domingo, 13 de enero de 2019

JAVIER PIÑANGO / DAVID ÁREA - "DROLÉ DE GUERRE" (MARBRE NEGRE; MN085, 2019)


Apago la luz y subo muchísimo el volumen en este trabajo de colaboración entre el maestro ruidista JAVIER PIÑANGO que poca presentación precisa y DAVID ÁREA, artífice de FUNGUS CEREBRI, del sello Noise MATTOID y de múltiples proyectos como HASHIGAKARI (con Tomás Gris), NEBELMEER (con Marta Sainz) y muchos más (podéis leer su bio completa aquí). Siendo estrictos, su primera colaboración surge a través de GRUPPO UNGIDO en la Oblea Ungida Extractos de una Improvisación (2017).

Ahora mismo mi cuerpo está siendo empalado por ruido. No hay rincón de mi cuerpo que no esté vibrando desde que pulsé Play. Si el Noise no se siente como una experiencia casi física, de acupuntura sonora o de catarsis epigenética, es que posiblemente no esté bien trabajada. Creedme cuando os digo que Drolê de Guerre es un artefacto de altísimo nivel con especial hincapié en el Sintetizador Korg MS20 y los pequeños pero aguerridos de la serie Volca.

(Javier Piñango)

Hace unos años viajé a Oslo y después de una serie de vicisitudes acabé en la Isla Militar de Oscarsborg donde la colaboración entre la resistencia Noruega y el ejército dio como resultado el hundimiento de un barco alemán en la Segunda Guerra. Fue pisar aquel suelo y sentí una energía especial. No es que se conservara la artillería pesada como si hubiesen sido usadas ayer (con restos de metralla), sino que aquello era un hormiguero donde podías pasar de un Búnker a otro y contemplar/tocar tecnología de la época. 

La invasión de Noruega por Alemania es el contexto perfecto de la Drolé de Guerre, Guerra de Broma o Guerra Ilusoria, término que acuñaría el periodista francés Roland Dorgelès, aunque en Reino Unido se le conocería como Phoney War o guerra falsa, mientras que en Alemania se le llamó Sitzkrieg o "guerra de asiento" (Blitzkrieg).

Botones, teléfonos, timbres, tornillos... una ferretería de la Guerra en estado decrépito pero todavía latente. Tecnología tan devastadora como un emisor de radio que se acopla a un viejo empaste dental son despojos de algo que tuvo un sonido, y la guerra y sus intríngulis siempre han tenido un sonido para nada amable.

(David Área)

El Harsh Noise que estos dos individuos general en esta obra de 79 minutos de duración y que edita MARBRE NEGRE (con portada de Almudena Villar) es mitad bélico mitad marciano... es decir, expresa guerras pero no sé de dónde ni de qué universo. El punto de abstracción temático permite el enfoque unidireccional del oyente como máximo partícipe del juego de atracciones más malvado que existe... el Power Electronics y el Dark Ambient, ambos géneros que cuando se deshumanizan y van a la raíz sonora del miedo pueden resultar pavorosos. 

Sin embargo, huyendo de los muros de sonido inquebrantables y monolíticos, Piñango y Área se las apañan para darle estructura a su obra. De inflexiones y texturas muy variadas que no aburren un segundo. Puestos a comparar me han recordado algo a los CONTROLLED BLEEDING de sus tres primeros trabajos Distress Signals I, II y Body Samples. Incluso podemos advertir coqueteos con lo espacial en el tercer corte (carecen de títulos) aunque el revestimiento Industrial sea tan elevado que lo cósmico acabe dragado a una fosa séptica.


Hay clímax tan intensos que la sensación de alarma es acentuadísima. Parecen sonar sirenas, toques de queda y miles de Stukas que caen en picado haciendo rotar sus turbinas en su característico sonido de guerra psicológica... ¿o se trata de un mensaje en lenguaje pulsátil eco voluble que llega inconexo a nuestros radares terrestres?. 

Engranaje de un mar de crematorios funcionando a todo trapo. La realidad dragada a un punto de escape donde este Cremador de Mundos transforma la materia en ceniza que suena, que burbujea, que se transforma en otras realidades. Suena un viento que lo barre todo, que crepita y que te transforma genéticamente. Es el Viento de la Partículas, la última arma genocida del Ser Humano. 

Un anti Big Bang de proporciones apocalípticas o quizás una colonoscopia de una Vieja Fábrica con una fuga pancreática de Nivel Radioactivo. El resultado solo pueden ser tablas. 

La NADA versus La NADA.





DIOIVO - "II" (DARKWOODS; FLAMMA XVI CD, 2019)


Desde tierras gallegas nos llega el larga duración de DIOIVO tras la buena acogida de sus primeras demos y Ep. DANIEL VALLADARES OTERO a la batería/percusiones y JACOBO MOURIÑO ALMEIDA (también en MILETH) a la guitarra y voces

Destaca en su sonido un detalle que o a mí se me escapa o bien desconozco, y es la falta de un bajista en la grabación de II, y cosa curiosa no se echa nada en falta dándole un puntito de sonido agreste y salvaje (con las afinaciones agudas de la guitarra sustituyendo la sección rítmica); baste escuchar el fantástico "O Derradeiro Voo" para saber de lo que hablo. 

Edita DARKWOODS, que se está convirtiendo en sello especialista en sacar bandas del norte como LÓSTREGOS, HEILNOZ, NAKKIGA, SENTIMEN BELTZA, UR.... garantía de calidad siempre. Felicitar a G Zoilo Santiago Loira de los Zoilo Unreal Studios por la grabación y masterización y mezcla, toda una gozada atemporal. La portada me ha gustado en general, se aleja de estereotipos y tal, correcta pero tampoco me parece nada del otro mundo, no sé... si no fuera por el logo del grupo no sé si estoy ante un disco sacado de Palm Desert o hasta algo de progresivo.

Vamos con la música.

Tras la introducción acústica de rigor con sabor Folk irrumpe una cabalgada contenida de Black Melódico a la sueca que (ustedes periodistas me perdonen pero es que yo eso de VOIVOD que he leído por ahí yo no lo veo, máxime cuando los Canadienses se apoyaban tanto en las secciones rítmicas tan abstractas y envolventes) se engalana de Thrash (otra vez cito a otros medios, pero lo veo más europeo que americano, véanse por ejemplo KREATOR o hasta si me apuráis NWOBHM). El abordaje de la batería es fantástico y uno puede escuchar a la perfección detalles de cascabeles... una versatilidad tremenda a lo largo de todo el disco.


Ritmo endiablado con una concepción de la voz fantástica (cantando en Gallego), muy al puro estilo de otras bandas norteñas a lo LÓSTREGOS o con algo del Black del País Vasco cuando tira más al Pagan como NUMEN. Como decía antes la afinación de la guitarra, aguda y un pelín distorsionada alejándose de los cánones del Black para meterse en terrenos más psicodélicos y progresivos y falta de un bajo acaba volviéndose una baza importante creando muchísima atmósfera y ciertos aires paganos. Se escucha esto a la perfección en la larga intro instrumental de "Deus de Cristal", que hasta que no estalla la voz uno no sabe si está escuchando una versión primitiva y Blacker de YAWNING MAN u otra cosa. Ahondando un poco en la cuestión llego al dato de que usan guitarras de 12 y 7 cuerdas, así que de ahí esa sensación constante de que hay varias guitarras doblándose a sí mismas.

Si bien es cierto que tampoco veo el sinfonismo en ningún sitio (madre mía, es que he leído algún texto que se lleva la palma), podría recordar la música a un cruce entre primeros BATHORY, DIMMU BORGIR sin teclados (es como despojar a los 3 primeros discos de los Noruegos del sinfonismo y no al contrario) y el Thrash alemán (KREATOR, TANKARD...). Fabulosa intro en  "Dioivo" creando clímax hasta que se recrudece todo con un Black melódico muy de los 90.

