JUAN BELDA BIT BAND - "I LOVE YOU!!!" (DISCOS NECESARIOS; 2008)

Me faltaba una pieza por implantar en la dentadura de reseñas de la JUAN BELDA BIT BAND. Antes de "La Rueda Infinita de Hans" de 2012 (reseña aquí) y "Carretera Mágica" de 2016 (reseña aquí) me remonto a los inicios de esta grandiosa agrupación con "I Love You!!!", disco grabado en los Estudios Fonoelástica de Madrid entre 2007 y 2008, masterizado por Alvaro Mata (Estudios C.A.T.A.) y Luis Carlos Esteban (Estudios Tyrel) y que cuenta con el siguiente plantel de músicos:

Juan Belda: teclados, guitarra, voces, bajo, polysix, caja de ritmos y programación

Jorge Pardo: saxo

Juanjo Ortí: batería

Enrico Bárbaro: bajo

Epi: guitarras y voces

Aquell@s no familiarizados con la música del pionero canario Juan Belda les rogaría que leyeran las anteriores reseñas para entrar un poco en contexto y no repetir demasiado, pero para resumir diré que la JUAN BELDA BIT BAND es un ente mitad jazz, mitad electrónica, y que lleva los términos Jazz Rock y Fusión a niveles de frescura que parecían ya difíciles de encontrar. Si bien la base es la de combos como WEATHER REPORT, los proyectos de JOE ZAWINUL, HERBIE HANCOCK en su etapa más Funk y otros, la "modernidad" del sonido la establece unas líneas de teclado ambiental que casi rozan lo bailable. El abordaje de lo electrónico es melódico y de buen gusto, huyendo de ruidismos innecesarios y con dosis de humor irónico (especialmente a base de un uso de los samplers muy característico y que recuerda a algunos discos de otro músico de culto como ANTONIO MURGA). 

Lo abigarrado de algunos pasajes, una base rítmica que recuerda a la etapa ya tardía del MILES eléctrico y cierto cariz de banda sonora tatuado en las vértebras sonoras de los temas hace que sea muy difícil el uso de etiquetas concretas. Baste escuchar el inicio pseudo industrial de "Ella Siempre Rie" para perder pie. Sonidos mecanizados en las bases y cierto aire irreal que lo transforma todo en una especie de sátira sonora; un dial lobotomizado que transita por estaciones de radio imposibles... hasta que irrumpe el saxo y la cosa se tuerce hacia una marcha Jazz Rock. Sublime.

"Los Criminales Nunca Ganan" es una homilía pro Super Héroes en una avenida neoyorquina acharolada por la lluvia de media tarde. Los diálogos de los teclados con el saxo son de alto riesgo (no sé exactamente el tipo de teclado que usa Belda, pero suena a caballo entre un piano eléctrico y una marimba extraña). Más extraña es "La Calculadora de Ulises" con sus bases Techno y de Trip Hop sobre esos ambientes que podrían recordar a BRIAN ENO en sus colaboraciones con JOHN HASSELL o DAVID BYRNE. Sigue "Ellos y Nosotros", una especie de Score futurista para una película de Serie B. Toques Dub en un corte muy electrónico, de aires apocalípticos que se funde con "L.E.D.", de estructura similar formando una especie de díptico. La imaginación de Belda a los teclados parece no tener fin, y os animo a escuchar estos dos temas con auriculares.

El siguiente tramo del disco es algo más orgánico. "Sul Sul" y sus aires étnicos puntuado por una guitarra introspectiva que sutura pespuntes aquí y allá, aunque mucho más interesante me resulta "Se Llama Como Yo", jazz urbanita que entra como un mojito en verano pero que cuando te sube es como una pesadilla invernal. Melodías abstractas disfrazadas de Easy Listening, insistentes soliloquios y multitud de detalles que pasan desapercibidos en escuchas superficiales.

Vuelven los aires Jazz Rock en "El Viaje", tema dedicado a JOE ZAWINUL y que por lo tanto da bastantes pistas de por qué terrenos se mueve, aunque bien es cierto que toda la música de JUAN BELDA BIT BAND tiene un toque arriesgado y experimental que remite a los trabajos más Industriales y Synth Pop de Belda en solitario (de mediados de los 80). Vuelve el saxo en un tema hecho justo a su medida... AfroFunk, leves toques Disco y el sempiterno piano eléctrico comandando al conjunto. Glorioso este corte que nada tiene que envidiar a propuestas extrajeriles de los setenta. 

"Hello, Your Weight Is 58,5 Kg" sigue con las mismas texturas pero en clave electrónica y tan solo arropada por un bajo hipnótico y los samplers de una máquina de pesar. Jazz electrónico que muta a un Techno Ambient en "Octubre Tranquilo". THE ORB y STEREOLAB haciendo coplillas de Dub  caleidoscópico al abrigo de JARRE y VANGELIS. El contrapunto depresivo al corte anterior es "Urano"; guitarra, flauta y teclados parecen una fruta dejada a madurar bajo el sol del desierto y que por una razón u otra alguien se ha olvidado de recoger... olor dulzón que roza la putrefacción gracias a melodías subsónicas y aletargadas que llegan lejanas, de otro tiempo. 

Cierra el disco "Mi Dedo Gordo del Pie" una cruda grabación en directo el el Art-Futura de 1996 de Belda en solitario que es muy reveladora en tanto que muestra la potencia de la música del músico canario sin ningún tipo de acompañamiento añadido (cuanto menos sorprendente), y "Mensajes", también en solitario y con trazas de electrónica franchute.

Esta primera encarnación de la JUAN BELDA BIT BAND, algo más electrónica de lo que estaría por venir, es igualmente atractiva y conforma otro peldaño más en la inabarcable escalera del underground de culto hispano, ese que ni ves y que por tanto ni sientes.

