ADRIÁN FOULKES - "PARENTHESIS" (OIGOVISIONES LABEL OV12, 2021)

Adrián Foulkes (Madrid, 1986) es un compositor, pianista, productor musical y diseñador de sonido que vive y trabaja en Madrid. Así comienza el texto biográfico de su web, a la que echando un vistazo a los trabajos editados me doy cuenta de que sin saberlo he escuchado una gran parte de de su obra poniendo sonido a muchos proyectos cinematográficos. Yo, que de nada entiendo todo y del todo solo entiendo la nada, adivino que a pesar de su carrera de Bellas Artes del la U.C.M. se decidiría por el campo musical porque el Sonido es la más Bella de las Artes.... o al menos así lo creo. Hay que poner atención pero si el acto de escribir `suena´, estoy más que convencido que el de leer lo hace otro tanto.... ¿a qué nivel o umbral herziano?... pues no lo sé, pero el engranaje sináptico de nuestras neuronas suena; runrunea cuando se atasca e incluso vibra cuando fluimos. Por cierto, aquí el enlace a su página web donde se desgrana todo mejor que aquí:

http://adrianfoulkes.com/

Todo el arte conectado a través de una argamasa sinovial SONORA. Así veo yo la vida.

Parenthesis, que es el disco que os presento hoy, es técnicamente su segundo álbum del que Adrián dice: "Bienvenidos a este Parenthesis. Este disco es una declaración contra el tiempo, siendo su escucha un lugar donde aislarse de todo lo demás, donde hacer una pausa. Parenthesis se terminó de gestar en Madrid, durante el confinamiento debido a la pandemia del 2020. El aislameinto fue una experiencia única, intensa y a su vez reveladora que está presente en todo el proyecto. Como en aquel momento, el disco es un lugar al que acudir y olvidarse del tiempo, una lanzadera lista para el despegue hacia lo desconocido. Ojalá podáis llegar a sentir algo parecido. Que lo disfrutéis y Feliz viaje".

Sigamos analizando detalles. La poderosa fotografía / diseño de Sonia Castillo indica `suspensión del tiempo´..... con esas monedas en fondo acuático, cada una cargada del simbolismo del exvoto. Pero voy a más; la Fuente como símbolo en relación con el agua y (citando del Diccionario de Simbolos de Rioduero) "al igual que con la profundidad del secreto y con el acceso a causas secretas simboliza frecuentemente el acceso a conocimientos esotéricos o al terreno de lo inconsciente". Por su parte la moneda, casi siempre redonda, entronca con la representación del disco solar y (sobre todo en China) con la perfección solar. Ya como reflexión personal, esas pequeñas monedas que son mini Ciclos del Eterno Retorno y del Movimiento se encuentran en animación suspendida dentro de ese poderoso elemento deificador y dador de vida del Agua. Por tanto, son `deseos, acciones y diatribas´ puestas en paréntesis. Cuando lanzamos una moneda a una fuente la sacralizamos porque vertimos en ella nuestra psique atávica y ahí quedan encapsulados a la espera de su particular `vuelta a la normalidad´. 

Y pajas mentales a parte, está claro que la portada junto con la sobria pero magnificente, clasista música de Adrián ponen una banda sonora a ese confinamiento particular en el que estuvimos inmersos, cosa que se consigue gracias a un impresionante uso del minimalismo de Arvo Part o (para mi) esas elucubraciones parecidas a Satie en sus Gymnopedies y es que el minimalismo a veces es más expresivo de lo que creemos; el silencio mas la nota aislada aunque parezcan algo difuminado están dibujando de forma sonora como en esos cuadros que se aprecian mejor desde la lejanía. En cuanto a los datos técnicos pues entraríamos en el terreno de la electro acústica con un MS-20 modelando (o modulando) muestras vocales mientras el Yamaha C3 mantiene un pausado y clásico ritmo percusivo. La adición del violín de la italiana Laura Massoto en un par de temas (os dejo enlace a su página aquí) lleva el conjunto a un nivel incluso superior (por alguna extraña razón a veces se me viene a la cabeza Wim Mertens). Queda por añadir la prístina masterización de Martin Heynes que literalmente lo borda junto al acabado del siempre interesante colectivo / secta OIGOVISIONES LABEL que lo han bordado con un vinilo blanco cuasi translúcido.

Abre el disco "Mutate". Un piano con muchos contrapuntos entre mano derecha e izquierda apabulla con su atmósfera elegante pero meditabunda, con irrupciones electrónicas que alteran el tempo en pequeños `glitches´ y modulaciones vocales de índole etérica. Curiosamente no puedo evitar acordarme de Sentimiento Oceánico de Atthis. "Slowmotion" baja el tempo hasta el límite del abotargamiento... pequeños detalles electrónicos se acercan al Synth Pop gracias a esas voces Ambient que caracolean con pequeños y contenidos clústeres del piano. El MS 20 suele ser lo que yo llamo `instrumento de terrorismo sonoro´, y es muy curioso que en "Catch Fire" se use para lo contrario.... elemento de paz y bienestar en drones luminiscentes y para nada superfluos, que lentamente se van desplazando a terrenos retro Carpenterianos (o eso me lo parece) y aportando motricidad. No es Kosmische en sí, pero sí que se aferra lo que vino después de la escuela Berlinesa justo cuando pasó la fiebre de la New Age y los compositores volvieron a la experimentación pura y dura. Finaliza el corte fabulosos breaks y entrada de sábanas bailables cerca de la IDM.

La Cara A se finiquita con un maravilloso contraste entre el violín de Massoto y el piano de Adrián creando un mayestático fade out difícil de definir. No es tan oscuro como el Dark Ambient, ni tampoco rezuma alegría.... es algo intermedio realmente sobrecogedor. Damos la vuelta al plástico y la homónima "Parenthesis" es una nana para mecer el Cosmos. Muy interesante cómo se vertebra (a veces la melodía parece ir a la inversa) y se mezclan diversas capas aleando acústica con electrónica (aquí tengo que citar al añorado Johan Johansson). Aunque en las referencias al disco se cite a Glass o Cage, para mí este álbum tiene al menos un 20% de sinfonismo (a su manera y menos grandilocuente) y otro tanto por ciento importante de algo difícil de definir (la palabra Avantgarde no me gusta) que estalla en "Vortex", hipnótico, repetitivo y como su nombre indica, con algo de estructura en espiral.

Vuelve el violín en "Ipso Facto", de belleza que pone los vellos de punta y asomándose (sui géneris) a cierto Folk psíquico, con aires abstractos pero que nunca de deforma, homenajeando (quizás sin saberlo) a ese Cuarto Mundo de Hassell donde toda fauna y flora es posible. "Houston, We Have a Problem" cierra el disco por todo lo alto... foulkes transforma el piano en un ser holístico donde la simpleza se transforma en su mejor virtud. La melodía se repite cadencialmente y ahora si Cage, Glass, Satie y todo ese grupo de Neuronas en Salmuera Opiácea hace su labor.

