viernes, 8 de marzo de 2024

JOSEP LLUÍS GALIANA - LA LIBRE IMPROVISACIÓN, Fuente Inagotable de Inteligencia Emocional (EDICTORÀLIA MÚSICA 41, 2024)

Desde el fabuloso prólogo de Bartolomé Ferrando, hasta esa extensísima bibliografía de las páginas finales, La Libre Improvisación Musical es otra muestra más del prolífico excelso hacer de Josep Lluís Galiana, portador de un currículum tan largo como uno de esos ejercicios respiratorios clásicos de Evan Parker al saxo. Músico improvisador de gran reputación a nivel europeo, escritor, editor y mente preclara donde las haya a la hora de hacernos empatizar, comprender y compartir un sentir a veces tan libre y salvaje como lo es la Libre Improvisación.

No creo que pueda aportar demasiado a lo ya escrito por Ferrando que nutre por anticipado y hace de monumental cicerone de los escritos que nos vamos a ir encontrando a lo largo de unas 160 páginas. Una de las principales características del estilo de Galiana es mezclar a la perfección la erudición con lo divulgativo y usando una de las palabras del subtítulo del libro, lo empático. Que el lector comprenda lo escrito y fluya en lo sonoro sin perder pie ocurre gracias al bloque de cuatro ensayos que abren el libro y que aun teniendo diversas procedencias (revistas, ponencias, ensayos....) casan perfectamente porque están elegidos en un orden muy preciso. Por cierto, la acuarela de la oreja que ilustra la portada (L´Orella) es de Carla Galiana Rodríguez.

Desde esos `antecedentes de la improvisación musical en España [...] de Cervantes a las primeras vanguardias del siglo XX´ a `Descubriendo nuestro Sonido Interior (En Recuerdo de la Infancia)´, el autor va desgranando históricamente sobre el proceso creativo libre y espontáneo convirtiéndonos en `huesos timpánicos´ de su literatura y por tanto haciéndonos vibrar con ese continuum que pasa desde el lenguaje verbal a todo tipo de correntes sociológicas y políticas (Dadá, el Fluxus o ese himno ya inveterado y Debordiano de `La Sociedad del Espectáculo´). Por tanto no tenemos que hacer esfuerzo alguno al leer a Galiana sino abrirnos holísticamente a lo que nos propone y que complementa anteriores obras suyas como Emociones Sonoras. De la Creación Electroacústica, la Improvisación Libre, el Arte Sonoro y Otras Músicas Experimentales o esa maravilla mediúmnica de Deep Listening de Pauline Oliveros publicado igualmente por Edictoràlia.

He dicho escucha (o listening) y es que el autor hace no sólo hincapié en las mil y una ventajas del ejercicio de la práctica de la Libre Improvisación Musical, sino también qué formas tiene el oyente de permearse, empaparse y ser cuerpo poroso a esa a veces atonal, abstracta y ominosa masa de sonido que sin el apoyo de lo visual puede asustar a más de uno. Porque una cosa es asistir a un concierto y otra ponerse una grabación encapsulada (no es lo mismo `ver / oír / sentir´) a Barry Guy al contrabajo que sólo escucharlo. Por cierto, curioso esto de `ver, oír y sentir´ en la libre improvisación porque es el algoritmo clásico del soporte vital básico en una reanimación; si viendo, oyendo y sintiendo sabemos que alguien sigue VIVO, usando la misma reflexión para la música prolongamos nuestra existencia y cordón umbilical a ese gran inconsciente colectivo Junguiano VITAL (VIDA) al que se `enchufan´ los improvisadores para conseguir vibrar en la misma longitud de onda (creo que era Evan Parker quien decía que era una constante el hecho de que varios músicos sin previas instrucciones improvisando acaban todos llegando a una especie de `mismo lugar´, misma `textura´ o `misma sincronización´).

El resto de escritos que van desde prólogos hasta reseñas nos van llevando a ese inexorable final que no es más que una invitación a redescubrir los cientos de grabaciones que yacen en mis estanterías que a buen seguro y haciendo una errónea concatenación de palabras, a partir de ahora los `escucharé con otros ojos´. La Libre Improvisación Musica, Fuente Inagotable de Inteligencia Emocional es un libro que ayuda con una facilidad pasmosa a introducirnos a esa caída en picado que es la ausencia de estructura a priori reconocible, que inconscientemente practicamos a diario tanto en lo que hablamos como en ese maravilloso intercambio de información de la amigable charla como bien describe el prólogo de Galiana al libro Cartas en torno a Manolo Millares, Pablo Palazuelo y otros. Una Correspondencia (2018-2022) entre Alfonso de la Torre y Joan Gómez Alemany

Salir de la zona de confort para curiosamente alcanzar más confort si cabe e incluso tal y como Avelino Saavedra hizo en su Frozen Drumscapes, hacer que el oyente se vea inmerso en un proceso de sincretismo tan extremo y brutal que las fronteras acaban barriéndose de un plumazo.

Tanto para el que toca como para el que escucha, como del que escucha para el que toca... y por supuesto, para el que toca escuchando.

https://www.edictoralia.com/la-libre-improvisacion-musical-fuente-inagotable-de-inteligencia-emocional/


viernes, 1 de marzo de 2024

CLOSE/STARE COMPILATION · "TRASPASA TU MARCO, NO TE EVADAS" (OIGOVISIONES LABEL OV24, 2023)

ESTA RESEÑA ESTÁ DEDICADA A LAS PERSONAS QUE CUIDAN DE SUS SERES QUERIDOS EN EL VERGEL DEL NACIMIENTO TANTO COMO EN EL DESIERTO DEL DECLIVE. SACRO ES EL CORDÓN UMBILICAL QUE NOS UNE.

Traspasa tu Marco, no te Evadas, es una de las entregas de los especiales recopilatorios CLOSE/STARE del Sanhedrín sonoro OIGOVISIONES LABEL con dos variantes; por un lado, una versión en digital con 21 artistas seleccionados por socios y colaboradores (mas una remezcla de Javier Rey/Círculo de Sucesos) cuyos beneficios fueron donados a Médicos sin Fronteras tal y como establecieron los ocho fotógrafos encargados de realizar los ocho diseños, mas una versión física en Cd con 10 de los cortes. En cuanto a la fotografía, son NUDO (dos versiones), Mara B. Stones, Thierry Massard, Fran Barrionuevo, TJ Norris, Emilio Mula, Rocío Verdejo y Juanlu Barlow los encargados de, tal como se cita en la web, pergeñar `nueve secuencias fotográficas de diez fotogramas cada una que conformarán 90 portadas únicas. 100% fotográfica, 100% secuencial (según se mire), X% figurativa… Del cristalino al oído interno todo encaja y se transforma, como en cada pestañeo´. Comentar que esta es la tercera entrega de dichos recopilatorios tras los anteriores (no los he visto, pero intuyo que igualmente bellísimos) Acto de Fe (OV.11, 2020) y Volvamos a Perturbar el Tiempo (OV.17, 2022).

Por cierto que ya sabéis que siempre que hablamos de las ediciones físicas de OV LABEL me gusta hacer referencia en lo posible al material usado para la confección puramente DIY de sus ediciones: 13,7×13,7cm sequence still printed on 295gr TECCO Fine Art Rag 100% cotton paper + Inlay on 180gr Materica Artico paper, y como siempre  black paper bag for Cd & PE protective sleeve with OV sticker.

(one and only, MARA B STONES)

En el caso que me ocupa y en base a la copia recibida, es Mara B. Stones la encargada de secuenciar el instante #1 en 10 maravillosas singularidades (donde espacio y tiempo confluyen) en blanco y negro ritual, atávico y pérfidamente arenoso y que ha dado a bien en titular SAINNING, imagino que en un contexto plagado de conexiones de Sanación Ancestral (`Observo el rito de paso como una danza sagrada, como integración de lo material y lo espiritual, como cable conector de lo cósmico y su naturaleza. Una criatura ha venido al mundo y traspasa el umbral bendecida por todxs nosotrxs´). El tratamiento del sonido es de Rubén Suárez y han sido sequenciados por Kitty Soul.