Es posible que lo progresivo de las promos hayan venido por la forma de abordar "Samesugas", que tras su desarrollo del inicio vuelve por fueros de Black sueco clásicos con unas bajadas de tempo que me traen a la cabeza a SATYRICON en Nemesis Divina. A veces se resume todo sin tirar de etiquetas e historias, máxime cuando el nivel compositivo de esta joven banda es tan altísimo. 


Hablaba de Black Noruego y así suena la monumental y salvaje "O Espertar", aunque hagan paradas más lentas en el Black Thrash sueco y jueguen al despiste. Muy variada y con regusto de OPETH en la guitarra solista de "Na Distancia" y hasta algo de Heavy Metal y Power Metal (vaya, podríamos resumir que tiene un toque a la NWOBHM) en el arranque de "O momento é Xa", uno de los temas más potentes del disco a todos los niveles tanto en sonido y brutalidad como la versatilidad de estilos que abarca (imagino que lo de compararlo al Thrash americano ha tenido que ser por este corte, pero que si uno lo analiza con detenimiento lo que más sale a la superficie es lo sueco). 

Todo un pedazo de himno donde resaltan unas voces especialmente bien trabajadas, algún que otro toquecito a MEGADETH época Rust in Peace quizás, pero sin perder el Norte Black. Yo lo más americano que escucho en DIOIVO es eso y ciertos arranques a lo EXODUS quizás, pero de ahí a destacarlo como característica propia yo no llego (a lo mejor soy incompetente en estos menesteres, que podría ser).

El colofón a un disco de tal alto nivel lo pone "Lobishomes". Pagan Black en su máxima esencia que pone en el punto de lanzamiento a esta joven banda que parece que llevaran toda la vida tocando. Hay mucha técnica pero para mi gusto lo que prima es que han sabido enfocar su música en un punto perfecto de equilibrio entre melodía y brutalidad. Muy, muy recomendado.

miércoles, 9 de enero de 2019

HÍBRIDO - " I " (SPINDA RECORDS; 2019)


El orden de este texto es este. Primero os suelto una reflexión metafórica, luego le paso la palabra a SANDRI POW, en una entrevista cara a cara con fotografías de archivo inéditas; para rematar la faena un servidor con una reseña del disco debut de HÍBRIDO. Si no os gusta el orden podéis girar la pantalla al gusto o batirla para mezclar las palabras. El orden de los factores altera el producto en vuestra mente, pero no en la realidad.

Pues bien, coged una gran piedra. Un canto rodado. Pesado, grisáceo y duro. Hacer un boquete de unos 4mm de diámetro y dos centímetros de profundidad con un buen taladro. Lo siguiente es meter un jack dentro del orificio que vaya unido a un cable largo que termine en una guitarra cargada de pedaleras que a su vez se conecte a un Nagra de bobina abierta. 

Lo siguiente es algo más complicado. La magnífica portada del disco de HÍBRIDO, obra y arte de ANTONIO RAMÍREZ, tenéis que llevarla a antiguos maestros vidrieros y que os la reproduzcan en cristales de colores a un tamaño aproximado de 40 por 40 metros (si se quiere se puede). Yo, que he analizado la portada con lupa y un viejo Quimicefa, os puedo asegurar que está fabricada con la Proporción Áurea o Phi, y que cada cosa tiene la medida que tiene que tener y no otra.

Os lleváis todo al campo. Cogéis el canto rodado y encendéis la pedalera, la guitarra y el magnetófono (conectar a una corriente telúrica que pase por allí según el mapa "Corrientes telúricas de andar por casa y trashumancia bioenergética en el Olivar sureño"; Editorial VicensVives, 1939) y luego lanzáis la piedra con todas vuestras fuerzas al centro de la vidriera, puesta en un andamio de pie. 

El sonido recogido de la demolición de esta obra de arte áurea, caleidoscópica y ciliar, quedará plasmado en cinta con asombrosos resultados, pero no queda ahí la cosa.

A continuación, podréis comprobar con vuestro microscopio electrónico de bolsillo que cada cristal desparramado reproduce a la perfección a su vez la portada entera. Cada mínima parte, esquirla de cristal incluso, es parte de un todo indisoluble. Luego, cada parte de cinta magnetofónica que cortéis, por pequeña que sea, reproduce la totalidad del disco. Uniendo en una probeta cristal y cinta, y disolviendo a placer, se obtiene una mezcla de dos géneros... un HÍBRIDO.

Esto que habéis leído, hijos e hijas, es la puta psicodelia. Si no entiendes lo que te he mostrado, es que posiblemente tu cerebro se hay vuelto piedra pómez de tanto Stoner. Abre tu mente y tus orejas y despójate de esa maldita etiqueta que portas por bandera como un traje de pana añejo. Cuando lo hagas... VOLARÁS.

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Hola Sandri, es para mí un placer entrevistarte. PUSSYWORM, MIND!, ATAVISMO y ahora HÍBRIDO… veamos, ¿cuándo fue la primera vez que tuviste un acercamiento digamos serio a un instrumento musical y cuál fue? ¿Tienes estudios musicales o aprendiste por ti misma?.

El placer es mío, Antonio.  Recuerdo desde bien pequeña que no paraba con esos tecladitos Casio y escuchando música 24h, pero fue la guitarra la que me enamoró; siempre fue mi instrumento frustrado, pues aunque sé tocarla (mi padre me regaló mi primera guitarra cuando cumplí 8 años) no me dedico a ello regularmente, lo mío es la sección rítmica, sin duda, y es lo que toco normalmente en las bandas en las que milito. 

Yo he sido, y soy autodidacta; con 10 años, mi padre me apuntó al conservatorio para estudiar Solfeo, pero al cabo de 3 años me aburrí y lo dejé, ni siquiera pude elegir mi instrumento, y tanto pentagrama, tantas hojas…al final yo lo que quería era tocar. Deseaba llegar a casa después del cole, para poner los cassettes y cintas de vídeo de infinidad de bandas de los 90, y aprenderme sus canciones a la guitarra, a mi manera.

Fue en el año 2004 cuando me senté en serio delante de una batería, para tocar canciones de “The Gun Club” en un proyecto con unos amigos, finalmente descubrí que era mi instrumento natural.

Ya que estamos, es de rigor que me hables un poco a modo de biografía de tu trayecto personal por bandas. Sé que en PUSSYWORM estuviste involucrada y ahí conociste a los grandísimos Yaiza y Fernando de R.O.L.F. con los que te une una férrea amistad.  Háblame un poco de estos primeros tiempos y escarceos musicales (si hay alguna banda que se me haya pasado no dudes en hablar de ella).  

¡Viejos tiempos! jejeje. PussyWorm comenzó en el año 2010, aunque anteriormente, ya tocaba en  algún que otro grupo con viejos amigos de aquí de Algeciras aunque sin mucha trascendencia; fueron mis comienzos como batería, desde el año 2004 al 2009 o así. 

Años antes,  ya tocaba el bajo, y a veces guitarra, en algunos proyectillos, algunos de ellos con Mateo (Atavismo, R.O.L.F., Buenamuerte Trío), y fue a través de él que conocí a Yaiza y Fernando; en un concierto de R.O.L.F le dije a Yaiza “Tú y yo tenemos que montar un grupo” y de ahí nació PussyWorm. El mismo año (2010) Mateo y Poti me comentaron de unirme también a ellos como bajista en Mind!... ahí comenzó a rodar todo.


Algeciras parece estar que arde. No me atrevo a hablar de escena porque más bien es como una especie de familia musical pero es de rigor preguntarte qué significa para ti VIAJE A 800, banda de culto donde las haya.