Un disco para suspenderte, interrumpirte, desconectar y, PERDERSE EN EL TIEMPO.

https://oigovisioneslabel.bandcamp.com/album/parenthesis

EL LABERINTO DEL LEPISMA (44) - "ESPECIAL EDITORIAL PLESA"

* El Hombre Primitivo / Anne Mc Cord (Editorial Plesa, 1981) *

* Las Primeras Civilizaciones / Anne Millard (Editorial Plesa, 1982) *

* Los Vikingos / Anne Civardi y James Graham-Campbell (Editorial Plesa, 1982) *

Lo que hoy os traigo en esta infame sección de EL LABERINTO DEL LEPISMA es historia de mi propia historia. Año 1982 y las segundas ediciones de unos libros que datan de 1977 fueron una dádiva de conocimiento que mi padre me regaló en mi infancia. Luchando contra la literatura intrascendente juvenil, Plesa se marcó una serie de libros alucinantes para un chaval como yo (os dejo aquí un enlace a un blog que trata el tema en profundidad). Tenían varias líneas editoriales... desde lo paranormal que se llevaba en la época a lo científico o puramente histórico y he de decir que con muchos de ellos aprendías de historial mil veces más que en la escuela. 

Profusamente ilustrados con la maquetación de aquella época, los guardo con un cariño especial... un poco ajados porque los he leído decenas de veces y hoy me ha tocado rescatarlos. Mi padre era un gran lector y Círculo de Lectores y sobre todo Plaza y Janés (a la cual estaba subscrito y que todavía en Málaga los más observadores pueden ver el mosaico que adorna la fachada en Calle Císter... por cierto fruto de uno de los fenómenos paranormales cañí por excelencia); en su biblioteca humilde, libros que me han influenciado muchísimo e inculcado un espíritu de búsqueda insaciable.

No quiero añadir más. Esto es un homenaje a Plesa y su otrora y obsoleta forma de educar a años luz de los libros juveniles que hoy se estilan. Todavía tengo clavadas en la memoria (y ya hace casi 38 años o más, no lo sé) los dibujos de los enterramientos en la antiguedad o cómo fabricaban los vikingos los Drakkar.... también tengo fijada en la memoria los Jardines Colgantes de Babilonia y TODO, absolutamente TODO eso se lo debo a estos libritos de PLESA.

ENJOY YOUR LEPISMA WEAPONS

RED EYE - "THE CYCLE" (ALONE RECORDS AR128 CD:LP, 2022)

Mother Earth

Blessed are we

Everything dies

The Mountain prevails

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Vamos a partir de la base de que RED EYE ya debutaron a lo grande con Tales from the Days of Yore en lo que recuerdo como uno de los mejores debuts que han visto la luz en nuestro país.... yo que sé, pongamos como caso que en el mismo sello, ALONE RECORDS, nada más y nada menos que Orthodox debutó con Gran Poder, clásico ya entre los clásicos. Aquel disco ya marcaba unas pautas fuera de lo común en el combo antequerano.... una capacidad / facilidad inusitada para darle forma a las piedras calizas de la zona kárstica donde habitan y marcarse una estatua sonora dolménica que no solo en disco, sino también en directo son capaces de plasmar. 

Los he visto creo que 3 veces y todas me han dejado con la mandíbula colgando hasta el punto de que el dentista me hizo un empaste en la uña del dedo gordo del pie. Lo primero es lo primero. A tomar por culo el Stoner. Sí, tengo que decirlo... lo siento. El rock desértico a lo Kyuss y similares son para unos cuantos y copiar a esos dioses queda ridículo. Queda ridículo poner voces de destilador de alcohol ilegal sureño y llevo diciéndolo años. Sé natural, y sé tú mismo.... y que me quiebren un huevo si RED EYE no han hecho esto a la enésima potencia con una personalidad y sonido propios.

Finiquitaba yo la reseña de Tales from the Days of Yore con el siguiente pasaje:

"¿No me crees?. De todas formas en líneas generales nadie me toma en serio y eso lejos de ser un problema para mí es toda una libertad poder gritar a los cuatro vientos a los excelsos portales de música que se nutren de publicidad, a las revistas que dejaron ya sus instintos atrás o al cuadriculado fan del Stoner Doom que cuando ellos van yo ya fui y oriné marcando el territorio en el jodido paisaje calizo de ANTICARIA... eyaculé tres veces en La Loma del Viento en añejas vasijas de la Necrópolis de Alcaide y practiqué las artes marciales mixtas contra las tropas de Abd al-Aziz ibn Musa en la Batalla por Medina Antakira. Así y no de otra forma son los cuentos de los días de antaño".

Es decir, y ya acabo con este pasaje introductorio; si ya existen YOB, no hagas lo mismo que ellos, y así sucesivamente. Ojo, no digo con esto que las influencias no sean más que palpables pero una cosa es coger elementos estilísticos y otra sablear descaradamente a bandas de éxito, cosa que os puedo asegurar que se ha hecho a reventar. En el período que estuve de reseñador en una revista de Kiosko, el 90% de los discos de metal Doomitas sonaban a lo mismo (llegó un momento en el que tuve que escribir a la redacción para comentarles que por favor, no me mandaran más discos de ese género) ... a un cruce entre High on Fire, Kyuss y Mastodon pero evidentemente sin el factor / elemento sorpresa y en ese caldo de cultivo sí que salió una banda que rompía con todo aquello (más que romper, reconstruía el andamiaje) y lo llevaba a su terreno, lo mismo que unos Moura en el norte, los Híbrido, Atavismo y en definitiva, bandas que imprimen originalidad y frescura al género. 

Lo! The land of ancient lore

Now restrained by the weight of vice

Feel the wind, the voice of mirth

Bound in chains, a silent cry

Oh, how dim the moonlight glows

I foresee our fate to come

Hear the crowd lurking nearby

They are coming for us

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Prácticamente tres años después nos llega The Cycle, álbum conceptual de 45 minutazos con la siguiente formación (cambian de bajista y creo que ahora son un trío): Ángel Arcas a los taladros kársticos; Antonio Campos a la lira eléctrica, acústica y ecos sinusoidales; Antonio Muriel a la cuerda de esparto gorda y Pablo Terol con más liras, taladros y cánticos ancestrales. La historia que se cuenta, que no voy a desgranar, bien pudiera quedarse como apéndice apócrifo de Midsommar. En cuanto a los detalles técnicos, graba y mezcla Jesús Gómez y Guillermo Ruíz en Green Cross Studio para luego masterizar Paco Requena en PR Mastering. Destacar el apabullante, excelso artwork de Irene Zafra que es sencillamente espectacular. Edición en Vinilo y Cd de Alone Records y agarraos a los asientos y dadle al play. A grosso modo, lo primero que destaca es la madurez y el giro hacia la Psicodelia caleidoscópica de tintes Prog (tal como hicieron Ancestors, Naam o los mismos Aqua Nebula Oscillator) y lo que es más potente, saber cuándo tiene que `estallar´ un grano infectado. Si haces que lo mejor de tu tema tarde en venir, corres el riesgo de aburrir... si expones tus armas a las primeras de cambio, apresuras y luego te quedas sin cartuchos. 

Pues bien, RED EYE en The Cycle son pleno equilibrio, Centrum y Axis Mundi de un álbum tan equilibrado que te sutura el ano sin darte cuenta a base de apretar uno haciendo ejercicios de Kegel (el equivalente emocional del Head Banging para cuando uno ya está curtido). Dividido en 3 actos con `subtemas´ (por no cargar no mencionaré cada una de las partes), el disco se abre con el fantástico prólogo "Foresaga", a caballo entre las texturas percusivas de Basil Poledouris en la BSO de Conan el Bárbaro y un disco de Pagan Folk tipo Primordial o Negura Bunget. Resuena un tono marcial tipo bodrán mientras un cántico de tintes célticos recuerda a bandas como Keltika Hispanna o Árnica (incluso al mismísmo Neonymus). Las voces se doblan haciendo sutiles coros y la epicidad es tan alta que que aquí me encuentro, afilándome los pelos de los huevos por si tengo que ir a la batalla con jabalinas.

