jueves, 27 de julio de 2017

PYRAMIDAL - "FROM OTHER SPHERES/SABBRA ARABIA" (KRAUTED MIND RECORDS; KMR027/1, 2016)



Continúa la leyenda de una de las bandas más grandes que existen en este país. Con una trayectoria más que consolidada, los alicantinos PYRAMIDAL son de seguro uno de los grupos sobre los que más he escrito. Nuevamente a mano del reputado sello germano KRAUTED MIND, en esta ocasión tenemos un doble Ep (en vinilo rojo sangre) separado por las dos caras del vinilo, cada una con su correspondiente artwork.

"From Other Spheres" ocupa la Cara A, y fue grabado en 2015 durante las mismas sesiones del split con DOMO "Jams Of The Sun" y que por motivos de espacio sus tres temas no entraron en el disco. Mezclado y masterizado por LLUÍS MAS / DAVID PANIAGUA en los ORIENTAL DESERT STUDIO AUDIO, la formación de PYRAMIDAL se compone de MIGUEL ÁNGEL SANZ, MIGUEL RODES, LLUÍS MÁS y OSCAR SOLER


Aquel que piense que son temas sobrantes se va a quedar con la mandíbula colgando cuando escuche el largo, monumental "The Rise & Fall Of Humankind", space rock teñido de una épica progresiva donde resaltan el maravilloso uso de los teclados y la flauta de JOSÉ CIFUENTES adornando el espectáculo. El resto de ingredientes ya los conocemos... una base rítmica potente y las guitarras espaciales que bucean tanto en el fuzz setentero como el kraut oscurantista.

"Dream Waves" cuenta con el poema "En El Aire" de RAFAEL LLORCA y narrado por CARLOS CAZÓN. Psicodelia progresiva pink floydiana, lenta y aceitosa como una lámpara de lava. Es alucinante como PYRAMIDAL han roto el molde stoner que los anquilosaba en los primeros tiempos para estilísticamente no parar de crecer. Una banda en plena madurez como muestran las etéreas líneas de guitarra, los burbujeantes teclados o esos medidos/contenidos golpes de la batería, a los que se suman leves toques soñadores del saxo tenor de ARANTXA MARÍN.


Cierra el ep la oscura "Return To Earth", temazo de kraut cósmico adornado por la epicidad fúnebre de las trompetas de PABLO CRIADO y unos detalles percusivos pastorales y folk que me ponen los vellos de punta. El tema se va recrudeciendo en una vorágine lisérgica de distorsión, tambores pseudomilitares y la sensación de que estamos siendo centrifugados por una puta hormigonera espacial... acojonantes detalles de guitarra española para finiquitar por todo lo alto una Cara A de auténtico lujo.



La Cara B la ocupa el Ep "Sabbra Arabia" que los más fans reconocerán como el temazo aquel que se incluiría en el imprescindible recopilatorio "7 Infiernos" de NOOIRAX, esta vez remasterizado para la ocasión. Los créditos son prácticamente los mismos, así que los omito y paso a la música.

"Sabbra Arabia" son 16 minutos de un intenso Heavy Psych que cuenta con la colaboración de ARANTXA MARÍN a la flauta y que me recuerda a un Ney sufí.. El tema es jodidamente oscuro a la forma que unos AQUA NEBULA OSCILATOR podrían ser, aunque también podría recordarnos a cosas editadas en sellos como SULATRON, METEORCITY y otros. Puro Psych descarnado con unos insanos teclados casi cinematográficos y aires a improvisación durante todo el minutaje. Coge a FARFLUNG, FIRST BAND FROM OUTER SPACE, PSICOMAGIA y algo de ACID MOTHERS TEMPLE con filigranas arabescas incluidas y dale al botón "aparear"...  eso sí, aquí la base rítmica sí que es 100% HAWKWIND. Conforme el tema avanza cogen el testigo las guitarras, marcándose unos diálogos con la batería que hacen palidecer a la mitad de las bandas Space Rock de hoy día. Intensos, triposos y despiadados los alicantinos en este corte. 

Cierra este magnífico trabajo "Green Lights In Laurasia", con los saxos de ARANTXA MARÍN y la batería extra de PACO GARCÍA de DOMO en un corto pero impresionante tema teñido de Free Jazz. Una orgía de tambores y saxos que podrían traernos a la cabeza tanto a COLEMANARCHIE SHEPP como la ART ENSEMBLE OF CHICAGO mezclada con la etapa más funk de MILES DAVIS (era "On The Corner" por ejemplo).

Lo dicho, una banda que no para de crecer como el mismísimo universo.



miércoles, 26 de julio de 2017

SOLCO CHIUSO - "L´ALCOVA D´ACCIAIO" (GRADUAL HATE RECORDS, 2017)


SOLCO CHIUSO es un proyecto de Industrial Noise formado en 2014 por GABRIELE FAGNANI (Corazzata Valdemone, Kannonau). Electrónica industrial descarnada a base de osciladores, loops y cacharros varios ponen el contexto perfecto sobre el que se desarrolla una extraña, pulsátil suite adornada con textos recitados extraídos de poemas de FILIPPO TOMASO MARINETTI ("L´alcova D´acciaio" y "Uccidiamo Il Charo Di Luna"). Como nota curiosa comentaros que el nombre del proyecto ("Closed Rut" en inglés) hace referencia a la primigenia forma de hacer un loop marcando un vinilo.

Técnicamente "L´alcova D´acciaio" es el segundo disco tras "Human Textures" de 2015 (editado por LOST EMPIRES RECORDS en formato digipack). Esta vez es GRADUAL HATE RECORDS el sello encargado de la edición, en glorioso formato digipack, 10 cortes de Power Electronics imbuidos de un ambiente hostil considerable y masterización de CARLO CARBONE en DOUBLE HEADROOM STUDIO.

Si "Fusione Dell´acciaio e Della Carne" podría perfectamente adornar una pesadilla de Cronemberg o ejercer de banda sonora a cualquier film Cyberpunk, otros cortes como "Waiting For The Light" tienen cierto carácter Techno a lo UVEGRAF. El uso obsesivo de los samples vocales y la percusión le dan al conjunto aromas marciales y amenazadores... como una especie de guerra civil tecnológica que se estuviese llevando a cabo en un mundo paralelo (pero futuro) al nuestro. "Blitzkrieg" es definitivamente Techno Industrial pero con poco espacio para el baile y sí mucho de Noise minimalista. 


Más bailona sí que resulta "Syncope", temazo de electrónica extrema machacón y malsano que parece haber sido compuesto con las variaciones átonas de una máquina de serrar metal o un torno industrial. En contraposición "On Your Flesh!" y "Tremori" (fantástica forma de darle frescura a las viejas texturas giallescas) resultan al punto cinematográficas, dibujando paisajes sonoros umbríos que nos llegan desdibujados pero no incompletos como puede discernirse por los atisbos de heladas melodías (y percusiones) casi ochenteras que parece que quisieran salir a flote, aunque no se me entienda mal... la base del sonido en SOLCO CHIUSO es el Noise, el old school Techno y lindeces oxidadas por el estilo. 

