sábado, 20 de octubre de 2018

JAVIER PIÑANGO & JUAN ANTONIO NIETO - "AFTERGLOW" (PLUS TIMBRE LP001, 2018)


Tras aquel derroche de oscuridad que supuso Two Unfocused Cardinal Points (reseña aquí), los dos veteranos ruidistas JAVIER PIÑANGO y JUAN ANTONIO NIETO vuelven a unir fuerzas en el torno del sonido. Allí los definí como Electro Chamanes... es decir, individuos capaces de transformar la realidad y la percepción a través del sonido electrónico. Puente entre dos mundos a través de sonidos de procedencia terrena pero que son transformados en codas abstractas de ruido atonal como ese "Human Unrestlesness" que abre el nuevo disco Afterglow, primera referencia física de la hasta ahora Netlabel PLUS TIMBRE.

En el tema en cuestión los ambientes ominosos se ciernen sobre el oyente y no es hasta varias escuchas atentas que se te va revelando un mundo de posibilidades. El tratamiento del sonido es exquisito y tan real y orgánico como frotar la raíz de una muela con estropajo metálico... las sensaciones a flor de piel.

"Stranger Than Fear" es todo lo contrario. El sonido nos llega más amortiguado y parece que todo ha sido filtrado por un tamiz que elimine esquirlas del sonido para redondearlos como las piedras en la rompiente de un mar; y es en forma de extrañas olas emborronadas que el tema nos pone en la tesitura de un paisaje extraño. Las imprimaciones mentales variarán para cada oyente pero lo acuoso del procesamiento hace que dudemos de la realidad de lo que estamos escuchando. No es un Field Recording pero Piñango y Nieto deforman y moldean hasta crear un ecosistema donde lo mismo pueden habitar focas eléctricas que inhumanas gaviotas rapaces llevándose ondas del KORG para alimentar a sus crías, que ya de por sí sólo existen como bucles imposibles de potenciómetros. 

Pero no lo saben, y ahí radica la fuerza de la existencia. Da igual si eres o no real porque lo importante es cómo te percibas y cómo interactúes con el medio. A partir de ahí, el micro o macrosistema que exista y se derive de tí puede ser físicamente exacto, físicamente cuántico, o simplemente construido meditante sinapsis. 


Así funcionan los trastornos mentales profundos, y así funciona el sueño. "Sleep, Not Oblivion" es el corte donde se esboza una melodía aunque bien es cierto que esta resulta tan peligrosa como la afilada punta de un hueso en una fractura abierta. Rota, biselada y en ángulo con el resto de lo que está ocurriendo en el tema, discurre durante todo el minutaje un pulso vibrátil que parece querer cobrar vida en la forma de algo discernible (campanas, puertas que se mueven...). Se trata de una emulación de lo cotidiano que sólo existe dentro del diámetro de la cobertura de un grueso cable.

"Dreamy Dissonance" pone fin a este enorme trabajo por todo lo alto. Una nana aberrante para dormir a engendros mecánicos donde es difícil discernir qué es sonido real y qué está generado. Da igual, lo importante es imbuirte de esa estática donde los chasquidos parecen pelotas de ping pong aunque quién sabe, lo mismo son fracturas espontáneas en las trabéculas esponjosas de un osteoporótico. Todo depende de tu grado de complicidad, por supuesto.

Esa íntima comunión con el oyente queda establecida desde la misma sugerente portada de ALMUDENA VILLAR. fantástica muestra de cómo hacer un artwork sugerente y opresivo a su vez. Sobre esta y muchas más cuestiones he tenido el honor de charlar un rato con estos auténticos maestros del Ruidismo:
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En vuestro primer trabajo en colaboración, Two Unfocused Cardinal Points, os definí como Electro-Chamanes. Carontes capaces de transmutar y dar la vuelta a la realidad mediante el sonido. En Afterglow destiláis una oscuridad enorme y diría que mas abstracta que en el previo. ¿Cómo os definís a vosotros mismos y a lo que hacéis? ¿Qué grado de catarsis/psicorragia expresiva hay en vuestra música?.

JUAN ANTONIO:  El grado de catarsis depende, aparte de nuestro estado, de la calidad del equipo y de la atención del público. Ambas cosas inspiran y hacen que demos lo mejor de nosotros mismos.

JAVIER: Es difícil definirse, creo que en todo lo que hacemos, juntos y por separado, hay poca premeditación, es más bien la generación intuitiva y a través del sonido de un “algo” inconsciente. En mi caso concreto solo me circunscribo a la herramienta que utilizo como instrumento principal, el sintetizador, y a la exploración de timbres, frecuencias, texturas, etc, que me ofrece. A partir de ahí lo que sucede simplemente fluye. Lo que es cierto es que más allá de la querencia que podamos tener los dos por la oscuridad, cuando trabajamos juntos ese fluir sonoro se hace aun más y más oscuro. Pero como digo no hay una premeditación en ello.

¿Cómo se conocen Piñango y Nieto?. ¿Cómo es un concierto de ambos y qué similitudes y diferencias hay entre vosotros y vuestra forma de abordar/entender la música?. Tenéis un pasado de culto en bandas muy idolatradas, así que casi que diría que habéis tocado todos los palos…

JUAN ANTONIO: Creo recordar que afianzamos nuestra amistad en Valencia, en el ciclo Off-Herzios, comisariado por nuestro común amigo Edu Comelles.  Ya en Madrid coincidimos en un concierto y decidimos hacer una improvisación conjunta que quedó mejor de lo que nosotros mismos esperábamos. Tras este primer concierto decidimos improvisar en todos los conciertos en los que coincidíamos. A veces lo hacíamos incorporando a artistas tanto nacionales como internacionales. Los conciertos del dúo son completamente improvisados aunque intentamos recrear el ambiente de nuestros discos. El haber participado y hacer cientos de conciertos con otros grupos nos da lo que se conoce como “tablas”,  que nos ayudan a superar todo tipo de problemas que se pueden dar en cualquier concierto.  

