EL LABERINTO DEL LEPISMA (42) - "La Razón de Lupus de Moros: Un poema hermético (André Michalski)"

 

* La Razón de Lupus de Moros: un Poema Hermético / André Michalski (The Hispanic Seminary of Medieval Studies, 1993) *

Lo que os traigo hoy es un rareza relativa dentro del mundo editorial. Razón de Amor es un poema de un tal Lope de Moros (poeta y trovador aragonés de entre los siglos XII y XIII) del que poco o nada de sabe. El poema en cuestión ha suscitado bastante literatura, se le conoce con el nombre completo de `Razón de amor con los denuestos del agua y del vino, Razón de amor, Razón feita d'amor´, y hay quien lo compara con El Libro del Buen Amor. En teoría este Razón de Amor aparece en 1887 en Francia, recogido por primera vez por el humanista francés A.Morel-Fatio; escrito en castellano en lo que parecen formas dialectales aragonesas o galaico-leonesas sin quedar del todo claro de si se trata de dos obras o una (ya se sabe del gusto del medievalismo por esconder obras dentro de otras).

La polémica estaba servida porque no es posible identificar exactamente si es castellano, aragonés o leonés.... se trata de un dialecto mezclado del que también se duda de su autenticidad ya que entraríamos en qué parte es del autor, cuál del juglar, copista, etc, etc. El tema de la obra tampoco es claro y su identificación con el tal Lope de Moros es simplemente por una nota (o éxplicit) que dice: `lupus me fecit de moros´, que no se sabe si tiene que ver con el autor o el amanuense que la la recopió. Lo único cierto arece ser el pueblo de Moros en Zaragoza.

El autor Andrè Michalski defendía en el Seminario de Estudios Medievales Hispánicos su tesis de que se trata de un texto alquímico/hermético plagado de simbología, mitos y alegorías. El hecho de que se date el Poema de Lupus de Moros en el 1200, justo antes del florecimiento del hermetismo en la Europa cristiana y el apogeo de los códices alquímicos clásicos, dan pie a multitud de corrientes de pensamiento. Pues bien, lo que tenemos aquí es un brutal análisis de Filosofía Hermética cuyo germen partiere de la Asociación Canadiense de Hispanistas así que es de una rigurosidad exhaustiva, con un índice de referencias y bibliografía que dan autentico pavor. Las conclusiones y desarrollo acaban entrando en terrenos alegóricos con roces con la Alquimia Musulmán, el Hermetismo puro y duro, los sueños (amorosa visione) y los dobles significados propios de textos satíricos de aquella época.

En suma, para mí, toda una joya que he añadido a mis estanterías. Su encuadernación en tela/polipiel venía algo desgastada y ha vuelto a relucir gracias a unos toques de spray de silicona lubricante, luciendo tal y como se ve en la imagen.

ENJOY LEPISMA WEAPONS

SUERO - "KRAGEHUL" (REPÚBLICA IBÉRICA RUIDISTA RIR063, 2020)

Exactamente no sabría decir cuántos trabajos he reseñado de CARLOS SUERO así que tiro un poco de memoria. Creo que lo conocí a raíz del oscurísimo Ex Luna, Scientia (2016) que editara El Muelle Records. Después de aquello recuerdo su participación en Aokigahara Jukai de Pepo Galán, Mesohigh (2018 y también en El Muelle Records) o el impresionante split Conformity Declaration (Seattle Dot)  junto a Galán. Bajo el nombre de Godafoss reseñé A Violent Death y hasta aquí me llega la memoria. Ahora, en toda su gloria y esplendor y gracias a República Ibérica Ruidista tengo el placer de disfrutar de una preciosa cinta de cassette verde pistacho (lo mejor está por dentro), con un sonido que asusta de bueno (vaya, que en estas ocasiones es cuando uno nota que hay cintas mejores que vinilos) y con un Suero DDT: Desatado, Devastador y Terrorífico.

Me gusta comenzar por los detalles porque es ahí donde radica la clave. Una fotografía de Nao Sakamoto muestra una verdosa agua movida por la vibración; el color da para mucho juego y lo mismo podría decir que es Té Matcha que jugo de ranas en descomposición. La cinta, del mismo color y sin crédito alguno impreso, ayuda a dar esa sensación nihilista de la primera oleada industrial (bueno, más que la primera oleada, la del rebalaje una vez pasado el tsunami). Quedaría analizar un prístino pero potente sonido con unos graves y rangos dinámicos que hacen que tenga que meterme por mi segunda boca (la de abajo) alguna que otra declaración vertida por mi parte sobre las cintas. Yo no sé si es casualidad o no pero esto suena que da verdadero miedo... y no lo digo sin conocimiento de causa. Además de la cassette tengo la versión digital que suelo pasar a CDR para comparar y bueno, ya digo que merece y mucho la pena hacerse con una de las 25 copias (High Bias) que REPÚBLICA IBÉRICA RUIDISTA ha sacado.

El siguiente dato a analizar es el título. Kragehul como término hace referencia a un extrañísima lanza encontrada en Dinamarca (1877) con inscripciones que han dado lugar a las más diversas teorías. No he podido resistirme a comparar el asunto con otra escritura similar que vi en Oslo y que se encontrara en el Barco de Oseberg. Las similitudes entre ambas son sorprendentes no solo por lo rúnico sino por la aproximación de fechas (el barco de Oseberg es desenterrado por el arqueólogo sueco Gabriel Gustafson y el arqueólogo noruego Haakon Shetelig entre 1904 y 1905). Tomando como base contextual las inscripciones de la lanza de Kragehul, Suero se sale por la tangente creando un score imaginario que va justo por la línea contraria a la que suele discurrir el Industrial / Noise. Si bien es cierto que Esplendor Geométrico suenan muy tribales en las bases rítmicas (Controlled Bleeding en sus inicios también), unir runas, inscripciones y usar como títulos de los temas detalles que rodearon la lanza (lo iremos analizando), es como poner una puta banda sonora Industrial a una batalla nórdica.