Para mí, Viaje a 800 ha sido más que un referente musical; en mi opinión, una de las bandas más importantes que ha dado el Sur de este país en las últimas décadas. Es la confirmación de que aquí siempre hubo una magia especial.  Poder ver a VIAJE en directo en sus comienzos y con toda su evolución es para mí uno de los recuerdos más preciados que guarda mi memoria, hubo un antes y un después con ellos…lástima que se les haya valorado más ahora que en su momento, pero más vale tarde que nunca.

Me considero privilegiada de poder tocar con ellos en otras bandas. Cierto es que aquí somos todos como una familia, conozco a Poti desde que éramos unos enanos, vivíamos al lado, y al resto los conozco de estudiar en el instituto, imagina. Todos somos chic@s de barrio, lo único que queríamos era tocar y pasarlo bien.

Con algunos de sus miembros compartes carrera musical y llega un momento para mí tremendo que es la publicación de “Stunde Null” de MIND!. Ahí Mateo se encargaba de la guitarra, Sergio de la Batería y tú del bajo, pero poco después hacéis una permuta y pasas a la batería. ¿Puedes hablarme un poco de qué ocasiona este cambio en la formación y la creación de ATAVISMO?.

Comenzamos Mind! con esa formación debido a la salida de Kiko Salvatierra, el anterior bajista, que se marchó a trabajar al extranjero (2010). Estuvimos trabajando en los temas existentes y componiendo algunos más para grabar lo que finalmente fue “Stunde Null”. 

Los turnos de trabajo principalmente fueron la causa de que no pudiéramos tocar lo que hubiéramos querido ni en definitiva, seguir con la banda; A finales del 2013 decidimos dejar el proyecto, puesto que por motivos personales, cargas familiares, trabajos, etc. nos resultaba frustrante no poder seguir adelante como nos gustaría. 

Poti y yo teníamos claro el seguir tocando, aunque decidimos cambiar totalmente el concepto y consecuentemente los instrumentos, al menos en mi caso. Creamos Atavismo muy poco después de abandonar Mind!; necesitábamos bajista y finalmente pensamos en Mateo, que aunque tocaba la guitarra, quizá pudiese funcionar…y hasta hoy.


Quien te haya visto tocar en un escenario sabe que te dejas la piel en el instrumento y eso se nota. ¿Qué es para ti la música? ¿Qué estilos te gustan?.

Para mí lo es todo. Sé que es la respuesta fácil que daría cualquiera, pero he sacrificado muchas cosas por la música, me ha costado mucho esfuerzo, tiempo, sacrificio personal y físico…pero las satisfacciones que me ha dado y me sigue dando, no las cambio por nada.  Mientras el cuerpo me responda, lo seguiré haciendo pues es lo que sé hacer!. Por suerte, mi chico también es músico y comprende perfectamente mi manera de vivir.

Me gusta todo lo que sea capaz de removerme dentro. Siento debilidad por la década de los 70… el progresivo, la psicodelia, es de lo que más, pero no puedo tener favoritismos puesto que soy muy ecléctica…desde Black metal a la Rumba, pasando por el Flamenco (el de verdad), el Blues, el Folk, el Jazz, el buen Pop…doy oportunidad a todo; en definitiva, Rock siempre.

Con ATAVISMO habéis conseguido crear un monstruo. La base podría estar en TRIANA, SMASH y el rock progresivo andaluz, pero el toque original que tenéis se funde de lleno en los años 70 o en cosas tan distintas como la psicodelia sueca de DUNGEN y bandas así. ¿Creéis que estáis todavía en crecimiento como banda? Lo digo porque los trabajos que habéis editado hasta la fecha han puesto un listón tan alto que tiene que dar algo de vértigo…

Muchas veces nos preguntan si componemos la música de manera premeditada, quizá a veces parezca que sí, pero no es así. Todo en Atavismo es puro sentimiento, a la hora de tocar, a la hora de componer, a la hora de grabar… Nosotros hemos crecido desde la humildad y lo seguiremos haciendo siempre, una banda, si ama la música y quiere seguir manteniéndose viva, tiene que seguir creciendo y aprendiendo. 

En el momento que empiezas a repetirte, estás condenado a una muerte segura, siempre lo digo. Los trabajos que hemos editado, no son más que un reflejo de nosotros mismos, de lo que sentimos en el momento en que los creamos. Veremos a ver que nos depara el siguiente disco…


Antonio Ramírez es vuestro ilustrador de siempre. ¿Cómo llegáis a conoceros y qué tiene su trabajo para haberlo hecho ilustrador de honor de vuestros artworks?. 

Antonio, como bien sabéis es el regente de la loada web Mentes de Ácido, personaje ilustre para nosotros, buen amigo, y mejor artista, no hay más que ver sus dibujos. Siempre ha sido alguien que ha apoyado y defendido la escena underground en este país, y ha dado justicia a ella con diversos festivales y regularmente con entrevistas, artículos y reseñas en la web. Pero lo principal es que ama la música al igual que nosotros, y eso le da un punto extra a todo, pues la manera que tiene de crear cada obra, es inspirándose en la música que su obra va a presidir.  

Para mí, es como su visión de nuestra música plasmada en un papel… puro arte. Me encanta todo lo que hace, y desde aquí quiero darle las gracias por todo lo que nos ha ayudado siempre, en todos los sentidos. 

Antonio también fue una de las mentes pensantes detrás de los dos volúmenes de SESIONES ÁCIDAS, en el segundo de los cuáles tu participas y os hermanáis con grandes músicos de la escena sevillana. Esa conexión Algeciras – Sevilla me parece particularmente fructífera. Háblame de cómo surgió el tema, anécdotas de grabación… lo que quieras.

Hace un par de veranos, Antonio nos comenta a varios de nosotros la idea de grabar un nuevo volumen de SESIONES ÁCIDAS y nosotros, como nos apuntamos a un bombardeo, decimos que sí…total, tener la posibilidad de poder echar un rato tocando con unos grandes cómo Marco Serrato (Orthodox) y Juan G. Acosta  (Malheur, Naja Naja) es algo que no podemos rechazar, menudos genios. Todo fue un poco locura en verdad. 

Vinieron a nuestro local de ensayo, y llamamos a nuestro amigo Jose Ortega para que desplegara todo su arsenal de micros y movidas (ya nos grabó anteriormente algunas otras cosas allí). Ya en el local solemos entrar justitos con tanto cacharro, imagina teniendo que grabar.

José Ángel a la guitarra, Juan G. a la otra guitarra, Marco al Bajo, Poti con los sintes y yo a los palos. Una gozada aunque al principio fue algo extraño pues no nos oíamos bien y demás, pero cuando nos calentamos fue muy guay. Echamos la mañana, y nos fuimos a comer. Barbacoa y piscina para un cálido día de Agosto y luego vuelta al trabajo. Incluso después se cambiaron instrumentos entre ellos, por hacer locuras. Sólo yo era baterista, así que tuve que conformarme con repetir, jejeje. 

Al final, ni miras cómo ha quedado, sino la buena experiencia que te llevas de tocar con amigos y echar un estupendo día juntos, y poder tocar con grandes músicos.  Antonio fue el artífice de todo,  se encargó de que quedase como quedó…una vez más, Gracias!.


Llegamos a HÍBRIDO, un artefacto impresionante que encandila a SPINDA RECORDS y os ficha para vuestro debut. Empecemos con la formación. Quiénes sois HÍBRIDO y cómo echáis esto a rodar.

Bueno, pues Híbrido se forma más o menos a la par que Atavismo, sólo que cómo siempre, el tema del curro y demás pues dificulta a veces los ensayos y la posibilidad de emerger antes de lo que lo ha hecho. Híbrido somos: Zoa Rubio (Los Bradlys) y  José Ángel Galindo (Viaje a 800) a las guitarras, Poti al bajo y yo. 