No quisiera hacer este texto demasiado farragoso, así que dejo la investigación de las bios de los artistas al respetable lector y me meto de lleno en la música. Respiro profundamente, parpadeo y abre el disco Ernesto Rosa con "Aire y Condición", tema enmarcado dentro de un sutil Ambient Drone planeador y profundamente Kosmische. Hacen acto de presencia ligeros vislumbres alienígenas y pulsátiles motores que inducen a un trance que se mezcla con grabaciones de campo de sonidos cotidianos, glitches y toques percusivos minimalistas ligeramente metálicos. Aroma selvático de jungla opioide intravenosa, se continúa de forma magistral y sutil con David Mata y "Float Limit". Es curioso como el hilo umbilical de los 60 minutos del CD parecen haber sido concebidos como si de una obra conceptual se tratara... no hay elementos disruptivos y se escucha del tirón como si fuera todo de un mismo artista. 

Como digo, el ya conocido por este blog David Mata acentúa la exudación de sonidos selváticos que se despliegan / deslizan sobre un manto drone casi litúrgico. Ecosistema de víboras, pájaros y otros entes (vivos o no) conviven en una suerte de ballet mecánico que imita la vida mucho mejor que la propia vida (nota mental: comentarle a DIOS que lo han superado). "La Victoria le Pertenece" de JUAN entra fuerte y es más agresivo aunque sin llegar al terrorismo sonoro del Industrial. NoiseArt sería la etiqueta perfecta para los parpadeantes despliegues en cascada de su música, que un puntito de cinematográfico y futurista tiene... y por cierto magníficos los cánticos y los acoples de distorsión del tramo final. "Simpla Beleco" de Berinaq opta por algo más luminiscente y evocador. Con la impronta nostálgica de viejas grabaciones y esa pátina crujiente de los antiguos formatos, bases melódicas de electroacústica y tonos espaciados de piano se construye una bella y sutil coda. 

Sigue Pablo Casares en modo experimentador procesando instrumentos de viento en la fabulosa "Anexo", especie de Lounge antigravitacional con bases de Acid Cool Jazz teratogénico que encierra muchas capas de tratado y una inusitada versatilidad en la composición. Música deconstruída para mundos en construcción. Magnífico. Siguen los siete minutos de "El Acto" de Elhecho plagadísimo de collage sonoro y mucha manipulación... un poco al estilo de esas barrabasadas con cintas que cortaban y pegaban los CASSIBER pero en versión netamente electrónica. Un brutalífico Gólem de origen desconocido, posiblemente creado mediante Alquimia y que avanza a un ritmo despiadado de atonalidad y motivos abstractos. A medio tema muta el asunto con la inclusión de un hipnótico golpeteo casi bailable y retro que huele a neón y rueda quemada.

Ànicoc de "Kaeru" es lento y abotargado. Subacuático y pausado, va deslizándose con tono procesionario un lúgubre ritmo que se rompe cuando entran las abruptas notas de piano que parecen provenir de otro mundo. La melodía circular es dulce y recuerda a esas bandas sonoras de viejas y olvidadas películas italianas de los 70 que parecían compuestas en decrépitas cajas de música. Unir eso con la electrónica es simplemente genial. Odagled afianza el tramo final con "ANMUROD", bestial corte con tintes Neogiallescos y mucho sintetizador volcánico. Sythwave en estado puro. Curioso L​ü​ü​ü con "Sandías en la Orilla" y su Jungle bailable ultra triposo e hipnótico que se va intensificando hasta llegar al clímax Rave necesario para que la sandía madure, se disuelva y crezcan sandieras en el rompiente de la mar.

Para cerrar esta bestialidad de recopilatorio Helecho Experimentar necrosa la guitarra en "Sortear" bisbiseando ésta con un piano al más puro estilo Noir, toques a Jazz de Club y mucho, pero que mucho humo de cigarrillos.

https://oigovisioneslabel.bandcamp.com/album/close-stare-compilation-traspasa-tu-marco-no-te-evadas

lunes, 26 de febrero de 2024

PELAYO F. ARRIZABALAGA & ELI GRAS - "ÁRIDO" (LA OLLA EXPRÉSS LOECD034 / ALINA RECORDS AL129, 2023)

Venir aquí ahora uno como yo a tener que contar quiénes son Eli Gras y Pelazo Arrizabalaga me parece que entra en el campo de lo sacrílego. Entre ambos un currículum enciclopédico que hunde sus raíces en la noche de los tiempos del Avantgarde Electroacústico Free Español, por ponerle una etiqueta al asunto. Segundo disco del dúo tras Duplicat de 2013 (y que tengo que hacerme con él porque lo daba por descatalogado y me acabo de dar cuenta de que hay una segunda edición) vuelven a reencontrarse (y de qué forma) en Áridos, uno de los discos del año según mi obtusa opinión. 

Eli Gras es sononavegante, directora de ágoras dadaístas y del insigne sello-asociación LA OLLA EXPRÉS que coedita el disco junto al sello digital ALINA RECORDS que de vez en cuando nos regala con participaciones excesas en el mundo de lo tangible. Parte integrante de la escena experimental barcelonesa caleidopómpica de los 80, Eli toca en este disco la guitarra eléctrica y sus `instrumentos autoconstruidos´. Por su parte, cada célula de Pelayo Arrizabalaga es ante todo él mismo (digamos que si miras al microscopio cualquier - por ejemplo, mitocondria de Pelayo y amplias los suficiente, tendrás la seguridad de que lo que ves es Pelayo). El cántabro pinta mucho en todos los asuntos (inclusive el lienzo) siendo además vértebra / andamiaje de Orgon o Clónicos y es una batería de CULTURA que no ha precisado recargarse ni una sola vez en 40 años, tocando en este álbum el clarinete bajo, electrónica y vinilos.



A nivel técnico, Árido se graba en Madrid (Víctor Seguí en Estudio MI). Producción y mezcla son de Eli Gras y la masterización de Albert Guitart (alb-estudi). Una de las cosas que más me ha fascinado es el diseño del Digipack que Eli procesa / deconstruye a partir de una fotografía de Sadurni Vergés (Cia. Ars Moriendi). En total son 43 minutos de música etnodisruptiva que se dirige de forma inexorable al tronco del encéfalo, modificando estados de conciencia y llevándote a una suerte de cruce donde habitan cosas como el MU de Don Cherry / Blackwell, los devaneos Nubios de la primera Sun Ra Arkestra, meditativos motivos percusivos de la AACM a través de la Art Ensemble of Chicago si tiramos del pasado o cosas actuales de la misma localización como Angel Bat Dawid o Damon Locks. Electro/tribales descargas del Cuarto Mundo de Hassell burbujeando con una suerte de The ORB en modo opiáceo... y todo enharinado en una fresquísima pátina de inteligencia compositiva.

Experimental es, electroacústico por supuesto... pero Árido sobre todo da la sensación de ser el equivalente en sonido a lo que Jeremy Narby describe sobre la Ayahuasca en su libro La Serpiente Cósmica. Por ende, si tuviera que poner una etiqueta al álbum, sin duda sería Música Enteógena.

Abre el disco "Playa Vertical" con un loop cerrado de un surco de tocadiscos repitiéndose `Ad Nauseam´. Sobre esa base, va surgiendo un ciercense motivo melódico con algo parecido a un acordeón.... cascabeles y sonidos de algo cercano a un sitar creando un anticlímax hippiesco sobre el que se erigen un par de brutales notas sostenidas del clarinete que lenta pero inexorablemente va navegando sobre ese sustrato / compost de fondo en una plañidera aleación entre el Soundart y el Jazz contemplativo y espiritual afroamericano. Por momentos, todo me recuerda a esa excelsa obra maestra de Freegiliana de ALMAYATE sobre la que tanto he escrito estos años (justo hace ahora 10 años de la fecha en que lo descubrí). Notas punzantes y minimalistas (no sé si guitarra, cualquier ingenio de cuerdas de Eli o ambos a la vez) se baten en duelo con una forma de tocar muy orgánica de Arrizabalaga resultando todo el conjunto de carácter hipnótico y mántrico. El tema termina porque tiene que terminar, pero podría haber continuado hasta el fin de los tiempos....

