martes, 12 de noviembre de 2019

29 FANCINE: MENÚ 0 o CÓMO COMERSE UNA CIUDAD


Todos los años me gusta hacer una pequeña reflexión antes del inicio de FANCINE. Me dejo llevar y sin pensar demasiado practico la escritura automática, suerte de bulímica muestra de cómo soltar la suciedad interna. El cine fantaterrorífico siempre ha tenido a la antropofagia como un gran aliado. Nos comemos a nosotros mismos (véase Holocausto Caníbal de Ruggero Deodato), o nos comen desde el exterior (véase The Blob); el caso es que la fagocitación del Ser Humano hunde sus raíces en la Noche de los Tiempos. 

Hablando de la Noche de los Tiempos, ¿alguien recuerda esos infames documentales de Cine Mondo donde se nos ofrecían las más escabrosas imágenes de tribus caníbales?... Comer, ser comido. Desde el cine de aventuras al exploitation puro y duro. Por cierto, parece que también en las Salas de Cine se comen cosas... una nueva moda es la de comerse la Taquilla y sustituirla por una especie de pantallas espantosas digitales o bien sacar tu entrada donde mismo compras (o hipotecas tu vida para comprar) las palomitas. Ya se comieron al Acomodador hace más de década y media (al fin y al cabo, lo único que hacía era gastar pilas de linterna) y ahora se han comido la humanidad de la atención directa.

Menos atención humana, más barato todo. De todas formas, las Plataformas Digitales de Cine se están comiendo al mismo Cine, con lo que la cadena se está haciendo aún mayor. Una gran bomba autofagocítica se ha tragado por fin a esa fuente de especulaciones y negocio entre sombras llamada CINE ASTORIA

Se habrán quedado tranquilos de una santa vez. Mientras antes terminen en convertir a Málaga en MAKRO MALAKA mejor. El proceso es irreversible; es la última mutación antes de la tragedia. Se ve en esos pequeños detalles como el de la taquilla de los cines, y se manifiesta en su máximo esplendor en la Málaga Franquicia disfrazada para el exterior que nos encontramos en los alrededores de esos epicentros culturales fatuos llamados Museos. Porque no me digáis que no es curioso eso de Zona Thyssen, Zona Picasso y demás... son como las partículas radioactivas que desde el Reactor 4 de Chernobyl alcanza a Pripyat. Si a eso le unimos el falso SOHO, tenemos una camaleónica fachada cultural que no representa absolutamente nada; al fin y al cabo, las obras de construcción también COMEN

Se comen los restos de otras épocas (como las ruinas esas que aparecieron por la Zona del Corte Inglés) como termitas que sólo obedecen la fiel voz de mando del político de turno. Pero ojo, que lo peor de todo viene de dentro. Viene de esas mentes porosas como piedras pómez que aplauden a ese espectáculo de luces navideñas que no es más que una fanfarria (vergüenza ajena) decadente. Mientras nos azotan miles de problemas, cual borregos asistimos a la última comida y la más peligrosa, la del aborregamiento. El conformismo en su máxima expresión.

Pero volved al cine. 29 años ya, FANCINE resiste a que se lo coman, y mira que lo han intentado con saña. Tras el monumental atentado de idiocia del año pasado, levanta la cara bien alta y nos trae una programación de altura, ya como antesala de su 30 aniversario por llegar, que claramente no se celebrará en el Teatro Alameda porque también se lo comió un ilustre malagueño que se lo come todo, o aprevecha para comerse todo lo que puede. Claramente no se celebrará en esas zonas VIP que no paran de surgir por los alrededores de Calle Alcazabilla, pero que sí que espero se celebre en CINE ALBÉNIZ, el que se ha convertido últimamente en mi refugio anti sistema.

Me parece cuanto menos curioso que ahora que empieza a aflorar esa masa de comidas navideñas de gente vestida con abrigos bochornosos, con maquillajes al por mayor, tipos fumando gruesos puros mientras sus caras denotan una grave e incipiente hipertensión, sea a uno al que le llamen Friki y cosas así. ¿Sabéis qué os digo?. Iros a aplaudir vuestros espectáculos navideños, vuestras grandes comilonas de colesterol, que yo me encierro a evadirme en las salas de cine, donde se subtitulan las películas porque el idioma original es de por sí un arte

Ojalá llueva en estos días porque no hay más placer para un servidor que caminar por calles acharoladas en las que la lluvia (también como ente vivo) se ha comido a la muchedumbre. Pasear bajo los húmedos callejones para llegar al cine mientras se huele la limpieza, pasear de vuelta a casa mientras las gotitas te manchan las gafas. En la oscuridad subyace la verdadera ciudad, que solitaria clama porque le devuelvan su cara (se la han cambiado como en esas operaciones malvadas del cine de Mad Doctors)... desesperada, intentará avejentarse y agrietarse para soltar esos terribles y feos injertos que le están poniendo por todos sitios.

Larga vida al cine. Larga vida a FANCINE.



domingo, 10 de noviembre de 2019

DENSO / HIPOXIA en CSA LAS VEGAS (9 de Noviembre)




Tras una terrible guardia de turnos, cansado hasta de respirar (ya sabéis, esas veces que hasta tus jodidas mitocondrias piden clemencia), hago un esfuerzo de titanes por ir a CSA LAS VEGAS a ver a una de mis bandas de cabecera en lo que a Doom nacional se refiere (aka HIPOXIA). De postre iba a tener la oportunidad de ver por vez primera a DENSO, que hasta ahora no había podido disfrutarlos en directo. Hay varios matices que tengo que destacar, uno, la baja calidad de las fotos que realicé (la luz era tenue como el espaciado hálito en un cuerpo pre-mortem) y otra que el volumen atronador se comió los detalles en ambos casos, pero bueno, al fin y al cabo de lo que se trata es de la experiencia física de notar cómo tu cuerpo vibra hasta que los intestinos llegan al esófago y éste acaba unido al culo. Al final intentas hablar y sólo te sale mierda por la boca.


La propuesta de DENSO hace honor a su nombre. Incluso sospecho que me han roto los tapones. Música antisistema en formato dúo ultra acoplado, primitivo y con cosas a lo CORRUPTED, EYEHATEGOD y demás pero destiladas a lo atávico. La percusión intensa, el bajo rellenando todos los espacios para no notar más que una pátina agresiva que corte tónico-clónico. Música que se mueve a espasmos, que bebe del Sludge pero que copula con el Crust Punk hasta hacer un compost imposible de discernir. DENSO tocan como un cóctel molotov... nadie quiere que sea estilizado, lo que se quiere es que prenda fuego y estalle.


Necro Crust de raíz poligonera, sin aspavientos cosmológicos. Impulso mas acople igual a vacío, vacío mas vació igual a caída de máscaras. Música catártica antisistema, procariota, sin piedad hacia el espectador y oyente y que por fin en breve parece que nos traen testimonio en disco.






