domingo, 27 de enero de 2019

HÍBRIDO en el PUB KISS (26 de Enero de 2019)


HÍBRIDO abren en casa, concretamente en el celebérrimo PUB KISS, lo que es su primer larga duración. Algeciras, allí sí que saben de la psicodelia. Es salir de la maldita autovía y vemos psicodelia por todos sitios. Una fábrica psicodélica, un árbol psicodélico... hasta las meadas salen allí psicodélicas.

Desde Málaga y en hidropedal, allá llego con tiempo suficiente de saludar, besar, acondicionar huellas dactilares y todo eso porque bueno, la verdad es que el Pub Kiss se petó. Lleno hasta las trancas oigan. El sonido altísimo, eso sí; quizás demasiado alto para un local de esa envergadura pero bueno, tan sólo hay que coger el mini kit de operación timpánica y ponerse las membranas más para abajo... ahí por donde la mandíbula por ejemplo.


El disco ejecutado a la perfección junto a un tema nuevo que sonó a gloria. Heavy Psych de ese que parece que está tocado dentro de una turbina con un bajo embriagado de tanto fuzz que yo, que me encontraba sentado arriba en el Pub, notaba como una especie de masaje anal o algo cada vez que se acoplaba aquello. 

La moraleja es simple, la música cura... por ejemplo, ayer más de uno y una se vio aliviado de su estreñimiento gracias a la vibrátil densidad en anillo (fumaderas de sonido) del bajo de Pot. Hubo momentos gloriosos; intercambios de riffs de una guitarra a otra, la percusión de Sandri que bueno, está siempre embebida de grosor y dureza y quizás como punto flaco las voces que es muy complicado controlarlas cuando llevas ese muro de sonido.  

Poco más que recomendar que os paséis si podeís a verlos en directo. Esto va a ser grande y luego te gustará decir que estuviste ahí.

Despedidas psicodélicas y vuelta al hogar, que más que lisérgico es Adult Oriented Rock... Adult Oriented Home con sus responsabilidades, sus cosas de siempre y la realidad.









lunes, 21 de enero de 2019

JAULA - "MOVIMIENTOS CIRCULARES" (AURICULAB a30, 2018)


Movimientos Circulares es un trabajo de JAULA editado por AURICULAB en 2018 bajo la referencia a30. Una de las primeras cosas que me dan la bienvenida cuando abro el sobre que contiene la edición (trabajadísima y a mano) es una arandela de acero. 

La portada, bajo un inclemente filtro azulado es una fotografía (industrial) de ATILIO DORESTE. Letras de imprenta, un dibujo interior y la propia arandela son muestras de cómo hacer original y único un disco, más en los tiempos de idiocia que corren dentro de la industria musical.

El sonido, muy orgánico, se desarrolla dentro de una electroacústica instrumental a base de una guitarra procesada, grabaciones de campo y juguetería diversa. El disco (CÍRCULO) dividido en diez partes o mini suites tiene perlas que incluso rozan el minimalismo de cámara (por ejemplo el tercer corte), desarrollándose un ambiente percusivo oriental que podría recordar a los experimentos de ZORN dentro de COBRA o sus "Músicas para Juguetes".  

Todo lo grabado por Nacho Jaula suele tener un cariz autobiográfico, o al menos a mí me lo parece, así que en vez de meterme en mitologías circulares ourobóricas, mejor cito el texto interior que resume a la perfección el espíritu del disco: 

"No encontraba el camino recto y dí vueltas en círculo. Entonces murió la quietud y nació el movimiento".

Una de las virtudes de la música de JAULA suele ser la fabulosa masterización que dota al conjunto de una cualidad orgánica y un eco muy característicos (limpio y sutil). Los rasgueos de guitarra acústica embebido de reverb en el cuarto corte nos llegan de forma física a los tímpanos. La sensación es la de estar metido dentro de una pequeña habitación que a su vez se mete dentro de otra y así hasta adquirir una proporción áurea y ciclópea. 

Reducir esto a simple electrónica es vacuo y quien siga la trayectoria del músico malagueño notará la extrema versatilidad y personalidad de cada uno de los trabajos editados.

El quinto corte, mucho más percusivo, se mete de lleno dentro del hipnótico mundo del Gamelan. Samples de voces, animales o lo que sea (antropomorfo parece al menos) nos llevan a un irreal desierto en pleno atardecer donde junto a Beduinos y a un fuego alimentado con heces de cabras aspiramos el acre hedor de lo místico. 

Ritual, lento y opresivo, en cierta medida tiene algo que me recuerda al ambiente tribal de los Heliocentric Worlds de SUN RA, o esos atávicos menesteres de DON CHERRY en su etapa de Brown Rice (sin vientos, claro). Las similitudes podrían venir de los teclados que tratados a la perfección por JAULA discurren de forma tangencial a lo que RA hizo en discos más abstractos como Atlantis o Cosmic Tones for Mental Therapy

Claro que esto es sólo un tema y al siguiente estamos en una tesitura totalmente distinta. JAULA es un alfarero del sonido y un maestro en estas lides y eso se nota. Cada disco es una nueva aventura plagada de recovecos donde perderte y el grado de atención que precisa cada nueva edición es notable.

Imprescindible.





domingo, 20 de enero de 2019

EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS.... PARTE 1


EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS... PARTE 1
THE NÂZGUL - "THE NÂZGUL" (MENTAL EXPERIENCE; MENT016, 2017)

Con dos narices, FRODO (drums, percussion), GANDALF (percussion, Moog, organ, electric piano, bass) y PIPPIN (percussion, guitar, trumpet) son los integrantes de THE NAZGÛL, banda alemana que allá por 1975 edita este homónimo álbum producido por TOBY ROBINSON (también Gandalf o The Mad Twiddler), personaje sobre el que vamos a contar algo más adelante. 

Lo primero que tenemos que tener en cuenta es que este disco, ahora reeditado en toda su gloria por MENTAL EXPERIENCE, subsello de GUERSSEN, es que no tiene nada, pero nada de Naïf a pesar de su inspiración Tolkiana... es decir, una vez pulsas play, cualquier atisbo de sonrisa que te pudiera quedar en la cara por la elección de la Tierra media como sustrato narrativo es borrado por el apabullante muro de experimentación Kraut a lo primerísimos TANGERINE DREAM, Tape Collaging a lo NURSE WITH WOUND, mala baba proto industrial a lo primerísimos KLUSTER o esos densos soundscapes tan desconocidos de los TAJ MAHAL TRAVELLERS.


Sigamos con los datos de espeleología sónica. El sello PYRAMID es otro de esos bastiones ultra oscuros que a mitad de los 70 se centraría en sacar artefactos de Kraut en ediciones cortas, tiradas raras y otras delicias. COZMIC CORRIDORS, GALACTIC EXPLORERS o una banda con la que llevo muchísimo tiempo obsesionado, GOLEM y su Orion Awakes que casual de los casuales yo creía imposible conseguir y ahora me entero que también reeditó MENTAL EXPERIENCE en 2017 (voy a ir poniendo euros en la hucha a ver si puedo solucionar este asunto). 

PYRAMID estaba regentada por el mismísimo TOBY ROBINSON, y se centraba en ediciones grabadas en los DIERKS STUDIOS. Sin embargo, según bibliografía y datos (por ejemplo en la magnífica e imprescindible THE CRACK IN THE COSMIC EGG), es el pintor y artista ROBIN PAGE, amigo del anterior, quien se encargaba de las ediciones al contar con una fábrica de prensaje (me imagino que precaria, no lo sé... hay que tener en cuenta que eran tiradas de entre 50 y 100 copias).