Sigue el misterioso y órfico "Grava Técnica". Lejano y Dionisíaco, de cariz muy percusivo, imprima unos geniales matices espirituales que entroncan muchísimo con la manera que tenía Sun Ra de desarrollar sus pasajes más atonales. Para algunos y con razón también se les vendrá a la cabeza muchos de los experimentos de Eno con músicos alemanes (por ejemplo con Harmonia). Sé que es Pelayo el que toca, pero tengo que pellizcarme ambos pezones repetidamente para no creer que estoy escuchando a Cherry o incluso Coleman


Fabulosos los subrayados de electrónica que conforman un contraste alucinante y fabuloso también ese mini fade out con guiño a la Lounge Music. "Agua Negra" se acerca al Dadá o incluso a la Concrete Music. Cascada minimalista de loops sincopados que dan la sensación de estar cayendo en una catarata tipo Tetris e ir posicionándose en una especie de puzzle musical en caída libre (dicho de otra forma, como los salientes de las cajas de música metálicas); no le va a la zaga en abstracción "Limo" y sus cibernéticos drones y glitches.

Otros magníficos 10 minutos para "Mapa de Aires" que vuelve por los tonos del principio del disco. Multitud de sonidos selváticos sincréticos emulan vida efervescente. Me encanta cómo el clarinete subyuga con sus sostenidos barítonos... arañado de cuerdas amenazantes y un tempo lentísimo conforman una música que instila aires de extrañeza. Tras ese mini puente radiado de "Pixel" entra la dupla "Turbio" y "Maldon" que hilan una atmósfera cinematográfica opresiva que recuerda a esos clústeres afilados de Berard Herrmann que además nuevamente mete efectos radicales que me traen a la cabeza a una suerte de Esquivel menos esquizoide de lo habitual.

Para finalizar, "Plano Horizontal" destila Elismo y Arrizabalagismo por los cuatro costados. Cinco minutos de aterrizaje que parecen deconstruidos en 8 bits. Insisto, UNO DE LOS DISCOS DEL AÑO.

https://laollaexpressrecords.bandcamp.com/album/ridos-pelayo-arrizabalaga-eli-gras

https://alinamusica.blogspot.com/2023/12/eli-gras-pelayo-arrizabalaga-aridos.html

jueves, 22 de febrero de 2024

MONDO PODRE - "NADIE AL VOLANTE" (ROMANTIC SONGS RECORDS RSR078, 2024)

Ya presenté a los locos gallegos de MONDO PODRE con su Necronomía de Subexistencia en cuya reseña me explayé en su relación con la gente del excelente zine I DON´T GIVE A FUCK y algunos otros detalles; resumí su currículum y puse en contexto los violentísimos 14 minutos de Brutal Death Crust que ven ahora continuación con Nadie al Volante, otra barrabasada intensa para devotos de Cryptopsy, quizás una versión más Death de D.R.I., y sobre todo los Brutal Truth y Mortician aunque algún que otro pasaje me recuerda a Krisiun. La edición es tanto en CD (Romantic Songs) como en 7" a cargo de los sellos (corto y pego) Romantic Songs Records, Base Records y Cara Brécol (España); MinoR_ObscuR y Aktiver Ausstand in Plastik (Alemania), Throne of Lies (USA), Wrongdisk Records (Italia), Nieroby Records (Polonia) y Enfermo Distro (Portugal). 

En el apartado técnico, graba Miguel Villar (Estudios Cumbre), masteriza Simón da Silva (Empty Hall Studios) e ilustra Xabi (@xogarte) en un curioso contraste entre la epilépticamente colorida portada del anterior y esta que es en blanco y nero. El resto vamos a dejar que hablen los 12 minutos repartidos en doce cortes.

Bestial apertura a medio tiempo con "Psylocibe Pissdrinker" que se permite coquetear con un pútrido Death Doom con toques Sludge en las voces y que pronto cambia y permute a un técnico Grind Death de voces ultraguturales alternando con otras más agudas (ahí estan los Carcass, su aroma a Napalm Death aunque menos o Anal Cunt). Sigue como un pistón la brutal base rítmica de "Vendida al Mejor Impostor" en una onda bastante ecléctica que aúna tanto el Grind como el Crust y el Brutal Death... todo se sucede a velocidad de vértigo pero los riffs de guitarra son muy pegadizos y están bastante conseguidos haciendo que cada tema tenga su personalidad (a ratitos se me viene a la cabeza los Crani Sèptic barceloneses). Se extrema todavía más el asunto con "Youstapo" con un riff central de la guitarra, acoples de vértigo y una voz netamente Grind (afortunadamente sin llegar a lo porcino), al margen de una endiablada base rítmica con una batería que posiblemente gaste el sueldo de un mes en palillos.

Ya tuvimos conexión con Brujería en Necronomía de Subexistencia y vuelve a repetirse en la mini intro de "Horse Dewormer" aunque luego mute a derroteros de Brutal Death asfixiantes. Me flipa la voz gutural, bastante potente, grave y usada como un instrumento más. En "Serpes na Cripta de Ponzi" se le da incluso una vuelta de tuerca a la voz además de que la pauta melódica es mucho más intrincada, jugando a bajadas de temo infinitesimales, cambios de ritmo pseudo Thrash y un pistón de la percusión a la caja. Epiloga el disco "SUVnormal", con letras a mitad de camino entre Carretera de la Muerte del Año 2000 y un libro de Paulo Coelho y la versión "Gravaged (A Cryptopsy)", versión sui generis de los dioses Cryptopsy.


`Impones tu inutilidad
terrorista del asfalto
Coloso de Ruedas
Estámpate en un vado

Traes la desgracia a todo lo que se arrima
Dos toneladas de miseria y ruina
¿Bebé a bordo hijo de puta?
Si lo veo, lo atropello

Me he convertido en muerte, el destructor de muros

SUV-normal
SUV-normal´

martes, 20 de febrero de 2024

BISMUT - "AUSLANDER" (SPINDA RECORDS SDR18081 / LAY BARE RECORDINGS LBR047; 2023)

Con la mandíbula desencajada me he quedado con Ausdauer (significa algo así como Resistencia), tercer disco de los Prog Heavy Psych (con más que pinceladas metaleras) de los holandeses BISMUT que se edita en coedición entre Spinda Records y Lay Bare Recordings. Grabado prácticamente en una sesión improvisada en directo (Studio 888), la banda la conforman Peter Dragt (`pandereta de piedra del viejo Orión´), Huibert der Weduwen (`cuatro cables telegráficos que unen Texas con Ganímedes´) y Nik Linders (`despliegue melódico en 6 catión Bi3+´) que, satisfechos con su obra, se la llevan a que Pieter Kloos se las masterice en The Void Studio. Sale en CD y LP con traje de domingo de gala (por aquello de darle constancia física en este mundo digital de mierda) por Studio Another Day y bueno, os cuento algo sobre los magníficos 40 minutos de Ausdauer.

Así en líneas generales, son netamente instrumentales, suenan duros, técnicos y compactos como mezclar a los italianos Giobia con cosas de aquí como los Viaje a 800, con la suficiente oscuridad efervescente como para acordarse (si les quitamos las voces) de los dioses Naam y en definitiva, todas aquellas bandas que gustan de pelar cables electrificados con el hueco que queda entre dos piezas dentales en mal estado. Habituales de sellos como Tonzonen, Sulatron, Transubstans, Lay Bare Recordings y por supuesto, el insigne buque guía fronterizo SPINDA RECORDS sabrán que para alterar su estado de consciencia hay que cumplir alguna de estas cuatro reglas: morir 3 veces para captar la serpentina estructura alquímica de la realidad, supurar ayahuasca por los canales lacrimógenos, traducir El Misterio de las Catedrales al arameo o bien evidentemente meterte Heavy Psych en vena.

Abre "Mendalir" con 9 minutos a priori mistéricos, muy marcados por la base rítmica y con sinusoidales pátinas texturales que invitan a una palabra que me encanta.... el `devaneo´. Punteos de la guitarra denotan una técnica con mayúsculas que explota un ratito después cuando todo se electrifica mucho más y adquiere tintes de Heavy Psych. La batería se acelera y el doble bombo late como una taquicarda percusiva... parones técnicos de alta alcurnia que no aburren un instante rozan el Metal Progresivo pero sin salirse nunca de lo cósmico. Con todo, siempre hay lugar para el despliegue desértico a lo Yawning Man y por ende para mí es imposible apartar a Los Natas, Viaje a 800 y demás entes teratogénicos. 

Chupar cactus chupan todos.... pero no todo el mundo lo hace sin quitarle las espinas. Bismut aceleran el tempo a placer y se encuentran cómodos en todos los registros (inclusive las barrocas líneas de guitarra del final del tema, el coqueteo con el doble bombo agresivo de Space Thrash y su posterior bajada a ritmos atemperados de Blues lisérgico y Stoner Doom del que se fuma).

