lunes, 10 de diciembre de 2018

ERISSOMA - "MÁLNI RADIO STATION" (SEATTLE DOT SDott #002, 2016)


Málmi Radio Station es un disco editado en 2016 por ERISSOMA dentro del catálogo del sello SEATTLE DOTT, que desde 2015 nos trae estupendas ediciones dentro del campo de la  la electrónica más ambiental, las grabaciones de campo o el drone.

Concretamente si mal no recuerdo hice reseña de la colaboración entre SUERO y PEPO GALÁN (aquí) de este mismo año. Por otra parte, de ERISSOMA / LUCAS BOLAÑO hace poco os traje mis impresiones del estupendo Ping Pong (Audiotalaia, 2017) y de DAVID MATA en Rough Grassland (El Muelle Records, 2018) así que podéis consultar ambos textos si queréis datos biográficos del proyecto.

La edición es en digipack y está limitada a 50 copias. El artwork es bastante abstracto, como suele ser habitual en estos géneros y voy a hacer una pequeña crítica aquí. Siendo bastante atractivo el resultado final, este tipo de diseños no se beneficia nada de las impresiones físicas en el cartón que hacen las fábricas de Cd-R, hasta el punto de que uno ve la imagen en la pantalla y casi que no tiene nada que ver con lo que luego se encuentra. 

Estos diseños son carne de papel más brillante y no mate (que "mata" los marrones y tonos pastel), pero esto es buscarle la puntilla un poco al asunto. No es que se note demasiado pero la portada original en el ordenador tiene una pátina metálica muy atractiva que acaba perdiéndose.

Bueno, tras la payasada de rigor sigo.


Carezco de datos, pero voy a aventurarme un poco para hablar de este disco. Málmi está situada en Helsinski, Finlandia, y supongo que el leit mótiv seguido por ERISSOMA tendrá algún punto de contacto (físico o mental) con dicho lugar. Al menos la sensación que uno tiene al escucharlo es la de estar en un constante viaje por ondas electroacústicas que como si fueran un dial hacen sus paradas para sintonizar esbozos melódicos, difuminados, y casi siempre con el rasgueo espaciado de instrumentos de cuerda ejerciendo de tejido conectivo.

"Fish From Desert" es claro ejemplo de esas dos vertientes que inundan la música de ERISSOMA. Una línea de guitarra o bajo superpuesta a un fondo etéreo de ambient muy orgánico. Cada sonido llega transmutado en otra cosa y lo que puede ser un simple cuenco tibetano adquiere tintes de órgano catedralicio. "Turn of the Light"  dibuja minimalistas arabescos mediante grabaciones de campo que se samplean y procesan, o mediante pequeños sonidos que van adquiriendo grandilocuencia a más veces que se repitan. La cadencia es lenta, lentísima, no que no resta al conjunto del disco la sensación de movimiento... de pequeño discurrir por un dial de radio en el éter.


La angelical y corta "Paradise Wind" ejerce de contrapunto mayestático y puente natural hacia la oscuridad terrenal de "Line Drawings", uno de los cortes más claustrofóbicos. Tras las notas de guitarra se desarrolla un flujo de varias líneas repetitivas e hipnóticas compuesta por celestiales ornamentos de teclados y un insistente crujido o voz gutural editada o vete a saber qué... aquí ERISSOMA muestra su faceta Dark Ambient en toda su plenitud. 

Vuelve a recuperarse el gélido tono de los primeros cortes con "Prayers to an Imaginary God", bastante melódica y asequible... suerte de helada tonada de un Spaguetti Wester alternativo que transcurriera en Siberia. "Choirs & Details Across the Road" redunda en la dicotomía acústico-eléctrica para darnos una perspectiva bastante cercana a cómo mezclar Ambient con New Age y no sonar acaramelado. Como mezclar el kraut folk de Witthüser & Westrupp con Brian Eno.


Tramo final con la vuelta a la oscuridad en "Paradise Dry", abrazando casi el Noise, y la belleza pasmosa de "Trip to Nowhere". Hay algo en la música de DAVID MATA que resulta bastante personal y al igual que proyectos medianamente parecidos como OIKOS se nota que cada tema tiene una vida propia no sobrando ni un segundo de cada uno de sus trabajos. La homónima "Málmi Radio Station" por ejemplo está tan plagada de detalles que a cada escucha surgen detalles nuevos. 

Estos artistas suelen redescubrirse a cada escucha y como un dibujo de esos que se revelan coloreando áreas marcadas con números (imaginemos que los números van rotando casi al azar), cada audición es un paisaje inédito pero con su estructura intacta. Esta metáfora podría verse reflejada en el título del corte que finaliza el disco, "Hundred Horizons", difícil de describir al igual que los anteriores sin el aspecto visual del asunto. La electroacústica se disfruta mucho en directo por el placer de ver el tratamiento de los instrumentos y del sonido. La manipulación, el rasgueo, el bucle y la generación del sonido. 

Muy recomendado.


sábado, 8 de diciembre de 2018

MIGUEL A. RUIZ - "CLIMATERY" (DISCOS MASCARPONE DM44, 2018)


La versatilidad de MIGUEL A. RUÍZ asusta. Adentrarse en su extensa discografía es complicado, pero os puedo asegurar que cada trabajo es distinto del anterior y el carácter Pionero se revela en toda su gloria. De entre todos los trabajos publicados algunos de ellos me obsesionaban particularmente... uno de ellos era Encuentros en la Tercera Edad que conseguí tras mucho indagar (está descatalogado), otro este Climatery del que os voy a hablar, y faltaría por ver la luz alguna nueva edición de La Cámara Gamma (espero que 2019 nos traiga la sorpresa).

Editado originalmente en 1986 en CASSETTES PROCESO UVEGRAF, reeditado en 1987 por el sello GEOMETRIK RECORDS (EGK ‎– EGK 017), no será hasta 2018 que otra nueva reedición de esta cassette haya aparecido gracias a DISCOS MASCARPONE. Se respeta (más o menos) el mínimo artwork (uno poco soso, la verdad) de la original pero eso es parte del encanto. Para que veáis el carácter de culto de la cinta, se pagó 55 euros por una copia hace un año más o menos.

Sobre el autor no voy a decir nada que no haya dicho ya mil veces; con darle a las teclas obtenéis todo su currículum y sus trabajos completos y colaboraciones desde los 80. En cuanto a la música de Climatery sí voy a explayarme un poco. Ritmos tribales, correosos y arrastrados se mezclan con una facilidad pasmosa con el primer Techno, además de añadir trazas de música Industrial. A la mezcla sólo falta añadirle el tejido conectivo de la experimentación y la vanguardia, que hacen que cada tema adquiera un cuerpo propio y distintivo (algo así como hacía JOHN HASSELL con los collages pero sin añadir la trompeta, evidentemente).


La Cara A se abre con "Transparent", una nota sostenida a la que se van añadiendo sucesivas e hipnóticas capas que en su lentitud y escuchadas con detenimiento encubren una melodía soterrada, insistente y machacona, que contrasta con la extraña "Trivandrum", más juguetona y donde ya se empiezan a notar los elementos exóticos de la World Beat pero tratados de forma muy sintética. Así, las chinescas notas de lo que podría parecer un midi de un instrumento de cuerda oriental se mezclan con obsesivos ritmos percusivos que se subliman en la homónima "Climatery", de índole más africana con mántricos loops que acaban por darle un tono Techno al resultado final. Crece la intensidad con los minutos y una melodía oscura transcurre en un segundo plano mientras los toques espaciales hacen que pierdas pie definitivamente.

