martes, 30 de mayo de 2017

VOR - "TU CLAVE ES JONÁS" (VARIOS SELLOS; 2017)


Desde Madrid, la banda VOR viene a incomodar tu existencia con su Experimental Noise Kraut Core, o lo que es lo mismo, untarse una rebanada de pan con la mugre de la cañería de desagüe de tu comunidad de vecinos o comerte un bocadillo de pan rallado con la dentadura quitada. Abyectos, atrayentes y perversamente perturbadores, conocí a la banda a raíz del "Trumbsplit" con HYPER TALBOT y esperaba este larga duración como agua de Mayo.

En formato dúo con IVÁN VON LAZHARUS (que ya conocía anteriormente de su proyecto LAZHARUS) y EDU, mas los sonidos espaciales del ruidista TUBE TENTACLES y los adicionales coros de GLORIA y LAURA. Bajo y batería no es una formación precisamente fácil de desarrollar pero la verdad es que me he quedado alucinado con la variedad que atesoran.

Su disco debut es "Tu Clave Es Jonás", como el clásico libro de ELIGE TU PROPIA AVENTURA de EDWARD PACKARD. Los sellos implicados en la edición del cd son LA CHOZA DE DOE; NOOIRAX PRODUCCIONES; ODIO SONORO; NOIZELAND RECORDS y SACRAMENTO RECORDS y el disco es grabado en los INFLUX RECORDS.  La foto que adorna portada e interiores es de JOSÉ GALLARDO, que si no me equivoco es de aquí de Málaga. Ala, ya creo que he presentado a todo el mundo


El disco suena sucio y apelmazado, con incursiones en cosas tan dispares como el Sludge de charca sureña de EYE HATE GOD o los perruneos macarrónicos de HELLHAMMER y primeros CELTIC FROST, todo ello pasado por cierto toque Math en la forma de desarrollar algunos pasajes. Pero hay más, mucho más. Cósmicos teclados adornando algunos temas que parecen Jams, riffs a lo TODAY IS THE DAY y para colmo, coqueteos con el Grind y el Black Metal. ¿Crees que todo esto no puede casar bien?... pues no tienes ni puta idea.

Abre la etérea "Solea", sampler procesado de un tema flamenco, aunque pronto la gruesa "Buscemi" hace que se nos olvide la relativa paz del inicio. Un bajo cabalgante y agrio marcado por una batería casi hardcore a los que se suman una voz chillona con el sludgedoom de unos MOHO, LORDS OF BUKKAKE y toques a ADRIFT. Casi en el mismo estilo nos explota en la cara "Caballero Burger", destacando el penetrante bajo que lleva el peso de la melodía y estructura de los temas con una afinación ultragrave. 

Sigue el estallido grind de "Chi chi chi ne ne ne" de un minuto escaso para entroncar con la larga y sugerente "La Cavidad", donde empezamos a atisbar a los VOR más experimentales. Urdida a medio tiempo, su inicio me recuerda algo a los agricultores de culto RIZOMA hasta que el tema acaba extrañamente metido en un vórtice que roza el Funeral Doom de los primeros MOSS o incluso los BURNING WITCH

La cazallosa voz se dobla a sí misma mientras el bajo se masturba en un acople doloroso que acaba volviendo a la melodía principal. Oscurísimo el descenso al que nos lleva este tema, que para más inri es reforzado épicamente por teclados espaciales vertiginosos creando un compost que ya quisieran para sí los SYLVESTER ANFANG II y otras comunas de tarados.



Vuelve el grind con algo de NAKED CITY/PAINKILLER (mezclados con TODAY IS THE DAY) en el apabullante y abstracto "Quiero Salir...", contrastando con el himno bailón "Cerebro Volador (Kike´s Crazy Man)", con bajo y batería jugando con nuestras mentes en un retorcido tema tan divertido como secarse el pelo con un lanzallamas. Voces en vocoder, ruiditos varios y la batería en modo pistón. 

"Cuerpo De Melvos" se abre al más puro intro de peli de terror, y es particularmente pegadizo con su melodía arrastrada, el órgano de fondo hace que casi parezca un tema de CAN y su letra en castellano. Podrían recordar a DOWN en algunas partes, pero también a CATHEDRAL en otras... los estilos y etiquetas están para masturbarlos, y si no escuchad el clímax krautrock final. 

Tramo final con la perversa y minimalista "Pastruz", "La Cavidad" tocada en directo en LA RESIDENCIA de Valencia y la purulenta "A Las 1..." cerrando un disco de una banda absolutamente demencial, explosiva y que recomiendo encarecidamente que les sigáis la pista.





lunes, 29 de mayo de 2017

AUDIOLEPSIA - "MUSES" (ALOUD MUSIC/DUNK!RECORDS; 2016)


Hacía ya unos años que no sabía nada de la banda de Barcelona AUDIOLEPSIA, que tres años atrás me sorprendieron bastante con "Principio De Incertidumbre", un muy buen disco de rock instrumental que tuve el placer de analizar por aquí:


ALOUD MUSIC en coedición con DUNK!RECORDS les edita en vinilo su segundo trabajo "Muses" (también en cd digipack), disco conceptual ya que cada tema está titulado con un nombre femenino de reminiscencias épico/históricas. Produce y graba nuevamente ÁNGEL DE LAS HERAS en LA BUHARDILLA para posteriormente mezclar JORDI NAVARRO en THE ROOM. Masterización final por VÍCTOR GARCÍA en ULTRAMARINOS MASTERING y un precioso diseño de KHOA LE.

El caso es que los AUDIOLEPSIA que me encuentro en este trabajo son ÁNGEL DE LAS HERAS y BRIAN JIMÉNEZ a las guitarras, JORDI DE LAS HERAS al bajo y KILIAN CALLADO a la batería, y cuando pulso play me doy cuenta que algo a cambiado en el sonido de la banda. Los crescendos instrumentales propios del Post Rock siguen presentes, pero el sonido es más compacto y grueso, quizás algo más cercano al Progresivo de unos PORCUPINE TREE por ejemplo... pero claro, los cambios de ritmo son frecuentes, y se pasa con pasmosa facilidad de ambientes etéreos y psicodélicos a la oscuridad decreciente de unos KATATONIA de su última etapa.

No soy un fiel seguidor de los estilos más instrumentales del Post Rock y similares, pero tengo que reconocer que esta gente me encandila con sus dobles melodías de guitarra y leves aires a lo ANATHEMA. El rock instrumental en este país goza de un nivel encomiable y tenemos bandas que son punteras (e incluso también pertenecientes al mismo sello ALOUD RECORDS), pero para mi gusto AUDIOLEPSIA se alejan un pelín de esa escena para ofrecernos una propuesta más rica en matices y en definitiva un sonido bastante personal, cosa que agradezco porque básicamente hay dos líneas de corriente en estos estilos. Una que tira para el Stoner y otra hacia los clones de TOUNDRA... afortunadamente, la banda de Barcelona no pertenece a ninguno de estos dos ejemplos.

Los ocho minutos de "Beatrix" abren el camino con un doble juego de guitarras que me ha recordado enormemente a EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO. Un inicio brutalmente épico que explota con una base rítmica muy poderosa (es inevitable traer a colación a TOUNDRA o gigantes como MOGWAI pero sólo son retazos). El tema tiene cierto aire psicodélico con algo Space Rock... y mira por donde, BEATRIX es el asteroide número 83, descubierto en 1865 y nombrado por el personaje de Beatriz en la Divina Comedia de Dante. La verdad es que el tema pasa como un suspiro y la guitarra principal se marca un punteo final que pone los vellos de punta.