Zoa comenta a Poti, mientras tomaban unas cervezas, que tiene varios temas e ideas y ahí surge la idea de montar una banda. Enseguida me llaman para preguntar si me uno al proyecto, y al poco de aquello, comenzamos a ensayar. Poco después contemplamos la idea de que José Ángel se una, y ahí empieza todo. 

Ensayando cuando podemos, y dando forma a esas ideas que Zoa nos mostraba. Al final cada uno de nosotros aporta lo que es necesario para que el disco finalice tal cual está.

¿Cómo definís a HÍBRIDO y qué nos aporta que no nos de ATAVISMO?. Está claro que el sonido tiene algo más arty y quizás alternativo, pero me imagino que llegará un momento en que componiendo o ensayando saldrán ideas que tendréis que ir repartiendo entre las bandas, no?. Y a propósito, ¿cómo es el proceso de creación de un tema en ATAVISMO y en HÍBRIDO?.

Híbrido es algo totalmente diferente a Atavismo, tanto en la manera de tocar, como en las estructuras de los temas o la música en sí. Lo único exacto a Atavismo es que yo toco la batería en ambas bandas porque Poti, aunque también toca en las dos, en Atavismo es guitarrista y en Híbrido es bajista, y ni siquiera mi manera de tocar tampoco es la misma. 

Son bandas con conceptos diferentes, caminos diferentes, desarrollos musicales diferentes, registros de voces diferentes… entiendo de alguna forma que desde fuera no se perciba así en algunos casos, pero nosotros que lo vivimos desde dentro, lo vemos bastante claro. Ambas bandas aportan sensaciones diferentes.

Zoa es el principal artífice de las ideas de Híbrido, con lo cual ya hay ideas que no se compartirán con Atavismo. Normalmente Poti  trae ideas a Atavismo e incluso yo, partiendo de riffs o de ritmos, y al instante sabemos si valen para una banda u otra. 

El proceso es prácticamente el mismo en ambas bandas, todo parte de una idea que alguien suele traer y la expone a los demás. Cada uno con su visión, se va creando el tema , su estructura, sus cambios…todo. Se improvisa y se prueba. Los temas son un confluir de la energía de cada uno de nosotros. 

Un tema puede tardar días, o semanas o a veces meses, hasta que queda del todo terminado.

Pues vamos terminando. ¿Proyectos de futuro?. Imagino que un montón. Ha sido un placer y despídete como te apetezca!.

Proyectos de Futuro? Pues yo que soy adicta a vivir el presente, porque es lo que verdaderamente importa en la vida, mi proyecto es  vivir el momento actual tal como lo estamos viviendo: llena de ilusión por el nuevo disco, con fechas cerradas en  grandes festivales, fechas cerradas en grandes salas, grabar con Galvao, otra banda que tenemos (esto ya otro día lo hablamos) y lo que esté por venir. En breve empezamos a componer nuevas cosas para Atavismo, y es algo que me encanta, así que a seguir adelante, que no es poco!

Muchísimas gracias por la entrevista, es un gran honor para mí ser protagonista de ella, pero he de decir que, en la música, no sería nada sin todos los que tengo a mi lado y por supuesto, sin todos vosotros. Gracias, de todo corazón.

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El sello SPINDA RECORDS vuelve a apostar por Algeciras como centro neurálgico de un rock psicodélico tan personal como intransferible. Si con VIAJE A 800 teníamos una visión de acidez dura y férrea, con MEDICINA lo lisérgico es algo cuasi farmacéutico, con ínfulas de Shoegaze preciosista. Por otro lado, BUENAMUERTE TRÍO habían despojado todo a la esencia base, molécula perversa de acritud Noise, que bandas como R.O.L.F. han llevado a su terreno Doom.

Como una panspermia, de repente llegaron MIND! a rellenar ese hueco que dejaron VIAJE A 800... o a continuar un legado, la historia dirá, y tal y como se ha leído en la entrevista, pronto la experimentación cuajó en la solidez de ATAVISMO, herederos por derecho de un Rock andaluz que creíase perdido, progresivo en suma, pero alquitranado con la maestría Fuzzera de un todoterreno como Pot, que usa un amplificador que sospecho está conectado con la lejana Kadath

Jose Angel "Oceano" Galindo (cítara de colores), Zoa Rubio (madera mántrica de seis hilos), Jose Pot (amarre de las cuatro galeras del Mítico Océano Cósmico, los cantos aurales y la tecnología nanomolecular), y Sandri Pow (Forja del Metal Híbrido). 

Colaboraciones especiales de Koe Casas (a la Sala de Mandos Soviética) y Jorge García (Speaking in Tongues en "El Ente"), la clásica marca de la casa de los ESTUDIOS TRAFALGAR por Curro "Snortil" Ureba (M.I.S. o moldeado inteligente del sonido). Edita SPINDA RECORDS (La Casa) y el artwork ya he comentado que es de Don ANTONIO RAMÍREZ (Sastre Real en Mentes de Ácido).

Ellos son los que han parido este pedazo de disco que suena atemporal, de difícil etiqueta y que si uno indaga en la formación, verá que es una vuelta más de un Cubo Rubik que nunca se congela. Explicar más es de tontos.


Cuando estalla la melodía de "Pensando en un Eco de un Instinto Interior" tengo una maldita sonrisa en toda la jeta. Si tuviera que definir las sensaciones que me evoca el timbre característico de la voz de Pot, la base rítmica lenta pero insistente y las cantarinas guitarras es la de arder. Lo dice el tema... "vas a arder", y yo tengo la sensación de que voy a reventar de calor en un orgasmo infinito mientras voy atado a un puñetero reactor en un cohete que se dirija vete a saber dónde. 

La guitarra rítmica persistente, a lo suyo, mientras un riff magnífico aparece en los intervalos instrumentales y desaparece en desparrame orgiástico de fuzz en cuanto aparece la voz. El bajo taladra boquetes por los que caben los remaches secos y expresivos de la batería. Cercanos al progresivo psicodélico de la escudería EL PARAÍSO, TRANSUBSTANS o SULATRON, pero sin perder esa fuerza que se les presupone por venir de géneros más duros.

"Nada, Nadie" resulta incluso más Indie de lo esperado, quizás por el juego de voces de toda la banda haciendo coros y enchufados a un ritmo casi bailable, de guateque espacial y de Shoegazing en gravedad cero. Influencias del Noise Rock, de ALICE IN CHAINS, de SONIC YOUTH, de los 90 y el Grunge se mezclan con una sabiduría infinita para hacer que una melodía que aparentemente no se mueve te de la sensación de estar en la cola de un cometa. Es curioso, pero casi que hay algo de Glam Rock Garajero en este tema.


Más introspectiva es "Escarlata", flotante aurora boreal de Space Rock en la línea de bandas suecas como DUNGEN que llevan la Psicodelia, el Progresivo, el Folk y el Post rock a un nivel de sutileza algodonosa. Es más, porque tengo las letras delante, pero esa forma de trabajarse los juegos de voces son muy propias de las bandas escandinavas. Muy bueno por cierto el solo de bajo, adornado con las explosiones coloreadas de la guitarra en modo nana cósmica que acaba mutando y pasando a primer lugar para desarrollar otro extenso solo maravilloso, al mismo tiempo que los mellotrones acicalan el conjunto. Si el Prog Folk existe, es esto.