Una de las cosas de las que se beneficia Climatery es la producción casera, opaca y sin trampa ni cartón, que sumado a que los temas tienen la particularidad de que "permanecen" más que "avanzan"... es decir, prima la atmósfera sobre el desarrollo (no sé si logro explicarme). "Bac Lieu" de la Cara B es una pieza oscura y mucho más cinematográfica, y el uso de las percusiones tiene algo de ominoso y sectario (como un crescendo invocativo de un credo blasfemo). Lo curioso es que otra vez en el fondo hay detalles Carpenterianos alucinantes que se van captando con sucesivas escuchas. De mis temas favoritos de la cinta.

Sigue "Entropic" que voy a lanzarme de cabeza para describirla. Es la banda sonora de una película de romanos pero en futurista. Idas y venidas de notas que rezuman algo de clásico... imaginad una escena. Suenan trompetas y salen unos gladiadores... se corta la escena y vuelven a salir los gladiadores, y vuelve a cortarse la escena. Es un bucle perdido en el tiempo y si lo entrópico es incertidumbre, sólo sabemos que en uno de los bucles los gladiadores no saltarán al teatro en algún momento (utópico). 

"Papua" cierra este clasicazo mezclando electrónica francesa con ritmos indonesios. Una obra de culto.

KIRILL SAWAZKI - "ZUM EWIGEN LICHT" (CIVITAS MORTIS, 2018)


KIRILL SAWAZKI nos presenta en Zum Ewigen Licht un revienta pistas de baile con electrónica de mitad de los 80. Es técnicamente la tercera vez que hablo de él, así que os emplazo a que consultéis las anteriores reseñas para entrar en materia y no repetirme: Landschaften Und Prozesse y Discomorpher, todos ellos editados por CIVITAS MORTIS.

Pues bien, en este nuevo trabajo se recogen viejas piezas de hace más o menos una década junto a otros temas más recientes para conformar así un todo bastante coherente de SynthWave y añejísima electrónica que se te pega a como una segunda piel. Es curioso como las palabras del autor dentro de la cinta recogen a la perfección lo que viene a ser el sonido en general... "unlike previous album, in this work there is alredy no space, the sound is more mundane and corresponds more to the second half of the 80s. But neverthless, the album reigns with a sense of flight, a positive atmosphere of the 80".

Ahí tenéis la clave. Sentimiento positivo. Los cortes de Zum Ewigen Licht tienen algo que transmite buenas vibraciones y uno, que tiene los oídos tan saturados de Noise experimental, casi que recibe esto como un bálsamo curativo. La segunda mitad de los 80, con la irrupción de la New Age que abrazarían compositores que previamente hacían electrónica experimental (véase por ejemplo DEUTER), fue un pelotazo de proporciones difíciles de evocar hoy día, pero baste decir que la gran mayoría de programas de televisión contaban con sus músicas de cabecera de compositores electrónicos.

Paralelamente hubo un auge tremendo de las paraciencias que entraban a mansalva por medio de documentales o libros de la vecina Francia, y ya de paso con sus músicas de JARRE, el españolizado MICHEL HUYGEN y tantos otros explotarían la veta hasta casi agotarla ya caer en el olvido. La diferencia fundamental entre el Space Disco a primeros de los 80 y lo que vendría en la segunda mitad es básicamente eso... que el punto de mira ya no estaba tanto en lo cósmico y la ciencia ficción y sí mucho más en el suelo, en la pista de baile pura y dura.

Todo esto es lo que KIRILL SAWAZKI evoca con su música. 10 tremendos cortes que se disfrutan del tirón. Ecos a los compositores alemanes también con la segunda etapa del Kraut berlinés que tuvo a bien de seguir ofreciendo joyas más terrenales pero arrebatadoramente bellas.

miércoles, 5 de diciembre de 2018

PYLAR - "ORÝGENES" (GRADUAL HATE RECORDS; GH 140 CD, 2018)


"Me pregunto si podríamos comprender a un ser superior que intentara explicarnos los orígenes del mundo... Bien podría suceder que, fuera de nuestra razón, no existiera nada parecido a nuestra idea del origen, en cuanto se aplica, no a la relación de unas cosas con otras, sino a las cosas mismas". Lichtengerg.



I. EL ORIGEN SEGÚN MY:
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"En el principio, antes que ninguna otra cosa, existía el Huevo de Amma o El Vientre de todos los signos del mundo. El huevo consta de cuatro partes, correspondientes a los cuatro elementos, y las divisiones que los separan corresponden a los cuatro puntos cardinales (todo símbolo dogon está cuidadosamente orientado. El conjunto tiene la forma de un grano de cereal. 

En principio, cada sector contenía ocho signos, cada uno de los cuales originaba ocho signos más; añadiento los ocho signos de los ejes y dos más del cnetro, se obtenía un total de 266 Signos de Amma". Mitos de la Creación, David Maclagan.

          Corría el año 2012. Como de la nada, en un ya extinto foro, veo anunciarse la creación de una nueva banda, aunque bien pensado por aquellos tiempos creía que se trataba de un colectivo. Los recuerdos se me nublan un poco pero tengo determinadas imágenes clavadas en la retina. Unos individuos con extrañas máscaras se mueven con lentitud al abrigo de un viejo olivo, mientras extraños filtros le dan una pátina de irrealidad buñueliana al asunto. Recordad.

Rumores por todos sitios. Que si escisión de ORTHODOX, que si miembros de BLOOMING LÁTIGO, que si son creaciones hechas por ingeniería genética... datos que no voy a revelar y que guardo en la caja fuerte de mi cráneo, ese que se está agrietando y volviendo osteoporótico pero que mientras aguante será preferible a los jodidos discos duros.

Báculos imposibles, máscaras probióticas, fusión hermética entre bandas o disgregación de las mismas, el caso es que la propuesta de PYLAR tocó los receptores adecuados en mi psique y quedé seducido desde el primer instante con los teasers que iban publicando, en los que ya se iba dejando caer lo que fue el primer icono de su imaginería, el Huevo Cósmico. Este potentísimo símbolo de fertilidad es común a todas las narraciones de los orígenes de la creación, y se relaciona con la espiral, otro elemento recurrente al igual que el mantra vocal "Recordad", que se repite sin cesar en estos primeros pasos de la agrupación. En arqueología es habitual leer sobre Civilizaciones Perdidas y Olvidadas, y precisamente PYLAR te dicen que Recuerdes... 

En un primerizo bandcamp se van filtrando temas extensos. Yo notaba que aquello iba a ser algo potente porque no tenía parangón en nuestras fronteras y si me apuráis, el discurso narrativo de PYLAR no puede tampoco compararse a propuestas foráneas. Su imagen, su estilo pseudo/marcial y chamánico los aleja de ese espectro tan repetido ya en el metal de los encapuchados sonando a EARTH, de black metal retorcido en nihilismo lovecraftiano que ya harta, o de cosas diametralmente muy opuestas como PHURPA y sus ritos Bon. PYLAR no van de eso, sino que se sitúan en un plano deformado de la realidad para darnos un inmenso juego de rol en el que el oyente tiene un papel tan importante como la banda, hasta el punto de que si te metes en su juego y te subes al escenario, si arrancas una máscara probablemente descubrirás tu propia jeta debajo.

Sigamos con el sonido. Casi que podía captarse una especie de sentimiento de libertad garajera compatible a los primeros AMON DUUL o a cualquiera de esas encarnaciones germánicas como ORGANIZATION, pre KRAFTWERK en estado puro y que dibujan sobre plano esa facilidad con que la prensa escrita habla de Proto Kraut (me temo ser crítico en este punto, ya que el ínfimo grado de calidad de la literatura musical en este país se presta al copia y pega, y reto a que me cuenten con los dedos de la mano a esos periodistas cuántos grupos alemanes de los 70 conocen y ha escuchado en profundidad, y no valen CAN). 

En definitiva la libertad musical junto al uso de instrumentos nada convencionales se suman al sustrato metalero para acabar de retocar con una puesta en escena atávica y psicotrónicamente rural. Como una leyenda al amparo de una fogata.