"Satine" es el nombre de una legendaria bailarina del Moulin Rouge que murió en brazos de su amado (estaba enferma de Tuberculosis), y titula el segundo corte del disco. Siguen el altísimo nivel instrumental, las subidas y bajadas de ritmo y toques melancólicos a lo KATATONIA o algún que otro proyecto de STEVE WILSON (INSURGENTES por ejemplo). Alucinante la introspectiva atmósfera a mitad de tema; sigue "Motoko" (no lo sé con seguridad, pero podría referirse a la Cyborg Motoko Kusanagi de Ghost In The Shell). Curioso tema mucho más tranquilo que los anteriores, con un colchón en la base rítmica de lujo para que las guitarras borden a placer un tapiz absorbente y evocador.

Es el turno de V DE VENDETTA y la musa "Evey". La melodía principal del tema es simplemente una maravilla. No soy muy de usar estas palabras, pero diría que es PRECIOSA. Arropa el tema un sintetizador o algo parecido, una batería lenta y atmosférica y un bajo punteando los leves cambios de ritmo. Hay bandas doom que han intentado hacer cosas parecidas y no se acercan ni por asomo a la grandiosidad de este temazo, que en sus minutos finales vomita una vorágine de epicidad a raudales. 

En "Charlotte" (quizás el personaje del anime, no lo sé con seguridad) estallan con una melancolía inusitada, con alguna brizna de los discos más progresivos de OPETH, pero sólo durante unos leves momentos. Fabulosa la intensidad de las partes más agresivas del tema que, esta vez sí, tengo que comparar con los ANATHEMA del disco "Judgement" en adelante (lo siento, no soy de mentar a PELICAN, ISIS o GOD IS AN ASTRONAUT). Sigue "Clarice", posiblemente la escritora brasileña enclavada en el modernismo, y musicalmente una balada semi acústica y trasnochadora. Un tema desértico pero sin llegar a meterse en el Stoner. 

Cierra "Rachel", quizás la esposa favorita del Patriarca Bíblico Jacob... o a lo mejor simplemente una de las protagonistas de la serie FRIENDS, vaya usted a saber. Otros ocho minutos de Prog Rock que encumbran a AUDIOLEPSIA directamente a la primera división del rock instrumental de este país; un despliegue de versatilidad que asusta y lo mejor de todo es que no aburren ni un sólo instante, cosa que no puedo decir de la mitad de los grupos de estos estilos.




domingo, 28 de mayo de 2017

GALIANA/GUILLÉN/PRICTO/CARMONA/SAAVEDRA en EL OJO PATIO (27 de Mayo)


Cuando AMIRI BARAKA (LEROI JONES) publicaba sus escritos e incendiarias columnas, algunas de ellas maravillosamente recopiladas en BLACK MUSIC (Editorial Caja Negra) arremetía contra el periodismo musical blanco que rehusaba hablar de lo que él consideraba el más puro y genuino Jazz que se estaba haciendo por aquel entonces en los circuitos paralelos. Ayer no había ni el más mínimo rastro de periodismo musical por allí, y eso que Málaga cuenta con sus secciones de música/cultura en magazines y periódicos (tanto en papel como en digital).

Claro, yo no soy ni una pálida sombra de alguien tan grande como el señor AMIRI BARAKA, pero juro que ayer me sentía como una versión cutre de él en uno de esos sitios privados que él llamaba LOFTS donde se celebraban fiestas exclusivas; sitios donde podía disfrutarse ese nuevo (viejo) jazz en forma de AvantGarde que estaba entrando como un ciclón. Incluso sellos tan conservadores como BLUE NOTE se rendían a la evidencia y hacían sus pequeños pinitos con gente como CECIL TAYLOR, TONY WILLIAMS y alguno que otro. 

Ahora es distinto. Arriesgar es menos difícil pero existe otra corriente de gente que destruye toda la alquimia... son los nuevos periodistas musicales que hablan sin ir a los sitios mediante paquetes de información; escribanos de medio pelo que piden discos a los músicos para sacarlos de forma irrisoria en sus octagenarias publicaciones de Kiosko; adalides de subirse a corrientes bíblicas (perdónalos porque no saben lo que hacen); maestros del emoticono y del botón "me gusta"/"asistiré" y en definitiva, ESOS que tienen la RESPONSABILIDAD de hablar de la cultura de su país/ciudad duermen el sueño de los Apple y Spotify.

La trashumante escena de Free e Improvisación libre de la península tiene varios puntos telúricos que cual géiseres temporales estallan vomitando una serie de privilegiados músicos. No considero a Málaga como uno de esos puntos telúricos, pero sí un poderosísimo afluente que se irriga y retroalimenta de toda esta corriente... pero claro, quizás otros Coroneles Mortimers de otras ciudades lo ven de la forma contraria porque nadie es profeta en su tierra.



EL OJO PATIO ayer parecía una fiesta privada de clientela exclusiva y por mi parte el resto de la ciudad podía irse al carajo. Los cuatro largos cortes que nos regalaron estos iluminados músicos no son fáciles de describir con palabras, y uno corre el riesgo de etiquetar/enclaustrar erróneamente el poderoso flujo vibrátil del quinteto en cuestión. Estamos hablando de un altísimo nivel en el que se pasa con una suavidad pasmosa de la agresividad de NAKED CITY a los minimalismos crípticos y matemáticos de la SPONTANEUS MUSIC ENSEMBLE y el Jazz Británico en general. Entre medias asistimos a un despliegue percusivo acojonante de CARMONA y SAAVEDRA, que posiblemente habían asaltado JUGUETES CARRIÓN antes del concierto para abastecerse de cachivaches sonoros con los que ampliar su particular doble universo de baterías. 




Los creativos vientos de EL PRICTO y GALIANA formaban un tándem amenazador e intenso, contrastando el barroquismo de EL PRICTO con el algo más lírico GALIANA. El caso es que el caos ordenado y juguetón del quinteto era difícil de seguir dado el enorme poder de compenetración (magia) obtenido, hasta el punto de que hoy tengo los ojos en los lóbulos de las orejas de intentar seguir las dos baterías y los dos instrumentos de viento. Entremedias se me ha curado la miopía del ojo espiritual que anida en mi entrecejo con las filigranas del señor GUILLÉN a la guitarra/hacha mitológica.

Quizás los conocedores de los primeros discos de la ART ENSEMBLE OF CHICAGO, el asfixiante y tribal "Mu" de DON CHERRY/ED BLACKWELL o los dos (casi tres) volúmenes de "Heliocentric Worlds" de SUN RA sepan de lo que hablo, pero dependiendo de la edad y cultura musical de cada cual el prisma comparativo gira sobre sí mismo para hablarnos de una u otra escena. Qué más da si estamos hablando de Downtown o Free inglés, si luego viene GUILLÉN y te suelta una abstracta línea de bajo a lo MARC RIBOT o FRITH... creo que en la fusión está el acierto y la originalidad de la sesión de ayer.

Lo dicho, un placer y un privilegio poder relataros esta pequeña reflexión.


viernes, 26 de mayo de 2017

FORCEPS - "HEAVEN IS A PLACE IN HELL" (NORWEGIANISM RECORDS 018; 2017)


Lo que vais a leer es fruto de un inmenso esfuerzo a lo largo de más de dos meses. Lejos de lo que pueda parecer, el dúo FORCEPS me lo ha puesto más que difícil para que tengáis este texto, no sé si por razones de hermetismo o como efecto rebote resultante de mi misma pesadez. El caso es que cuando me propongo algo soy insistente, y pensé que si no me respondían a una entrevista tradicional, lo mejor era pasar a otras estrategias de choque.

Como soy un manitas modifiqué una tabla OUIJA poniéndole un conector Jack para auriculares y gracias a la perseverancia (mas una serie de sacrificios sobre los que no puedo contar nada) he conseguido una suerte de entrevista que es lo que podréis ir leyendo entre mis reflexiones personales de "Heaven Is A Place In Hell", un disco editado por NORWEGIANISM RECORDS en un excelente digipack fabricado a mano con diseño de ACHILLEAS POLYCHRONIDIS en épica tinta roja. Aunque a mí me sugiere pantagruélicos mundos de geometrías salvajes, el autor me dice: "El diseño del disco no representa nada. Es nihilista"... nada, a joderse pues.