Sobre HIPOXIA he escrito largo y tendido. Tocaron cortes de su segundo disco, del último y alguna cosa más. Una muralla negra sobre la que sobresalía una soberbia interpretación vocal con múltiples registros. Desde lo gutural a partes acopladas que son casi herederas del Power Electronics y el Noise (ese mantra interminable de "Nothing"). Si bien el inicio podía recordar más al Death/doom de toda la vida, pronto se lanzaron a su vertiente más cruda y es aquí cuando noté ecos a ESOTERIC.


Un Funeral Doom tocado lento pero a la vez muy áspero, con esa suciedad que da el drone (al fin y al cabo HIPOXIA no es banda de florituras virtuosas, sino de llevarte al borde del precipicio. Destacaron momentos en que parecía estar escuchando cosas a lo FUNERAL MOTH. Las partes más latentes, con una asfixiante base rítmica y las dos guitarras ejecutándose casi en paralelo, son lo que hacen su sonido tan distinto a tantas bandas del estilo que pululan por la península.

HIPOXIA tienen mucha calidad y están en ese punto de equilibrio perfecto donde es difícil etiquetarlos. Lo mismo te lanzan un pasaje noventero que mantienen un largo pulso en espiral hasta disolverse en la nada... progresiones que junto a las ultra nihilistas vocales de su cantante te dan la mano para bucear en la fosa séptica más grande que hayas imaginado; esa que campeas con una botella de oxígeno en la última dosis de su capacidad.

A un paso de la HIPOXIA. A un paso de la Apnea. Eterna. Negra. Decrépita.








viernes, 8 de noviembre de 2019

MEKIGAH - "AUTEXIOUSIOUS" (AESTHETIC DEATH AD043, 2017)


Hace poco os traía la reseña de Litost (aquí), excelente álbum de los australianos MEKIGAH que me dejó completamente extasiado. En la misma senda que aquel álbum de 2014, Autexousious es un suma y sigue a un estilo/concepción casi Industrial y Noise del Black Doom al más puro estilo de los primerísimos VOID OV SILENCE (sobre todo en Criteria Ov 666, Human Antithesis y The Grave of Civilization) y mil cosas más como iremos desvelando.

VIS ORTIS (también en los experimentales DADIRRI) sigue encargándose de la composición, instrumentación y voces, sumándose una larga panoplia de colaboraciones. Miembros de EREBUS ENTHRONED, los vocalistas T.K. Bollinger, Leith Carnie o Izedis del proyecto ENBILULUGAL, y los sonidos industriales de Axiam y Adamor Ziltch. Colaboran también Chris AC. a las guitarras y la legenda musical de Tasmania Paul Weedon Recalcar la excelente masterización de GREG CHANDLER y el diseño de Yippie Bean en un fastuoso digipack editado por AESTHETIC DEATH.


En líneas generales y antes de meterme en faena, Autexousious conjuga lo abstracto, áspero y duro del Noise Doom con otros momentos melódicos y pegadizos que coquetean con el Rock Gótico (lo veremos más adelante, pero el corte "Zmatek" es una mezcla entre MONUMENTUM o la oscuridad finesa de THIS EMPTY FLOW). Lo suficientemente experimental para alejar cualquier posible comparación, MEKIGAH juegan en una liga aparte y tanto Litost como Autexousious me parecen obras maestras de una oscuridad sin límites; un sabio equilibrio que puede captarse no solo en el sonido sino en las herméticas letras.

"Eroding Will" abre con una serie de capas de sonidos de difícil identificación, luego entran una serie de tonos de sintetizador o guitarra procesada y voz en Vocoder. Aunque pudiera parecer frío, el tema tiene aires litúrgicos que se expanden hacia terrenos Industriales en la sinfónica "Autexousious", con voces muy cercanas a los ZARAZA canadienses (como en Litost). Si uno pone atento la oreja a lo que va transcurriendo de fondo se llevará una sorpresa... pasajes de una variedad exquisita, samplers, instrumentos acústicos de difícil identificación (la versión Doom del Country Australiano o unos ALASTIS llevados al ralentí y vestidos de gala).


"Fooled Blood" se va abriendo paso con una guitarra acústica en un cacofónico fondo ordenado pero amenazante. A partir de aquí empiezan a entrar elementos de Death Rock e incluso Post Punk (salvando las distancias genéricas), sublimándose todo esto que cuento en "Zmatek", precioso corte de ambientación casi After Punk pero que toca de rebote a cosas tan dispares como pudiera ser JOY DIVISION, KATATONIA o los míticos italianos CANAAN (a estos es a quienes más me recuerdan, la verdad), con una fabulosa y prístina percusión.

La instrumentalidad barroca de "Diminished Responsibility" desemboca en la rarísima "The Infinite Never" (por momentos me parece estar escuchando a WRAITH OF THE ROPES o THE NULLL COLLECTIVE). Ningún instrumento resalta sobre otros a nivel de producción sino que transcurre en un mismo plano de sonidos simultáneos equidistantes que crean en el oyente una extraña sensación litúrgica. Hasta la voz tratada y esos espeluznantes ecos transitan la misma longitud de onda. Batería, lánguidos riffs de guitarra, efectos de sonido... como un poliédrico mosaico bizantino.

"A Vast Abyss" se desenvuelve como una suite de Doom industrial que te deja exangüe gracias a letras hipnóticas (overmatched / overpowered / detached / deflowered...) y toques de guitarra muy psicodélicos aunque el tema top viene a ser "Backpfeifengesicht", auténtico sumidero emocional que te draga hasta una fosa séptica para rumiarte dos siglos después. Una turbulenta coda de Doom Noise a ratos ponzoñoso, a ratos elevador, hipnótico y casi espiritual.

Si necesitas coger aire, "Rejection Nostalgia" es una fabulosa outro de Dark Ambient que se asoma al Dungeon Synth por momentos. Excelente.

SANGUINARY TRANCE - "WINE, SONG AND SACRIFICE" (AUTOEDITADO, 2018)


Interesante proyecto de Black Metal que me llega desde Viena/Austria. SANGUINARY TRANCE se forman en 2013 pero no es hasta ahora que debutan con un más que interesante EP. La mente pensante tras el proyecto permanece oculta, pero sí se han filtrado entre los músicos participantes a S. SPULAK a la batería (de los extintos Kæltetod) y JÖRG LANZ (de Amestigon, la nueva encarnación de Der Blutharsch ...) a las guitarras y poca más información puedo dar.

Wine, Song and Sacrifice se edita en una pro cassette limitada a 50 copias aunque lo que a mí me llega es un cd promocional bastante trabajado, con artwork y bio. En lo musical se nota bastante la vena austríaca pudiendo tomarse como ejemplo a los míticos Abigor o primeros Summoning de cuando no tenían el peso volcado en los teclados. 


Por lo demás, es un furioso black metal de corte noventero con unos detalles en lo melódico muy conseguidos, al más puro estilo vertiginoso de Emperor, primeros Satyricon o Carpathian Forest... en definitiva crudísimo ejercicio de estilo que cuenta con momentos bastante punteros como el épico inicio de la homónima "Wine, Song and Sacrifice", con toques a Bathory más que evidentes. Fabulosa la forma de abrir el tema, al más puro estilo procesionario de las bandas nórdicas (la percusión es netamente austríaca a lo Summoning). Sin solución de continuidad se lanzan a una rápida cabalgada de la base rítmica y unas guitarras pegadizas, enmarcado todo bajo la acertada masterización de Karl (de la banda noruega Dødsengel).