II. NUMINOSO CÍRCULO ATLANTE:
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"Soy esa fuerza suprema y ardiente que despide todas las chispas de la vida. La muerte no me afecta, pero soy yo quien la distribuye, y despliego mi sabiduría como si extendiera mis alas. Soy esa esencia viva y ardiente de la sustancia divina que fluye en la belleza de los campos. Brillo en las aguas, ardo en el sol, en la luna y en las estrellas. Mía es la fuerza del invisible viento". Hildegarde de Bingen.

          Casi paralelamente a todo esto surge lo que es llamado EL NUMINOSO CÍRCULO ATLANTE y ni corto ni perezoso, allá que voy y me uno con el sobrenombre de FLEWOTOMO DE ASKLEPIA o lo que es lo mismo en andaluz, "por el conocimiento me rajo las venas".

Esta especie de Enuma Elish participativo con la banda creó el halo de misterio necesario para que la piedra primigenia adquiriera la forma de la rueda y desde entonces afortunadamente, no ha hecho más que girar. 

El Atlante como tal es citado por Herodoto y Diodoro Sículo como habitante del Norte de África y con proximidad al monte Atlas, que curiosamente se conoce en la antigüedad como PILAR DE LOS CIELOS. Por otro lado, ATLAS, dios de la mitología griega, es un titán al que Zeus ordena cargar con los pilares que mantenían a la tierra separada de los cielos (Mito de Gea y Urano). 

PYLAR funciona como encarnación mediterránea de la sabiduría olvidada; son artífices de un resurgimiento de lo antiguo y acaparan los términos Tartéssico, Atlántida, Diosa y Hércules para crear un abismal batido depurativo en el que como base se trituran LA RAMA DORADA de Frazer, LA DIOSA BLANCA de Graves y DIOSAS Y DIOSES DE LA VIEJA EUROPA de Gimbutas.

Volviendo al tema del bandcamp, tal y como he comentado se colgaban con cierta regularidad una serie de temas que yo iba descargando y grabando en Cd, hasta el punto de que llegué creo a grabar más de 8 Cds (cada vez que había un tema nuevo lo grababa). No sé cuando intuí que ya no saldrían más temas, pero por entonces entrevisté a la banda en un texto que dí en llamar EL FACTOR ATLÁNTICO.

Un poco antes contacté con cierto Esfínter que Sangraba, portavoz de la banda, con una pregunta que quizás para vosotros lectores no importe, pero para mí era fundamental. El carácter iniciático de la música y el orden en que yo bajaba los temas no era el adecuado para abrir la Caja de Pandora... dicho de otra forma, quería conocer de primera mano cuál sería el tracklist adecuado en caso de que aquello se publicara como disco, y con dicho tracklist que se me facilitó, yo compuse mi propio Cd-R de demos que atesoré y guardé durante todos estos años sin siquiera sospechar que tras la salida del primer disco Poderoso Se Alza En My todo aquel material se borraría de la red.

Hace unos meses rescaté en una serie de entradas de Facebook recuerdos relacionados con objetos, y uno de ellos fue la Demo de estas primeras grabaciones de PYLAR, y que nadie (bueno, casi nadie, porque creo que sí que al final la banda tenía los temas) poseía aquel tesoro con el olvidado tracklist. En conversaciones umbilicales con GAMAHEO empiezo a intuir que quizás lo que tengo sea una suerte de Grial, o al menos así me gusta imaginarlo en mis noches de masturbación musical febril... lo siguiente ya es historia. 

III. AHORA O LA MÚSICA EN EL HIPERPLANO:
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"Los orígenes no se pueden identificar con exactitud, sino tan sólo idindicar porque, tal como dijo Gertrude Stein, es natural que no se sepa cómo ocurrió algo hasta bastante después de que empezara a suceder". Mitos de la Creación, David Macglagan

          GRADUAL HATE RECORDS edita Orýgenes, las demos olvidadas de PYLAR y cuál es mi jodida sorpresa cuando veo que de los 7 temas que yo poseía, se editan 6 porque uno de ellos ha sido fundido en una forja sonora, pero básicamente sí, EL PUÑETERO TRACKLIST ES EL MISMO; el puñeter(n)o orden de las canciones desafía al Caos.

DAVID CORDERO se encarga de la fusión alquímica en el laboratorio del sello que vio nacer a la banda, KNOCKTURNE RECORDS. La portada/simiente es obra del maestro GONZALO SANTANA expresando a la perfección a esa Diosa de la Vegetación en su Templo del saber.

Si alguien me pregunta directamente qué supuso la música de estas Demos para mí, lo tengo claro. PYLAR y su irrupción en la escena musical han supuesto lo que para la sociología y el devenir de la humanidad es el paso de un Cometa. Cuando un cometa pasa, la realidad se altera y viejos ritos o costumbres salen a relucir desde la memoria atávica. Polvo, hielo y rocas en realidad pero culturalmente potentísimos y capaz de derrocar imperios. No en vano llamaron la atención de JULIAN COPE, el archidruida capaz de sacar zumo de una roca y transformarlo en elixir.

LENGUA DE CARPA y GAR-GAL surgen en este plano de la realidad de forma espontánea, sumándose luego TRARAMES y GAMAHEO, percutor de los infiernos y como dato para los fetichistas, decir que estos temas constituyen sus primer ensayo con la banda. Impresionante.

Abre "Pylares", extrañísimo corte donde las voces tienen algo de mesiánico (no es un Kyrye pero sí que tiene ese cariz litúrgico). Un fondo de teclados habla de música del medievo y la irrupción marcial de las percusiones despierta otro recuerdo en mí en este preciso instante que escribo esto; así, como un flash. Recuerdo perfectamente escuchar este tema en 2012 y pensar que PYLAR eran un proyecto Neofolk. No voy a decir que suene a CURRENT93, DER BLUTHARSCH o SOL INVICTUS pero a mí me venían agrupaciones como estas a la cabeza en aquel entonces.

En esta nueva masterización la batería pasa a primer plano, la voz se respeta en su lejanía ominosa y  cuando estalla la guitarra en ese pétreo, sostenido glisando eterno o acople de los mundos, mi razón ha vomitado sobre sí misma y he mezclado todo con bilis antigua. PYLAR no incluyen en su discurso las sustancias psicoactivas pero ni falta que les hace.

Cierro los ojos y veo dos columnas semiderruidas, ciclópeas y con algas kilométricas adheridas. Miro atrás y hay olivos, y acequias y azadas y libros y sangre y escapularios bañados en semen y boñigas de vaca que arden como combustible y templos, oh cuántos templos.... y columnas con forma de hombres y al revés, porque llegados a cierto punto el tema se reproduce al contrario a más velocidad... oh cuántos, cuántos templos. ¿Son PYLAR la respuesta épica y espiritual a TODAY IS THE DAY?.

"El Primer Signatario" se incluye como matrioska amputada con cirugía antigua en "El Primer Signatario Ante el Arcano" (dicho de otra forma, dos temas que en total sumaban 12 minutos se condensan en uno sólo de 8), tema donde la trompa de TRARAMES irrumpe en toda su gloria para dialogar con la flauta al más puro estilo de ORGANIZATION (los cito otra vez).

Nunca lo he dicho pero PYLAR tienen algo de Spaguetti Western Crepuscular. Parecen sacados de la mente de Moebius o Jodorowsky pero puestos en celuloide por Leone, y con banda sonora de Poledouris, Morricone y Badalamenti en colaboración.

Por otro lado, es imposible no conectar este tema con ciertos pasajes de AMANECE EN PUERTA OSCURA de ORTHODOX. Las percusiones son tribales y la voz en esta nueva versión tiene algo de robotizada alucinante (como una vieja oración bizantina puesta del revés). Las texturas pseudojazzeras me recuerdan a THE KILIMANJARO DARKJAZZ ENSEMBLE y THE MOUNT FUJI DOOMJAZZ CORPORATION o lo que es lo mismo, añadir drone a DON CHERRY de su etapa de Mu con los Helliocentric Worlds de SUN RA.