Lo primero que me llamaba enormemente la atención era el nombre del grupo. No sé, pero a mí me evoca instrumentos ginecológicos tuneados para sacarte el tuétano, pero prefiero que se expresen ellos:

"El termino FORCEPS viene del latín forceps, que significaba tenaza, y en orígen sobre todo designaba a las tenazas de los herreros. Su nombre en efecto lo indica, pues se compone de FOR (de la raiz indoeuropéa *gwher, calentar) y CEPS (de la raíz *kapde capere, coger, tomar, sostener). FORCEPS era pues “lo que sostiene lo caliente”. Tiene la misma raíz que el vocablo latino FURNUS (horno) de donde proceden horno y hornacina. 

Esta raíz indoeuropea con una aspirada inicial es la que da en griego θερμός que significa caliente, y que encontramos en palabras como térmico y compuestos técnicos modernos de base griega, como por ejemplo termodinámica, termostato o termómetro. Ahora a quién se le ocurrió, ni idea."

FORCEPS está compuesto por el ruidista barroco malagueño NACHO JAULA a las guitarras/procesos y el óseo greco latino ACHILLEAS POLYCHRONIDIS al saxo/efectos. La primera vez que escuché o intuí algo parecido a este disco fue en el festival TRANSDISCIPLINA#4, donde en un confesionario lleno de inmundicias se me reveló el posible sello que editaría un futuro trabajo. Dicho de otra forma, se me puso los dientes larguísimos con sugerentes descripciones para luego tenerme en vilo en una especie de limbo onírico que ríase usted del agente Cooper en la Logia Negra.

"El proyecto FORCEPS nace cuando Nacho enciende un día su ordenador y empieza a editar unos temas de Aquiles. A partir de ahí no hay vuelta atrás. Aquiles escucha los resultados, se enamoran y empiezan una vida común como FORCEPS. No le íbamos dando vueltas al asunto de antes pero sí que tocamos juntos una noche de invierno en un sitio donde no nos invitaron a cervezas.

Engañamos al sello Norwegianism Records presentándoles un tema samba que preparamos a propósito. Les encanta la música con ritmo, porque - y muy poca gente conoce este detalle- son muy buenos bailadores. Una vez anunciaron nuestro disco, ya no había vuelta atrás.

El sonido de Forceps es Jaulo + Akipo. Total."

Tras lo que ha resultado una auténtica tribulación, conseguí el disco y cuando lo reproduje quedé absolutamente alucinado. Hay gente que cree que diseccionar un disco es matar la música, y a la vez otros piensan que hablar brevemente es solo un corta y pega inútil... afortunadamente, soy de los que hacen lo que me sale de las dos almas redondas que tengo a izquierda y derecha del pene, y no tengo compromisos estructurales o de etiqueta con nadie. 

"Heaven Is A Place In Hell" viene a sonar a unos SUNNO))) primigenios que por razones anómalas se hubiesen formado en los años 60 y tocado una Jam con la SUN RA ARKESTRA del "Cosmic Sounds For Mental Therapy", "Atlantis" o "The Magic City". Una guitarra poseída por los demonios y un saxo más tenor de lo que Achilleas nos tiene acostumbrado; una masterización final muy deudora de esos discos que se grababan con pocos medios en la ESP DISK o la propia SATURN, y que por extrañas confluencias del destino, acaban sonando hoy profundamente agresivas.

"El disco es impropuesto comvisado (reproduzco aquí literalmente; el juego de palabras puede ser un error o una genialidad estructural... que cada cual juzgue). Las composiciones de uno alteradas por las composiciones del otro. Se grabó en dos sitios distintos, en distintos momentos y no hubo ningún peso para llevar." 


Una larga suite de 42 minutos dividida en cinco cortes claustrofóbicos, densos y apelmazados donde sobre el cobertor de riffs de guitarras cargados de la mala leche de KHANATE y SUNNO)) (por citar bandas clave que no líen al oyente) medita un saxo en modo cerbatana espiritual que se enclava en la gama más grave del saxo tenor. La electrónica me lleva a los terrenos ásperos de KEIJI HAINO, de tal modo que la cópula que establece con el saxo hace que no me quite de la cabeza aquel experimento del japonés con la banda ZEITKRATZER ("Electronics; 2008") o las partes más sosegadas de DEAD NEANDERTHALS.

En algunos momentos (el inicio del corte 2) la guitarra de Nacho lleva el grueso del conjunto con un necrosado acople que me hace pensar en agradables momentos de nuestra vida; véase por ejemplo cuando decidimos pelar un cable con los dientes y acabamos con el esmalte mellado y el labio rajado. Uno no sabe si el sabor metálico es del cobre o bien a causa de la sangre que gotea en cascada hacia la barbilla. Si tuviera que elegir una palabra que me jode pero que es representativa diría DRONE. Digo que me jode porque se ha usado tan mal en los últimos años por el periodismo musical que ha perdido su valor descriptivo y así pues puedo decir que el clímax final del disco es tan perturbador que el "Stahlwerksinfonie“ de DIE KRUPPS parece al lado un juego de niños.

Cuando pregunté a la banda sobre aspectos relacionados con la guitarra y conciertos discerní que las respuestas estaban marcadas por una profunda esencia griega:

"Yo no puedo contestar nada aquí. Ésta entrevista no me hace sentir nada cómodo. Además me estás mandando selfies sin camiseta en este preciso momento. Un profesional no haría jamás algo así.

Conciertos.. lo vamos a ver. Yo pido mucho dinero para mi y para Nacho para tocar. Nacho no sé si pide algo."

En los agobiantes e intensísimos momentos en los que el saxo se agudiza, perdemos pie completamente. Cualquier persona que se acerque a esto con el término Jazz en la cabeza debería tener presente que los instrumentos pueden bailar un Swing de muy diversas maneras. INDUSTRIAL SWING sería mi etiqueta favorita para definir el sonido de FORCEPS

Basta con adentrarse en la vorágine de saxos retroalimentados del cuarto tema para darse cuenta de que estamos ante una obra atemporal, única en este país y que para mí ya tiene un estatus de culto. Una poderosísima maraña de guitarras a punto de ebullición hacen de óvulo mientras que las notas agudísimas, levitantes y "atrapadas" son los espermatozoides buscando su punto de entrada. Sólo uno debe quedar vivo aunque bien pensado siempre he querido tener hermanos teratogénicos. Un disco ruidoso, abstracto y profundamente Sexy.

¿Proyectos de futuro de la banda?... aquí los tenéis:

"En el futuro seré más alto para que tú parezcas más bajito. *Piss + Love*"


martes, 23 de mayo de 2017

NACHO JAULA - "EL ESPACIO ROTO" (THRMNPHONE012; 2017)


De fractura de espacios limitados se nos habla en el libreto interior de la exclusiva edición de "El Espacio Roto" de NACHO JAULA, publicado en descarga por la Net Label THRMNPHONE. Digo exclusiva porque sólo se han fabricado 10 copias sin ánimo de lucro y soy uno de los afortunados en poseer una de ellas. 

El diseño gráfico e ilustración de Achilleas Polychronidis nos muestra una minimalista montaña o cantera espiritual donde los órdenes físicos parecen estar invertidos. La dualidad de colores es reveladora... el morado parece adueñarse del primer tema "Noches nacen", mientras que el color mostaza es continente de formas ambiguas que se desdibujan en las notas de "Siluetas En El Jardín De Arena". El músico malagueño manipula guitarra, bajo preparado, percusión, Korg MS-20, grabaciones de campo y procesos; todo ello para darte el Smoothie Industrial depurativo que estabas esperando.

