martes, 21 de mayo de 2019

SOMNARE - " DEFERENS CAPVT ET CAVDAM DRACONIS IN LVNA" (THE ORDER OF THE YEW, 2019)


„We have Divine Wisdom in the mortal body. Whatever does harm to the body, ruins the House of the Eternal.“ PARACELSO

Deferens Capvt et Cavdam Draconis in Lvna es el elegantísimo segundo trabajo del proyecto del dúo madrileño SOMNARE, a los que he tenido el placer de entrevistar y cuya música me tiene atrapado por completo desde que cayó en mis manos. Si bien es cierto que los conocí a través de su homenaje a CIRCUNCELION, me han pillado totalmente por sorpresa ya que los había olvidado ante tanta vorágine de grupos.

THE ORDER OF THE YEW, nuevo subsello de DARKWOODS enfocado al Neo Folk, Martial, Ambient, Darkwave y afines se saca de la manga un artwork y acabado final que te deja con la mandíbula tan descolgada que aquí me encuentro saltando a la comba con ella. Ante tanto basureo resaltan exquisiteces como esta que denotan un gusto tremendo no sólo a la hora de elegir a las bandas sino en cómo cuidar cada una de tus ediciones... todo un lujo en la algarabía de sellos de rápido consumo que surgen de la nada en estos tiempos.

Motivos alquímicos visten de gala un precioso Digifile cargado de detalles y limitadísimo a 66 copias. PILAR MOLINA y DP REY se autoproclaman Neo Chamanes Alquímicos en lo que es todo un viaje iniciático a través del río Styx. Ambientes de cámara fantásticamente mezclados con Darkwave en lo que se antoja una sutil pero bella mezcla entre electrónica y Neoclasicismo abrazan tando las Heavenly Voices como ambientes cinematográficos de gran calado. 


La siempre alargada sombra de DEAD CAN DANCE que otrora marcara a fuego a sellos como PRIKOSNOVENIE o HOLY RECORDS acabaría impregnando como napalm también al Industrial, el Black Metal o el Neo Folk hasta el punto de que la línea divisoria entre la World Beat, el New Age y el Neo Progresivo ya no tienen señas de identidad tan marcadas que permita que el coleccionista no dude ante dónde diablos colocar (en qué sección se entiende) algunos álbumes.

Cuesta encontrar precedentes en la Península para comparar este trabajo pero se me ocurre que en cierta forma conecta bastante con aquel maravilloso concepto musical que fue MORPHEUS y que tras sus dos grandiosos Ouroboros (Drama and Sin Company; 1999) y Elohim (Drama and Sin Company; 2001) se finiquitaría el proyecto con el tercero y muy recomendable Babylon (Old Europa Cafe; 2002), disco que para mi gusto conecta con algo de la esencia de SOMNARE. También el goticismo funesto, cabaretero y belicoso de los zaragozanos EL LUTO DEL REY CUERVO impregna de arquitectura victoriana en declive algunas partes pero el conjunto de SOMNARE tiene una entidad personal fresca, propia y muy marcada.


"Infernus et Principiare" es una pátina decadente de goticismo que recuerda en su inicio a ORDO ROSARIUS EQUILIBRIO... esa manera de arrastrar las percusiones y meter teclados obsesivos (también muy de la etapa renacentista de SOPOR AETERNUS y su "The Spiral Traveller" por ejemplo) te estalla como un grano de pus infecto. La belleza de la podredumbre, de aquello que declina y que tuvo esplendor, se capta a la perfección en un inicio soberbio. Barandillas ciclópeas transmutadas en serrín por el poder de la todopoderosa termita, chimenes apagadas como apagados están los alambiques y probetas de los primitivos y esenciales Alquimistas, hacedores de Moral, Sustancia y con pie en la hoguera. El fuego... el fuego como elemento que cataliza, transforma, disuelve y coagula, y el fuego como amenaza que acota la vida de grandes como GIORDANO BRUNO. Combustio, Comburere, Burere, Combust, Ion....

La voz de barítono masculina te atrapa y te subyuga. Difícil no imaginarse en el Coro de una vieja abadía de madera en plena naturaleza agreste. Las voces de PILAR son estallidos de moléculas primitivas en un antiguo alambique. Maravilloso como ambas voces en dos tonos paralelos, equidistantes y casi tangenciales acaban apareándose con los instrumentos de cuerda. Como coger a SUMMONING y desvestirlos de Black Metal (no sé si me explico).


"Obnia ab Uno" tiene unos aires a RAJNA que quitan el hipo. Algo de oriental, sumerio diría, se va escurriendo en las notas del Cello, y el mantra vocal de DP REY me pone los vellos de punta cada vez que lo escucho. Su resonancia es espectacular y aun no llegando a la gravedad subsónica del Throat Singing tibetano es lo suficientemente grave como para que me vibren los testículos como maracas. De repente el tema se para y muta, entra PILAR a las voces y se espacian las percusiones que aun siendo sintéticas tienen ese aroma europeísta tan característico de la primera ola de grupos Neo Folk. Es curioso, pero en este tipo de grupos prefiero los toques de teclados a una orquesta orgánica.

Por cierto, como nota curiosa, el timbre de DP REY es muy parecido al de los fineses AARNI, pero esto es una locura personal de esas que se me quedan atascadas en la cabeza. Sigue "Tria Prima" en clave sosegada con un piano que emula una caja de música y las cuerdas tocadas con arco trenzando nuevas sustancias elementales. Decadentismo renacentista para una pieza triste como el fin de los tiempos. Destacan unas bellas letras en latín muy cuidadas y una versatilidad tremebunda en los registros vocales que rozan la música gregoriana.

"Tetraktys" es oscurísima. Una coda agresiva con toques a los polacos PROFANUM pero sin Black. Más marcial que el resto de los temas y más lírica en parte, su estructura que casi bebe de lo experimental y sin perder los toques a clásica contemporánea. Fastuosa melodía grave del Cello cortada con el arco al más puro inicio de SOPOR AETERNUS antes de su etapa erótico festiva.


A pesar de que hay muchos proyectos embebidos de Pagan o Neo Folk en el Norte de España por ejemplo (y también extensiones naturales del Black y el Doom), SOMNARE habitan las habitaciones de una mansión distinta. Una mansión dieciochesca que se enfoca menos a lo natural como ecosistema para adentrarse en lo humano como conocimiento esencial de desarrollo, de emociones y de arte. El sudor de la piedra y sus minerales y la numerología en "Tetraktys" abarca desde el principio unitario del Cosmos a la comunión de los Elementos; todo llevado con la melaza rítmica de una percusión marcial y la soga claustrofóbica de los dos tonos vocales.

Hacia "Excusatio Non Petita, Accusatio Manifesta" se llega mediante el puente atmosférico oriental de "Tibetan Wind" y sus circular ritmo vibrátil de los cuencos o lo que es lo mismo, una pequeña perla a lo AM GANESHAN. Luego irrumpe la angelical "Excusatio..." y le doy al pause a los pocos segundos... que me degollen ahora mismo si no estoy escuchando a RUTH WILSON cantar Jait Fait Une Promesse de ANATHEMA (de su celebérrimo SERENADES)... vale, dura un instante pero juro que he saltado del asiento. Aquella en francés, esta cantada en latín.