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EL TUBO ELÁSTICO - "IMPALA" (AUTOEDICIÓN LP+CD, 2018)

Los jerezanos EL TUBO ELÁSTICO vuelven donde lo habían dejado. Su homónimo disco de 2015 me causó muy buenas sensaciones a base de un rock progresivo despiezado en letanías cósmicas, arrebatos post rockeros e incluso toques de Rock en Oposición. Para los interesados podéis leer la reseña de aquel disco aquí. Si no me fallan los datos, la formación en cuarteto continúa inalterable con:

Alfonso Romero: bajo y sintetizadores 

Carlos Cabrera: batería y percusiones 

Daniel González: guitarra y sintetizadores 

Vizen Rivas: guitarra y sintetizadores 

El apartado técnico también se repite en este segundo "Impala". Graba Alfonso Romero en 3 de Musicaworkshop (Jerez) excepto detalles de Dohola, Darbukas y Req grabados en Ant´s House (Londres). Mezcla Rafa Camisón en Estudio79 (Jerez) y masteriza la catedral del sonido en que se ha n convertido los Kadifornia con Mario García Alberni (El Puerto). 

Como repetir, también repite Alex Lorenzo en el artwork del disco, del mismo estilo pero para mi gusto más acertado (la portada del primero era un cruce entre las de los PHONOCAPTORS y los collages que usan algunas bandas Stoner obsesionadas con sus mandalas de calaveras, cuernos y humo). "Impala" se edita en formato CD digisleeve y en edición deluxe vinilo de 180 gr translucido en carperta gatefold + CD para que vayáis ahorrando unos euros.

No hay una escena como tal en Jerez que yo sepa, pero sí que están saliendo grupos de intenso calibre desde los aledaños de esta zona de la Península. Desde los pateadores de escenarios de piedra THE SHOOTERS a la maestría de J. C. SISTO con los MATER DRONIC en su última y más progresiva encarnación, estableciendo paradas en el nuevo disco de THE DRY MOUTHS, los jóvenes WET CACTUS, la zona de culto mental algecireña con VIAJE A 800, ATAVISMO o MEDICINA, los celebérrimos GLAZZ, los noise-terror GENTE MAYOR, FUZZ FORWARD, EL LOBO EN TU PUERTA, KILL KILL!... 

Vale, hechas las presentaciones, pulso Play a ver qué derroteros han tomado EL TUBO ELÁSTICO en su segundo largo y la sorpresa es de aúpa. Un sonido más maduro, trabajado hasta el último detalle navega de forma versátil en todos los estilos de progresivo que a uno se le pueda ocurrir. Esto es posible porque el nivel instrumental de la banda es altísimo y hacen que su primer disco palidezca al lado de la gran cantidad de recursos que se despliegan en sábana a lo largo de 50 minutos. 

Progresión mas calidad es igual a avance acertado, qué duda cabe, máxime cuando los temas están tan bien compuestos y no les sobre a penas un segundo. Siendo la base eminentemente progresiva (cuasi sinfónica diría) con toques a CAMEL, OZRIZ TENTACLES, ELP, KING CRIMSON y otros clásicos, la personalidad de "Impala" es por derecho propio obra y gracia de unos teclados que rozan lo sublime sabiendo adaptarse perfectamente a los diversos ambientes de los temas, hasta el punto de que cuando la base rítmica se torna agresiva y metalera, son capaces de seguir el compás sin aburrir un instante. Cuando hay que sonar espacial, cuando hay que pasar a primer plano y agarrar los meteoritos por los salientes rocosos, y cuando hay que crear simplemente un denso arabesco en segundo plano... los teclados cumplen a la perfección y esto repercute/adorna y dota de personalidad a los temas. 

Pero ojo, el resto de instrumentos no se queda atrás, y lo mismo bailan un intenso Afro Funk ominoso que te dividen en dos con dobles melodías de guitarra. "La Avispoteca", penúltimo corte del disco, me ha dejado tocado con sus percusiones tribales, Darbuka y Doholas mediante, en un constructo de guitarras con regusto andalusí pero en clave Funk (si metiesen vientos serían los barceloneses OUTER SPACE pero más crudos). Siete minutos de SpaceAfroProg que te dejan extasiado y rendido, pero no nos adelantemos.

Abre el oscuro corte "Ingrávido", con toques a PORCUPINE TREE o a STEVE WILSON y sus INSURGENTES. Afortunadamente, los derroteros son más progresivos que metaleros (bandas como DREAM THEATER me llevan a un profundo sueño rayano en la criogenización). Los teclados setenteros son el contrapunto perfecto a unas guitarras fuertes y limpias (me recuerdan muchísimo a "Obake" de los HAND OF FATIMA) y a un bajo con un protagonismo muy marcado, tanto en sus tramos en solitario como en diálogo paralelo (nunca demasiado equidistante) a una percusión tremebunda con algún que otro uso del doble bombo. Un 60% del tema es metal post rockero, pero estas virutas van desapareciendo conforme avanza el disco.

"Antihéroe" se adorna de una guitarra acústica y numerosos cambios de ritmo tal y como hacen los nuevos ANATHEMA. Un rock progresivo instrumental de nuevo cuño donde las guitarras flotan sin dejar caer nunca la nota (todo está sostenido por invisibles cuerdas) mientras la electrónica inunda todos los huecos como el poliuretano. Es curiosa la forma en que se funden melodías cercanas al Math Rock con esa acaramelada manta de teclados a lo EMERSON LAKE AND PALMER y aunque cueste discernirla, la melodía principal del corte no para de asomar una y otra vez a la superficie a pesar de los numerosos cambios y requiebros (me cuesta establecer un punto de partida pero quizás LIQUID TENSION EXPERIMENT aliñados en YES podría ser una buena comparación).

Uno de los cortes más sorpresivos de "Impala" es "Turriptosis Nutrícula", mucho más progresivo que los anteriores y con voces en vocoder de Tom Pannell. Un tema fresco que no desmerece en absoluto a algunas bandas consagradas del Rock en Oposición que pululan por el sello CUNEIFORM. Un eléctrico ambiente jazzero empalado en guitarras Hendrixianas que se salen,  una base rítmica pletórica en el acompañamiento o en las puntuales demostraciones virtuosas contenidas y sin verborrea. 