JAVIER: Sí, el factor Comelles hizo de imán entre nosotros (ja, ja). Creo además que ha habido un progresivo proceso de complicidad entre ambos. Y de admiración mutua. Fundamentalmente somos dos amigos que a la vez somos fans entregados del trabajo del otro. En lo puramente sonoro, todo esos conciertos e improvisaciones conjuntas nos hicieron ver que, trabajando con sistemas y herramientas diferentes, uno desde lo digital y otro desde lo analógico, lográbamos construir un TODO homogéneo. No deja de tener gracia que nosotros mismos a menudo seamos incapaces de reconocer lo que hace cada uno cuando escuchamos nuestros discos.


Este País no trata bien a los pioneros. La electrónica en casi todas sus vertientes (menos la festiva) es una forma de expresión para minorías. ¿Qué es la electrónica y el ruido para vosotros?. 

JUAN ANTONIO: Tan solo son instrumentos  para canalizar las ideas que tenemos en la cabeza que, en definitiva, es de donde parte todo. La electrónica o el ruido, no son el fin sino el medio para conseguirlo.

JAVIER: Son efectivamente ese medio del que nos valemos para generar el sonido que queremos crear. Ni más ni menos. En cuanto a lo que comentas sobre los pioneros, estoy de acuerdo, básicamente porque uno de los problemas fundamentales de este país es la falta de memoria de algunos y el puro desconocimiento por parte de muchos de esa misma memoria.  No solo sucede con este mundo nuestro, sucede con todo o casi todo. Desconocimiento, falta de pedagogía, normalización… El problema no está en que a alguien le aburra o no le guste lo que hacemos, el problema radica en que no lo conozca o no tenga medios para conocerlo, escucharlo y formarse una opinión.

A pesar del enorme currículum que portáis y que incluso habéis puesto música a instalaciones oficiales o dado nombre y envergadura a Festivales, me da la impresión de que todo esto ocurre en una línea musical paralela distinta a la oficial. Sois a la vez el testamento apócrifo y la vanguardia electrónica de este país desde hace décadas, impartiendo talleres y animando a nuevos compositores. ¿Qué es lo último que os sorprendió en electrónica y qué necesita un artista de vuestro estilo para ser diferente a los demás?.

JUAN ANTONIO: En los últimos años me ha vuelto a sorprender la cercanía con los pioneros de la música electrónica. Absolutamente modernos y vigentes (Varèse, Stockhausen, Parmegiani, Else Marie Pade, Ligeti, etc). No nos consideramos totalmente rupturistas con respecto a ellos. Quizá lo que intentamos es dar una vuelta de tuerca a sus ideas, ya que ni la situación ni los medios técnicos son los mismos. Lo que necesita un artista independientemente de su disciplina artística, es la personalidad, el riesgo y tener las ideas claras. El talento también ayuda...

JAVIER: En mi caso debo confesar que cada vez me desconecto más del mundanal ruido, o sea, de todo eso que suena hoy, más allá de un extenso pero próximo círculo de creadores sonoros de todo el mundo con los que siento afinidad. Y dentro de ese círculo, extenso pero próximo, puedo decirte que cada equis tiempo aparece un disco que me sorprende por el enorme nivel del mismo, por ser la confirmación absoluta de que el artista que lo firma ha traspasado ese umbral de lo interesante, incluso lo bueno, para alcanzar otra dimensión. No hace falta irse lejos, el trabajo de artistas de aquí, de nuestro entorno, como Carlos Suárez, Antonio Luis Guillén, Edu Comelles, Avelino Saavedra, David Area, etc, es sobresaliente. Pero si tuviera que poner un ejemplo de esa “sorpresa” que es una confirmación radical, diría que Dal Verme y su “Silence Tempus” es un ejemplo perfecto de lo que quiero decir. Por último, ¿qué necesita un artista para ser diferente?: compromiso con su obra y consigo mismo, rigor, un sonido personal y reconocible. Y como dice Juan Antonio, el talento también ayuda…

La transformación y moldeamiento del sonido es un arte con el que trabajáis todos los días. ¿Cómo os sentís ante la nueva ola de músicos electrónicos que parecen haber encontrado un filón inagotable?. Particularmente tengo la sensación de que gente como vosotros, Miguel A. Ruiz, Rafael Flores, Suso Saiz o Polonio no están lo reconocidos que debieran mientras otros surgen de la nada con decenas de ediciones.

JUAN ANTONIO: No creo que la idea de Miguel, Rafael, Suso, Polonio y tantos otros sea obtener “reconocimiento” aunque el reconocimiento siempre te anima a seguir creando. Que surjan nuevos artistas es fundamental  para que la escena musical de “riesgo” tome oxígeno. Hay gente muy buena que necesitan algo de apoyo para no perderlos. Nosotros intentamos hacerlo con el GRS (Grupo de Resistencia Sonora de Madrid), programando a artistas de distintas generaciones, sexos y métodos en un espacio en el que pudiesen presentar su trabajo dignamente y que llegaran a un público mas amplio.

JAVIER: Pienso lo mismo, y que efectivamente hace falta un contexto apropiado de medios, modos y atención para que el panorama vaya renovándose adecuadamente. Por otra parte añadiría que hay factores como la autoexigencia y el rigor con uno mismo que son fundamentales en la trayectoria de, por ejemplo, estos artistas que citas. Y hablando de ediciones, poca autocomplacencia y mucho filtro en su larga trayectoria. No lo olvidemos nunca: lo importante es si hay solidez en lo que se publica o no.


En Afterglow se juega al engaño y sonidos que a priori pudieran parecer orgánicos son generados mediante impulsos y ondas. ¿Cómo ha sido el proceso de trabajo y creación de Afterglow y cómo os distribuís las tareas a la hora de componer?.

JUAN ANTONIO: Una de las peculiaridades de Afterglow es que los sonidos aparentemente más “naturales” son en realidad los mas electrónicos, y viceversa. Para componer nos mandamos pistas con improvisaciones que, tras transformaciones radicales, mutan en algo diferente. Las mezclamos, dándoles el ambiente que tenemos en mente para la totalidad del disco y que formen entre sí parte de una unidad homogénea.

JAVIER: Es verdad que en Afterglow se acentúa ese juego de engaño entre lo orgánico y lo electrónico. De hecho creo que ese juego de confusión forma ya parte inequívoca del dúo Nieto & Piñango. En cuanto al proceso de grabación y composición, es como explica Juan Antonio un ir y venir de pistas, a menudo a partir de impros mías de sintetizador, que van mutando poco a poco, con un ensamblado final por parte de Juan Antonio y un chequeo posterior de todo ya en conjunto. Sin embargo en directo trabajamos a partir de la improvisación pura y dura, siempre moviéndonos en las mismas coordenadas sonoras de los discos, eso sí. De modo que tenemos dos vías de trabajo complementarias, en estudio y en concierto, que exploran de diferente manera un mismo espectro sonoro. 