Creo que es interesante reproducir aquí una parte del texto que acompaña el trabajo para disfrutar la obra en toda su magnitud ya que lo considero verdaderamente esclarecedor e inspirado. Su autoría no la conozco, pero creo que es de alguien del sello:

"Si acudimos al diccionario para leer todas las entradas de la palabra espacio, encontramos diversas acepciones, pero siempre nos dice que es algo que contiene o bien, delimita. En el caso de esta obra, que lleva por título El Espacio Roto, puede sugerirnos ambas por el contenido de sus composiciones, el espacio de tiempo que son las noches y el espacio físico que es un jardín, sin embargo, el título parece aludir a una separación o a un funcionamiento incorrecto al encontrarse fracturado, rasgado, o bien, si lo tomamos como un adjetivo, podemos interpretar `roto´como vulgar, canalla o cansado".

Cuando algo se rompe en pedazos, cada parte comprende características de la pieza madre si esta es homogénea... un espejo que vuela en pedazos. Cada uno de sus fragmentos sigue reflejando la realidad sea cual sea su tamaño. Ahora bien, ¿qué pasa si esa pieza madre (o Espacio) no es homogénea?. Las partes resultantes serán esquirlas de una realidad y dependiendo de cuál sea la que nos toque, interpretaremos de una u otra forma sus contenidos. 

"Noches Nacen" se construye a base de un reverberante colchón grave sobre el que una melodía en segundo plano parece querer abrirse paso. Un tema armónico construido a base de trozos de diversos Espacios (realidades) cuyo collage final refleja el atardecer en un mundo que no es el nuestro, o al menos que no parece hablarnos de nada físico sino de otra índole. 

Es cósmico en esencia como lo era "Alpha Centauri" de TANGERINE DREAM", aunque lenta y paulatinamente lo industrial parece adueñarse del conjunto borrando todo rastro de amigabilidad. Imaginemos una centrifugadora de proporciones universales, que al accionarse agite a la velocidad de la luz la realidad misma. La sedimentación resultante es un suero sonoro graso sobre el que gravitan sonidos electrónicos ruidistas al más puro estilo industrial.

El alma humana es eléctrica, y todo lo eléctrico se acopla; concretamente, el momento especial del día en el que el alma se acopla más y emite más sonidos es al caer la noche. 

La música de JAULA suena agresiva siempre. Uno tiene la sensación de que el sonido que emiten sus cacharros no es amistoso en absoluto y que si le das la ocasión, te follará por las orejas a la más mínima oportunidad. Hablamos de texturas que aun suaves en algunos puntos, siempre parecen estar rodeadas por un brutalísimo y afilado alambre de espinas. 

Conforme avanza el tema surgen ambientes percusivos tratados y chasquidos deudores del Dark Ambient con un fuerte cariz improvisador, donde resalta el brutalísimo clímax final con un platillo rasgado con arco en primer plano, mientras el algodonoso ambiente se va disolviendo. Algo así como un teratogénico contrabajo cantando al Apocalipsis.

El segundo tema "Siluetas En El Jardín De Arena" está cargado de un fuerte cariz onírico. Tremendamente orgánico, comienza con percusiones tribales que parecen surgir del detritus mismo de un accidente postnuclear. Como si de una grabadora de campo instalada en pleno vertedero nuclear se tratara, asistimos a un escenario atroz que es cualquier cosa menos un jardín de arena Zen.

Asfixiante y vibrátil (a lo primerísimos ESPLENDOR GEOMÉTRICO), el tema es torturante pero adictivo, además de que profundamente hiriente si lo escuchas con auriculares. Sin embargo, cuando el maremágnum de impurezas Noise se retira, surge un extraño lirismo juguetón que de seguro acabará transmitiéndote la más virulenta tetania que puedas imaginar. 


domingo, 21 de mayo de 2017

CRUJIDO #3: RAFAEL FEMIANO


El ciclo CRUJIDO llega a su ecuador con la visita de RAFAEL FEMIANO, alma máter de OIKOS que tras el apasionante "The Great Upheaval" se retroalimenta en una sesión en el entorno siempre acogedor de La Polivalente. El saxofonista Axilleas Polychronidis organiza este maravilloso ciclo de solistas con piezas inéditas que por mí podría durar eternamente. Tras MARCO SERRATO y su "Yuggoth" vino URANO Y PUTÓN con una electro jam cargada de ironía y populismo. Ahora es el turno de una soleada y cargada de polvo rendición a "El Mundo De Cristina" de ANDREW WYETH, pintura puesta en sonidos por la guitarra de FEMIANO.


La carrera de FEMIANO se alarga ya a casi una década, colaborando con músicos de la talla de DAVID CORDERO en su celebérrimo "El Rumor Del Oleaje" o JUAN ANTONIO NIETO (PANGEA). En esta ocasión tal y como he comentado más arriba, nos presenta una pieza curiosamente unida por el cordón umbilical del lirismo crepuscular de TERRENCE MALICK (especialmente en "Días Del Cielo") donde cada nota queda encajada en su correspondiente lugar para crear un score imaginario que parece dibujar con su paleta plástica la plañidera pintura de WYETH. La américa claustrofóbica de Maine que también es reflejada en el grandísimo "The Greath Upheaval".

Dicho motivo musical se mueve mántrica y perceptiblemente por los ecosistemas bíblicos de MALICK pero también por el expresionismo irreal de LYNCH. En cualquier caso, siempre me ha atrapado ese curioso efecto de la electrónica combinada con lo analógico; de una pedalera llena de artilugios en el que a modo de eterno Pin Ball cerrado, el sonido es lanzado una y otra vez de un sitio a otro, transformándose, creciendo o decreciendo en ondas cuadradas o sibilinas; acortándose o elongándose.... todo en un bucle drónico en el que el sonido es energía; no se destruye nunca, queda atrapado ahí, en esa poderosa trampa mortal de las pedaleras donde la única salida es desenchufar.

La célula madre es la guitarra de FEMIANO, que canta en los interludios melódicos para explotar en fuerza bruta en los feedbacks más ruidistas (aquí tendría que comentar que el sonido estaba controlado por el experto NACHO JAULA, todo un adalid del sonido). Plastilina sonora a merced de un molde cambiante pero que tiene la particularidad de volver a su forma original cuando quieras... así sonó la maravillosa pieza que tocó anoche FEMIANO.


"Conocí a un tipo llamado Ding Dong. Me dijo que la tierra entera se convertiría en una hoguera. Las llamas emanarían a diestro y siniestro. Simplemente aparecerían. Las montañas se convertirían en una gran llamarada. El agua brotaría en llamas. Los animales correrán desbocados, algunos de ellos quemados, con sus alas a medio quemar. La gente gritará a pleno pulmón pidiendo ayuda. La gente que ha sido buena irá al cielo y escapará de la hoguera."




viernes, 19 de mayo de 2017

ETHIVA - "SUBLIME ISLAND" (CLOSTRIDIUM RECORDS CR026, 2017)


Prácticamente cuatro años después del maravilloso debut homónimo, los asturianos ETHIVA vuelven a conquistar el espacio con su segundo trabajo, editado a todo lujo por el sello germano CLOSTRIDIUM RECORDS que se toma muy en serio cada una de sus ediciones ofreciendo múltiples detalles a cual más espectacular, desde los posavasos a los puzzles, los splatter vinyls o la doble carpeta. Quien quiera hacer ejercicios de recuperación puede leerse la entrevista que les hice hace tiempo:


"Sublime Island" es grabado, mezclado y masterizado nuevamente en los TUTU STUDIOS, con JAVI LORENZO a las guitarras, JANDRO LOSA al bajo/voces y RAMÓN FERNÁNDEZ a la batería mas las colaboraciones al contrabajo de MON PÉREZ y voces adicionales de CHRIS ÁLVAREZ. El fantástico artwork es obra de HÉCTOR CASTAÑÓN (OSSOBÜKO) en una onda algo distinta a la de su primer trabajo. Ecos a ciencia ficción utópica y un aire a las portadas de sellos como KSCOPE.