Sin bajar el ritmo ni un segundo alternan melodía con momentos intensos sin que el interés decaiga un solo instante (a lo Belphegor vaya). También podríamos hablar de los primerísimos Korova antes de mutar de sonido y nombre a Korovakill... al fin y al cabo, esa riff circular de la guitarra tiene algo que lo aleja de bandas típicas del género, dando un toque no experimental ni mucho menos pero sí distinto.  


"Carvings" sigue por la misma senda pero con el velocímetro al límite (Marduk sería buen ejemplo), aunque el tema más extraño es sin duda el último "The Dionysos Whip". Los cambios de ritmo no son los típicos del Black aunque sí que se mantiene el estilo... la sensación psicodélica se acentúa, las guitarras transitan otros terrenos más lisérgicos (sin duda puede venir de esa nueva encarnación de Der Blutharsch and the Infinite Church of the Leading Hand) y el clímax final con percusiones pseudo marciales pone la guinda a un Ep fantástico que te deja con ganas de mucho más.

Deseando ver qué hacen en un larga duración.

domingo, 3 de noviembre de 2019

GRUP DE PERCUSSIÓ AMORES - "DREIZEHN" (LIQUEN RECORDS LRCD007, 2017)


S T O C K H A U S E N (11)
H I L D E G A R D I S (11)
11 + 2 = 13 (DREIZEHN)

El pionero Grupo de Percusión AMORES es el encargado de traernos la referencia número 7 en el imprescindible catálogo de LÍQUEN RECORDS, y para más Inri, ser la más difícil de reseñar no sólo por su complejidad musical, sino por la maravillosa unión conceptual entre Hildegarda de Bingen y Stockhausen. El Grupo de Percusión AMORES rinde homenaje desde su nombre a nada más y nada menos que JOHN CAGE, y su reputación es a nivel internacional, y se las han arreglado para crear una hipnótica base tan variada y exquisita que al intercalar lo puramente percusivo con los vibrafónicos efectos de la vibración de cuerdas, llevan lo musical a un nivel vanguardista que trasciende lo étnico, y que bajo ningún concepto debe enclavarse dentro de la World Music y similares. 

Esto tiene más que ver con el Rock en Oposición y experimentos del Jazz Británico que con la Clásica Contemporánea, o quizás sea que la fusión es tan perfecta que la adición de las letanías de las voces en Soprano suman a lo litúrgico lo cosmogónico y ritual. 


Dejar claro que cualquier cosa que escriba palidecerá al lado del maravilloso libreto interior de JOSEMI LORENZO ARRIBAS, que no reproduzco aquí en su totalidad por motivos obvios, pero que por sí solo se basta para meternos de lleno en una obra tan compleja como mística, tan abierta como hermética, tan cósmica como terrenal. Todo depende de la combinación del 13, de ese DreiZehn alemán que se cita una y otra vez. Sin ir más lejos, el texto del libreto se compone de 12 párrafos (lo que el autor denomina lucidissima apostolorum turba) mas 1 en la figura central de Cristo.

En el apartado técnico, las excelentes voces de soprano son de Èlia Casanova Martí y María García Maciá; en algunos cortes interviene el Toy-Piano de Víctor Trescolí Sanz. Los arreglos son de Jesús Salvador Chapi, Ángel García y Pau Ballester . Se graba en Little Canyon en 2017, se masteriza por Crossfade Mastering y se edita por LIQUEN RECORDS (bajo auspicio de la Generalitat Valenciana). El currículum de los tres músicos que componen Grupo de Percusión AMORES es tan extenso que lo mejor es que visitéis el siguiente enlace:



18 cortes en los que se va de la composición Tierkreis, 12 Melodies del Zodiac de Stockhausen a base de pequeñas perlas engarzadas de corta duración, y luego 6 cortes más extensos abarcando el corpus cosmovisionario de Hildegarda, cantados si no me equivoco en su Ignota Lingua de 23 letras del Alfabeto y que era usada con fines místicos. Curioso la mezcla máxime teniendo en cuenta la animadversión de la abadesa benedictina a cualquier teoría que tuviera que ver con la adivinación del futuro a través de las estrellas. Una interacción experimental musical de dos figuras visionarias separadas por 8 siglos pero que resultan tan vanguardistas que casan a la perfección y que van desde figuras jazzísticas avanzadas que pueden recordar a CARLA BLAY hasta esas codas de jazz contemporáneo del binomio JULIE / KEITH TIPPETT.

Dado lo complicado del disco, voy a intentar describirlo a mi modo y llevarlo al campo de mi limitado acervo, porque si no me temo que no voy a ser capaz de adentrarme demasiado en este laberinto que resulta ser Dreizehn.

Los 25 minutos de Tierkreis se dividen en 12 cortes, uno para cada Planeta. De corta duración, muestran una música de cámara minimalista cercana a la Toy Music. Lejos de la grandilocuencia del Romántico, aquí prima la belleza incólume del Neoclasicismo, pero todo teñido del aire de rareza de la Clásica Contemporánea. La voz soprano de María García Maciá se desliza de forma majestuosa dejando espacio para los vibráfonos, las tablas o los toques percusivos más marciales ("Libra" es buen ejemplo). Voy a soltar una estupidez de carácter ciclópeo, pero en "Escorpió" me parece estar asistiendo a un cruce entre CASSIBER y MAGMA destilados hasta su esencia molecular. Uno de los mejores cortes de esta primera parte del disco y sin duda la más cercana al Jazz-Rock.


Los temas en los que interviene el Piano de Juguete de Víctor Trescolí Sanz son los más abstractos, casi Zornianos ("Sagitari", la preciosa, acuática y mistérica "Pisces" con una soberbia interpretación de María García Maciá y la casi Zeuhl "Áries") si se les hubiera añadido algún instrumento de viento. Piezas concretas engarzadas del minimalismo tipo caja de música tan típico de Stockhausen aunque si me apuráis, algo de la obsesión de aquel por el Gamelan queda en el Grupo de Percusión AMORES

En clave Jazz Noir la verdad es que también se salen, y si "Géminis" parece un estándar jazzístico, la explosión percusiva de "Cáncer" sería Free jazz (si se me permiten las comparaciones) para acabar con una tribal y ominosa "Leo", plagada de ecos y voces (no sé si procesadas) de índole desconocida.

La segunda parte del disco, dedicada al Códex Musical de HILDEGARDA DE BINGEN, requiere todo el esfuerzo del oyente. Abre "Suite Hildegard" con una introspectiva melodía y la voz soprano más melosa y menos agresiva de Élia Casanova Martí. El hecho de ser una voz con menos esquirlas, más aterciopelada diría, hace que la sensación en el oyente sea la de estar viajando por una suerte de Neo Folk, o ese género ya un poco en detrimento que eran las Heavenly Voices (sellos tipo PRIKOSNÓVENIE lo cultivaron a la perfección). Fantástico un cambio de ritmo a mitad de tema con percusiones más metálicas y mucho vibráfono. 