Más catedralicio suena "La Gran Luminaria", un loop estremecedor donde las invocaciones de LENGUA DE CARPA borran cualquier atisbo de cordura del mapa. Se van añadiendo capas y capas de acoples de Noise, histriónicas entonaciones animalescas y todo rebotando una y otra vez como si hubiese sido grabado en la zona diáfana de Santa Sofía (Turquía). Estas primeras grabaciones de la banda tienen ese punto Garajero, Lo Fi malrollero que luego se hiría puliendo en sucesivos discos.

No estoy del todo seguro pero creo que el anterior y este "El Más Anciano de los Errantes" deben de ser las primeras grabaciones del proyecto. Otra vez un díptico entre la deformación sonora de BAR-GAL y la insania de LENGUA DE CARPA. Un piano aporreado en una pieza blasfema y unos versos que parecen hablar de Nana, diosa fenicia hija del dios-río frigio Sangario, engendrada por una almendra que cae en su regazo del almendro donde Agdistis fue castrado (esa androginia está por cierto perfectamente captada en la portada de Orýgenes).

"¡Alzaos, oh Puertas Eternas!" y su línea caótica de teclados rezuma algo de rock progresivo. La violencia con la que va creciendo el tema se ha recrudizado en la remasterización quedando todos los elementos que lo componen en un mismo plano. El resultado es una cacofonía de guitarra, voces, teclados, pianos y ruidos al más puro estilo del sello CRUCIAL BLAST. Algo de black metal crudísimo en esencia pero con la orquestación de por medio (no me quito de la cabeza a GNAW THEIR TONGUES).

Poco a poco la guitarra va resaltando en un potentísimo riff a lo ORTHODOX en GRAN PODER (hasta aquí puedo leer), punteada por fondos ambientales de teclados y la batería absolutamente desbocada, demencial y violenta. Un cruce perverso entre los TEETH OF THE LION RULES THE DIVINE con el Heavy Psych de ACID MOTHERS TEMPLE.

"El Secreto de las Sendas" es PYLAR en su máxima expresión. Sobre el lienzo están los elementos que en un futuro iban a delinear el mapa más extraño que pudiera imaginarse. Como la búsqueda de un tesoro en la escondida Agharta o irte a cagar al campo y aparecer perdido en Kadath.

IV. ORIGEN. ORIRI. ORIENTE. OROS:
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"Sí, yo
fui yo,
tomé mi pene
hice surgir esperma
que penetró en mi puño, en mí
rodeé mi pene
jodí con mi sombra
me agité bajo su nube
lloví esperma
lo esparcí como cebada de la tierra
en mi propia boca
produje al hombre viento Shu
parí a la muchacha lluvia Shenut" Texto de autor desconocido hallado en una pirámide

PYLAR es un proyecto ambiguo, como ambigua es la creación y su origen casi tautológico parece hablarnos de autofecundaciones, de la disolución del Yo y del Género y el abogamiento por un uso de la abstracción mental casi narcisista. Esto es común a todas las religiones, creencias y mitos del Origen... porque Origen es allí donde se levanta el Sol. El Este o el lugar del apareamiento Cósmico.

Sólo pueden venir de allí, del Brillante Amanecer.

AU. AURUM. AUM. OM.






lunes, 3 de diciembre de 2018

EDUARDO BRIGANTY - "MICROGRAMAS" (EL MUELLE RECORDS; 2018)


"Tengo una debilidad por los pasadizos secretos, las estanterías que se abren al silencio, las escaleras de caracol que descienden en una espiral y los escondrijos ocultos." Buñuel

EDUARDO BRIGANTY nace en las Palmas de Gran Canaria. Durante casi 20 años capitanea el proyecto MINIATURa, que no he tenido ocasión de escuchar, pero que él autodefine como Dream Pop, Kraut y canción de autor crepuscular. El elemento disruptivo parece ser la voz y es que con la pérdida de ésta se produce el paso hacia algo más personal que es lo que suena en MICROGRAMAS, primer trabajo de esta nueva etapa que publica cómo no, EL MUELLE RECORDS en un cuidado vinilo que recoge la masterización de Daniel García en La Platanera Studio, Tenerife. 

Si uno lee la carta de presentación del disco establece claros paralelismos con lo cinematográfico (en clave de fotogramas) y con lo mínimo (microscópico y flotante en lo atonal). La música vive y se nutre de la imagen, descomponiendo transformándola en música en un proceso que podría ser símil de la destilación (nunca evaporación). Al final, no queda imagen real y tangible porque hemos disuelto el negativo, pero queda un borrón extraño de qué es lo que evocaba lo visual.

Es como cuando abrimos un archivo con el programa equivocado y nos da su propia versión de éste pero en su lenguaje particular. Técnicamente no es erróneo; es otra cosa.


La música en MICROGRAMAS es oscura. Campos extraños que en vez de tierra tienen polvo de imán. Riegan sus páramos aspersores minimalistas de electrones, protones y neutrones que al gravitar por la superficie de los imanes provocan el brote de frutos telúricos que no pueden verse pero sí oírse crepitar. Se amontonan y aparean creando melodías confusas y maduras que huelen a polen, néctar y podredumbre. El núcleo terrestre es un amplificador a válvulas que amamanta la radiación y la dispone en una ciclópea placa de Petri. 

No se ve nada pero se escucha. Es el Micrograma la nueva criatura. 

"Duermevela" abre un disco corto (33 minutos de duración) compuesto por nueve cortes que pasan como un suspiro. Un eterno glisando paralizado mueve pone las ondas cerebrales al ralentí, a ese punto perfecto (si hubiera un color pare esto sería el Cerúleo) en el que todo se percibe de forma distinta. El duermevela es pura estática, no movimiento y tiene algo de engañoso, de falsa realidad.

Una guitarra estalla en "De Vuelta al Vacío" con una melodía procesada en feedbacks angelicales. Tres acordes que suben, se mantienen y bajan y así en un bucle infinito. Una música que te pone de cara al vacío (creador) para que veas de dónde nace todo. "La Vida de las Estatuas" me reafirma en que cada corte encierra una pequeña melodía que crece en flecos como un huevo escalfado. Al contacto con el agua y el vinagre un simple acorde muta en algo más grande... al fin y al cabo es la misma sensación de cuando miramos algo al microscopio. 


Llámelo usted Ambient, añada toques Berlineses al asunto, meta algo de Noise si quiere... pero siempre, siempre déjeme usted la lentitud. La lentitud en este tipo de música es lo que engrandece y sirve de colágeno acústico y más en un corte como este que casi que tiene un puntito oscurantista que podría colarse en el Funeral Drone si me apuran. Si creéis que estoy loco, que de verdad esto no es una especie de disco de EARTH camuflado en electrónica, pues poneos diez o doce veces "Enjambre" y "La Zona" para notar como las fronteras estilísticas empiezan a disolverse. 

¿Qué diablos podría unir a EARTH con a una versión ultra ralentizada de SILVER APPLES; a BRIAN ENO con SUNNO)))KLAUS SCHULZE y el Funeral Doom?. El lentísimo riff de guitarra de "Cartografías" es el ejemplo perfecto de que la etiqueta pura no existe. Es mejor hablar de música y sensaciones y de cómo una melodía que viene y va en olas va llenándose de una espuma que se evapora en opio.

BRIGANTY transforma su guitarra en el timbre de un piano y lo amortaja en "Arpegio Respira" donde de repente vuelve a surgir un musculoso riff que poco o nada tiene de amable. El tramo final vuelve al inicio con "Nebulosa", esta vez sí en el campo puro y duro de la electrónica minimalista con ecos a JOHN HASSELL en el uso selvático de los samplers.