Kill them

Your corrupt souls

Will no longer see the sun

Kill them

Kill them all

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Sigue el impresionante "Flyht", con una lentitud Doomita `in crescendo´ apoyado sobre todo en la labor expresiva de unas guitarras que se comen todo como amebas. Vaya, pero vaya riffs y vaya quiebros de la base rítmica. Minuto uno y algo y entra la voz casi llorando en un pelotazo de Traditional Doom Psych con un nivel tan alto que tengo que compararlo instrumentalmente con joyas como el debut de Jex Thoth, el homónimo Naam o los primeros de Reverend Bizarre (y alguno de Count Raven). ¿Sabéis qué?.... creo que esto le da para paja a Lee Dorrian. Ese tempo al ralentí (como si se estuvieran desplazando sobre una superficie de esas que impiden resbalar) se acentúa en el monolito de nueve minutos de "Gaderung", con inicio pseudo acústico Folk, pastoral y aires Pink Floydianos. Sube la intensidad y la distorsión a mitad del corte con voces agrias como chupar el líquen de una piedra... fantástico cómo en plena ascensión distorsionan las guitarras a base de agudizar el sonido. Luego, de forma abrupta, caída al motivo melódico del inicio para cerrar.... y bueno, aunque no quería mentarlos, tengo que hacerlo si quiero ser riguroso. Las partes melódico-acústicas suenan a Opeth (venga, ya lo he dicho).

En "Tempel" se roza la gloria con más percusiones marciales. En pleno terreno de Prog Psych se hilan cánticos ancestrales (por cierto, estamos en el Acto II) aunque lo que empieza suave se torna himno grueso. Se repiten las letras como un mantra sagrado (traducidas al inglés vienen a decir `Hear our prayer / Release us from torment´) pero con el apoyo de las guitarras eléctricas y pisando un puntito más el acelerador. Ecos a Jam ácida dejando para terminar un acople flotante deudor de los mismos Orthodox. 

Awakened

And rising

The mountain

Savior of this land

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Dientes apretados y serrín de esmalte cayendo por mis comisuras para "Morþor" que me cuesta describir porque tengo una piloerección considerable. Imaginad a Bathory versión Heavy; acelerador a tope (ahora sí) acompañado con interludio otra vez a lo Opeth (del Blackwater Park)... tras un extenso abanico creativo instrumental, sigue "Beorg", y joder, el nivel no decae sino que aumenta enteros. Las voces (limpias o susurros) un cruce entre los Floyd y Porcupine Tree y para colmo se permiten el lujazo de meter una cabalgada de Blast Beats al más puro estilo Black Metal. Acople Ultra Doom para el descenso final con código morse incluído (véase el artículo de Jiménez del Oso, `Ovnis Copulando en el Torcal de Antequera´); lento paso fúnebre, riffs expansivos de punta hueca rindiendo pleitesía orogénica de intensidad casi insoportable. 

RED EYE han parido un monstruo. De Piedra. Oolítico... brechoide.... clastico. Mi puta madre.

Aquí. Ahora. Antes de Mañana.

https://redeyeofdoom.bandcamp.com/

https://alonerecordsshop.com/collections/releases

GIRON - "OCEANS" (MUSIC2DREAM M2D07, 2021)

Nada más y nada menos que 8 años ya desde mi primera reseña sobre el maravilloso proyecto electrónico de GIRON. Forest irrumpía en mis membranas timpánicas con trascendentales vibraciones telúricas, ambientes pseudo hímnicos a lo Popol Vuh y un expectacular despliegue analógico no sólo anclado en la Kosmische alemana, sino también fiel reflejo de esa ola francesa de compositores como Patrick Vian o Michel Magne. Lo que vino después ha quedado reflejado por estos lares... Stones (2015), Clouds (2017), el fantástico proyecto Zytospace junto al pionero Miguel A. Ruiz que dio en llamarse Wüste Land (2019), el Japan Tour (2019) y ese ecléctico Giron meets Flecha del 2021.

Oceans vuelve ahora a la senda original siguiendo la misma línea argumental en cuanto a artwork, diseño y concepto. Grabado en Cosmic Electric Sector Studio (Madrid), con alguna colaboración imagino que en la distancia (Erin Donnely Fernández). Viste el diseño del digipack una fotografía de Marta Fernández Ibáñez y como viene siendo habitual en este tipo de textos, pongo el material analógico usado para la composición para gloria masturbatoria de los más entendidos en la materia.

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Dreadbox Abyss, Hades, Erebus, Make Noise 0-coast, Koma fieldkit fx,Behringer model d, crave, Arturia Microbrute, K-station, Waldorf Streichfett, Korg Electribe 2, Microsampler (mellotron libraries), Vermona Perfourmer, Boss fx,Ehx fx, Mooer fx, Zoom fx, Danelectro fx. 

Eurorack modular synthesizer: Doepfer, Erica synths, 4ms, Codex modulex, Make noise, Addac systems, Xaoc devices, Mutable instruments, Winter Modular, Endorphin.es Shuttle System.

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Tomás Fernández Girón vuelve a grabar una obra maestra de Kraut meditativo.... una nueva nana cósmica con la que aplacar la furia y el oleaje de mareas ciclópeas en mundos paralelos. Riscos abruptos erosionados por olas de partículas electrónicas desafían el tiempo y la materia en Neo Finisterre, ese lugar etérico y psíquico, frontera a la vez que centro.... TERMINUS y AXIS a misma vez. A partir de ahí, rotación y creación de la Gravedad en una nueva suite alucinante, introspectiva y minimalista que requiere sí o sí de la complicidad del oyente y el uso de auriculares. Abriendo el disco con una sutilidad embriagadora y anclado en un minimalismo Ambient, "Infinite Waves" hace honor a su nombre. Una melodía compleja pero sugerente se desdibuja como una pastilla efervescente lanzada al mar para luego hacer justo lo contrario... volver del mar a la pastilla en antiefervescencia. La sensación general es la de estar pintando en un lienzo a trazos; diversos recursos que van desde motivos cortos basados en arpegios que se cortan abruptamente a fondos espaciales expandiéndose hacia el infinito. 

Evidentemente es casi imposible no acordarse de Tangerine Dream (mucho más que de Brian Eno) en su etapa más abstracta y primeriza, con claros acercamientos al intimismo litúrgico de Florian Fricke (especialmente en la última parte del corte, se usan los sintes como órgano aunque dando la sensación de estar tocados en la inmensa catedral natural que se forma en los grandes acantilados al pie de los más bravíos mares). Con una sutil maestría, en diez minutos hemos pasado de los motivos más amables a un fade out que nada tiene que envidiarle a las texturas distópicas y Noir de Vangelis en Blade Runner. Decía fade out pero realmente no es cierto porque "Pulses" se une a la anterior sin solución de continuidad. Un percusivo vaivén abotargado (motorik cargado de opio) en primer plano, dando la sensación de presión acústica en un buceador en apnea intentando bajar al fondo abisal. Es la sístole / diástole cardíacas metidas en nuestros oídos mientras el fondo marino nos reclama... alrededor espaciales chirridos, soundscapes y demás parafernalia. Para mitad de tema la base rítmica sistólica se transforma en metrónomo (de una regularidad temporal aplastante) o en la grabación de campo del batir de alas de una libélula amplificado a niveles eternos. 

