domingo, 19 de noviembre de 2017

MORDIDA - "THE WIND ASHES" (SACRAMENTO, NOOIRAX, NOIZELAND, LA RUBIA; 2017)


La banda sevillana MORDIDA se forma en 2010 con miembros de bandas todavía en activo como SUBLIMINAL CHAOS (también reseñados por aquí) y DEVIANTE. Tras una serie de singles seriados bajo el nombre "End Of Infinity", editan lo que es su primer larga duración a través de SACRAMENTO RECORDS, NOOIRAX, LA RUBIA PRODUCCIONES y NOIZELAND con el sugerente nombre de "The Wind Ashes". En el momento de la grabación, la banda está compuesta por J. Lavado (guitarras); M. Jiménez (batería y programaciones); D. Martínez (bajo, sintetizadores y teclados) y J. Almero (voces). El disco es grabado y mezclado en Sacramento Labs de Sevilla (Souler y D. Martínez) para luego masterizarse por Francisco Herrería en Madrid  (The Scope Mastering). "The Wind Ashes" viene envuelto en un sugerente artwork a cargo de Lucía V. Ella, encargada de toda la imaginería en SACRAMENTO RECORDS.

Lo realmente curioso con MORDIDA es su amalgama tan bien fusionada de estilos, que hace que sea difícil encasillarlos o compararlos al cien por cien con otra banda. Su propuesta es un Post Rock (ya sabéis que odio la palabra) con fuertes rasgos electrónicos y un gusto muy particular por la melodía. De base industrial, pero sin perder en ningún momento de vista lo hipnótico, los temas van rotando y transmutando en sí mismos para sorprender siempre al oyente. Digamos que tienen la particularidad de seguir sonando mántricos a pesar de los giros sorpresivos de sonido. Mitad guitarra, mitad electrónica, ahí radica el equilibrio perfecto de la banda que juega al despiste con un cubo rubik sonoro lleno de posibilidades y combinaciones.


En cuanto a comparaciones es inevitable pensar en Nine Inch Nails (quizás también algo de Ministry), pero pasando por el sustrato de Killing Joke por las guitarras y bases rítmicas. Eso sí, la mala leche de aquellos es aquí sustituida por un hormigón de sonido que tiende a lo progresivo mas que al Post Punk y es ahí donde empiezan las comparaciones con los trabajos de Steve Wilson en solitario e incluso con los Anathema de  "A Natural Disaster" en adelante. Podríamos escarbar más incluso y llegas hasta otras bandas del sello Kscope pero creo que es más interesante no diluir el asunto. Es curioso como un ínfimo detalle puede llevar una banda a un estilo u a otro y lo realmente fina que es la línea que separa las etiquetas.

"The River" abre con un bello diálogo cuasi Trip Hop entre los instrumentos, sobre los que divagan las excelentes voces muy bien ejecutadas y veréis... eso es casi lo más arriesgado del disco. Que una banda española se marque un psicodélico viaje a lo Portishead, Radiohead y similares es creíble siempre y cuando las voces estén a la altura, y creedme cuando os digo que en este caso están más que conseguidas. Va creciendo el tema en crudeza y cuando nos damos cuenta para el asunto y comienza "Never Come Back" con percusiones marciales e industriales que me pillan totalmente desprevenido. 

Ecos a Insurgentes de Wilson pero con un gusto espacial por las constantes idas y venidas de electrónica y esa base rítmica que se te clava en el sentido... aquí y ahora voy a soltar una cosa un poco rara, pero no me quito de la cabeza aquel disco sublime de la banda de culto de Torremolinos (Málaga) ALLISON, (desaparecida ya) que en 1998 se marcaron un tremebundo "Symmetry" que daba un astronómico salto desde el Hardcore Punk a una mezcla de Crossover y Nu Metal de teclados simples pero efectivos. Desde entonces fuera del Pop otras bandas han intentado estos sonidos... véanse los malogrados DISMAL, que de un rabioso Death Metal pasaron a cosas más modernas pero que se veían lastradas por un regulero uso de las voces (aun así siempre me han gustado mucho). Pues bien, creo que MORDIDA han sabido conjugar de forma sabia todos los elementos para marcarse un disco con proyección internacional si se quiere, jugando con los ambientes y texturas más que con hacer resaltar a los instrumentos de forma solista.