El caso es que tal y como reza el nombre del disco, ETHIVA han sublimado su estilo llevándolo a cotas de profesionalidad muy elevadas y no sólo por el continente, sino por el contenido; la música que vomitan los surcos del vinilo es una poderosa amalgama de psicodelia progresiva que aborda parajes inhóspitos a lo PINK FLOYD como en el sugestivo inicio de "Walk Among The Stars", donde una melodía construida con la guitarra y acompañada por el bajo estalla en una poderosa oda cósmica de tintes progresivos. 


La batería es muy elegante, y acompañada por las cuatro cuerdas sienta las bases de acidez justas para que progresen las líneas de guitarra. Un poco de PORCUPINE TREE o la densidad ambiental de los últimos ANATHEMA aquí y allá; voces limpias con timbres agudos (que me atrevería a decir que suenan incluso a MICHAEL KISKE en algunos tramos) y un cierre instrumental excelente para estos siete primeros minutos. La esencia de las Heavy Jams está impresa, pero bastante depurada en estilo como para que tenga que usar la palabra "progresivo" con bastante frecuencia.

Sigue "While The Hills" a modo de cántico desértico. Un soberbio sólo de guitarra rompe el tema en dos y se lo lleva a terrenos celestiales y planeadores. Realmente es difícil comparar ETHIVA con otras bandas, máxime cuando el grado de detalles que han conseguido con los nuevos temas es tan elevado y el cambio de ritmo y melodía es tan frecuente. Diría que si HELLOWEEN hubiesen sido más progresivos y espaciales y se hubieran ido de Jams con PINK FLOYD quizás nos acercaríamos al sonido de la banda de Avilés.

Impresionante el inicio épico de "Long Lost Friend" y el desarrollo de las guitarras durante todo el tema, que por cierto posee una potente cadencia blues que hiere cuando entra el contrabajo. Ecos a THE SOULBREAKER COMPANY de "Itaca" por ese zumo de hard rock setentero que usan para cocinar y el inabarcable despliegue de la guitarra que parece no tener fin. Glorioso cierre para la primera cara del disco.


"Eslinga" abre una Cara B mucho más retorcida. Arabescos en la melodía y percusiones en un corto pero intenso tema cargado de mala baba Psych de la que se te agarra a la base de la columna. "Velvet Fog" resulta todavía más barroco y tira mucho de la vena progresiva con un fantástico juego vocal de CRIS ÁLVAREZ. Imposible no acordarse de LEE DOUGLAS con ANATHEMA... aunque sólo sea unos instantes porque ETHIVA no suelen permanecer demasiado tiempo en un mismo lugar; su música es como tirar un comprimido efervescente de un millón de toneladas a un planeta formado sólo por agua. 

El meditabundo "Emptiness" está cargado del espíritu de una Jam desértica, pero de esas que se celebran cuando la temperatura baja y la piedra todavía conserva el calor. Creo que lo que hace tan grande a este disco es el alto nivel compositivo y la destreza del grupo como trío, que han sabido crecer dentro de un estilo que generalmente se torna repetitivo y ruidoso pero que ellos han transformado en algo muchísimo más elegante. El bajo de Jandro vertebra completamente estos excelentes ocho minutos mientras la guitarra de Javi construye sin cesar, cargada de wah-wah y burbujeos apuntalados por la variadísima percusión de Ramón, que huye de ritmos motorik facilones o cabalgadas a lo HAWKWIND para buscar algo más técnico (que no aséptico).

Finiquita el disco "One Of Them" que sintetiza su propuesta en a penas 2 minutos. 

Grandioso.



miércoles, 17 de mayo de 2017

DESPUÉS DEL INVIERNO (NEGUAREN OSTEAN) con MIKEL URAKEN...


De un tiempo a esta parte estoy bastante inmerso en la cultura musical vasca, tanto a nivel de proyectos básicamente de metal, como folk o Black Metal incluso. El caso es que esa especie de receptor histamínico sonoro que tengo por ahí de vez en cuando salta y se pone a palpitar con una especie de sexto sentido. Claro, el músico que presento hoy, MIKEL URAKEN, tiene ya una larga trayectoria tocando en bandas como LOAN, que vengo siguiendo a lo largo de toda su discografía, además de que hay algún que otro paralelismo con los KILLERKUME en cuanto a lo que a árboles genealógicos se refiere.

Me llama poderosamente la atención el hecho de que un músico se salga del acostumbrado (micro)ecosistema en el que se mueve para abordar terrenos diametralmente opuestos y arriesgados. Cuando una persona como MIKEL decide hacer canciones en solitario, armado con una guitarra y voz por todo instrumento, uno se pregunta qué clase de astilla infecta lleva esta gente dentro para necesitar sacar la infección a golpe de acordes. Evidentemente se trata de algo pasional y profundamente artístico, y eso hace que uno se sienta como una especie de voyeur sonoro.

No sé que diablos es eso del Folk de autor mas allá de que en determinados momentos de la historia alguien se ha colgado una guitarra para hablar de problemas sociales o políticos que estaban afectando poderosamente su contexto. Rebeliones a base de proclamas, surgen cosas como la Nova Cancó catalana y tantos otros movimientos. Pero a mí lo que me interesa es la música... y cuando algo surge con la potencia de este "Neguaren Ostean" las orejas se me abren como dos paracaídas.

¿Es posible entonces que un tema como "Amildegian" o el largo "Anabasak Aina" acaben resultando más crudos que cualquier disco de Black Pagano?. Quizás estoy exagerando, pero cuando la aguja del tocadiscos recorre los primeros surcos del vinilo tengo que volver a mirar la cápsula. Es plausible que alguien me haya gastado una broma y sustituido la aguja por un cútter. 


No puedo quitarme de la cabeza las melodías folk vascas que inundaban aquel maravilloso compartido "Triarchy Of Vasconia" entre ADHUR, AIMEEN BASOA e ILBELTZ. Pero claro, esto es canción de autor, no?... sin embargo, los requiebros vocales de Mikel transmiten tal grado de desolada belleza que para mí las sensaciones son las mismas aunque las vías estilísticas de expresión sean notablemente diferentes. 

Ojo que el country espectral está ahí en "Trapu Zarrahen Mauka", perfectamente medido con interludios instrumentales y crescendos a lo MICHAEL GIRA absolutamente alucinantes. Incluso diría que "Grina Oskalduna" parece WOVENHAND a la vasca. No lo he comentado, pero la guitarra de Mikel suena pétrea a pesar de su presencia acústica, hasta el punto de que (posiblemente por la producción) rellena completamente los espacios que a priori tendría que formar un formato tan reducido como lo es voz y guitarra.

La neblinosa nana homónima "Neguaren Ostean" marcada a fuego de campamento con ciertos aires de Lo Fi psicodélico y pastoral es recorrer llanuras y sentir cómo los huesos se cargan de energía solar conforme el viento barre las cargadas nubes. La voz de Uraken es personalísima y cargada de emoción, con filigranas vocales propias del folklore vasco en las más experimentales y cuasi instrumentales "Ez Dok Hamahiru" (nunca los silencios y notas espaciadas de una guitarra acústica me habían parecido tan emocionales y expresivas). o la ya citada "Anabasak Aina", tremebundo tema cargado de un crescendo apoteósico que pone la piel de gallina. 

El trabajo lo cierra el tema más arriesgado. "Ekialdetik Dator" con la guitarra abriendo un soliloquio bizarro que roza el avant folk para ir mutando en el tema más oscuro del disco y redondeando una Cara B devastadora en cuanto a emotividad se refiere.