Sigue el cósmico "El Acelerador de Picotas", dividido en dos partes y con una duración de 12 minutos, y que tiene cierto deje a los PSICOMORFIS EXPERIENCE, ambos grupos revitalizadores de un Neo Jazz Rock fusionero de matices espaciales que inevitablemente reconducen a WEATHER REPORT, o al menos es a lo que me suenan las cabalgadas incesantes de las guitarras (eso sí, los repuntes Post Rock burbujean como un comprimido efervescente bañado por la humedad ambiente en Gravedad Cero). Destacan también unas líneas de teclado verticales y unas influencias marcadas de GAZPACHO, RIVERSIDE y el NeoProg en general.

El tramo final es de aúpa; la ya comentada "El Avispero" (para mí el punto álgido del disco) que hunde sus raíces en el Folk y el progresivo andaluz y la final "Impala Formidable", himno meditabundo, ambiental y cargado de un magnetismo telúrico a modo de catálogo impresionante de las posibilidades de una banda en pleno proceso creativo, que no han dicho ni mucho menos su última palabra. 

Siendo "Impala" una bestia parda de proporciones ciclópeas, no creo que la banda haya alcanzado su pico creativo y estoy seguro de que un tercer trabajo los va a poner en la punta de lanza de la escena. De momento estamos ante uno de los discos del año en su estilo.

https://eltuboelastico.bandcamp.com/album/impala

KIRILL SAWAZKI - "LANDSCHAFTEN UND PROZESSE" (CIVITAS MORTIS 002, 2018)

KIRILL SAWAZKI viene de Omsk, Rusia, y ya sabemos cómo se las gastan los rusos con la electrónica. Me atrevería incluso a decir que la escena rusa con sus sintetizadores y sus compositores herméticos son una suerte de Guerra Fría contra el Kraut germano... una lucha soterrada donde no se respetan fronteras. Abarcando diversos géneros como el Space Synth, el Techno o la electrónica de vanguardia, en "Landschaften Und Prozesse" el objetivo es claro; rendir homenaje a los pioneros KRAFTERK pero sin ser un mero plagio. 

El álbum está editado en cassette por CIVITAS MORTIS y une a la perfección esa deshumanización utópica de los alemanes con trazas de New Wave ochentera (esa que habla de supervivencia en el Laserdrome y desgaste de suelas en garitos con mala ventilación) y si me apuráis, casi diría que aparecen aquí y allá reflejos del Italo Disco (Euro Dance).

"Landschaften..." es tremendamente bailable como digo, con voces tratadas (vocoders) que dan ese aire siniestro/hímnico al asunto. Uno no se quita la sensación de transmisión captada por una radio añeja o estar ante un artefacto de tiempos pretéritos. Se suceden "Radio Frecuency Band", las viajeras "Mikroroboter" o "Elektronischen Ladnschaft" y muchas más, sin que quiera destacar una sobre otra. 

Son píldoras de un futuro ya pasado a base de ladrillos de plástico en un juego de piezas que mezcla perfectamente a KRAFTWERK, YELLO y ULTRAVOX con los TANGERINE DREAM menos romos. Lo siniestro está presente, qué duda cabe... basta escuchar esas letanías lejanas en "Sequenzierung" para flotar en la humareda espesa que inundaban los videoclips en los ochenta y aunque o se llegue a la claustrofóbica oscuridad de la EBM, se capta el regusto en el paladar de algo tan ominoso como el espacio abierto o la distancia tan pequeña pero a la vez insalvable entre un neurotransmisor y otro.

"Location" o "Retro Phuturismo" son adictivas en su simpleza. Ritmos sincopados, sintonías de 8 bits y juegos arcade en descomposición por un fallo en el lenguaje Basic. "Luminofor" suena a música de sobremesa un sábado cuando sólo había dos canales en la televisión y los envases de cristal eran retornables. El espacio exterior es tan bonito como las cortinas del salón de tu abuela y tan frío como pegar la lengua a un polo de hielo. Lejos de ser una mera imitación de KRAFTWERK, KIRILL SAWAZKI le da carácter a sus composiciones con una maestría sorprendente para su edad y CIVITAS MORTIS se reafirma en el buen gusto de las ediciones que está sacando.

Para terminar, qué menos que imaginarme a un joven Yuri Gagarin escoltado en el sonido de "Elektronischen Landschaft 2". La épica del deceso forzoso y patriótico que se viste de heroidicidad estúpida en un mundo de pantomima, escudos y desfiles. Ya se sabe que el ser humano es capaz de las más grandes hazañas y los más patéticos fracasos.

https://civitasmortis.bandcamp.com/album/kirill-sawazki-landschaften-und-prozesse

UIVO ZEBRA - UIVO ZEBRA (BOCIAN RECORDS, 2018)

UIVO ZEBRA son JORGE NUNO a la guitarra, HERNANI FAUSTINO al bajo y JOAO SOUSA a la batería, es decir, 2/3 de SIGNS OF THE SILHOUETTE, tremenda banda de Portugal de la que os hablé por aquí hace un tiempo. 

Un ente de tres cabezas cargados de un Heavy Psych barroco pero sutil en desarrollos y de una fuerza intrínseca que nada tiene que envidiar a los ACID MOTHERS TEMPLE, porque al fin y al cabo, creo que es la banda japonesa la comparación más plausible que se me ocurre... pero vaya, que comparar tampoco tenemos que comparar nada. Editado por BOCIAN RECORDS en cd con temas que sobrepasan los 10 minutos; grabación de Eduardo Vinhas en los  Golden Pony Studios y artwork del propio Faustino.

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com/2017/01/signs-of-silhouette-spring-grove-bam.html

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com/2017/02/signs-of-silhouette-nu-bam-balam.html

El auténtico marasmo de percusiones de "Sussurro Murmurio" pone de manifiesto algo de sustrato jazzístico (o al menos lo parece) que es atravesado como agujas de acupuntura por un incisivo bajo camaleónico y una guitarra que lo mismo te da la mano para hacer de guía que te amortaja. Largos pasajes ambientales de puro y genuino Space Rock contrastan con otros que podrían estar sacados del universo eléctrico de MILES DAVIS. Al lírico y meditabundo inicio le sigue "Cãibra Tumulto", agresión en estado puro con una base rítmica a lo MASACRE o NAKED CITY. El taladrante bajo de Faustino dialoga con la guitarra versátil e hiriente de Nuno en lo que parece que es un nuevo tándem FRITH/LASWELL. 