Encontramos cosas más raras todavía en la bailona "Disappear" que incluso puede traernos a la mente a SILVER APPLES mezclados con la ultimísima etapa de GODFLESH en "Hymns" de mayor regusto melódico sin duda, y que casi daría lugar a un nuevo estilo dentro del metal con su transmutación en JESU. Y ya que estamos... en MORDIDA hay mucho de Shoegaze, claro que sí, pero quisiera volver a decir que lo críptico de las letras que tienden al minimalismo y los riffs de guitarra gruesos mezclados con los apocalípticos ambientes industriales son todo un puntazo, como en el inicio de "Winds Of War" donde los teclados y percusiones programadas se mezclan con un ambiente Floydiano que tan a la perfección manejan ya bandas como ANATHEMA. Fantásticas las voces con Vocoder yendo y viniendo sobre un entramado épico-industrial que tan bien manejaban los últimos FEAR FACTORY antes de volverse inocuos.

Sigue el meditabundo corte "Waiting For The Moon" o el minimalista "The Choice" (mezcla entre DEPECHE MODE y PORCUPINE TREE, por muy raro que pueda parecer) que se van deslizando oleosamente hasta que estallan en elevadores crescendos donde la voz se convierte en un instrumento más y aquí destaco la excelente producción del disco que afortunadamente pone cada instrumento en su lugar (generalmente en un mismo plano) sin subidas de tono innecesarias que se hacen sólo de forma puntual para remarcar determinados pasajes. Por cierto, bestial en "The Choice" el desarrollo de las baterías alternándose y mezclando sintético con orgánico para formar arabescos pétreos de alta alcurnia.

Tramo final con el tempo anómalo en reverso de "Sky Of Blood" de desarrollo bailable tan propio del Trip Hop y que es una gozada y el épico desenlace de "Ending The Tunnel" que hace todavía mas marcado el uso de lo electrónico en la conjugación guitarra/teclados. Creo que MORDIDA han grabado un disco que permite muchísimas escuchas antes de aparcarlo y cada vez que lo pongo sale a relucir un nuevo detalle. Si hace muy poco la banda BLUSA me dejaban con las patas colgando en su excelente disco instrumental "K", ahora "The Wind Ashes" me pone a hacer el pino.


jueves, 16 de noviembre de 2017

DIARIOS DE CINECICLETA: MARTES 14 Y MIÉRCOLES 15 DE NOVIEMBRE


Martes, segundo día de la semana civil, tercer día de la semana litúrgica, situado entre el lunes y miércoles, que viene del latín "Martis Diés".... "Día de Marte". Primero dedicado al dios romano de la guerra, acabó acortándose en algunos sitios y en otros siguió conservando el "dies" como en el francés mardi o el italiano martedi

El caso es que todo esto que pongo es para ilustrar que ya no sé en qué día vivo, porque tengo la sensación de estar metido en un día largo que no se acaba y que aunque sí, leéis aquí que he puesto Martes, he tenido que consultar el calendario del ordenador para saber cuál era la reseña que tenía que hacer y a qué día me encontraba. 

A todo esto se le llama cansancio físico y mental. Desde la nuca hasta los huecos poplíteos tengo un considerable hormigueo y me he visto de perfil en el espejo y tengo forma de butaca de cine. Ahora para quitarme esta forma tendré que sentarme de cara al público durante otro puñado de días para que la forma de mi cuerpo se corrija... a ver si así logro recuperar mi compostura. 

Y como los días se me confunden tal y como digo, hoy mezclo las maratones del Martes y el Miércoles aprovechando que tengo un rato de relax para poder escribir. Esto es lo que he visto en este par de días, exceptuando "Blade Of The Immortal" que gracias a una resaca de proporciones bíblicas tuve que abandonar la sala a mitad de proyección y no voy a reseñarla sin haberla terminado (no me estaba gustando demasiado; me parece que Takashi Miike se está volviendo algo rígido). El cansancio ya hace mella y siento la cabeza tan hinchada que las orejas me pasan de los hombros. 