El ave de la portada es un holograma de sonido que vive en marismas eléctricas y que migra hacia "Un Drama Có(s)mico", vertedero emocional y catártico en el que BRIGANTY campa a sus anchas con un perfecto uso del tempo para que su música, yendo al grano, tenga la particularidad de resultar psicorrágica y de darte la vuelta como a un calcetín neuronal.

Otro clásico más en el tremendo listado de ediciones de EL MUELLE RECORDS.



jueves, 29 de noviembre de 2018

EXTREME UNCTION - "THE LAST SACRAMENT" (CHAOSPHERE RECORDINGS, 2015)


Soy bastante fan del metal lusitano, así que agradecí mucho esta recomendación de Luis Lamelas (CHAOSPHERE RECORDINGS) en mi periplo portugués. 

En 1987 se formó la banda EXTREME UNCTION, aunque en su primer periplo fueron conocidos como GUILHOTINA y estaban más metidos en el Thrash (grabaron el ensayo Pregos no meu Caixão allá por 1988). Tras dos demos (Insane Procreation e In Sadness) y un split donde compartieron espacio con bandas portuguesas (una de ellas MOONSPELL y en lo que técnicamente fue una de sus primeras grabaciones antes de la monumental demo Anno Satanae) se lanzarían de lleno a la grabación de su primer disco. 

Citar los cambios de formación suele ser tarea ardua y pesada, así que sólo diré que por sus filas ha pasado gente de MORBID GOD, MOONSPELL, FILII NIGRANTIUM INFERNALIUM, DESIRE, INCARNATED, SUN FLOWER, FESTERING, DAWN OF RUINS, TETRAPLEJIC GOD, DECAYED, BACTHERION y muchos más. Pura historia del rock y metal extremo portugués.

(Una de las primeras formaciones)
(El debut de 1995 en Monastery)

El oscurísimo debut de EXTREME UNCTION llegó en 1995, época dorada del Death/doom, con el álbum In Limine Mortis que se editaría por la extraña discográfica MONASTERIUM, que si mis datos no fallan sólo sacaría 3 ediciones (4 si contamos un repress) entre las que estaba la extrañísima banda FILII NIGRANTIUM INFERNALIUM (viva todavía), a quienes recuerdo de una vieja GRIND ZONE que comentaban su Ep A Era Do Abutre. No los ponían muy bien, pero a mí se me quedó grabada la infame portada y el bestial logo del grupo. 

EXTREME UNCTION seguirían esporádicamente sacando espaciadas demos... Cursed en 1999 y Cold Breeze of Winter en 2008, trabajos con poca o ninguna repercusión mediática hasta su reciente álbum (2015) editado por CHAOSPHERE RECORDINGS y titulado The Last Sacrament, distando nada más y nada menos que de 20 años entre su trabajo debut.


The Last Sacrament suena a años 90 por los cuatro costados (increíble pero excepto el batería la formación es la misma que en In Limine Mortis). Desde el riff pesado que abre "Banned Heritage", con doble juego de guitarras a la sueca pero pasados por la melancolía inglesa. El resultado es muy, muy adictivo, con juegos perfectos de voces tanto guturales como agudas y blackmetaleras a cargo de Pedro Gonçalves. Impresionante el inicio de "Across The Ages", todo un himno de melancolía y brutalidad con unos apabullantes riffs de guitarra ultra machacones. Si no lo digo reviento, pero la estructura de los temas me recuerda a "A Dead Poem" de ROTTING CHRIST pero mezclados con los PARADISE LOST de etapa media.

Sigue "In The Immensity Of Time" más o menos por los mismos derroteros donde destacan unos coros de voces casi limpias a lo GOLGOTHA en Melancholy o Elemental Changes. Los temas en general son cortos y rápidos aunque hay interludios de lentitud bastante conseguidos con incursiones en el Doom más tradicional de CANDLEMASS.


"Lost Memories" es otra perla clásica que casi me hace llorar de nostalgia. Las composiciones están muy trabajadas y aun siendo estilos muy campeados ya todo está grabado de forma exquisita sin resultar una copia. "Empty Shell" y "Nights of Agony" se suceden sin muchas variaciones salvo que son todavía más melódicas que los anteriores.

El final del disco es de aúpa. "For a Lifetime" tiene algo del Doom alemán de bandas como CREMATORY. Estribillos muy marcados y una importancia alta de las guitarras rítmicas, para terminar todo girando alrededor de una voz gutural pero perfectamente endendible y pegadiza. La homónima "Last Sacrament" que retoma algo de la brutalidad Death melódica del principio con doble bombo y esas dobles voces limpias y guturales a juego que casi que definen un estilo, y "By Each Moment" cerrando el disco en plan himno.

Sin ser un disco perfecto es más que una digna revitalización de un género que va a contracorriente siempre. EXTREME UNCTION han grabado un clásico veinte años después de su anterior disco.

martes, 27 de noviembre de 2018

PEPO GALÁN - "STRANGE PARENTHESES" (ARCHIVES CD31, 2018)


Strange Parentheses es la nueva obra del músico malagueño PEPO GALÁN que continúa de manera sublime la ascendente línea que se trazó en su anterior Human Values Dissapear (entrevista y reseña en el siguiente enlace). Poniendo sus trabajos uno detrás de otro hasta llegar a este, la evolución es considerable, habiéndose pasado de un Ambient de corte amable pero siempre introspectivo a unos temas que incluso rozan el Pop electrónico y el Shoegaze, toques de Dub ultra lento y un estilo cada vez más personal, que al fin y al cabo es de lo que se trata, de alcanzar la madurez como artista.

Lo dije en su momento y me sigo reafirmando. Human Values Dissapear es muy superior a otros trabajos previos y estaba seguro que traería nuevas sorpresas... es la bisagra unidireccional que lleva a un nivel superior de composición y acabado.

La aleación siempre presente de la guitarra y el piano suelen ser los materiales con los que se construye la música de Pepo Galán pero en esta ocasión la irrupción de elementos rompedores contrastan a la perfección con los hipnóticos bucles marca de la casa. Curiosamente, y para dar un cierto giro sorpresivo al asunto casi que Strange Parentheses podría ser sucesor en cierta medida del debut de DEAR SAILOR en el que Galán y Lee Yi nos traían su particular forma de entender la electrónica experimental.


Puede ser que sea por las colaboraciones del disco, que van desde las letras de MARISA ARES / ROBER ROBINSON o el piano de SERGIO DÍAZ DE ROJAS a las cuerdas de REYES OTEO, pasando por el trombón de CARLOS RODRÍGUEZ y las voces de SITA OSTHEIMER y ROGER ROBINSON, o bien puede ser porque es menos lineal que otros trabajos y los contrastes se suceden de forma sutil pero con los efectos arrebatadores de un maremoto. La masterización de TAYLOR DEUPREE es muy acertada, dando limpieza pero sin quitar alma y la fotografía de portada obra del añorado artista de Portland BRIAN YOUNG que cometió suicidio hace poco (sus maravillosas fotografías pueden verse por aquí). La edición por cierto es en digipack pero también hay una pequeña tirada en cassette.

El uso de voces es un acierto en este trabajo editado por ARCHIVES, siempre con un gusto exquisito en el diseño y siguiendo una misma línea visual en todos los trabajos que editan; voces con el telón de fondo instrumental convierten a los cortes en pequeñas cápsulas del tiempo que se van rompiendo como las galletitas de la suerte en un restaurante chino. Mensajes lejanos, abstractos pero presentes (algunas veces la voz nos llega directa y otras emborronada por capas y capas de efectos) con el hilo conductor de una guitarra procesada que roza el rock más espectral que te puedas imaginar. 