El anterior disco me parecía más asequible mientras que este me parece hermético y no es hasta que lo escuchas decenas de veces que se abre en toda su magnitud. En la Cara B en “Sleep, Not Oblivion” una suerte de melodía parece querer profanar nuestro estado de meditación llegando a rozar ese Dark Ambient marcial que surcaba Two Unfocused Cardinal Points. La pregunta es, ¿qué diablos es un Ruidista?. 

JUAN ANTONIO: Un “ruidista” no es mas que un músico que emplea timbres inaceptables para otras músicas y para oídos poco experimentados.

JAVIER: Es así, aunque creo que hay algo que diferencia al “ruidista” de alguien que trabaja con ruidos, un “ruidador”, que es un concepto con el que yo me siento más identificado. Sin embargo para mí un “ruidista” es alguien que pone en ESE RUIDO el objeto final y único de lo que hace.

Vuestra música es bastante oscura y cinematográfica. ¿Qué compositores os influenciaron y admiráis más?. ¿Algunos otros estilos que os gusten fuera de la electrónica?.

JUAN ANTONIO: Supongo que cada música que escuchas y que te sorprende, deja un poso, aunque los mismos músicos lo desconocen. Nosotros no pensamos en componer tratando de ir en la “onda” de tal o cuál artista. La imitación no me parece un buen negocio.  Mas que estilos lo que nos interesan son ciertos artistas de muchos géneros. Cada uno los suyos. Aunque en general son gustos compartidos.  

JAVIER: Estoy de acuerdo en ese matiz cinematográfico, de hecho uno de mis compositores favoritos de siempre es Bernard Herrmann. Aparte, podría decirte muchos nombres que han pesado en lo que hago en diferentes momentos de mi trayectoria, efectivamente de muchos géneros, de hecho el propio término “electrónica” se me queda pequeño, no sé muy bien ni donde empieza ni donde acaba. Por citar nombres, así del tirón: Bernard Parmegiani, Frank Zappa, Morton Subotnick, Faust, Varèse, Joy Division, Tim Buckley, Sun Ra, Eliane Radigue, Penderecki, Laurie Spiegel y un larguísimo etcétera…


El juego del engaño es llevado al extremo con el maravilloso artwork de Almudena Villar. Me encantaría que ahondárais en el diseño y el aspecto gráfico porque es muy interesante y me recuerda al más sombrío Ambient de Cold Meat Industry.

JUAN ANTONIO: Almudena lleva años trabajando con nosotros. Es una gran e imaginativa fotógrafa  que comprende al instante qué tipo de imagen cuadra para los distintos discos (17 portadas hasta el momento) en los que ha colaborado. En los dos discos que hemos editado empleó radiografías de esculturas de santas realizadas por ella en un bunker industrial. Para nosotros la imagen gráfica es sumamente importante. Una mala imagen puede empequeñecer un buen disco.

JAVIER: Almudena tiene ese “algo” reconocible y único de lo que hablaba antes al referirme al aspecto diferenciador de los grandes artistas. Tú ves una de sus imágenes y automáticamente sabes que es de ella. Y si no conoces su trabajo, también automáticamente te atrapa lo misterioso y enigmático que hay en esa imagen. 

Hay una frase del texto promocional sobre la que quisiera que reflexionáramos. Decís que Afterglow se ha realizado para materializarse expresamente en vinilo. ¿Qué quiere decir esto?. 

JUAN ANTONIO: Plus Timbre nos propuso hacer un vinilo. La limitación de su duración nos imponía, si queríamos que sonara mejor, ajustar la extensión de los temas.

JAVIER: Exacto, en este caso sí que ha habido una idea premeditada por las imposiciones del formato (un LP) en cuanto a extensión total y duración de los temas.


Es curioso además de que se trate de la primera referencia del hasta ahora netlabel PLUS TIMBRE con el que veníais editando bastante en digital. ¿Qué pensáis del auge del vinilo y el cassette?.

JUAN ANTONIO: Mucho me temo que el auge del cassette y el vinilo obedece a la política comercial de las grandes discográficas multinacionales. La música digital es mas fácil de copiar, los vinilos no y son mas caros. Mayor beneficio. La torticera campaña de que los CD's son vulgares, no son cool y los vinilos sí, es ridícula. Lo malo es que esta manipulación ha calado en las pequeñas discográficas independientes, que han de invertir un dineral para sacar un vinilo. Sacar 100 vinilos sale por más de 1000€, la misma edición en CD sale por menos de 200€. En todo caso seamos conscientes de que los equipos caseros en los que se va a escuchar la música son cada uno diferente y muchos de ellos pésimos (por no hablar de la gente que los escucha en el coche o en el móvil). A mi entender tanto el vinilo, como el CD o el cassette son sistemas óptimos de escucha, pero que la nostalgia no nos envenene.

JAVIER: Yo creo que ese auge tiene que ver con esa política comercial que explica Juan Antonio y también porque la inexistencia hoy en día de un formato predominante hace que, a la hora de plantearse una edición física de un disco, se tenga en cuenta también el propio objeto en sí. Y a la nostalgia, sí, ese contínuo  y bastante cansino revival que hace que periódicamente vuelvan a ponerse de moda o estar en auge instrumentos, tecnología y fetiches antiguos. 

¿Qué pensáis de la politización de la electrónica?. Está claro que desde el Power Electronics al Death Industrial la electrónica ha servido como modo de expresión de los instintos más oscuros del ser humano. A la vez, otros se han hecho hueco haciendo banderas del sonido. ¿Profesáis alguna ideología en vuestro sonido? (ojo, en vuestro sonido).

JUAN ANTONIO: Cualquier artista que trabaje enfrentado a los grandes poderes tiene una ideología. Si no se cumplen los “mandatos” económicos de las compañías discográficas, sus editoriales o la SGAE, estás tomando una opción ideológica incómoda. Pero el sonido no está bajo ninguna bandera. Hacerlo es pervertir la música en sí.