Vuelve la fuerza y la pegada durísima en "Les Pilules Vertes", Heavy Psych capitaneado por una soberbia labor de la batería que mantiene un pulso inalterable para que se explayen el resto de instrumentos. Acidez en grado sumo en las voces lánguidas, en los picos de teclados deudores del Prog Rock y con ese impresionante estribillo a lo TRIANA, SMASH o los propios ATAVISMO


Esa forma de mecer al oyente y de acunarlo es ya marca de la casa... es coger a los GRAND FUNK y vestirlos con VANILLA FUDGE y HAWKWIND... es cabalgar en un pájaro gigante de colores imposibles mientras los pantalones de campana hacen de paracaídas en un descenso en picado en un planeta extinto. Hay tantos, tantos detalles en el clímax instrumental del tema que podrías perderte para siempre; guitarras que dialogan entre ellas en cuneiforme, teclados que sobrevuelan al más puro estilo Jazz Rock alemán (y Kraut, venga), la gordísima base rítmica que se traga de un tirón todos los manuales de Rock Espacial a lo primeros GONG y lo devuelve con todas las líneas subrayadas... una intensidad a base de fogonazos de sintes disuelve todo en el éter (AQUA NEBULA OSCILLATOR, YURI GAGARIN...) y yo tengo que tomar aire.

Si crees que lo has escuchado todo, mezcla lo anterior con el Post Rock de MOGWAI, los más acústicos NEUROSIS y métele las voces black metaleras de Jorge García de ADRIFT en "Ente"

El resultado... el resultado es amenazador. 

El resultado, me lo describes tú.





martes, 8 de enero de 2019

VOIGT/465 - "SLIGHTS STILL UNSPOKEN,1978-1979" (MENTAL EXPERIENC; MENT013, 2017)


En mi primera reseña sobre trabajos editados por el gran sello GUERSSEN tenía que poner toda la carne en el asador, así que para ir sobre seguro lo mejor es elegir una de esas joyas enterradas que rescata su subsello MENTAL EXPERIENCE (que por cierto hace poco nos trajo las reediciones de LOS INICIADOS o los primeros trabajos de AVIADOR DRO). 

Lo primero antes de nada es recomendar el sello, especializado en rescatar obras oscurísimas de psicodelia, kraut, folk y garaje, y que lleva en la brecha nada más y nada menos que desde 1996, que no es moco de pavo. Este tipo de sellos, al igual que MUNSTER o WAH WAH, hacen una labor tan grande por la música que puestos a comparar con otros a nivel extranjero estarían a la altura de LONG HAIR, GARDEN OF DELIGHTS o qué se yo... SUNDAZED RECORDS

Hecha la introducción, paso a la banda en cuestión, nada más y nada menos que VOIGT/465. Provenientes de los suburbios de Sydney y con una efímera vida discográfica, pero vaya sonido abrasivo que se gastaban Rod Pobestek (guitarra), Lindsay O’Meara (bajo), Phil Turnbull (sintes, órgano y voces), Rae Macron Cru (voces) y Bruce Stalder (batería, sustituido en 1978 por Mark Boswell), cinco amigos del instituto que en 1976 ensayaban y grababan con el fuego que da la adolescencia.


Cambios de formación, la marcha del bajista a los grandes CRIME & THE CITY SOLUTION de Melbourne, pero antes de disolverse una brutal grabación, Slights Still Unspoken que formaría tal revuelo en 1979 que serían elegidos "banda de 1979" en la prestigiosa publicación de Clinton Walker INNER CITY SOUND, que documentaría toda la escena Post Punk australiana (algo así como el libro/cdrom THE CRACK IN THE COSMIC EGG con la escena alemana y el Kraut) y que se puede más o menos consultar en digital por aquí: http://www.innercitysound.com.au/

Esta fabulosa grabación ha sido remasterizada y vestida de gala por el subsello MENTAL EXPERIENCE de GUERSSEN en los formatos Vinilo, Cd y Digital, incluyéndose cupón con algunos extras tan atractivos como versiones de FAUST, CAN o ROXY MUSIC (casi nada). Además, Phil Turnbull colabora con fotos de archivo y las liner notes, imprescindibles en este tipo de ediciones arqueológicas y más si tenemos en cuenta que la primera (y única edición salvo un repress con distinto artwork y una compilación en CD de 2001 creo) del disco OFICIAL fue en Lp por Unanimous Weld Enunciations, que además sacaría algún single de la banda. Copias del vinilo original han llegado a precios que rondan los 180 euros en discogs.


El disco se abre con los dos temas pertenecientes al 7" State / A Secret West. La variedad estilística es sencillamente apabullante, pasándose con facilidad de un primer corte casi Pop Garajero como es "State" a una especie de rendición al Rock en Oposición de NEWS FROM BABEL con sintes extrañísimos que recuerdan a un cruce entre PERE UBU y algo Zeuhl en el segundo corte "A Secret West"

Un penetrante bajo, suciedad punkarra en la guitarra a lo THE POP GROUP junto a unos duetos insistentes en las voces pero un gusto por la experimentación que los lleva de cabeza al Art Rock de HENRY COW o CASSIBER en el siguiente tema "Voices a Drama", con unos serpenteantes riffs de guitarra agudos que dialogan con unos sintes/efectos que podrían cohabitar el mundo bizarrísimo de los ALIEN SEX FIEND, CHROME, HELDON y otras luminarias, aunque si hay que citar a alguien en las entonaciones casi extraterrenales de Rae Byrom es a SLAPP HAPPY y DAGMAR KRAUSE (salvando las diferencias, se entiende).

Vuelve el R.I.O. y el regusto a MAGMA en la rápida "A Welcome Mistery", aunque pronto se cambie de ritmo hacia otra cosa. Especial mención a las percusiones... incisivas y más cercana al Free Jazz y la Impro que al propio rock. Si esto es Post Punk o New Wave a secas tendrán que reescribir los libros de historia musical porque en un mismo tema son capaces de sonar a un cruce entre los hermanos bastardos de ROXY MUSIC y cosas que podrían recordar al rock proto Industrial incluso, caso de "Red Lock On See Steal", plagada de percusiones de todo tipo, Noise malsano y algo de EINSTURZENDE NEUBAUTEN.


Fantástico como el tema se va deslizando hacia una especie de Jam sin control deudora de los locos alemanes FAUST, que eran auténticos especialistas en crear un Maremágnum de antimateria antes incluso que los propios Einsturzende. El salvajismo de los STOOGES unido al chorreante plástico del GLAM ROCK y BOWIE, la complejidad de CAPTAIN BEEFHEART con la agresividad ultraamplificada del Psych de los sesenta... todo eso y mucho más en un mismo disco puede volverte literalmente majara. 

Sin respiro sigue "Imprint", amenazador, agrio con esas guitarras afinadas tan altas y los jugueteos antediluvianos de sintetizador. La fuerza de VOIGT/465 radica en la mezcla de todos los elementos que rompen con cualquier esquema preestablecido y dejan en pañales a muchas cosas entronizadas que se estaban haciendo en Australia por aquellas fechas. No sé, pero hacía tiempo que no escuchaba una mezcla tan perfecta y equilibrada de agresividad Punk y Noise Psych con el aliciente de que esto se grabó nada más y nada menos que en 1979.


En "Many Risk" hay atisbos del Thrash que estaba por venir, y que me corten un dedo si no parece que estoy escuchando una versión prototipo de ANTHRAX pero en clave Post Punk. Alucinante la base rítmica y el fundido de plomos del final, que se enlaza con un ritmillo oriental (egipcio) ultrapegadizo en "Is New Is". Plomiza, insistente pieza de rock and roll esquizofrénico que ya quisieran para sí la mitad de grupos que se autocatalogan de Psych. 