Sigue "不安" y su magnífica progresión de acordes de guitarra épicos. Empieza simple en estructura pero es como escalar un ciclópeo monolito que te va poniendo trampas en forma de derrapes de las pedaleras que por momentos parece que van a lanzarse al Thrash Metal. Para colmo, la base rítmica adquiere cierto cariz Motorik a lo Kosmische alemana que me flipa... sensación de despegue y salir de la atmósfera con el espíritu de una Jam Session. Para que os hagáis una idea, la intensidad es directamente proporcional a la jodida toxicidad del bismuto. Sigue la caracoleante "Despotisme" que bucea en los arenosos fondos abisales del Stoner Doom crepuscular; guitarra con algo de la esencia de Palm Desert si se me permite la comparación aunque la poderosísima batería paquidérmica le da un tonito todavía más agresivo al asunto (y atentos la panoplia de notas de guitarra que redondea el asunto). 

Epiloga el disco "Mašta" y sus intrincadas texturas melódicas (mucha presencia de un metronómico y punzante bajo) que aun no saliéndose del Space Rock sí que son lo suficientemente técnicas para quitar el aliento (no sé, imaginad a unos Yawning Man más dados a los punteos que de costumbre y para más inri con tonos orientales). Solo nos queda disfrutar de los 9 minutazos de "Euphoria" y su ultra pesada melodía de Psych Doom como mandan los cánones... fuerza, trepanación eléctrica y una fantástica sensación de libertad e improvisación que le sientan de lujo a Auslander.

https://bismut.bandcamp.com/

https://spindarecords.com/product/bismut-ausdauer/

https://laybarerecordings.com/release/by-bismut-lbr047


sábado, 17 de febrero de 2024

SPITTING TONGUE XI: SLEEPBOMB - "THE CABINET OF DR. CALIGARI" (CONSOULING SOUNDS / KOOLARROW RECORDS, 2023)

Impresionante esta nueva entrega de SLEEPBOMB, banda de San Francisco creada hace más de 20 años (al principio un dúo) para dar rienda suelta a bandas sonoras de películas míticas (desde el expresionismo alemán de El Gabinete del Doctor Caligari a Metrópolis y Nosferatu, para pasar a la mismísima Conan el Bárbaro) bajo un filtro de Avantgarde y Experimental que con el tiempo y la formación de cuarteto acaba virando hacia un sonido más metalero y con aires a Doom Metal Psicodélico.

Y es en el insigne sello belga CONSOULING SOUNDS junto a KOOLARROW RECORDS que nos traen ahora una grabación de más de una hora con The Cabinet of Dr. Caligari. Formato LP, CD y DVD con la música e imágenes sincronizadas. En palabras de la Sleepbomb

``This mesmerizing creation delves into the world of silent cinema's iconic masterpiece, reimagining its eerie charm and enigmatic narrative through the band's lens. Featuring an evocative fusion of almost ghostly vocals, haunting synths, and intricate instrumentation, 'The Cabinet of Dr. Caligari' score captures the film's dark allure while adding a new dimension to its chilling tale.´´

La banda en este álbum son Charles Hernández (guitarras), Rob Johnson (batería), Claire Hamard (teclados y voces) y Tim Gotch (bajo y sintes) mas colaboraciones en directo de Brown Hues. Portada y diseño han corrido a cargo (esa magnífica cara de Cesare del film) de Alan Forbes mientras que todo el proceso de mezcla, grabación y masterización son de Greg Wilkinson y sus Earhammer Studios. Un mistérico y corto preludio ambiental muy cercano al Dark Ambient enroca en "Act I" con las voces etéreas de Claire Hamard; un solemne teclado, percusiones mínimas de platillos y un evanescente motivo melódico de la guitarra van construyendo un álbum que se estructura en forma de Suite (vienen a ser un preludio, siete actos y tres interludios). Por alguna razón que desconozco, cuando todo se electrifica y sube de intensidad me recuerda por momentos a esos pasajes ultra épicos de "Achilles, Agony and Ecstasy" de Manowar pero pasados por el Occult Doom de gente como Jex Thoth.

Supongo que toda la música estará ajustada en directo a las performance en vivo con las imágenes así que esa suerte de shoegazing doom y sludge luminiscente que se gastan en los largos pasajes cobrarán todavía más sentido. El asunto sigue en "Act II" con tonos más crepusculares y pseudo-western en el que un drone contínuo del teclado ejerce de base a una hipnótica base rítmica ultra sosegada. Es imposible no acordarse de Isis, Cult of Luna o Neurosis en las subidas de intensidad pero me atrevería a decir que Sleepbomb tienen un regusto retro en la forma de manejar los teclados (onda italiana a lo Simonetti) que los distingue de otros proyectos Post Metaleros al uso. 


Flipantes los calmos interludios pastorales en una onda de necro Country y Prog setentero que sirven de bisagras o pausas con las que afrontar las partes más extensas como la bellísima "Act III", plagada de cánticos chamánicos y un  despliegue casi acuático de las notas en cascada de la guitarra (tampoco esto es muy alejado de los tonos góticos a lo This Mortal Coil en "Act III Interlude"). A partir de aquí son 31 minutos en tres cortes que van desde un Doom ultra depresivo y lento a partes más espaciales. Los teclados van adquiriendo una presencia enorme hasta tal punto que casi diría que son la pantalla sobre la que se va reflejando todo (fotograma y sonido). 

"Act "IV" va creciendo tanto en su catarsis psicorrágica que da la sensación de que Sleepbomb están tirando de las tripas mismas del expresionismo alemán en un parto de tripas asistido por el mismísimo Robert Wiele.... lo que sale a la luz plagado de ángulos extraños, oblicuos y no euclidianos es puro pavor en blanco y negro. Sigue "Act V" o los 12 minutos que tarda en salir la Placenta.... el Alumbramiento.

"Act VI" es el bebé y se llama HOLOCAUSTO. Mudo. Sin gritos. Sin sonido.


miércoles, 14 de febrero de 2024

GIRON - "SPACE EXODUS" (MUSIC 2 DREAM M2D09 / VERLAG SYSTEM VS039, 2023)

`ESTA RESEÑA VA DEDICADA CON TODO MI ESPECIAL CARIÑO A LOS QUE CUIDAN DE SUS SERES QUERIDOS, EXTRATERRESTRES O NO... EL COSMOS ES VUESTRO´

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Ha pasado más o menos un año desde el anterior y apabullante Strange Mountains de GIRON, para mí un antes y un después en la música del genio electrónico de Tomás Giron. Cada vez más cerca de ese ambiente pastoral Kraut de la escuela Berlinesa, el proyecto ha ido adquiriendo de forma natural y espontánea tintes setenteros a lo que evidentemente siempre ayuda el brutal arsenal analógico empleado; efluvios al Florian Fricke de su primerísima etapa de Popol Vuh son más que palpables si bien no tanto por la religiosidad litúrgica de la música, sí por esas estructuras sobrias, ciclópeas, mayestáticas y apabullantes que imbuyen al oyente de sensación `planeadora´. Space Exodus es el álbum del que os voy a contar y que junto al anterior (mas esa colaboración genial con Miguel A. Ruiz que se llamó Zytospace) han sido editados por la discográfica de culto valenciana VERLAG SYSTEM (en coedición con MUSIC 2 DREAM).

Por tanto, Space Exodus es pura Kosmische pero con un toque secuencial (sutil) que aporta una personalidad propia y siempre presente en todos los trabajos de GIRON (no poner aquí decenas de enlaces pero si os metéis en la reseña de Strange Mountains en el primer párrafo hay enlaces a todo lo que he escrito sobre Tomás). Sutil, magnético y extremadamente relajante, son 60 minutos de puro viaje Ambiental inteligentísimo gracias a una paleta sonora compuesta por piezas de relojería que encajan a la perfección... en ocasiones parece que los motivos melódicos son biorritmos que se adaptan al ritmo circadiano del oyente, a las complejas elucubraciones biomoleculares y en definitiva, al pulso etérico de la Vida en su más amplia acepción.