Creo que ha llegado el momento de callarme y dejar paso a MIKE URAKEN en esta entrevista que tengo el honor de ofreceros:

***



* A ver Mikel, lo primero que me gustaría es que te presentaras a la gente. Conociendo tu pasado en bandas como LOAN la verdad es que este “Neguaren Ostean (Después del Invierno” me ha pillado totalmente descolocado. Una breve biografía sería muy interesante para trazar tu árbol genealógico músical.

Soy un músico euskaldun del barrio bilbaino de Santutxu, tengo actualmente 34 años y llevo tocando la guitarra desde los 15 y actuando en directo desde los 18 con diferentes proyectos. Por aquella época el estilo que practicaba estaba entre el punk y el hardcore fruto de la música que escuchaba entonces. Al de unos años, formé Loan con Mikel Vega (actualmente en Killerkume), y tras la disolución de la banda decidí enfocar mi carrera musical en solitario bajo el nombre de Mikel Uraken.

* Creo que este es tu segundo disco ya (mas un ep), aunque la propuesta de “Neguaren Ostean” difiere algo de los anteriores en cuando al abordaje. Creo que has dejado un poco de lado la esencia más puramente Folk americanas para entrar en terrenos más propios de tu tierra e incluso rozando la heterodoxia.

Mi primer disco "Folk Songs For Tormented Souls" efectivamente estaba mas inspirado en la música folk – americana, puesto que era totalmente acústico e introducía elementos como la armónica o el propio idioma, en inglés. Fué una buena manera de empezar a curtirse en solitario. Seguidamente grabé unas versiones que no edité en formato fisico y lo colgué en Bandcamp bajo el título de "Omenaldi Xumeak" ("Modestos Homenajes" en castellano). 

Es aquí donde empezó a gestarse un punto de inflexión en mi música a través de un sonido más eléctrico y un cambio en el idioma a empezar a cantar en euskera. Con "Neguaren Ostean" profundizo en esta decisión de cambio tratando de dotar a mis composiciones de un cariz mas personal, experimental o como tu dices, heterodoxo. A juzgar por las críticas, parece que así se lo he conseguido transmitir a los oyentes.

* Guitarra y voz pero con una crudeza que asusta. ¿Cómo has conseguido semejante sonido tan orgánico y agrio?.  Cuéntame un poco sobre el proceso de grabación.

Elegí el estudio Garate de Andoain por razones técnicas pero también simbólicas y emocionales. Técnicas porque me ofrecía la oportunidad de grabar en un multipistas Studer de cinta con Kaki Arkarazo, técnico de sonido clave en la historia de la música vasca, y simbólicas y emocionales porque el paraje montañoso que lo rodea es realmente sobrecogedor. Por la noche caía la niebla y apenas se veía a mas de 100 metros. Se oían todo tipo de animales pululando alrededor y la sensación de aislamiento y vulnerabilidad es total.

Esto se puede apreciar en el videoclip de "Anabasak aina", creado con retazos del making off del proceso de grabación. Es un disco que ha sido grabado de manera analógica y carece de postproducción. Supongo que la mezcla de todos estos factores dieron como fruto el disco tal y como es. Por otro lado, también las propias canciones me pedían que así fuera todo. 

Lo que suena es lo que hay, sin trampa ni cartón.

* Me cuesta encasillar tu propuesta en algo como el folk o la canción de autor. A veces te veo más como la respuesta euskaldún a Scott Kelly en solitario o los discos en solitario de Michael Gira y eso puede ser por tu pasado metalero. ¿Qué artistas te influyen en tu forma de tocar?.

Bueno, si te digo la verdad apenas sigo la carrera musical de Scott Kelly, siempre le he prestado más atención a Neurosis. Pero en lo que respecta a Michael Gira has dado en el clavo. Tanto sus discos en solitario, como Angels of light o Swans, es música que en los últimos tiempos suena bastante en mi furgoneta, y que por lo tanto, ejerce una influencia intrínseca en mis composiciones.

Pero las influencias no son meramente musicales. Para mí el entorno sociocultural que me rodea es determinante a la hora de componer. Todo está mas relacionado de lo que creemos y los agentes culturales y creadores tenemos la responsabilidad de responder a lo que nos transmite nuestro entorno. Hacer cultura es una forma de cohesionar la sociedad o en el caso de la cultura euskaldun, incluso de hacer país.


* Mikel Laboa, la ultradesconocida Lupe… ¿podrías recomendarme más artistas de la escena folk en euskera?. ¿Existe actualmente una escena como tal en el País Vasco en lo que a Folk en euskera se refiere?.

No sabría decirme si existe un escena Folk euskaldun organizada como tal, pero si es verdad que hay un buen puñado de músicos y bandas que bajo esa premisa están emergiendo ultimamente. Hace unos días tuve oportunidad de compartir escenario con una banda de Iparralde, Bilau, que realmente me dejaron sobrecogido por la emoción que transmiten en directo. Su cantante – guitarrista Paxkal Irigoien también actúa en solitario y compuso junto a otros la música del espectáculo de danza y música en directo Negua, que me puso la piel de gallina las dos veces que lo ví en directo.

Aparte de esto también hay gente más consagrada y conocida como Joseba Irazoki o Akauzazte que no necesitan presentación, e incluyen en su obra elementos que enraizan totalmente con la cultura euskaldun. Destacaría también al músico guipuzcoano Asier L.I. que me ha sorprendido muy gratamente y que no conocía hasta hace poco.

* El diseño del vinilo es una pasada, ¿puedes contarme algo del artwork?.

Tanto el diseño de este disco, como de los anteriores, así como algunos carteles de conciertos se los encargo a mi amigo Asier García Azkue. Está harto de verme en directo y conoce de sobra mis postulados ideológicos, asi que, como no me gusta decirle a nadie lo que tiene que hacer, ni entrometerme en las disciplinas que cultivan otros creadores artísticos, esto suele ser suficiente para que él acierte con sus diseños. 

Creo que para que surja una verdadera sinergia entre la música y el artwork, el diseñador debe ser capaz de inspirarse solamente por lo que le transmitan las canciones y el autor. Esas son las únicas directrices que le transmito y el resultado es la interpretación que Asier hace de mi música plasmada en un soporte gráfico. Todo el mérito es suyo, y para cualquier explicación adicional sería mejor que lo expresara él mismo.

* ¿Por qué llamas al disco DESPUÉS DEL INVIERNO?. ¿Qué temas tratas en tus canciones?. La verdad es que el disco está teñido de una atmósfera de tristeza muy marcada.

Bueno, si que es verdad que las letras ahondan en reflexiones introspectivas o incluso rozando el pesimismo. En "Trapu zaharren mauka" canto: ..."impotencia y rabia, recuerdos que están latentes...", pero en cambio en "Neguaren ostean": ..."la carga poco a poco se va liberando...". De nada sirve regocijarse en la tristeza y en los posibles errores cometidos en el pasado si no encauzamos nuestro futuro de una manera constructiva. 

Concebí el titulo del disco como "Después del invierno", dándole al invierno un sentido metafórico de quietud, de espera, o incluso de acecho. Después del invierno llega la primavera, la época del deshielo y el florecimiento, donde toca recoger los frutos, y salir de nuestras madrigueras al mundo.

* La cara B del disco es sencillamente espectacular, con unos cortes instrumentales alucinantes. ¿Cómo surgen esos temas y que te lleva a no adornarlos de voz?.

Esos temas a los que te refieres son carne de cara B, y a su vez de los que más disfruto escuchando. Como el resto de los temas, surgen en el salón de mi casa que es donde compongo, improvisando y dejándome llevar por lo que me transmiten. En "Ez dok hamahiru" meto un irrintzi y en "Ekialdetik dator" al final, una serie de onomatopeyas improvisadas. Hay veces que no hacen falta palabras para expresar algo y el propio cariz primitivo de esos temas pedía que asi fuera.