El homenaje a sellos como 4AD es bastante evidente y se ve reflejado en "Deferens Capvt et Cavdam Draconis in Lvna". Suenan toques a THIS MORTAL COIL en lo que parece un ritmo de Vals llevado al extremo en las partes lentas y algo de Trip Hop orgánico en las partes aceleradas. En petit comité, también algo de THEATRE OF TRAGEDY hay, y si no poneros el Ep A Rose For The Dead de 1997 y sus remixes.

El tramo final de este excelente disco pasa por la crepuscular "Harmonia Nas Centis Mundi" y el fade out emocional de "Lunam et Aqua, Sol et Ignis". En ambos parece flotar cierto toque a NEONYMUS en lo vocal y resultan más redentores que agresivos. Podría estar hablando hasta el infinito de detalles que capto, pero prefiero que sean ellos quienes terminen de rematar la faena en esta pequeña entrevista:

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Lo primero es daros la enhorabuena porque vuestro segundo disco me ha parecido una maravilla. ¿Quiénes son SOMNARE y cómo nace el proyecto?.

Somnare se plantea como idea musical a finales de 2012. Pilar tenía ideas comunes con DP de lo que podría ser un nuevo sonido o un nuevo aporte a la música neoclásica, integrando nuevos elementos más modernos y fusionándolos con otros estilos y exponer una predominancia de temas espirituales. En el punto de partida queríamos  hacer canciones progresivas, mezclando el chelo y contrabajo con voces, sintetizadores y percusión marcial.

Continuando la pregunta anterior, tanto en la forma de abordar las voces como en los instrumentos de cuerda, parece haber un sustrato académico detrás. ¿Tenéis estudios musicales o todo es fruto de la evolución en vuestros respectivos grupos?.

Ambos tenemos estudios elementales de instrumento en academia y conservatorio. Las enseñanzas elementales incluyen normalmente interpretación de partituras, uso de armaduras, recitales, conciertos, coros y clases técnicas específicas de instrumentos. Tocar este tipo de instrumentos requiere una base mínima de técnica, teoría y tono.

De nuestros anteriores proyectos doom y black hemos heredado el sonido oscuro y decadente al que llegamos en algunos tramos de canción.


El nombre que habéis elegido evoca efluvios literarios. ¿Podrías explicar algo del nombre?. Aprovechando la pregunta, me gustaría que me comentárais qué influye a SOMNARE a la hora de crear, tanto musical como literariamente.

Somnare es salir del sueño en el sentido de recuperar la consciencia, se puede interpretar literal y espiritualmente. En el sentido literal se puede interpretar como despertar y volverse contra un sistema  opresor o con diferencias sociales injustas. En sentido espiritual puede verse como un despertar, una iluminación de renuncia a lo banal para conseguir la trascendencia del espíritu.

La música que tocáis tuvo su época de esplendor aquí en la península, pero con la desaparición de determinadas publicaciones y el poco apoyo mediático se diría que se trata de una propuesta arriesgada. Desde MORPHEUS en su día hasta propuestas más marciales como son ÁRNICA, KELTICA HISPANNA,  pasando por revistas especializadas como MALDOROR y sellos como la DRAMA AND SIN COMPANY… está claro que aquí, a pesar de la enorme calidad de las propuestas, el Neoclasical, la Darkwave y similares nunca ha tenido el calado de nuestro país vecino Francia. ¿Cómo veis el tema? Pasado, presente y futuro de estas músicas.

Es una propuesta arriesgada debido a que hoy en día el oyente no tiene libertad de elegir porque no hay una dedicación de los grandes medios de comunicación a dar a conocer músicas alternativas. Quizás hay miles de potenciales oyentes y no saben todavía que les gusta porque no hay información y por tanto no se conoce. Somnare en particular optó por fusionar los sonidos con instrumentos modernos como sintetizadores para hacer un neoclásico más digerible, con toques de banda sonora de cine para audiencias más acostumbradas a sonidos actuales.

Este problema de no tener acceso al mass media siempre ha existido pero no supone ninguna barrera para ningún músico del mundo. Las bandas de ayer, hoy y mañana se forman porque es algo humano el hecho de que las personas necesiten sacar al exterior el arte, idea o motivación que encierra en su interior a través de expresiones artísticas de todo tipo. Creemos que artes como la pintura y la música existen desde las Cavernas y siempre existirá.


Hablando de Francia, es imposible que no piense en ELEND, en sellos como HOLY RECORDS (no sé por qué, pero vuestro logo me remite mucho a RAJNA, AM GANESHAN….). ¿Estáis influidos por aquella maravillos escena de la Heavenly Voices o partís de unas coordenadas distintas?.

Conocíamos a Elend pero a las otras dos bandas les hemos pegado una escucha ahora. Hay momentos en la música de Somnare que recuerdan a bandas neoclásicas o como nosotros pensamos que esta música debe hacerse o como  debe sonar. Posiblemente esa concepción de sonido venga de la influencia o la escucha de música de otras bandas del pasado pero cuando arrancamos el proyecto y cuando diseñamos el segundo álbum, no hicimos un estudio de los antecedentes hasta la fecha.

El logo de Somnare está compuesto por caracteres tántricos y es posible que recuerde a muchas cosas relacionadas con el budismo y otras técnicas de refuerzo espiritual.

¿Podéis contarme algo sobre el trasfondo alquímico detrás de “Deferens Capvt et Cavdam Draconis in Lvna”?.

Queríamos tematizar el disco nuevo con un ámbito mágico pero con vinculación a lo moderno y la Alquimia nos pareció muy apropiada por la magia y el hermetismo que lo rodeaba y su vínculo con la investigación científica y la Química que conocemos hoy.

A lo largo del disco se tratan temas como los tres elementos de Paracelso; sal, azufre y mercurio, las teorías de la mezcla de dos elementos para dar lugar a un tercero, los niveles espirituales; cielo, infierno y tierra,  la dualidad del sol y la luna, que representan al hombre y la mujer, los cuatro elementos, agua, aire, tierra y fuego, la simbología paralela con el águila, el león, el hombre y el toro.

Se recoge todo lo que hemos entendido de los alquimistas, investigaban la manera de cambiar la materia siguiendo procedimientos que utilizaban materiales primarios, también presentes en la Naturaleza. Y no solo eso, querían sanar a las personas a través de estas investigaciones tanto física como espiritualmente.


Las voces recuerdan al Throat singing tibetano. La unión melódica entre profundidad y delicadeza está muy conseguida, y durante algunos momentos casi diría que podríais usar algún toque gutural incluso. ¿Cómo os tomáis el aspecto vocal en SOMNARE?.

Momentos guturales, pues ¿por qué no? Lo tomamos como idea para el siguiente disco. Pilar utiliza un registro lírico y de canción y DP armoniza con graves y bajos porque son los puntos fuertes de cada uno y donde nos encontramos cómodos cantando.  Para la composición de voces solemos prestar bastante atención en cómo se va a llevar a directo esa canción, por ejemplo tenemos que pensar en que las líneas de voz de Pilar no coincidan con las de chelo ya que el instrumento se toca sentado.

Con respecto a la música, la unión entre bajo y cello se me antoja arriesgada pero muy evocadora. Todo transcurre en una línea atemporal que me resulta sumamente fresca y original. ¿Cómo surge un tema en SOMNARE?.