Abre la pequeña intro "Elder Futhark" (sistema de escritura rúnico de los países germanos). Un maremágnum rayano en el Harsh Noise Wall es atravesado por bases rítmicas que parecen golpes de lanza o el restallar de látigos... todo unido equivale a un vibrátil pulso (im-pulso) que arropa el grave sonar de un tambor de guerra (parece una grabación de campo realizada en un drakkar). Entra el Techno más oscuro que pueda imaginarse con "Asugisalaz". No lo he comentado, pero la inscripción (incompleta) de la lanza viene a ser "ek e⸗rila⸗z asugisalas m⸗uh⸗a h⸗aite g⸗ag⸗ag⸗a ginu g⸗ah⸗e […] lija […] hagala wiju big–[…]" donde `Asugisalaz´ parece indicar un lugar. Hay muchas teorías, traducciones e interpretaciones así que para quien quiera investigar ya tiene deberes. La oscuridad a la que nos lleva Suero puede bailarse y el trance chamánico es un triposo viaje mental tan atemporal como un Oopart; a ratos con trazas metálicas que quisieran meterse por el terreno de Skullflower o Ramleh, pero con tres cuartas partes metidas en la electrónica más ponzoñosa que existe; esa que que hiede a montañas de prótesis de Titanio en un mundo en Guerra plagado de Neo-Vikingos cuyas nuevas lanzas de guerra portan mantras grabados con láser  (ah, y los cascos tienen gafas de visión nocturna).

La onomatopéyica "Ga​-​ga​-​ga!" baja el tempo y ofrece un poco de calma contrastando con la vuelta a la fuerza orgiástica del yunque rítmico de "Gisalaz" que cuenta con unos adornos (soundscapes) que me recuerdan al mentado Ex Luna, Scientia. Ritmo mas repetición es igual a hipnosis. La homónima "Kragehul" cierra la Cara A con diez minutos que comienzan con un Dark Ambient férrico con toques a Carpenter que lenta pero inexorablemente se va cubriendo de experimentación a través de las múltiples capas e intrusiones de un drone que es atravesado de parte a parte en modo loop. La sensación es de que están afilando algo, no sé si la lanza o mi jodida espina dorsal que sirve de amuleto a cualquier barbudo gigante. Destacar la base percusiva que entra a partir del minuto seis que me ha dejado tocado. Apabullante. 

Darle la vuelta a la cassete y encontrarte el himno "Ginugahelija Hagala wiju bi g​[​aia]" es difícil de describir. Espacial, con un ruidismo exquisito, está plagada de antropomórficos indicios de voces procesadas (o no). Densa y atávica, mitad barro y suelo, mitad espacio y cosmos. Puro Suero en estado puro: sonido tenso, amenazante e ingrávido a base de loops que cada vez que pasan apuñalan (que se lo digan a mis oídos que llevo auriculares). Siguen otros diez minutos de corte atmosférico ("Ginu​-​ga hellija hag") llevados a lo minimalista y oclusivo (digo oclusivo porque cuando escucho esto tengo la sensación de que mis espacios, cavidades, boquetes o lo que sea se van cerrando y plegando hasta ir reduciendo mi peso molecular a un punto de fuga flotante). 

Es impresionante cómo no baja el ritmo en ningún momento a pesar de que el álbum es largo. "Hagala wiju big" tiene toques a lo que hacía (no sé si alguien lo recordará) YUNCLAS de quien os he hablado mucho por aquí. La IDM más perniciosa se nutre de flashes estroboscópicos y poliédricos llevando a la masa / cuerpo a la pista de baile en un zumo de carne Cronembergiana. Fotogramas infectos teñidos de neón insano palpitan como corazones arrítmicos. Variaciones cíclicas alteran el peristaltismo e invierten lo Circadiano desajustando los puntos de fuga. Ahora no `vamos´ sino que `hemos llegado´. Somos TODO, y somos todo AHORA. Centro (centrum) y horizonte (maginot) perfectamente resumidos en el punzón ótico de "Ginu-ga he[mat]lija". 

Nórdicos que sustituyen barcos por meteoritos y portan una bandera ciclópea que dice: "AL GRANIZO DESTRUCTOR DE CASCOS LE DEDICO LA LANZA". 

Discazo.

https://republicaibericaruidista.bandcamp.com/album/kragehul

EDUARDO BRIGANTY - "ENTELEQUIA" (EL MUELLE RECORDS EMR047, 2021)

Tres años han pasado desde la reseña de Microgramas del canario Eduardo Briganty (El Muelle Records) en la que desplegase un nebuloso Drone magnético de lentas estructuras / andamiaje y profundamente ambiental. Si queréis ahondar en la figura de Briganty, su pasado en el proyecto MINIATURa y más datos os recomiendo que pinchéis en el enlace a la reseña anterior para no repetir conceptos. Lo cierto es que su emancipación del `formato banda´ trae un cambio de sonido y vuelco hacia la experimentación (algo más) ruidistas pero sin perderse en histrionismos innecesarios. Su música queda embebida de una belleza que parece manar no exclusivamente de lo que se escucha sino de los parajes inhóspitos mentales que sugiere.. dicho de otro modo, Briganty dibuja espectrogramas que se desvanecen o enfocan en conceptos mentales `autoevocados´. Se trata pues de una sublimación de lo creado que existe por y para lo individual; personal e intransferible dentro de lo utópico pero con la fuerza imperecedera de lo real. No en vano, Entelequia es el nombre del álbum y se define a sí misma.

Editado en formato Digipack nuevamente por El Muelle Records, el artwork se basa en una fotografía de George Korunov mientras que el acertado acabado sonoro (como siempre) se consigue en los Südblock Studios. 48 iniciáticos minutos trabajados desde la guitarra (con colaboraciones de Pepo Galán y Lee Yi) dentro de un personalísimo estilo que tomando como punto de partida ese anterior Microgramas parte hacia lugares muy marcados de aridez trascendental. Como una matrioska, capas y capas de sonidos y detalles subyacen en órbita alrededor de un núcleo... micro melodías, acoples y drones oxidados se sitúan en unas coordenadas extrañas, a medio camino entre el Harsh Noise Wall y radicalmente lo contrario, el Ambient Noise de Brian Eno por ejemplo. En ese punto equidistante (centrémonos en el entrecejo como símil), es complicado discernir si Briganty está tratando de destruir nuestra psique o justo lo contrario, crear algo antropomórfico alrededor de nuestra última neurona viva; ejerce de Caronte en un extrañísimo viaje con paradas tanto en los acoples eternos del Drone Doom como en espaciados y catedralicios ambientes cósmicos a lo Popol Vuh. 

A eso suena precisamente la numinosa apertura de "Tempestad". Un mar sináptico con olas de neurotransmisores chocan contra riscos (recuerdos / vivencias); la melodía se va desarrollando de manera abotargada en un segundo plano alineándose con elementos pseudo-sinfónicos y sinestésicos que parecen movimiento de estrellas. Sigue el homónimo "Entelequia" con la guitarra cargadísima de una distorsión que lejos de molestar, se une de forma simbiótica a unos fondos de sintes sobrios. Maravilloso el clímax alcanzado en "Esperanza" en colaboración con Pepo Galán. Soundscapes de índole cósmica y triposa como la homilía de un Ser Superior que fabricado de luz que a pesar de muerto, sigue soltando sus liturgias dando la sensación de vida.