Lo que me gusta de UIVO ZEBRA es que nunca se pierde pie, y los temas están jodidamente bien estructurados y balanceados (técnica versus improvisación versus composición) con una masterización fabulosa de JAMES PLOTKIN ("He Who Never Fails"). 

Si en algunos grupos las composiciones se hacen alrededor de la guitarra y en otros alrededor de la base rítmica, aquí cada instrumento tienen una libertad absoluta siempre que encaje y no ahogue al de al lado. "Abismo Uivo" y sus polvorientas líneas de guitarra podría traernos a la cabeza a la primitiva escena de Palm Desert y YAWNING MAN o si me apuráis, a la nueva encarnación de los YAHOWA 13 en discos como "Sonic Portation" o las colaboraciones con THE PLASTIC PRIMEWAVE SOUND... es decir, hay algo genuinamente californiano en la música, pero que está horadado y conectado con la poderosa forma de entender la psicodelia de los japoneses (véanse los MARBLE SHEEP o cualquier cosa salida del catálogo de CAPTAIN TRIP). El tema se desarrolla en espiral abriéndose y abarcándolo todo, como el poliuretano, ya sea en los momentos más introspectivos como en las picaduras venenosas de una guitarra que roza el Blues Rock. 

"Urro Estridulo" comienza como un tanque. La base rítmica (ahora sí) como estructura fija en la que zurce su bordado Nuno a la guitarra. Poco a poco se va recrudeciendo todo... se intensifica la guitarra, el bajo se vuelve más críptico y la batería estalla en una ordalía percusiva acojonante. La suma de los tres elementos es un poderoso, enérgico vómito lisérgico por parte de unos músicos que ya llevan mucho tiempo bañándose en ácido. Afortunadamente, se huye de la languidez EMOcional del Post Rock para lucir bañador en una charca más verde de lo que pudiera tu estómago soportar; tampoco estamos hablando del vacuo Math rock ni nada de eso... aquí supuran otro tipo de heridas. La guitarra, incansable, hace de maestro de ceremonias a lo MARC RIBOT mientras el bajo bien pudiera recordarte a las quebradizas notas de TREVOR DUNN. En cuanto a la batería no sabría decir... creo que no es de este mundo. Ojito con el tremendo desparrame en el clímax final del tema.

Cierra el disco "Abalo Sismico" en clave más meditabunda y sosegada. Ecos a blues fantasmagórico y a rock sureño puesto de ácido, en clave de Free Jazz e improvisación libre. Lenguas resecas pegadas a la arena de una duna y labios cuarteados que se refrescan en Absenta; vómito bilioso en la camisa de domingo y heces en la ropa interior secándose bajo un inclemente sol de mil demonios.

Luego llueve, luego anochece, luego amanece... SE ESCUCHA EL AULLIDO DE UNA CEBRA.

https://bocian.bandcamp.com/album/uivo-zebra

MICHEL DES AIRLINES - "ORBITEUR" (EDICIONES TORACIC TD71, 2018)

La marcialidad de las voces en vocoder que salen por los altavoces en "Citation Lunaire" me pone los vellos de punta. Estoy con el segundo trabajo de MICHEL DES AIRLINES (MICHEL DELACROIX aka MIGUEL A. RUIZ) y la línea trazada por aquel maravilloso "Le Voyage Crânien" continúa en este "Orbiteur". Capas y capas de electrónica con el contrapunto perfecto entre lo numinoso y lo clarividente, lo futurista (o era retro futurista?) copula con lo pseudocientífico, el pulp y la Serie B en largos temas cargados de recursos y melodía.

Estas sonoridades ya expuestas en proyectos compartidos como DEKATRON III campa a sus anchas por la música de "Orbiteur", pero tengan ustedes en cuenta que el sustrato y compost espacial del que germina todo esto tiene su raíz en la música cósmica de los maestros franceses o de oscuros alemanes que dejaron los instrumentos convencionales a lo Fab Four para abrazar otro tipo de música. Es el caso por ejemplo de MICHAEL BUNDT y su enigmático futurismo de "Electri City" (1980), disco que me apetece citar a pesar de ser más desconocido que otros en cuanto a la escuela alemana se refiere aunque sin duda, la música que nos ocupa sea más un rendido homenaje a los compositores franceses.

Que MICHEL DES AIRLINES se vuelca más en lo francés es evidente. Sólo hay que ver los títulos en ese idioma de los temas o cómo "Sur La Grande Tache Sombre" irrumpe a lo PATRICK VIAN o MICHEL MAGNE. Burbujeos en una inmensa piscina-morgue donde los cadáveres flotan una cadenciosa tonadilla a lo JARRE que en las circunstancias adecuadas y con auriculares te arrebata del asiento para volar no al universo, sino a la ancestral tierra de los antiguos Mayas, Tiahuanaco, Las Líneas de Nazca y para terminar qué se yo, quizás algún lugar en el centro de la tierra (Agharta) donde los dioses beben té con VON DÄNIKEN.

Lo utópico empapa las melodías de los sintes y claro, es esa extraña mezcla de añejo y nuevo lo que hace a la música cósmica electrónica tan especial. Muestra de ello es su uso de cabecera en innumerables programas de lo misterioso. La pseudociencia de tantos y tantos autores que vieron en España editadas sus obras a través de Plaza & Janés tienen ahora su banda sonora (al igual que haría otro Michel.... MICHEL HUYGEN y NEURONIUM con JIMÉNEZ DEL OSO). Es curioso, pero parece tratarse todo de una conspiración de Micheles o algo así.

Lo que verdaderamente me convence de la maestría absoluta de Miguel A. Ruíz es su capacidad para crear SINTONÍAS justo cuando ya parecía que esa virtud estaba en extinción. Ni los nuevos discos de maestros como VANGELIS o JARRE son capaces de acercarse a la pegadiza, bailable coda de "Vie Dans Les Anneaux De Saturne", y esto que digo no es ninguna tontería, máxime cuando se trata de una autoedición en EDICIONES TORACIC fabricada a mano y sin patrocinadores e historias de por medio.