Mucho más retro suena "From Erebus to the Abyss", anclada en la Berlin school e incluso acetábulos a la primera encarnación de Neuronium ... esa que buscaba civilizaciones ignotas junto a Jiménez del Oso. Aun así, el tema está recubierto de una ominosidad oscura a partir de un poderoso toque drone que subraya algunos pasajes. El resto posee estructura de clásica minimalista que está bastante presente en todo el disco, como ese inicio de "Exploring the Seabed", monumental coda de 12 minutazos que equipara los dos ambientes naturales más claustrofóbicos que existen.... el fondo oceánico y el espacio libre exterior. Da igual que te rodee el agua o la antimateria, pero la sensación de que te dragan el alma por los poros, de que estás siendo parido por un géiser o defecado por el mismo Cosmos hace patente la pequeñez del ser humano frente a la Mayestática Realidad última. Por cierto, si te acompasas con la música en modo hipnótico, la base es casi Dub.... curioso.

Antes de andentrarnos en el tramo final, la sinfónica "Ode to Baburu" te embriaga los sentidos. Corta (unos 3 minutos), pero trabajada desde una exquisita e introspectiva línea melódica planeadora y brutalmente épica con su enfoque cinematográfico. Vellos como escarpias y entra "Rise the Surface", que es justo lo contrario a todo lo anterior. Más experimental, mistérica y sinuosa, es de largo mi corte favorito del disco. Ululantes pasajes con toques de Synth Pop epilogan esa vuelta a lo meditabundo de "Reach the Mooring" que para no cargar no voy a describir en detalle.

Otra obra enorme de la música electrónica patria de GIRON, que nunca aburre ni decae un solo instante. Soberbio.

https://giron.bandcamp.com/album/oceans

GUSANO - "NIÑA SANTA / SACRIFICIO" ( Pifia Records PR*66, Andalucia Über Alles AÜA#036 , JGC Producciones JGC-005, 2022)

Pongamos nuestra atención el Oviedo, Asturias, en 2017. Paz (batería), Diego (bajo) y Omar (guitarra) forman la banda pseudo amateur GUSANO (solamente Omar tocaba en otras bandas). Al año siguiene  se une Gabriel a la voz (Gengis Khan, Se Comió a mi Padre, Enano, Neura y La Maldá). Con ese espíritu noventero que existía en los años 90 en el underground, se mueven por escenarios dando energéticos conciertos, con el impulso del boca a boca (ni tenían grabaciones, ni logo, ni redes sociales). Esto que a priori puede parecer tan a contracorriente a los que tenemos una edad nos suena de mucho; he llegado a ver decenas de bandas de las que solamente tengo como testigo un cartel arrancado de la pared con su nombre (alguna vez logo) escrito a mano, tocando en polideportivos, parques y festivales de dudosa legalidad. Los grupos, de tener suerte, veían como su actuación era recogida por el técnico de sonido (aportando la banda su correspondiente cinta de cassette) y listo, ya tenían su primera Demo montada. Imagino que esto funcionaba tanto en el Sur como en el Norte... supervivencia con lo mínimo.

Sigamos. GUSANO ganan el Oviedo Rock en 2019 quedando por delante de Fernández (segundos) y Malatesta (terceros) de un total de 18 bandas. Tocan en locales reducidos (otro clásico) como La Lata de Zinc (Oviedo), Le Garage (Avilés) o La Salvaje (Oviedo) y luego enlazan con la Pandemia dejando una posible Demo en el aire. Destaca un videoclip del tema "Niña Santa" que dirige Igor Casayjardín de quien hemos hablado bastante tanto por su proyecto musical IGOR como su principal faceta de diseño gráfico con portadas de Igor, Intersigno, Fasenuova, Pablo und Destruktion (además de ser básicamente la imagen tras el sello Humo). Tras una serie de diatribas que incluyen conciertos (Kuivi Pop Up con Cuchillo de Fuego) y varias cosas más, editan este single que hoy os traigo en régimen de coedición entre los sellos Pifia Records, Andalucia Über Alles y JGC Producciones. A nivel técnico, el 7" se graba y mezcla en OVNI Estudio para posteriormente masterizarse por Kike Sanchís.

Escuchados los dos temas, la sensación de Deja Vú es considerable y vuelvo a retrotraerme a esa época noventera que citaba antes. Unos años antes había explosionado fuera de nuestras fronteras el Noise Rock que así tirando de memoria en España se recogería de forma más comercial a finales de los 80, principios de los 90 con bandas como Cancer Moon y a partir de éstos, o más bien de éstos mismos hacia atrás, es en el País Vasco donde más Post Punk cercano a GUSANO encuentro (tampoco puedo tirar demasiado atrás porque surge como un filón el Garage Rock y nos iríamos de madre). Hubieron otras escenas en otras provincias, pero no estoy hablando de un Post Punk oscurantista y de tintes góticos propiamente sino de ese que va más hacia el Noise/Punk y que a la postre enrocaría con el Industrial en Akauzazte. 

Propiamente para hablar propiamente de a qué suenan GUSANO tendríamos por descarte que ir quitando todo el Noise Pop tipo Penélope Trip que abundaba en la Península y girar más el punto de mira hacia The Jesus Lizard, quizás Sonic Youth (sin la experimentación) y con toquecitos oscuros y angulares (no sé, unas gotas de Joy Division sí que hay que meter). 

Toda la parrafada anterior a priori puede parecer simple, pero abarca prácticamente dos décadas que van del 70 al 90. Ese compost sonoro agrio que pasa por ponerle unas pinzas en los pezones a Public Image Limited o quitar la dulzura de la guitarra a Television ayuda a poner las coordenadas en el 7" de "Niña Santa / Sacrificio" con el problema, eso sí, de que tengo solo 6 minutos de música para definir a una banda; el primero de ellos entra con estructura obsesiva e incluso psicodélica, con trazas en las guitarras de ese Space Rock peninsular que lo mismo te suena a Hawkwind con tetania (con ayuda de la base rítmica) que si lo retuerces te metes en las sinápticas melodías de los primeros y más sucios discos de Siouxsie And The Banshees. Entrecortado y crepuscular, es colchón perfecto para unas voces casi escupidas. Espectacular Gabriel a las voces (digamos que en el punk la saliva se escupe mientras que en el Post Punk lo suyo es dejarla caer a su ser por la comisura labial), camaleónico y adaptándose a un tempo extraño, abotargado y latente a un pasito de llegar (afortunadamente sin hacerlo) al Math. 