Normalmente surge de ideas escritas por Pilar, en nuestro dueto el instrumento solista es el chelo y ella escribe o graba líneas de chelo, crea melodías que luego armonizamos en estudio, dándole forma y progresión. Cuando tenemos una línea de canción ya definida, se crean las voces, los coros, la percusión y los arreglos.

Tampoco es extraño que una canción surja de una composición de línea de voces y posteriormente se realiza desarrollo. 


DARKWOODS ha hecho un excelente trabajo con la presentación del disco. ¿Cómo ficháis con el sello y cómo se forja el artwork?.

Es un trabajazo el que ha hecho Daniel y el equipo de The Order of the Yew (Darkwoods) con el álbum. La presentación nos parece muy cuidada y los materiales elegidos muy apropiados y respetuosos con el Planeta. Se trata de un digifile formato cuadrado en papel reciclado.

Habíamos estrenado el nuevo álbum de manera independiente en nuestras redes sociales y habíamos conseguido bastantes escuchas pero no había edición física, incluso hubo algún interesado preguntando por la edición física por las redes y nos contactó Daniel de Darkwoods y nos habló del proyecto que tenía para nosotros y comenzamos a trabajar en ello. Con ayuda de sus indicaciones fuimos creando todas las plantillas necesarias para la fabricación y fue realmente fácil.

¿Por qué tanto tiempo entre “Bellum Ese” y vuestro nuevo disco?.

Queremos ir al ritmo que nos permite la vida, priorizando los eventos más cercanos y al mismo tiempo avanzando en las composiciones. Compusimos Bellum Esse pero la salida del disco no se produjo hasta un año después. Debemos respetar los tiempos que tienen las discográficas para adaptar el lanzamiento a su calendario y en ocasiones puede ser un tiempo largo. 

Mientras tanto esos años ensayamos muchísimo en locales hasta que se le dio la forma que queríamos a la música en directo. Hemos tenido que preparar algunos bolos entre disco y disco. Deferens Capvt et Cavdam Draconis in Lvna estaba ya compuesto y grabado hacía un tiempo pero nos tomamos tiempo para realizar escuchas, mejorar lo que falle y que esté lo mejor posible a la hora de lanzarlo. 

Trabajamos en estudio propio y tenemos una carga importante de trabajo entre composición, grabación y ensayos.


Para ir terminando, contadme proyectos de futuro y nada, este es vuestro espacio para contar lo que os apetezca.

Gracias a todos los lectores por leer hasta el final y si quieren recibir información de la banda, pueden hacer un “seguir” o un “me gusta” en las redes. Somos una banda bastante audiovisual y todas nuestras publicaciones suelen ser música, foto o vídeo.

Creemos que nuestra propuesta de neoclásico es bastante fresca y moderna. Es música tranquila, para meditar, estudiar, etc.

Nosotros seguiremos avanzando para ofrecer más material audiovisual alternativo.

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domingo, 19 de mayo de 2019

JUAN CARLOS CASTILLO - "NATURAL ENDING" (AUTOEDICIÓN, 2018)


El multiinstrumentista madrileño JUAN CARLOS CASTILLO (LA OVEJA NEGRA, ENREDO, MELONIUS TRONK...) nos trae Natural Ending, buen ejercicio de hard rock sureño, progresivo de los 70 y algunos elementos fusioneros. La particularidad que nos encontramos en Natural Ending es que todos los instrumentos están grabados por el propio Castillo, cosa que resulta prodigiosa a tenor de lo bien que casa la base rítmica como estructura principal desde la que se construye este agradable trabajo. La portada y la maquetación es obra de ANA MAYNERO y se trata de una autoedición en Digipack muy cuidada y bonita.

La labor del músico madrileño dentro del circuito de improvisación y avantgarde es dejada un poco de lado para ofrecernos ocho cortes muy bien estructurados que rezuman sabor Prog por los cuatro costados. Desde toques de Bossa Nova a Blues o Jazz Rock, todo está metido con una exquisita maestría y lo mismo nos puede recordar a cosas de SANTANA como de CAMEL, para luego visitar terrenos de Jazz Rock con muchas influencias de la forma entrecortada de componer de MONK... para que os hagáis una idea, en algunos cortes se respira un aire jazzero pseudo Noir que invita a ponerse una gabardina y embadurnarse los pulmones de alquitrán.


"Folk Days" abre de forma sosegada. No tengo el listado de instrumentos pero básicamente lo que tenemos son bajo, guitarra, batería y efectos tipo delays, chorus y demás. Este primer tema me recuerda en cierta medida a los sevillanos MALHEUR en su último disco La Boca Prestada; requiebros de guitarra y batería con un fuerte sabor al nuevo Rock Instrumental que tanto está creciendo en la Península y aromas de Blues Rock. Con todo, a pesar de ser un tema muy bien ejecutado para mi gusto pierde garra al extenderse en minutaje. 

Mucho más de mi gusto es "Barefoot Child" donde la guitarra se torna dueña y señora de un tema que en sí es continuación directa del sonido del anterior pero mucho más.... sureño, con algo de KANSAS por ahí pululando en el fondo y unos adornos de los pedales esporádicos muy agradables. Uno de los aciertos de Natural Ending es que en este tipo de proyectos de un sólo músico alguno de los instrumentos flaquea con respecto a los demás, pero no es aquí el caso y cada línea, riff o melodía se ha tratado como si de un instrumento solista fuere. 

Con todo, es en el homónimo, misterioso compost de Jazz Rock "Natural Ending" donde más disfruto. El bajo se crece en su ensimismamiento causi Be Bop, con un efecto parecido al órgano muy lejano pero atmosférico, la batería en modo mínimo y sugestivo y la guitarra dando una lección de espacios versus virtuosismo. Casi que si cierro los ojos y me parece estar en un club neoyorquino de mediados de los 60. Cerrando esta primera parte del disco tenemos "I Do It As a Hobbit", que crece desde la desnudez de una guitarra que se va acompañando de forma lenta del bajo entrelazando una algarabía Canterburiana preciosa que huele casi a Folk. Cuando entra la batería ya entran las influencias progresivas por los cuatro costados y meditando y escuchando en profundidad el disco se me ocurre que la adición de algún instrumento de viento le habría sentado de lujo a cortes como este.


"Old Movie (parts I y II)" cuenta con mayor protagonismo del bajo, aumentando los delays y ecos su participación y erigiéndose en definitiva como homenaje a los músicos ingleses del sinfonismo setentero. Nueve minutos y pico de Prog Rock en estado puro con múltiples capas de las guitarras (las acústicas son de 12 cuerdas y le dan ese cariz casi de salterio cuando se aprietan entre sí). Con todo, no paran de salir elementos jazzeros (en la segunda parte) en respuesta a las partes más rockeras aunque en sí el conjunto es netamente años 70. 

Lo que me resulta curioso es que si hago un ejercicio de desmemorización y reseteo, cuando escucho "Song of the Breeze" capto algo de la psicodelia que embarduña a bandas actuales a lo KERMIT o los propios MALHEUR y creo que es por la forma fuzzera de usar los pedales. Como si EMERSON LAKE AND PALMER se marcaran una sosesgada y sutil Jam con alguna banda Stoner. 