"Cluster" (en colaboración con LES CHAMPS MAGNETIQUES) y en especial "Resonance" traen algo de sosiego en su lento ruidismo ambiental, cósmico y de regustos experimentales (minimalistas), con incursiones en terrenos algo más electroacústicos. El tramo final viene de la mano de "Kynky Noise For Iron Youth", tema más orgánico y de raigambre Techno horadada por proclamas recitadas y vuelta al Noise más críptico en la corta "Outro-Destruction" acabando un disco ultra adictivo que os recomiendo encarecidamente.





lunes, 24 de julio de 2017

TRÍO MUDO - "VOL II: POEMAS MUSICALIZADOS DE LEOPOLDO MARÍA PANERO, ET ALTER" (AUTOEDITADO, 2017)




"Esto de tener uñas largas es tan perjudicial, que aún en la Brujería está prohibido"

"Los empleados ladrones se disculpan y tapan unos a otros"

"Los empleados que roban al estado, se ayudan y sostienen unos a otros. El Jefe de ellos levanta erguido su cuello y les hace sombra con sus alas monstruosas"


Por fin tengo entre las manos el secreto mejor guardado de la música underground en este país. El segundo volumen de TRÍO MUDO sobre los "Poemas Musicalizados de Leopoldo María Panero, et Alter" mientras aún tengo caliente la mejilla derecha de la hostia que recibí con el primer volumen. Gustoso pongo la otra mejilla para recibir esta dádiva musical, este presente que se comulga mejor con vino agrio y pan ácimo... Antonio Acién (guitarra y voz) y Damián Fernández (batería y percusión) demuestran que lo sencillo es jodidamente difícil de realizar. Se baten a duelo a la luz de un candil de gas, impregnados del aroma a Zotal, azufre y orina de perro para traeros estas historias de desencanto. Una transfusión de sonidos que pasan la barrera hematoencefálica para modificar tu psique.

Grabado, producido y masterizado por Máximo Ruiz Bandera en Hollers Analog Studio entre Abril/Mayo de 2017 con preciosa edición que sigue el testigo del primer volumen (Manolo Luque) con el grabado número 51 de Los Caprichos de Goya.

Dejo una presentación extensa que hice sobre TRÍO MUDO para no repetir conceptos:



Hay cosas que están muertas antes de vivir, si es que alguna vez siquiera llegaron a nacer. La poesía de Panero es incómoda, es un tour por miradores que dan a un alma ajena que no deberíamos estar visitando. Es un viaje atormentado a un vórtice moral y ético que no nos pertenece... que se nos deja prestados para uso, disfrute (y sufrimiento) pero que nadie quiere cargar verdaderamente con su peso.

Nadie quiere enfrentarse a la asfixiante mortaja de naftalina de los versos de Panero, Jose Manuel Hidalgo, Brenan, Corcobado y Pérez Estrada. Es un traje corrupto que sólo cae bien a los muertos del alma... o mejor dicho, a aquellos a los que han asesinado el alma.

"Amore" del poeta malagueño José Manuel Hidalgo es una etílica oda de amor violento donde la batería construye un paisaje áspero y visceral. La guitarra incisiva, simple y cargada de bilis madurada en barrica de roble escupe una y otra vez su rabia, mientras las voces de Acien, con cierta pátina más lejana que en el primer volumen, descerraja los versos (me falta la luz / y me sobra tempestad). Glorioso el final tanto por las percusiones de Damián como la grabación de Óscar Maldonado sellando un tema oscuro tanto por sonido como en producción.

El amargo existencialismo de Panero nos incomoda en "Perdido" donde cohabita un ligero reverb, eco (no sé como describirlo) que me hace dudar de que realmente se trate de un dúo, y que se repetirá a lo largo de los 52 minutos del disco (curiosa cifra, ya que el grabado elegido para la portada es el 51. Suena demasiado compacto, demasiado espeso para dos tipos dándole cera a sus instrumentos. 

El Garage Lo-Fi Psicodélico de Rancios Abolengos de la guitarra de Acién contrasta con la paquidérmica, preciosista y abigarrada forma de abordar las percusiones de Damián. Todo está medido a la perfección pero sin llegar a lo técnico... creo que lo técnico mataría a TRÍO MUDO

El crimen pasional versus el crimen matemático. 

Un inicio en modo apisonadora que contrasta con la más sosegada y nostálgica "Annabel Lee", actualización de Panero sobre poema de Poe. Musicalmente una especie de copla corcobadiense, bailable en clubs de dudoso renombre con maravilloso duelo de guitarra/percusión. Siguiendo la misma línea argumental, la arrastrada y recuperada para la ocasión "Él Pensaba Que Era Joven" de Brenan (editada anteriormente en "Canciones Para Brenan, Volumen 2") haciendo gala de un minimalismo exquisito a la percusión, mas unos silencios perfectamente colocados. Me encantan los grupos que saben espaciar las notas y convertir al silencio en su aliado. 

"La Rosa Estropeada De Judas" (Corcobado) parece volver a la oleosa textura del inicio del disco. Hay una característica muy particular de la música de TRÍO MUDO y es que resulta absolutamente atemporal. Es dificilísimo encasillar la propuesta de los músicos malagueños y si bien hay trazas a 713º AMOR, a las formas estilísticas de expresión más puramente castellanas en cuanto a copla, bulerías y similares, el conjunto es incendiario, doloroso y penetrante. Cada rasgueo de la guitarra garagera, lisérgica de Acién abre un abanico apasionante sobre el que se desliza a la perfección la batería. 

El experimental desarrollo del corte me deja con la mandíbula colgando. En algunos momentos parecen 13th FLOOR ELEVATORS en versión cañí... alucinante rendición a la psicodelia más áspera de los 70 (quizás incluso con la fealdad de los LES RALLIZES DENUDÉS) para un tema que para mi gusto podría haber cerrado el disco a la perfección.

Vuelve Panero con "La Rosa De Mallarmé", que si no me equivoco escuché en la presentación que hizo la banda hace unos meses en el acto de homenaje a los 40 años de El Desencanto bajo el marco del Festival de Cine de Málaga 2017. Impresionantes los versos que creo que no dejan lugar a dudas sobre la metralla de esquirlas que tenía el poeta infectadas en su psique (Contra el fuego de mi mano / está el latir de mi honda boca / contra el fuego está la rosa / cayendo de mi honda boca / Que el suplicio de no sentir / dibuje en el aire la boca). Altísima la intensidad en "Spiritual", con TRÍO MUDO en una versión todavía mas violenta de sí mismos y que me reafirma en que este volumen 2 es mucho más oscuro que el anterior (al menos musicalmente). La batería pseudomilitar, los requiebros de salvaje rock n´roll y amplios espacios para la construcción agresiva de la guitarra son el colchón sobre el que se deslizan los infectos recitados.