JAVIER: Yo solo creo en actitudes y en que esas actitudes estén presentes en el sonido de una manera sincera y valiente, que no tiene por qué ser ni evidente (fácilmente evidente quiero decir) ni panfletaria (siempre tan fácil, también). En mi opinión cuando uno asume el riesgo como camino a seguir, entendiendo por riesgo el abstraerse de lo convencional, de lo impuesto, de lo procedente, eso en suma que yo llamo irporlibrismo (de ir por libre), está asumiendo una posición política absolutamente comprometida y clara.


¿Digital o analógico? ¿Portátil o sintetizadores? ¿Power Electronics o Jean Michelle Jarre?. Una pequeña batería de preguntas para conoceros mejor y despedíos como os apetezca.

JUAN ANTONIO: ¿Digital o analógico? Tanto da, se elige uno u otro dependiendo lo que necesites para hacer tu música y el dinero que puedas invertir. Digital a mí me sirve, y ademas es la única manera que tienes de viajar, sin facturar tu equipo y cruzando los dedos. Después de haber tocado con pesados sintetizadores analógicos durante años, yo prefiero un sencillo y ligero laptop, me da todo lo que necesito para hacer mi música y es barato. De Jean Michelle Jarre lo único que me gusta es su señora…... Charlotte Rampling.

JAVIER: ¿Y por qué elegir entre una cosa y otra sin dar espacio a ambas? Como suelo decir, para mí lo básico es lo que suena, no como esté generado eso que suena. Y aunque básicamente trabaje con un entorno analógico, no me considero integrista por lo que estoy abierto a cualquier herramienta que me sirva para crear lo que quiero crear. Eso sí, a Jarre no le aguanto ni le he aguantado nunca. 

JUAN ANTONIO & JAVIER: Dicho esto, solo queda agradecerte tu enorme interés y el haber planteado una entrevista con tanto fondo como ésta.


jueves, 18 de octubre de 2018

INHUMAN - "STRANGE DESIRE/PURE REDEMPTION" (CHAOSPHERE RECORDINGS;CHAOSCD004, 2017)


El alcance del doom/death en los 90 es un fenómeno que sigue dando joyas enterradas a poco que uno escarbe. Portugal sacó a la palestra el lado más gótico del movimiento con las primeras obras de MOONSPELL, DESIRE y tantos otras más desconocidas como CANDLE SERENADE, EXTREME UNCTION o los más blackers DEFUNTOS. A día de hoy sellos como CHAOSPHERE RECORDINGS RAGING PLANET se encargan de reeditar el material patrio antes de que el humo del olvido lo tiña todo de una pátina negra y con INHUMAN estamos ante un caso de libro. Cada país tiene sus obras, sus demos, sus grupos ocultos que yacen en el boca a boca o en la estantería combada de un cuarto de adolescente y que hay que archivar antes de que todo se pierda. Arqueología musical en estado sumo por tanto la que ejercen algunos sellos y músicos.

Formados en Faro, Portugal en 1992, estarían activos durante una década con alguna que otra intentiva de reformarse luego. Strange Desire se edita en 1996 a través del sello ART MUSIC y es ahora cuando vuelve a verla luz junto con la primeriza demo Pure Redemption de 1995. Roger Sequeira (bajo); J.L. Vairinhos (batería); João Pedro (guitarras) y Pedro Garcia (voces) forman esta primera encarnación de la banda que con algún cambio duraría hasta el siguiente disco Foreshadow de 1998 que si no estoy mal informado verá una reedición en vinilo en breve.


Strange Desire son 44 minutos de puro y genuino Gothic Doom llevado a buen puerto por unos insistentes teclados fruto de la época que alcanzan su punto álgido en el pegadizo tema "Fallen Majesty" que conocía de alguna que otra recopilación si mal no recuerdo. Fuerte reminiscencias a los primeros PARADISE LOST hasta el punto de que en algunos pasajes la voz de Pedro García se asemeja bastante a la de Nick Holmes aunque si tengo que ser sincero, me gusta más su registro gutural en la demo Pure Redemption

En general temas pegadizos con cierto deje al gótico alemán de CREMATORY... es decir, melodías insistentes favoreciendo la atmósfera a la técnica, que queda relegada a un segundo plano. Mención aparte merecen unas trabajadas letras con momentazos como "The Eyes of Goya". Temas como "Purple Sunset" son para mí el verdadero motivo de rescatar a una banda como INHUMAN

Lento, arrastrado y atmosférico Gothic Doom del que ya no se trabaja; ese que arrasó Europa durante más de una década y cuyos tintes fúnebres/románticos quedan tan bien plasmados en este tema. Maravilloso riff de guitarra y unas voces marca de la casa imposibles de no comparar a PARADISE LOST de su etapa media y fin de fiesta con sinfonía de teclados y piano melancólico.


Con todo, si he de quedarme con algo de esta reedición de INHUMAN es con la demo Pure Redemption, autoeditada en cassettte y que muestra la versión más cruda de los portugueses... es decir, mucho más Death y menos gótica. Potentísima la base rítmica que junto con el menos filtrado tono de la voz le da un aire a los primeros ROTTING CHRIST, TIAMAT y algo de SEPTIC FLESH.

Un must-have para coleccionistas.



martes, 16 de octubre de 2018

IGOR - "WALK THE NIGHT" (CIVITAS MORTIS TAPE009, 2018)


El épico inicio de "The Beyond" sienta las bases que van a repetirse durante Walk The Night, trabajo debut de IGOR que viese la luz en cassette a través de CONTUBERNIO RECORDS en 2015 y que ahora se reedita de la mano de CIVITAS MORTIS. Sintetizadores analógicos, bases percusivas a lo CARPENTER y ese aroma ineludible a película de terror abyecta. Los ingredientes los he repetido una y otra vez así que no creo que haga falta añadir demasiadas etiquetas.

Por tanto, si uno no baila al son de piernas amputadas por Michael Myers es porque no quiere. O si no recibes un disparo de un cyberpunk armado con una Uzi es porque quizás te hayas escondido tras esa hedionda columna de humo que sale de la alcantarilla como una jodida barbacoa. 