Completa el círculo "A Moment In Time" y el final de "Ships (The Love Is Green"), ambas con aires latinos casi bailables. Fusión de estilos mediterráneos trasnochados y cerrando por todo lo alto un disco trabajadísimo, preciosista en todos sus recovecos y que sin sobresaltos se instala en tu reproductor en las horas que preceden al anochecer.





viernes, 17 de mayo de 2019

THE BLACK LENNONS - "EXPERTOS EN MÍ" (PSYCHOFON RECORDS PR025, 2019)


"Primero intentaría matarlo, pero si fallaba lo alimentaría y se daría a él, lo amamantaría devolviéndolo a un primitivo estado infantil y hasta era posible que llegara a tenerle afecto. Luego, en cuanto se durmiese, lo degollaría. La sinopsis del matrimonio ideal". BALLARD (Rascacielos)

"La vida es en sí misma una especie de enfermedad". BALLARD (Hola, América)

"¿De qué otra forma se puede amenazar que no sea de muerte? Lo interesante, lo original, sería que alguien lo amenace a uno con la inmortalidad". BORGES

THE BLACK LENNONS continúan su particular andadura al margen de la realidad en Expertos en Mí, que es para mi gusto su trabajo más complejo y oscuro. Intactas permanecen sus líneas argumentales Pseudo Borginanas, Ballardianas y la doble ironía con regusto a Zotal que yace entre los ladrillos de concreto de las grandes ciudades. Desde la banda sonora de la Arquitectura de Relax en lo que fue su debut de Querida Lógica (reseña aquí) hasta su posterior reductio ad absurdum de una librería imposible, mental e ilógica en Sebas y Conrado, Trabajo Fino y Delicado (reseña aquí).

Pues bien, Expertos en Mí cuenta con unas coordenadas algo distintas. Por un lado, se vuelve a la percusión orgánica gracias a la incorporación del gran ADRIÁN CEBALLOS (Los Cuantos, Mohama Saz, RIP KC, Melange...) que junto a JULEN PALACIOS (Los Cuantos, La Femme Fakir, Javier Colis y las Malas Lenguas...) han tenido la osadía de aportar (no sé por influencia de quién) cierto sustrato psicodélico y progresivo al resultado, de tal suerte que abundan los pasajes instrumentales en que electrónica y acidez se mezclan en un perverso cóctel trasnochado, Punk al fin y al cabo, y que pareciese como si a la trenza sonora VON LMO, DEVO y SPECTRUM les hubiese dado por tocar lento y Doom. 

Pero vayamos por partes, que luego no podemos montar el cadáver completo y sobran piezas.


Los alemanes PSYCHOFON RECORDS vuelven a ser los encargados de una edición limitada a 100 copias en un formato de tamaño 7" en un carboard desplegable desde el centro. Santiago Sequeiros a la ilustración, montaje y artwork final a cargo de Manolo Luque, grabación y mezcla de Miguel Lorenzo (los míticos ya INFLUX ESTUDIOS). 

Sin saber exactamente el contexto del disco, porque siempre hay un contexto literario y vivencial en un disco de THE BLACK LENNONS, me atrevo a aventurarme con una pequeña reflexión. Los expertos en mí, esos vecinos, amigos, detectores Orwellianos y viejas del visillo son los Neo Espías del futuro. Capaces de rastrear tu vida mejor que tú mismo, abogados e inquisidores de asociaciones de vecinos bastardas en la que se ha vuelto a instaurar la guillotina (física o mental) en la que ajusticiar al deudor. Intrincadas tramas que viven en los recovecos de la tecnología punta, en las mirillas de puertas de seguridad, en los detectores de movimiento de las escaleras de tu piso de viviendas... un 13 RUE DEL PERCEBE que más tuviera de la sociedad utópica de BLADE RANNER que de lo humanamente cañí de Ibáñez. Eso y más cosas se me enquistan en la cabeza como posibles líneas argumentales; ahora bien, de ahí a la realidad, pueden existir abismos.


Con la percusión marcial de "Mogamma" y el Cello electrónico creando atmósfera se abre el disco. Música de Cámara para Cámaras de Música.  Sigue "El Proceso" con las espectrales voces de Julen haciendo de abogado del diablo. El uso de los sintes en este disco es más sobrio y casa con la guitarra de una forma más gruesa, con menos.... no sé definirlo... digamos que más madera y menos plástico. 

Los ambientes de Neón están todavía flotando como ese inicio minimalista de "Demuestran Fe" cabalgando un Dub Funk infeccioso que se te mete hasta en el sentido. Toques de Theremin (esta vez no participa SILVIA GRIJALBA al instrumento) subrayando diálogos imposibles para luego surgir una suave, aterciopelada línea de guitarra que marca profundas diferencias con respecto a trabajos previos. Hay muchos arreglos que tienden al Pop lisérgico y el inicio de "Su Línea del Frente" es otro ejemplo. El conjunto es más orgánico y claro, teniendo una batería tan versátil como la de CEBALLOS los cortes cobran una dimensión distinta... hasta arabescos vascos (toma ya).


"El Estado Foral" abraza un trasnochador rock desértico muy lento y obsesivo. Un loop de teclados se queda pillado hasta el infinito mientras la guitarra crepuscular baja a los infiernos de unas letras con doble sentido que se escupen en susurros. El grado de cohesión y unión entre experimentación y tradicionalidad que han conseguido THE BLACK LENNONS en este disco es para mi gusto exquisito. Cada melodía tiene identidad y no sobra ni falta nada... 17 pequeñas píldoras de diseño sublinguales que más de uno y una se pondrá rectal por aquello de la confusión boca/culo; el nuevo síndrome que está surgiendo al amparo de las nuevas generaciones. 

Se deslizan los tonos vibrafónicos en "El Ido", con letras rapeadas a nivel ultra primitivo y se remata el tema (casi todos) con pequeñas Jams preciosistas que demuestran que el disco está trabajado hasta el más mínimo detalle. "Rita" y la poderosa percusión monolítica de CEBALLOS se marcan uno de los cortes más potentes y abstractos... porque no sé si habrá tenido mucho peso en la composición pero "Companys Segundo" recuerda enormemente a MOHAMA SAZ con esa forma tan genuina de mezclar lo étnico con el Post Punk. Puede que hablar de DISSIDENTEN a algunos no les diga nada pero para mí es perfectamente coherente sacarlos a la palestra.  

(foto de Oscar Aibar)

Este tramo del disco se embebe de una guitarra que cada vez se va sintiendo más cómoda. "Roland TV3" es un temazo de psicodelia del copón y la magia Palacios/Ceballos se siente a flor de piel. A pesar de que el primer disco de THE BLACK LENNONS contaba con la batería de AGUSTÍN HORISCHNIK, aquí todo se ha llevado a un nivel superior de composición y los elementos más rígidos de Querida Lógica se moldean con barroquismos de alto nivel.

Siguen "Reforma Mental", la robótica "Sánchez sin Sánchez" y "Umma", tres cortes que casi conforman una trilogía por ser casi instrumentales, para luego volver a esos desérticos ambientes (¿se me aceptaría por favor el término Spaguetti Punk?) en el anti himno "No se Mueven" en el que si afilamos la oreja captaremos que la batería es Motorik pero a un tempo bajísimo; por su parte, la guitara se engalana de filigranas orientales mientras el hipnótico teclado hace de acompañamiento a la base rítmica. Esas referencias al Kraut de SCHNIZLER aparecen en los arreglos de "Rota" que riza el rizo juntando Palm Desert con Kraut de Dusseldorf... o dicho de otro modo, como si YAWNING MAN hubieran sido integrantes de NEU!.