* ¿Has dejado totalmente de lado tu aspecto metalero como etapa o no descartas volver a esos sonidos?.

La vida es cíclica y como no me identifico con modas ni tendencias, me dejo guiar por mi instinto. Hacia dónde me lleve en el futuro y que tipo de música componga es una cuestión que ni yo mismo sabría responder. Al margen de etiquetas o estilos mas o menos definidos, lo relevante es que sea algo personal y desgarrador.

* Cuéntame sobre proyectos de futuro, conciertos…

Actualmente estoy trabajando en la composición de mi próximo disco, con la novedad respecto a los anteriores de que estaré acompañado de otros músicos. En esta andadura me acompañan mis amigos David Tobal a la batería y Gorka Pardo al bajo. Si todo va según lo previsto, la primera semana de diciembre iremos a grabar, de nuevo al estudio Garate y con Ander Barriuso (Elektrika Grabaketak) como técnico. Sería maravilloso que nevara en esos días de invierno.

De cara a los directos alternaré el formato en solitario con el formato banda en función de las características del lugar, horarios, compromisos personales y musicales, condiciones, etc...

* Muchas gracias Mikel y enhorabuena por tu disco que me tiene absolutamente atrapado. Despídete como quieras y salud y suerte en todo lo que emprendas.

Muchas gracias a ti por tu interés. Significa mucho para mi encontrar este feedback a través de mi música. Vivimos en un mundo de inmediatez y apariencias, cultura de usar y tirar, -la sociedad líquida de la que hablaba el bueno de Zygmunt Bauman-, y esto que nos ocupa no deja de ser un ejercicio de idealismo. Quizás algún dia logremos influir en las tendencias culturales a golpe de determinación.


viernes, 12 de mayo de 2017

NEILA - "TRONOS ARDIENDO" (VARIOS SELLOS, 2016)


Formados en un lejano año 1999 en el País Vasco, NEILA son punta de lanza y abanderados de ese sonido crudísimo de las bandas Post Hardcore y Sludge que vienen de tierras vascas (a veces creo que el verdor de los campos es molido con la piedra antigua y transformado en el zumo espeso de una bilis vegana); a ratos te pueden sonar a los primeros NEUROSIS que a TODAY IS THE DAY mezclados con la tetania Noise de AKAUZAZTE

La banda la conforman actualmente (salvo algún cambio que se me haya pasado) TXAPE al madero con cuatro retoños, CUPER y ALBERTO a los rastrillos metálicos, GURU al moldeado de la piedra y CABA a las capas de nieblas electrónicas. Debutan discográficamente en 2002 con un Ep que edita IN MY HEART EMPIRE y que desconozco si existe en formato físico, pues no es hasta su posterior "Unclean" (LA HUMANIDAD ES LA PLAGA/IN MY HEART EMPIRE, 2005) que los conozco y empiezo a seguir su trayectoria. 

Su celebérrimo "Danza de Nieblas" (ODIO SONORO/MUSIC HOLE) es acogido con muy buenas críticas de público y prensa (reeditándose posteriormente en Lp) y consolida a la banda como un auténtico yunque en directo. Retorcidas líneas de guitarra aunando perfectamente lo agresivo con lo melódico, pasajes instrumentales con toques de Post Rock y las voces encabronadísimas propias del Sludge. Un auténtico quebranta cervicales con ese toque a hierro oxidado de bandas como LORDS OF BUKKAKE o MOHO pero incluso con un tono lisérgico en el trato de las guitarras y la forma de desenvolverse en los temas que los entronca con PELICAN, ISIS o JESU; triángulo casi imposible de eludir en las influencias de estos sonidos.

Su siguiente paso es el "Split" de 2012 con WAYNE que se editaría en régimen de coedición con los clásicos sellos del momento HUMANIDAD ES LA PLAGA, KTC DOMESTIC, ODIO SONORO, RADIX RECORDS, DISCOS MACARRAS, MIUSIC HOLE y ELIZABETH DANE. Después de esto nada había vuelto a saber de ellos hasta este "Tronos Ardiendo" de 2016.


"Tronos Ardiendo" se edita en Lp con algún cambio en la formación base y nuevamente en coedición de COSMIC TENTACLES, IN MY HEART EMPIRE, LA HUMANIDAD ES LA PLAGA, MUERTE A TIPO, ODIO SONORO, ELIZABETH DANE, THE BRAVES RECORDS Y BROOKESIA STUDIO que pone el broche de oro con un artwork absolutamente espectacular. Grabación de BORJA MURO y JAVI PEÑA (BEARD STUDIOS) y masterización de JAMES PLOTKIN dándole el balanceo clave al asunto.

Abre la Cara A el homónimo "Tronos Ardiendo". La banda suena mucho más depurada y se han quitado bastantes esquirlas de la suciedad que los caracterizaba, pero sin perder el inconfundible estilo de las guitarras y la entrecortada base rítmica. Las voces menos guturales pero cargadas de mucha más epicidad en lo que para mí es el mejor tema que han grabado NEILA... incluso diría que tiran de derroteros mucho más Doom clásico en algunos tramos y riffs de guitarra. Apabullante. Uno de los aciertos es haberse quitado ese traje a lo PELICAN, ISIS o CULT OF LUNA para vestir algo más cómodo, menos rígido y muchísimo más original.

"Mas Allá Del Abismo" es todavía más atrayente. Las voces vuelven a mutar y se vuelven guturales mientras la música se torna magnética, rozando el tecnicismo de unos OPETH y el Death Melódico. El sonido que se ha conseguido con la batería es encomiable, que se sale en todos los registros del disco y tanto en los tempos rápidos como en los más lentos. 

Vuelve a resaltar el uso de la guitarra limpia haciendo un maravilloso interludio épico que vuelve a reafirmarme en que NEILA suenan ahora mucho menos Sludge y más tradicionalmente Doom. Algo así como mezclar la oscura escena finlandesa con la apátrida necro/espiritualidad de los últimos NEUROSIS, que es básicamente a lo que suena "Tan Distante" cerrando la Cara A y recuperando la acritud del Sludge pero bautizándolo en una piscina llena de napalm flambeado. 

En sólo 3 temas la banda vasca ya ha crecido exponencialmente mucho más que en todos sus trabajos previos, tanto en originalidad como en profesionalidad y curiosamente la Cara A es la que me parece más distante de sus primeros tiempos mientras que dejan los temas más netamente NEILA para la Cara B (opinión 100% subjetiva).


"La Última Protesta" abre la otra tanda. Otro temazo con un una melodía hipnótica que se te clava como astillas debajo de las uñas y que destruye todo a su alrededor en apenas 5 minutos. Simple pero efectivo como efectivas son las dos líneas de letras del tema: "Un silencio impuesto por el ansia de control. La venganza será la última protesta". Me encanta como el corte se va fundiendo lentamente haciendo destacar unos catedralicios teclados ambientales de fondo mezclados con un deformado sampler de un mantra hindú. 

Sigue el sucio "Luna Negra", tema muy deudor de los crescendos ambientales del "Danza de Nieblas" y nuevamente con un fantástico solo de guitarra reforzando el asunto (aquí me vais a permitir una locura, pero no me quito la forma de tocar las guitarras de los finlandeses YEARNING en el doomero "With Tragedies Adorned"... algo puntual sólo en esos interludios de guitarra pero que bueno, como no le debo el sueldo a nadie os comento aquí aunque sea rizar el rizo).