Si tienes calor en el espacio, abre la puñetera ventana de la nave.

Momentos también para el barroquismo cinematográfico en "Cèphalopodes De Mars", uno de los temas más oscuros del disco y con cierto aire a CARPENTER (una suerte de ASSAULT ON PRECINT 13 del espacio exterior) con toques de Synth Wave en su tramo medio. "Réconfort De La Gorge" tiene el regusto tribal y selvático característico de muchos de estos discos. Un cariz a jungla que parecen darlo los rebotes de los generadores de ritmos cayendo en cascada. Quizás ahí radique esa fina línea que convierte a lo espacial y electrónico en New Age en un determinado momento de la historia pero yo, que no soy mucho de creerme nada, prefiero usar esas finas líneas como testigo a seguir en un aterrizaje forzoso de mi nave. Lo demás va por cuenta tuya.

http://toracic.blogspot.com/

KILLERKUME - "WHITE NOISE SESSION" (GAFFER RECORDS/REPENTINO RECORDS; 2018)

Joxean Rivas al modelado molecular de planchas de acero y Mikel Sowsyah a las seis galvanizadas y tuneadas cuerdas juntan cerebelo con efectos y se metamorfosean en KILLERKUME, dúo de cuerpo pero big band de espíritu con parientes alquímicos en LOAN, MIRAGE, XIMEL, BLACK EARTH y ORBAIN UNIT (con gente de AKAUZAZTE y LOS PLOMOS). 

Editados dos discos que coqueteaban con el Noise Jazz y una algarabía de bases rítmicas industriales (los hiper recomendados "Trautzer Blaster" e "Industrial Sunbath") y tras su gira europea de 2016 los suecos GAFFER RECORDS y los bilbaínos REPENTINO RECORDS se lanzan a eso que llaman las "White Noise Session", que no es otra cosa que cuatro aplastantes temas que cubren el espectro que va del Hardcore al Noise, estableciendo paradas en la Impro, el Jazz y unos toques de acidez plúmbea quizás producto de haber grabado en Winterswijk, Holanda, porque holandeses son DEAD NEANDERTHALS, THE KILIMANJARO DARKJAZZ ENSEMBLE o THE MOUNT FUJI DOOMJAZZ CORPORATION.

Limitadísimo a 100 copias con un precioso y abstracto diseño en cd que espero se agote pronto dada la tremebunda burrez de la música que enlata, que son cuatro temazos ya recogidos en su previo disco pero aquí abordados desde una faceta algo distinta.

Aunque os pueda parecer descabellado, la conexión Holanda - País Vasco tiene más vida propia de lo que parece. Si los combos provenientes del eje de los Países Bajos y similares muestran una frescura inagotable a la hora de abordar diferentes medidas de la agresión en el Jazz, el sumarle la biliosa forma de acometer en embestidas la música (fruto sin duda del Hardcore Punk ineherente a KK) obtenemos una pedregosa alfombra no apta para plantas de los pies débiles y aterciopeladas. Si eres de l@s que están excesivamente civilizados quizás sufras de un descuelgue mandibular si la rigidez es persistente, así que déjate llevar por mis palabras que te voy a buscar un sendero por el que esquivar el alquitrán y los cantos rodados.

No es lo mismo acercarse al Jazz, el Avant Garde o la Impro a través del metal que a través de otros géneros y eso habitualmente se nota en la gravitatoria fuerza que ejerce siempre la batería, golpeteada sin cesar por la lluvia de meteoros de un bajo que roza el Math pero sin caer en la vacua orgía de notas que tanto me aburre. Así es como arranca "Ebakuntza Gela", escalonada, poliédrica cascada de baterías y guitarras a la americana (MARC RIBOT podría servir de comparación) que de la filigrana pasa a las texturas con una facilidad pasmosa dando paso a ese gran himno que es "Bilbullshit"; imposible cerrar las orejas a AKAUZAZTE y LOAN.

¿Te he comentado que sólo se trata de guitarra y batería?. Los huecos (si los hubiere) se amortajan a la perfección con el amplio espectro que cubre la afinación sucia de la guitarra y esa forma tan matrioshka de tocar la batería... es decir, cuando crees que entre golpe y golpe no hay nada, ahí que surge otro detalle percusivo y así hasta el infinito, no importando si el tempo es lento o rápido, que aquí no se escatiman gastos. Como si de versiones Free de sus estándards recogidos en "Industrial Sunbath", se abren espacios para una inusitada, hercúlea muestra de hasta qué punto ha evolucionado la labor instrumental de la banda con una mezcla perfecta de acidez plomiza y jazz enfebrecido. A medio camino entre algo parido de los ACID MOTHERS TEMPLE y cualquier proyecto de Tzadik.

"Harrapakina" juega con la ventaja de que los dos anteriores cortes ya nos han dejado los huesos triturados. Coronel Mortimer pudiera ser ahora mismo un saco de dientes triturados que sirviese de saquito relax de esos que venden en las franquicias de aeropuerto o una estropajosa momia resecada en Natrón. Por cierto que ineludibles son algunos marcianos aspectos de KK que remiten totalmente a VOIVOD en clave bisiesta. Machacones, insidiosos ritmos sincopados cuasi Dub hablan de KILLING JOKE con traje de modernos o los NAKED CITY sin los vientos, que también podría ser el caso. Algo de RUINS, algo de BOREDOMS, KEIJI HAINO y GROUND ZERO, toquecitos oleosos de PAINKILLER... y ya tenéis una ensalada de óxido, detritus espacial y orín que llevaos a la boca. Por cierto, magnífica la forma de cerrar el tema disolviendo homeopáticamente las melodías en brandy del desierto y tocando la psicodelia más olvidada del Kraut como los AGITATION FREE.

Cierra "Never-ending Spring" con su melodiosa cadencia de nana susurrada por una niñera puesta hasta las cejas de psicotropos y con un cútter en cada mano. Puede que no sea la mejor cuidadora, pero la más divertida te puedo asegurar que sí. Para mi gusto, "White Noise Session" es muy pero que muy superior a sus dos anteriores grabaciones pero la última palabra es tuya.

https://killerkume.bandcamp.com/album/white-noise-session

AKIPO - "MILKSHAKES & SONGS" (EL MUELLE RECORDS EMR038, 2018)

1) noun - A drink consisting of milk and Icecream. 