De estructura más extraña es "Le Bon Pasteur". Sincopada tonadilla con los sentimientos bordeando el vómito existencial. Le sigue "Suceso" de Pérez Estrada, originalmente editado en La Gran Gala De Rafael Pérez Estrada (cd editado por Fundación Rafael Pérez Estrada) y que vuelve a jugar con ese extraño eco simbólico de fondo; un vaho que parece agarrarse como la niebla húmeda que arropa al atardecer los parajes de campiñas alejadas. Música y letra ejercen un brutal magnetismo sobre el oyente, que queda sumido en un extraño trance hipnótico mitad sueño, vitad vigilia. Un onírico y surrealista esbozo de un paraje que a priori debería estar completo pero que por alguna razón nos llega amputado, desdibujado y levemente desenfocado.


El tramo final lo conforman "Suave Como El Peligro", decadente epílogo cargado de tristeza e intensidad. Un corte duro y compacto como una piedra marcado por la inmensa labor a la batería de Damián, que se sale totalmente de los patrones anteriores para tirar por derroteros incluso doom (sí, estoy loco, pero es que casi escucho a REVEREND BIZARRE). Tectónico fundido a negro con un acople de guitarra mantenido para uso y disfrute de la batería, que literalmente se lo come todo aquí.

El audio de fondo en "Haiku" es del estremecedor documental El Desencanto (Jaime Chávarri, 1976) del que hablabas antes, broche de oro para una obra de arte en estado puro; una joya de la que debería estar haciéndose eco el periodismo musical "oficial" y académico de este país. 

No es sólo poesía musicalizada, es una brutal, genuina catarsis existencial que va mas allá del simple homenaje para entrar en terrenos que si bien no se alejan del paradigma musical que conocemos, sí que se asoma al abismo lo suficiente como para que uno espere inquieto el guiño de este. 


EL DIABLO EXISTE... EL OJOPATIO (23 de JULIO)


La aleación carne y hierro de TETSUO podría ser el punto de partida para un mundo donde lo industrial y lo antropomórfico se convirtiesen en los nuevos bardos. Mundo futuro de guettos sonoros donde se ejecutan a los oyentes en teatros/cadalsos. No está sacado de una pesadilla escondida de Cronemberg, es simplemente un ligero esbozo de lo que vivimos ayer en EL OJOPATIO.

Una sesión de improvisación libre con las voces/performance de LORENA IZQUIERDO, la ferretería sonora de NACHO JAULA, el saxo de AKILLEAS PÓ y una invitada de excepción que para dejarla en el anonimato, diré que se trataba de K´MEN))). Se cayó del cartel VASIL HAJIGRUDEV, cosa que que apenó bastante ya que creo que un instrumento de cuerda le hubiera dado un nivel extra a la sesión.


En cualquier caso, la cosa fue brutal, por poner una palabra que entienda todo el mundo y no lleve lugar a equívocos. El centro de la actuación para mí es la electrónica oxidada de JAULA, con un volumen (necesario) de los que hacen pupa y que a poco te descuides te transmite una tetania. Narración, contexto y desenlace pasaron por las manos del ruidista malagueño, que ejecutó a la perfección cada una de las texturas necesarias para que LORENA IZQUIERDO interpretase su sobrecogedora narración/teatro/proclama oscura que en un teatro de fondo de terciopelo rojo (y suelo negro) hubiese dado muchísimo miedo. 

No se me entienda mal... la cosa no fue precisamente fácil de digerir. Uso simbólico del papel, la tinta negra y los sentidos en un cabaret anómalo donde EL DIABLO EXISTE


Los saxos violentos de y las texturas conseguidas por este en los pedales creando una suerte de jungle/groove donde flotabam neblinosos bucles perversos a lo MILES DAVIS, penetrados por la presencia magnética de la performance de Lorena, absolutamente inmersa en sus soliloquios trance/chamánicos de urbes corruptas, mal en estado puro y crítica antisistema. Fantástico último tramo de JAULA con coqueteos techno industriales y pulsos varios... volumen atronador como mandan los cánones si uno quiere sentir en la epidermis el verdadero efecto que estas sesiones ejercen sobre el organismo.

Como colofón tuvimos la presencia de una joven y naciente saxofonista que aportaría su aplomo, juventud y ganas de comerse el mundo. Un acto valiente que indica para mí que no todo está perdido en la generación y cultura que nos va a enterrar. 

Unos 50 minutos de descenso por la escalera más antigua de la humanidad. Esa en la que la sangre va desgastando los peldaños hasta el punto de que la subida cada vez es más complicada. Ni agarrarte a los coágulos te servirá para evadir la caída.








CRUJIDO # 4: PEPO GALÁN


CRUJIDO llega a su cuarta fecha con parón hasta después de verano. Esta vez con la presencia de PEPO GALÁN en una pieza improvisada de 30 minutos donde largas letanías electrónicas de índole pastoral adornan un inicio muy a lo Popol Vuh. Un desarrollo en espiral como uno de esos vendajes elegantes que adornan los muñones de los amputados, viene a ir sumando sucesivamente ingredientes a la particular coctelera electro(acústica). 

Lo he dicho una y mil veces, pero la música aparentemente tranquila de Galán es más asfixiante y claustrofóbica de lo que a priori podría parecer, quizás por ese carácter arrastrado y acuoso que imprima a todas sus producciones. Como coger un micro acuático y captar bajo agua una grabación sonora en el rompiente de una playa... creo que no hay nada más drone que el mismísimo océano. 


Efluvios ambientales y cinematográficos puramente a lo Brian Eno, sobre todo con el sonido manipulado conseguido con un viejo teclado Casio. Un tramo intermedio algo más ruidista, con toques de guitarra y arpa de mano amplificada creando esa muralla física de líquido amniótico tan característica de la música del malagueño, y un último clímax tirando del Noise que van diluyendo poco a poco cualquier atisbo de semejanza con la melodía inicial. 

Como fin de fiesta su partenaire LEE YI se sumaría para dar una pequeño muestrario de lo que en formato dúo DEAR SAILOR consiguieron con su primer disco hasta la fecha, editado por EL MUELLE RECORDS, (punta de lanza) uno de los muchos reductos que sobreviven en la guerra de guerrillas del underground musical.