Bueno, con estas 5 van un total de 27 películas reseñadas. Me queda poco por escribir ya... se avecina el final. Me despido hoy con un POEMA:

"DE MONSTRUOS, ZOMBIS
ASESINOS Y MAJARETAS,
ALGÚN VAMPIRO
Y HASTA LOCOS DE LAS SECTAS...
ESTOS SON LOS CONTENIDOS, QUE DISFRUTE
CERCA DE 30 PELÍCULAS, UN BUEN CHUTE...

MIS OJOS SON DOS RAJAS EN UN TOMATE
MIS GLÚTEOS DORMIDOS CASO APARTE,
PERO QUÉ BIEN ME SIENTA FANCINE,
Y SUS ALTAS DOSIS DE ALUCINE.

MAÑANA DOLERÁ, ESTOY SEGURO
HASTA CREO QUE MIGRAÑA AUGURO...
SÉ QUE ESTÁ LLEGANDO LA NAVIDAD CON PREMURA
CUANDO SE ACERCA LA GALA DE CLAUSURA".

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REVENGE (Francia; Coralie Farget, 2017)

Los adictos al cine violento francés tienen aquí su nueva dosis. "Revenge" es el debut a la dirección de Coralie Farget. Un ejemplo clásico del cine Rape and Revenge, que para los más despistados fue parte del fenómeno del cine EXPLOITATION de los 70, abarcando tanto propuestas serias cercanas al thriller como descabellados westerns (véase "Scalps, Venganza India" (1987) del infame Bruno Mattei). 

El caso es que aquí se derrama tanta sangre de un cuerpo que dudo que se haya consultado demasiado algún manual de fisiología humana. Cine pseudo gore a lo "Haute Tension" pero sin tomarse la cosa demasiado en serio (no se llega a la perversión de "Frontière(s)"). Una simple excusa para ofrecernos violencia a raudales, litros de sangre y escenas bastante logradas no aptas para todos los estómagos.

A favor: cine violentísimo con sangre a litros bien filmado y con escenas muy impactantes.
En contra: la historia es más simple que multiplicar por cero.

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DABKA (Coproducción; Bryan Buckley, 2017)

El actor Evan Peters se mete en el pellejo de Jay Bahadur, joven periodista freelance que se hizo famoso por escribir sobre la piratería en Somalia. "Dabka" en un buen film en general, aunque carece de la tensión de obras por el estilo como "Kill The Messenger" de Michael Cuesta (2014). Prácticamente la totalidad de actores y actrices son refugiados somalíes, lo que le da un carácter especial a la cinta, que salvo por algún que otro detalle, se deja ver con bastante fluidez.

"Dabka" no es un documental ni lo pretende, pero sí que es verdad que la sensación de peligrosidad no ha sabido trabajarse con fuerza, dedicándose el director más en el aspecto humano alrededor del personaje de Bahadur. Tampoco ayudan el demasiado estereotipado personaje de Al Pacino o la rigidez vacua de Melanie Griffith. Una película para mí correcta sin más, que no arriesga ni gana nada, y que su tratamiento pseudo infantil (las preguntas que se le hacen a los piratas en las entrevistas borda el surrealismo) la aleja de haberla encumbrado a algo mucho más sólido.

A favor: me gustan mucho las películas tipo biopic que tratan sobre personas que contra viento y marea se ponen en el ojo del huracán... periodistas, aventureros o aventureras.
En contra: no se ha sabido recrear la sensación de peligro de Bahadur en Somalia.

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BETTER WATCH OUT (Australia/Estados Unidos; Chris Peckover, 2016)

La nueva cinta del director de "Undocumented" de 2010 llega a FANCINE precedida por un montón de premios. Lo que parece un típico film de niñeras defendiendo a un peque en problemas ante los intrusos, acaba convirtiéndose en una ordalía surrealista de violencia navideña... parece el año de las niñeras, porque también se acaba de estrenar hace poco la irreverente "The Babysitter".

"Better Watch Out" es divertida, con toques de comedia y violencia a partes iguales que desembocan en una suerte de slasher que se deja ver con la complicidad del espectador, porque si nos ponemos serios, es verdad que la historia no hay por donde cogerla. Diversión sin pretensiones, con giros imposibles de guión y una nueva vuelta de tuerca al cine de "invasión de hogares".