La introducción de "Harmony Fields Reverse" es un crescendo al que se le ha dado la vuelta como un calcetín para que adquiera pequeñas cadencias orientales. Enseguida olor a polillas y alcanfor, herrumbre de siglos en la línea de piano de la fastuosa y central "S a m o a" en el que SITA OSTHEIMER me pone los vellos de punta. Esa forma de manejar el piano es puramente ANATHEMA de su etapa media, al igual que el timbre de la voz de SITA me recuerda algo a LEE DOUGLAS. El fondo orquestal de cuerdas y el drone acampanado fabricado por el trombón se van apoderando de todo haciendo que el tema crezca en epicidad (y cierto toque decadente a lo JULEE CRUISE, por supuesto). Un tema precioso y embriagador urdido a fuego por un piano fabuloso.

"Death Fish on the Shore" es una coreografía bajo agua (o melaza, porque el tiempo parece detenido) con un fantástico equilibrio entre oscuridad y ese sentimiento de placer que emana de la autorealización. Electricidad estática bailando un vals con una lluvia de electrones, fundido a negro y empieza "In a Straight Line", similar en estructura pero con regusto Berlinés. 


Si tengo que quedarme con un tema sería "Strange Parentheses". Ultra ralentizadas bases rítmicas Dub/Techno, loops ambientales que se curvan de forma imposible hasta deformarse, y la sensación de que algo jodidamente amenazante está al acecho. Quien me conoce sabe de lo que me gusta la música que se torna lenta y angustiosa, y este tema es música sólida captada justo en el momento en el que un soplete la ha convertido en líquida. Quema hasta producir llagas y las cuerdas orquestadas de REYES OTEO son la sal que momifica las heridas. Sigue "Barco Amor (Naufragio)" con un insistente y obsesivo piano que se va difuminando y bilocando con el fondo hasta alcanzar un blanco níveo. 

"Bleeding Eyes", preciosa conjugación de acordes de guitarra, samplers vocales y el contrapunto  hacia la más visceral "High Sea Tempest", 8 minutos mucho más experimentales y diría que casi progresivos por la forma en la que se usan unos teclados que tienen algo de VANGELIS en su esencia. El reprise de "Almost Alone in this Life" es muy distinto a su versión anterior; desnudado hasta su raíz, destilado hasta su esencia sacra, ahora suena más delicado y frágil. Una melodía brutalmente osteoporótica que podría destruirse a poco que el viento soplase con la suficiente fuerza.

"U Broke Me" con las voces de ROGER ROBINSON cierra el disco a lo grande. Como coger "Sycamore Tree" de Badalamente/Lynch y marinarlo en pianos decadentes. La voz de Robinson, expresiva, te mete en un abismo de desolación que te parte en dos.

Un discazo. Recomendadísimo.


lunes, 26 de noviembre de 2018

ARÍN DODÓ / ISABEL BAIGORRI / JOHN FALCONE - "BERTHELOT" (EF 003)


„La palabra verdad no se puede usar fuera de la ciencia sin abusar del lenguaje.“ Berthelot

FASE I
"El arte es la naturaleza acelerada de Dios al relentí" Malcom de Chazal

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No sé si el espíritu de Marcellin Pierre Eugène Berthelot (París; 29 de octubre de 1827 - 18 de marzo de 1907) estaría presente el 13 de Mayo de 2017 en La Münster (Gijón, Asturias) durante el festival de Vericuentos, más que nada por aquello de controlar que los enlaces químicos y la termolabilidad de la música invocada fuese la correcta.

La fina línea que une la magia alquímica y la ciencia farmacéutica podría ser símil de la eterna lucha entre la abstracción de la música avant e impro y lo estrictamente academicista. A veces por mucho que nos empeñemos, ya podemos tener todas las fórmulas escritas sobre la mesa, que nos equivocamos... que se lo digan al bueno de Berthelot con su obsesión de negar la Teoría Atómica.

La formación compuesta por J.G. Entonado (a.k.a. Arín Dodó) a la voz, trombón, percusión y objetos; Isabel Baigorri a la voz y cello; John Falcone al bassoon, contrabassoon y kokiriko crean una especie de suite dividida en 12 cortes donde prima la energía oscura de la Música de Cámara, el dadaísmo más soterrado y leves retazos de Avant Jazz a lo HENRY COW. Para que nos entendamos, la sensación en general es teatral, a veces minimalista, y con muchas inflexiones difíciles de captar en unas primeras escuchas. Al fin y al cabo, si Berthelot se movía en el campo de la Síntesis Química, aquí también se sintetizan cosas pero en forma de música expresiva, atonal y muy, pero que muy volátil.


El sello italiano EASY FINGERS lo ha sacado en digital aunque mi edición me la mandan los músicos y está fabricada a mano. Para interesados podéis descargarla o escucharla aquí:


Por cierto que el estupendo artwork es obra de Pedro Menchaca, híbrido imposible entre el careto de Berthelot y la saga del Cíclope Andrés de ARÍN DODÓ (reseñas aquí y aquí). Completan los detalles técnicos la mezcla y masterización de Marco Ghezzi (Tunnelwood Studio).

FASE II
"La ciencia es la verdadera escuela moral; ella enseñan al hombre el amor y el respeto a la verdad, sin el cual toda esperanza es quimérica" Berthelot

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Como decía antes, doce pequeños cortes a modo de piezas de orfebrería. Abre "CH202" con cierto aire a UNIVERS ZERO o PRESENT. Cámara oscura de cuerdas rematadas por el Fagot y el sempiterno uso del Cello tocado con arco dibujando un paisaje áspero, de reminiscencias clásicas pero siempre con la oscuridad por bandera. "Thermochimie" sigue en la misma onda pero más arrastrada. La música se va espaciando y deja huecos casi cómicos que podrían encajar en una perdida cinta de dibujos animados prohibida de los primeros años de la animación. Impresionante la profundidad que adquiere el Cello, dialogando con una mínima pero efectiva percusión, o explotando violentamente contra el Fagot.


"Synthèse" sirve de pequeño puente hacia "L´alchimie", una oscurísima canción de cuna  con las experimentaciones vocales de Entonado que contrastan de forma muy positiva con las de Isabel en "C6H6"; un imposible, dantesco diálogo que parece transcurrir en un plano alternativo de la realidad... quizás en ese espacio muerto en el que se aparean las moléculas para dar a luz a nuevas, peligrosas e ignotas sustancias. "Calorimètre à Pompe" acentúa todas estas características haciéndolas más agudas y fáciles de categorizar, pero no puedo quitarme de la cabeza que el resultado de los 45 minutos de música en BERTHELOT son una especie de obra de teatro en blanco y negro de funestas consecuencias, dividida en actos y con esa estructura tan expresiva de la poesía dadaísta (especialmente en las vocalizaciones).

"Endotermique" y "Exotermique" por su parte añaden un patrón de cariz cinematográfico, quizás porque en general son más sosegados, y junto con las percusiones de nuevo parecen recrear algo del cine Noir clásico. Impresionantes resultan algunos momentos en que el Cello resalta sobre el resto de instrumentos al más puro estilo de Bernard Hermann (PSICOSIS...). El segundo tema es terreno de cultivo sin duda para los instrumentos de viento que ululan de forma terrorífica.


El cántico cuasi celta en "Sophie" con los vientos que parecen gaitas aunque pronto muta en parámetros más clasistas (si es que algo así es posible con estos músicos) en "Heritage". Lo que transcurre desde aquí hasta el final de la grabación es la sublimación de todo lo anterior. "1907" y la final "Jals Jo" reivindican a unos músicos que parecen vivir fuera del tiempo o al menos seguro fuera del ámbito comercial y añejo de discográficas. Más bien parecen metidos dentro de una línea trashumante de antiguos herreros alquímicos del sonido que a modo de chamanes pasean su arte por lugares de poder escogidos mediante péndulos telúricos.

Espero que EASY FINGERS se anime a sacar esto en formato físico.



viernes, 23 de noviembre de 2018

FANCINE 28: THAT´S ALL FOLKS!!!!!!!!..............


Hay algo maravillosamente épico en terminar una edición más de FANCINE. Cuando termino la última sesión y me dirijo cabizbajo hasta el final de la calle no puedo evitar acordarme de las estatuas de sal en Sodoma y Gomorra... no debo mirar atrás, me digo. El futuro está delante pero vaya si da pena terminar con las maratones hasta el año que viene. 