¿Quién dijo que el magma tenía que estar caliente para deslizarse?...



viernes, 21 de julio de 2017

ARÍN DODÓ - "BLEFARITIS AGUDA DEL CÍCLOPE ANDRÉS" (ADAPTADOR; 2017)


"Blefaritis Aguda Del Cíclope Andrés" es el nuevo trabajo de ARÍN DODÓ, biopseudónimo del madrileño JG ENTONADO, multiinstrumentista, no improvisador que os presenté hace unos meses por aquí con su "Degeneración Progresiva" y cuyo texto podéis repasar porque incluye las presentaciones formales mas una leve aproximación a su trabajo discográfico. Además, en las próximas semanas indagaré en los inicios de su carrera con POLIEDRO KOBOLD y algún otro proyecto:


En este disco Entonado se encarga de la voz, piano, vientos, mezclas sonoras y dirección musical, acompañándose de una plétora de músicos para crear una suerte de suite improvisada, experimental y profundamente bizarra que a ratos puede sonarte a unos GONG que hayan abusado de psicotropos que en otras a una música folk o de cámara para un mundo inexistente. Editado en formato cassette por el sello ADAPTADOR RECORDS (sello con espíritu DIY que se mueve a caballo entre Francia y Argentina), con portada de ENRIQUE CORDERO (enriquecordero.es) y la participación de 'DONDE' T. BAYMILLER a la batería; MARCOS 'PERRO' ÁLVAREZ  al piano; RAÚL DÍAZ al cello; QUIQUE CREMOL a la tabla hindú; RUVENIGUE al didgeridoo/percusión y FERMÍN HERNÁNDEZ a la guitarra, bajo, objetos amplificados.

A lo largo de los seis cortes la pluralidad de estilos es tan diversa que realmente resulta un rompecabezas reseñar una obra como "Blefaritis...", a pesar de que al contrario de lo que pueda parecer, la estructura estilística es potentísima y la coherencia más que evidente... lo que pasa es que si antes citaba a GONG, ahora tendría que dar un paso más y añadir MOTHERGONG por el aire totalmente surrealista y las incursiones en plena "World Music" y Folk. Puedo adelantar (creo que puedo) que se trata de una obra en cierta forma amputada. Existen más temas de esta sesión y espero que vean la luz en un futuro próximo porque habiendo escuchado los 17 temas el conjunto es realmente sobrecogedor. El tiempo dirá si el resto de temas ven la luz.

Llegados a este punto, a la coctelera hay que suministrarle una fuerte dosis psicodélica, comunal y Lo-Fi que adornan al asunto de la espontaneidad y frescura necesarias para que estemos hablando de ciertas concomitancias con ART ENSEMBLE OF CHICAGO de su época más de finales de los 60/principios de los 70. Es el caso de "La Herencia Del Boxeador Sonado", que rima con ENTONADO, y que es una auténtica perversión para los oídos. Cuerdas tocadas con arco, piano atonal, lento, abriéndose paso con notas espaciadas y abstractas que parecen caer en cascada. Platillos lejanos y recitados extraños nos van metiendo en el particular mundo de ARÍN DODÓ.


Un jazz sutil empapa "La Prisión Del Oponente", corta pero rica pieza que sirve de puente con la larga "Me Convertí 3 Veces En Una Mascota... a la 4ª Me Disequé", donde el digeridoo hace puzzles rocambolescos con los jugueteos electrónicos/sampleados a lo CASSIBER pero con aromas cabareteros, folclóricos (de dónde, es algo más complicado... ya que a veces parece surgir una melodía del medio este y para tornarse después en algo más sobrio) y donde la dirección musical de ENTONADO hace que los instrumentos vayan construyendo un flujo musical donde a priori no debería haber nada (si separamos cada uno de los instrumentos, parecen notas lentas, espaciadas y en espiral) pero que cuando sumamos cada línea casa en su respectivo lugar para construir algo que incluso me atrevería a decir (si se me permite) R.I.O

Curiosamente, a pesar los instrumentos acústicos, a mitad del tema y con los acelerones y el uso Lo-Fi de la producción, parece que estemos escuchando un tema Industrial, tocado al revés, y con cadencias orientales (como la etapa media de ESPLENDOR GEOMÉTRICO pero en acústico... toma ya). Algo de Noise se capta pues en la propuesta de ARÍN DODÓ, pero de una forma constructiva mucho más depurada y rica en matices, contrastando con "Poema Destruido En Una Fase De Psicopatía Transitoria" con predominancia de percusiones (militarizadas), cantos y recitados ecolálicos de Entonado, una base fuerte a Jazz Británico (sobre todo cuando se alzan esos aires épicos de cámara) y un piano matemático a lo UNIT STRUCTURES de CECIL TAYLOR

"Sinfonía Espacial nº VII" resucitaría al mismo SUNRA. Un corte que viene a ser una especie de largo preludio del hipnótico final que nos espera. Ya se van intuyendo los aires drónicos, las percusiones y los sobrios contrapuntos del piano bordeando leves incursiones vocales que hacen imposible que uno no ponga su mete en la citada ARKESTRA.

Los aires hindúes estallan de lleno en "Rítmica y Tímbrica Infrahumana Lifasofioica" tanto en las tablas como en eso que llaman Konnakol, ambos estilos provenientes del sur de India. La voz emulando a un Mrindangam, Ghatan, Kanjira o la misma tabla con ese soniquete tan mántrico/circular empolvándose de arena del desierto. Sobre esa base se teje una melodía hipnótica y decadente alucinante que te va calando hasta dejarte poroso, exangüe y avejentado. Vuelvo a insistir tal y como hice en la reseña de "Degeneración Progresiva" en las tangenciales cópulas con la música de CARLA BLEY en su celebérrimo "Escalator Over The Hill". Una cinta de obligada escucha.

¿Han pasado 15 minutos o 15 KALI YUGAS?.










sábado, 8 de julio de 2017

MUTE SWIMMER - "AIR ITSELF" (TRUCO ESPÁRRAGO; TR042, 2017)


La nueva referencia del sello asturiano TRUCO ESPÁRRAGO es verdaderamente interesante y arriesgada. Ya no sólo porque edite (cd y vinilo) a un artista como GUY DALE, sino porque en cierta medida cambia de forma radical la política de ediciones de un sello que conocí con aquel fantástico DESTROZANDO A MAR OTRA VEZ. Uno de los grandes pelotazos del sello es sin duda PABLO UND DESTRUKTION, pero en un alarde de eclecticismo, el sello no se corta un pelo y edita cosas tan a priori distintas como GRASSA DATO o RAISA. Experimentación, avantgarde, pop, americana, lo-fi y lo que se tercie.

Es el turno ahora de MUTE SWIMMER, proyecto del polifacético músico afincado en Berlín pero británico de nacimiento. Si bien no estamos ante un disco en solitario ya que las colaboraciones son diversas, sí que se nota cierta línea base argumental en las texturas que invitan a pensar que es un disco nacido desde una idea personalísima y clara. Otros proyectos del artista son 1000 HERZOG o DALA, donde explota su pasión por los scores cinematográficos.