"Sacrificio" cuenta con mayor presencia del bajo y aquí sí que me recuerdan a PIL (y algún toquecito a The Pop Group sin excentricidades). El maremágnum de distorsión de la guitarra suena británico (esos trasnochadores cortes incisos son deudores de Bauhaus) pero si uno coge el conjunto y se va alejando todo tiende a irse recrudeciendo. Son dos minutos y pico pero si durara más posiblemente acabaría metiendose en terrenos a lo Killing Joke. En definitiva, una muestra homeopática de lo que esta gente puede hacer en un larga duración que espero con ansias.

https://gusanocabron.bandcamp.com/album/ni-a-santa-sacrificio

SPUTNIK TRIO - "TIME HUNT" (SENTENCIA RECORDS SR15, 2022)

           "Improvisación a la británica en su más pura esencia aunque de forma lenta e inexorable se va preparando el terreno (el arco, la bajada del tempo...) para la malsana, lenta suite final que ha dado en llamarse `Time Hunters´. 15 minutos de Drone Doom Jazz [...]. Un flujo constante de sonido que se rumia una y otra vez en soterradas líneas que se elongan. Platillos tocados de forma espaciada y un bajo destensado y tocado con arco son toda la base de música de cámara que necesita Tejero para soltar un largo ejercicio respiratorio de (venga, me lo invento) Kunkalini Jazz que bien pudiere haberse grabado con digeridoo tocado en una hormigonera. [...] Atentos a cómo va subiendo el bajo a partir del minuto 10 en un loop apabullante de sensaciones mántricas. Un puto viaje meditativo al fondo de tu entrecejo de aúpa; el contrabajo se acaba mimetizando en una zanfona, Borja toca el bronce de forma casi sugerida al más puro `campanadas de muerte´ mientras Tejero ha pasado a fundirse con el aire y lo mismo no es Tejero y es una Shruti Box o  ya no se sabe lo que es aire y lo que es Tejero o incluso Tejero es una Shruti Box de Aire". 

TI.............................ME

Si siguiéramos la línea argumental temporal básica que va de A a B lo ideal sería que yo siguiera justo tras la parrafada anterior o lo que es lo mismo, el texto que  finiquitaba la reseña de What the Hate. Quedaría bastante resultón crear contraste y decir que del apocalíptico Drone Jazz entraríamos en terrenos más melódicos con toda una declaración de principios como lo es "Bird of Pray"  pero es que la cosa no es tan lineal y la vida no es tan bonita... como cuando uno está saliendo de una infección intestinal y no sabe qué crédito dar a las heces sólidas y cuál a las líquidas, mientras toda la humanidad te pregunta: "¿pero ha sido diarrea?". Time Hunt pertenece a las mismas sesiones de grabación del anterior álbum y bueno, como SPUTNIK TRIO son seres antropomórficos `as(s) you and me´, lo más coherente es buscar el boquete que tengan en el culo, asirles bien con nuestro dedo índice dentro y el pulgar más o menos por el sacro (como si fuéramos a lanzar una bola de esas de boleras) y con la mano libre, de un seco tirón, en movimiento fuerte y decidido les damos la vuelta para dejar lo de dentro fuera. 

Tendríamos a Marco, Borja y Tejero en sus versiones Ocram, Ajrob (primo hermano de Job) y Orejet (cuidado con la similitud aquí con ojete) o lo que es lo mismo, KINTUPS OIRT.... BIEN; ahora ya estamos en tesituras perfectas para escribir sobre Time Hunt. Además, como la realidad es la que manda, miro los periódicos un instante y ahora mismo Rusia no es trending topic precisamente por su embelesura así que para evitar colaboracionismos voy a dirigirme a Sputnik Trio como Kintups Trio el resto de la reseña (forma velada de no pronunciar siquiera la palabra asociada a dicho satélite)....

Sentencia Records edita en digipack, con tremendo texto en la contraportada de Phil Freeman (ni más ni menos). La fotografía es del propio Serrato (vale, el animal no es él, cuidao) y así resumiendo, 35 minutos de un Free Jazz con la suficiente melodía como para que se te fusione a los tegumentos psíquicos. Sigamos.

.............................HUNT

Increíble la de referencias que puede uno encontrar nada más que con un título. "Bird of Pray" (cuidadito con la tentación a decir prey), quién sabe si homenaje a Charlie Parker o Coltrane, lo que está claro es acabo de hacerle la prueba del Carbono 14 al título y me remite al 9 de Diciembre de 1964 aunque sin piano; por cierto, año en el que moría (Junio) otro grande llamado Dolphy en misteriosas circunstancias y que traigo a colación porque el manejo del saxo alto de Tejero tiene a veces un mucho de aquel. Efervescentes platillos pronto acompañándose de una línea de bajo punzante muy (pero que muy) al estilo de Jimmy Garrison. Entran los vientos de Tejero en un `in-crescendo´ caracoleante, explorando sin prisas la agudeza de su instrumento mientras edifica un sólido monumento funerario. 

Triste pero introspectivo, escalas y notas cortas unen mística y reverencia mientras, la base rítmica con lo suyo hace lo propio y a más agudo se vuelve el saxo, pues más se aprietan ellos (ya sabes brotheh, donde tocan dos tocan tres)... Como si tuvieran que meterse por narices en un hueco que se va cerrando sobre sí mismo en modo trampa aunque realmente en "Bird or Pray" claramente están jugando con espacio / tiempo esquematizando una falsa sensación de motilidad. Si uno afila bien las orejas nota un bucle o reiterativa recreación de un dibujo/patrón de los sonidos sobre el lienzo del cielo. ¿Sabéis cuando los pájaros revolotean, se mueven mucho pero en realidad están sobrevolando el mismo círculo?. Pues eso pero sin tanta poesía, que hay que controlar la natalidad.

Para el minuto siete el tema se ha descompuesto y separado en partes. De tanta rotación han conseguido centrifugar adecuadamente y lo que suena por los altavoces ahora es `suero´ destilado de "Bird of Pray"; técnico, melodioso y cantarín en su última parte, lentamente (suave) se va retirando el saxo a un fondo lejano y es Serrato el que se queda con un pequeño (parcial) solo. Estamos dando la vuelta a la melodía y con suavidad aparecen las trazas del motivo melódico del inicio, igual pero distinto que le diría un cojón al otro con el beneplácito del de en medio

Me encanta la puesta en escena a lo Peplum (no estaría mal la etiqueta... Peplum AvantJazz) de "Will be Back". Contrabajo tocado con arco en marciales olas que vienen y van. Tejero metiendo sordinas a su instrumento para llevarlo a terrenos de clarinete y compenetración brutal entre todos los músicos donde destaco especialmente el binomio de un inconmensurable  Borja a la percusión (siguiendo todos los devaneos de la melodía al más puro estilo Elvin Jones) y el contrabajo de Marco, dualismo metronómico de proporciones ciclópeas. Tocan, paran, suben... tensan y destensan para deformar elásticamente un corte que se nota muchísimo ha sido compuesto por Serrato (tiene algo de la impronta, mala baba europea que se gastan con el Free en países de clima más frío) y es que a lo tonto entre metal y jazz están llenando mis estanterías. No me atrevo a decir que tiene estructura oriental, pero sí que parecen brillar asomos de dichas escalas... ¿o me estaré refiriendo al juego de pies caracoleante y peligroso de un boxeador en los años 50?.  Por cierto, la relación de amor de Borja con los platillos parece estar alcanzando una enfermiza obsesión y juraría ya que son los platillos quienes se elevan (como cuando uno habla aspirando) para golpear las baquetas y no al revés. Estaría interesante montar un set de batería tocado al revés (cansado para el músico, todo un espectáculo en directo...).