Pero ojo, mi labor es informar y contar, y parte de la leyenda negra es que estas ediciones de PYRAMID forman parte de una teoría de la conspiración en la que aprovechándose de las nuevas tecnologías y el carácter oscurantista de todo ello, aprovechados como el propio Toby Robinson crearía bajo pseudónimo varias de estas obras que en realidad, según algunos, son bastante posteriores. La conspiración parte de que muchos aseguran de que nadie posee una de estas copias de la época y es realmente 1997 donde la irrupción del sello PSI FI daría el pistoletazo de salida a estos Fakes (ojo, no lo digo yo, ni entro en el debate) como el ya largamente debatido Impressionen ´71 de DAMEMBART. Claro, que luego uno investiga y por ahí encuentra músicos de MYTHOS, o de DZYAN o recuerda que toda esta historia ya se repitió con los GERMAN OAK y al final resultó que sí que eran de la época...

Para los arqueólogos de todo esto, les remito al imprescindible recopilatorio Unknown Deutchland Volume 1, 2 y 3, editado por VIRGIN en 1996. Una selección bestial de todo este material gracias a Trevor Manwaring (dueño de PARATACTILE RECORDS).


TOBY ROBINSON, por cierto, era conocido con el sobrenombre de GENIUS P. ORRIDGE aunque a pesar de las similitudes con THROBBING GRISTLE o PSYCHIC TV, aparentemente era todo fortuito. Sus estudios junto a STOCKHAUSEN (además de que está catalogado como músico colaborador en Sternklang de 1976), trabajar en la WDR y experimentar constantemente con la edición de sonidos es el bagaje que uno se encuentra detrás de este impresionante trabajo de THE NÂZGUL, cargado de momentos rituales tan extraños como esa marcha fúnebre del tercer corte, "The Dead Marshes" en que una trompeta cargada de drone, burbujas acuáticas y el constante repiqueteo de un cuenco tibetano constituyen una suite perversa, decadente y opresiva que para que el respetable lo comprenda, sería como cargar de negatividad y antimateria a la etapa eléctrica de MILES DAVIS. Lo enaltecedor y psicodélico se torna oscuro como las heces en una hemorragia digestiva.

Se trata de un disco de experimentación electroacústica pero con un pie (hasta medio tobillo al menos) en el Dark Ambient. Siempre he sostenido que discos como Hexerei im Zwielicht der Finsternis de AGHAST no son tan oscuros como el boca a boca nos ha transmitido (siendo metafóricos, es como todavía creer que HOLOCAUSTO CANÍBAL es Snuff o que LA MATANZA DE TEXAS es una película muy sangrienta). 

Prueba de ello es que 20 años antes (si es que al final todo esto es cierto como he debatido arriba) de que las noruegas TANIA STENE y ANDREA HAUGEN grabaran su obra de culto había gente que ya hacía un Dark Ambient verdaderamente estremecedor como estos THE NAZGÛL, y a no ser claro que uno no tome en cuenta las notas históricas, borre a BRIAN ENO y establezca como pioneros a KLUSTER, TANGERINE DREAM y otros, y haciendo una hipérbole imposible reescriba algunos cánones oficiales. Las voces robóticas en "Mount Doom" junto a silbidos, vientos y un ambiente Noise son devastadores y podrían rivalizar (además de por fecha histórica) con los propios THROBBING GRISTLE. Unos rozan la fama, otros son tragados por el limbo de lo perdido.


Pocas, poquísimas bandas han recreado un submundo Tolkiano tan oscuro como estos alemanes. No es épico, no es melódico... es claustrofóbico, avantgarde y visionario. Había muchas bandas en Alemania haciendo estas cosas ya bien sea de una forma más pastoral y comunal como los KALACAKRA, que con "Crawling To Lhasa" (1972) jugaron también con lo ritual aunque dentro de un ambiente más Folk. 

Imprescindible y de culto, sean un Oopart o no, creo que nadie puede quedar decepcionado con esto. Por cierto, alucinante portada minimalista de ELIZABETH DUPREY. Ya tienen su misterio sobre la palestra, juzguen ustedes.

jueves, 17 de enero de 2019

MIKEL URAKEN - "IZAKI BIZIDUN BERRIAK (MISE EN SCÈNE, 2018)


I. Ohar labur bat:
++++

Cuando dedicas tu tiempo a escribir una reseña musical, ya sea de forma profesional o bien amateur como yo; si empleas ciertos adjetivos o sacas a la palestra a determinadas bandas para comparar un sonido, bueno.... cuando eso ocurre está claro que has fracasado en el intento de penetrar la epidermis de un disco tan profundamente bien urdido como el nuevo trabajo de MIKEL URAKEN. Es la línea divisoria entre un texto que pueda ser aprovechado para algo y otro que sólo vale para la pura y dura promoción. Por norma general prima lo segundo, causa del bajísimo nivel periodístico musical de este país (salvo honrosas excepciones). 

Me explico mejor. Si usas el término SWANS estás haciendo trampa, querido reseñador o reseñadora. SWANS, para bien o para mal, son marca registrada... son el equivalente musical a un Síndrome Médico. Un síndrome puede llegar a englobar tantas cosas que en ocasiones acaba diluyéndose como un comprimido efervescente, y usar esa trampa/atajo para hablar de un disco no hace bien a nadie. Ni al lector que busca información ni a la banda o músicos que intentan desentrañar ese fruncido de cejas del respetable. 

Hay más atajos. Están EINSTURZENDE NEUBAUTEN, están NEUROSIS... en general se trata de bandas con un alto nivel experimental, recorrido discográfico y una paleta estilística tan ecléctica que de forma inevitable, y si no quieres pringarte demasiado en una crítica, pues tendrás que usar. Es que a mí me vas a perdonar pero las dos columnas de revistas, fanzines y publicaciones que rodean mis hemisferios cerebrales a veces crían bocas de dolor cuando leo algunos textos. No porque en sí esté mal usar esos atajos, creedme, sino porque sé que se puede hacer mejor aunque corras riesgos. 


Hablemos de RIESGO. El riesgo existe en tanto en cuanto enfrentándote a una pantalla en blanco intentas tornar las palabras SWANS o LÏSABO o NEUROSIS, lo que sea,  y emplear términos descriptivos que sean acordes (o no) a lo que a tí te está sugiriendo una música. Si te equivocas no pasa nada. Si no das pie con bola tampoco. Al menos estás siendo coherente contigo mismo y estás mostrándole RESPETO al artista que está leyendo un texto sobre su música, aunque en el fondo esté pensando que estás totalmente ido de la cabeza si su música te ha sugerido eso. Y ojo con confundir lo que estoy diciendo con CULTURA MUSICAL. Se puede o no se puede tener cultura musical y caer en los mismos errores una y otra vez. Cito otro término: PERDURABILIDAD.

La perdurabilidad de un texto es lo que lo hace grande. Nunca por encima de la música, pero sí grande como para merecer la pena ser leído, o recordado, o guardado en el caso del papel. Esa falta de perdurabilidad es una de las principales causas por las que ya no compro ninguna publicación musical hispano parlante en formato revista. No tienen PERDURABILIDAD porque no hay RIESGO y el RIESGO a veces es PASIÓN y a veces es ERROR. Que lo que leas aquí sea un error es un riesgo que corro yo. Que perdure o no... bueno, tampoco me importa. Mañana puedo estar muerto.


2. Nor, zer eta zergatik:
++++

Pues el disco es el tercer trabajo de MIKEL URAKEN tras aquel fantástico Neguaren Ostean, que reseñé por aquí y aproveché para hablar largo y tendido con el autor. Os remito al texto para ahorrarme presentaciones:


Lo primero que me llama la atención de Izaki Bizidun Berriak es el diseño. Un digipack imitando a un gatefold impreso en las dos caras y que al tacto es una delicia. Poroso, cargado de vida y de los tonos marrones acuarelados del fabuloso artwork de Asier Garcia Azkue que supera con creces lo realizado en el anterior Lp en solitario del artista de Santutxu

Ancestral envoltorio para un epifánico disco plagado de texturas, crescendos, titánicos mantras que transcurren en una dimensión paralela que resulta de llevarse el Folk al tronco del encéfalo y arrebatarle la cansina etiqueta de lo rural, campestre o costumbrista. 