"Death Walks Among Us" juega con dos melodías que se van abrazando y soltando como las torpes escenas de sexo en una película de la Cannon, con una ventana con persiana a través de la cual se dejan entrever apocalípticos rayos de sol que bañan unos cuerpos demasiado perfectos para ser reales. Cuerpos color champán follando sin que se les mueva la melena encrespada..


Nada más tienes que ver ese diseño de portada del propio Igor Casayjardin para sentirte amenazado por coches patrulla con cuchillas en los tapacubos y un tipo armado con una maldita cadena de dos metros en el asiento del copiloto. Por cierto, esa portada me trae unos recuerdos maravillosos porque parece sacada de las viñetas de cualquier olvidada miniserie de DC CÓMICS, mucho más madura y violenta en contenidos que su hermana MARVEL y también más dada al terror.

La bailable "Nightstalker" es más deudora del Italo Disco. Una joyita perdida en el tiempo como los remixes que aparecían en las Caras B de los grupos New Wave. Mucho cómic y arcade se respira en las notas de IGOR que por cierto, usa cada uno de los títulos de los temas para homenajear algún film. Desde las películas de LUCIO FULCI a las referencias a ROMA A MANO ARMADA, MILÁN CALIBRE 9... 

"The Hitcher" es tan insidiosa como el capítulo aquel de CREEPSHOW en que un autoestopista perseguía a su atacante hasta las últimas consecuencias y "Little Big Problem In Roma" emula los títulos de crédito de un arcade de 8 bits. Melodías que van y que vienen; phasers de neón y un gusto exquisito a la hora de elaborar las melodías retro en los sintetizadores.


"Maniac" habla por si sola. Casi imposible no montarte una película alternativa en tu cabeza con el pegadizo corte. Siempre me ha parecido curioso como las más aberrantes películas de terror contaban con temazos tan melódicos y bailables. Es verdad que cuando Freddy Krueger se está haciendo los guantes en A NIGHTMARE ON ELM STREET mientras salen los créditos iniciales el tema que lo adorna es de banda sonora de terror... pero una Bso como de plástico y luces; de cartón piedra y de látex moldeado a placer.

Cierra la magnífica "Drive Far Away", colofón perfecto; himno decadente de Horror Synth lento y pecaminoso que si bien no tiene nada de original (esto está ya hecho, no nos engañemos), es tan adictivo que me lo pongo una y otra vez. Al menos hasta que el mundo se limpie de la radiación y pueda quitarme la máscara de gas y abandonar mi pistola de clavos a presión. 

lunes, 15 de octubre de 2018

M.A.F.H. - "MORE ACID FOR HEGEL" (MASCARPONE DISCOS, 2018)


"Y cuando una cosa desaparece, viene otra al momento a ocupar su puesto." Hegel

Qué mejor forma de abrir este texto que decir que el paso de la Lógica Formal a la Lógica Dialéctica en Hegel viene a ser tan malditamente Free Punk como cualquier diálogo entre la batería/percusión de AVELINO SAAVEDRA y la guitarra de A. LUIS GUILLÉN en este descomunal MORE ACID FOR HEGEL. Y es que el carácter contradictorio de la música del dúo es directamente proporcional al barroquismo mental del pensador germano que en ocasiones parece que esté metido en unos infinitos bucles sin salida tan atonales como la música expresada en esta bestial grabación en cassette editada por MASCARPONE DISCOS (previamente estuvo en digital a través del netlabel DISCORDIAN RECORDS).


Reordenación del Caos para dar lugar a la melodía que se contesta a sí misma con la cordura de un loco. Ráfagas violentas de pensamiento musical que se creen listos y avanzados para luego caer en la autoparodia y vuelta a empezar. El principio de contradicción y la sempiterna lucha de los contrarios adaptada al hermético mundo de la improvisación libre más violenta que surge de alear cualquier cosa del catálogo de ReR con la visceralidad palpable en Manhattan con el primer JOHN ZORN de pantalones militares y arrogancia Death Metalera (NAPALM DEATH mediante y con guitarra en vez de saxo).

THE LOUNGE LIZARDS y toda la experimentación de la Downtown Music (extensiones hacia Chicago y San Francisco) y adoración de los conceptos del minimalismo de TERRY RILEY aunque si a alguien me recuerda la asfixiante guitarra de GUILLÉN aquí es a GLENN BRANCA. La ametralladora percusiva de SAAVEDRA siempre tiene un pie en el Noise y las arremetidas a lo CHRIS CORSANO o MICK HARRIS hay que mentarlas. Es decir, MORE ACID FOR HEGEL se compone de dos gruesos hilos de cobre que se trenzan y en cada vuelta del metal la conjunción americana y británica se hace más y más difícil de detectar. 


La portada, obra de AVELINO, refleja la particular desconexión/descomposición de la psique y el pensamiento bajo el consumo de sustancias que alteran la conciencia y haciendo gala de un humor negro e irónico, cada tema hace referencia a un pensador y a una sustancia en maravillosos juegos de palabras. 

Desde que da inicio el primer tema "Acid For Hegel" se nos abren varios discursos narrativos. La punzante guitarra, lejos de los soliloquios inacabables del virtuosismo vacuo se expresa con un tercer elemento en discordia(n) que es el procesamiento de pedaleras para modificar el abanico expresivo a placer. Es en el segundo corte "Fungi For Foucault" donde esto se evidencie en todo su esplendor en la forma de entrecortarse y jugar al escondite con la imaginativa percusión de Saavedra. Melodías de una nana al son de los escupitajos de una pistola de clavos, el doble bombo cuasi grindcore y la intensidad llevada al límite del metal extremo.


Como digo el tercer elemento es la electrónica que aunque soterrada y llevada por el tumor primario del riff de guitarra, es capaz de abarcar lugares aparentemente imposibles como imposible parece el diálogo entre los platillos y la guitarra en modo sintetizador de un final orgiástico cortado bruscamente por la acre "Ketamine For Kant", suerte de cabalgada Grindcore con los NAKED CITY y NAPALM DEATH por bandera. Como meterte un enema de Peta Zetas, los cambios de ritmo son tan bruscos como los movimientos en una tetania o la agitación en una meningitis espongiforme. Lo paranormal al servicio de la ciencia. 