(Sevilla Disonante)

Cogemos aire con el Swing Bopero de "Headless Walk", bluesero en esencia y toda una delicia para los amantes del sonido del cuarteto clásico de Coltrane en sus inicios o del mismo Dolphy y Jackie McLean. Lo de Tejero vuelvo a decir que es inhumano; me quedo tranquilo leyendo las notas del disco que dicen que es saxo alto porque juraría que en ocasiones ha cambiado de instrumento (bueno, la harmónica seguro que sí durante medio segundo). Un corte compuesto con estructura clásica, nueve minutos, espacio para los solo y revuelto abstracto. Sigue "Tar or Cox" con despliegue de técnica de Serrato, percusión mínima y Tejero exhalando en modo encantador de serpientes. Corte muy angular, cargado de toda la abstracción de los primeros discos de aquellos músicos de Chicago que se movían dentro de la AACM. No puedo evitar acordarme (aunque se cite a Jimmy Garrison en el texto) de Malachi Favors de la Art Ensemble of Chicago.

"Three Times Ura" finiquita el disco en un tempo lento cargado de blues. ¿Sabéis esos movimientos llamados `esterotipias´?. Pues podría hacerse una traslación a la música. Imperturbable el contrabajo con dos cuerdas, roce de bronces y jugueteos percusivos varios y Tejero... bueno, Tejero casi que silba una melodía que estaré tarareando al menos dos meses. Otra obra maestra alrededor de la molécula Serrato / Díaz y van ya unas cuantas. Digamos que dependiendo de la boquilla (Tejero, Webster, Gustavo) que les pongas, tiran para un lado o para otro. El modo trío lo tienen más que controlado en cualquiera de sus encarnaciones; también hemos tenido algún cuarteto (ese directo de Matadero debería tener réplica física).... estoy frito por escuchar a cinco músicos a la vez y me repito otra vez a eso de KINTUPS.................. Ahí lo dejo. 

https://sentenciarecords.bandcamp.com/album/time-hunt

 

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CREK NOARDE - "UN DISCRETO VIGOR" (DISCOS BELAMARH BLM09, 2022)

Crek y Noarde, reseña Mortimer. ¿Qué cojones es esto.... un capítulo apócrifo de Star(D) T(C)rek?. Un Discreto Vigor se erige por derecho propio como uno de los artefactos más intrincados, alucinógenos y adictivos que me he echado a las orejas en lo que va de Kali Yuga pero claro, para entender esto bien o llegar a la Base Primordial de este proyecto tendríamos que bucear hasta la soterrada escena de la Barcelona Avantgarde que tan bien describiera Jaime Gonzalo en La Ciudad Secreta. Sonidos experimentales en la Barcelona pre-olímpica 1971-1991 (Munster) y agarrarnos por ejemplo ahí al asidero de MACROMASSA, nombre-algoritmo que lleva a otros nombres como Bel Canto Orchestra (ojito con esto) o cosas más recientes como el grandísimo sello La Olla Expréss (Eli Gras) o la Banda D'Improvisadors De Barcelona. Otra opción es el texto que ha hecho Javier Piñango sobre el disco o que sigáis y leáis al grandísimo Javier Hernando en su blog OJOS DE MÚSICO EXTRAVIADO donde aprenderéis muchísimo más que en este cajón de sastre en el que os hayáis ahora.

Como habréis adivinado, hoy estoy hablando de Juan Crek, q(r)ue con(qr)e(k)tamente en el álbum que hoy reseño se encarga de: programación, simulador, neutrón, piedras, saxo, efectos y voz. No quiero ni me atrevo a profundizar más en biografías porque acabaría entrando en Los Clonicos o el infinito catálogo de producciones ochenteras bajo el nombre Juan Crek.

Por otro lado, tenemos a Andrés Noarde (programación, sintetizador, guitarra, piano, theremin y voz) que entrelaza su cordón umbilical con el anterior en Omé Acustic allá por 2011 en el plano artístico, aunque vinieran conociéndose desde el lejanísimo 1988 con la publicación de Espejo Rapidísimo Qinqen de Macromassa (cuidadito que todavía se nos puede alargar más esto si nos metiéramos en Discos Esplendor Geométrico) y la compilación Barcelona Ficción Romance. Lo cierto es que lo de Omé Acustic viene a durar  hasta 2017 y me hago la pregunta, ¿qué parte tiene aquí que ver la añorada figura de Víctor Nubla como molécula bilocativa que una a ambos músicos?. O dicho de otro modo... ¿es Crek Noarde una continuación biofísica de Crek Nubla en otro plano alquímico?.  

Vaya usted a saber según que cosas porque Ome Acústic, grupo de improvisadores bajo la premisa de `prohibidas las amplificaciones eléctricas´ se acaba como llega unos siete años después, naciendo luego algo así como Associació Cultural OME (hay mucho rastreo de todo esto en la web) que, si no se me ha ido la cabeza demasiado, recoge el único testimonio físico (en varios directos) de Ome Acústic en Quietisme, editado en 2015 y que pone fin al asunto. Entraríamos ya en el proyecto Crek Noarde  y su disco debut Romperse sin Arder, inmediato antecedesor del que hoy os traigo. Por cierto citar que Noarde produciría el que a la postre fue el último trabajo de Nubla justo antes de su óbito en 2020 (Macromassa Sucede Allí).

Vale, nos centramos. DISCOS BELAMARH que se está haciendo todo un catálogo de pequeñas grandes joyas edita en un precioso digipack Un Discreto Vigor (fabuloso diseño gráfico de Anton Molina). Se graba en Maybe Someday Studios en plena pandemia como así lo atestigua la genial frase del libreto: "Juan Crek y Andrés Noarde mantuvieron un distanciamiento mínimo de 30 kilómetros durante el proceso de grabación". La masterización es de Marc Parot en Grabaciones Silvestres y el sonido.... veamos... imaginad una especie de mezcla entre Coil y las gimnopedias de Satie; los collages imposibles de Nurse with Wound o a un ya totalmente dejado psíquicamente Daevid Allen... o qué diablos, hablando de psiquismos, imaginad a Psychic TV pasados en algunos momentos por férreos riffs de guitarra casi industriales, extrañísimos pasajes a lo AMM y paro ya porque posiblemente os esté complicando la vida. En resumen podríais coger la Nurse With Wound List y meter todos los grupos en un Alambique... las gotas destiladas seguramente recogen residuos de todo y de nada. 

Estructurado en dos suites separadas (vaya usted a saber por qué), tenemos a la fría SUITE UNO / Oslo contrastando con la calenturienta SUITE DOS / Acapulco  en 8 y 7 cortes respectivamente. La primera de ellas, 27 minutos que se abren lisérgicos y que pasan por las psicóticas guitarras de "Hoguera Cibernética", inicialmente terrenales aunque para cuando entra la robótica voz susurrante a medio camino entre Aviador Dro y Diseño Corbusier ya estoy totalmente descolocado. Virando hacia una suerte de dadaísmo, se funde en una fantástica outro con lo que parece un arpa sampleada.... y de ahí a la marcial "El Autobús Sincero" solo hay un pasito. 

(Crek)

Mistéricos sonidos que imitan a vientos o vientos que imitan a un theremin copulan con notas de piano que se esparcen sobre una base rítmica de Synth Pop. Cuando se queda solo el theremin tengo claro que me he pasado de parada del autobús urbano y estoy en Pakistán. Como Dissidenten o Embryo pasados de rosca, Crek Noarde evitan anclarse a cualquier tipo de estructura convencional y en esto tengo que citar a esos primeros y demenciales Gong de aquel Canterbury que rehuía del preciosismo y se basaba en un más que psicótico Allen.... aunque esto es solo ráfagas que se esfuman con la futurista "Vía Dolorosa", proto Techno simbólico, Noise Ambient endo bailable; todo con una percusión que se sale del planeta tierra para adentrarse en una diabólica gingkana allá donde dios fue a cagar Soma.