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GIRON Neuropsych Items:

Korg Lambda, 900ps, Electribe 2, Microsampler, Sq-1, Leaf Audio Soundbox, Dreadbox Abyss, Hades, Erebus, Nyx, NDLR, Roland Alpha Juno 1, Yamaha Sk15, Vermona Perfourmer mkII, Melodica, Doepfer Dark Time, EHX Small stone, Boss dd7, Mooer Ocean Machine.

Eurorack modular synthesizer: Doepfer, Erica synths, 4ms, Codex Modulex, Make Noise, Addac systems, Xaoc devices, Mutable, Behringer 960, Vermona Melodicer.

Para redondear el apartado técnico, el álbum se graba en varias sesiones en los Cosmic Electric Sector Studio, con portada del propio artista que por alguna razón tiene partes de su dibujo que me recuerdan a Azpiri.

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Una de las cosas que más me gustan de los discos de GIRON es su doble vertiente física y neuronal. Puedes tomarte conceptualmente sus discos como una especie de exploratoria colonoscopia Sci Fi a un fértil mundo a años luz o bien como a lo que a mí más me gusta.... una hipnagógica profusión de reacciones límbicas y poderosamente psíquicas. "The Void", que es el corte que abre el álbum, puede ser el sonido de una expedición al mismo borde del Cosmos o bien el roce cópula entre dos neuronas enamoradas. Asfixiante pero nunca oscurantista, la música bordea momentos puramente cinematográficos (aquí, concretamente, un NeoGiallo futurista perdido en cualquier polvorienta hemeroteca). El Moog mece gigantes ondas sinusoidales en el Columpio del Fin de los Tiempos y sin solución de continuidad, unas preciosas y espaciadas notas de piano introducen "Full of Wood", posiblemente uno de los temás más orgánicos y Progresivos que recuerde de GIRON (se me vienen a la mente pasajes de los setenteros suecos Älgarnas Trädgård pero sin guitarras). 

Con detallitos (siempre han estado ahí) de John Hassell, con Floydianas capas de puro telurismo psicodélico, con magníficos soundscapes drónicos en la retaguardia, Space Exodus es melancólicamente rupestre y funciona a modo de Suite donde los cortes se unen sin ningún exabrupto. Así entra "Stones will turn into Sand" con un poso sutil orientalizante, órfico y con uso maestro de secuenciadores analógicos y minimalistas percusiones / glitches emitiendo sus homilías cuneiformes durante 11 minutos. 

Partes a lo Ash Ra, Schulze o Tangerine Dream pasan por "Ready for Launch" aunque quizás lo que más se me ha venido a la mente es Vuelo Químico de Neuronium. De la electrónica de los 70 siempre me ha parecido alucinante la facilidad con la que lo `no humano´ imita elementos como el fuego, el viento, erupciones, terremotos o el agua inclemente... cómo el ulular del potenciómetro ejerce de cuerda vocal en un pretérito tiempo pre-lenguaje... es el futuro reencarnado en la piedra como elemento emisor; pétreas estaciones de emisión repartidas por todo el punto de fuga de la Galaxia.

Los 13 minutos de "The Long Travel" dan cancha a partes experimentales que se salen de la zona de confort gracias a instrumentos al límite de sus posibilidades en espectros agudos, sincopadas bases percusivas mezclándose con acetábulos de voces en idiomas desconocidos y cierto cariz bailable que se desplaza al más puro estilo sintonía de programa de televisión (sí, de esos que había antes). Si esto no es una jodida genialidad, que venga ULISES 31 y me lo diga a la cara. Sigue "Dazed after Landing" en modo introspectivo y mucho Ambient a lo Brian Eno aunque la forma en que se elonga todo y el lánbuido tempo me recuerdan tanto en lo visual (Tarkovsky) como a la música de sus películas (Edward Artémiev)... puro peristaltismo cósmico al ralentí.

El colofón a Space Exodus lo ponen "Exploring the Outside" (me chiflan esas emulaciones de grillos o lo que sea) con tamboriles elementos percusivos, selváticos y tribales. Proto Techno de Neón en un Huerto Urbano más allá de Ganímedes 3. Bailar siempre, Colonizar nunca. Y como suelo decir... "When to Return" que cierra el álbum te pertenece a tí, querido lector o lectora. 

Otra maravilla más de GIRON.

https://giron.bandcamp.com/album/space-exodus

https://verlagsystem.bandcamp.com/


lunes, 12 de febrero de 2024

ORD & DEMONOLOGISTS - "SECRET CEREMONIES" (AESTHETIC DEATH ADCD 096, 2023)

Secret Ceremonies es una de las nuevas ediciones de Aesthetic Death de las que suelen ir en la línea de `más arriesgadas´. Colaboración entre el proyecto personal ORD (Voronezh, Rusia), y tras el que se encuentra Ord Err, músico, pintor y dueño del sello Status Prod que edita cositas de este palo. Pues bien, ORD es un  proyecto de Ambient Ritual con toques chamánicos al más puro estilo Bon budista, usan y mezclan lo tradicional en instrumentación con pátinas de Noise Industrial; como contrapunto salvaje y bilioso la otra banda es el dúo DEMONOLOGIST desde Indiana, todo una panoplia de acerado Black Industrial y elementos necróticos. 

Así en cuanto a los aspectos técnicos, y dado que no es en sí un split sino 46 minutos de colaboración entre ambos proyectos, os detallo un poco qué es lo que toca cada cual. Ord Err se encarga de los cuencos tibetanos, dan moi, voces, cajon, percusión, campanas, flauta de nariz, grabaciones de campo y cuerdas de piano, fruto de lo cual obtiene una serie de grabaciones que mezcla Andrey Volkov junto al propio artista (que además ilustra el Digipack A5 que se marca Aesthetic Death). Demonologists (Cory Rowell y Evan Price que además se encarga de mezcla y masterización) aportan grabaciones de campo, teclados, percusión, programación y ruidos procesados. 

Secret Ceremonies se graba con el objetivo de expandir la mente como poliuretano de serotonina en un triposo y sacro ambiente a ratos claustrofóbico, pero por momentos sublime. Se abre el disco en "Ceremony I" al más puro estilo Noise Industrial; ruidos metálicos atravesados por líneas melódicas de vapor de agua construyen un abigarrado Ambient de carácter ritual que avanza con percusiones muy sutiles y líneas de sintetizadores que resultan cuasi futuristas y cinematográficas (algo parecido ocurre en "Ceremony V" con obsesivo, marcado drone espacial y flautas espectrales)... vaya, un ligero puntito Kosmische espacial sí que capto por ahí. Otro punto a favor es el perfecto equilibrio entre lo orgánico electroacústico (muy marcado sobre todo en esa especie de cascabeles, el arpa de boca vietnamita `dan moi´ de "Ceremony II") y la parte electrónica en sí que consiguen el buscado efecto de trance simbólico. Los cuencos y gongs casan a la perfección con líneas de sintetizador en caída libre a lo Penderecki y si bien se mueven en distinta tesitura que unos Phurpa, tampoco la cosa anda muy desencaminada.

A ratos magnificente, otros meditabundo, Secret Ceremonies es un disco calmo y sosegado que huye de histrionismos hasta el punto de que en ocasiones recuerda a esos pasos ceremoniales del Gagaku japonés aunque sin perder la sensación de amenaza que aportan los teclados y bueno, si uno se anda listo está claro que a todo esto se lo engloba dentro del Dark Ambient.... pero claro, tenemos los suficientes aires Folk como para perdernos en etiquetas. 

Las tubulares y eclesiásticas campanas que abren "Ceremony III"), esos extrañísimos sonidos aspirativos que se acompañan de esporádicos golpes percusivos, los cuencos tibetanos y algo así como un loop de platillos metálicos reabren fontanelas largo tiempo suturadas... se convierten en volcanes de los que emana como una fuente la savia cerebral que habita en en los cubículos óseos de nuestro cuero (astral). Más áspera y propiamente Noise es "Ceremony IV", perfecto contrapunto a la anterior y una caída en picado a lo más bajo de Kundalini.

Una de las virtudes de Secret Ceremonies es su vértebra a modo de Suite, midiendo bajadas y subidas de intensidad y que en momentos como "Ceremony VI" rozan la experimentación minimalista a través de sutiles notas de piano (algo así como una versión de las circulares `Gymnopedies´ de Satie en versión Noise). Los dos últimos cortes ("Ceremony VII y VIII") refuerzan el tono marcial y litúrgico a través de unos motivos rituales marcados o dicho de otra forma, las campanillas y los drones conforman una suerte de decrépita melodía que se va arropando de fuerza gracias a los aportes de los elementos industriales. El procesionario clímax final roza lo épico y os puedo asegurar que si os habéis metido en el disco a fondo, pone los vellos de punta; una simbiosis alucinante entre el Horror electronics de los Demonologists y el Dark Ambient de tintes Folk de Ord en siete minutos que no tienen desperdicio.