Para ello Mikel Uraken (voz, guitarra) se rodea de unos músicos de alto calibre como son David Tobal (batería), y Gorka Pardo (bajo). La grabación es en los Estudios Garate y la masterización en 2noisy Estoduioa (Azpeitia). Otro aspecto a destacar serán las letras, en lengua madre y que si no me he equivocado traduciendo el libreto, se reparten entre  Gorka Erostarbe, Aiert Goenaga, Gotzon Barandiaran y el propio Uraken. Perdón si he omitido o me he equivocado en algún dato.

Partiendo de la base de que Uraken militaría en la banda ya de culto LOAN, que con tres trabajos revolucionarían la escena en lo que a Post Rock, Doom y sonidos agrios se refiere, el contraste que me llevé con la fiereza contenida en Neguaren Ostean fue grande (misma rabia, distinto método), pero a pesar de lo pétreo de su propuesta quedó tan orgánico, cercano y visceral que me tuvo obsesionado un buen tiempo. Pues bien, olvidad todo lo anterior porque Izaki Bizidun Berriak deja a todo lo anterior a la altura del betún.


3. Los nuevos seres vivos:
++++

"Gizakia Naizela" abre el disco con una guitarra agreste a la que pronto se suma una base rítmica compacta. Las voces de Mikel se muestran algo más introspectivas que en anteriores trabajos alejándose un poco del enquilosado espectro del cantautor. Uno de los aciertos es el nivel en que queda la voz en la mezcla, muy a la par del resto de instrumentos y sin tapar nada. Se captan influencias de LOAN en los mantenidos e intensos hiatos donde prima el Post Rock, claro que sí, pero también de la tribalidad de AKAUZAZTE

Cosa curiosa, hay un punto casi Pop en los punteos de guitarra y la repetición mántrica de los vocablos en Euskera, que le sientan a la perfección al disco, dicho sea de paso. En ningún momento del disco se precipita nada; las melodías son orgánicas y duran lo que tienen que durar y si es necesario repetir un bucle hasta el infinito, así se hace (no hay más que escuchar el fabuloso fundido a la nada del primer corte).

"Lantu Mamuen Dantza" es el más corto pero es posiblemente de los que más cerca estén del Folk Vasco y sus grandes nombres (MIKEL LABOA) pero el uso atmosférico y melódico de la voz puede recordar a bandas que coquetean con el progresivo y lo espacial incluso. El bajo se marca un acompañamiento fantástico y la guitarra se desborda hacia la distorsión (no sé, podría decir SONIC YOUTH) en la mini Jam que cierra.

Pero de buen seguro el tercer corte, "Norantza Bakarra Galbidea?" es el que me pone con los sentidos totalmente alerta. Un fuzzero, decadente y Lynchiano toque de las guitarras, una batería lenta, mortuoria, en procesión eterna... y lentamente va arrancando un mantra vocal hipnótico. Está claro que es imposible separar esto de los lentos despegues de algunos cortes de los últimos SWANS, pero hay más, mucho más. 


Si se trata de una homilía, no sé el Credo, si se trata de una advertencia, merece la pena arriesgarse a incumplirla. Guitarra minimalista, lenta entrada de un cambio en el ritmo en el minuto 5 con la batería capitaneando una suerte de marcial danza. Me miro al espejo y en vez de pupilas tengo espirales. Estoy jodidamente drogado de música, cargado de una psicodelia plomiza, lenta hasta la agonía y que de repente, como si se apiadara de mí, sube el tempo para coger carrera en el despegue. Y la voz, y el mantra ("Zelatan, zelatan, zelatan, zelatan"... ) que no se calla y que se derrama en mis sesos como aceite hirviendo... alucinante. Es como si fuera el Dopesmoker del País Vasco pero en vez de humo de marihuana lo que me está volviendo loco es el humo de la quema de rastrojos.

Hablábamos de eclecticismo y ecléctica es "Instant Bat", que tira bastante de Lo Fi y Noise Rock. Machacona y enterrada en distorsión, con parón estratégico para cambiar de tercio y transformarse en una canción de cuna con la voz de Uraken meciendo nuestras emociones como si de un jodido psicoanálisis se tratara esto. La base rítmica subrayando cada palabra que suelta la voz en un maravilloso diálogo emocional que se va expandiendo hacia terrenos en que no es difícil acordarse de MOGWAI o SIGUR ROS.


"Besteen lekuan" o "Egun Argitan" tienen su puntito de Rock Alternativo, bastante inclasificable y poniendo el punto de mira en los años 90 y el Shoegazing pero la voz está cerca de una melodía tradicional vasca lejana y atávica. El épico eco de las altas y escarpadas montañas y su sempiterna neblina quizás transforme la voz en esa algodonoso, pegadizo tono con que son susurradas casi las letras. Los cánticos del segundo tema acompañando el aumento de la intensidad son toda una orgía de sensaciones.

"Ordu Herdoilduak" abre la puerta a ese arriesgado saco del NeoFolk, con cosas como SANGRE DE MUÉRDAGO. Si las voces fueran rasgadas y se usara la percusión de otra forma el Black atmosférico y pagano que se estila hoy día entraría a la perfección en más de un tema del disco por cierto. Lo que es encomiable es el nivel de intensidad que se alcanza tanto en los momentos de poner toda la carne en el asador como las rendiciones más sosegadas. Todo esto y más en "Ordu Herdoilduak", otro de los momentazos estelares de Izaki Bizidun Berriak.

Si crees que la cosa acaba aquí, "Bai, Ikusi Zintudan", armónica incluida, te da el momento de introspección necesario para que te fundas con los parajes norteños. Crepuscular, nostálgica y evocadora.

Una canción de amor para los muertos que aman a otros muertos, o una canción de odio para vivos que aman a otros muertos, o para vivos que tocan a los muertos canciones de amor.




domingo, 13 de enero de 2019

JAVIER PIÑANGO / DAVID ÁREA - "DROLÉ DE GUERRE" (MARBRE NEGRE; MN085, 2019)


Apago la luz y subo muchísimo el volumen en este trabajo de colaboración entre el maestro ruidista JAVIER PIÑANGO que poca presentación precisa y DAVID ÁREA, artífice de FUNGUS CEREBRI, del sello Noise MATTOID y de múltiples proyectos como HASHIGAKARI (con Tomás Gris), NEBELMEER (con Marta Sainz) y muchos más (podéis leer su bio completa aquí). Siendo estrictos, su primera colaboración surge a través de GRUPPO UNGIDO en la Oblea Ungida Extractos de una Improvisación (2017).

Ahora mismo mi cuerpo está siendo empalado por ruido. No hay rincón de mi cuerpo que no esté vibrando desde que pulsé Play. Si el Noise no se siente como una experiencia casi física, de acupuntura sonora o de catarsis epigenética, es que posiblemente no esté bien trabajada. Creedme cuando os digo que Drolê de Guerre es un artefacto de altísimo nivel con especial hincapié en el Sintetizador Korg MS20 y los pequeños pero aguerridos de la serie Volca.

(Javier Piñango)

Hace unos años viajé a Oslo y después de una serie de vicisitudes acabé en la Isla Militar de Oscarsborg donde la colaboración entre la resistencia Noruega y el ejército dio como resultado el hundimiento de un barco alemán en la Segunda Guerra. Fue pisar aquel suelo y sentí una energía especial. No es que se conservara la artillería pesada como si hubiesen sido usadas ayer (con restos de metralla), sino que aquello era un hormiguero donde podías pasar de un Búnker a otro y contemplar/tocar tecnología de la época. 