"Nuvolat" y sus experiencias cercanas a la muerte me recuerdan a proyectos más actuales (en una Neo Barcelona Experimental) de Víctor Hurtado en QA´A, Huan, Futuro de Hierro o Dame Area, pero un poco menos críptico. Seguimos con la sintética "A las Ocho lo sé Todo", al más puro estilo Antonio Murga o el extrañísimo sonido que tenían los canarios DUE (antes Quaxar) aunque los niveles de abstracción musical, como los del Litio en el cerebro, van en aumento con la difuminadísima coda "Seguro de Repetir", con marcados acentos de Música Concreta, Stockhausen y minimalismo (sobre todo a través de lo percusivo y las espaciadas notas de guitarra); así y todo, el contraste que se ejerce sobre una base más sinfónica de teclados Ambient es muy curiosa. "Trasiliencia" ahonda todavía más en el minimalismo mezclándolo con toques sutiles de Noise. Tempos bizarros a lo Cassiber y una circense melodía abotargada remiten al primer Zorn. Así sonarían los estertores de una caja de música muriéndose en el cementerio de las cajas de música (vale, ni puta idea de si existe algo así). Finiquita esta primera parte la homónima y electro-homínida "Un Discreto Vigor", (con colaboración de Daniel Blanco al Novation Bass Station II)... puro zumo de teclados Casio robados en un bazar de Gibraltar. Ah!, de fondo se escucha agua.

(Noarde)

SUITE DOS / Acapulco se va a los 40 minutos. Abre "Pulse", curiosa manera de mezclar una base rítmica en modo metrónomo y melodía de guitarra de corte latino. ¿Resultado?... pues como si un Mariachi cibernético tocara las maracas y el ukelele mientras te meten en tu sepultura de Titanio. World Beat para gente muerta. Estoy casi seguro que si la aceleras, la pones del revés, y le alternas la melodía A y C, por D y E, obtendrías todo un temazo Hit de Telenovela. Sigue la cósmica nana "Mantis Marina"... preciosismo vibrafónico, Ambient Dodecafónico, hipnotismo Dórico-Jónico y en suma, maestría experimental que invita al espasmo Tónico Clónico. 

Crek Noarde alcanzan un nivel de compenetración altísimo y especialmente el piano de Noarde en "Albarán" y "Déjame Vivir" (esta última con guitarra de Santi Rovira y piano de Daniel Romera) son una delicia. Ecos a Satie sin duda, con flujo de neutrinos estallando en el fondo, se une lo electrónico con lo acústico y no se duda en acaramelarse si hay que hacerlo. Faceta más que intimista en sendos temas que podrían sonar tanto en una película teratogénica de Berlanga o en una donde se bailen Tangos del revés. Ojito a la impronta española del piano y los silbidos o la belleza de las guitarras porque son para ponerse un habano en el ano y echar el humo por la boca. 

Me reafirmo en que esta segunda parte del álbum tiene más estructura de canciones, y así suena "Sus Paraguas Perdidos". Omnipresente el piano, y excelentes las manipulaciones barométrico-electrónicas de los fondos, de alguna forma hemos pasado de los helados ambientes de Oslo a la Acapulco subterránea a través de unir molecularmente a Esquivel o Martin Denny con Satie, Glass y Cage. Dicho de otro modo, estamos en terreno electro acústico.... algo así como si Blade Runner se hubiera grabado en México Lindo en vez de en la distópica Los Ángeles, y cojones, que me cosan un huevo con el otro si el inicio de "Nevsehir Shave" no me ha recordado a Carpenter. Marcial y tiránica, imposible no rendirse a las potentes letras que harían las delicias de una pesadilla de Kim Jong-un en la que fuese hipster con barba: `el afeitado del nuevo heredero / se ha dejado ver  en estos momentos. / Con sus avioneta ha surcado / los cielos claros / junto a la orilla del mar´..... 

Podría seguir describiendo lo que me parece una obra de arte y clásico instantáneo de las músicas arriesgadas (lo mismo podría haberse grabado en los 90); la New Wave de "Lotería de Piedras Corazón", la sinuosa "Mail Art Broke my Heart" (con trazas a Coil) con un pie dentro de la Easy Listening / Lounge. 

En cuanto a "Norte Revisitado", ya la escuchas cuando pilles el disco:

https://creknoarde.bandcamp.com/album/un-discreto-vigor

KADAVER / LISTING - "KADAVER / LISTING" (AESTHETIC DEATH ADCD 080, 2021)

Bien sabido es para los amantes de los sonidos extremos que el sello AESTHETIC DEATH no suele cortarse un pelo a la hora de apostar por proyectos arriesgados. Y no es que lo diga yo sino que se remonta a su misma existencia allá por mediados de los 90. Stu Gregg, figura alrededor de la que gira el sello de Worcestershire, ya tiene un buen puñado de álbumes arriesgados en su haber; desde Dead Beat Project al Ambient espacial de Lysergene, de los experimentales Sektion 37 a Arcane Voidsplitter (Stjin Van Cauter) o los reseñados hace muy poco Uncle Grasha´s Flying Circus y Violentá Domestika. Evidentemente no todas las referencias son de este tipo, pero sí que ahora volvemos a las andadas con uno de las referencias más demenciales a los que me he enfrentado en los últimos años..... KADAVER // LISTING. Siéntense, pongan auriculares y les voy comentando.

KADAVER es el sobrenombre de Michael Zolotov, proveniente de Israel y con más de 20 años en activo dentro del campo del Death Industrial, Power Electronics y lindeces del estilo. Así en formato bandas tocó en Mashina (no estoy seguro, pero creo que es una longevísima banda de rock israelí), actualmente en Necromiskha y Agnivolok aunque mentiría si dijera que conozco a alguna. Nos estamos moviendo por terrenos brutalmente underground. Por otro lado tenemos a LISTING, ni más ni menos que Clint Listing y ojito que aquí ya voy reconociendo cosas. Dueño de los sellos Dragon Flight Recordings LLS (rip) que se continúa con Beauty and Pain, milita en bandas como (estas sí las controlo) Black Dephts Grey Waves, Long Winter Stare y luego ya un sinfín de ediciones en solitario apartándose del campo del Doom y entrando también de lleno en en Noise o Ambient.

El (no) Split que tengo entre las manos, a 6 paneles y con acabado brillante, recuerda muchísimo tanto a viejas glorias que infiltraron mis orejas adolescentes como Uncertainty Principle, Hlidolf o los inabarcables proyectos primerizos de Stjin Van Cauter como son Fall of the Grey Winged One, I Dream no More, Organium o Dreams of Dying Stars. Dicho de otro modo, el lado menos amable de su principal banda Until Death Overtakes Me más metida en un (excelente) Funeral Doom de corte sinfónico. Sigamos.