El cierre del disco es la intensa "Perdición", tema cargado de guitarras distorsionadas que planean sobre un mundo en ruinas. Tronos en ascuas y coronas fundiéndose en un maremágnum opiáceo. Dioses amortajados, flotando en inmensos contenedores de cristal llenos del formol espiritual con el que se conservan los recuerdos sacros. Recuerdos que dan lugar a religiones y políticos que nuevamente hay que derrocar. NEILA destronan Maya y salen por la tangente de su Kali Yuga particular, grabando su mejor disco hasta la fecha y un clásico en lo que a metal nacional se refiere.










miércoles, 10 de mayo de 2017

DORMANTH - "VALLEY OF SADNESS" (DEAD SHEEP PRODUCTIONS; DSP012, 2017)


Tengo que llevar mi cabeza lejos. Allá por 1994 si no recuerdo mal. Tenía una cinta copiada de alguien (ya ni recuerdo quien) con la carátula y los interiores fotocopiados. Una cinta que perdí hace mucho pero que la recuerdo con tan grato recuerdo que cuando me enteré de que DEAD SHEEP se iban a encargar de reeditarla, pegué saltos de alegría... bueno, relativamente, que a un doomster no se le está permitido reírse demasiado y te echan del club...

DORMANTH se forman en 1993 (Bilbao) y graban 16 minutos de puro culto en la demo "Sadness" (editada por DDT) y cuya intro/outro de guitarra acústica permanecen grabadas a fuego en mi memoria antigua. Probablemente si algún día padezco de alzheimer, como dicen que la memoria primitiva permanece ahí en cierto modo, la tararearé en cualquier asilo en que me encuentre. 

JORGE ELIZALDE al bajo y voces (ELBERETH), JAVI MARTÍNEZ a la batería (también en IN THOUSAND LAKES), ÓSCAR DEL VAL (que tocaría con los primerísimos NOPRESION) y SANTI G. MENDEZONA a las guitarras conforman estos primeros DORMANTH. La característica portada de un cristo crucificado es prácticamente leyenda ya dentro del underground patrio, al que debo tantos buenos recuerdos. 

Es la época de GOLGOTHA, POETRY, OFFENSE, AMALTHEA.... grupos que si bien un poco a rebufo de lo que se estaba haciendo en otros lares, poseían la suficiente identidad para crear una suerte de escena. Quizás se ponía un poco el ojo en sellos como CENTURY MEDIA o NUCLEAR BLAST que por entonces tenían una potencia e influencia que hacían arder los catálogos de papel de MASTERTRAX.

DORMANTH poseían esa pútrida atmósfera del Old School Metal que tan bien practicaban PARADISE LOST, AMORPHIS o primeros CREMATORY antes de convertirse en otra cosa. Mucho de riff sueco melódico también pero todo ello unido por unas profundas y guturales voces. Continuarían luego con el largo "Valley Of Dreams" un año después donde sublimarían su estilo recuperando algunos temas de la demo. Editaba ARISE RECORDS en su primerísima edición y que tenía en su escudería si mal no recuerdo a los POETRY o los grandísimos IN THOUSAND LAKES. Material excelente muy a reivindicar a día de hoy. 


Como digo, era un poco la época del death/doom inglés o la explosión brutal de AMORPHIS con "Tales Of Thousand Lakes", "Wildhoney" o "Clouds" de TIAMAT. Los grupos de este palo grababan auténticos himnos, y DORMANTH no se quedan atrás en "So Dies Another Day" o "Forlorn Paths"; temas que he escuchado tantas veces que ahora es como volver a ver a un viejo amigo. 

AMERICAN LINE de México llegaría a editar en una tirada limitada a 1000 copias esta demo junto a PANDEMIA de Argentina ("Prana Sempiterno" de 1998 es otra joya que guardo con mucho cariño") o INFESTATION de México. Tuve un tiempo copiado este cd y luego, el absoluto silencio hasta 2015 y el Ep "Voice Of The Soul" que tengo que reconocer que ni sabía que existía y una banda reducida a formato trío con colaboraciones.

Así que prácticamente 25 años después el excelente sello DEAD SHEEP PRODUCTIONS se saca de la manga una excelente reedición de los trabajos antes citados mas dos temas en directo inéditos. Libreto de auténtico lujo con multitud de fotos de la época y reproducciones de las portadas y letras, diseño de JOAQUÍN FERNÁNDEZ CAMPUZANO (aka KINI KARONTE, miembro de KARONTE o MORDOR y cuya web de diseños podéis ver en http://www.kiniruralart.com/). La portada de la reedición corre a cargo de IGOR MUGERZA y sus trabajos también podéis seguirlos en:

http://www.artwanted.com/artist.cfm?ArtID=4759.

Poco más voy a añadir a este pedazo de historia que estoy escuchando ahora mismo. Una reedición necesaria a la par que excelente en acabado... y por cierto, una banda, DORMANTH, que está más viva que nunca como demuestra su "Winter Comes" del año pasado.



martes, 9 de mayo de 2017

AUCELL CANTAIRE - "AUCELL CANTAIRE" (BUBOTA DISCOS; BU009, 2016)


Desde Palma de MallorcaToni Verd junto a Kiko Barrenengoa, Pep Toni Ferrer, Elisabetta Monacelli, Pedro Sastre, Michael Mesquida, Victor Mardaras, Toni Cobretti y Pep Toni Ferrer conforman AUCELL CANTAIRE, precioso proyecto de música folk mallorquí. Toda una pléyade de músicos que en formato acústico nos regalan 30 minutos de auténtico lujo, muy deudor de la Nova Cançó y la escena mediterránea, algo de la escena laietana y en general un exquisito gusto para componer 9 temas que van deslizándose suavemente por nuestros oídos; sin estridencias, pero con una calidad encomiable.

Toni Verd se viste de Pau Riba o Toti Soler y abandona el espectro punk de LOS CRUDOS (posteriormente CRUDOS para no confundirse con la banda de Chicago) con AUCELL CANTAIRE, cuyos dos trabajos hasta la fecha se complementan perfectamente. Uno es “Recull de cançons de l’Aucell Cantaire”, libro de poemas que se acompaña de 6 temas inéditos, otro el disco homónimo del que estamos hablando ahora y que publicó BUBOTA DISCOS

Escuchar AUCELL CANTAIRE es pisar arena blanca y oler a manzanilla campestre. Ponerse el traje de un Bob Dylan menos carreteril y rozar la psicodelia en muchísimos momentos, hasta el punto de que sale a relucir en el disco ciertos aires pastorales que guardando las distancias, hacen que irremediablemente me acuerde de los discos más folk de WITTHÜSER  & WESTRUPP o a unos POPOL VUH que hubiesen tirado las sotanas espirituales para bañarse en bolas en las calientes aguas del mediterráneo. 

Momentos de una luminosa brillantez donde la profunda voz de Verd (con un timbre a lo Llach) se conjuga con coros, guitarras acústicas, toques de flauta dulce... en definitiva, una preciosidad de disco totalmente atemporal, muy bien producido (ESTUDIOS FAVELA) y masterizado (URBAN STUDIOS) y que como digo podría perfectamente estar enclavado tanto en el Folk mallorquí como en el Kraut pastoral (no me quito el tema "Celebrem" de la cabeza) o incluso ambientes latinos y tropicalistas en los vibráfonos (puede que haya perdido la cabeza, pero el espíritu que posee al folk no está tan lejos de ese pensamiento germano seudo hippiesco que daría lugar a tantas comunas musicales). 

Sin citar temas en concreto tengo que decir que salen toques a música antigua y medieval, sobre todo en la forma de doblarse las voces y conducir la guitarra... igualmente destacable es el toque a canción francesa del último corte "Avui", pero ya digo que los detalles y texturas son tantos que lo mejor es disfrutar este disco como un viaje y no pararse a diseccionarlo.

Un disco marcado a fuego por el carácter introspectivo de las letras (y voz) de Toni Verd, huyendo de oscurantismos que no le sentarían nada bien y metiéndose de lleno en cierto espectro optimista pero melancólico que al fin y al cabo, es prácticamente uno de los ingredientes básicos del estilo.

Un disco que se va a quedar muchísimo tiempo en mi reproductor.