La invasión de Noruega por Alemania es el contexto perfecto de la Drolé de Guerre, Guerra de Broma o Guerra Ilusoria, término que acuñaría el periodista francés Roland Dorgelès, aunque en Reino Unido se le conocería como Phoney War o guerra falsa, mientras que en Alemania se le llamó Sitzkrieg o "guerra de asiento" (Blitzkrieg).

Botones, teléfonos, timbres, tornillos... una ferretería de la Guerra en estado decrépito pero todavía latente. Tecnología tan devastadora como un emisor de radio que se acopla a un viejo empaste dental son despojos de algo que tuvo un sonido, y la guerra y sus intríngulis siempre han tenido un sonido para nada amable.

(David Área)

El Harsh Noise que estos dos individuos general en esta obra de 79 minutos de duración y que edita MARBRE NEGRE (con portada de Almudena Villar) es mitad bélico mitad marciano... es decir, expresa guerras pero no sé de dónde ni de qué universo. El punto de abstracción temático permite el enfoque unidireccional del oyente como máximo partícipe del juego de atracciones más malvado que existe... el Power Electronics y el Dark Ambient, ambos géneros que cuando se deshumanizan y van a la raíz sonora del miedo pueden resultar pavorosos. 

Sin embargo, huyendo de los muros de sonido inquebrantables y monolíticos, Piñango y Área se las apañan para darle estructura a su obra. De inflexiones y texturas muy variadas que no aburren un segundo. Puestos a comparar me han recordado algo a los CONTROLLED BLEEDING de sus tres primeros trabajos Distress Signals I, II y Body Samples. Incluso podemos advertir coqueteos con lo espacial en el tercer corte (carecen de títulos) aunque el revestimiento Industrial sea tan elevado que lo cósmico acabe dragado a una fosa séptica.


Hay clímax tan intensos que la sensación de alarma es acentuadísima. Parecen sonar sirenas, toques de queda y miles de Stukas que caen en picado haciendo rotar sus turbinas en su característico sonido de guerra psicológica... ¿o se trata de un mensaje en lenguaje pulsátil eco voluble que llega inconexo a nuestros radares terrestres?. 

Engranaje de un mar de crematorios funcionando a todo trapo. La realidad dragada a un punto de escape donde este Cremador de Mundos transforma la materia en ceniza que suena, que burbujea, que se transforma en otras realidades. Suena un viento que lo barre todo, que crepita y que te transforma genéticamente. Es el Viento de la Partículas, la última arma genocida del Ser Humano. 

Un anti Big Bang de proporciones apocalípticas o quizás una colonoscopia de una Vieja Fábrica con una fuga pancreática de Nivel Radioactivo. El resultado solo pueden ser tablas. 

La NADA versus La NADA.





DIOIVO - "II" (DARKWOODS; FLAMMA XVI CD, 2019)


Desde tierras gallegas nos llega el larga duración de DIOIVO tras la buena acogida de sus primeras demos y Ep. DANIEL VALLADARES OTERO a la batería/percusiones y JACOBO MOURIÑO ALMEIDA (también en MILETH) a la guitarra y voces

Destaca en su sonido un detalle que o a mí se me escapa o bien desconozco, y es la falta de un bajista en la grabación de II, y cosa curiosa no se echa nada en falta dándole un puntito de sonido agreste y salvaje (con las afinaciones agudas de la guitarra sustituyendo la sección rítmica); baste escuchar el fantástico "O Derradeiro Voo" para saber de lo que hablo. 

Edita DARKWOODS, que se está convirtiendo en sello especialista en sacar bandas del norte como LÓSTREGOS, HEILNOZ, NAKKIGA, SENTIMEN BELTZA, UR.... garantía de calidad siempre. Felicitar a G Zoilo Santiago Loira de los Zoilo Unreal Studios por la grabación y masterización y mezcla, toda una gozada atemporal. La portada me ha gustado en general, se aleja de estereotipos y tal, correcta pero tampoco me parece nada del otro mundo, no sé... si no fuera por el logo del grupo no sé si estoy ante un disco sacado de Palm Desert o hasta algo de progresivo.

Vamos con la música.

Tras la introducción acústica de rigor con sabor Folk irrumpe una cabalgada contenida de Black Melódico a la sueca que (ustedes periodistas me perdonen pero es que yo eso de VOIVOD que he leído por ahí yo no lo veo, máxime cuando los Canadienses se apoyaban tanto en las secciones rítmicas tan abstractas y envolventes) se engalana de Thrash (otra vez cito a otros medios, pero lo veo más europeo que americano, véanse por ejemplo KREATOR o hasta si me apuráis NWOBHM). El abordaje de la batería es fantástico y uno puede escuchar a la perfección detalles de cascabeles... una versatilidad tremenda a lo largo de todo el disco.


Ritmo endiablado con una concepción de la voz fantástica (cantando en Gallego), muy al puro estilo de otras bandas norteñas a lo LÓSTREGOS o con algo del Black del País Vasco cuando tira más al Pagan como NUMEN. Como decía antes la afinación de la guitarra, aguda y un pelín distorsionada alejándose de los cánones del Black para meterse en terrenos más psicodélicos y progresivos y falta de un bajo acaba volviéndose una baza importante creando muchísima atmósfera y ciertos aires paganos. Se escucha esto a la perfección en la larga intro instrumental de "Deus de Cristal", que hasta que no estalla la voz uno no sabe si está escuchando una versión primitiva y Blacker de YAWNING MAN u otra cosa. Ahondando un poco en la cuestión llego al dato de que usan guitarras de 12 y 7 cuerdas, así que de ahí esa sensación constante de que hay varias guitarras doblándose a sí mismas.

Si bien es cierto que tampoco veo el sinfonismo en ningún sitio (madre mía, es que he leído algún texto que se lleva la palma), podría recordar la música a un cruce entre primeros BATHORY, DIMMU BORGIR sin teclados (es como despojar a los 3 primeros discos de los Noruegos del sinfonismo y no al contrario) y el Thrash alemán (KREATOR, TANKARD...). Fabulosa intro en  "Dioivo" creando clímax hasta que se recrudece todo con un Black melódico muy de los 90.

Es posible que lo progresivo de las promos hayan venido por la forma de abordar "Samesugas", que tras su desarrollo del inicio vuelve por fueros de Black sueco clásicos con unas bajadas de tempo que me traen a la cabeza a SATYRICON en Nemesis Divina. A veces se resume todo sin tirar de etiquetas e historias, máxime cuando el nivel compositivo de esta joven banda es tan altísimo. 


Hablaba de Black Noruego y así suena la monumental y salvaje "O Espertar", aunque hagan paradas más lentas en el Black Thrash sueco y jueguen al despiste. Muy variada y con regusto de OPETH en la guitarra solista de "Na Distancia" y hasta algo de Heavy Metal y Power Metal (vaya, podríamos resumir que tiene un toque a la NWOBHM) en el arranque de "O momento é Xa", uno de los temas más potentes del disco a todos los niveles tanto en sonido y brutalidad como la versatilidad de estilos que abarca (imagino que lo de compararlo al Thrash americano ha tenido que ser por este corte, pero que si uno lo analiza con detenimiento lo que más sale a la superficie es lo sueco). 

Todo un pedazo de himno donde resaltan unas voces especialmente bien trabajadas, algún que otro toquecito a MEGADETH época Rust in Peace quizás, pero sin perder el Norte Black. Yo lo más americano que escucho en DIOIVO es eso y ciertos arranques a lo EXODUS quizás, pero de ahí a destacarlo como característica propia yo no llego (a lo mejor soy incompetente en estos menesteres, que podría ser).