Si la primera parte del disco era como escuchar el sonido de una caja musical perpetua la sensación en la Suite es la de estar pasando páginas de un Códice Medieval. Así pues, "O Vos Angeli" son nueve minutos de leyenda que mezclan el hipnotismo del Gamelan con lo Neoclásico (en lo conceptual y lírico repasan las nueve jerarquías angélicas), para aderezarse con una voz mántrica que suelta efluvios mayestáticos, sobrios pero de una gran espiritualidad. No quedándose parados en lo fácil, los temas mutan y aquí por ejemplo hay momentos en que entran melodías y patrones propios del Jazz-Rock. En absoluto estamos ante un disco de Nuevas Músicas o New Age, que quede claro desde ya.

Fastuoso el himno "O Inge Spiritus", dedicado al fuego del Espíritu Santo, es el corte más oscurantista con sus voces recitadas y aires litúrgicos, al menos en inicio, porque luego tiene aires clasistas bastante asequibles. No sé si sería una ignominia citar aquí a DEAD CAN DANCE pero lo veo factible. "O Cohors Milicie Floris" es una antífona que se complementa a la perfección con el responso de "O Lucidissima Apostolorum Turba". Ambas son lentas, elevadoras y el trasfondo musical abraza algo del drone acústico vibrátil no sólo de los instrumentos, sino del eco de la misma voz que parece venir de una cueva.


Las estrellas, el universo, quedan otra vez puestos de manifiesto pero esta vez a través de la antífona "Karitas Abundat" (de imis excellentissima super sidera). Cantos monásticos que dialogan con una percusión mínima, pequeños arreglos y detalles preciosistas a base de rasgueo de cuerdas, campanillas y pequeños objetos creando una base elevadora y sutil que llega a las estrellas con una facilidad pasmosa.

Un disco imprescindible para amantes de la vanguardia. Una grabación exquisita, sublime con la que sobrecogerse, meditar y autofagocitarse una y otra vez hasta no dejar residuo.

viernes, 1 de noviembre de 2019

THE ELECTRIC FUNERAL - "THE WILD PERFORMANCE" (GUERSSEN/SOMMOR SOMMCD042, 2019)


ELECTRIC FUNERAL hunden sus raíces en los años 70. Se forman en Suiza en las postrimerías de los 60 por Edi Hirt (batería), Pierrot Wermeille (bajo), Alain Christinaz (guitarra) y Dominique Bourquin (voces), y como toda banda de eso que se llama ahora Proto-Doom, tuvieron como influencias a DEEP PURPLE, BLACK SABBATH o los ZEPPELIN, aunque si afilo las orejas a lo que me suena más es a EDGAR BROUGHTON BAND o IRON CLAW

Hoy, Día de Todos los Santos, reseño The Wild Performance, único testamento sonoro construido a base de grabaciones privadas (muy común en la época) y ensayos. Inicialmente editado en 1991 en vinilo, es ahora que por fin vemos una edición remasterizada con cuatro bonus tracks de cintas de archivo recientemente descubiertas (o sea, el nirvana para los melómanos). 

¿Y qué hace tan deseables e imprescindibles a ELECTRIC FUNERAL y una grabación tan áspera y cruda?. En primer lugar, su carácter histórico. El Proto-Doom o como queramos llamarlo entroncaría luego con el Thrash de una forma aplastante con los CELTIC FROST, recrudeciendo el Hard Rock para llevarlo al límite donde el Heavy Metal años más tarde copularía con BLACK SABBATH en los de Zurich, pero aquí las miras estaban en terrenos más británicos y americanos. Está claro también que los suizos cogieron su nombre de los SABBATH y Paranoid, y ahí no caben demasiadas especulaciones, y tenéis unos trallazos duros y secos como "Black Pages" y "I Don´t Know" para ser testigos del nacimiento del Heavy Metal desde sus mismas fuentes genuinas (suizas, británicas o del espacio exterior), con algo por ahí de URIAH HEEP. Sin más, los agudos de Bourquin pueden extrapolarse a donde queráis sin ningún problema de compatibilidad.


Sin embargo, hay un aspecto que se me antoja casi inédito y es la energía pura y visceral de unos temas capitaneados por una sección rítmica tan psicodélica y herrumbrosa que (quizás voy a decir una barbaridad) hace que tenga que coger otra vez la hoja promocional y asegurarme de que no se trata de otra actuación en vivo perdida de LES RALLIZES DENUDÉS o bien extractos de GERMAN OAK (sólo tenéis que escuchar la apertura del disco con "People" para saber de lo que hablo, y si me apuráis, intuyo esporas de lo que iba a ser la NEW WAVE OF BRITISH HEAVY METAL). Me tengo que pellizcar alternativamente ambos pezones para convencerme de que no está grabado en el mismo búnker de los germanos (maravillosos ecos Lo-Fi imposibles de reproducir a día de hoy gracias a eso de la bobina abierta).

The Wild Performance está grabado en 1970, con lo que mínimo puede codearse con PENTAGRAM y hablar de una versión crudísima de CREAM, IRON BUTTERFLY o BLUE CHEER. Si nos quedan dudas del carácter primitivo de la grabación, recordad que cosas como BEDEMON, TROUBLE, THE OBSESSED o ST. VITUS son posteriores, y esas bandas se las considera padres putativos del Proto-Doom, y esa etiqueta no es más que una masturbatoria inclinación por la parte bluesera del Hard Rock, pero llevándola al extremo... lo harían los FLOWER TRAVELLIN´BAND japoneses incluso, para que veáis el carácter global de la escena. Esos ritmos lentos y arrastrados, psicodélicos, marcados por un bajo taladrante y unas voces ultra pegadizas están en "War Funeral Song", todo un himno que ya querría cualquier banda de ahora poseer en su repertorio. Las guitarras, cargadas de Fuzz vibrátil, se lanzan en salvajes cabalgadas con espíritu de Jam a lo Argus de WISHBONE ASH (pero sin el doble juego de guitarras característico de aquellos).


Dentro de los temas más fangosos están el loco "You Can Help""Rock Ba Rock", que se define a sí mismo por el nombre y tiene un riff central de guitarra maravilloso, un estribillo pegadizo y vuelta al motivo principal. Si algún punto flaco veo es la batería, para mi gusto estándar (efectiva). Sólo voy a decirlo una vez más, pero a mí esto me recuerda muchísimo a LES RALLIZES DENUDÉS.... "To Be One" parece heredera de Takashi Mizutani. Un obsesivo bajo, una letanía vocal (más aguda, eso sí) y un persistente ritmo machacón que te muele en vida.... en definitiva es un Rock and Roll tocado con un correoso tempo lento benzodiacepínico alucinante. Se incluye al final una versión distinta de 8 minutos impagables y mucho más punkarras si cabe. 

