellos ya leídos, pero recurrentes en mis ciclos de lectura.

* +++ * En general, capto ciertos aires religiosos, paganos y cósmicos en el sustrato final de tus proyectos. MIDNIGHT SEQUENCER parece más nihilista y despojado de ese antropomorfismo ¿qué crees tú que intentas transmitir con tu música y cuál es ese hilo umbilical que presumiblemente une tu obra?.

Evidentemente en mis proyectos el factor común está claro, soy yo; y eso entiendo que dejará su impronta independientemente del estilo. Pero cada proyecto personal o banda con la que colaboro tiene una entidad propia e intransferible.

El mensaje es la música en si misma; todo está ahí para quien quiera encontrarlo. Cada uno lo interpretará como considere. La mayoría simplemente escuchará el ruido.

* +++ * Ya que estamos en faena, tú que llevas bastante tiempo en esto, ¿qué músicos del panorama español experimental te gustan, influencian o quisieras destacar?. Hay grandes pioneros en el ruidismo y la electrónica pero nadie parece ser Profeta en su Tierra.

Me aburren los discursos pseudointelectuales de la mayoría de artistas contemporáneos y su esnobismo. Estoy bastante distanciado tanto de lo que se hace aquí, como de lo que se hace fuera. No me interesa.

Se que este relativo distanciamiento hará que me pierda grabaciones interesantes, pero las cosas están así; no me mueve un espíritu de comunidad, o el descubrimiento de la última obra de arte sonoro del momento. Me mueve mi sonido, mis procesos, mi búsqueda… y si ahí fuera hay algo bueno de verdad, ya se cruzarán nuestros caminos tarde o temprano.

Por supuesto, hay pioneros nacionales evidentes como Zaj, IT, Esplendor Geométrico, Orfeón Gagarin, Francisco López y pocos más, que son destacables baluartes del desarrollo de la música experimental y pueden estar orgullosos de su legado; aunque su influencia en mi, ha sido cero. Creo que todos ellos han obtenido el éxito que cabe esperar de sus propuestas. Cuando te extremas, lo normal es que la horquilla de potenciales seguidores se estreche, pero eso no niega su valía sonora e histórica.


* +++ * ¿Qué opinas del actual revival electrónico del Synthwave, el Horrorwave y estilos similares?.

La mayoría de lo que he escuchado, no me gusta. A nivel nacional hay bandas como Intersigno, Xerox Biopunk, Nightcrawler, Igor o Sentionaut haciendo cosas interesantes no obstante.

No comparto esa “nostalgia” a la que tanto se alude como piedra angular del género. La nostalgia es para pusilánimes y perdedores. Ese ensalzamiento de los 80 norteamericanos, de esa época edulcorada y prefabricada por un gobierno corrupto que pretendía tapar los ojos de su población ante las barbaries que perpetraba en pos de la supremacía del capitalismo made in USA, me parece infantil y ridículo. Por otro lado, ese ambiente POP que desprenden algunas bandas, lo entiendo como modo de acceder a las masas, pero no va conmigo.

Huelga decir que no considero Midnight Sequencer como parte de esa corriente a ningún nivel.

* +++ * EMANATION ha sido un descubrimiento para mí en estos días. No voy a decir que no existan similitudes con cosas de Cold Meat Industry, Cold Spring, Crucial Blast y bandas como GNAW THEIR TONGUES, T.O.M.B.S. o SKULLFLOWER. Ese aire malsano de la electrónica mezclado con la visceralidad del Black, los toques esotéricos y rituales y los apabullantes artworks me han dejado tieso. Háblame un poco de este proyecto.

En 2011 dejé de editar discos con LDRTFS para centrarme en dar directos acústicos. Es ahí donde nace Emanation. La única razón para crear este nuevo proyecto era la grabación del disco ‘The emanation of begotten chaos from God’, basado en viejas inquietudes en torno a la ciencia, la religión, los hechos y la fe que no tenían cabida en LDRTFS. El resto de ediciones son material descartado de este disco.