Fantástico el inicio de la guitarra en "4 Hours" que casi parece sacado de un grupo Downtown Neoyorquino. Si uno le mete saxos parece estar escuchando a los NAKED CITY. Fantástico también el bajo con un obsesivo recorrido por el mástil que te deja un almizcle de Noir en el paladar; la batería claustrofóbica donde las haya (no sé si será porque el disco parece sonar en Mono, o como si se hubiera grabado en una sola toma, pero la fuerza que transmite no es de este mundo), tanto en tempos rápidos como en la más lenta "P", con un dueto vocal deconstructivo entre Rae Byrom y Phil Turnbull que te eriza la piel. Corto y a la yugular.

La experimentación en capas de cebolla de "F1" es muy a lo tape collage y la creación de los primeros samples en CASSIBER. El ambiente pulsátil  creado con la percusión (no me quito dela cabeza a CHRIS CUTLER) anticipa muchos discos de Noise venideros y el acabado final tiene más de FRED FRITH que de la propia escena Australiana en sí.


Como colofón y contraste extremo la juguetona "Winchsoul" cerrando el disco, alienígena donde las haya, con percusión limitada a un simple redoble de tambores, las histriónicas homilías vocales y los circulares riffs de guitarra.

Se añaden dos cortes más. El ominoso "And the Following Page" que me recuerda mucho al underground checo de DG307, las primeras versiones de la Velvet en THE PLASTIC PEOPLE OF THE UNIVERSE o los más estilizados PULNOC. Pensándolo muy a fondo, creo que otra comparación acertada podrían ser THE FALL, pero bueno, el abanico se acaba abriendo tanto que voy a tener que buscarme una grúa industrial para cerrarlo. "So Long As One Knows" finiquita el asunto con un exquisito Punk Psych de esos que te crees que son para bailar pero que cuando menos te lo esperas te han lavado el cerebro. Impagable el psicodélico clímax lento final cargado de wah wah, pianos atonales, voces sinfónicas y una belleza indescriptible tras tanta tormenta sonora.

Os dejo también una excelente página del propio Phil Turbull sobre toda la escena Post Punk australiana que no tiene desperdicio: http://www.nonightsweats.com/

Resumiendo, una joya como una catedral de OBLIGATORIO CONSUMO.





lunes, 7 de enero de 2019

VÍCTOR VÁZQUEZ - "ESSAYS IN IDLENESS" (GRUPPO UNGIDO; OU#38mu22, 2018)


Posiblemente esta sea una de las reseñas más complicadas a las que me he enfrentado. Lo primero que me ha dificultado sacar esta reseña es la extraña edición del disco; me explico. La grabación de VÍCTOR MUÑÓZ VÁZQUEZ data en origen de unas improvisaciones muy particulares de 1996, con el objeto de completar una trilogía que resulta inacabada en su tercer volumen (el segundo se acomete por el autor en 2001). 

Su edición (fabricación) en físico es de hace 3 o 4 años pero de forma no oficial; es decir, a mí me la hizo llegar A.L.GUILLÉN y me dijo que sería una futura edición pero faltaba un texto del autor que diera coherencia a más de 110 minutos de guitarra acústica en puro y genuino homenaje a DEREK BAILEY o el teatro japonés Gagaku. 

Se me antoja un innecesario hablar en profundidad de todo esto cuando el texto explicativo es tan revelador y por motivos que si sé no diré, y si no sé no puedo decir, dicho texto no llega hasta hace escasos meses y vaya si la espera merecía la pena.


Un apabullante desplegable en papel cebolla a cargo de MARA B. STONES contiene una abigarrada reflexión sobre la "remembranza, trascendencia, lo imperecedero" o Tsurezuregusa que a modo de guía inspira desde la sutileza de lo inconsciente a todo un todoterreno como es VÍCTOR MUÑOZ. Obra escrita por URABE KANEYOSHI (conocido como KENKO YOSHIDA) posiblemente entre 1334 y 1339 y que entra dentro del género literario japonés ZUIHITSU, que en resumidas cuentas diré que es improvisación literaria del pensamiento.

La Obleah en cuestión es un precioso digipack autofabricado con dos cds rojos (las dos caras son de dicho color) como el zumo de un par de sanguijuelas de veraneo en un balneario andaluz plagado de extranjeros, y embozado todo en un precioso sobre Kraft con el distintivo sello de GRUPPO UNGIDO. Sigo con el autor.

Adentrarse en la figura de un músico como Víctor es muy complicado. Nacido en 1956, integrante de grupos como POLANSKI Y EL ARDOR, PYEA, MCDUFF COLUMN, CLÓNICOS o la actual ORQUESTA FOCO o mis adorados ALMAYATE, quinteto de improvisación libre de los que he escrito en diversos sitios hasta perder las huellas dactilares.

Es mejor pasarse por la página de GRUPPO UNGIDO para tener una visión global de su obra: http://gruppoungido.net/victor.html.


(Polanski y el Ardor)

Después de leerse el impresionante texto a uno se le puede caer la cara de vergüenza nada más que de intentar siquiera reflexionar sobre una reflexión (valga la redundancia) tan personal y bien hilada. La vía de la iluminación a través de la improvisación y el carácter pseudomonástico que arropa cada una de las notas de la guitarra de Muñoz poseen el hermetismo de lo esotérico, y tratar de entrar en ese mundo tan ilusorio (Maya) como engrandecedor (Satori) podría dar como resultado que yo me diera un profundo batacazo, además de que tratar a esta colosal obra con las herramientas habituales con las que por ejemplo podría despiezar un álbum de metal es casi imposible.

Así que me vais a permitir que me vaya por la tangente y que lleve esta reseña a mi terreno y al más puro modo mediúmnico invoque la música de Muñoz para aplicarla a mi psique, o dicho de otro modo, que os cuente con mis palabras qué capto yo en Essays in Iddleness

Porque una cosa es la génesis de la música para el que la compone, otra es cómo acaba (hago aquí homenaje también al texto con esa gran reflexión de que lo verdaderamente importante de todo es el comienzo y el final, extremos unidos mediante el hilo umbilical de la incertidumbre) y otra bien distinta lo que sugiere al oyente. Por tanto, me llevo Essays in Iddleness a mi AQUÍ y a mi AHORA.


Essays in Idleness te atrapa con la atonalidad de una guitarra no armónica tocada en una afinación tal que inevitablemente me lleva a la cadencia ancestral, sinusoidal y percusiva del Gamelan. Las cuerdas más que rascadas parecen golpeadas por un palillo y su vibración nos llega a penas una microcentésima de segundo después para acompañarse a sí misma. Qué mejor acompañante que el silencio que provocas cuando dejas de tocar o la respuesta vibrátil de la misma nota que vomitas a este lado de la realidad. 

Nota mas eco mas silencio remite al ya citado Gagaku japonés, música que tiene ese marchamo del movimiento estático o discurrir circular que también es característica del Gamelan. Víctor usa todos estos elementos (de forma consciente o inconsciente) para buscar en el océano del minimalismo que citaba TOOP en su maravilloso Océanos de Sonido. No es entonces de mi invención que los grandes nombres como John Cage, Riley, Reich, La Monte Young y otros compongan sobre el silencio, o se hayan sentido tan atraídos por la música de Indonesia.

La sesión de 1996 que ocupa todo el primer disco tiene esa afinación distinta tan a contracorriente de la música occidental, y es lo que la acerca por tanto a la apertura hipnotizante de la raga, el canto vocal del Sur de India (Berala) o el citado Gagaku. Jugar con esas escalas y esas afinaciones trajo de cabeza a los minimalistas, que además con el añadido de la electrónica o el tape collage harían composiciones demenciales para sirenas, cañones, bombas o cualquier cosa que se os ocurra (para más datos, vuelvo a recomendar Océanos de Sonido de DAVID TOOP).

Es entonces cuando se me ocurre que dada la extensión de los dos discos y que puedes o bien hacer una escucha atenta o dejarla como fondo orgánico, que los Essays de Muñoz conforman un corpúsculo musical cercano al Ambient a su modo, o más bien al modo en que el Ambient fue concebido como concepto... y por ende a una especie de Muzak avanzado. 