Tres temas largos, uno de ellos de 22 minutazos, masterizados por Greg Chandler de los Priory Recording Studio. En cuanto al artwork, aunque no he encontrado referencias, me atrevería a apostar que podría haberlo diseñado el propio Stjin Van Cauter (al menos parece su estilo). Había comentado que no es un Split y la razón es que ambos músicos funcionan como un ente, repartiéndose la necrosis electrónica del siguiente modo:

Clint Listing - Voice , Guitars, Synths and Noise

Kadaver - Effects, Loops, Soundscapes and Noise

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Haciendo un resumen, esto es Harsh Noise Wall con toques de un difuminadísimo Power Electronics con guturales y cierto regustín extraño a Dungeon Synth en el fondo. Es decir... como si cogiésemos una estructura de Ambient tranquilita y le superpusiéramos toda la vorágine del más abyecto Death Industrial. Ni que decir tiene que esto no es para todo el mundo, pero si te atreves, auriculares a volumen alto para una experiencia FÍSICA. "Aquatic Demonic" abre el álbum con 15 minutos acufénicos, burbujeantes y acuáticos. Voces infrahumanas se lanzan a velocidades de vértigo contra una tela magnética sonora inexpugnable, rebotando una y otra vez para crear un caos de consistencia física palpable. Como una grabación de campo en los intestinos de Moby Dick, las texturas acuáticas se mezclan con voces infrahumanas al más puro estilo Death Industrial y Power Electronics. A pesar de que el Harsh Noise Wall suele ser bastante inamovible, aquí ocurre todo lo contrario y hay sensación cinética en todo momento. En la retaguardia, sintetizadores, loops, sonidos de toda índole y curioso, algunos arranques que incluso recuerdan al Grind (al menos en las voces porcinas) aumentan el desasosiego. Si la criatura en la que estoy metido ahora mismo tiene que defecar, ruego a los cielos salir indemne por el `Anus Mundi´ lo más rápido posible.

Sigue "Razor Love Orchestra". Más corta en duración (7 minutos) pero más abigarrada. Cambian las texturas y lo oxidado sale a la superficie desplazando al agua. Orín séptico en un corte más estático que el anterior pero con sutiles modificaciones. Oleadas de neutrinos cortan venas en un suicidio sonoro de difícil descripción... es y no es Harsh Noise Wall. No puedo dejar de quitarme de la cabeza que hay cierta estructura (no sé cómo ni de qué forma) metalerera. Un pequeño fade out da paso a la monolítica, bestial y ciclopea "Rusty Empty Heart" o lo que es lo mismo, una escalada de 22 minutos en terreno hostil, machete en mano y cortando esfacelos de metros de altura. Salir indemne es complicado pero ahí brillan en la oscuridad las pútridas flores en forma de pequeños elementos figurativos que ayudan al oyente a anclarse (sujección psíquica)... gruñidos, acoples, subidas de intensidad eléctrica y vaya usted a saber son los escalones que descienden detrás de la cortina de ruido que Kadaver / Listing te han preparado.

Si quieres una banda sonora alternativa a los relatos y novelas de William Hope Hodgson estás ante una buena opción.

https://kadaverlisting.bandcamp.com/releases

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=5101

Bienvenido al juego de Rol más extraño de tu vida.

PILLARS OF CACOPHONY - "PARERGA" (TERATOGEN RECORDS TX9.0, 2021)

Desde las entrañas austríacas de Graz os presento el cáustico proyecto de Black Death con toques industriales Pillars of Cacophony, auspiciado por un tal Dominik y con colaboraciones aquí y allá de gente como Dr. Winter de Violență Domestică quien además de la intro "Prometheus" y el diseño, lleva el sello Teratogen que son quienes sacan este precioso digipack. Parerga, que así se llama el álbum, son 11 cortes bastante frenéticos de un Death Metal con tintes Black y espíritu pseudo-Avantgarde en el sentido de que algunos riffs y cambios de ritmo podrían recordar a cosas como Supuration además de que la mayoría de las letras son toda una oda a la fisiología celular, referencias a la `Navaja de Occam´ o `principio de parsimonia´, vaya, temas científicos en suma.

Llegados a este punto, destacar el apabullante artwork de Dr. Winter (ya he hablado de él en bastantes ocasiones, pero aquí dejo muestras de su trabajo) quien además se encarga de abrir el disco con "Prometheus": sirenas apocalípticas, ritmos industriales y sensación claustrofóbica sobre la que flotan voces al más puro estilo de los dioses olvidados canadienses Zaraza. Como un puño bioquímico entra el abigarrado Death Metal de "Antiparallel Entities" con cierto regusto a unos Bolt Thrower que les hubiera dado por experimentar; artillería pesada con un doble bombo apocalíptico (imagino que programado, no lo sé) y buenos riffs de guitarra. Punto a favor con esas declamaciones imperativas de voces limpias, aunque lo que prima es un sonido denso, apretado y bastante técnico.

Bajada del tempo con la demencial "AlphaHelix-BetaSheet". A los arranques de una base percusiva cuasi Black metal hay que añadir pasajes lentos atmosféricos con voces limpias que son un auténtico puntazo dando la sensación a veces de estar asistiendo a clases universitarias de biomedicina. Una muestra de las letras que tienen miga: "AlphaHelix-BetaSheet / Oxidoreductase / Transferase / Hydrolase / Lyase / Isomerase / Ligase / Translocase. // Oxidation and reduction / Transfer of functional groups / Breaking bonds with the power of water / Cleaving bonds with force / Transforming / Covalent linkage / Molecule transport". Salvando algunas distancias, tengo que reconocer que hay momentos que me recuerdan a Mitochondrion. Una de las bazas fuertes es que a pesar de tener partes muy técnicas, no se llega al sopor de Messhugah pero sí a la intensidad de Gorguts. Tampoco es fácil etiquetar a Pillars of Cacophony en una escena concreta y los cortes tienen la suficiente identidad propia para que no pasen desapercibidos.... aunque eso sí, luego hay cosas como "Necrosis" que sí que rezuman vieja escuela.

Voces guturales muy bien ejecutadas, orgánicas y sin artificios y lo que más me gusta.... se nota que Dominik es un excelente guitarrista (tiene otros proyectos por ahí como Seduced. Equilibrio perfecto entre brutalidad y melodía, algún descenso del tempo a niveles Doom con fantástico pasaje de voces recitadas. Para cuando nos metemos en "Phospholipidosis" o la brutalísima "Occam's Razor" tengo más que claro que es un disco más que notable y que se sale de la media.... metal extremo con ecos cósmicos al más puro estilo Portal y cosas así, con pequeñas sábanas de teclados casi imperceptibles y si la batería es programada (que no lo sé, no se nota nada de nada). Eso sí, determinados riffs de la guitarra rozan lo industrial al más puro estilo de proyectos antiquísimos como The Nulll Collective. 

De mis temas favoritos, el inicio sincopado de "Bias", muy original y con una atmósfera que pone los vellos de punta, para a continuación meterse en una marcial base percusiva casi procesionaria, con ecos a Bolt Thrower o incluso a God Dethroned sustituyendo lo maligno por la bioquímica (acojonante la epicidad de "Diffraction", los dobles juegos vocales y las irrupciones de unos magnificentes riffs de guitarra cortos y generalmente acompañados por explosiones de Blast Beats bastante salvajes (escúchense a los Dark Funeral). Podría seguir describiendo las bondades de lo que me ha parecido un muy buen disco de género (los temas "Amelia", "Messiah" y "Desmotes" más o menos siguen por la misma línea) pero creo que ya a estas alturas queda clara la propuesta de Pillars of Cacophony.

Recomendado.

https://pillarsofcacophony.bandcamp.com/album/parerga

http://www.teratogen.at/