2) slang - A woman's body and the way she carries it.

"man i was in a trace when my girlfriend milkshaked in front of me. then a saw her later, milkshaking to my best friend so i went to her best friend and she also gave me a milkshake which was way better than my girlfriend"...

El nuevo disco de AKIPO (Aquilleas Polychronidis) se titula "Milkshakes And Songs" y si no me equivoco no se usan saxos ni instrumentos de viento. Un disco que desafía cuestiones estilísticas y se lanza de lleno al mundo caótico de multiinstrumentistas tan locos como el Lo Fi de JAD FAIR, los experimentos en comprimidos de COBRA y HEMOPHILIAC de JOHN ZORN y un aberrante compost de collages electrónicos minimalistas (IKUE MORI) a través de una cadencial, vibrátil secuencia tan divertida como las cadenas del genoma humano. Todo ello cocinado en EL MUELLE RECORDS.

Si me pusieran una pistola en la cabeza ahora mismo, diría que el disco es una suite degradada, es decir, una composición sobre la que se ha trabajado al contrario. Se han vertido una serie de temas (en serie) dotándolos de trabéculas, vértebras y demás, para a posteriori volverlos osteoporóticos. Como si se hubiera comprimido todo a 56kbs varias veces hasta obtener el resultado más deshumanizado posible y que curiosamente (no dudo que quizás en un principio se trataban de temas de base rockera), contrasta brutalmente con la organicidad de su anterior disco "The Being as just Present-at-Hand and no more as Ready-to-Hand" cuya reseña podéis encontrar aquí.

El grueso del disco es robótico y todo lo espiritual que una pila de litio puede llegar a ser. "Milkshake #1 (Pick It Up)" sirve de lluvia ácida que cae sobre la lejana "Rocking For You" y la grotescamente evangelista "Everybody´s Talking at the same Time", con guitarra distorsinada a lo Sonic Youth emponzoñando el persistente algoritmo vocal. "Milkshake #2 (Summer Call)" es una invocación de chicharras eléctricas semioxidadas. 

Cuatro temas cortísimos que pasan como un suspiro hasta que llega "Anti" que surge de viviseccionar el rock alternativo con capas y capas de drone; una corta letanía vocal en vocoder y el resto pura distorsión mantenida a modo de pulso. Guitarras tratadas, pedales, efectos y vete a saber qué mas. 

Antes dije que esto a mí me parecía una composición larga a modo de suite (conceptual o no, a saber... tened en cuenta que AKIPO es griego y su lengua materna es incomprensible para el resto de la humanidad), prueba de ello es "Milshake #3 (The Choir)" que a modo de score infantiloide intenta meterte el falso miedo en el cuerpo; tan amenazante como darte una hostia con una rebanada de pan de molde y cargada de ironía y falso oscurantismo, todo ello pergeñado a la perfección para preparar el cuerpo a los 21 gloriosos minutos de "The L Song", tema que se retroalimenta como una de esas máquinas de movimiento perpetuo. 

Se escupe una serie de sonidos y se van entrelazando hasta crear algo que ya no te pertenece... como si a JOHN CARPENTER le hubiera dado por componer una Raga India tapizándola de proclamas electro punkarras, futurismo de Serie B y el tribalismo Gamelan de ARRINGTON DE DIONYSO en MALAIKAT DAN SINGA. ¿Te vale la etiqueta Electro-Psicodelia-Indonesia?.  Tampoco me hagas caso porque quizás es sólo una tonadilla pastoral o una rumba a la que se le ha dado de comer nutrientes para fisioculturistas. El caso es que su cariz mántrico e hipnótico la hacen "canción del mes para la emancipación, sublimación y desarrollo mental de la tecnológica del nuevo siglo". Comparar es absurdo. Your rules, your weapons.

El final es perturbador desde el mismo título "Milkshake #4 (A Great End, 35 Fingers)". Si un ser humano tiene veinte dedos, estaríamos hablando de dos personas si fuesen 40 dedos, así que o bien a alguna le falta un miembro, o es algo de otro mundo. Cinco minutos de ciénaga subsónica (parecen notas de piano tratadas) para acabar con buen rollo un disco original donde los haya, difícil de encasillar y muy adictivo.

https://elmuellerecords.bandcamp.com/album/milshakes-songs

BALLARD - "NACER, VIVIR, MORIR EN EL MISMO LUGAR" (GRINDETXE; DISCOSMECAGOENDIOS, 2018)

"Nacer, Vivir, Morir En El Mismo Lugar" no es sólo el título del debut de los bilbaínos BALLARD, banda de la que os hablé hace unos meses y que tuve el placer de entrevistar (aquí). Se trata de una potentísima frase que ilustra una forma de vida que apenas podemos ya dilucidar. Para ello, baste fijarse en la portada y contraportada del artwork del vinilo. 

Una fábrica, una salitrera, lo que sea... por detrás, una larga lista de personas acudiendo al trabajo o marchándose de él por las vias de un ferrocarril. La industrialización es la decadencia, sacrificio y yugo de un pueblo cuyo tiempo es medido por las sirenas de los descansos, los toques de queda y cuya impronta queda en el desgaste de la suela de los zapatos. Hormigón, óxido y agua putrefacta son el compost perfecto para alimentar la infección que transita agazapada por las venas de un pueblo oprimido hasta la saciedad, hasta las últimas consecuencias. Hijos e hijas del amianto, lo pétreo, el yeso y la polución. Se me antoja casi canallesco escribir una reseña del disco y pensar a la vez en inmenso lujo del que puedo disfrutar aquí, en mi habitación, escuchando música mientras otros han cementado la base sobre la que se sostiene mi vida. 