Sigue "En un Lugar de la Esfera Celeste" (junto a Lee Yi) con toques más tímbricos, abstractos y envolventes hasta el punto de que la oscuridad resulta opresiva. Se siente los toques del nylon de las cuerdas y (curioso) me recuerda a determinados momentos de Badalamenti (la electricidad suena) o esa forma tan particular de llevar el Dark Ambient a la estructura orquestal. Tintes orientales sutiles y minimalistas o Folk ultraterreno, la cosa es que los estilos se difuminan con una originalidad alucinante. Como si de una Shruti Box demencial se tratara, estalla "Laberinto Fractura", que vuelve a hacerme dudar si no estoy asistiendo a la escucha de un disco de Noise Industrial...  el riff de la guitarra va cogiendo cuerpo mientras un loop discurre de fondo haciendo de base rítmica. Se me salen los huesos de sus acetábulos y me estiro hasta alcanzar dimensiones incognoscibles, penetro en el espectro y el espectro penetra en mí. Pasado, presente y futuro se unen en un solo punto de singularidad y entro en el catedralicio Ambient de "Elegía" e "Ingrávido", ésta última ralentizando el tempo hasta la agonía épica del Funeral Doom de corte más espacial (sí, se que puede parecer desubicada la etiqueta, pero los sonidos no engañan).

Vuelve Pepo Galán en "Remanso", epilogando por todo lo alto un maravilloso trabajo de Briganty cuya última piedra la pone "Sroszek" (posiblemente como homenaje al film de Herzog). Cruda, magnética distorsión rellenando los huecos de la realidad e incluso amoldándose a la Entelequia, ese último recurso de la psique en su búsqueda de la perfección. Yo no sé si existe la energía orgónica, pero este disco ni se crea ni se destruye, TE transforma.

https://eduardobriganty.bandcamp.com/album/entelequia

https://elmuellerecords.bandcamp.com/album/entelequia

FUNERAL CHASM - "OMNIVERSAL EXISTENCE" (AESTHETIC DEATH ADCD 079, 2021)

Cada vez que tengo que enfrentarme a una nueva edición de Aesthetic Death sé que va a ser un reto para mis oídos. El mítico sello inglés no se corta un pelo a la hora de transgredir estilos o en el caso de los recientemente formados FUNERAL CHASM (Dinamarca) darle una vuelta de tuerca al Death / Doom. En formato duo, Morten Lund aka Sjaelepest (guitarras) y Danny Woe (voces, batería, piano y sintes, bajo y guitarras adicionales) vienen de bandas como Above Ravens, Altar of Oblivion o los extintos Woebegone Obscured. Tras una demo y un par de singles, llaman la atención del sello inglés que aquí, en toda su gloria, les edita su debut Omniversal Existence.

Lo primero que llama la atención es el brutal diseño del digipack a 6 paneles con libreto interior, obra de Cadies Art (y con layout del ya clásico SVC). El sonido, potente y prístino, balanceado y brutal, es cómo no de los Priory de Greg Chandler que masteriza la grabación de DWoe (Ocean Woe Productions). Así de sopetón tras primeras escuchas a uno se le viene a la cabeza el Death / Doom cósmico de raíz Funeral de unos Until Death Overtakes Me pero siendo cierto que hay partes bastante opresivas de Funeral Doom, la cosa no es tan sencilla; en vez de partes sinfónicas se aboga más por la brutalidad, que contraste con pasajes ambientales y voces claras muy bien entonadas que se estilan en el Traditional Doom (aquí es donde invariablemente tengo que poner las coordenadas en Krux). Si mezcláramos a Morgion del Cloak of the Ages, Crowned in Earth con Candlemass y Evoken, posiblemente tendríamos algo similar. Aunque la portada pueda engañar, esto no es Funeral Doom angular como los Esoteric o Septic Mind sino algo más introspectivo; a ratos clásico y por momentos muy arriesgado (yo que sé, partes que funden Solitude Aeturnus con Evoken). Alegóricamente se parecería a retirar los aterciopelados cortinajes morados de un añejo teatro y  encontrarte de lleno con el puto cosmos por escenario.

Lo que está claro es que todo lo que se edita por Aesthetic Death tiene una pátina distintiva que lo aleja de otros sellos así que si lo que buscas es `sonido fórmula´ te vas llevar un tortazo. Si lo que quieres es un triposo ambiente cargado de solemnes melodías y homilías a flor de piel, dame la mano y sigue: 

Un riff sobre huracanados vientos cósmicos preludia la entrada de una base rítmica Death / Doom de toda la vida marcando el paso. Estamos en "Embellishment of Inception"; entra la guturalísima voz tipo Pantheist, Skepticism y similares creándose contraste mediante los riffs muy melódicos y espaciados de las guitarras. Una apertura de estilo en toda regla. El uso de afinaciones barítonas limpias puntúa el fúnebre ambiente de un corte que se va agriando conforme avanzan los minutos; se alargan los riffs de guitarra y las voces se superponen en afinaciones cada vez más agudas que beben del Doom tradicional. Lejos de resultar un elemento disruptivo casa a la perfección con el fondo musical que se dirige inexorablemente a un clímax pseudosinfónico plagado de sábanas de teclados ambientales (curiosas las melodías de los sintes, que lejos de buscar el tenebrismo abogan más por luminosas capas).

Sigue la magnífica entrada de "The Truth that Never Was" al más puro estilo Evoken. La guitarra se acompaña de un persistente efecto del teclado que te saca el alma (como los Summoning pero en versión Doom). Homiliesco interludio de notas de piano y voces limpias, se alternan partes más brutales cual metrónomo opiáceo; casi que me atrevería a decir que hay algo de Progresivo en Funeral Chasm o al menos eso es lo que parece "Mesmerizing Clarity", sorprendente en desarrollo teniendo en cuenta que se trata de un dúo. En esta ocasión el que resalta en primer plano (al menos al principio) es el teclado dejándose las guitarras más abajo en la mezcla hasta tal punto de que si no fuera por las voces guturales diría que tiene su puntito Gótico ochentero (como The Sisters of Mercy en versión finlandesa) para luego rematar el corte con devaneos que rozan el progresivo sinfónico y el otro gótico (el metalero).