Finaliza el disco el tríptico "La Gente", la mortecina "Sonríen" y la Krautrockera "Mosaico Humano", resumen perfecto de todo lo anterior y que finiquitan un disco que me ha dejado con la boca abierta... no sólo supera con creces a los dos anteriores sino que tiene una vida propia, es dificilísimo de encasillar, fresco y adictivo. Es curioso, pero cuando termina el disco tienes la sensación de que te han metido algún jodido mensaje subliminar en lo más profundo de la psique pero no sé cual es.... ya saldrá por algún lado.


jueves, 16 de mayo de 2019

EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS.... PARTE 4


EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS... PARTE 4
GALACTIC EXPLORERS - "EPITAPH FOR VENUS" (MENTAL EXPERIENCE, 2017)
++En episodios anteriores de El Extraño Episodio de Pyramid Records... parte 1, parte 2, parte 3.++

Con un regusto tremendo a las insanas portadas de DAEVID ALLEN, la ilustración de tintes infantiles de Epitaph For Venus muestra esa confluencia de pseudoesoterismo, misterios ignotos del Cosmos y el imparable avance de la electrónica gracias a la eclosión del sintetizador en la música progresiva... se trate esto de un disco de 1972 o de su hermano bastardo ignoto de 1997 (para más datos, recomiendo leer anteriores entregas del artículo). 

Puestos a especular, esa obsesión por los planetas, los horóscopos y la confluencia de elementos (Tierra, Aire, Fuego, Agua) podría pertenecer tanto a las postrimerías del Flower Power como a la asfixiante Neo Eclosión del esoterismo en esos últimos años de la década de los 90 que tanto daño hicieron con el miedo al 2000. Pero es que los elementos de la clásica contemporánea, los experimentos de Nueva Música en sus orígenes y el auge de la electroacústica comparten una finísima línea en la que uno puede perderse con la seguridad de que no va a encontrar nunca la salida.

Lo que sí está claro es que de GALACTIC EXPLORERS, conformados por JOHANNES LUTZ (Lunatron, Minimoog, Hammond), HOLST SEISERT (Synthesizers, Fender Rhodes, Effects), REINHARD KARWATKY (Synthesizers, Percussion, Electric Organ), solamente podemos establecer un mínimo genograma con Karwartky, que tocaría el bajo y contrabajo con los celebérrimos kraut rockers de culto DZYAN. Pero dejadme que especule o me vaya un poco por las ramas, que para eso no me pagan...

(Reinhard Karwatky en DZYAN arriba a la derecha)

Johannes Lutz.... lo primero que se me viene a la cabeza es el fenómeno de Amityville, la casa encantada de 112 Ocean Avenue donde la Familia Lutz saldría por patas tras una serie de ya conocidos eventos paranormales. También podría hacerse referencia al Teniente Johannes Lutz, conocido por haber destruido nada más y nada menos que cinco tanques en la WWII.

Pero es que me pongo a divagar, y el siguiente músico se llama Holst, como el compositor GUSTAV HOLST (el de la Sinfonía de los Planetas). Luego tenemos a Karwatky, cuyo rastro de DZYAN se pierde con la publicación del tercer disco Electric Silence de 1974 (ojo al dato, es el año en que la Familia DeFeo es asesinada en el 112 de Ocean Avenue); curiosamente, DZYAN y TOBY ROBINSON (aka "The Mad Twiddler) cruzan sus caminos en la grabación de este tercer disco de DZYAN... Robinson como ingeniero, y los DIERKS STUDIOS como templo de grabación. La historia oficial lo que dice que es que a Karwatky se le invita a grabar con GALACTIC EXPLORERS a raíz de que estaban grabando a la misma vez su disco, pero dudo muchísimo que Holst y Lutz existan.

¿Qué estoy tratando de decir?... pues realmente no lo sé, pero las dudas con las grabaciones de PSI casi siempre son las mismas. ¿Son de 1974 o de 1997?. Pues bien, en 1974 Robinson ejerce de ingeniero en el tercer disco de DZYAN, banda que vuelve con otra formación (más bien disgregada) en 1999. ¿Y si Karwatky decidió sacar un disco de Ambient que coincide con el cambio de sonido de DZYAN en 1999?... es más, todavía voy a liar más la cosa....

(de pie, Wolf Dieter Karwatky)

El sello germano LONG HAIR publica una tremebunda sesión de un concierto al aire libre allá por 1972 llamada Mandala... tengo ese disco en mis manos, y un tal Wolf-Dieter Karwatky (que tiene varios Grammy y creo que hizo entre otras la bso de Doctor Who) comparte labores de post producción con el mismísimo Reinhard Karwatsky. ¿Son la misma persona?... ¿son hermanos?.... ni puñetera idea, pero parece ser que sí porque por ahí figura una asociación llamada KARWATSKY BROS y se dice que es una colaboración entre hermanos pero al margen de esto poco más hay. Lo único que sé es que me da la sensación por el sonido que tiene Epitaph for Venus que se trata de un producto (esta vez sí) muy posterior al Kraut Berlinés en su origen, pero igualmente atractivo y evocador.

Si seguimos investigando, el disco de GALACTIC EXPLORERS ya en cd por PSI-FI lo licencia MOAT STUDIO, propiedad de TOBY ROBINSON (y establecido en el Sur de Londres); ahí se grabarían las BSO de DOCTOR WHO (toma ya) y por mucho que rastreo, MOAT STUDIO no existía antes de 1995. 

Y como ya estoy liado y tengo jaqueca, añadir que los tres cortes del disco, "Lunarscape", "Ethereal Jazz" y "Venus Rising" son una apabullante suite de electrónica minimalista, ambiental y con influencias de ASH RA TEMPEL, POPOL VUH y TANGERINE DREAM. Música para volar en todos los sentidos, atemporal (ahora sí) y recogidas, remasterizadas en todo su esplendor por MENTAL EXPERIENCE de GUERSSEN en vinilo y cd.

Los misterios existen, y a veces gusta de que nadie te los desvele. En este caso, estoy convencido que el triángulo DIERKS STUDIOS, TOBY ROBINSON y el apellido KARWATKY esconden una maravillosa historia que quizás algún día se nos cuente como es debido.

martes, 14 de mayo de 2019

ALFREDO COSTA MONTEIRO / TOMÁS GRIS / DAVID ÁREA - "ANILINA" (EX NIHILO RECORDS, 2018)



Otto Unverdorben destiló el índigo dando lugar al Crystallin. Punto de partida para la Anilina como partícula ultratóxica que desde 1826 va mutando sucesivamente hasta el Cyanol, la Potasa Cáustica y por último el aceite ultratóxica de la Anilina. Distintos caminos heteroalquímicos condujeron a la Fenilamina, siendo August Wilhelm von Hofmann el que acaba unificando teorías y sustancias.

***

ALFREDO COSTA MONTEIRO al acordeón y objetos; TOMÁS GRIS guitarra y objetos y DAVID ÁREA a la electrónica componen esta suite de 30 minutos de duración en el laboratorio alquímico DETRUITA SONON de Madrid. Edita en formato digipack EX-NIHILO RECORDS que en su página web etiqueta la música del trío como "reduccionista", algo que me ha llegado al alma y que me parece tremendamente apropiado a tenor de cómo se va desarrollando la electroacústica, electrónica mínima concreta y experimentación en estado puro de Anilina.