El colofón a un disco de tal alto nivel lo pone "Lobishomes". Pagan Black en su máxima esencia que pone en el punto de lanzamiento a esta joven banda que parece que llevaran toda la vida tocando. Hay mucha técnica pero para mi gusto lo que prima es que han sabido enfocar su música en un punto perfecto de equilibrio entre melodía y brutalidad. Muy, muy recomendado.

miércoles, 9 de enero de 2019

HÍBRIDO - " I " (SPINDA RECORDS; 2019)


El orden de este texto es este. Primero os suelto una reflexión metafórica, luego le paso la palabra a SANDRI POW, en una entrevista cara a cara con fotografías de archivo inéditas; para rematar la faena un servidor con una reseña del disco debut de HÍBRIDO. Si no os gusta el orden podéis girar la pantalla al gusto o batirla para mezclar las palabras. El orden de los factores altera el producto en vuestra mente, pero no en la realidad.

Pues bien, coged una gran piedra. Un canto rodado. Pesado, grisáceo y duro. Hacer un boquete de unos 4mm de diámetro y dos centímetros de profundidad con un buen taladro. Lo siguiente es meter un jack dentro del orificio que vaya unido a un cable largo que termine en una guitarra cargada de pedaleras que a su vez se conecte a un Nagra de bobina abierta. 

Lo siguiente es algo más complicado. La magnífica portada del disco de HÍBRIDO, obra y arte de ANTONIO RAMÍREZ, tenéis que llevarla a antiguos maestros vidrieros y que os la reproduzcan en cristales de colores a un tamaño aproximado de 40 por 40 metros (si se quiere se puede). Yo, que he analizado la portada con lupa y un viejo Quimicefa, os puedo asegurar que está fabricada con la Proporción Áurea o Phi, y que cada cosa tiene la medida que tiene que tener y no otra.

Os lleváis todo al campo. Cogéis el canto rodado y encendéis la pedalera, la guitarra y el magnetófono (conectar a una corriente telúrica que pase por allí según el mapa "Corrientes telúricas de andar por casa y trashumancia bioenergética en el Olivar sureño"; Editorial VicensVives, 1939) y luego lanzáis la piedra con todas vuestras fuerzas al centro de la vidriera, puesta en un andamio de pie. 

El sonido recogido de la demolición de esta obra de arte áurea, caleidoscópica y ciliar, quedará plasmado en cinta con asombrosos resultados, pero no queda ahí la cosa.

A continuación, podréis comprobar con vuestro microscopio electrónico de bolsillo que cada cristal desparramado reproduce a la perfección a su vez la portada entera. Cada mínima parte, esquirla de cristal incluso, es parte de un todo indisoluble. Luego, cada parte de cinta magnetofónica que cortéis, por pequeña que sea, reproduce la totalidad del disco. Uniendo en una probeta cristal y cinta, y disolviendo a placer, se obtiene una mezcla de dos géneros... un HÍBRIDO.

Esto que habéis leído, hijos e hijas, es la puta psicodelia. Si no entiendes lo que te he mostrado, es que posiblemente tu cerebro se hay vuelto piedra pómez de tanto Stoner. Abre tu mente y tus orejas y despójate de esa maldita etiqueta que portas por bandera como un traje de pana añejo. Cuando lo hagas... VOLARÁS.

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Hola Sandri, es para mí un placer entrevistarte. PUSSYWORM, MIND!, ATAVISMO y ahora HÍBRIDO… veamos, ¿cuándo fue la primera vez que tuviste un acercamiento digamos serio a un instrumento musical y cuál fue? ¿Tienes estudios musicales o aprendiste por ti misma?.

El placer es mío, Antonio.  Recuerdo desde bien pequeña que no paraba con esos tecladitos Casio y escuchando música 24h, pero fue la guitarra la que me enamoró; siempre fue mi instrumento frustrado, pues aunque sé tocarla (mi padre me regaló mi primera guitarra cuando cumplí 8 años) no me dedico a ello regularmente, lo mío es la sección rítmica, sin duda, y es lo que toco normalmente en las bandas en las que milito. 

Yo he sido, y soy autodidacta; con 10 años, mi padre me apuntó al conservatorio para estudiar Solfeo, pero al cabo de 3 años me aburrí y lo dejé, ni siquiera pude elegir mi instrumento, y tanto pentagrama, tantas hojas…al final yo lo que quería era tocar. Deseaba llegar a casa después del cole, para poner los cassettes y cintas de vídeo de infinidad de bandas de los 90, y aprenderme sus canciones a la guitarra, a mi manera.

Fue en el año 2004 cuando me senté en serio delante de una batería, para tocar canciones de “The Gun Club” en un proyecto con unos amigos, finalmente descubrí que era mi instrumento natural.

Ya que estamos, es de rigor que me hables un poco a modo de biografía de tu trayecto personal por bandas. Sé que en PUSSYWORM estuviste involucrada y ahí conociste a los grandísimos Yaiza y Fernando de R.O.L.F. con los que te une una férrea amistad.  Háblame un poco de estos primeros tiempos y escarceos musicales (si hay alguna banda que se me haya pasado no dudes en hablar de ella).  

¡Viejos tiempos! jejeje. PussyWorm comenzó en el año 2010, aunque anteriormente, ya tocaba en  algún que otro grupo con viejos amigos de aquí de Algeciras aunque sin mucha trascendencia; fueron mis comienzos como batería, desde el año 2004 al 2009 o así. 

Años antes,  ya tocaba el bajo, y a veces guitarra, en algunos proyectillos, algunos de ellos con Mateo (Atavismo, R.O.L.F., Buenamuerte Trío), y fue a través de él que conocí a Yaiza y Fernando; en un concierto de R.O.L.F le dije a Yaiza “Tú y yo tenemos que montar un grupo” y de ahí nació PussyWorm. El mismo año (2010) Mateo y Poti me comentaron de unirme también a ellos como bajista en Mind!... ahí comenzó a rodar todo.


Algeciras parece estar que arde. No me atrevo a hablar de escena porque más bien es como una especie de familia musical pero es de rigor preguntarte qué significa para ti VIAJE A 800, banda de culto donde las haya.

Para mí, Viaje a 800 ha sido más que un referente musical; en mi opinión, una de las bandas más importantes que ha dado el Sur de este país en las últimas décadas. Es la confirmación de que aquí siempre hubo una magia especial.  Poder ver a VIAJE en directo en sus comienzos y con toda su evolución es para mí uno de los recuerdos más preciados que guarda mi memoria, hubo un antes y un después con ellos…lástima que se les haya valorado más ahora que en su momento, pero más vale tarde que nunca.

Me considero privilegiada de poder tocar con ellos en otras bandas. Cierto es que aquí somos todos como una familia, conozco a Poti desde que éramos unos enanos, vivíamos al lado, y al resto los conozco de estudiar en el instituto, imagina. Todos somos chic@s de barrio, lo único que queríamos era tocar y pasarlo bien.

Con algunos de sus miembros compartes carrera musical y llega un momento para mí tremendo que es la publicación de “Stunde Null” de MIND!. Ahí Mateo se encargaba de la guitarra, Sergio de la Batería y tú del bajo, pero poco después hacéis una permuta y pasas a la batería. ¿Puedes hablarme un poco de qué ocasiona este cambio en la formación y la creación de ATAVISMO?.

Comenzamos Mind! con esa formación debido a la salida de Kiko Salvatierra, el anterior bajista, que se marchó a trabajar al extranjero (2010). Estuvimos trabajando en los temas existentes y componiendo algunos más para grabar lo que finalmente fue “Stunde Null”. 

Los turnos de trabajo principalmente fueron la causa de que no pudiéramos tocar lo que hubiéramos querido ni en definitiva, seguir con la banda; A finales del 2013 decidimos dejar el proyecto, puesto que por motivos personales, cargas familiares, trabajos, etc. nos resultaba frustrante no poder seguir adelante como nos gustaría. 