En definitiva, más que notable trabajo en colaboración de dos bandas a priori muy distintas pero que han conseguido un inteligentísimo punto medio.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=5819

sábado, 10 de febrero de 2024

Zatoz Nirekin Harrobira Eta Harri Arrantzale Egingo Zaituztet, DÍA DE PESCA CON EDENA


Zatoz nirekin harrobira eta harri arrantzale egingo zaituztet

Tengo el inmenso placer de charlar con Aitor Edena con motivo de su nueva cassette Zatozte Nirekin Eta Giza Arrantzale Egingo Zaituztet, todo un ritual y votivo humúnculo necro religioso cargasísimo de Harsh Noise Doom. 40 y pico minutos editados en una cinta fabricada a mano como nos tiene acostumbrados EDENA (os remito a sus anteriores trabajos aquí). Curiosamente y pese a las connotaciones litúrgicas, para mí no es un disco oscuro sino algo más luminiscente, telúrico y bastante triposo. Hay simbolismo en su portada y todo el proceso de grabación y montaje será desgranado en esta para mí muy interesante entrevista en la que ya aprovecho para desgranar la trayectoria de Edena al margen de mis idolatrados Bervna y Ballard.

Mi intención no es provocar con estas palabras pero la Comunión puede ser bucal o rectal. Ambas vías acaban llegando a la sangre, que está dentro del cuerpo. La vía de administración del Sacrvm Cuerpo y del Sacrvm Vino no altera el valor del producto, que siempre acaba haciendo que sientas la fe en las entrañas; eso en cuanto a lo que Zatozte Nirekin Eta Giz Arrantzale Egingo Zaituztet tiene de espiritual porque si mentamos la palabra Hostia os puedo asegurar que donde se siente es en las entrañas.

Zatozte Nirekin Eta Giz Arrantzale Egingo Zaituztet bucea por esos submundos del riff infinito de los Earth o Sunno))), la crudeza de Skullflower y el uso del Harsh Noise Wall en el Noise Industrial; por supuesto, recuerda a los aspectos más crudos de Akauzazte y otras lindezas paridas en ciertos mataderos pero vamos a salirnos por la tangente. El resultado santifica a su manera, y de eso os vamos a contar:

*𒊹* Saludos Aitor! Todo un placer volver a charlar contigo desde aquellos tiempos de BERVNA. Veamos…. Sobre Bervna y Ballard he escrito mucho y en profundidad y la verdad es que me prefiero centrarme más en EDENA pero antes de ello me gustaría que hiciéramos el recorrido de rigor. ¿Puedes hacerme un breve resumen del Aitor previo a EDENA como tal? Vaya, básicamente resumirme cómo se llega a Bervna, cómo se llega a Ballard, y cómo caen ambos proyectos.

▶  Podríamos decir que estás dos bandas son las más serias en las que he tocado. Empecé  tocando el bajo con mi cuadrilla de amigxs a los 12 años, primero en The Cane y después en Phlegm, en ambos casos no dimos más de 5 conciertos pero era muy guay ser un adolescente y compartir eso con tus amigxs, podríamos calificar lo que hacíamos como una amalgama de metal (bastante marciano diría). 

Supongo que cuando la cosa se estancó porque nadie supo cómo ir más allá empecé a coquetear con otra gente y estuve un par de años tocando punk-rock. De ahí volví a juntarme con más gente de mi cuadrilla y montamos Viridiana sería el año 2004 o algo así. Esta banda tuvo dos épocas, esta primera en la que consistía en colegas tocando juntos y después cuando la gente original se fue marchando y los que nos quedamos viramos del stoner que hacíamos al principio hacia post metal. La banda se acabó después de dar algún concierto, el resto de miembros no querían llevarlo muy en serio y yo si. Por esa época, semana santa de 2009 nos juntamos pele y yo y Beruna (al principio era con U) nació. 

Estuvimos como dúo año y medio y después de grabar el primer disco Mikel (Berru) se unió a la banda. Cuando dejó de ser divertido para todos y se tensionaron las amistades más de la cuenta la banda acabó. Un año después, en 2017, Mikel (Ballard) nos reunió a otras tres personas siendo él el nexo común y empezamos Ballard.  Tras la pandemia Mikel dejó el proyecto y continuamos como trío. Tensiones internas nos llevaron a tener un perfil más bajo durante los últimos tiempos para finalmente matar la banda.

*𒊹* Metámonos de lleno en EDENA. ¿Cuándo y por qué os formáis? Sin tenerlo cien por cien claro doy casi que por sentado que al principio sería algo tuyo solamente. Te pediría un ejercicio de memoria si es posible en cuanto a primeras formaciones y demás al menos en los inicios.

▶  Supongo que como muchas cosas en Edena es imposible decir en qué momento empieza. Pero por empezar por algún sitio cabe aclarar que Edena soy yo. A veces solo y otras acompañado de gente a la que invito a ser parte y a su vez me complementa y me aporta.  Existen tres momentos diferenciados en este proyecto. Esto seguramente empezó cuando empecé a hacer música. 

Mi ama me regaló una de estas grabadoras de periodista, las de cinta pequeña y desde entonces me dediqué a grabar todo lo que me rodeaba, empezando por riffs que sacaba con el bajo, siguiendo por los ensayos de The Cane y finalmente ruidos de electrodomésticos, discusiones familiares (propias y de los vecinos), la lluvia por la ventana, las obras de enfrente… cientos y cientos de cintas que ahí se fueron acumulando. Antes del 2010 me compro un ordenador y ya empiezo a usar el formato digital y me grabo haciendo el gilipollas con todo lo que sea susceptible de ser grabado con un micro. También empiezo a enchufar instrumentos y a grabar cosas, a veces estas acaban siendo intros de las bandas en las que toco, pero no va a más. Esto es algo que aun sigo haciendo muy a menudo.

La segunda etapa es algo así como a mediados de 2010. Viridiana había acabado y yo ya estaba tocando en Bervna. Pele (batería de Bervna) y Borja (batería de Titadine) llevaban tiempo animándome a sacar esas cosas que se habían quedado en el tintero de Viridiana; antes de que esta banda terminará habíamos tocado juntos un par de veces y les gustaba lo que hacía.  Así por primera vez soy yo el “compositor” de la música y el resto caminan a mi lado pero sin componer. 

Como mi ego por suerte no da para llamar a los proyectos por mi nombre decidí que se llamaría Edena (que pese a que en euskera batua puede significar como apuntabas en la publicación anterior “el Edén” también significa veneno en  Bizkaino; y esta era la acepción que más me gustaba). Con esta formación (Pele y Borja) tiramos a ratos durante dos años. Dimos unos 10 directos, sacamos una demo y también participamos en un disco recopilatorio en favor del acercamiento y amnistía de los presos. No fue una racha fácil para nadie y  acabé por joder las cosas. El proyecto como banda quedó en letargo y volví un poco al funcionamiento inicial.

Llegamos a la época actual. Durante la cuarentena, al tener tiempo libre y ordenador, decido digitalizar aquellas cintas del pasado. Ya no son aquellos cientos, en una mudanza en 2016 me robaron la única caja que no debía ser extraviada jamás, la que pones como última en salir del antiguo hogar y primera en entrar al nuevo y dentro estaban mis “incunables” entre otras muchas cosas. Así que con lo que queda hago una selección, grabo un tema con pele en su garaje y saco la cinta (De - 173). 

Me sorprendió bastante la acogida que tuvo, la verdad. Se queda el proyecto parado por un tiempo otra vez hasta que en mayo (2022) Ballard no podemos tocar en un bolo en el que se nos invitó. Decido que quizás ha llegado el momento de hacer directos con esta concepción más Bleak psicodelia y acompañado de Gorka (guitarra en Ballard) a la batería y Pablo (guitarra en The Covenant) montamos Harrian a partir de ideas que me iban surgiendo. Para ese directo creo `exprofeso´ el siguiente disco “zauri baten prozesua” en el que recopilo grabaciones antiguas de las cintas y una sesión en el local de ensayo anterior con Ioritz a la batería. Quedamos muy contentos y se graba Harrian tal y como sonaba la idea en mi cabeza. 