De sosegado discurrir, son sosegados los elementos disruptivos que destacan por encima de la base férrica que flota en los altavoces. Ruido blanco sobre el que se superponen notas espaciadas de guitarra, acoples ultraagudos y en general un toma y daca de los tres músicos a lo largo de media hora. El acordeón da un toque bizarro tremendo cuando interviene haciendo que uno se pregunte si no está en una especie de atracción circense caducada, herrumbrosa y para más inri, cargada de electroestática.


Sin el aspecto visual, me es difícil decir qué objetos se tocan, pero lo que parecen platillos rozados con arco, electrónica analógica de diversa índole y la procesada guitarra son instrumentos que se van repitiendo de forma constante. Sin existir base rítmica per se, sí que se notan algunos elementos que ejercen la función de percusión mínima, al menos de forma abstracta. 

Las notas casi golpeadas de la guitarra parecen desde luego vibráfonos, y el acordeón cuando interviene sube la oscuridad del conjunto... es un instrumento cuyo tono, timbre y características generales siempre ha tornado todo lo que toca de cierta melancolía, así que imaginaros cuando se usa con propósitos destructivos. 

Conforme va avanzando el tema se van trenzando los instrumentos en una especie de suite de cariz cinematográfico, camaretística y muy orgánica, aunque eso sí, se trata de música para oídos ya curtidos  en estas lides. Me gusta muchísimo cómo integran lo acústico de la guitarra y el acordeón con los broncos golpes de la electrónica de tal suerte que se huye de la música industrial agresiva para crear algo más minimalista, espaciado y que requiere de máxima atención para su disfrute.

Además, uno no se quita la sensación asfixiante de amenaza (real o no) ni por un instante.



lunes, 13 de mayo de 2019

MEDICINA - "TURBOÁCIDO" (MAI LEI BEL, 2019)


Las cosas urdidas a fuego lento suelen tener una lógica existencial más coherente. El tiempo de maduración natural influye bastante en el sabor del resultado, y creo que es la razón en sí de que los algecireños MEDICINA hayan publicado su primer larga duración tras la friolera de tres Eps que inexorablemente se han ido desgranando por aquí:

Medicina - "DOSIS 1 Soluble" (reseña aquí
Medicina - "DOSIS 2 Mlp" (reseña aquí)
Medicina - "DOSIS 3 #3" (reseña aquí)

Dicho de otro modo, el hiato de más de 4 años para soltar un vinilo a la palestra que bien merece que lo comentemos a fondo. La edición de Turboácido (que así se llama el artefacto) es para quitarse el sombrero en muchísimos aspectos. Desde el psicotrónico diseño a la cantidad de regalitos que incluye; Cd físico en su sobre con el artwork original, pegatinas, un póster... y ese color rosado que le sienta como anillo al dedo a un Shoegaze noventero, a ratos espacial, a ratos introspectivo, pero siempre con ese regusto añejo de una buena borrachera con licor de cerezas.

Grabado en los clásicos TRAFALGAR STUDIOS (Curro Ureba), MEDICINA son ALBERTO GONZALEZ a la guitarra y voz, DAVID R. DONOSO a la batería/percusión y JOSÉ M. SILVA aka POT al bajo, coros y teclados). El diseño si no me equivoco es de ALICIA AFANADOR sobre un trabajo de ANTONIO RAMÍREZ.... edición física de MAI LEI BEL (Austria).


Fuertemente influenciados por las descargas Noise Rock de finales de los 80 y primeros 90 (Grunge incluído), cantando en castellano es inevitable que me acuerde de grandes combos de Space Rock hispano que coqueteaban con el Pop como es el caso de los recién extinguidos SCHWARZ, o los LAGARTIJA NICK de su etapa más etéreo festiva. El Indie patrio en sí tiene una pátina reconocible en las machaconas guitarras y la languidez de las voces... una especie de "marca de la casa" que queda patente en los 10 cortes del disco.

Mezclar PENELOPE TRIP con los anteriores, añadirle pizcas de MY BLOODY VALENTINE, y añadir el empaque que ha supuesto la mejoría notable de las voces (mucho más marcadas y entendibles) y la potencia extra de una base rítmica que ahora se apoya en un bajo tan experimentado como el de Jose Pot (VIAJE A 800, HÍBRIDO, MEDICINA, ATAVISMO....).

La sensación general que me transmiten MEDICINA en un larga duración es el de estar en un Triposo y caleidoscópico parque de atracciones acuático en el que las atracciones en vez de ser tubos de plástico fueran intestinos humanos exponencialmente agrandados; nada es lo que parece y aunque se rescaten gran parte de sus himnos anteriores, han sido regrabados con mucha más energía.


"Infarto Juvenil" abre el disco (era el tema que aparecía en Dosis 2) con toda esa psicodelia pseudo festiva. Es como coger a los WOODEN SHJIPS y darles algo del gas de la risa quitándoles sobriedad. Espíritu popero en las estructuras pero con unos arreglos fuzz fantásticos que han engordado bastante el tema con respecto al EP... voces más discernibles, el apoyo del bajo y la solución evacuante de las baquetas. Sigue el magnificente acople de distorsión melódica en "Blanco de Impacto", corte con desparrame lisérgico que recuerda a los grandes momentos de MANTA RAY; las melodías de guitarra huyen de despliegues eternos innecesarios y se acotan en píldoras sublinguales que funcionan a modo de pequeños himnos urbanitas con algún que otro toque de efectos de teclado aquí y allá.

"Sobredosis" no pierde (ya lo comenté en su día) esa sensación Motorik a lo NEU! y LA DUSSELDORF. Como diferencias pues ahora suena como en otro plano. La música de MEDICINA es como las gafas de 3D antiguas de las películas de sobremesa que regalaban con la revista PRONTO... todo un acontecimiento. Fantástico trabajo de percusión y si no me equivoco, un apoyo subterráneo de teclados mínimos que antes no estaban ahí.

Misma esencia, más punkarra (la voz algo tratada le sienta muy bien) y más acelerado es "Diagnostico, Prescripcion y Tratamiento". Machacón como un pico de benzodiazepinas a las cuatro de la tarde en agosto. 


Sigue "Pirotecnias" con algo de los primeros RIP K.C. o los mismísimos LÜGER. Muy marcadas las líneas de bajo y una producción equilibrada que le da el punto perfecto entre suciedad/limpieza para un tema que parece sacado de "esa otra movida" más oscurantista que se vivió en nuestro país al margen de la oficial. Porque es curioso... a pesar de la acidez que practican MEDICINA hay una fuerte base de Pop decadente que roza el Post Punk menos agrio. 

Uno de mis temas preferidos, como no podía ser de otra forma, es "Sensorial". Todo flota, todo se va desarrollando a trocitos resbaladizos.... mantras vocales, cascabeles festivos, loops de bajo y una guitarra que zurce más que toca. Va dando notas como puntadas para mantener al tema en un plano elevado de realidad. Electromagnetismo musical en estado puro; no en vano eso es el Shoegaze cuando está pletórico. Grandioso cómo va subiendo la distorsión sin llegar nunca a estallar. Todo comedido como una infección autolimitada, como un duelo mal llevado, como un mal de amores que se enquista... o como agobiarte dentro de una pompa de jabón que has hecho tan gruesa que no puedes romperla.