MUTE SWIMMER viene a formarse allá por 2005 y sin contar singles y eps "Air Itself" vendría a ser su sexto disco, estando cada uno de los cuales vestido con su propio uniforme musical diferente y exclusivo, especialmente este último. Lo que está claro es que la música está influenciada por aromas cinematográficos, de lienzos plasmados en disco o fotografías transformadas en música... quizás la tendencia del artista a las performances haya imbuido de dicho carácter al resultado final.

El disco se graba en un antiguo establo en Berlín y le da cierto cariz hermético al trabajo. La sensación constante es la de estar metido dentro de una inmensa caja de música (salvo detalles) acústica. Hay instrumentos eléctricos, pero prima lo biodegradable... así GUY DALE toca guitarras acústicas y eléctricas, teclados o percusiones; YAN FABRE toca la sierra musical, DANIELLA GRIMM el violín y procesos; VINCENT KOKOT el ukelele, guitarra eléctrica, glockenspiel, tecados mas percusiones y por último DORIAN TAYWOOD hace coros, guitarra eléctrica y piano, además de ser el encargado de la grabación.

Dicho lo cual, hay que pasar al contenido en sí. A lo largo de un poco más de 40 minutos asistimos a un extraño, meditabundo viaje interior por una carretera rural donde una suerte de country espectral se alía con un Lo-Fi ambiental, eminentemente acústico, pero con incursiones en eso que llaman rock alternativo, la canción australiana o incluso el rock avantgarde. 


En detrimento de lo que suelo hacer, que es comentar tema por tema los discos, en "Air Itself" prima la atmósfera y sería un error de peso hacerlo así; el tratamiento pseudo espiritual que se le da a los cortes los convierte en un todo exquisito donde los contrapuntos o títulos no son más que una excusa para dividir el conjunto.

"Air Itself" es pastoral, religioso en ocasiones (no me quito de la cabeza la forma de usar los instrumentos que casi emulan una Shruti Box en las Morning Prayers hindúes), y que aunque no lo parezca, el marchamo de lo drónico está marcado a fuego de soplete. Entiéndase por drone ese "fumigado sónico" que impregna todo lo que habita en el disco, sobre el que resalta la voz de DALE como trobador de lo nocturno. 

Los instrumentos usados me llevan de la mano a cosas como DANIELLE DE PICCIOTO y algo de MICAH P. HINSON, pasando por la oscuridad de los últimos experimentos de SCOTT WALKER pero sólo en esencia, porque MUTE SWIMMER resulta mucho menos oscurantista.... quizás algo así como CAVE en clave mucho más intima y reflexiva. Los toques de glockenspiel añaden experimentación y cierto grado de bizarrez casi gótica, y haciendo que vuelva a remitirme a esa sensación de estar encerrado en una gigante (y eterna) caja de música... quizás esté loco pero aires a PABLO UND DESTRUKTION también campean por algunos cortes, pero prefiero que sea el oyente el que saque sus propias conclusiones.

Poco más voy a a añadir. Creo que estamos ante un disco de orfebrería editado por un sello ecléctico y con muy buen gusto.




BLOOMING LÁTIGO / VOR (SALA VELVET; 7 de JULIO)



La historia es como sigue. Va uno e intenta cuidarse de una contractura del copón. Aterrizo en la Sala Velvet impregnado de relajantes musculares y benzodiacepinas varias y me digo... oye, tú, el que está ahí, no te muevas demasiado. Tranquilito y cuídate esa espalda. 

Vale... y empiezan BLOOMING LÁTIGO y me digo, "para qué mierda quiero el cuello", mañana dolerá, pero da igual, porque es imposible no sentirse apabullado por la energía telúrica de esta banda o magnética presencia de Xavier Castroviejo, poseído por células de Steve Austin de TODAY IS THE DAY mas la socarronería del primer GREG GRAFFIN (cuando era un jovencito en los BAD RELIGION). 

Pero vaya, que todo es hablar por hablar. BLOOMING LÁTIGO son como irte de safari y darte cuenta de que los malditos elefantes van a pasar por encima tuya. Sí, son esos de las dos baterías y un bajo... pero es que esa base rítmica tan particular es una engrasada máquina industrial. He vertido ríos de tinta digital sobre ellos y la verdad es que los calificativos ya se me van agotando. La versión de "La Polla Records" que por cierto no reconocí (Xavier me lo comentó después) transformando punk en apocalipsis y en cierta medida recordando a esa visceralidad que teñía la música en los 90, lentitud noise de la que hace que cagues alguitrán. BLOOMING son técnicos pero brutalmente bailables y si tienes narices a ver si puedes seguir los pasos de Castroviejo, posiblemente el frontman más difícil de fotografiar en directo.

Yo no sé como me las apañé, pero cuando llegué a casa y fui a orinar tenía los cojones reliados en un nudo marinero.





VOR vinieron con la misión exclusiva de joder los oídos de la gente. Los huesecillos timpánicos otrora jóvenes y felices del personal se convirtieron en harina. Prescindiendo de sus partes más experimentales de "Tu Clave Es Jonás", se concentraron en una suerte de putrefacto Noise Grind Sludge lo que sea atronador. Se rompían los parches, se movía la alfombra, se caían los micros... a esto se le llama intensidad. Las trazas levemente kraut y cósmicas del disco se transformaron en extremismo puro y duro y me consta que había gente que se salía porque no podía aguantar el volumen del sonido.

Si peinas canas verías cosas a lo BURNING WITCH por ahí o también la malsana textura del "Sadness Will Prevail" de los TODAY IS THE DAY (otra vez)... o a los primeros MOSS con HELLHAMMER. Temas más grindcore contrastaban con requiebros Doom de esos que ponen "sigue buscando, hay miles de collarines cervicales gratis". Un directo devastador de una banda en ascenso.

Genial conocer a la salida a los organizadores de eventos como el SOUTH BANGERS FEST y poner cara a la impersonalidad de Facebook. Llegando a casa me doy cuenta de que parece que tengo un maldito grillo metido en el oído izquierdo... no sé si es real o un acúfeno, pero como soy inquieto y por naturaleza voy a indagar con el punzón.





martes, 4 de julio de 2017

AXILLES POLYCHRONIDIS & ROB MICHALCHUK - "SPLIT" (POOR LITTLE MUSIC; PLM151, 2017)


Desde Brantford, Ontario (Canadá), el sello POOR LITTLE MUSIC se especializa en música experimental, concreta, y jazz editando en formato cinta. La razón de hablaros de dicho sello es la reciente colaboración del saxofonista "Grecoandalusí" AQUILLEAS POLYCHRONIDIS con ROB MICHALCHUK en una maravillosa C-30 limitada a 30 copias. 

El diseño de la portada es ciertamente interesante, no por el dibujo en sí, que no es nada del otro mundo, sino porque nos muestra los colores de la bandera andaluza, cosa que de seguro se trata de una casualidad pero me ha parecido una de esas que te dejan el culo descolgado. 15 minutos por cara que se reparten los dos artistas y con dos temas bastante diferenciados entre sí. 