Contraste otra vez con el ultra abisal Funeral Doom de "Extracting the Black Gods". Ritmo procesionario de la base rítmica y detalles a lo Skepticism y Unholy. La voz parece provenir de un agujero negro en pleno espacio exterior ("I opened the gates to the cosmic black / the summoning of the inner power / i am obsessed with the thought of devouring your flesh") y los estilos se van alternando de forma sutil, sin llegar a la locura de lo Avantgarde pero sí con el suficiente aroma de irrealidad para decir que tienen su sonido propio. "Sunrise Vertigo" tiene esos detalles de abstracción propio de los Esoteric.... guitarra angular, extraños efectos de sintes o pedaleras y una voz abigarrada como unos escrotos metidos en permafrost, pero casi que sin solución de continuidad se marcan un operístico clímax final (voces agudas tipo Candlemass inclusive) que me recuerda a los olvidadísimos The Living Fields y aquel excelente Running Out of Daylight de hace una década: épico, progresivo y doom.

Sin duda, el mejor corte del álbum es "The Skeleton Secret" que podría traeros a la mente el Blue Fire (1996) o Walk into my Open Womb (1998) de Canaan. Difícil de describir con palabras pero pone los vellos de punta los agudos cánticos, los herméticos efectos de sintetizador emulando a un órgano Hammond o los arranques alternativos de Funeral Doom. Creo que estamos ante el clásico disco que amas u odias sin término medio ("my body is a wreck from years of misuse / the voices that guided me has intensified"). "Astral Reality" cierra el disco por todo lo alto... puedo seguir describiéndolo pero tienes orejas propias (al menos la última vez que te vi). La gracia es que acabo de cerrar las cortinas moradas de terciopelo y sigo viendo el Cosmos a través.

https://funeralchasm.bandcamp.com/

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=5102

EL LABERINTO DEL LEPISMA (41) - "Gárgoris y Habidis" / "El Hombre que creía saber donde había un Tesoro"

* Gárgoris y Habidis / Manuel Laza Palacio * (Primtel, Universidad de Málaga, Proteo y Prometeo, 1988) *

* El Hombre que creía saber dónde había un Tesoro (Primtel, Universidad de Málaga, Proteo y Prometeo, 1988) *

El insigne malagueño Manuel Laza Palacio fallece en 1988 habiendo dedicado 38 años de su vida a buscar un tesoro oculto en una cueva de su propiedad... la del Higuerón, cerca del Rincón de la Victoria en Málaga, y más conocida como Cueva del Tesoro. Tras bucear en legados y múltiples investigaciones de campo encuentra un candil con dinares de oro pertenecientes al enterramiento de cinco reyes árabes. Realiza una tesis a partir de las pinturas rupestres de la Cueva del Tajo de las Figuras en Cádiz y tras una azarosa vida, La Universidad de Málaga junto a la Librería Proteo/Prometeo le dedica justo a raíz de su muerte este precioso doble ensayo prologado por Sánchez Dragó que conoció a Manuel cuando estaba preparando su España Mágica: Gárgoris y Habidis. 

El libro en sí es una preciosidad. Su encuadernado y grabado en imitación a cuero, la sobrecubierta doble (cada ensayo puede leerse en una posición del libro) a cargo de Lorenzo Saval, la maquetación, y la poderosa prosa de Laza lo hacen una pieza de coleccionista que de vez en cuando vuelve a caer en mis manos. Se trata del primer volumen de la COLECCIÓN ENSAYO, de la que desconozco si llegó a salir algún número más. 

 

HIEMIS - "THULE" (GRADUAL HATE RECORDS, 2019)

Creo que ya comenté que no seguiría una línea temporal estricta para reseñar la trayectoria del fabuloso proyecto de HIEMIS, así que llegamos a la última parada con lo que es oficialmente su segundo larga duración Thule. A lo largo de diferentes entregas he ido dibujando un esquema creo que lo suficientemente completo como para no tener que repetir demasiados conceptos, así que os recomendaría leer las previas reseñas por este orden: La Chose, Hyperborea y Radix. 

Hablar de Thule (Θούλη Thoúlē o Θύλη Thýlē) daría para un artículo completo. Desde las referencias de Piteas de Massalia a la capital de Hyperbórea, a sus referencias y conexiones con el ocultismo ario via la Sociedad Thule de Rudolf von Sebottendorff. Desde las teorías de la conexión aria y la pureza racial de la tierra, a las creencias contrarias de Maria Orsic afirmando que `lo ario´ provenía del espacio exterior (la estrella Aldebarán en la Constelación de Tauro), lo único cierto que sacamos de todo este batiburrillo que puede ir desde el antiguo Mediterráneo al (con perdón) quinto coño de la Galaxia o `donde Jesús pegó las tres voces´ o incluso al mismísimo fondo abisal (arriba, abajo, al centro y pa dentro) es que THULE como tal, o TULE, se ha convertido en `idea´ y `símbolo´ propio separado o junto al potentísimo también ATLÁNTIDA. Curioso también que al final la idea como tal se revuelve sobre sí misma y acaba entroncando con el hippismo y la New Age, pergeñando páginas y páginas del Realismo Mágico francés y actualmente casi que bordeando lo Kitsch. Cambiemos de onda.

Bajo un magnificente Dark Ambient, HIEMIS (Juan Carlos Toledo) elabora en Thule (editado en cassette limitada a 40 copias por el sello GRADUAL HATE) una suerte de banda sonora ritual de matices iniciáticos con una exquisita forma de trabajar los detalles que como en todos los discos ya reseñados, precisa de varias escuchas y la comunión activa con el oyente. Bajo lánguidas capas de Drone catedralicio, se suceden pequeños motivos melódicos o movimientos de neoclasicismo (barroco a veces) a los que se les ha desnaturalizado y me explico; cuando escuchas irrumpir las notas de piano rodeadas de órganos procesados y sobrio ambiente marcial uno tiene la sensación de estar a la vez en (y de ahí mi reflexión anterior sobre el `Thuleano´ término) el espacio exterior vagando en gravedad cero como en un evento histórico en la caída Constantinopla. Ahí radica la fortaleza de Hiemis como proyecto.... una elevación del espíritu hacia lo numinoso con paradas tanto en la psique como en los dorados mosaicos bizantinos. A través de esos reconocidos ambientes se postula con una recreación de a qué diablos podría sonar una civilización avanzada en una isla sin importarnos si dicha isla pertenece al reino de lo mental o yace bajo el detritus fecal marino dejado por el hombre a lo largo de 3.000 años.

Cuando irrumpe "Concentric Circles" está clarísimo que el nivel de calidad excede con mucho la media. Devaneos cósmicos con toques metálicos bajo graves y sinusoidales vaivenes de orden cósmico te dragan el alma nada más empezar el álbum y es pasado el aturdimiendo inicial cuando te das cuenta de que te hayas en un viaje iniciático en espiral. Mayestáticas voces procesadas o melodías que emulan voces vibran en la misma longitud de onda que la música gregoriana; todo se acompasa, nutre y late a la vez conformando un Kyrie monumental. La oscuridad se alía con la belleza en "Wrath of the Gods", que coquetea con el Dungeon Synth a la par que el minimalismo... se repite la melodía silbante Ad Nauseam (que por cierto recuerda y mucho a partes de Vuelo Químico de Neuronium... al fin y al cabo esto es electrónica). Lejanas percusiones de tambor o golpes secos de los sintes, sobresale un Ambient oscurantista que pone los vellos como escarpias.