Siguen las referencias a Antonio Arias en "Hermanas". Cuando el corte se quiebra en dos parece que estoy escuchando un Boogie Rock And Roll a la antigua pero tuneado (con notas de piano incluidas). Música simple para mentes jodidas. Se carga de Fuzz y Reverb el más oscuro "Ensamble". Lento, arrastrado e incendiario, es depresivo a su forma con intentos de suicidio incluidos en esos gritos desesperados con forma de riffs de guitarra cortantes. ¿He dicho ya que la voz ha mejorado muchísimo con respecto a los EPS?.

Para cerrar nada más y nada menos que "Soluble", en modo cabalgata Jam proto Grunge y el cañonazo "Histamina", primo putativo de los HAWKWIND... Space Rock ultra espeso, sugerente, pletórico en su fiereza antialérgena y que ahora es más largo que el original, con sutiles cambios por todos lados (las voces) que lo agrandan hasta el punto de que pudiera durar una eternidad. 

Como ponerte peta zetas en los sobacos y las plantas de los pies e irte a hacer running.... van estallando conforme sudan y lo que era un simple ejercicio se convierte en una carrera espacial al fondo del punto Cosmos.





miércoles, 8 de mayo de 2019

GOLDEN ASHES - "GOLD ARE THE ASHES OF THE RESTORER" (AURORA BOREALIS RECORDINGS ABX078, 2019)


A través del sello de culto inglés AURORA BOREALIS, casa de más de una joya psicotrópica del alcance de SYLVESTER ANFANG II (Kosmies Slachtafval), el ritual ancestral de BLOOD OF THE BLACK OWL (A Feral Spirit) o lo primerísimo de MOSS (Chtonic Rites) nos llega ahora la enésima perversión del Black Metal en la formación de GOLDEN ASHESSEIROM (más conocido como Maurice de Jong), que viene practicando su Black Ambiental desde hace casi dos décadas, crea este espeluznante Golden Are The Ashes Of The Restorer, posiblemente de los discos más adictivos a los que me he enfrentado en mucho tiempo. 

Bajo los áureos auspicios de la fértil unión autofágica con Mories del grupazo de culto GNAW THEIR TONGUES nada sano (de cordura hablo) podía salir, y en los 35 minutos que dura el disco uno tiene la sensación de que está siendo despedazado por algo que brilla mucho (que no es el sol) y que te lleva al mismo centro del Universo.


Si a estas alturas no te has dado cuenta de que Mories es Seirom es que algún problema tienes... quizás dándote la vuelta lo arregles. Si tuviera que atenerme a cada proyecto del caballero necesitaría dos artículos... Caput Mortuum, Cloak Of Altering, De Magia Veterum, Gnaw Their Tongues, Grand Celestial Nightmare, HAGETISSE, Mories, OFFERBEEST, Ophiuchus, Pyriphlegethon, Seirom, The Black Mysteries, The Night Specter.... y ahora, pues eso, GOLDEN ASHES.

La edición es tanto en Cd (digipack) como Vinilo (en un precioso amarillo trasnparente) habiendo sido grabado, mezclado y masterizado por Maurice de Jong en los DBJ III (Drachten, Holanda). Todos los instrumentos y voces son del propio Maurice, al igual que el artwork.

En cuanto al sonido, las diferencias con respecto a proyectos como GNAW THEIR TONGUES son más que evidentes. Si aquellos refuerzan el aspecto operístico de su Black Metal nihilista y salvaje, directo a la pútrida cloaca de los más bajos instintos humanos, GOLDEN ASHES llevan esa fórmula a otros niveles más Cósmicos y elevadores. 


La sensación a lo largo del disco es la de Trascendencia. El uso asfixiante de los teclados tiene la enorme virtud de sonar a un cruce Techno entre EMPEROR y un club de baile inglés de mediados de los 90. En el tema que abre el disco, "The All Consuming Light of Eternal Death", se aboga por una asfixante, enterrada percusión con capas y capas de teclados Lo Fi aterradores. La voz es lejana y parece provenir del centro mismo de un vórtice mental... el conjunto es Black Metal pero la electrónica tiene algo de Rave perversa y psicotrópica que tal y como he comentado, adultera el sinfonismo hacia su reverso oscuro.

Si tuviera que definir esto rápidamente y con el filo de una navaja en mi garganta, diría que es Black Metal bailable en el filo mismo del fin del Cosmos. Sigue la mayestática cabalgada de "Sweltering And Swarming Towards Infinity", más terrenal pero a su vez ganando en violencia. Los sintes siguen ahí, sempiternos, imperturbables como una constante en Física Cuántica.

Las guitarras, frías como el hielo, generan el calor necesario para fundir las partículas de "Gold Are The Ashes Of The Restorer"... épico, sublime, majestuoso y visceral... tan visceral es que no sé si el amarillo áureo que lo impregna todo es el pálido tono verdoso de la piel invadida por bilis. Si mezclas a LIMBONIC ART con SUMMONING, pero con algo de Shoegazing y el etéreo uso de los sintéticos teclados en el Synth Pop y el Disco (pero ojo, muy tratados) obtienes algo parecido.


Poco sosiego vamos a tener. Se baja el tempo un pelín en "The Uniform Sombreness" que por lo demás sigue la misma línea. Es como si varias realidades paralelas, varias formas de entender la música de Maurice de Jong, hubieran sido unidas desde diversos ángulos dimensionales haciendo el proceso inverso de descomponer la luz blanca en colores. 

GOLDEN ASHES son partículas funerarias de toda etnia, tiempo y lugar dirigiéndose inexorablemente a un único, puntiforme Maelmstrom primitivo. Se acentúa el ambiente sucio en "Drifting Slowly Through The Portal Of Sorrow Towards The Vod Of Death", más cinematográfico, espacial y flotante, tirando de Ambient pero pasado por un tapiz de Kraut Berlinés enterrado en el fondo... más o menos como unos POPOL VUH perversos y degradados.

"Wanderer Of The Eternal Forest" tienen la epicidad del Dungeon Synth pero con la dosis de Noise que las ediciones de GNAW THEIR TONGUES en CRUCIAL BLAST se gastaban. Por compararlos a algo, podría citar a los infames NIHILLL. A estas alturas tengo la sensación de que estoy flotando en un triposo viaje hacia algo que me supera en su enfermiza, constante sensación de derrumbe. 


Algo biológico, preternatural y añoso que se está derritiendo en un cénit cegador no necesariamente negativo. "Seven Bodies Before I Reach Divinity" o cómo mezclar sintetizadores y loops a lo THE ORB con el fiero metal extremo que aunque enterrado en capas y capas de teclados y procesados industriales.

Cargado de misantropía extraterrena, la procesionaria "The Charred Gates Of Benevolence" es el BLOOD FIRE DEATH de BATHORY en clave litúrgica. Como si hubieran resucitado a Quorthon de la tumba mediante ritos sumerios prohibidos... gloriosos, lejanos cantos nibelungos sobre los que planea la sempiterna visceralidad del Black Nórdico. 