La Cara A es "As Freedom Is a BreakfastFood", una densa cacofonía ruidista de saxo procesado que parece perpetuarse como los dolores estomacales en una mala digestión. Comienza con notas agudas en cascada para poco a poco ir rodeándose de acoples y distorsión en la tónica habitual a la que nos tiene acostumbrados Axilleas. Un sonido denso, agudo y excepcionalmente intenso que te hace dudar bastante si suena un saxo o un jodido colmillo de elefante hueco electrificado. Suena a alarma antiaérea en un desastre nuclear y tiene el marchamo aséptico, frío y distante de la mejor música experimental que yo llamo de combate (o sea, huir de los portátiles).

Se disfruta mucho más con auriculares, apreciándose los leves pero interesantes cambios en el corte (los apocalípticos soplos del saxo) que lo acerca a atentados acústicos a lo MERZBOW, ESPLENDOR GEOMÉTRICO o la música de extraradio que se realizaba al amparo de polígonos industriales abandonados en óxido (final de los 80). El tramo final es seductor como reciclar jeringuillas usadas o fumarte un pitillo debajo del reactor de una nave espacial en pleno lanzamiento.

ROB MICHALCHUK por su parte resulta algo más lírico en su abordaje de la Cara B. "Sax Session To Be Named Later" superpone una abstracta melodía jazzística en bucle a recitados graves. Se van doblando los vientos y añadiendo más ruido en capas resultando el conjunto bastante hipnótico. Michalchuk es saxofonista alto y lleva desde 1989 defecando sonidos ambientales o colaborando en alguna que otra formación de Free. 

Un tema que parece llegar desde otro lugar. Quizás una transmisión desde otro mundo al que van a parar los saxofonistas muertos. Desde ese planeta, roca o nebulosa nos llega espacialmente esta onda de longitud larga que es recogida por viejos magnetófonos canadienses. Las voces son un acierto y se van modulando hasta ser un instrumento más.

Curiosamente capto ciertas concomitancias (casuales pero existentes) con el de Axilleas. Parecen discurrir paralelamente en dos líneas de realidad que se contraponen aunque complementan y nunca se tocan. La más violenta y agresiva de en contraste con la fúnebre cadencia de Michalchuk que toca techo con un final cuasi marcial en lo que parecen lejanos toques de trompeta (puedo estar majara, pero a mí me suena a cosas del más reciente WADADA LEO SMITH) y ahora sí, manifiestas incursiones del saxo alto. Es más, me gustaría hacer un experimento del tipo que realizaron NEUROSIS y TRIBES OF NEUROT; sincronizar la música de ambas caras a la vez y escuchar el resultado... queda dicho.

Una cinta imprescindible de dos artistas en pleno pico creativo.






CALF / UNCLE GRASHA´S FLYING CIRCUS - "SPLIT CASSETTE" (SWEETOHM RECORDINGS, NAAB, PRAVÉKNOISESECTION; 2016)


Hace tan sólo unas semanas continuaba mi particular y solitario viaje por el underground griego afincándome en Karditsa e introducía al sello SWEETOHM RECORDINGS con la banda CALF en su cd debut, donde practicaban un oscuro y a ratos progresivo Post Rock. Pues bien, olvidaos de todo lo que comenté y partamos desde cero para comentar la monstruosidad de cinta que os traigo hoy. Si queréis podéis usar las siguientes coordenadas para añadir información:


Un split compartido con UNCLE GRASHA´S FLYING CIRCUS revelando a unos CALF completamento distintos. Un sonido podrido, oscuro y nauseabundo que me hace pensar que quizás la cinta esté infectada y la sepsis se haya extendido por toda la banda magnética. En cuanto a CALF aquí no hay rastro de MELVINS, MOGWAI o similares... es un puro y claustrofóbico descenso deudor de joyas que habitan en el catálogo de CRUCIAL BLAST. Oleoso y espeso como un zumo de alquitrán.

La cassette (de 2016) es editada de forma profesional en régimen de coedición por los sellos SWEETOHM RECORDINGS, PRAVÉKNOISESECTION y NAAB (Noise ASSault Agency Budweiss) con  duración de casi una hora y  portada collage que no tiene desperdicio.


La Cara A es de CALF y la ocupa un sólo temazo de 30 minutos de duración con el evocador nombre de "A Lowness Salute To The Golden Thrash Patriots Who Will Love their Inescapable Fate". En esta grabación la banda de Karditsa se compone de CHRISTOS KOUTROULIS (guitarra y efectos), THODORIS KAKOULANTONAKIS (guitarra y efectos), K. PARASCHIS (bajo y efectos) y SAKIS (batería). 

El corte es un marcado pulso sonoro con nuestra psique. Reverberaciones industriales marcadas a fuego por incursiones de efectos de todo tipo y acoples, un bajo subsónico y doomero (muy a lo ORTHODOX en su actual  etapa) sobre la que planean sonidos guturales, guitarras herméticas que tocan notas sostenidas en un drone eterno y la batería... una auténtica monstruosidad percutora que parece provenir de una herrería prohibida en una cueva ignota.

No hay una melodía per se sino un clímax flotante (perpetuo) donde para mi gusto es la primitiva batería la que lleva el ritmo procesionario y los demás instrumentos se dedican a bailar una suerte de ancestral danza donde flota cierta marcialidad en el ambiente que se desliza sutilmente como un himno perverso y asfixiante. Establecer paralelismos con otras bandas es verdaderamente complicado (he escuchado cosas así de BLOOD OF THE BLACK OWL, los también griegos BUDDALAH o GNAW THEIR TONGUES). Un Industrial Noise muy orgánico y ritual que te estrangula hasta el finísimo momento en que rozas el otro lado... luego te sueltan y vuelves a posarte en terreno conocido, pero la experiencia te ha cambiado para siempre.


Damos la vuelta a la cinta y nos encontramos con los mistéricos eslovenos (un dúo o trío, no lo sé con seguridad) UNCLE GRASHA´S FLYING CIRCUS, autodefinidos como: "a dada-surrealistic project. It was found on Spitzbergen, avantgard poet Willhelm Grasslich was beaten to unconsciousness by 51 nuns there. It produces style called nun-core, basically it means surrealistic noise ambient".... creo que este texto de ellos es inmejorable.

Dos temas estructurados en un sólo viaje ácido. "The House Of Thousands Testicles Part I - Dalai Lama Nun" y "The House Of Thousands Testicles Part II - The Nun Who Would Conquer The World". Electro Noise dadaísta imbuido de un fortísimo aroma surrealista, casi de cabaret anómalo, y que resulta tan estridente como adictivo. Capas y capas de minimalismo a lo CAGE, RILEY o STOCKHAUSEN se van sumando hasta formar un engranaje sinfónico (industrial) plagado de sonidos acampanados y fuertemente nihilistas. Como mezclar a los primeros DIE KRUPPS con KEIJI HAINO en probetas de amianto.