"We´re Gonna Change The World", a pesar de su producción embarrada (es en directo), es un maravilloso punto de encuentro entre BLACK SABBATH y... ¿primeros IRON MAIDEN?.... no sé, pero es que salvando las distancias (y los medios, y que no hay dobles guitarras) hay conexiones por todos sitios. El deje vocal es muy de Ozzy y este estribillo lo hubiera clavado a la perfección (poned aquí un emoticono de piloerección). Más agudo en las voces pero mismo espíritu MAIDEN tiene "Fly Away" (o de THIN LIZZY, UFO y THE WHO...), corte que cuando se enlentece es de los más doomy del disco, y vuelvo a resaltar el enorme trabajo de la guitarra aunque peque de pesado.

Una prueba de la potencia de ELECTRIC FUNERAL la tenéis en la salvaje y larga "My Destiny", con una batería que aquí sí que se aprecia más; cambios de ritmo, punteos y adornos del bajo muy conseguidos y las voces más blues y roncas (¿un Louis Amstrong rockero?) me ponen media sonrisa en la cara... vaya trabajazo a las voces de Dominique Bourquin que no permanece estático. Si esta banda hubiera durado creo que la evolución hubiera sido impredecible. 


Sea Proto Punk o brutalísima explosión de Punk embarrado en Hard Psych, se muestra la faceta garajera de las bandas del momento, y hasta qué punto esto es actual lo demuestra la impresionante edición en doble vinilo que se ha marcado SOMMOR, subsello de GUERSSEN, con póster y un precioso marco morado que sustituye a la primera edición en rojo y ojo con este detalle.

Hay una cosa que es la Sinestesia; percepciones y asociaciones extrañas que están ahí por algún motivo, y el morado, señoras y señores, es el color del Proto-Doom. Quizás sea porque en ese género siempre se han usado referencias cristianas como la cruz, y la estola o casulla sacerdotal tiene mucho de ese color.

El color morado siempre se asocia a la magia y los obispos lo usan como símbolo de la piedad. Posiblemente esto venga de la Crucifixión y de la túnica púrpura con la que adornaron el cuerpo de Cristo“Y los soldados torcieron una corona de espinas y se la pusieron en la cabeza y lo vistieron con una túnica púrpura” (Juan 19: 2). El color púrpura aparece reiteradamente en textos bíblicos desde El Éxodo y ya digo que por alguna razón, siempre lo he tenido asociado al Doom tradicional... ¿se trata de una paja mental mía?... pues seguramente.


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martes, 29 de octubre de 2019

MIGUEL SOUTO - "II: EURÍDICE" ( III Arms ‎– IIIA020 / La Llama Inextinguible ‎– 01, 2018)


- Joven Orfeo –dijo Plutón-, hasta aquí habían llegado noticias de la excelencia de tu música; pero nunca hasta tu llegada se habían escuchado en este lugar sones tan turbadores como los que se desprenden de tu lira. Por eso, te concedo el don que solicitas, aunque con una condición.
 - ¡Oh, poderoso Plutón! –exclamó Orfeo-. Haré cualquier cosa que me pidáis con tal de recuperar a mi amadísima esposa.
 - Pues bien –continuó Plutón-, tu adorada Eurídice seguirá tus pasos hasta que hayáis abandonado el reino de las tinieblas. Sólo entonces podrás mirarla. Si intentas verla antes de atravesar la laguna Estigia, la perderás para siempre.
- Así se hará –aseguró el músico.

He decidido por alguna razón que se me escapa que Eurídice sea mi carta de presentación de letras del músico de La Coruña MIGUEL SOUTO. Quizás sea por la tremenda carga trágica que embadurna esta preciosa cinta doble (como objeto es impagable), segunda parte de una trilogía (empezada en 2016 Ego Solus Ipse), y que lenta pero inexorablemente habla de la cópula perversa entre Thanatos y Eros que desemboca en ese caos infinito, nauseabundo y Sartriano de La Nada. Como suele ocurrir en este tipo de discos tan personales, me siento como un Voyeur montado en una barca que navega por mares serotoninérgicos; un intruso que no debería estar ahí pero que por razones del destino está. Ruego perdón por mi intromisión.

No creo que sea casualidad que la primera cinta se llame Eurídice y la segunda Orfeo, siendo éste quien baje al Inframundo, a la Laguna Estigia, a tratar con Caronte para conseguir llegar a Hades. Ambos amortajados en dos cassettes preciosas en una mortaja de plástico diseñada por TREBLE NOIR y editada por III ARMS / LA LLAMA INEXTINGUIBLE

Aunque previos trabajos de Souto tiren de una estela más oscurantista, abrazando géneros como el Noise, el Drone o el Black Metal (por ejemplo en el proyecto SUDARIA o en el Black Industrial de S.E.K.H.), aquí en solitario se nos muestra en una belleza intimista tan prístina que las primeras notas de piano de "VI: Una Tumba de Ruido y Telarañas" me pilla totalmente desprevenido; a mí y a mis vellos, que en piloerección buscan hermanamiento con las estrellas. Diez minutos lánguidos, decadentes y apesadumbrados que entonan de forma fúnebre lo que el propio artista define con la tremebunda frase: "no ha forma de contar lo que nunca pasará, ni lo que nunca pasó". Un uso de los espacios entre las notas que me recuerdan al clasicismo del dúo ATTHIS en Una Botánica Propia (reseña aquí) y en Sentimiento Oceánico (aquí). 


Se van abriendo paso efluvios de un silencio que no es tal, pesado, plúmbeo y que se transforma en una pátina que flota/borra la melodía del piano... que la lleva a un segundo plano. Así suenan los recuerdos. Ecos, rebotes, esbozos que parecen pero que no son. Como cuando te encuentras de repente a un amigo de la infancia y ves sus caracteres y su fisonomía intacta, pero cuando te fijas o entablas una conversación un aire de extrañeza irrumpe de forma salvaje haciendo tensa cualquier conversación. Así suena el final del primer corte; como extractos de conversaciones radiadas amputadas de vida y reducidas/destiladas a una esencia que vive sólo como impulsos eléctricos. 

Se desvanece el piano y llora la electrónica. Ruido. Amplificación de un cuerpo (in extremis) en descomposición o de un alma (in excelsis) que se evade de la realidad, Souto marca de cierto Harsh Noise pegadizo que coquetea con la electroacústica en "VII: Veneno"

En la Cara B de la primera cinta, "VIII: Antes de Cruzar el Portal" o veinte minutos de un bilioso Noise teñido de Dark Ambient asalta los tímpanos del oyente. Una voz lejana, pasada por vocoder o sampler, pone las coordenadas en el Power Electronics malsano. Al fin y al cabo, no es el primer trabajo que el género dedica a la pérdida y la muerte... aunque con otro acercamiento se me ocurre compararlo con How Welcome is Death to I Who Have Nothing More to Do But Die de CON DOM


Subidas y bajadas de potenciómetros se alternan con un pulsátil y constante drone sobre el que se desarrolla un diálogo de golpeteo de metales. La voz va y viene, métrica medida a la perfección para encajar poesía corrupta en la maraña de ruido aunque cuando crees que va a seguir el tono violento hasta el infinito, el tempo baja y la música se desnuda quedándose en truenos lejanos y campanas tocadas a muerto que se deslizan como una procesión o rito religioso antiguo. Se me ocurre comparar esto con NO FESTIVAL OF LIGHT, ARCHON SATANI o BRIGHTER DEATH NOW, pero siempre con matices... no en vano III ARMS ha editado cosas tan oscuras y experimentales como NOIR NOIR o HEULEN, grupos que sigo bastante desde su paso por MAGIA ROJA.