Hemos dado unos cuantos directos y estado muy a gusto. He sacado más referencias en solitario y sigo componiendo cosas. Creo que de momento doy por concluida la fase de ir a directo con banda y empezaré a prepararlos en solitario y más en concordancia con lo que estás últimas referencias han sido. No obstante me gustaría de vez en cuando volver a este formato de banda, quizás bailando los miembros y sus posiciones. No quiero ligar el proyecto a nadie que no sea yo en estos momentos.

*𒊹* No recuerdo haberte preguntado nunca qué sintes o qué pedaleras usas para crear esas marañas Noise tan a la vasca (escúchese Akauzazte).

▶ Uff, es una pregunta difícil. Uso muchas cosas en realidad: grabaciones de campo, grabaciones ambientales condicionando la recepción de micrófonos, distorsiones, una buena colección de amplis y de efectos de modulación, osciladores… antes usaba también sintes digitales, pero ahora no me apetece tanto ese mundo. La verdad es que casi el 80% de lo que suena ha sido “puteado” filtrándolo a través de mi adorado Big Muff ❤️.

*𒊹* Hay algo que me intriga. (DE-173), uno de los primeros trabajos, contando con temas que datan de 1999, rezuma de un Industrial Noise y Power Electronics minimalista que me da la sensación que a veces son experimentos que iban quedando fuera de tus bandas más metaleras. ¿Son demos, descartes o eyaculación post mortem electrónica?.

▶  Supongo que sí a todo, jeje. (De-173) es una recopilación de grabaciones de cassette en diferentes momentos de mi vida. Hay muchísimo sinte y mucha prueba de sonido, sobre todo. A veces acabaron siendo parte de otras grabaciones esas ideas (más bien los sonidos) y otras fueron grabados porque sí. 

(Formación clásica de "Harrian")

*𒊹* La cassette `ɘ​ϱ​bi​я​blƎ´ trae tres cortes (“Baga”, “Higa” y “Biga”) de (cito según los datos que tengo) el primer trabajo de EDENA de 2011. La historia yo la conozco pero me gustaría que contaras a los lectores cómo surge hacer esa reinterpretación de la música de los inicios. Es algo realmente confuso, parece traer partes de (DE-173), otros que parecen ser los mismos pero manipulados…

▶  Uhm… creo que la única conexión que hay entre (De-173) y el trabajo de 2011 en lo que a lo musical se refiere es un par de configuraciones de sonido que se repiten en el tema Higa y puede que también en el tema del recopilatorio. Lo que indudablemente une a los dos trabajos es el artwork. Me pareció gracioso usar la misma portada para ambos, el piano de gatos. 

`ɘ​ϱ​bi​я​blƎ´ es una interpretación del curro del 2011 grabado con banda. En realidad son las pistas de audio que aparecieron en la propia grabación modificadas. Las pistas que sonaban a banda fueron modificadas para convertirse en drones. Los temas que ya eran un drone y que en el caso de Baga y Higa fueron concebidos como puentes entre los temas no fueron modificados. El porqué del título es a su vez una reinterpretación de lo que pasó en aquella grabación. Por aquella época ya tenía la idea de que en algún momento acabaría por hacer algo con todas esas cintas de ambiente. Decidí que el proyecto se llamaría Edena cuando se tratase de lo musical y Eldridge cuando fuera drone, algo así como un moniker dentro del propio moniker de Edena, pero no los entendía como entes separados entre sí. 

Decidí con la creación de `ɘ​ϱ​bi​я​blƎ´ darle la vuelta a todo, el drone prevalece y “las canciones” se van y en la portada es el gato el que toca el piano y no parte del piano como en la grabación del 2011.

*𒊹* `Zauri Baten Prozesua´ suena a renacimiento de EDENA con creación de formato banda; para mi gusto engloba la mejor parte de Bervna cuando tornaba hacia el Funeral Drone Doom aunque es cierto que luego el Industrial hace acto de presencia hasta que te da la sensación de mezclar a Throbbing Gristle con Sunno))).  ¿Qué significa para ti este trabajo y como salió todo eso de meter la cassette dentro de un papel de lija? 

▶  Le tengo un cariño de la hostia a ese curro por muchas razones, la verdad. Para empezar porque el día del concierto en el Gaztetxe de Portugalete (primavera del ‘22) fue un día genial. No tengo ni idea si a la gente que asistió le pareció bueno o malo, me da absolutamente igual si te soy sincero. Hicimos mogollón de ruido, colocamos a la gente dentro de un círculo con los amplis alrededor y lo pusimos todo al 11.  

Para mí fue super liberador poder ir a ese directo, decir que ya iba siendo hora de creer un poco más en mí y que aunque fuese una absoluta basura esto era por y para mí en primer lugar, para Gorka y Pablo en segundo lugar y si a la gente le gustaba genial y si no, genial x2. En cuanto a la música ahí recopilada decir que me gusta muchísimo como suena este curro. Por un lado hay un poco de power electronics, un poco de sinte circular y harsh. Por el otro está Lurra 31, grabada con Ioritz a la batería en el local de ensayo el día que “A burocratic desire of extracapsular extraction” cumplió 31 años, un disco con el que estoy en eterna deuda. Y también está “Munstroaren munstroa”, creada a partir de una grabación de un bajo acústico pasado por el Big Muff y con alguna que otra capa de drone y voz acompañando. 

Recuerdo, además, tan claramente la grabación de ese bajo una noche sofocante de agosto, durante las fiestas de Bilbao del 2008 a las 10mil de la madrugada con un insomnio galopante. No fue una buena racha, de ahí que la pista ahi recogida estuviera nombrada como “Munstroaren munstroa”. Cuando buceé en el archivo de grabaciones me pareció adecuado dejarle ese nombre. El tema del artwork queda resultón aunque no cumple su intención inicial. Bueno, en realidad algunas de las primeras copias si que lo cumplen; queria que la cassette se rasgase por completo al tirar de ella para sacarla del embalaje. Me hubiera encantado que la cinta magnética pasase el mismo proceso de abrasión. Puede que en lo musical sí que conecte con la época más pesada de Bervna en parte, a mi me recuerda mucho todo a los primeros Earth, skullflower o Ramleh.  

(Fotografía del directo de Portugalete, presentando “Zauri baten…”, primer directo de la formación de “Harrian”)

*𒊹* `Harrian´ se graba en la Cantera de Mármol Rojo de Ereño…. Evidentemente, esto me lo tienes que explicar en detalle.

▶  Fue algo super guapo y loco de hacer en realidad. En un primer momento me planteaba grabarlo en un polígono industrial gigante, luego surgió la posibilidad de hacer el artwork cerámico y ya el polígono desapareció de la ecuación. Esta cantera se sitúa en el pueblo de Ereño, en Bizkaia. Anteriormente se sacaba marmol rosaceo de ella. Llevo toda la vida pasando por delante de ella para ir a Lekeitio. La cantera está en desuso y está prohibido acceder a ella (de esto me he enterado a posteriori, lo juro señor juez).  

Estuve mirando si hacerlo en la zona de más a cielo abierto en la cantera o en la vulva de piedra. La sonoridad de la segunda ganó. Lié a Pablo y Gorka y decidimos tocar el directo dos veces del tirón y registrarlo, nos centramos para ello en los rebotes que la propia cantera hacía del sonido, obviando el recoger el sonido de los amplis. Para ello, además, usé un equipo tascam de 6 canales de cinta y ese es parte del encanto añadido que la edición tiene. 

Mikel (Ballard) vino a ver la sesión y está incluso grabada en video. Hacia un calor terrible aquel día y justo en el momento en el que dimos la última nota en el segundo pase el sol cayó sobre nosotros de una manera fulminante. Tuvimos que subir los amplis de vuelta a la furgoneta bajo ese sol abrasador, diría que íbamos los cuatro con un mareo importante cargando las cosas. Creo que jamas en mi vida seré capaz de hacer nada mejor que reunirme con estos tres colegas allí, registrar esto y posteriormente idear y desarrollar el artwork con Marta. Caja a caja, una a una colando la porcelana, metiéndola en el horno. La carga de curro que se comió (y aun se come Marta) no hay dinero para pagarla. Nunca voy a poder volver a hacer algo que me llene tanto como “Harrian”.