Poti y yo teníamos claro el seguir tocando, aunque decidimos cambiar totalmente el concepto y consecuentemente los instrumentos, al menos en mi caso. Creamos Atavismo muy poco después de abandonar Mind!; necesitábamos bajista y finalmente pensamos en Mateo, que aunque tocaba la guitarra, quizá pudiese funcionar…y hasta hoy.


Quien te haya visto tocar en un escenario sabe que te dejas la piel en el instrumento y eso se nota. ¿Qué es para ti la música? ¿Qué estilos te gustan?.

Para mí lo es todo. Sé que es la respuesta fácil que daría cualquiera, pero he sacrificado muchas cosas por la música, me ha costado mucho esfuerzo, tiempo, sacrificio personal y físico…pero las satisfacciones que me ha dado y me sigue dando, no las cambio por nada.  Mientras el cuerpo me responda, lo seguiré haciendo pues es lo que sé hacer!. Por suerte, mi chico también es músico y comprende perfectamente mi manera de vivir.

Me gusta todo lo que sea capaz de removerme dentro. Siento debilidad por la década de los 70… el progresivo, la psicodelia, es de lo que más, pero no puedo tener favoritismos puesto que soy muy ecléctica…desde Black metal a la Rumba, pasando por el Flamenco (el de verdad), el Blues, el Folk, el Jazz, el buen Pop…doy oportunidad a todo; en definitiva, Rock siempre.

Con ATAVISMO habéis conseguido crear un monstruo. La base podría estar en TRIANA, SMASH y el rock progresivo andaluz, pero el toque original que tenéis se funde de lleno en los años 70 o en cosas tan distintas como la psicodelia sueca de DUNGEN y bandas así. ¿Creéis que estáis todavía en crecimiento como banda? Lo digo porque los trabajos que habéis editado hasta la fecha han puesto un listón tan alto que tiene que dar algo de vértigo…

Muchas veces nos preguntan si componemos la música de manera premeditada, quizá a veces parezca que sí, pero no es así. Todo en Atavismo es puro sentimiento, a la hora de tocar, a la hora de componer, a la hora de grabar… Nosotros hemos crecido desde la humildad y lo seguiremos haciendo siempre, una banda, si ama la música y quiere seguir manteniéndose viva, tiene que seguir creciendo y aprendiendo. 

En el momento que empiezas a repetirte, estás condenado a una muerte segura, siempre lo digo. Los trabajos que hemos editado, no son más que un reflejo de nosotros mismos, de lo que sentimos en el momento en que los creamos. Veremos a ver que nos depara el siguiente disco…


Antonio Ramírez es vuestro ilustrador de siempre. ¿Cómo llegáis a conoceros y qué tiene su trabajo para haberlo hecho ilustrador de honor de vuestros artworks?. 

Antonio, como bien sabéis es el regente de la loada web Mentes de Ácido, personaje ilustre para nosotros, buen amigo, y mejor artista, no hay más que ver sus dibujos. Siempre ha sido alguien que ha apoyado y defendido la escena underground en este país, y ha dado justicia a ella con diversos festivales y regularmente con entrevistas, artículos y reseñas en la web. Pero lo principal es que ama la música al igual que nosotros, y eso le da un punto extra a todo, pues la manera que tiene de crear cada obra, es inspirándose en la música que su obra va a presidir.  

Para mí, es como su visión de nuestra música plasmada en un papel… puro arte. Me encanta todo lo que hace, y desde aquí quiero darle las gracias por todo lo que nos ha ayudado siempre, en todos los sentidos. 

Antonio también fue una de las mentes pensantes detrás de los dos volúmenes de SESIONES ÁCIDAS, en el segundo de los cuáles tu participas y os hermanáis con grandes músicos de la escena sevillana. Esa conexión Algeciras – Sevilla me parece particularmente fructífera. Háblame de cómo surgió el tema, anécdotas de grabación… lo que quieras.

Hace un par de veranos, Antonio nos comenta a varios de nosotros la idea de grabar un nuevo volumen de SESIONES ÁCIDAS y nosotros, como nos apuntamos a un bombardeo, decimos que sí…total, tener la posibilidad de poder echar un rato tocando con unos grandes cómo Marco Serrato (Orthodox) y Juan G. Acosta  (Malheur, Naja Naja) es algo que no podemos rechazar, menudos genios. Todo fue un poco locura en verdad. 

Vinieron a nuestro local de ensayo, y llamamos a nuestro amigo Jose Ortega para que desplegara todo su arsenal de micros y movidas (ya nos grabó anteriormente algunas otras cosas allí). Ya en el local solemos entrar justitos con tanto cacharro, imagina teniendo que grabar.

José Ángel a la guitarra, Juan G. a la otra guitarra, Marco al Bajo, Poti con los sintes y yo a los palos. Una gozada aunque al principio fue algo extraño pues no nos oíamos bien y demás, pero cuando nos calentamos fue muy guay. Echamos la mañana, y nos fuimos a comer. Barbacoa y piscina para un cálido día de Agosto y luego vuelta al trabajo. Incluso después se cambiaron instrumentos entre ellos, por hacer locuras. Sólo yo era baterista, así que tuve que conformarme con repetir, jejeje. 

Al final, ni miras cómo ha quedado, sino la buena experiencia que te llevas de tocar con amigos y echar un estupendo día juntos, y poder tocar con grandes músicos.  Antonio fue el artífice de todo,  se encargó de que quedase como quedó…una vez más, Gracias!.


Llegamos a HÍBRIDO, un artefacto impresionante que encandila a SPINDA RECORDS y os ficha para vuestro debut. Empecemos con la formación. Quiénes sois HÍBRIDO y cómo echáis esto a rodar.

Bueno, pues Híbrido se forma más o menos a la par que Atavismo, sólo que cómo siempre, el tema del curro y demás pues dificulta a veces los ensayos y la posibilidad de emerger antes de lo que lo ha hecho. Híbrido somos: Zoa Rubio (Los Bradlys) y  José Ángel Galindo (Viaje a 800) a las guitarras, Poti al bajo y yo. 

Zoa comenta a Poti, mientras tomaban unas cervezas, que tiene varios temas e ideas y ahí surge la idea de montar una banda. Enseguida me llaman para preguntar si me uno al proyecto, y al poco de aquello, comenzamos a ensayar. Poco después contemplamos la idea de que José Ángel se una, y ahí empieza todo. 

Ensayando cuando podemos, y dando forma a esas ideas que Zoa nos mostraba. Al final cada uno de nosotros aporta lo que es necesario para que el disco finalice tal cual está.

¿Cómo definís a HÍBRIDO y qué nos aporta que no nos de ATAVISMO?. Está claro que el sonido tiene algo más arty y quizás alternativo, pero me imagino que llegará un momento en que componiendo o ensayando saldrán ideas que tendréis que ir repartiendo entre las bandas, no?. Y a propósito, ¿cómo es el proceso de creación de un tema en ATAVISMO y en HÍBRIDO?.

Híbrido es algo totalmente diferente a Atavismo, tanto en la manera de tocar, como en las estructuras de los temas o la música en sí. Lo único exacto a Atavismo es que yo toco la batería en ambas bandas porque Poti, aunque también toca en las dos, en Atavismo es guitarrista y en Híbrido es bajista, y ni siquiera mi manera de tocar tampoco es la misma. 

Son bandas con conceptos diferentes, caminos diferentes, desarrollos musicales diferentes, registros de voces diferentes… entiendo de alguna forma que desde fuera no se perciba así en algunos casos, pero nosotros que lo vivimos desde dentro, lo vemos bastante claro. Ambas bandas aportan sensaciones diferentes.