Como si de cánticos de sirena se tratara, "The Offering" se ve preludiado por voces que te transportan a un ambiente acuático, y que aparecen y desaparecen como un ritmo circadiano ancestral desajustado. La imponente "Devotio" cierra la Cara A con una claustrofóbica muralla de ruidismo rayano en el Harsh Noise Wall de bajo espectro (como un mar con oleaje magnético) sobre el que se cierne una letánica tonadilla de piano que se repite de forma secuencial, añadiendo alguna nota más cada vez que aparece u omitiéndola, creando así una sensación de Cinética Universal o de movimiento eterno. Damos la vuelta a la cinta y una sensación de Dejá Vú potente me arremete (creo que es a "Wrath of the Gods" a lo que me recuerda). Si no me equivoco en "The Rivers of Hell" se usan algunos samplers de temas anteriores pero son completados con otros detalles como campanas, pianos y Pads algo más sinfónicos. 

Sigue la ominosa "Ten Kingdoms", épica y decadente... navegando por un mar antiguo y sepia para traernos al olfato el olor del putrefacto salitre que anida en las viejas vigas de madera de los puertos costeros en la antigüedad. Creo que trascendender la consciencia puede traer efectos irreversibles para la psique. Se derrumban los pilares y se tambalea el Axis Mundi como esas dos antiguas columnas que mecían al hombre antiguo. A eso suena "The Sacred Threshold of the Two Columns" y el fin de ciclo de la mitraica "At the Stroke of the Trident". Como una orquesta decrépita que toca para nadie en el lado oculto de la luna.

Soberbio.

https://gradualhaterecords.bandcamp.com/album/thule

IMPUR / SADISTIC DEMISE / UNIDENTIFIED CORPSE - "THREE WAYS OF DEATH METAL" (WROTH EMITTER WE035, 2021)

Interesante propuesta desde el sello ruso Wroth Emitter con split a tres bandas al más puro estilo años 90 (la verdad es que luego decayó bastante este tipo de compartidos). El formato es un jewel case que incluye la reproducción del artwork de cada Ep por separado y los datos de cada banda (agrupación, integrantes, agradecimientos y denigraciones pertinentes). Pues bien, lejos de lo que pueda parecer, estos 51 minutos titulados Three Ways of Death Metal son un cañonazo de Death Metal a la antigua usanza en sus dos terceras partes, con dos buenísimas bandas de Old School Death, y otra que para mi gusto no termina de convencereme. Vamos a ir banda por banda.

IMPUR puede sonaros bastante porque vienen de La Palma (Islas Baleares), se forman en 2019 y como no podía ser de otra manera, algún que otro ex-integrante de Golgotha pulula por ahí. Miguel Ramis al bajo, Pep Comas a la batería (Cerosity), Alex Correa a las guitarras (los Helevorn más recientes, Cerosity y Devouring), Risto Orihuela (Cerosity, pequeño paso por Golgotha y Residual Minds) y voces a cargo de Edgard Bravo (Cerosity, Residual Minds, Carnage, Gore Inhaled y Living Decomposition). Los 13 minutos que aportan pertenecen a su Ep debut Slaves of Decay que bebe de el género de toda la vida... duro, con mucho groove y que no termina de encasillarse ni en la escena americana ni en la europea, cosa de agradecer. Así, el homónimo "Slaves of Decay" tiene partes de guitarra deudoras de Schuldiner mientras que en otras me parece estar escuchando a una versión recrudecida del viejo Death sueco primitivo antes de que empezara a llenarse de melodías por todos sitios. 

Buenas voces guturales, inteligibles pero con mucha fuerza, base rítmica con descenso a terrenos casi Doom o lo que es lo mismo, escena clásica por los cuatro costados. Arranques Thrash marca de la casa en "Infinite Curse" y subida del tempo para luego enrocar con estribillos a medio tiempo cargadísimos de atmósfera noventera (vaya que me parece estar escuchando algunas veces a los Bolt Thrower), además de muy buenas ejecuciones de mini solos de guitarra al más puro estilo de los ya mentados DEATH o partes a lo Morbid Angel. Cierran con el temazo "Destruction is Reborn", con un trabajazo de las guitarras que disfruto sobre todo cuando se ponen al ralentí o se lanzan en unos riffs gélidos como el permafrost que rezuman un 20% de escena sueca pero de cuando las fronteras no estaban tan delimitadas. Lo dicho, fantástico debut.

Los siguientes son SADISTIC DEMISE desde Rusia presentando su Ep Your Chosen Way of Sadistic que ya había sido editado en digipack por More Hate Productions. La formación al igual que Impur trae a unos músicos ya curtidos en estas lides: Alexey Ivanov (Impress, Burden of Hatred, Tasteit, WANYK, ex-Bliss) al bajo, Grigoriy Oborin (Impress, Burden of Hatred, WANYK) a la batería, Ivan Mikheev (Impress, ex-Necrogenesis) guitarras y Sergey Scherbak (ex-F-Gor, ex-Derogatory, ex-Unidentified Corpse, ex-Монтикор) a las voces. 

Su estilo se va de lleno al Brutal Death de unos Mortician o Cryptopsy aunque abogan por unas paradas de ritmo y una pesadez en el sonido (muy buenos los medios tiempos) que crean una singular atmósfera terrorífica ("The Path of the Whip"), sobre todo porque casi que por norma general después de cada parada arrancan con una fuerza y empuje que hace resaltar a un doble bombo paquidérmico. Temas gore en las letras y un ambiente Old School que a veces me trae al Death polaco de Vader a la mente... o quizás los americanos Vital Remains ("Sadistic Demise" o "Violent Autopsy"). Amantes de Cannibal Corpse, Suffocation, Deeds of Flesh, Dying Fetus y demás caterva, disfrutarán de lo lindo con esta peña. Temas cortos y a la yugular, con técnica suficiente para desbordarse y unas voces de ultratumba que te mecen con frases cortas, balanceadas y punteadas por algún que otro coro agudo y algún solo de guitarra corto y aislado ("Born in the Blood Swamp"). No es original, pero sí brutal.