Grabado en estudios KOBA por Xanpe en invierno del 2017 y editado en un maravilloso vinilo (45 rpm) a cargo de los sellos GRINDETXE y DISCOSMECAGOENDIOS. Hasta lo que sé, la banda siguen siendo Aitor, Gorka, Ioritz y Mikel. Si queréis más información de las conexiones de estos músicos con los desgraciadamente extinguidos BERUNA y otras cosas vuelvo a remitiros a la entrevista que les hice. Por cierto, fantástico pliego dentro del vinilo con un artwork típico de bandas Crust/Punk o Grindcore y que le da cierto cariz DIY al proyecto.

El sonido de la banda está clarísimo, no vamos a andar con historias raras. Sludge Crust Punk Doom y alguna que otra incursión sutil por terrenos más experimentales (ojo, reitero, sutiles) que no llegan a la lisergia pútrea de LORDS OF BUKKAKE y sí que toman como punto de partida el legado de MOHO, ineludible referencia, pasando por bandas muy olvidadas como LLORD, DESPEÑAPERROS, FREAKHATE y tantas otras como LOAN, MENTAT, MEIDO y paro ya, que la lista se me haría interminable. 

La Cara A del disco se abre de forma lenta, segura, pétrea. Sludge Doom con un lento, pegadizo riff de guitarra arrastradísimo que lo mismo podría pertenecer a un disco de REVEREND BIZARRE que a otro de COFFINS o GRIEF. Las voces guturales pero con la mala hostia que se gastan las bandas del palo vasco que tienen un matiz Black muy característico. La base rítmica alternando medios tiempos con incursiones en el terreno Crust. La forma de desarrollar los temas hunde sus raíces en lo sureño, curiosamente... es decir, toda esa escena pantanosa y asfixiante de Nueva Orleans con EYEHATEGOD, CROWBAR o una versión ultraralentizada de DOWN, aunque en los arranques hardcore es inevitableme pensar en el hermano teratogénico bastardo que surgiría mezclando a BLACK FLAG, SUICIDAL TENDENCIES y los MELVINS. 

No me quito de la cabeza la batería en el medio tiempo instrumental a mitad de tema; bajan las revoluciones y parece que estoy metido en un disco de CORRUPTED... el bajo vibrando cargadísimo de distorsión (si hubiese harina, con un riff se fabricaba un pan) para luego dejar espacio a una guitarra que parte en dos el tema a lo NEUROSIS, voces en off/vocoder tipo homilía religiosa incluídas creando el ambiente perfecto en el que desarrollar y transformar un trallazo Sludge en una suerte de coda Post Rock Sabbathiana (y vuelvo a remitirme a los toques lisérgicos/experimentales de los que hablaba al principio de la reseña y a propósito de lo que dije de su demo).

La Cara B se abre con "Ciudad Desierta", un tanque en choque frontal irremisible contra un muro de cemento. La melodía del tema enterrada en un marasmo de barroquismos, un bajo y batería contenidos, quietos como un árbol centenario mientras la guitarra va serrando en distorsión y haciendo saltar serrín por todos sitios. BALLARD borda un tema con carácter de himno en sus voces (especialmente el estribillo, que se clava hondo) y que te entra y sale como una bala de punta hueca. El terreno perfecto para que siga "Naufragio" recordándome algo a los MARASME por esa forma de transformar en Shoegazing la brutalidad que transmiten los temas, aunque siempre con el Hardcore y el Crust dispuestos a estallar en cualquier momento.

Buen debut oficial de BALLARD con tres temazos como la copa de un pino, variados y con una apabullante muestra de cómo pasar de un estilo a otro sin a penas notarse. No es original, ni falta que le hace. El objetivo último es llegar al toque de de la sirena que indica que sales otra vez de la fábrica y te diriges a casa a comerte un puñetero mendrugo de pan. No había originalidad en nuestros antepasados, sino máquinas de trabajar sin descanso. 

Por eso disfrutas de tu querida tecnología e industrialización... porque unos señores con bombines y bigotes y unas señoras vestidas de cuasi luto construyeron (se me viene una y otra vez a la cabeza los acordes de la banda sonora de Morricone en "Once Upon a Time in The West") los ferrocarriles manchados y manchadas hasta el esfínter de carbón y con los pulmones corroídos por el alquitrán hirviendo. 

Eso no era original pero sí fue trascendental. BALLARD te dan una hostia con una mano enguantada en amianto y te sugiero que pongas la otra mejilla. Lo mereces.

https://ballardnoise.bandcamp.com/music

https://discosmecagoendios.wordpress.com/

BABYMAFEW - "PATHOLOGICAL LIAR EP" (CIVITAS MORTIS TAPE001; 2018)

Totalmente descolocado me ha pillado esta nueva referencia de CIVITAS MORTIS. Matt Ibarra, conocido por su proyecto de Noise Rock RECTAL HYGIENICS (Chicago) regresa a California y se pone a componer una suerte de Synth Pop cargado de bases rítmicas graves y un aire a resaca eterna. Cuatro temas cortos en un Ep que tienen un deje apocalíptico y cansado, añejo por la producción pero a la vez muy atrayente por lo pegadizo de sus melodías.

Grabado, mezclado y masterizado por el propio Ibarra en STRANGE TAPES RECORDS, y con un precioso artwork de CHLOE PERKIS (es curioso, pero investigando por la red he visto dos artworks/ediciones distintas; una de STRANGE TAPE RECORDS y la de CIVITAS MORTIS), estamos ante una cinta de a penas 15 minutos de un Dark Pop Nihilista, con retazos de música concreta en algunos lances instrumentales que se tornan casi Krautrockianos pero que por muchas vueltas que le des, te resultará difícil de encasillar. 

Lo cierto es que la New Wave y el Synth Pop son la clave de unos temas cantados por una voz a medio camino entre un Bowie trasnochado y el Post Punk más electrónico y accesible de los 80.

Abre "C&D", que es correoso, mínimo y cargado de Lo Fi donde Ibarra entona baladas electrónicas de letras nihilistas (I Fuck Up My Own Face, It Never Ends...). "Other" parece como si estuviesemos escuchando THE MISSION despojados de todos los elementos rockeros mientras un manto de lejanos teclados arropan un machacón ritmo programado sobre el que Ibarra hace de crooner... por cierto, muy bueno el sampler religioso al final del tema.