Zoa es el principal artífice de las ideas de Híbrido, con lo cual ya hay ideas que no se compartirán con Atavismo. Normalmente Poti  trae ideas a Atavismo e incluso yo, partiendo de riffs o de ritmos, y al instante sabemos si valen para una banda u otra. 

El proceso es prácticamente el mismo en ambas bandas, todo parte de una idea que alguien suele traer y la expone a los demás. Cada uno con su visión, se va creando el tema , su estructura, sus cambios…todo. Se improvisa y se prueba. Los temas son un confluir de la energía de cada uno de nosotros. 

Un tema puede tardar días, o semanas o a veces meses, hasta que queda del todo terminado.

Pues vamos terminando. ¿Proyectos de futuro?. Imagino que un montón. Ha sido un placer y despídete como te apetezca!.

Proyectos de Futuro? Pues yo que soy adicta a vivir el presente, porque es lo que verdaderamente importa en la vida, mi proyecto es  vivir el momento actual tal como lo estamos viviendo: llena de ilusión por el nuevo disco, con fechas cerradas en  grandes festivales, fechas cerradas en grandes salas, grabar con Galvao, otra banda que tenemos (esto ya otro día lo hablamos) y lo que esté por venir. En breve empezamos a componer nuevas cosas para Atavismo, y es algo que me encanta, así que a seguir adelante, que no es poco!

Muchísimas gracias por la entrevista, es un gran honor para mí ser protagonista de ella, pero he de decir que, en la música, no sería nada sin todos los que tengo a mi lado y por supuesto, sin todos vosotros. Gracias, de todo corazón.

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El sello SPINDA RECORDS vuelve a apostar por Algeciras como centro neurálgico de un rock psicodélico tan personal como intransferible. Si con VIAJE A 800 teníamos una visión de acidez dura y férrea, con MEDICINA lo lisérgico es algo cuasi farmacéutico, con ínfulas de Shoegaze preciosista. Por otro lado, BUENAMUERTE TRÍO habían despojado todo a la esencia base, molécula perversa de acritud Noise, que bandas como R.O.L.F. han llevado a su terreno Doom.

Como una panspermia, de repente llegaron MIND! a rellenar ese hueco que dejaron VIAJE A 800... o a continuar un legado, la historia dirá, y tal y como se ha leído en la entrevista, pronto la experimentación cuajó en la solidez de ATAVISMO, herederos por derecho de un Rock andaluz que creíase perdido, progresivo en suma, pero alquitranado con la maestría Fuzzera de un todoterreno como Pot, que usa un amplificador que sospecho está conectado con la lejana Kadath

Jose Angel "Oceano" Galindo (cítara de colores), Zoa Rubio (madera mántrica de seis hilos), Jose Pot (amarre de las cuatro galeras del Mítico Océano Cósmico, los cantos aurales y la tecnología nanomolecular), y Sandri Pow (Forja del Metal Híbrido). 

Colaboraciones especiales de Koe Casas (a la Sala de Mandos Soviética) y Jorge García (Speaking in Tongues en "El Ente"), la clásica marca de la casa de los ESTUDIOS TRAFALGAR por Curro "Snortil" Ureba (M.I.S. o moldeado inteligente del sonido). Edita SPINDA RECORDS (La Casa) y el artwork ya he comentado que es de Don ANTONIO RAMÍREZ (Sastre Real en Mentes de Ácido).

Ellos son los que han parido este pedazo de disco que suena atemporal, de difícil etiqueta y que si uno indaga en la formación, verá que es una vuelta más de un Cubo Rubik que nunca se congela. Explicar más es de tontos.


Cuando estalla la melodía de "Pensando en un Eco de un Instinto Interior" tengo una maldita sonrisa en toda la jeta. Si tuviera que definir las sensaciones que me evoca el timbre característico de la voz de Pot, la base rítmica lenta pero insistente y las cantarinas guitarras es la de arder. Lo dice el tema... "vas a arder", y yo tengo la sensación de que voy a reventar de calor en un orgasmo infinito mientras voy atado a un puñetero reactor en un cohete que se dirija vete a saber dónde. 

La guitarra rítmica persistente, a lo suyo, mientras un riff magnífico aparece en los intervalos instrumentales y desaparece en desparrame orgiástico de fuzz en cuanto aparece la voz. El bajo taladra boquetes por los que caben los remaches secos y expresivos de la batería. Cercanos al progresivo psicodélico de la escudería EL PARAÍSO, TRANSUBSTANS o SULATRON, pero sin perder esa fuerza que se les presupone por venir de géneros más duros.

"Nada, Nadie" resulta incluso más Indie de lo esperado, quizás por el juego de voces de toda la banda haciendo coros y enchufados a un ritmo casi bailable, de guateque espacial y de Shoegazing en gravedad cero. Influencias del Noise Rock, de ALICE IN CHAINS, de SONIC YOUTH, de los 90 y el Grunge se mezclan con una sabiduría infinita para hacer que una melodía que aparentemente no se mueve te de la sensación de estar en la cola de un cometa. Es curioso, pero casi que hay algo de Glam Rock Garajero en este tema.


Más introspectiva es "Escarlata", flotante aurora boreal de Space Rock en la línea de bandas suecas como DUNGEN que llevan la Psicodelia, el Progresivo, el Folk y el Post rock a un nivel de sutileza algodonosa. Es más, porque tengo las letras delante, pero esa forma de trabajarse los juegos de voces son muy propias de las bandas escandinavas. Muy bueno por cierto el solo de bajo, adornado con las explosiones coloreadas de la guitarra en modo nana cósmica que acaba mutando y pasando a primer lugar para desarrollar otro extenso solo maravilloso, al mismo tiempo que los mellotrones acicalan el conjunto. Si el Prog Folk existe, es esto.

Vuelve la fuerza y la pegada durísima en "Les Pilules Vertes", Heavy Psych capitaneado por una soberbia labor de la batería que mantiene un pulso inalterable para que se explayen el resto de instrumentos. Acidez en grado sumo en las voces lánguidas, en los picos de teclados deudores del Prog Rock y con ese impresionante estribillo a lo TRIANA, SMASH o los propios ATAVISMO


Esa forma de mecer al oyente y de acunarlo es ya marca de la casa... es coger a los GRAND FUNK y vestirlos con VANILLA FUDGE y HAWKWIND... es cabalgar en un pájaro gigante de colores imposibles mientras los pantalones de campana hacen de paracaídas en un descenso en picado en un planeta extinto. Hay tantos, tantos detalles en el clímax instrumental del tema que podrías perderte para siempre; guitarras que dialogan entre ellas en cuneiforme, teclados que sobrevuelan al más puro estilo Jazz Rock alemán (y Kraut, venga), la gordísima base rítmica que se traga de un tirón todos los manuales de Rock Espacial a lo primeros GONG y lo devuelve con todas las líneas subrayadas... una intensidad a base de fogonazos de sintes disuelve todo en el éter (AQUA NEBULA OSCILLATOR, YURI GAGARIN...) y yo tengo que tomar aire.

Si crees que lo has escuchado todo, mezcla lo anterior con el Post Rock de MOGWAI, los más acústicos NEUROSIS y métele las voces black metaleras de Jorge García de ADRIFT en "Ente"

El resultado... el resultado es amenazador. 

El resultado, me lo describes tú.





martes, 8 de enero de 2019

VOIGT/465 - "SLIGHTS STILL UNSPOKEN,1978-1979" (MENTAL EXPERIENC; MENT013, 2017)


En mi primera reseña sobre trabajos editados por el gran sello GUERSSEN tenía que poner toda la carne en el asador, así que para ir sobre seguro lo mejor es elegir una de esas joyas enterradas que rescata su subsello MENTAL EXPERIENCE (que por cierto hace poco nos trajo las reediciones de LOS INICIADOS o los primeros trabajos de AVIADOR DRO). 