"D-Romilar For Deleuze" te deja exhausto. Una guitarra más agreste que el zumo de ácidos de las pilas de litio y la percusión matemática recorriendo aberrantes giros de espacio y tiempo para hacer las necesidades al otro lado de la realidad... ¿os habéis imaginado lo fácil que sería reciclar la mierda si pudiéramos cagar dentro de agujeros espacio/temporales?. "Ortegasmatrón" sigue la misma estela algebraica pero en nivel Dios. Intrincada pieza de orfebrería tan abundante en detalles que si se desplegara en una línea recta abarcaría la circunferencia de la maldita Tierra. 

Afortunadamente "M&Ms For Marx" parece apiadarse de mí durante 2 minutos con un patrón melódico que me recuerda por momentos a las colaboraciones de SONNY SHARROCK con LASWELL, BROTZMANN y RONALD SHANNON JACKSON en sus conciertos ochenteros de LAST EXIT.


Sigue la marciana "Lait Pour Lyotard" con una guitarra muy procesada por electrónica y la batería secundando todo con sonidos que a veces parecen vientos o cuerdas (el rasgar de los platillos con arco da esa impresión). Estallidos de pústulas Noise con retazos a lo CASSIBER, HEMOPHILIAC, IKUE MORI en sus duetos noventeros o COBRA de Zorn. Eso sí, atentos a los efervescentes momentos blues rock (a lo M.A.F.H. claro).

Cierra "More Acid For Hegel" que resume perfectamente el nivelazo de unos músicos en estado de gracia. Eso sí, se me olvida decir que posiblemente esto no importe una mierda en un país que trata como el culo a sus músicos experimentales/improvisadores. Aquí se lleva el Indie o la nonagésima reencarnación de Kyuss aunque a todo el mundo le rebose la boca con la palabra STOCKHAUSEN, suerte de colutorio maravilloso para las reuniones de sociedad entre el rancio abolengo periodístico.

domingo, 14 de octubre de 2018

LARSEN C & THE MILLENNIALS - "LARSEN C & THE MILLENNIALS" (SENTENCIA RECORDS, 2018)


Siempre es grato hablar de un nuevo proyecto que venga de la caleidoscópica molécula musical sevillana y por ende de una serie de músicos que sigo en cada uno de sus proyectos. LARSEN C & THE MILLENNIALS irrumpen como un ciclón de la nada... ¿o no vienen de la nada?.

Hace más de tres años supe de la existencia del dueto (al menos para directos) COMANCHEROS, integrado por GUSTAVO DOMÍNGUEZ (clarinete) y BORJA DÍAZ (percusiones) como proyecto paralelo de HIDDEN FORCES TRÍO. Sea o no cierto que COMANCHEROS fuera la base de estos LARSEN C THE MILLENIALS lo que puedo asegurarte es que lo que tenemos entre manos es algo muy, muy gordo.

A GUSTAVO y BORJA se añaden DANI CANO a la trompeta, PEDRO ROJAS al bajo y RUBÉN BAENA a la guitarra eléctrica... todos ellos con más o menos conexiones hacia ORTHODOX, HIDDEN FORCES TRIO, PROYECTO OCNOS, DE MORAO SWING TABLAO o DANIEL CANO QUINTET.

Grabado en HAPPY PLACE STUDIO por JAVI MORA mas grabaciones adicionales por GONZALO SANTANA en EL FOSO, masteriza JOSE A. ORTEGA en CIEGOS DE SONIDO MASTERING (Algeciras) y GONZALO SANTANA aporta una maravillosa ilustración de portada que induce al trance desde el momento en que la ves; desde la tipografía escogida a los colores el calor es elevado (y todavía no hemos pulsado play). El bestial fotomontaje interior es de REBECA PINTO y la edición en cd a cargo de SENTENCIA RECORDS.


Dice el libreto que son geográficamente norteafricanos, perpendiculares a todo. Una frase alucinante que encierra un haiku de posibilidades inmensas y no euclidianas y que sólo así puede dar explicación a que se conecte a la madre Kali y su infecta danza. África, India... y Tartessos; todo unido en una chocolatina que se te va a derretir antes de llevarte a la boca y que si eres capaz de comerte, la cagarás batida en nata cósmica.

Está claro que hablar de LARSEN C THE MILLENNIALS es bailar al son groovy de líneas de bajo que se pierden en la calima del horizonte. Instrumentos de viento sudorosos que remiten a DEFUNKT y oigan, ya que mentamos el jazz fusionero y funkarra del trombonista JOSEPH BOWIE hay que tener en cuenta que algo de ART ENSEMBLE OF CHICAGO flota en el ambiente y no porque en su formación estuviese LESTER BOWIE (hermano del anterior) sino porque hay temas en los estadounidenses que madre mía si no recuerdan a los sevillanos... es el caso por ejemplo de "Theme De Yo Yo", monumental hit bailable que en 1970 abría Les Stances a Sophie.

O sea, que el Afrofuturismo está presente. SUN RA está ahí entre las notas y esa tormenta de arena tras la que cabalga un aire a lo DUKE ELLINGTON se encontraba en MULATU ASTATKE y por lo tanto en todo el sonido etíope que tanto ha influenciado al jazz y al progresivo. Combos como los afromediterráneos SINOUJ han sabido llevar estos sonidos al límite (no precisamente algo nuevo) que ya venía haciéndose hace décadas por compositores de Jazz Británico como KEITH TIPPETT y su big band CENTIPEDE (o especialmente en Keith Tippett's Ark - Frames: Music For An Imaginary Film), MUJICIAN, BROTHERS OF BREATH o quizás los propios SOFT MACHINE.


Claro que si hablas con estos términos acabas quemando suelas en el Disco Funk infecto de finales de los 70 o metiéndote en FELA KUTI a través de TONY ALLEN, padre del Afrobeat y del Highlife de Ghana, Nigeria o Sierra Leona. La verdad es que las ramificaciones musicales acaban donde el machete ya no corta.