Si todavía había carne y cuerpo presente en las notas de piano que abrían la cinta, aquí hemos pasado a cohabitar la inexistencia. No quedan humores que evaporar pero sí memoria, recuerdos, fístulas en el alma que imprimen de ponzoña la existencia y que tienen su equivalencia terrenal en esos cantos pseudo tibetanos, throat singing o procesamiento de voces que hacen que pasemos de la melancolía inicial a la más densa oscuridad. Así se cierra Eurídice y se da paso a Orfeo


"El Canto de las Musas Sin Voz" existe por inercia. La apertura de Orfeo es un acople de guitarra procesada característico del Drone y que abruptamente cede el protagonismo a una cósmica sábana de teclado que puede recordar a unos POPOL VUH o TANGERINE DREAM de sus inicios. Me gusta mucho el tono Lo Fi que se le ha dado a la grabación... se siente orgánico y puedes mascar entre tus empastes el chicle eléctrico gomoso de la música. La minimalista pieza "Un Dolor Punzante" es un entierro electroacústico de cariz concreto y experimental fabuloso. Quizás estoy mal de la cabeza pero me suena a Saeta Noise experimental.

"Fiel a la Rosa de lo Inmundo", claro homenaje a los necróticos versos de PANERO, sirve de corto puente ruidista hacia la final "Pulsión de Pulsión" que cierra el círculo a la perfección entroncando con el primer tema de Eurídice. Si aquel era melodía ordenada neoclásica de piano, en Orfeo una tonada de cuerdas (cello, bajo o lo que sea) rasgadas con arco imprime desesperanza sin retorno. Una circular melodía recurrente, acuosa como el llanto, deja vívidas úlceras a su paso por las mejillas (el curso de un río)... al más puro estilo DOCE FUEGOS (aquí), todo se va amontonando en capas y loops. 

¿Y no es un Loop el Duelo?.

viernes, 25 de octubre de 2019

YUNCLAS - "TRIPALIUM LIGATUM" (MARBRE NEGRE; MN102, 2019)


Parece que el trabajo no siempre ha dignificado al hombre. Múltiples acepciones etimológicas llevan de la palabra Tortura a Trabajo. Desde el Latín Tripaliāre (torturar) se deriva al Tripalium, instrumento de tortura compuesto de tres palos, inicialmente empleado en el ganado pero que posteriormente se usaría en los esclavos. En francés Travail se enroca con Tormento o Fatiga, mientras que en italiano sería Travaglio, Trabalho en portugués y aunque la forma de la palabra cambie, en alemán Arbeit habla de sufrimiento y Work en inglés viene de Wrikan (persecución) o Rabota en Eslavo

Una búsqueda de hemeroteca más exhaustiva os pondrá sobre la pista también de cómo el Tripalium se conecta con la Crucifixión y esta a su vez con el empalamiento, así que tiro de biblioteca personal y añado lo que decía Daniel Sueiro en La Pena de Muerte (1974) a propósito del tema: `Hay una relación clara entre el empalamiento y la crucifixión. Justo Lipsio, sostiene que éstos llamaron crux a todo suplicio levantado en el aire al que se ligaba o enclavaba al condenado. Lipsio divide ante todo las cruces en simples y compuestas; llama simples a las que sólo constan de un madero, y éstas las subdivide en las que sirven para la "afixión" y las utilizadas para la "infixión". En los maderos de "afixión" se liga o clava a las víctimas. Los maderos de "infixión" consistían en unos palos agudos que traspasaban al desgraciado de abajo arriba por medio del cuerpo hasta la boca´.


Este es el sustrato conceptual que mueve a Tripalum Ligatum, nuevo suplicio en cassette de YUNCLAS editado por MARBRE NEGRE donde destaca un sonido fantástico para ser una cinta (últimamente no es habitual conseguir buenos resultados) dentro del submundo pseudoactivista del proyecto, esta vez menos Techno pero sí más destilado y sugerente. Desde el Dark Ambient pasando por el Noise o el Martial, el disco se graba y mezcla entre Noviembre y Abril de 2019 usando material procesado en diferentes fábricas, industrias y demás (field recording puro y duro) con la ayuda de Aceralia y Pichi Broncomachine. El artwork son grabados muy acordes con la música (Sandra Arias).

Es precisamente al perder los característicos beats Techno que resalta mucho más toda la maraña férrica que subyace detrás de YUNCLAS, y para mí eso ha sido un gran acierto y continúa la línea argumental expuesta por la maravillosa De Lingua Ad Mortem (reseñada aquí), que no es sino evolución a su vez del Techno despiadado de Train to Finland (reseña aquí), a años luz en cuanto a calidad de la visceral cinta de Quebraes (reseña aquí). Entre medias tendríamos esa rara avis alucinante del Split con El Sonido del Vacío (aquí).


30 minutos que se abren con la percusión amenazadora y épica de "Dolor Machina", asaeteada fabulosamente por detalles ambientales de fondo que recuerdan al Dark Ambient de corte clásico con un pie en lo marcial. Es a máximo volumen cuando cobran vida detalles orfebres a base de acoples sobre una pátina electrificada que cuesta identificar... al rato parece una guitarra procesada, y al minuto surgen claramente golpes de martillo y lo que parecen sierras descomunales pidiendo paso por una chapa de acero. 

Silbidos, emisiones de vapor y un ominoso ambiente ponen la carne de gallina. Una evolución fantástica en el submundo de YUNCLAS. Sigue "Patiens Vocatio", entrecortados indicios de que el Lo-Fi Techno podría hacer acto de presencia en cualquier momento, pero la infección decide desparramarse mediante un lento riff de guitarra (o parecido) afinado en el espectro fúnebre del asunto... vibrátil, pesadillesca melodía que se refuerza con una percusión directa y cruda como lo es el golpeteo de hierros.

El homónimo "Tripalium Ligatum" describe la tortura como mejor se puede hacer... con una melodía juguetona que parece sacada de una caja de música, pero pasada por la distorsión del Harsh Noise y embadurnándose de un ambiente psicodélico que lleva la música a un nivel superior. Mejor imposible. Así se cierra la Cara A.


"Patients Ad Mortem" y "Patients Mora" forman un díptico opresivo a lo largo de toda la Cara B. En el primero, a pesar de la oscuridad manifiesta, hay momentos de guitarra acústica que aparecen y se desvanecen como efluvios entre los ásperos engranajes de una maquinaria que nadie revisa desde su creación, creando un contraste marcado y meditabundo. Se roza algo parecido al Doom industrial en algunos momentos o más bien Power Electronics en un tempo lentísimo (excelentes las agudas voces; pocas, pero casi que mejor.... suele abusarse mucho del este recurso en el estilo). "Patiens Mora" es la continuación lógica del anterior, en la misma onda, pero tirando todavía más de experimentación y barroquismos.