La tercera banda en discordia son UNIDENTIFIED CORPSE, tambien rusa (Kostroma), tiene la particularidad de tener ex componentes de los anteriores Sadistic Demise o han militado en bandas conjuntas. Se componen de: Brutafor (Sadistic Demise, ex-F-Gor, ex-Derogatory, ex-Монтикор) a las voces, batería, batería programada y MetalHead (ex-Монтикор) a las guitarras. El Ep que presentan se titula Domination Of Dying People y se rescata ahora (salió originalmente en 2013). 

La propuesta que traen es un Brutal Death demasiado rígido y esquemático para mi gusto. Tiran de bases programadas, triggers y un ambiente algo sintético que no me termina de convencer hasta el punto de que me cuesta distinguir entre sí los 7 cortes que presentan. Incluyen algún sampler de película al estilo Mortician y bueno, claramente están influenciados por la escena GoreGrind aunque sin llegar del todo a esos niveles de velocidad. Básicamente el problema que encuentro es que la batería queda extrañísima no porque sea programada sino porque carece de bajo acompañante y el efecto potente de la base rítmica en el Brutal Death queda muy descafeinado. Ni buenos ni malos, demasiado esquemáticos. Con todo hay partes salvables como "Mortal Jump" que suenan distintos (como si pertenecieran a otras sesiones de grabación) y curiosamente, los cortes que se van sucediendo a partir de aquí son lo mejor de su aportación al Split.

Resumiendo, una edición que trae dos fantásticas bandas; una de ellas de la vieja escuela balear, la otra con un Brutal Death de libro muy bien trabajado y la tercera que para mi gusto está de relleno.

http://www.wroth-emitter.org/wroth_eng.html

SA BRUXA - "FROM THE DEPTHS" (YOSHIWARA COLLECTIVE 305, 2019)

El sello de culto YOSHIWARA COLLECTIVE, íntimamente unido a PARIAH CHILD y hasta vaya usted a saber si no hay gente implicada en ambo; es más, según palabras de los primeros: "Yoshiwara Collective was formed by three workers from the depths, now residing in the North of Ireland. We do records, fanzines and gigs". A tenor del parecido de los dos Zines que publican por separado, los primeros `From the Dephts, Blasting into the Present´ y los segundos el `Masters of the Pit´... con mismo formato, gramaje, papel y que comparten / coeditan bandas de las que algunas os he contado (Regen Grabes, United Bible Studies...) pues ya tengo mis sospechas de que sean un solo ente. Pero bueno, no es de eso de lo que vengo a contaros.

SA BRUXA (La Bruja), más conocido como Giuseppe Novella (aka G. VOID) comparte trayectoria musical italiano con proyectos como el Harsh Noise Wall de Latex. Por otro lado en sus colaboraciones vocales (Tundra, Neravendetta o Alcantarilla) usa el sobre nombre de Raven. También tiene alguna cosilla más por ahí como el Power Electronics de Subliminal Obsession pero tampoco quiero aburrir con demasiados datos. Pues bien, SA BRUXA, que es el que os traigo hoy, viene a formarse allá por 2016 y su trayectoria discográfica se compone de un buen montón de álbumes, algunos Splits, otros Eps, y la mayoria en cassettes excepto From the Dephts del que voy a contaros cositas que lo edita en Digipack los citados Yoshiwara.

Musicalmente se graba en Berlín en 2017 y los samplers que adornan y vertebran están tomados en Neukölln, barrio-ciudad dentro de la propia capital Alemana dentro la de típica Residencia de Artistas experimentales en otros países (vaya, que no es hasta 1920 que dicho barrio se anexiona a Berlín) donde hay muchos inmigrantes además de ser cuna de conocidos de leyenda como nada más y nada menos que Edgard Froese o Alexander Hacke. El diseño es de Will Broadbent (bajo fotografía de portada de Valeria Spiga) y el cuidado sonido obra de la masterización de Michael Lawrence en Bladud Flies que ha colaborado con nada más y nada menos que CURRENT 93. El miniálbum se compone de 19 opresivos minutos que mezclan a la perfección el Dark Ambient con la experimentación y regusto retro en diversas partes que iré citando. Antes de entrar en materia concreta, a grosso modo sí que me gustaría decir que hay momentos en los que sale a la superficie los discos más Drone de Nurse With Wound, el Dark Ambient oscuro de Lustmord y cierto parecido con los Current 93 de sus discos `espaciales´.

La apertura dura y seca, herrumbrosa e Industrial, es bellamente realzada por un teclado / órgano que contrasta con el resto de elementos; dicho de otro modo, excepto por este teclado o sinte, parece como si la civilización entera se estuviese cayendo a pedazos y el único salvoconducto o cornisa existencial a la que agarrarse fuera la de la luminosa melodía (no sé, se me vienen a la cabeza Archon Satani o parecidos). Conforme avanzan los minutos te das cuenta de que estás asistiendo a una `rotación´ o enroque ciclópeo, que en auriculares se trasnforma en lo más cercano a mover por dos milímetros el Axis Mundi y mandar el Universo a tomar por culo. 

Opresivo y claustrofóbico, la forma de abordar el Dark Ambient de SA BRUXA carece de bases rítmicas o pulsos de anclaje, y los sustituye por un fuerte regusto cinematográfico. Como si hicieras una grabación de campo en la grabación de un viejo film de la Hammer, y luego lo pasaras por el filtro del Power Electronics más comedido. Lo que parecen cuerdas que se tensan, campanas de vacío que te dragan el alma confrontándose a bellos y sutiles cánticos y órganos litúrgicos que irrumpen como cadáveres henchidos en agua de pantano. Aires ominosos, casi de Clásica Contemporánea y lánguidos soundscapes dejan a las voces homiliescas en un segundo pero efectivo plano.... requiere la atención atenta del oyente y no te aburres ni un solo instante. A partir de aquí todo se vuelve más claustrofóbico y los samplers procesados vibran en la misma longitud de onda que las melodías de los sintes hasta el punto de que (vuelvo a lo de retro) hay algo de teatralidad italiana giallesca (con cuenta gotas, no me malinterpretéis). 

Magníficos últimos 5 minutos con mayor presencia de ruidismo para un MiniAlbum que me ha encandilado.

https://sabruxa.bandcamp.com/

http://www.yoshiwaracollective.co.uk/

RENÄCER - "YULE:BLÓT" / "EL RESURGIR" (DISCOS GRAVO, 2020)

Gentes que se pongan nerviosas con las palabras Ritual Folk y sucedáenos que se abstengan de seguir leyendo. El resto soltad el móvil y dejad que os cuente una historia a la luz de la hoguera de Leds de mi pantalla. Nos remontamos al dúo AMOR DE MADRE desde Madrid que tan buenas impresiones me dejaron en el Split de 2019 junto a LAZHARUS (aquí). Un par de años después (ya sabes bro, el tiempo es cíclico, la energía ni se crea ni se destruye....), vuelvo a reseñar algo de ellos, (el previo 2018) y alucinante The Mother´s Voice donde el dúo de Rebeca y Felipe Yagüe (aka F17) llevaban su particular forma de abordar el DarkFolk a coordenadas opresivas propias de un Culto Eleusino. Son posiblemente en espíritu hijos putativos de la escena nacida de la `Eyaculación sobre Mandrágora´ que se desliza por Guadarrama con Keltika Hispanna o esos otros entes del ultramundo de Raíz Ibérica (como CD recopilatorio y como movimiento cultural). Y es quemando Palo de Santo que se me presenta como Dádiva Espiritual el otro proyecto de F17, esta vez en solitario, y que responde al nombre de RENÄCER.