Que estamos ante un trabajo descomunal lo marcan los primeros segundos de escucha. Esa forma de arremeter con todo a la vez que se deja un escape (como cuando vas soltando aire lentamente de un globo a tensión o cuando la diarrea llega a su punto álgido pre-salida) lo he sentido solo varias veces en mi vida. Una de ellas es con el tema ya citado de ART ENSEMBLE OF CHICAGO y otra de ellas con el Dub anestesiado de los Zornianos PAINKILLER o MASACRE. Es la sensación de que te están pintando la piel con Napalm para luego darte una vela de broma de esas que cuesta apagar... diversión asegurada. Igual me pasó con "Topus" de HIDDEN FORCES TRIO o con el maravilloso "Gamma Ray Burst", segundo tema del disco Chase Across Orion de los barceloneses THE OUTER SPACE y lo sentiré siempre que escuche "Space Is The Place" o qué se yo... cualquier cosa de la SHIBUSA SHIRAZU ORCHESTRA y el jazz étnico de RABIH ABOU-KHALIL

Ese clarinete a duo con la trompeta horadando fístulas en mi cabeza mientras la percusión te machaca como una lluvia radioactiva. Clave, absolutamente clave en todo el disco es la forma de compenetrarse clarinete y trompeta y de remachar cada clavo la percusión. El resto acude a adornar y engrandecer un sonido en el que la guitarra vibra como dentro de una campana; dicho con un símil, hace de sustituto del piano eléctrico en un disco de HERBIE HANCOCK.


Ojito también con el bajo en "The Carmona With Nemesis" abrazándose a los contagiosos wah wahs de la guitarra. Por cierto, si este tema se desnuda a su núcleo principal casi que creo que es una Saeta transformada o una melodía procesionaria sevillana adaptada al jazz fusión. Sigue la amenazante "Perpendicular To Everything", quizás el tema que más me recuerde al Jazz Británico.

Una dimensión distinta adquiere "Ways Of Kirri", de índole mucho más lisérgica y jamaicana por su prestanza Dub. Haciendo una hipérbole arriesgada hacia la música de Zorn en cierta medida me recuerda a la escena de la Radical Jewish Culture y Klezmer tan potente en Nueva York con bandas como HASIDIC NEW WAVE (es clave la trompeta), cosa que acaba saliendo a la superficie en mayor o menor medida durante toda la grabación.

Un poco de respiro en la más soul "Sunday Morning Armor" con fantástico trabajo de una trompeta alcanzando las cotas de un saxo tenor y el desparrame Hendrixiano a la guitarra con "Cauldron". La batería se sale con los cambios de ritmo y la intensidad de los platillos en "Night Trip Of Souls", banda sonora bastarda de cualquier película de la saga EL JUSTICIERO DE LA CIUDAD de Bronson (menos la primera parte, que la hizo HANCOCK). Las arremetidas de trompeta (creo que con sordina) son demenciales y no sé si es DON CHERRY reanimado de la tumba o COLEMAN cuando cogía dicho instrumento... al caso lo mismo da.

Para acabar, la megaloblástica "Data Bacchanalia", pieza de orfebrería de la guitarra y reino absoluto de la batería incontestable de Borja Díaz. Clarinete y trompeta jugando al Afrobeat pero con un pie en la agresividad del Downtown neoyorquino (véase Knitting Factory). Panteras negras pacifistas bailando con los Motherfuckers en pleno centro de la ciudad mientras Crowley se pone un gorro jamaicano para el fin de fiesta etíope de "Kali Mist".

Disco de culto ya.



jueves, 11 de octubre de 2018

VÓMITOARTE 18... EL ARLEQUÍN


EL ARLEQUÍN (29,5 * 21cm)

+ Tinta China + 

martes, 9 de octubre de 2018

ACID MOTHERS TEMPLE AND THE MELTING PARADISO U.F.O. - SALA X (Sevilla, 9 de Octubre)


Otro de mis sueños cumplidos. Cabalgar meteoritos desbocados al son de "Pink Lady Lemonade" en La Sala X de Sevilla con la decimonovena encarnación de los ACID MOTHERS TEMPLE. En esta ocasión, es un bestial solo de batería al que se añade un bajo en modo motorik el que da inicio al famoso standard de la banda japonesa, que hasta ese momento del concierto estaban moviéndose por su faceta más Space Rockera convencional. A partir de aquí, se desató el caos como sólo el Psych más épico puede hacerlo. No sé si duró un minuto o una hora y media o tres días porque con AMT todo se elonga y acorta como esas teorías de la física cuántica que hemos convertido en dogmas.

Ya no es que Kawabata Makoto parezca un guitar hero traído mediante bucle temporal de los años setenta, o que Higashi Hiroshi aunque creas que esté allí, en el mismo escenario, realmente yace en el Satori o en viaje astral por plena estepa sideral en las cercanías de un Monasterio Budista o que Satoshima Nani esté fornicando con la batería en el escenario ante nuestras narices.. súmale a todo un grueso bajo de titánicas proporciones en la figura de Wolf y para colmo, cual sota de bastos alucinógena, la extraña, perturbadora figura sonriente de Jyonson Tsu

Todo esto aumenta ese encanto especial de una banda carismática como pocas y que creen en lo que hacen. Lástima que no estuviera para la ocasión la reincorporada últimamente Cotton Casino, un espectáculo en directo (a tenor de los vídeos que tengo).

Desde las caídas libres de abstracción Psych Noise gruesas cercanas al ruidismo al puro Blues Rock. Da lo mismo, ACID MOTHERS TEMPLE me han dejado sordo (me quité los tapones, idiota de mí) para una temporada. Vaya directazo que tienen los japoneses. Tengan en cuenta las largas giras que se pegan y el fructífero, inasequible árbol genealógico de ediciones que adornan su discografía.. da igual, la magia no decrece porque ese Codex Gigas camaleónico parece no tener fin.

No voy a comentar nada más. Maravillosa tormenta de rayos a la vuelta, reencuentro con caras conocidas y la satisfacción de haber visto a una de las bandas más grandes que ha parido el Cosmos.
























domingo, 7 de octubre de 2018

DEAD VORTEX - "EVENT HORIZON / REDSHIFT" (ABESTA034/035, 2018)


El proyecto DEAD VORTEX nace en Lisboa en formato cuarteto. Su música me llega directamente mano a mano de Jorge Nuno a un servidor en la cola del Museo Gulbekian (Portugal) mientras esperábamos ver a los SECRET CHIEFS 3. Decir que soy un devoto seguidor de estos estilos creo que sobra, así que voy a poner el punto de partida de esta reseña en un disco que me recuerda enormememente a los DEAD VORTEX no tanto por sonido sino por la propuesta en sí.