* +++ * Es un disco con mucho ruido y electrónica ¿qué dimensión crees que aporta la electrónica a la música extrema?.

La electrónica es solo una herramienta más, depende como la uses. En este caso, fue usada como un elemento conceptual.

El espiritismo es la piedra angular del disco; parte importante de la aproximación científica al tema, son los EVP, así que los fenómenos electrónicos tenían que formar parte de la grabación. Estos están representados de tres formas. Por un lado las voces, grabadas en las catacumbas de París. Por otro lado una caja de ritmos registrada en cinta en diferentes casas abandonadas y ruinas. Y por último, la búsqueda y utilización de aberraciones y anomalías auditivas derivadas de todo el proceso. Todo ese material se mezcló con las guitarras y la batería con ayuda de un sampler.

((ndr, sobre EMANATION dejo en el aire una futura entrevista y textos que palien el vacío periodístico en castellano sobre el proyecto)).


* +++ * Ya que estamos, ¿qué equipo sueles usar?.

A nivel de equipo de grabación, multipistas digital, 4 pistas de cinta, micros y un software multipista para mezclas finales, retoques, volúmenes, masterizaciones, etc.

A nivel de instrumentos, depende del proyecto. Batería, guitarra y unos cuantos pedales, es mi arsenal básico. Con Midnight Sequencer, es distinto claro, ahí solo hay sintetizadores, pedales de efectos, secuenciadores por pasos y mi batería electrónica; en el layout del disco incluyo una lista completa del equipo utilizado.

* +++ * Y sobre los conciertos de LDRTFS ¿que nos puedes contar?

La mayoría de las apariciones en directo han sido conciertos de tipo privado o sin anunciar. Actúo separado del público por un muro de plástico transparente que actúa de pantalla sobre la que se proyectan fundamentalmente videos de procesos celulares en blanco y negro, siendo el proyector la única fuente de iluminación del evento. A partir de 2011, los directos cambiaron de tercio a nivel sonoro, y pasaron a ser totalmente acústicos, sin ningún instrumento eléctrico.

* +++ * ¿Qué piensas de la escena musical en España? Soy de la opinión de que estilos como el Stoner tienen tanto calado aquí que se han convertido en una especie de cortina de humo que oculta lo genuino. Por otro lado, cualquiera parece conseguirse 3 pedales y hacer un disco Drone.

Aquí hay muchísima gente haciendo muchísimas cosas; muchos conciertos, mucho movimiento, cantidad de ediciones y la ostia de palabrería, pero música que me parezca genuinamente interesante, poca. 


* +++ * ¿Podrías recomendarme nombres y proyectos de aquí que para ti merezcan la pena entre tanta morralla?.

Así a ciegas, de lo que haya escuchado últimamente, lo nuevo de Graveyard, Misa Tridente, Suspiral, Intersigno, Akerbeltz y el debut de Lice no te harán perder el tiempo, aunque estos últimos no sean 100% españoles. Mención especial para un disco del que me han pasado un pre-master hace poco, el ‘Faino ti mesmo’ de Lume, interesante ejercicio de fusión. Por último y aunque aún no hayan sacado disco, estate atento a Møura; los he visto mucho en directo y estoy seguro de que el disco será algo especial.

A nivel distribución, la referencia ahora mismo es From Below Productions, con una lista de distribución que ofrece solo material de calidad. Y a nivel electrónica, experimental, etc, evidentemente y desde siempre Rotor.

* +++ * Pues hemos llegado al final. Este es tu espacio para despedirte y decir lo que quieras. Proyectos de futuro, epitafios…

Nada que añadir, simplemente gracias por tu interés en un proyecto emergente como Midnight Sequencer.

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continúa en The Midnight, The Sequencer and The Ugly, PARTE 2, reseña de ALL THE SAME DREAM.


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