El primer registro sonoro editado en formato Cardboard en 2019 por Discos Bravo es un Ep de 20 minutos titulado Yule Blót y que viene a recoger un directo en Extremadura durante La Luna Fría, nombre que alude a la última luna del año que marca la llegada del frío; coincide con los días cortos (Solsticio) y que científicamente es directamente proporcional al grado de inclinación terrestre. Si no me equivoco, la que me llega es una reedición con papel envejecido así que imagino que existiría una anterior. El Dark Folk de tintes ritualistas que suena aquí es muy intimista, en general tocado medio tiempo; la guitarra acústica abre en "Yule Blót" con pequeños y cortos arpegios dando esa afinación característica del Folk ancestral ibérico de los últimos años. Pronto entra la voz recitando en modo mantra el vocablo `Yule´ con variaciones de entonación que crean una atmósfera envolvente muy especial y el Anus se me despega del sillón.

Un pequeño cambio en el tempo acelera el asunto... Pagan Folk en estado puro, esta vez con más detalles de la guitarra que `completa´ circularmente la melodía y así, eclosionando, la voz grave de F17 tira de estómago y throat singing para marcarse un fin de tema estepario en toda regla al más puro estilo Danielle de Picciotto / Alexander Hacke en Perseverantia (2016). De aquí hasta el final los ingredientes se unen y enrocan (voces limpias, voces guturales) y la simple pero efectiva llamada a las armas de la guitarra. Introspección, clímax meditabundo y musgo entre los dientes, con todo lo que he disfrutado los 13 minutos aun así prefiero sin duda la más variada "Luna Fría" que rompe estilos con sus Cánticos Tibetanos y roce de campanillas de bronce. Como si de un olvidado Ritual Bon se tratara, nos vamos mezclando con la gravedad de las voces en un Loop monástico que muta levemente con la inclusión de una segunda voz sobregrabada más aguda acentuando / reforzando diferentes partes de la otra (casi que se nota la vibración en los espacios retronasales) y juro que tengo el esternón ahora mismo con la textura de la clara de huevo montada. Arpa de dedo añadiendo esencia celtíbera (o celtibérica, que hay mucho debate con esto) y fade out. 

Muy pródigo en directos, RENÄCER participa en enventos como Ritual Sound, dúos maravillosos con Elsa Mateu al Cello, conciertos en Sala Ásatrù en Pasos do Lobos en La Coruña (de esto os hablaré largo y tendido en un futuro con motivo de un tremendo artículo en la publicación I DON´T GIVE A FUCK) y muchas más historias de toda índole que muestran un gran eclecticismo y apertura de mente. En la actualidad grabando con Jose María Pastor (La Tatucera), tiene editados en digital Lar de Berkana (2021) y El Recuerdo pero hoy nos vamos a quedar justo en Febrero de 2020 con El Resurgir que vuelve a recogerse por Disco Bravo esta vez en Jewel Case.... 34 minutos mucho más variados y donde se nota un importante salto cualitativo.

Tocadas en directo en solitario en una sesión, se mezcla / masteriza por Pablo Teijón en Mëles Estudio excepto los bonus tracks que son de Mayo / Julio del 2019 y cuyo trabajo de acabado sonoro / artwork es del propio Felipe (excepto foto de contraportada). Aunque siga la línea del anterior Ep, la paleta expresiva es mayor, el uso de instrumentos más variado y la composición ha subido enteros. Una melodía de arpa irrumpe dura y altiva; (parece procesada del algún modo y en ocasiones suena como un santoor más grave) es la vértebra de "La Llamada de los Antiguos". Si cogieras a un puñado de Neandertales y los pusieras a tocar y danzar en un baile de salón dieciochesco con las caras empolvadas.... bueno, si hiceras eso estarías loco, mejor sigo: el corte exuda ritualidad ancestral por los cuatro costados, sonajeros llaman a las ánimas para atormentarte con la percusión exangüe del bodhrán. La diferencia con respecto al primer Ep es abismal pero la identidad es la misma. 

Fantástica ejecución vocal en Throat Singing que se ve adornado de lo que creo es el uso sutil de algún pedal de efectos (al más puro estilo Neonymus) pero no puedo asegurarlo al 100% salvo por los Loops y sobregrabaciones que sí que son evidentes. Cambio y contraste radical con la guitarra acústica de la instrumental "Isol". Melodía muy trabajada en dos frentes (a lo Empyrium o Ulver en sus versiones primigenias Pagan) que se van abriendo simultáneamente como un abanico; pura sensación de Naturaleza en Estéreo. Cierra la homónima "El Resurgir" con un (no estoy seguro) harmonium o Shruti Box (¿o quizás zanfona?) que lleva a las alturas la propuesta con el magnetismo espiritual hímnico que flota bajo las glosolalias de Felipe. Un drone (vocal e instrumental) que aleja muy mucho a RENÄCER de Árnica, Keltika Hispanna, Sangre de Muérdago... y le da el empaque necesario para ser una propuesta con personalidad y sonido propios. Magnífico.

Se añaden como bonus las dos primeras grabaciones del proyecto. "Valhöll" que hiede a Folk vikingo. Tambores y toques de Dungeon Synth con teclados que literalmente me han volado la cabeza con las bases rítmicas bailables y los palillos de dedos. Brutalífico, pegadizo como un sudario de tercera mano, entra el (lo que sea) de cuerda y me desnudo y me unto los huevos de ceniza. Canto y bailo, inhalo y exhalo, toco y eyaculo. Solve.... et Coagula. "El Secreto de la Piedra" es percusiva en su mayor parte y creo que estructurada con grabaciones de campo o bien objetos golpeados sobre samplers. Básicamente, Proto Techno del Pleistoceno para finiquitar el asunto.... flipante el lánguido discurrir de los sintes embarullando (para bien) un sonido que bebe de las raíces de cosas como The Moon Lay Hidden Beneath a Cloud. 