En 2007 el veterano trompetista EDDIE GALE se uniría a la banda de psicodelia MUSHROOM para grabar el bestial artefacto que sería Joint Happening, menos experimental que DEAD VORTEX pero con claras concomitancias y tangenciales picos narrativos. La trompeta (casi siempre en sordina, con notas cortas y que perduran en el tiempo) pseudoelectrificada, el uso de vibrátiles ambientes plásticos deudores del Miles de los 70 y esa comunión característica entre el Rock y el Jazz que es capaz de crear auténticos monstruos sonoros de difícil catalogación (sea Avant Rock, sea Jazz Fusión o lo que puedas imaginarte); todo obra y gracia de una base rítmica sublime y una guitarra en estado de gracia.

El caleidoscópico fruto de aparear a DUNGEN con WOODEN SHJIPS y a los hijos de sus hijos con el frío Jazz Nórdico de NILS PETER MOLVAER... es decir,  la abstracción y su frialdad con los ardientes arrebatos calenturientos y lúbricos del Heavy Psych provocan aguas termales, mágicas donde vas a curarte o darte al menos una imprimación de aceite que perdure en el tiempo.


LUIS GUERREIRO (trompeta, sintetizador, electrónica), ha tocado en grupos como Estado Sónico, Audible Architecture o la Variable Geometry Orchestra; JORGE NUNO (guitarrra), también integrante de Signs of the Silhouette o Uivo Zebra; ANDRÉ CALVARIO (bajo), fundador y parte integrante del colectivo A Besta, Signs of the Silhouette y relacionado con un montón de proyectos experimentales y PEDRO SANTO (batería) que es parte integrante también de Variable Geometry Orchestra, Enseble Mia o New Thing Unit

El trabajo que os traigo recoge dos grabaciones de la banda; Event Horizon por un lado y Redshift por otro aunque ambas se realizan en Pernigem, Sintra y la masterización final es la de JAMES PLOTKIN, siempre dándole el toque adecuado a cada proyecto que toca. Vienen juntos en un doble CD, además de que se conectan como el lenguaje íntimo de un potenciómetro (los temas se titulan -3, -2, -1, 0 en el primer CD y +1, +2, +3 y +4 en el segundo).

Eso sí, reconozco que el artwork no es muy de mi gusto pero para gustos ya se sabe.

La idea que subyace tras DEAD VORTEX es la de centrifugar el rock espacial, la psicodelia y el avantgarde jazz para dar lugar a un suero que posteriormente se destila en un alambique sintonizado en el MILES eléctrico (ojito que centrifugar y destilar son procesos distintos). El perfume resultante no es precisamente homeopático sino bestialmente peligroso. Ácido, corrosivo, adictivo y planeador Jazz Rock atemporal, píldoras de litio de punta hueca directas al tronco de tu encéfalo.


Así suenan los 35 minutos de Event Horizon. Cuatro temas que van desde los sutiles devaneos hipnóticos y mántricos de los primeros minutos guiados por un diálogo entre trompeta y batería a un estallido experimental de pedaleras en los minutos finales. El espectro abarcado es amplio y cada instrumento tiene su espacio para alejarse o acercarse a los demás hasta el punto de que el balance entre improvisación y composición es sutil. Se ve que aquí hay tablas y sabiendo de donde vienen estos músicos se intuye la alta capacidad expresiva que controlan. 

Me encanta esa forma de desarrollar la melodía en primer, segundo e incluso tercer plano diría (como esa batería violenta en mis narices subidísima de volumen mientras por detrás está estallando el apocalipsis de guitarra y todavía más al fondo se percibe una tormenta de trompeta asordinada); psicodelia en tres dimensiones que requiere del oyente y su atención para captar la profundidad y conjunto de todo lo que está ocurriendo o ESCHER sonoro encebollado de mil capas progresivas. Etiquétalo como te venga en gana.

Hay un excelente medio tiempo abrasivo en el que la guitarra cargada de wah wah arremete contra un fondo de electrónica industrial para luego ir creciendo la base rítmica en una ordalía Fuzz. La intensidad va creciendo y durante más de veinte minutos asistimos a un tour de force donde uno no se aburre nunca. BLUE CHEER con GRAND FUNK marinados en CAUSA SUI y esos combos fantásticos que habitan el sello EL PARAÍSO (como mis queridos PSICOMAGIA). 

Desde los psicotrópicos inicios Floydianos a las aberrantes manipulaciones electrónicas; de las líricas líneas de guitarra Hendrixianas a perversos arranques de Noise... véase mi reflexión inicial sobre el disco de MUSHROOM WITH EDDIE GALE para saber un poco qué terrenos pisamos. 


Y todavía vamos por la mitad. Redshift se abre con patrones estilísticos propios del Jazz Fusión pero los detalles de sintetizadores simples pero insistentes remiten a la psicodelia japonesa de ACID MOTHERS TEMPLE, MARBLE SHEEP o puestos a mirar atrás, la FLOWER TRAVELLIN´ BAND por el desarrollo bluesero de una guitarra que va in crescendo hacia un horizonte donde habita el Stoner desértico de KYUSS, YAWNING MAN... el avant jazz de Event Horizon se retuerce hacia el Heavy Psych más intenso haciendo la escucha de los dos discos del tirón toda una experiencia. 

En algunos pasajes cuesta distinguir la trompeta de los sintes y también me acuerdo de aquel maravilloso Silver Cycles (1969) de EDDIE HARRIS. Quizás los momentos más magnéticos los tenga precisamente la trompeta en un interludio misterioso con el bajo inmenso de André Calvario mientras de fondo se van desarrollando filigranas de guitarra procesada y ruidismos varios. Acto seguido, sutilmente, se va generando un ritmo cuasi motorik, funkarra y cargado de mimetismo Neo psicodélico a lo LAY LLAMAS, ANTHROPROPHH y demás delicias garrapiñadas.

El vórtice muerto se lo traga todo y lo regurgita transformado porque tal es el sino de los rumiantes. Al igual que la acidez estomacal pugna por ir a contracorriente como las truchas, así necesitamos de nuestros poderosos antiheméticos sonoros que dejan toda la sustancia en su sitio y que como mucho, arden al defecar. MARAVILLOSOS DEAD VORTEX, oigan.