Lo mismo suenan cascadas de notas de cariz orientalizante que la guitarra adquiere la compostura de un instrumento percusivo. Y digo yo que si hay factores medioambientales negativos que dan lugar a despertar determinados genes (eugenética) proclives al cáncer o la destrucción neuronal, por qué no considerar que este humus de guitarra, silencio y eco no pueda dar lugar a justo lo contrario... la apertura, modificación o incluso definitivo cambio de estructuras neuronales, combinaciones filogenéticas o al menos la inducción de un determinado estado de consciencia.

A todo lo anterior hay que sumarle que esto se trata de un homenaje a la figura de DEREK BAILEY, y quienes conozcan algunos de sus trabajos de vanguardia dentro del jazz británico, la experimentación y el avantgarde ya sabe a qué atenerse. Desde sus trabajos dentro de la SPONTANEOUS MUSIC ENSEMBLE (Karyobin, 1968) a duetos con EVAN PARKER  y HANK BENNINK (The Topography of the Lungs, 1970)

A partir de ahí, su atlas musical dentro de la disonancia o la descomposición dadaísta que era más propia de JOHN CAGE, engrosa un mapamundi, corpus sacralis o paleta narrativa de tal importancia que el género Improvisación Libre no puede ser concebido sin su figura.


La sesión de 2001 es recogida en el segundo Cd y abarca 73 minutos de música que sigue el mismo espíritu pero con la salvedad de que a pesar de jugar con los mismos parámetros expresivos, usa diversas afinaciones dotando al conjunto de más variedad. En ocasiones parece que los rasgueos de cuerdas son estertores y no vendrá nada luego, pero en otras lo que se construyen son Haikus mínimos sin aparente conexión pero preciosos en su acometida. 

El tercer corte por ejemplo es lo contrario... una falsa rapidez y sensación de movimiento dentro de una misma nota que se repite hasta la extenuación. Un espejismo, un velo de ilusiones que difuminan una realidad que brota con un simple cambio de ritmo dentro del conjunto. Es la puñetera aguja del pajar, la oveja negra de la humanidad, la pescadilla que no tiene cola para morderse o un horizonte que se derrumba dentro de sí mismo. A partir del corte número 4 salen a relucir las influencias británicas del Free Jazz matemático y la libre improvisación de la SME y por ende, es un perfecto contraste que ayuda al oyente a conquistar el brutal puerto de montaña que se le presenta en el tramo final.

Atentos a la alucinante "Airy Asymmetric Buleria". Deconstrucción en estado puro.

Una de las grandes bellezas del disco es que la cuerda, o la nota más bien, al ser de distinta afinación y estar tocada casi de modo percusivo, nunca termina de vibrar en su totalidad... es algo difícil de definir pero en una conversación esto sería un escopetazo de monosílabos. Las notas por así decirlo son de estructura cerrada, pseudo pianísticas, y cualquier parecido con el uso occidentalizante de lo acústico es mera coincidencia.

Essays in Idleness es una obra complejísima, dura de escuchar, pero que en conjunto son más de dos horas de Muzak Improvisatorio que te mece hasta no dormirte sino lo contrario, despertarte a la belleza de la IMPERMANENCIA.

Limitadísimo a 15 copias, en digital lo puedes obtener aquí:




domingo, 6 de enero de 2019

VÓMITOARTE 19... EVEN THE GREATER STARS



EVEN THE GREATER STARS... ((29,5 * 21cm)

+ Tinta China, lápices, corrector de juntas Bruguer +

jueves, 3 de enero de 2019

GRIMORIUM VERUM - "REVENANT" (VARIOS SELLOS, 2018)


Longevísima banda rusa GRIMORIUM VERUM (Syktyvkar, Komi Republic, no confundir con la banda Ecuatoriana) que se forma en 1996 y tienen hasta la fecha cuatro largos editados. El que os traigo es Revenant, publicado en régimen de coedición por SYMBOL OF DOMINATION, CIMMERIAN SHADE, BLACK METAL RECORDS y THE TRUE PLAGUE.

Reconozco que hacía eones que no escuchaba un disco de Black Sinfónico a la antigua usanza y casi se me caen dos lagrimones. Se me vienen a la cabeza grandes bandas como LIMBONIC ART, los DIMMU BORGIR o algunos trabajos de CRADLE OF FILTH... y tirando de bandas de aquí pues teníamos a los THE HERETIC, USER NE, ASGAROTH o SYMPHONIC MAJESTIC WRATH

GRIMORIUM VERUM tocan un excelente black sinfónico apoyado en unos mayestáticos teclados y una apabullante producción límpida y cristalina. Así, "The Born Son of The Evil" nos fulmina con su rapidez y giros y giros melódicos de gran calidad. El doble bombo parece que va a estallar en "The Kingdom of the Pain" donde noto influencias de MARDUK o DARK FUNERAL en las partes más crudas, aunque pronto vuelven a entrar esas teatrales líneas de teclados a lo DISMAL EUPHONY cuando entran los coros femeninos.


Otro punto a favor de la banda rusa es que los temas son excelentes, están bien compuestos y rebosan epicidad a raudales, como en "The March of the Northern Kings", otro corte muy cargado de vieja escuela y unas voces fantásticas. El hecho de estar construído sobre un medio tiempo le da un toque a himno que en directo tiene que ser de una potencia considerable... por lo demás, suena muchísimo (también las voces) a DIMMU BORGIR de la época "Enthrone Darkness Triumphant". Espacio para solos de guitarra incluso, lo cual no es baladí. 

"Blind Faith in Nothing" sigue la misma línea alternando fiereza con dramatismo como un reloj bien engrasado. Fraseos de pianos, toques neoclásicos y todo bajo esa producción limpísima. "The Light of Dark Father" es otra impresionante cabalgada donde todo está medido al milímetro. Me gusta sobre todo la forma en que tienen de parar la música metal, meter un interludio cinematográfico y volver arrasando con todo para finiquitar el tema por todo lo alto, algo que hacen en varios de los cortes y que hace que no te aburras ni un segundo con una propuesta a priori algo cansina.


Especial mención para "Revenant" que se sale de la tónica habitual y casi que suena a la época más gótica de CREMATORY, sirviendo de puente instrumental a "The Circus of the Dark Illusion", algo más anodino y que carece de la garra de otros cortes aunque sin ser malo en absoluto.

Más interesante es el misil de "Sacred Temple of Blood", que casi parece definir una década en la forma de componer de este tipo de bandas. Si se afilan las orejas se captan ecos a THERION época Lepaca Kliffoth pero con voces más black. 

Tramo final casi progresivo con voces limpias en "The Great Serpentine Saint" (excelente y melódico solo de guitarra cabalgando sobre el maremágnum de rapidez y brutalidad) y "The Devil´s Hands", magnífico para cerrar un disco del que no esperaba nada y que me se me ha quedado enganchado al reproductor.



HIPOXIA - "Ruinae Ira, Creans Ruina eo Tempore Est -Monumentum ab Khaos II" (THE WAY OF THE HERMIT; Maestitia II CD, 2018)


El nuevo disco de HIPOXIA me ha dejado totalmente descolocado. Si bien su Doomrehearsal (2009) apuntaba maneras, cuando me estalló en la cara aquel soberbio debut homónimo en 2012, Hipoxia, mi pódio de bandas dentro del Funeral Doom hispano tuvo que retocarse. Para reafirmar esto, luego vino la fabulosa cinta Split con GANGRENED editado en FÉRETRO RECORDS, al igual que su penúltimo trabajo hasta la fecha, el grandioso Si Devs Esset Occidendvs Erit -Monvmentvm ab Khaos I.