Se vierte un halo de incertidumbre... dónde estaré, qué circunstancias habrán, podré asistir o no podré; mientras media sonrisa parte mi cara cara y unas ojeras que llegan hasta la cintura (con una cremallerita tienes unas riñoneras muy apañadas) adornan una faz que da pena de tanto cansancio que llevo acumulado. 

Lo primero son los agradecimientos. A la familia por permitirme este lujo todos los años, a la organización de FANCINE por su inmensa labor, al personal del Cine Albéniz por soportar estoicamente a las hordas de mutantes. 

Por otro lado, un inmenso cogotazo a los que han creado un clima de malestar con la tontería de la bandera. Habéis hecho que resalten cosas que no hubieran llegado a nada y además habéis implicado a políticos, cadenas de televisión y demás. Sólo deciros que posiblemente ninguno de vosotros ni vosotras habréis asistido a ver películas. A veces es importante poner en un rasero las cosas y meditar antes de generar campañas absurdas que se reverdecen, enconan y amigos y amigas, a la larga pasan factura a todos los niveles. No habéis considerado el gran amor, cariño y pasión que ponen las personas encargadas del festival a esta larga semana, y el sufrimiento a nivel personal que habréis podido causar. Sois personas a las que no os valen las disculpas... sois adalides del odio encubierto de ofensa e irracionalidad y hacéis, una vez más, QUE LA REALIDAD SUPERE A LA FICCIÓN EN IDIOTEZ.

35 películas comentadas no es moco de pavo. Es cierto que me hubiera gustado escribir más en profundidad pero tamaña gesta titánica no es compatible con la vida. El palmarés ya está publicado y podéis consultarlo aquí: http://www.fancine.org/

Y acabo con un montón de reseñas de lo que he visto durante el Miércoles y Jueves. Gracias a quien se haya molestado en leer algo de este humilde blog sin ánimo de lucro, sin colaboradores y sólo con la pluma digital de un obseso del cine Fantaterrorífico y que lleva 8 años con las posaderas planas escribiendo sobre el Festival de Cine Fantástico y de Terror de Málaga: FANCINE

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SUMMER OF 84 (CANADÁ 2018)

"Ante las sospechas de que su vecino policía es un asesino en serie, un grupo de amigos adolescentes pasan el verano espiándolo y reuniendo pruebas, pero a medida que se acercan a descubrir la verdad, las cosas se ponen peligrosas".

A los creadores de TURBOKID se les ha ido la mano. Está bien sablear el cine ochentero, pero si te gastas un pastizal en una estupenda recreación, fotografía y banda sonora, pues lo justo sería que eligieras un casting más adecuado. Los adolescentes de la película son posiblemente los intérpretes más malos que haya podido ver en mucho tiempo además de la que la trama es más plana que mi encefalograma a estas alturas.

Ni el supuesto giro final (que no es un giro ni es nada) con hemoglobina e intento de volver seria la trama hace que te creas un sólo segundo de esta infame película. Veremos a ver qué hacen ahora que están tramando TURBOKID 2.

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CURSED SEAT (RUSIA 2018)

"Un grupo de adolescentes es perseguido por fuerzas del mal que vienen a reclamar sus vidas. Cuando este espíritu malévolo intensifica su ataque y comienzan a morir compañeros de clase de maneras extrañas y horribles, se unen para tratar de descubrir su punto débil".

A caballo entre DESTINO FINAL y cualquier película de terror japonesa chusca, esta producción rusa se limita a copiar el cine foráneo. El cine de terror ruso (o fantástico) tiene buenas producciones como la saga de GUARDIANES DE LA NOCHE o ese montón de films que han sacado en estos años sobre la carrera espacial rusa. Sin embargo, en esta CURSED SEAT han cogido lo peor de todos los géneros imaginables para la más inverosímil trama que uno pueda echarse a las retinas.

Como aspecto positivo.... no, no hay aspectos positivos.

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ASH (CHINA, 2017)

"Un hombre es asesinado en una sala de cine. El hijastro de la víctima, Xu Feng, está en la lista de sospechosos, pero deja la ciudad después de ser absuelto. Una década después, el detective Chen se encuentra con Wang Dong, un famoso médico con una máscara, y recuerda el crimen que ocurrió años antes".

Gran thriller desde China en lo que es la segunda película de Xiaofeng Li. Un guión retorcido, asfixiante y con una excelente fotografía granulosa cargada de coloridos, claro oscuros y unas interpretaciones de altísimo nivel. Suspense cocinado a fuego lento que requiere de la máxima atención del espectador hasta su denso final en el que todas las piezas encajan a la perfección.

Es curioso como el cine de suspense chino se está abriendo camino lentamente desplazando en mi opinión al algo anquilosado ya thriller coreano. ASH tiene algo de Noir, algo de drama, y un acabado final redondo. Una pequeña joya.

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NUMBER 37 (SUDÁFRICA 2018)

"Un parapléjico y su novia juegan peligrosamente al ratón y al gato cuando chantajean a un poderoso criminal mientras intentan evadir a un sádico prestamista".

Interesante thriller sudafricano que me ha recordado un poco a la argentina AL FINAL DEL TÚNEL protagonizada por Leonardo Sbaraglia. Rindiendo homenaje a Hitchcock en LA VENTANA INDISCRETA, y basándose en un corto previo de su director Nosipho Dumisa, la verdad es que NUMBER 37 es un producto entretenido pero tampoco perfecto. La historia es interesante pero los criminales a los que el protagonista observa con los binoculares a veces parecen estar sacados de EL CHAVO DEL OCHO.

El cine sudafricano de acción y suspense está en alza. Esta NUMBER 37 gustará a los amantes del cine de acción vertiginoso y con cierto aroma yanqui en su trasfondo.

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DEAD IN A WEEK (REINO UNIDO 2018)

"Después de su noveno intento fallido de quitarse la vida, el joven William encarga su suicidio a un sicario a punto de retirarse. Pero William encuentra finalmente una razón para permanecer con vida. El problema es que el contrato ya está firmado y el trabajo pagado".

Maravillosa comedia negra británica con un inconmensurable Tom Wilkinson. Los gags, las situaciones y la flema británica perfectamente recogidos una deliciosa película con moraleja final a cargo del protagonista de CITADEL, Aneurin Barnard, una especie de Elijah Wood a la galesa; la siempre correcta Freya Mayor y el excelente papel secundario de Christopher Eccleston (LEFTOVERS) completan un gran reparto.

Situaciones hilarantes y un gusto exquisito en las líneas de diálogo, algún toque de violencia aquí y allá la hacen bastante recomendable.

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FOUR HANDS (ALEMANIA 2018)

"La historia de dos hermanas que vieron cómo su madre era asesinada violentamente y que veinte años después deben lidiar con la liberación de los criminales que asaltaron su hogar y destrozaron sus vidas".

Olivier Kienle nos trae un retorcido Thriller psicológico difícil de seguir en principio pero que acaba encajando como un puzzle engrasado. Una historia de venganzas, de dobles personalidades y traumas infantiles. Una fotografía oscura, crepuscular y violenta se une a una muy buena interpretación de Frida-Lovisa Hamann que lejos de caer en clichés de este tipo de películas con doble juego se crece en su personaje y lo lleva a un excelente y e impredecible terreno psicológico.

Siendo sincero, estaba algo cansado cuando la vi y tengo la sensación de que me perdí algo en el principio de la película así que si tengo oportunidad volveré a verla.

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THE DARK (EE.UU, AUSTRIA 2018)

"Una adolescente se hace amiga de un niño ciego que conoce que persiguiéndolo y cazándolo en un bosque. Ambos han sido víctimas de abusos inimaginables, y cada uno encuentra consuelo en el otro. Puede haber una luz de esperanza al final de su túnel, pero habrá cadáveres de por medio".