"Fiend" es un tema de corte ochentero, rápido y con dejes siniestros que perfectamente podría pasar por un corte de la BSO de "Lost Highway". Termina este corto trabajo "Grip", donde se acentúan todos los ingredientes anteriores... un Dark Synth Pop de autor que como debut es muy prometedor. Tengo mucha curiosidad de qué puede ofrecer este proyecto en un futuro.

https://civitasmortis.bandcamp.com/album/babymafew-pathological-liar

YUNCLAS - "DE LINGUA AD MORTEM" (GRABACIONES AUTOBOMBO, 2018)

"Esta cinta ye un percorríu sentimental per esa muerte. Una denuncia y una acusación tamién. A tolos y toles que la dexaron morrer. A esti pueblu que reservó pa la so llingua y pa él mesmu un matricidiu y un seppuku"

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"De Lingua Ad Mortem" es el nuevo trabajo de YUNCLAS; electrónica industrial de tintes bailables, social y políticamente comprometida (al menos en espíritu) y que cada vez me sorprende más por su lento pero inexorable avance hacia un sonido mucho más depurado desde aquel ya lejano "Quebraes" (reseña aquí) o el recomendadísimo "A Train To Finland" (reseña aquí). No entran dentro de la categoría del Industrial o el Noise, ni tampoco podríamos decir que en sí sean Techno porque las bases rítmicas a veces descienden a cotas de ralentización que arañan lo ambiental. 

Depende del momento en que me pille incluso capto algarabías asfixiantes de Dub mediúmnico, algo de marcialidad Industrial (sin llegar al Neofolk, no me vayáis a entender mal) y una forma perversa de mutar una Rave en algo ominoso, pero no por algún peligro terrenal, sino por todo lo contrario... en YUNCLAS hay una deshumanización que acentúa el aislamiento, lo nihilista (cuando aparece) y torna la opresión en Apnea del Alma. El símil contextual que más me seduce es el de la arqueología urbana y el buceo en la superstición popular, los movimientos obreros (armados o no) y un cierto homenaje (aunque sea indirecto) a la Era de la Industrialización Clásica.

Un poco de todo es la clave de un proyecto que tiene un olor terroso como a historia olvidada, y no por el majestuoso uso que se hace de los samplers o la ideología contestataria que dota de fuerza al conjunto, sino porque el espíritu ochentero de las cintas y el DIY rezuma de cada referencia que me llega de GRABACIONES AUTOBOMBO. 

En esta ocasión, el artwork es obra de FIDEL GUTIÉRREZ y la masterización de FRANK RIGGIO, y el leit mótiv que mueve a la obra es la dilapidación, disolución en la nada, muerte y sepultura del lenguaje Asturiano, además de una oda funesta a una generación ya extinta (o en vías de extinción) que resalta en algún que otro detalle Folk a lo largo del disco. Comentar una vez más algo que se repite en las ediciones de GRABACIONES AUTOBOMBO; el tracklist del bandcamp no se corresponde con el de la cinta, que es el que yo sigo... por si a algún despistado no le coinciden mis descripciones con lo que está escuchando (que también puede pasar, pero por enajenación o falta de acierto mío, claro).

Abre "El Llobu Que Ta Pa Dientro Nunca Muerre" con un sampler (me imagino que de archivo) en lengua astur, mientras un pulso casi de locomotora nos saca del plano terrenal para llevaros al arquetípico. Surgen poco a poco las tribales (marca de la casa) percusiones de YUNCLAS y las capas de detalles que en esta ocasión tal y como he citado arriba tienen tintes más marciales que nunca. Lo Electroacústico y lo Industrial se funden en la misma fragua que el Techno (si tienes prejuicios, ya deberías haber dejado de leer hace un rato) para unirse en un nuevo sonido más abstracto de lo acostumbrado. "La fala del diablu" es diametralmente opuesta a la anterior y para mí es Dub Telúrico y Magnético. No sé si llamarlo Techno Dub porque creo que jugaría al despiste (es más, hay muchos detalles de Synth Wave Carpenteriano por aquí como para no mentarlo)... esto es más Noise e Industrial de lo que a priori pudiera parecer, y es aquí donde destaco la principal característica que me gusta en YUNCLAS: la búsqueda de una melodía a pesar de lo abigarrado, opresivo y enrevesado que puedan resultar estos estilos.

"Sencia del escaezu" rompe todavía mas el disco con una guitarra procesada a base de pedales y efectos, para luego meterse en terrenos propios del Dark Ambient. La guitarra se torna arábiga (o eso, o una melodía Folk Teratogénica) sobre una base de teclados, sonido de lluvia y un ambiente muy cinematográfico que me ha recordado a algunos momentos del Score de "BLADE RUNNER" en su versión de Vangelis o la nueva de Zimmer. Siguiendo esa misma esencia llega "Tierra de Matricidas", no sólo mas Dark Ambient sino que se mete por terrenos de Folk Crepuscular (cosas del sello GLITTERHOUSE donde militan WOVENHAND o LITHIUM podría dar las coordenadas). Los teclados son hipnóticos y emulan a un Harmonio, una Shruti Box o una Zanfona... cualquiera de esos que pueden crear una base drone hasta la eternidad. Las baterías aun sampleadas suenan orgánicas y crean un crescendo endiablado (con guitarras eléctricas distorsionadas incluídas) casi Morriconiano y los chasquidos de fondo bien podrían ser balaceras bajo un inclemente sol.

Terminan "No Comunication In Babel", que suena a alarma de aviso sobre el cambio inminente de lenguas, y que es una vuelta al Techno enrevesado del inicio. "Llingua Oficialmente Muerta" es un réquiem experimental que abre una nueva vía de posibilidades en YUNCLAS. 

Un exvoto en forma de sonido abandonado en la Zona Cero de un impacto. Un epitafio escrito en Cueniforme. Un diálogo exótico captado por un dial a altas horas de la madrugada. Voces que susurran porque sus cuerdas vocales están rígidas de no usarlas. Una guitarra que rompe transversalmente como un serrucho todo atisbo de cordialidad. Un esbozo de un recuerdo que se disuelve en el sistema límbico.

https://grabacionesautobombo.bandcamp.com/album/de-lingua-ad-mortem