Sin temor a equivocarme, uno de los mejores trabajos de Industrial de nuevo cuño que he tenido ocasión de echarme a las orejas, de un proyecto, YUNCLAS, del que vengo contando sus vicisitudes desde hace tiempo y que estoy seguro va a pegar un pelotazo. Al tiempo... y el que avisa no es un traidor... es simplemente un trabajador como tú.

miércoles, 23 de octubre de 2019

MIGUEL A. RUIZ - "LA CÁMARA GAMMA" (EDICIONES TORACIC; TD-80, 2019)


"Como es lógico, nadie se preocuparía por semejante investigación si no fuera
porque existe realmente un ser llamado Odradek. A primera vista tiene el aspecto
de un carrete de hilo en forma de estrella plana. Parece cubierto de hilo, pero
más bien se trata de pedazos de hilo, de los tipos y colores más diversos,
anudados o apelmazados entre sí. Pero no es únicamente un carrete de hilo,
pues de su centro emerge un pequeño palito, al que está fijado otro, en ángulo
recto. Con ayuda de este último, por un lado, y con una especie de prolongación
que tiene uno de los radios, por el otro, el conjunto puede sostenerse como sobre
dos patas."  KAFKA

Editada originalmente en 1987 en el sello EGK de ESPLENDOR GEOMÉTRICO, La Cámara Gamma es ahora reeditado en Cdr con remasterización del propio MIGUEL A. RUIZ para su sello EDICIONES TORACIC, completando un poco más ese acervo musical electrónico y avantgarde (conocimiento en suma) que yace soterrado en los abismos culturales de dos décadas de inopia periodística especializada. 

El cariz fantástico no puede pasarse por alto, ya que al fin y al cabo los Rayos Gamma (y por ende casi que cualquier tipo de partícula, emisión o sustancia) pasa por un desarrollo vital con estaciones a lo via crucis muy marcadas. Desde el miedo y el desconocimiento (nada más hay que tirar de los Superhéroes y ver cuántos tienen como origen de sus superpoderes a la emanación, escape o impregnación de tal o cual isótopo), hasta la aplicación en medicina actual, pasando entre medias por la fase de miedo o la fase de glorificación de las nuevas energías (y la consabida falsa publicidad).


MIGUEL A. RUIZ explora el miedo a lo Nuclear mediante un sabio cruce entre el Frío Soviético (no hay nada más sugerente que esto) y la primera medicina experimental (aunque el disco sea de finales de los 80, exuda aires contextuales de los 60).

Una larga suite de 60 minutos dividida en dos secciones principales que son "La Cámara Gamma" y "Die Sorge Des Hausvaters" conforman lo que bajo mi humilde opinión es un trabajo que pertenece a la fase más oscurantista del artista, muy enfocado a lo cinematográfico y con un pie en la música concreta y abstracta. Cargado de matices y rehuyendo la melodía en sí misma, sí que hay toques de ese primer Industrial fabricado en España, pero que se aleja del Noise vertebrándose en exabruptos sonoros propios de una Banda Sonora de Terror.

Sin destacar un corte sobre otro, sí que me gustaría hacer hincapié en un detalle. La Cámara Gamma es un tenebrista cruce entre una banda sonora del primer Morricone (con esa maraña tensa y fluctuante pero sin el uso de vientos o cuerdas) y los discos electrónicos alemanes de la fase ochentera. Es alucinante la versatilidad de un artista camaleónico donde los haya, capaz de mutar entre estilos con una facilidad pasmosa y que en esta gloriosa cassette se volcó a su lado más claustrofóbico.


En 60 minutos ocurren de todo. Desde Soundscapes que podrían ser derivados electrónicos de Also sprach Zarathustra de STRAUSS a partes marcadamente espaciales a lo EDUARD ARTEMIEV pero con recursos más propios de lo Industrial... o dicho de otro modo, un acercamiento minimalista y concreto a lo Industrial. Sin poder asegurarlo, creo que "Die Sorge Des Hausvaters" se basa en Las Preocupaciones de un Padre de Familia, cuento de KAFKA recogido en 1919 en su obra Ein Landarzt. Kleine Erzählungen. En dicho cuento, el protagonista es ODRADEK, quizás crítica al Capitalismo aunque hay teorías que hablan de un regreso psicológico a lo oprimido por el Yo.

Poco más que añadir. Recomendar sin dudarlo esta obra de culto de nuestra música Experimental.

Uno siente la tentación de creer que esta criatura tuvo, tiempo atrás, una figura
más razonable y que ahora está rota. Pero éste no parece ser el caso; al menos,
no encuentro ningún indicio de ello; en ninguna parte se ven huellas de añadidos
o de puntas de rotura que pudieran darnos una pista en ese sentido; aunque el
conjunto es absurdo, parece completo en sí. Y no es posible dar más detalles,
porque Odradek es muy movedizo y no se deja atrapar. KAFKA

martes, 22 de octubre de 2019

TEOSOFÍA, FOTOGRAFÍA POSTMORTEM y ESPIRITISMO en el BLACK METAL de EMANATION (parte III)


"Whatever plane our consciousness may be acting in, both we and the things belonging to that plane are, for the time being, our only realities. As we rise in the scale of development we perceive that during the stages through which we have passed we mistook shadows for realities, and the upward progress of the Ego is a series of progressive awakenings, each advance bringing with it the idea that now, at last, we have reached "reality"; but only when we shall have reached the absolute Consciousness, and blended our own with it, shall we be free from the delusions produced by Maya [illusion]." BLAVATSKY

* FOTOGRAMA I: BEGOTTEN*
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Mother Earth

[she impregnates herself with God's semen]

BEGOTTEN, cinta de culto experimental donde las haya (Edmund Elias Merhige, 1991), sirve de enriquecedor sustrato y compost para la fermentación de una imagen muy particular en el artwork del proyecto de Black Metal experimental EMANATION, de sonido desasosegante y apesadumbrado como ya habíamos visto en los dos previos trabajos  One Soul, One body, One Spirit (reseña aquí) y Under Magnetic Sleep (reseña aquí). Faltaba ese elemento para comprender en su totalidad la profundidad de uno de los más sugerentes proyectos de metal extremo patrios que he tenido ocasión de echarme a los tímpanos. 

La comunión entre Teosofía, Doctrina Espirita y la aparición de la Cinematografía conforman un triple pilar que desplaza los ya demasiado habitados bosques nórdicos para establecer un punto de partida diferente; el olor a musgo y lluvia es sustituido por los efluvios de probetas en viejos alambiques... muñequeras de pinchos y hachas vertiginosas desplazadas por trajes de domingo holgados sobre la piel de un cadáver con Rigor Mortis. Si el Black Metal nórdico exuda fuego, EMANATION vomita ectoplasmas por un tubo digestivo con olor a batracio infecto y el Corpse Paint se acompaña de monóculo y bigote recortado.