Posiblemente de los artefactos más acojonantes que me he topado en los últimos tiempos. Por cierto comentar que tanto el grupo como el sello PRAVÈKNOISESECTION están dentro de lo que es llamado "Pravěk", movimiento underground cultural y eminentemente literario donde hay cabida para las conexiones con la música.

Un viaje ultra ácido y plagado de ruidismo a base de contrastes. Mientras una base que sirve de colchón se mantiene un bucle infinito sobre el que se desarrolla un diálogo ominosamente cósmico a base de subidas y bajadas de pulsos magnéticos desangelados, pétreos y minimalistas. La intención es crear en el oyente un cierto estado de ánimo y hacerlo partícipe de un viaje alucinante que adquiere tintes religiosos por momentos. El segundo tema es más corto y sosegado, haciendo mas hincapié en un paisaje lo-fi que haría palidecer a la mitad de la escudería de COLD MEAT INDUSTRY. Resaltar la letanía recitada de fondo que pone los vellos como escarpias.

No añado más. Para mí uno de los descubrimientos de este año. Una cinta que puedes pillarte por un precio ridículo en el sello SWEETOHM RECORDINGS:



lunes, 3 de julio de 2017

UN VIAJE A LA IMPROVISACIÓN DE GALIANA A TRAVÉS DE LIQUEN RECORDS


Desde Valencia, el saxofonista y escritor JOSEP LLUÍS GALIANA funda el sello LIQUEN RECORDS, encargado de difundir trabajos enclavados dentro de la faceta más experimental y arriesgada del Jazz y la improvisación libre. Creo que GALIANA no necesita presentación en el mundo musical (ni literario), pero para los despistados creo que lo mejor es que consulten su web porque se presenta a la perfección:


Por mi parte, conocí su música a través del fantástico trabajo con SAAVEDRA en "Transitions", editado en 2013 por LUSCINIA RECORDS y que recogía un brutalísimo ejercicio de inventiva dentro del a veces cáustico panorama que se nos muestra en la particular fusión que se establece cuando se alían jazz y ruido, todo ello pasado por la harina indestructible de la electroacústica en sus más diversas variantes.

El sello nace en 2016 con la precisa misión de difundir esas músicas de combate que dicho sea de paso, es en directo donde adquiere su mayor presencia y cuerpo. Cuando ves y oyes interactuar al músico con su instrumento es cuando se te revela toda esa magia en su  máximo esplendor del submundo que conforma la escena (criticada por muchos) de la improvisación libre o el Free Jazz, por encorsetar un poco el asunto con palabras que a veces no dicen nada. Hasta la fecha son tres las referencias publicadas por LIQUEN RECORDS y de las que paso a comentaros brevemente a continuación cada una de ellas en una serie de micro reseñas. 


La primera referencia es "Too Short" (LRCD001), donde a GALIANA se le une CARLOS D. PERALES al piano y algunos coqueteos con la electrónica. Al tratamiento casi percusivo del piano (cual batería se tratase) en algunos cortes, se une la versatilidad de los vientos, imbuidos de un alto grado de lirismo. Por cierto que la portada es de AVELINO SAAVEDRA y colabora en la edición el Laboratorio de Electroacústica del Conservatorio Superior de Música de Valencia y el Ayuntamiento de Rafelbunyol, en cuyo auditorio se realiza la grabación del disco. Aquí tenéis la biografía de PERALES por si queréis completar la reseña:


Compuesto por 12 cortes (la mayoría de corta duración) en los que se visitan tanto las abstracciones de CECIL TAYLOR como los coqueteos con el Downtown Neoyorquino, sin olvidar piezas de puro y duro Hard Bop vistos desde el particular prisma de dos músicos en perfecta compenetración, se pasa con una facilidad pasmosa de piezas casi de cámara a otras muy metidas en el avantgarde, con auténticas cascadas de notas en diálogo devastador en los que no puedo quitarme de la cabeza la forma de tocar a la nórdica de grupos como ATOMIC (aquí en clave reducida a dúo). 

Resulta alucinante como dos músicos pueden llenar tanto los espacios. El piano se usa también como instrumento de cuerda (con rasgueos o pizzicatos del bastidor o incluso alguna percusión de la madera). Por su parte el saxo es soplado en espectros altos o con sordinas leves y entrecortadas, de tal suerte que la música no para quieta un solo instante.

Momentos para baladas meditabundas que rozan lo cinematográfico (pseudo-Noir) en temas como "#BalladeModeOff" o "Wide Narcotic" que se alternan con pasajes más rápidos a lo "Marrullos" creando un auténtico carrusel de emociones. Creo que describir más es matar la alquimia de un trabajo mágico aunque no citar los ocho minutos de "Por Cañerías" sería un delito. Electroacústica copulando con Free Jazz en una excursión psíquica a los manantiales cerebrales donde mana la serotonina. Bestial.


La segunda referencia de LIQUEN vuelve a traernos al dúo GALIANA-SAAVEDRA de "Transitions" (aunque creo que es el tercer trabajo juntos), esta vez en  nueve cortes improvisados en "In The Middle Of Nowhere" ( LRCD002). Grabado en directo en 2015 (MADAME MIM, Valencia) y otra alucinante portada del propio SAAVEDRA de acrílico sobre papel que refleja a la perfección las texturas por las que se mueve su música. Del batería y artista SAAVEDRA creo que tampoco se necesita hablar demasiado, pero aquí tenéis una muestra de su música:


La crudeza de los 47 minutos de la sesión remite indudablemente a sellos como ESP DISK o a las lindeces tribales a las que era dado CHERRY. Un tratamiento de la batería ancestral, primitivo y orgánico en comunión con una panoplia alucinante de saxofones sopranos y tenores repartiendo una especie de clímax selvático (tengo que citar "Mu" de DON CHERRY/ED BLACKWELL o reviento). Para colmo el título del primer tema es "Another Place" y suena a SUN RA por los cuatro costados, al igual que el largo "A Silent Road", atmosférica incursión en una jungla jazzística, amenazadora y ominosamente nocturna donde a la base percusiva se va sumando un saxo tenor que haría levantarse a Coltrane de su tumba. Me encanta cuando sólo unas pocas notas expresan tantísimo (PHAROAH SANDERS también era un maestro en esto).

No creo que el disco en sí sea árido, aunque es verdad que el alto nivel técnico y abstracto de algunos pasajes desafían al oyente. Recomiendo simplemente dejarse llevar por las subidas y bajadas del flujo vibrátil de los jugueteos incesantes... creo que así disfrutaréis del parque temático más jodidamente divertido que pueda imaginarse. Lo de la batería es simplemente de otro mundo, y yo que he tenido la oportunidad de ver a ambos músicos en directo sé de lo que hablo; puedes tocar la batería o integrante en ella siendo un todo sónicamente antropomorfo. 