Quiero más de esto.

https://renacermusic.bandcamp.com/

MARION MORRISON - "ESTO ES UN COLAPSO SANGUÍNEO" (LA TATUCERA, 2021)

Que el Colectivo La TATUCERA está escribiendo páginas de la historia contracultural de la música española es algo que solo lo deciden los que suelen asistir a sus sesiones o escuchan sus limitadas tiradas de CDS. Y digo esto porque a día de hoy poco (o casi nada) se trabaja desde el periodismo musical `oficial ´ de las escenas locales por mucho que nos pese; es más... ni siquiera llegamos a la categoría de underground sino que nos movemos por terrenos mucho más escabrosos y ¿sabéis qué es lo más curioso?... pues que precisamente los que habitan en estas micro-escenas como las de Javier Entonado, Elsa Mateu y Jose María Pastor la gran mayoría de las veces está conformada por músicos de profesión y academia; baluartes virtuosos que se salen de la tangente y confirman que lo mejor de la vida está en las excepciones a la regla. Otro buen puñado de los que intervienen son autodidactas, pero os juro que vuestros oídos y ojos serán incapaces de distinguir entre los que son de Conservatorio o los forjados en la Universidad de la Vida.

Más de una veintena de reseñas relacionadas con La Tatucera, Chema Pastor, Arín Dodó y Javier Entonado, está clarísimo que no se trata de algo esporádico sino de una potente eclosión de cultura que se retroalimenta con otras micro-escenas en participaciones, enroques imposibles en ciclos de conciertos y en definitiva, lo que a mí me gusta llamar la Transhumancia del Avantgarde Íbero (vale, me lo acabo de inventar). 

En esta ocasión, los citados Javier Entonado (guitarra, voz y electrónica), Elsa Mateu (cello) y Chema Pastor (percusión) tocan dentro del Festival NUMACIRCUIT, referente de lo experimental en Tenerife y que se viene celebrando desde hace una década. Hasta allí se presenta el trío para presentar OPAEME, que para no liar esto demasiado, os dejo aquí un link para que investiguéis. Una especie de guía `oficial´ sobre todo lo que se va cociendo en los subterráneos. Sobre sus biografías no voy a insistir más... reitero que he soltado ríos de tinta digital.

Una de las habituales características de todo lo que tiene que ver con La Tatucera es el humor y la ironía, y lejos de estancarse nuevamente nos encontramos con un giro de guión o un `nunca permanecer en el mismo sitio´. Muestra de ingenio presentarse en Tenerife con el sobrenombre de MARION MORRISON que en palabras de ellos: "La improvisación fue sin pactar ninguna estrategia a seguir, sin estructuras prefijadas. Todo se fue construyendo sobre la marcha. Esa es nuestra forma de trabajar y de desarrollar este proyecto". 

Ese concierto íntegro se reproduce en el vídeo que os dejo a continuación, fiel reflejo del CD que grabaron en Las Rozas (Madrid) unos meses antes:

Pues bien, Esto es un Colapso Sanguíneo es Improvisación Libre cien por cien libre de adulteraciones, marcada por ese brutal gusto irónico de Entonado para las voces teatrales, la versatilidad de vértigo del Cello de Elsa Mateu y unas percusiones demenciales de Chema Pastor. Es, en definitivas cuentas, otra descomunal obra conceptual que transcurre tras ese velo de surrealismo urbano poético común a prácticamente todas las obras que estos artistas editan. Dicho de otro modo, EXISTE un estilo, etiqueta (entre comillas) o forma de tocar característica para ellos como creo que ya lo he ido más o menos desgranando en estos años y no voy a repetirme. En total, 13 cortes en 74 minutos cuyos títulos unidos vienen a contarnos aquello de: "La creencia en una desnudez estrangula toda esperanza. Jamás cocnretaré una pausa para hacer ¡¡¡RUIDO!!!". Si no os ha quedado claro, estoy hablando de un álbum editado en Cardboard por LA TATUCERA y que escribiéndoles a ellos o a los músicos implicados seguro que podéis conseguir con facilidad.

Lanzarme a describir corte por corte el disco sería un error, así que prefiero ofreceros una punta del tremebundo iceberg que resulta para los oídos Esto es un Colapso Sanguíneo que lo primero, y al contrario que algunos discos editados por La Tatucera que son más `de archivo´, suena prístino y pulido, apreciándose todos los instrumentos en su plenitud. Música de cámara, Improvisación libre o un Dadaísmo cabaretero (no puede ser de otra forma), alternan con biorritmos electrónicos, bases rítmicas imposibles y coqueteos con el Free Jazz. Las percusiones que se abren en abanico tribal dialogan con ásperos tonos de una guitarra pasada por el roce agrio del arco.... drones, cascabeles y atavismo que planea sobre la tumba de Sun Ra para a continuación remontar el vuelo con las declamaciones litúrgicas de orín de Entonado. Como punto de cordura al que asirse, Elsa pone el punto medio en la Clásica contemporánea pero con un abordaje a veces tan funesto que pareciera uno estar metido dentro de una grabación perdida de Univers Zero o similar. 

Decir que Esto es un Colapso Sanguíneo es una Suite sería pretencioso pero joder, los minutos finales del segundo corte parecen sacados del Jazz Británico y la Spontaneous Music Ensemble. Lejos del aburrido y maniqueo patrón de la Impro actual, Marion Morrison se mueven con una soltura que asusta, perfectamente engrasados y turnándose equitativamente las partes solistas. Como partes de un triángulo equilátero, en ocasions todo el vórtice musical gira aldededor de Chema Pastor, para al segundo a un  Cello que se va creciendo hasta abarcar sonidos que en un espectrograma serían ciclópeas dunas sinusoidales. Remachando, retocando, haciendo de Frith o de lo que se tercie, el insondable Entonado es el pegamento que une todo como argamasa; lo mismo permanece estático que se reboza en Downtown con su puntito de Noise rock.

Podría estar horas describiendo partes de este disco, pero sin duda voy a quedarme con ese poderoso contraste del final. A pesar de que durante determinadas partes se roza incluso el Noise y la electroacústica mas salvaje, en los instantes finales, justo el corte titulado "¡¡¡RUIDO!!!",  el trío hace justo lo contrario.... una preciosa melodía de Cello de Elsa, tocada con arco, es reforzada por notas de la guitarra procesada / intervenida de Entonado, mientras bellos detalles percusivos de Pastor van fundiendo la música en un anti clímax que se revuelve sobre sí mismo (minuto 3 y pico) para dar su cara agria... el Cello ya no es precioso, la guitarra es un cútter y la percusión una pedrada. 

Sí, todo sutil... pero la intención era matarme.

https://latatucera.bandcamp.com/album/esto-es-un-colapso-sanguineo