Debut de Justin P. Lange en una personalísima cinta de terror que está cosechando buenas críticas de prensa especializada y público además de algún que otro galardón. Grabada con brío y buen ritmo, THE DARK mezcla fantasía con terror y volcándose en su tramo final directamente al drama con moraleja. 

Su bella fotografía de bosques canadienses (está grabada en Ontario) y el oscurísimo guión (alguna escena particularmente violenta) transforman lo que a priori pudiera parecer una película a lo Guillermo del Toro en un tour de force narrativo a elogiar. Un director muy a tener en cuenta en un futuro.

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jueves, 22 de noviembre de 2018

HACIA DÓNDE, DESDE CUÁNDO Y DE QUÉ MANERA... UNA OPINIÓN


Ahora que FANCINE 28 está a punto de clausurarse, y antes de la última verborrea de mañana en la que sumaré todas las películas vistas durante las jornadas del Miércoles y Jueves, me gustaría hablar un poquito de cine. Porque al fin y al cabo, detrás del escaparate mediático, a lo que se va a las salas es a ver cine. 

El celuloide de terror y fantástico es un ente en sí mismo que se automutila y vive a contracorriente... pero estoy hablando del cine de género de verdad, no de esas películas fórmula que se estrenan cada semana y que se dividen en remakes, quintas partes de una misma saga y similares. De eso ni me molesto en decir nada.

Hablo de películas en versión original subtitulada que recorren circuitos menos comerciales y que en nuestro País sólo se ven gracias a festivales o al mercado del dvd y bluray. El bagaje del crítico es importantísimo a la hora de medir el rasero por el que se está moviendo el cotarro, y no es lo mismo hundir tus raíces en una década que en otra. 

Digamos que es como un estudio estadístico en el que dependiendo de lo potente y abundante que sea la población seleccionada, así de fiable será la muestra estudiada. Comparar una película como THE HOUSE THAT JACK BUILT con el cine de la última década acaba resultando pobre en papel porque para ver las cosas con perspectiva necesitas saber de dónde viene cada cosa. Necesitas ahondar en la etiqueta que pone el precio y el estilo y compararlo con otros productos similares (posiblemente más baratos) que abundan y abundaron en el mercado. HENRY RETRATO DE UN ASESINO, LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERA o MANIAC eran potentes en su nocturnidad trasnochada. Irreverentes, políticamente incorrectas y asociales, y quizás ese toque es lo que haya que recuperar para sorprender al espectador.

Pero claro, una cosa es el disfrute, qué duda cabe. Para disfrutar algo no necesitas tener conocimientos de nada, ni estudiar con interés un determinado estilo cinematográfico. Simplemente te sientas en la sala y te empapas de los fotogramas y del sonido. Ahora bien, si quieres escribir con un mínimo de rigor algo de la historia de ese cine que estás viendo debería ser necesario, so pena de soltar una chorrada detrás de otra en tal o cual medio de nuevo postín. 

O incluso en los libros, ese rara avis tan particular que en la mayoría de los casos se limita al copia y pega descarado de lo que grandes autores llevan haciendo desde lo subterráneo durante mucho tiempo en fanzines o publicaciones de índole aparentemente inferior. Es la ley del más fuerte en una jungla traicionera donde sólo gana dinero el que al final pone su volumen en rústica y portada brillante al lado de clásicos de siempre.

Quizás esto resulta crudo pero funciona a todos los niveles... también en música o en literatura. Grandes cambios sociales han influido a la larga en el arte, y mediante el estudio del arte acabas teniendo un reflejo bastante fiable de qué se cuece a nivel social. El gran crítico y conocedor del cine de terror, fantástico y del género que sea al final es el obseso devorador de fotogramas que yace en una esquina, pasando desapercibido y poniendo cada película en su lugar correspondiente del inmenso álbum coleccionable que tiene en sus recovecos cerebrales.

Así que si construimos un eje de ordenadas y coordenadas y volcamos dentro el género fantástico de las últimas décadas, se obtiene un interesante reflejo barométrico de por donde van los gustos, los estilos y la evolución del terror fantástico. Analicemos un poco hacia dónde parece dirigirse todo.

El terror extremo francés está dando muestras de agotamiento; se está desangrando porque está gustando, y cuando algo gusta se da a conocer en demasía y entonces tienes que medir tu forma de narrar o te tachan de extremista. Las productoras grandes no se embarcan en proyectos que puedan revolver demasiado la psique de los espectadores. Así las grandes promesas se acaban diluyendo en productos homeopáticos.

Por otro lado tenemos ese revival ochentero que lo está inundando todo. Productos más o menos conseguidos que llevan la etiqueta del Neo Giallo por ejemplo. Ya pasó el año pasado con la grandiosa LET THE CORPSES TAN pero claro, no todo el mundo puede hacer una película como aquella y aun metiendo la comedia, pues acaban saliendo chorradas tan infames como SUMMER OF 84, otro reflejo más de que si quieres sablear un estilo, debes hacerlo con un poquito más de gracia y salero o lo que te sale son dos horas de insufrible calco de otras películas. ¿Y cómo se hace esto?... pues por ejemplo con una película tan trabajada como PIERCING. Pequeña pero a la vez enorme, tanto a nivel estético y de detalles como de música (nunca vas a equivocarte con los grandes nombres italianos).

Incluso MANDY se ha dejado impregnar por toda esa estética de cómic para traernos una simple pero eficaz historia de la que todo el mundo habla y que por alguna extraña razón ha tapado un poco la gran obra de Panos Cosmatos que es BEYOND THE BLACK RAINBOW.  

El cine de Indonesia está surgiendo potente como una infección latente mientras que el fantástico japonés, chino y coreano han bajado bastantes enteros mezclándose con la comedia o el drama puro y duro. El thriller coreano ya no sorprende tanto porque está repitiendo esquemas de sus grandes títulos una y otra vez mientras que de Turquía están surgiendo potentísimas cintas como BASKIN o HOUSEWIFE, la nueva del director que es un auténtico misil de terror psicológico extremo.

Surgen poderosas sagas de India o China con un regusto de superproducción que acaba volviéndose palomitero. El fantaterror español está muerto, o al menos convalenciente, y lo que sale da auténtica risa. Sin embargo, el cine sudamericano está en un alto momento creativo donde películas de autor distintas compiten con pequeños productos que repiten esquemas pero con una potencia enorme (véase ATERRADOS de Demián Rugna). 

Chile, México, Cuba. Brasil... países que están apostando por películas de culto que aun tratando los mismos temas (por ejemplo, el año en que se estrenó la maravillosa HALLEY, también salió la más comercial CONTRACTED o la prohibida casi THANATOMORPHOSE) lo imbuyen de crítica social y a la vez que dan entretenimiento son denuncia de situaciones injustificables vividas en sus países. CÓMPRAME UN REVÓLVER este año podría ser un ejemplo de todo esto.´

Sigamos. El cámara en mano es un desastre. La moda es hacer películas que se desarrollan sólo en la pantalla de un ordenador y ya hay más de una decena... desde SEARCHING a otras más arriesgadas como CAM, el resultado es el mismo; grabar y usar las redes sociales hasta la extenuación. La ciencia ficción también ha experimentado un potente cambio tornándose más meditabunda, sucia y nihilista y dejando la Space Opera para los fines de semana.

Podría seguir repitiéndome pero creo que la idea ha quedado clara. Cada Festival, cada evento vivido, es un catálogo muestra de hacia dónde se está dirigiendo en líneas generales los gustos del respetable y de los autores. Si hace una década y media teníamos pelos largos hasta en la sopa, ahora poco, poquísimo funciona ya ese arquetipo del fantasma japonés que se mueve a trompicones. 

El terror se renueva, y es un placer estar ahí para ver sus cambios. Hasta que el cuerpo aguante.