Geniales los usos de los cascabeles al final del segundo corte que me ha traído a la mente a COLTRANE y RASHIED ALI en el maravilloso INTERESTELLAR SPACE, aunque justo cuando creemos que nos vamos a perder en una vorágine técnica llegan temas más asequibles y cargados de cierto lirismo modal como "Time Impressions". Para cagarse hacia dentro y no dejar residuos... eso sí que es reciclar y lo demás son tonterías.

Un tour de force con el leit motiv narrativo del viaje a ninguna parte. Bueno, al menos en cuanto a espacio, porque temporalmente a mí esto me suena como grabado en plena New Thing más juguetona, primitiva y espiritual; esa que resultaba tan apasionante por su mezcla de avantgarde jazz, principios de lucha social (raza) y aleaciones imposibles con el hinduismo o conversiones al Islam. Para mí esto no suena en absoluto a jazz contemporáneo o al menos yo lo veo desde los cristales de unas gafas más antiguas.


La tercera y última parada de LIQUEN RECORDS nos lleva a "Strombòtics" (LRCD003), donde GALIANA alía fuerzas con FERRAN BESALDUCH, un apabullante dúo de vientos en el que el primero se encarga del saxo tenor y soprano y el segundo del sopranino y saxo bajo. La portada en esta ocasión es obra de MARTÍN BESALDUCH (hijo de 9 años de Ferran y todo un artista por lo que veo) y grabado nuevamente en directo (Cinema Stromboli de Sant Mateu y en Fundació Caixa Vinaròs de Castelló) bajo auspicio del Laboratorio para la Investigación de Procesos Creativos Contemporáneos AD LAB. Aquí os dejo un enlace a la biografía y trabajos de BESALDUCH:


60 minutos de improvisación libre pura y dura, con incursiones en el jazz contemporáneo y al contrario que los dos discos anteriores, de regusto mucho más europeo, codeándose con gigantes del jazz británico como EVAN PARKER, PAUL DUNMALL y otras bestias pardas. Lejos de resultar aburrido o críptico, STROMBÒTICS es pura construcción matemática en movimiento pero con fórmulas de cierto carácter incluso rock, en el sentido en que es curioso como algunas de las cabalgadas de Galiana son apoyadas por los graves toques al saxo bajo de Besalduch creando una suerte de base rítmica. Es el caso del inicial "Seven Slaps To Heaven" por ejemplo o "Frulatio Non Petita" en las que casi parece que interviene un contrabajo.

El espíritu de la SPONTANEOUS MUSIC ENSEMBLE planea sobre el dúo, con un uso parecido a aquellos en los instrumentos tanto en momentos más silenciosos (que podrían recordar a las "Click Pieces") como los in crescendos (esta vez "Sustained Pieces"). La alternancia de ambos tipos de piezas crean el maremágnum repetitivo pero inagotable del Free Jazz más austero y hermético que abriría brecha y sin el que es posible entender a la corriente de improvisadores de hoy día. Un disco que perfectamente podría haber editado EMANEM o LEO RECORDS.

***
Termino este pequeño artículo deseando la mayor de las suertes a un género olvidado por académicos y pseudointelectuales de bombín que olvidan que la fuerza de una corriente es directamente proporcional al esfuerzo que se hace por negarla. Está ahí, y si los críticos no saben como abordarla, será el aficionado el que tenga que hacerlo.


R.O.L.F. - "MARTYRS" (EXHUMED MOVIES/MISKATONIC/VIDA SUBTERRÁNEA; 2017)


Editado en un formato absolutamente DIY, la banda REMEMBRANCE OF LYSERGIC FUNERAL (R.O.L.F.) se alía con EXHUMED MOVIES (auténtico fenómeno de culto con su fanzine y su adoración por los vhs, el cine maldito y oscuro y en definitiva, punta de lanza del revival retro fantaterrorífico que se está viviendo a día de hoy), VIDA SUBTERRÁNEA y MISKATONIC RECORDS para inaugurar la serie HORROR VIDEO TAPE COLLECTION, o lo que es lo mismo, homenajear musicalmente películas de culto que de un modo u otro han influenciado a los músicos. 

La banda algecireña, que prácticamente cumple una década, decide homenajear a MARTYRS de Pascal Laugier, película de la que no creo que haga falta comentar nada, salvo que huyáis como la peste de su remake americano, que de puro aburrimiento abandoné la sala de cine. A los más versados en la mala leche que destila el cine de terror francés poco más que añadir; se han vertido ríos de tinta y no voy yo aquí a repetir que tras el encasillamiento del otrora interesante cine de terror oriental, la visceralidad de la violencia en imágenes del cine francés vino a paliar la decadencia de un género que perdía cuerpo como la espuma de baño.

Metiéndonos en faena, el Ep se compone de dos temas, "Las Huellas De Mi Otro Yo" es el primero y a pesar de ser bastante bueno, voy a obviar comentarlo porque sigue la línea de sus anteriores trabajos y para mi gusto no debería haberse incluido en el trabajo. La razón es que palidece al lado del monstruo que es "M:1-7", absoluto descenso de 27 minutos de un doom arrastrado, lento y melódico que se sale de la línea habitual de la banda mostrando cierta progresión hacia otros lares mucho más psicodélicos. 

Una atmosférica línea de guitarra sobre la que van cayendo en cascada los samplers del film de Laugier va creciendo en espiral supurando una lisergia perversa que estalla a los cinco minutos cuando entra la base rítmica como un torbellino paquidérmico. La batería es un martillo que roza la música industrial con toques ruidistas, aunque pronto vuelve a mutar en un tramo netamente REVEREND BIZARRE y cosas así que me pone más tieso que una vara. El bajo reverbera cargadísimo de fuzz y la guitarra sigue con su particular letanía melódica, huyendo del Sludge de sus primeros trabajos y encuadrándose en algo muchísimo más original.


Sigue un requiebro acústico alrededor del minuto 17 que marca el final del viaje, con esos diálogos en francés dándole un toque raro al asunto y que recuerdan a los temas más comerciales de los ultra nihilistas BETHLEHEM, para escasos segundos después meternos en un clímax final indescriptible. Bajo y batería en modo SABBATH pero con una guitarra espacial, ácida y mántrica que lleva  peso y cuerpo de un corte instrumental que para mi gusto es lo mejor que han grabado hasta el momento R.O.L.F

Para engalanar de oro el asunto se recupera una de las melodías del principio pero tocada en acústico, muy deudora de los interludios del black nórdico (véanse algunos temas de BURZUM o los primerísimos DIMMU BORGIR del "For All Tid").

Estoy deseando catar el nuevo disco y ver por qué derroteros siguen R.O.L.F. en tras este "Martyrs".

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