El cine onírico, surrealista y perturbador de BEGOTTEN se toca tangencialmente con la imprescindible VAMPYR (Carl Theodor Dreyer, 1932) y ya de paso atraviesa de lleno el cine expresionista alemán de Fritz Lang o Murnau y es que al fin y al cabo la sensación más cercana al contacto con el Más Allá lo daría la visión de esas primerísimas imágenes en movimiento que darían lugar al cine (de lo herético a lo científico pasa una línea tan fina que a veces es inapreciable).  


Tampoco sería desdeñable incluir cintas de culto más actuales como son THE BLACK DOOR (Kit Wong, 2001), sobre todo por el aspecto espiritista del asunto. Esa fusión metafísica de lo mítico, la muerte y lo industrial en la música de EMANATION recordará ineludiblemente en el cine a cosas como ERASERHEAD de Lynch, y es en los característicos usos de los brillos y el contraste de los fotogramas (en las cintas citadas) donde podemos captar el Claroscuro de una música que busca retorcerse sobre sí misma en The Emanation Of Begotten Chaos From God, editado en CD por MONAD PRESS en 2014 y con una repercusión mediática casi nula en nuestras fronteras, muy curioso si tenemos en cuenta de que estamos ante uno de los trabajos más grandes de Black Metal editados en España, y encima con el término Avantgarde de por medio.

Elias Merhige, armado de una sobresaturación excelsa, fotograma a fotograma, en su claustrofóbica cinta BEGOTTEN, viene a ser una buena comparativa del entramado industrial a nivel de sonido en este disco. Nunca el Drone había casado tan a la perfección con el celuloide (sinestesia) y es a partir del visionado de este cine experimental que os digo (y BUÑUEL y más cosas, pero no quiero perder el hilo de lo que os estoy contando) que uno se empapa del Napalm alquímico de EMANATION

*FOTOGRAMA II: SINESTESIA*
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Sinestesia

Del griego antiguo σύν (sýn, "con") y αἴσθησις (aísthēsis, "percepción") más el sufijo -ia.

Según el libreto que acompaña la edición en Cd de The Emanation of Begotten Chaos From God, los temas aquí incluidos vieron la luz en 2011 en formato cassette para posteriormente revitalizarse en esta fabulosa edición de MONAD PRESS LIMITED bajo el auspicio de CG SANTOS

Salvo que se me escape algún dato, imagino que la cinta en cuestión a la que se refiere el texto es la de One Soul, One Body, One Spirit e incluso algún que otro descarte que iría a parar a Under Magnetic Sleep. Los 71 claustrofóbicos minutos son vestidos de gala tal y como dice el autor: "according to some experiments committed in northern Spain, The Black Door and Les Carriéres de Paris, France, in April and November of Two Thousand Eleven".

Unas meditabunda sábana casi Folk abre el disco con "Cyclic Metamorphosis". Notas de guitarra se van pisando unas a otras mediante una especie de teratogénico Loop que deja la melodía de fondo clavada durante 15 impertérritos minutos. Mientras tanto, entran las percusiones en modo monolítico con un Black pseudo Industrial que por tercera vez estalla con la irrupción de las guitarras distorsionadas y todo los efectos y procesamiento de alguien que ha tenido la friolera de 20 años para depurar su sonido con LIKE DRONE RAZORS THROUGH FLESH SPHERE

No queda espacio para respirar... ni un resquicio de luz en la imperturbable marcha fúnebre de un corte bastante original que cuesta etiquetar. Todavía ha de mutar una vez más la música adquiriendo los tonos violentos de los CARPATHIAN FOREST o incluso los austríacos ABIGOR aunque si se presta atención a lo que va transcurriendo en planos paralelos a la línea melódica principal se acordará (la producción Lo Fi ayuda) de T.O.M.B., SKULLFLOWER o WOLVSERPENT. Voces rasgadas, otras susurradas y riffs de guitarra más melódicos de lo que pudiera uno pensar a priori conectan a EMANATION con el Funeral Doom.


Las cosas se van tornando raras. ."Ritual Asphyxia" acentúa el aspecto procesionario (sobre todo por la percusión) pero disuelve como plomo al resto de instrumentos hasta el punto de tener la sensación de que te están curtiendo en Natrón. Me gustaría resaltar ciertas similitudes con la primerísima etapa de SUMMONING (de cuando eran un trío en Lugburz); por la percusión seca y sintética (que se acentuaría luego al pasar a dúo) y por la frialdad cortante de unas guitarras que parecen amplificadas con la energía telúrica de una placa tectónica. Fantástico el interludio corrosivo de Blast Beats y lo acre de las voces. 

Siguen dos temas algo más cortos. El atmosférico "Immortal Blood Coil" con un inicio electrónico al más puro estilo Dark Ambient de COLD MEAT INDUSTRY en un cruce perverso entre Hexerei im Zwielicht der Finsternis de AGHAST y L'arrivée de la Terne Mort Triomphante de GNAW THEIR TONGUES. Exquisita fusión Avantgarde de un nivel tan alto que me cuesta creer lo poco conocido que es este disco. Más furiosa pero igualmente retorcida, "Synesthesia of the Lesser Sphere" tiene la cadencia de un dial fatuo sintonizando emisoras fantasma sobre la pátina más Industrial de todo el disco (rozándose el Harsh Noise y el Power Electronics, sobre todo en lo rítmico que es como escuchar un columpio oxidado mecerse dentro de una campana ultraamplificada). Alucinante cómo la maraña electrónica se amolda y vertebra hacia lo melódico recordando a tanques alemanes como los primerísimos DIE KRUPPS, los bizarros desconocidísimos canadienses ZARAZA o los franceses TREPONEM PAL.


Siguen los 18 minutos de "Inorganic", sin un ápice de piedad por el aparato auditivo del oyente. Si BURZUM hubiera tirado para el Noise sonaría a algo parecido. Música muerta que llega sólo por la gracia y obra de impulsos eléctricos. Música invocada, traída a este mundo por la ciencia y recogida en viejos cilindros de cera. 

Necro Pagan Electro Black obsesivo y pesadillesco como dragar un fecaloma ciclópeo a los intestinos obturados del Universo ("Alive but dead, androgyne totemic emanations over the circumambulatory continuum are the keys of the double helix door, the mystery of the eleven stars with no shine, which thou sawest in the dreams and the eleven mouths of inorganic latent echo"). Interludio de acoples férricos ambientales y luego vuelta a repetir todo lo anterior hasta secarte el alma. Psicodelia más negra que la noche de los tiempos. Este es el disco que hay que mandar en sondas espaciales para presentar a nuestra civilización a otros seres, que queden las cosas claras desde el principio.

Si te queda un ápice de energía vital, todavía te quedan los 15 minutos de "Sands of Totemic Silence". Tenue en su lánguido inicio, destaca por unos espaciadísimos toques ruidistas que tiran de lo experimental. Se toma su tiempo en arrancar pero cuando lo hace lo primero que se me viene al tarro es que CG SANTOS está tocando un Blues en clave Black Metal aunque la intensidad va subiendo en un crescendo épico a lo NEUROSIS que a los eruditos quizás les hable de Post Metal y términos feos de los que no soy amigo.

Un disco que merece a partir de ya ser piedra angular de la música extrema de nuestro país.