(Grabación en la Cantera de Ereño)

*𒊹* Nos vamos del tirón a tu último álbum `Zatozte nirekin eta giza arrantzale egingo zaituztet´. Vamos por partes…. ¿por qué eliges esa frase de la Biblia para titular el disco? (`venid conmigo y os haré pescadores de hombres´)

▶  San Pedro del Vaticano, amigo. El apóstol pescador. No hay ninguna ínfula de ser yo quien hará a nadie pescador de humanos, solo un gato pescando dentro de una cruz invertida, tal y como se supone que murió el colega. 

*𒊹* Quisiera darte la enhorabuena porque es un flipe. ¿Cómo surge esa idea de manipular sonoramente grabaciones tomadas en la Basílica de San Pedro en Roma? Y por supuesto, cuéntame cosas sobre esos samplers.

▶  Joder, muchas gracias! La verdad es que estoy muy contento con el resultado. Ha habido la hostia de horas detrás de este disco.  En realidad no fue nada premeditado, ni mucho menos. Este verano Marta y yo fuimos de vacaciones a Roma y poco antes de entrar al Vaticano se me ocurrió que sería bastante guay escuchar una misa allí si se daba la ocasión. Coincide que cuando estábamos visitando la basílica se iba a celebrar misa en la capilla central y yo queria ver el puto baldaquino de cerca, si pasabamos a oir la misa podia hacerlo, asi que mientras paseabamos por la nave central le pedi a Marta su movil (que hace unas grabaciones de una calidad excelente) y lo colocamos en el banco durante todo el oficio. 

Supongo que en esos 30 y pico minutos debiera de haber prestado mas atencion al arte del altar, sin embargo estuve todo el rato pensando que hacer con la grabacion. Luego ya si que ví el baldaquino de super cerca. ¡Doble check!

*𒊹* Sin duda alguna es el disco más ambicioso y trabajado de EDENA. ¿Cómo fue el proceso de composición, grabación y finalmente la masterización? Creo que el acabado es muy compacto y acertado. 

▶  Escuché la grabación de campo una y otra vez y generé un esqueleto de lo que sería el disco más allá de la misa. Centre los instrumentos a dos: Osciladores y guitarra. Así que ya tenía claro que quería, hice un pase de los osciladores por cuatro amplificadores y un par de guitarra por los dos Sunn que tenemos en el local de ensayo. Después fui montando cada cosa. La verdad es que aún sigo viendo un montón de fallos en el disco, pero no podía hacer mucho más para mejorar la grabación de campo. Creo que es bastante macarra el resultado. Mi colega J.V. a.ka. Maresti/ Triames/Trivial solutions me dió un par de pautas de sonido y ahí acabó. 

*𒊹* Sigues manteniendo la esencia DIY. ¿No os habéis planteado buscar sello en ningún momento? Al menos con Ballard sí lo hicísteis.

▶  No estoy cerrado a nada siempre que se respete que el trabajo tiene que salir sonando como yo diga y con el artwork que yo diga. Estaría muy guay no palmar pasta constantemente con esto de hecho. Pero, en realidad tampoco me importa en exceso. Quiero hacer las cosas sin tener que depender de nadie.  

Estaría genial llegar a más gente, la verdad es que no me esfuerzo mucho en ello porque tampoco es algo que me preocupe especialmente. Si en algún momento empiezo a girar supongo que conseguiré algo más de boca a boca. Si estuviese trabajando de una manera activa en un sello mas allá de con el que me autoedito supongo que tambien llegaria a mas gente. De momento a todas las distris y sellos que me han contactado interesados les he mandado copias, además a fondo perdido aunque me da igual porque veo interés real. Me jode tener que suplicarle a nadie. Ni que decir tiene cuando se trata de hacerlo  a una web para que me haga una reseña cuando sé que en general les importa una mierda lo que hacen. Naturalmente este no es el caso de la muerte tenia un blog. 

(Último directo de 2023 con la formacion de "Harrian", Gorka a la bateria y pablo al bajo. Concierto callejero de fiestas de Santurce de 2023)

*𒊹* No sé si cierras algún tipo de círculo, pero en los discos de Bervna había algo cuasi ritual en los acabados y contexto (esas cruces, esas Karabakas…) La cosa es que me resulta curioso que `Zatozte…´ lleve un trasfondo no sé si religioso, pero sin duda de tonos litúrgicos. Cuéntame todo aquello que lleves dentro del alma sobre este disco y ya te diré si necesitas un exorcista.

▶  Ahora que lo dices…jejeje. En realidad, me da exactamente igual la religión y la fe que profese cada uno e incluso la mía propia. Me tiene sin cuidado si alguien es cristiano, budista o lancero bengalí, mientras no toquen los cojones a nadie con su puta fe. En el momento que por ser A ya tienes menos derechos que B puedes meterte tus buenas intenciones y tus dogmas en lo más profundo de tu culo. Y si te soy sincero me pasa un poco lo mismo con las personas ateas recalcitrantes que caminan a 10 metros sobre el suelo con su puta superioridad moral de no creer en seres mágicos. 

Dejemos que cada uno tenga su estructura de creencias propia mientras no joda con ella a nadie. Me da exactamente igual si hay algo después de esto y si ese algo es un jardín del Edén o la más absoluta nada. Dicho esto, me flipa la imaginería religiosa; estudié con los curas y posteriormente tengo hasta la DÉCA, siempre me ha interesado el mundo del merchandising religioso y el sálvame de los santos, los dioses y demás mitología. 

*𒊹* Sobre el artwork y EDENA, es ineludible que me cuentes algo sobre tu patológica obsesión con el grabado de los gatos y el piano y bueno…. Los gatos en general.

▶  Pues es curioso porque es algo que en un primer momento no era pretendido.  La portada de (DE-173) viene de ser el proyecto de portada de una grabación que se realizó con Viridiana y que nunca salió a la luz. Me hizo gracia usar la portada en el 2011 para el primer trabajo. Me pareció todavía más gracioso usar la misma portada en el 2020. Siempre me flipó el grabado y el mito del piano de gatos. 

Cuando hice “Zauri baten prozesua” tenía la lija y la cinta aislante, pero no había donde poner la info de la cinta ni la “portada” asi que busqué en internet y me topé con Louis Wain. Diana (calabaza cósmica/ desguace beni/ emboscada…) ya me había hablado de él muchos años antes y me enamoré. Gatos en el primer disco, usemos gatos… y elegí esa imagen, de esa cena de gatos con sorpresa. En ese momento senté un poco las bases que sigo manteniendo a dia de hoy y es que por un lado gatos gatos y más gatos, por favor y siempre. Y, por el otro, la portada no será nunca más el eje central del artwork. Es más, en “Harrian” hay hasta que buscarla dentro de él.

*𒊹* Esos abigarrados riffs de guitarra tienen la densidad de Earth, Khanate o Sunno))). Mucho más drone y ambiental, toques a Earth y el elemento alucinante del Harsh Noise Wall. ¿Tienes la idea de presentarlo en vivo?

▶  Tengo muchas ganas de hecho! Los directos con banda han sido eso pero si que es verdad que a momentos sonaba algo asi como a un conglomerado de noiserock cabron, mas que a drone. Mi plan es precisamente eso para cuando empiece a funcionar en solitario, llevar un par de sintes analógicos, una guitarra y joderle la noche al personal.

*𒊹* Pues hasta aquí hemos llegado. Es tu espacio para despedirte como te plazca. ¡Un enorme placer Aitor!. 

▶  En primer lugar olé tus genitales si has llegado hasta aquí después de toda la chapa que he dado. En segundo mil gracias por estar ahí, Mortimer, siempre. Gracias por dedicar tu tiempo a este blog y por dejarme ser parte de él una vez más. 

Probablemente no sea una persona lo suficientemente interesante ni mi mierda sea lo suficientemente buena como para prestarle atención, así que gracias una vez más. 

Y por último gracias a quien lee esto si es que te has tomado el tiempo de investigar a qué suena lo que hago. Si te ha gustado genial y si no también, pero, gracias por tu tiempo. Si alguien quiere contactar conmigo para directos o para cambios de material o lo que sea no soy difícil de encontrar. ¡Que todo vaya bien!

https://edenazarata.bandcamp.com/album/zatozte-nirekin-eta-giza-arrantzale-egingo-zaituztet

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