Recomendadísimo disco, tan difícil de catalogar como apasionante resulta su escucha.



jueves, 2 de mayo de 2019

ABIGORUM & STRIBORG - "SPECTRAL SHADOWS SPLIT" (GRIMM DISTRIBUTION / DEATH PORTAL STUDIO, 2018)


Tremenda sorpresa me he llevado con el Split entre ABIGORUM y STRIBORG que me llegó hace unas semanas. Editado por GRIMM DISTRIBUTION y DEATH PORTAL STUDIO, y con un minutaje de casi una hora de duración, estamos ante un triposo viaje alucinógeno de Black Doom Industrial en el caso de los primeros, y un explosivo tour de force de Coldwave y electrónica Lo Fi en los segundos.

Spectral Shadows, que así se llama el Split, se abre con 5 cortes de los rusos ABIGORUM formados por Aleksey Korolev (pope de SATANATH RECORDS) en todos los instrumentos excepto un tal Abstrusus que colabora a las voces. Lo curioso es que la parte de ABIGORUM va de menos experimentación a una total inmersión en el Ambient que hace que el tema de STRIBORG enlace a la perfección. 


"The Darkness of Aeons" abre el cotarro con una fiera violencia fruto de mezclar a unos LIMBONIC ART con elementos industriales. Rápida, cortante y con atisbos Doom, es un caos sonoro considerable. Batería versátil (aunque monolítica), contundente y con un tempo rapidísimo, guitarras frías como el hielo rozando lo marcial y las vocalizaciones insalubres de Abstrusus. No puedo quitarme de la cabeza comparar este corte con los dioses underground canadienses ZARAZA, más Doom en su propuesta pero podridos hasta la médula también, y algo del sinfonismo Black de EMPEROR o ARCTURUS.

Donde más evidentes se hacen los elementos ambientales de eso que llaman Blackwave es en el segundo "Vortex Cathedral´s Shadow". Tribal y machacón en sus base rítmica cuasi Techno, se va abriendo paso como un bisturí una procesada línea de guitarra sobre la que reposan las vocalizaciones más melódicas de las voces, con un timbre de voz cercano a Sakis de ROTTING CHRIST en sus experimentaciones más electrónicas de allá por el año 2000. 

Me encanta este tema... la melodía enfermiza de la guitarra parece transcurrir en un plano irreal que se desarrolla en otro tiempo y el conjunto tiene algo de.... no sé, de Sumerio, Mesopotámico o qué diablos sé yo.


"Orpheus Dreams" baja ya a terrenos de electrónica pura y dura salvo por las percusiones que tienen nuevamente aires marciales rozando el Dark Ambient y el Black Industrial al estilo de lo que hacen GNAW THEIR TONGUES y otros proyectos de CRUCIAL BLAST o lo que es lo mismo, un jarabe emético a base de sangre coagulada y azufre en terrones. 

Más abstracta y "cibernética" es "Striborgum", homenaje ante sala de lo que está por llegar con STRIBORG. Un corte despiadado de Cyberblack Metal o algo así que parece venir de otro mundo y que mezcla a la perfección lo orgánico de la batería con lo industrial del resto de instrumentos.


STRIBORG, leyenda Australiana activo desde los 90, ha ido mutando su sonido desde el Black Metal a la Coldwave y su "Spktr" es una insana muestra de cómo 30 minutos pueden dragarte el alma como un agujero negro. Baja fidelidad a raudales, escasos cambios de ritmo y un pétreo ambiente nihilista que sobrevuela un corte que posteriormente se tocaría en vivo en el Live At Mona con miembros de la Australian Art Orchestra coincidiendo con un espectáculo de luces de RYOJI IKEDA

Pulsátil, mimimalista... en sí es como una versión futurista de la Dungeon Music que puede desesperar a no iniciados en el género. A mí me ha parecido una fantástica muestra de cómo convertir mi cerebro en titanio fundido. Soberbio. Tiene que ser glorioso escuchar este tema con las aportaciones que hicieron  con el clarinte bajo, el guzheng, el violín eléctrico y la trompeta.


MANDIVULA - "NONSENSE" (AUTOEDITADO, 2019)


El barcelonés GERMÁN SÁNCHEZ, parte integrante dentro del grupo de Noise Rock y Post Punk DES AMES LIBRES (D.A.L.), se desprende de la cápsula madre para traernos MANDIVULA, proyecto personal anclado en la Darkwave, la electrónica minimalista de corte cinematográfico y en definitivas cuentas, algo así como mezclar en una batidora a ARCOS DE NEPAL, la banda sonora imaginaria DROKK para Megacity One y mucho de un revitalizado CARPENTER

"Disease" abre el EP Nonsense con un sincopado ritmo electro con soundscapes retro futuristas tan atractivos como jugar en un laserdrome con balas reales. Lentamente, sobre la propulsada base rítmica, se hacen de querer unas letanías a lo KRAFTWERK que junto con el espectro abigarrado de Synth Pop forman el ingrediente perfecto para bailar hasta altas horas de la madrugada. 

Durante algunos ritmos se aventura MANDIVULA por pasajes a lo NINE INCH NAILS pero lo que prima aquí es un Ambient Tribal amenazante que va corto y al grano... algo así como los griegos HAU o MILLIONS OF DEAD TOURISTS pero más limpio todo (los griegos tienden a soltar bilis en toda la música que tocan). Por cierto que ayudan la acertada mezcla y masterización de PEDRO PINA en los SUBSTANCIA LABORIATORIOS. La edición física es un digipack con artwork de RecluseDark que podéis pillar en el enlace al final del texto.


"My Spine" se estructura en subcapas y se disfruta más con auriculares. Techno minimalista con trazas a lo THE ORB, interludios más etéreos y vuelta al disfrute de la inexorable, machacona base percusiva. Contrasta el más opresivo, gótico y con algo de... no sé, ALIEN SEX FIEND, el intenso "Void" que lejos de perder las señas de identidad, llevan la propuesta de MANDIVULA un pasito mas allá dotándola del empaque que el Coldwave suele ofrecer a estos proyectos. Destacar la infecto contagiosa melodía que vertebra el tema; insistente y peligrosa como una obsesión psicopática. 

"Austerity" sin embargo me ha parecido más plano y aun no estando del todo mal, no alcanza la decrepitud electrónica de "Glass Bones", corte en el que vuelve a mascarse algo del Punk oscurantista que citaba antes. Darkwave en estado puro como retorcer los órganos genitales de los miembros de CLAN OF XYMOX en un remix masturbatorio. No hay voces, pero algún que otro sampler vocal le habría sentado del carajo al conjunto. 

Se puede bailar en todas las festividades, qué diablos... hasta los óbitos son motivo un para mover las caderas. "Grey" tira más del espectro Dub y subsónico, con elementos disruptivos machacones en forma de voces procesadas en lo que para mi gusto es el mejor corte del EP. Oscuro como un Mahnjong de baquelita negra o tan pulsátil como el hipnótico danzar de unos nunchakus fosforescentes batiendo carne en el día del Juicio Final.

Complementándose a la perfección con el anterior, "Mute Speech" es la salmuera séptica con la que se finiquita Nonsense y que demuestra lo viva que está la escena Synth ochentera. En resumidas cuentas, un buen trabajo de debut con algunos flecos que limar según mi humilde opinión (en algunos arriesgar más, en otros alargar más el minutaje) pero que para nada restan potencia a esta nueva muestra de cómo sobre alquitrán fundido y descalzo se baila mejor. 

Lo mejor, las incursiones espectrales en el goticismo vaporoso de los ochenta.