Lo primero antes de nada es recomendar el sello, especializado en rescatar obras oscurísimas de psicodelia, kraut, folk y garaje, y que lleva en la brecha nada más y nada menos que desde 1996, que no es moco de pavo. Este tipo de sellos, al igual que MUNSTER o WAH WAH, hacen una labor tan grande por la música que puestos a comparar con otros a nivel extranjero estarían a la altura de LONG HAIR, GARDEN OF DELIGHTS o qué se yo... SUNDAZED RECORDS

Hecha la introducción, paso a la banda en cuestión, nada más y nada menos que VOIGT/465. Provenientes de los suburbios de Sydney y con una efímera vida discográfica, pero vaya sonido abrasivo que se gastaban Rod Pobestek (guitarra), Lindsay O’Meara (bajo), Phil Turnbull (sintes, órgano y voces), Rae Macron Cru (voces) y Bruce Stalder (batería, sustituido en 1978 por Mark Boswell), cinco amigos del instituto que en 1976 ensayaban y grababan con el fuego que da la adolescencia.


Cambios de formación, la marcha del bajista a los grandes CRIME & THE CITY SOLUTION de Melbourne, pero antes de disolverse una brutal grabación, Slights Still Unspoken que formaría tal revuelo en 1979 que serían elegidos "banda de 1979" en la prestigiosa publicación de Clinton Walker INNER CITY SOUND, que documentaría toda la escena Post Punk australiana (algo así como el libro/cdrom THE CRACK IN THE COSMIC EGG con la escena alemana y el Kraut) y que se puede más o menos consultar en digital por aquí: http://www.innercitysound.com.au/

Esta fabulosa grabación ha sido remasterizada y vestida de gala por el subsello MENTAL EXPERIENCE de GUERSSEN en los formatos Vinilo, Cd y Digital, incluyéndose cupón con algunos extras tan atractivos como versiones de FAUST, CAN o ROXY MUSIC (casi nada). Además, Phil Turnbull colabora con fotos de archivo y las liner notes, imprescindibles en este tipo de ediciones arqueológicas y más si tenemos en cuenta que la primera (y única edición salvo un repress con distinto artwork y una compilación en CD de 2001 creo) del disco OFICIAL fue en Lp por Unanimous Weld Enunciations, que además sacaría algún single de la banda. Copias del vinilo original han llegado a precios que rondan los 180 euros en discogs.


El disco se abre con los dos temas pertenecientes al 7" State / A Secret West. La variedad estilística es sencillamente apabullante, pasándose con facilidad de un primer corte casi Pop Garajero como es "State" a una especie de rendición al Rock en Oposición de NEWS FROM BABEL con sintes extrañísimos que recuerdan a un cruce entre PERE UBU y algo Zeuhl en el segundo corte "A Secret West"

Un penetrante bajo, suciedad punkarra en la guitarra a lo THE POP GROUP junto a unos duetos insistentes en las voces pero un gusto por la experimentación que los lleva de cabeza al Art Rock de HENRY COW o CASSIBER en el siguiente tema "Voices a Drama", con unos serpenteantes riffs de guitarra agudos que dialogan con unos sintes/efectos que podrían cohabitar el mundo bizarrísimo de los ALIEN SEX FIEND, CHROME, HELDON y otras luminarias, aunque si hay que citar a alguien en las entonaciones casi extraterrenales de Rae Byrom es a SLAPP HAPPY y DAGMAR KRAUSE (salvando las diferencias, se entiende).

Vuelve el R.I.O. y el regusto a MAGMA en la rápida "A Welcome Mistery", aunque pronto se cambie de ritmo hacia otra cosa. Especial mención a las percusiones... incisivas y más cercana al Free Jazz y la Impro que al propio rock. Si esto es Post Punk o New Wave a secas tendrán que reescribir los libros de historia musical porque en un mismo tema son capaces de sonar a un cruce entre los hermanos bastardos de ROXY MUSIC y cosas que podrían recordar al rock proto Industrial incluso, caso de "Red Lock On See Steal", plagada de percusiones de todo tipo, Noise malsano y algo de EINSTURZENDE NEUBAUTEN.


Fantástico como el tema se va deslizando hacia una especie de Jam sin control deudora de los locos alemanes FAUST, que eran auténticos especialistas en crear un Maremágnum de antimateria antes incluso que los propios Einsturzende. El salvajismo de los STOOGES unido al chorreante plástico del GLAM ROCK y BOWIE, la complejidad de CAPTAIN BEEFHEART con la agresividad ultraamplificada del Psych de los sesenta... todo eso y mucho más en un mismo disco puede volverte literalmente majara. 

Sin respiro sigue "Imprint", amenazador, agrio con esas guitarras afinadas tan altas y los jugueteos antediluvianos de sintetizador. La fuerza de VOIGT/465 radica en la mezcla de todos los elementos que rompen con cualquier esquema preestablecido y dejan en pañales a muchas cosas entronizadas que se estaban haciendo en Australia por aquellas fechas. No sé, pero hacía tiempo que no escuchaba una mezcla tan perfecta y equilibrada de agresividad Punk y Noise Psych con el aliciente de que esto se grabó nada más y nada menos que en 1979.


En "Many Risk" hay atisbos del Thrash que estaba por venir, y que me corten un dedo si no parece que estoy escuchando una versión prototipo de ANTHRAX pero en clave Post Punk. Alucinante la base rítmica y el fundido de plomos del final, que se enlaza con un ritmillo oriental (egipcio) ultrapegadizo en "Is New Is". Plomiza, insistente pieza de rock and roll esquizofrénico que ya quisieran para sí la mitad de grupos que se autocatalogan de Psych. 

Fantástico el inicio de la guitarra en "4 Hours" que casi parece sacado de un grupo Downtown Neoyorquino. Si uno le mete saxos parece estar escuchando a los NAKED CITY. Fantástico también el bajo con un obsesivo recorrido por el mástil que te deja un almizcle de Noir en el paladar; la batería claustrofóbica donde las haya (no sé si será porque el disco parece sonar en Mono, o como si se hubiera grabado en una sola toma, pero la fuerza que transmite no es de este mundo), tanto en tempos rápidos como en la más lenta "P", con un dueto vocal deconstructivo entre Rae Byrom y Phil Turnbull que te eriza la piel. Corto y a la yugular.

La experimentación en capas de cebolla de "F1" es muy a lo tape collage y la creación de los primeros samples en CASSIBER. El ambiente pulsátil  creado con la percusión (no me quito dela cabeza a CHRIS CUTLER) anticipa muchos discos de Noise venideros y el acabado final tiene más de FRED FRITH que de la propia escena Australiana en sí.


Como colofón y contraste extremo la juguetona "Winchsoul" cerrando el disco, alienígena donde las haya, con percusión limitada a un simple redoble de tambores, las histriónicas homilías vocales y los circulares riffs de guitarra.

Se añaden dos cortes más. El ominoso "And the Following Page" que me recuerda mucho al underground checo de DG307, las primeras versiones de la Velvet en THE PLASTIC PEOPLE OF THE UNIVERSE o los más estilizados PULNOC. Pensándolo muy a fondo, creo que otra comparación acertada podrían ser THE FALL, pero bueno, el abanico se acaba abriendo tanto que voy a tener que buscarme una grúa industrial para cerrarlo. "So Long As One Knows" finiquita el asunto con un exquisito Punk Psych de esos que te crees que son para bailar pero que cuando menos te lo esperas te han lavado el cerebro. Impagable el psicodélico clímax lento final cargado de wah wah, pianos atonales, voces sinfónicas y una belleza indescriptible tras tanta tormenta sonora.

Os dejo también una excelente página del propio Phil Turbull sobre toda la escena Post Punk australiana que no tiene desperdicio: http://www.nonightsweats.com/

Resumiendo, una joya como una catedral de OBLIGATORIO CONSUMO.