Después de todo este tiempo, cuando me entero de su fichaje por THE WAY OF THE HERMIT, subdivisión Doom de DARKWOODS, casi doy palmas con las orejas. Poco a poco voy consiguiendo detalles y ahora que me pongo el disco caigo totalmente rendido al trono de huesos pajizos que conforman el hábitat natural de esta grandísima banda de Madrid, que para la ocasión son:

K Drums 
JK Guitars & Noise 
E Nihilspells & Lyriks 
JM Guitars 
O.S. Bass & Deconstructions 
With the colaboration of Ü (Synths)

En cuanto a los detalles técnicos el disco se graba y masteriza en los HPX Studio por O. Speers & Hipoxia (Mar’17 - Jan’18) menos las baterías que se graban en Crystalcave by K (Mar’17). Diseño y aspecto gráfico es obra de THE BLACK TRIANGLE PRODUCTIONS, existiendo edición limitada a 40 copias con SlipCase y la edición normal en Jewel Case.


O sea, quinteto con un ángulo no euclidiano. Dicho lo cual, me gustaría hacer una reflexión antes de meterme de lleno en el disco. Invariablemente, a pesar del número de escuchas que llevo de él, su textura me transmite sin quererlo a un determinado momento de la historia del Doom/Death. La razón son esas lánguidas voces recitadas/susurradas dentro de un clímax épico pero a la vez ultranegativo... como si vinieran de un espacio lleno de materia negra. Pulso play y lo explico mejor:

El disco en cuestión, o EP, es Pentecost III de ANATHEMA, donde DARREN WHITE transformaba ya la voz en un elemento más con el que componer... el soundscape vocal, ese deje casi llanto que acaba impregnándolo todo es según mi humilde opinión, uno de los elementos centrales que caracteriza esta monumental obra de HIPOXIA. Pero claro, el grueso musical aquí es suma de diversos elementos; por un lado esos primeros ANATHEMA pero despojados de cualquier atisbo romántico que se nos pueda ocurrir, y metiendo las melodías en una grumosa melaza a lo EVOKEN, dioses capaces de amortajarte en vida con repeticiones hasta la extenuación de un mismo motivo musical. 


HIPOXIA mantienen intactas sus características pero han crecido tanto como músicos que son capaces de darnos dos temas en 38 minutos y no aburrir ni un sólo instante. Guitarras que se crecen, que se expanden, que emulsionan y evaporan. Una batería que me recuerda a grandes bandas americanas como SPECTRAL VOICE o tirando más atrás de los mismos MORGION. Las voces limpias, lejanas o pegadas a nuestra misma faz escupiendo desde el mismo estómago frases guturales remanentes de su inquietud por el Drone aunque el conjunto a mí me traiga a la cabeza otras cosas.

Esto ha sido "Urine on sacrifice's wounds" que se difumina de forma más experimental con la pieza corta de teclados en "Nexus".

Por otro lado, "Purification Through Amok" tiene una faceta más ritualista (aquí entra de lleno el Drone) con toques a grandes proyectos como BONE OF THE BLACK OWL, los NEUROSIS de cuando eran divertidos o cosas más nihilistas a lo WORSHIP, CELESTIIAL o FUNERAL MOTH. Lentamente se va mutando a un Blackened Doom reforzado por las dobles guitarras y una base rítmica de cariz procesionario. 

Atentos al clímax impresionante del final, con unas voces entre death y black intercaladas con otras susurradas, un interludio semiacústico con teclados que explota en una ordalía de Black depresivo con una facilidad que asusta.

HIPOXIA han grabado una monstruosidad de disco. Otra pieza de culto que se aleja de los cánones habituales de las modas musicales en cuanto a música oscura patria para una banda que merece todo el respeto como lo que son, una grandiosa agrupación. 

La oscuridad sigue patente pero más refinada abriéndose el abanico hacia otras texturas igualmente lúgubres, con lo que se hace bastante difícil etiquetarlos. Lo que antes eran largas excursiones de Drone ahora se funden con acetábulos que vertebran la música para refrescar estilos algo ya manidos como el Death/Doom o el Black Depresivo y por fortuna, alejándose del Sludge pantanoso tan transitado en nuestros días.

BALLARD - "IGUAL" (7" SINGLE; AUTOEDITADO, 2018)


La tercera entrega de BALLARD transpira una mala baba de cuidado. Para meternos en antecedentes lo mejor es releer la entrevista y reseña que les hice con motivo de su primera Demo y a continuación pasarse por el texto de su primer largo Nacer, Vivir, Morir en el Mismo Lugar

Si no se han matado entre ellos a lo Puerto Urraco, deben de seguir siendo Aitor, Gorka, Ioritz y Mikel aunque no pondría mi mano en el fuego (básicamente por la sensación que es desagradable...).

Con miembros de los extintos BERUNA y con sonido cruce de la agridulce bilis que exudan las bandas vascas y la ponzoña ferrosa del Sludge barcelonés, mantienen la dosis perfecta de brutalidad, noise y desparrames psicodélicos para tejer una cota de malla que ríase usted del Kevlar. Para que lo entendáis rápido, mezclar un poco a REVEREND BIZARRE con algo de Hardcore Crust ultra lento (sin excederse) a lo DESPEÑAPERROS por ejemplo y así cito otra banda del lugar. Sigamos.

El artwork y casi que la edición en sí es puro DIY. Desde la carpeta deudora de la escena Hardcore Sluge al mismo vinilo (limitado a 270 copias) sin galleta. Para mi gusto un punto a favor.

Una vez en contexto, servirse un anís caliente en copa alta y a ser posible, mantener la compostura lo máximo que se pueda porque "Dentro del Engranaje", primer corte que el cuarteto de Bilbao plasma en el pútrido single que me ha llegado en estas fechas es un grueso ir y venir dentro dentro de una rueca de proporciones ciclópeas. 


Un ritmo arrastrado con la batería marcando el paso en  un tempo diáfano, atemporal diría, que se ayuda de la seca grabación en estudios Musikorta por J. Espinosa, producción y mezcla de Joseba García. Las guitarras escupen un bíblico y pegadizo riff que casi que se mantiene durante los seis minutos y medio del corte (cuando se mueven de su sitio es para acentuar la melodía en acoples magníficos), aunque lo que es la estructura quien reina es la base rítmica, que más que tocar parecen picar mármol. 

Las voces al más puro estilo MOHO, LORDS OF BUKKAKE, LLORD y otras bandas (los mismos BERUNA) fueron grabadas en los estudios Grabasonic por Ivan Corcuera. Me encanta cuando se engorrina y nutre de Death, que son sólo diversos momentos pero que quedan tremendos. 

Si bien es cierto que BALLARD no son originales, ni creo que lo pretendan, la música que fabrican en su taller mugriento tiene una altísima cualidad destructiva y nihilista. Para ello, sólo poner a máximo volumen la estampida de mitad del corte y no me digáis que no entran ganas de sacarle punta al destornillador.


Más experimental es "Déjalos Ir" que ocupando la Cara B y con sus letras crípticas, socialmente alienantes y los cambios de ritmo (y el uso de samplers en loop) son un pasito más en la evolución de una banda en pleno desarrollo hacia su madurez. Un inicio acelerado al más puro estilo Hardcore Crust que contrasta con una bajada a los abismos de la lentitud. Se acopla la guitarra y se llena de pedaleras y efectos mientras la hipnótica percusión acompaña un largo interludio instrumental fantástico.

Para cuando vuelve a entrar la voz estoy dándole cabezazos a la pared a ver si me calmo. Corto, muy corto se me ha hecho. Resumiendo... BALLARD son los nuevos jodidos amos en la charca séptica, y para colmo, apuntan maneras hacia el espectro jam instrumental que tanto, tanto me gusta.

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