A favor: los giros de guión.
En contra: que una vez da el giro tampoco da de sí demasiado.

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MY SON (Francia; Christian Carion, 2017)

El actor francés Guillaume Canet tras "La Próxima Vez Apuntaré Al Corazón" que se proyectó en FANCINE 25 vuelve con otro papel a su medida. Un thriller realista en el que un padre llega hasta las últimas consecuencias para encontrar a su hijo desaparecido. Sin entrarse dentro de los detalles, el guión es simple y va directo a la yugular del espectador, cosa que a veces se agradece. La siempre más que correcta labor de los franceses en su cine hace que el interés y la tensión no decaigan, aunque sí que es verdad que tanta simpleza acaba por volverla porosa y cuando termina uno tiene la sensación de que ha faltado algo.

Por lo demás, recomendable y por encima de la media.

A favor: el siempre magnético Guillaume Canet. Thriller realista sin trampa ni cartón.
En contra: demasiado drama diluye el suspense en el final.

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HOUNDS OF LOVE (Australia; Ben Young, 2016)

Uno de los platos fuertes de FANCINE de este año es esta cinta australiana sobre una chica capturada por una perversa pareja. Bajo tan simple y vista premisa, la magnífica forma en que está rodada, con un uso muy bueno de la cámara lenta y la música, hacen que casi parezca en ocasiones un video clip. Además, los actores están muy bien resaltando un casi irreconocible Stephen Curry y Ashleigh Cummings.

Ambientada a finales de los 80, filmada en a penas 20 días y como casi todas las películas australianas de este tipo que veo últimamente, muy visceral, seca y tórrida... casi diría que los australianos le están cogiendo muy bien el pulso a este tipo de cine y compitiendo con los también brutales thrillers franceses.

A favor: fantástica fotografía y personajes muy logrados y que transmiten verdadera maldad.
En contra: en ocasiones resulta muy estereotipada.

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108 VECES 108 EN LA CÓPULA DE UNA ALONDRA: UN DOSSIER SOBRE ALONDRA SATORI


108 VECES 108 EN LA CÓPULA DE UNA ALONDRA

Os dejo aquí el dossier sobre ALONDRA SATORI para quien quiera descargárselo e imprimirlo y así lo lee más cómodamente. Espero lo disfrutéis:

https://drive.google.com/file/d/1ixLV3aA9yqO8Vkv7bRXYB5R-ubb0DXMR/view?usp=sharing

miércoles, 15 de noviembre de 2017

108 VECES 108 EN LA CÓPULA DE UNA ALONDRA (PARTE V Y FINAL)

(PORTADA Y DISEÑO DE MARA B. STONES)

Imaginemos una gran peonza de madera de teca en la que cinco sacros ángulos conforman un pentágono áureo. En cada extremo de este inmenso artilugio habitan Juanjo Sánchez, Jesús Alonso, Justo Bagüeste, Juanma Cidrón y A.L. Guillén. Como cualquier polígono regular que se gire y rote sobre un eje, lentamente se va asemejando a un círculo (Ouroboros) mientras los músicos van vomitando su extrañamente dulce hiel a través de instrumentos percusivos, de cuerdas,  electrónicos o de viento, porque el lenguaje no conoce fronteras ni el continente contenido.

La realidad sonora se va paulatinamente centrifugando, y el jazz, la electrónica de combate, el free o las grabaciones de campo no son más que pálidos reflejos cuando la peonza alcanza la velocidad máxima. El Centro (Centrum)  gira en la intersección de líneas del eje (Kentron), provocando la fuga (Fugere) que progresivamente hace que las densidades moleculares se conviertan en escaleras divinas por las que ascendemos a Samadhi o Ain Soph. ALONDRA SATORI tocan lo supremo a través de sonidos que miran tanto a las estrellas como al espacio que hay entre célula y célula de tu cuerpo.

Una absoluta celebración de lo sagrado en noches mágicas como esta de Níjar que evocan e invitan a separarte en moléculas. Mezclarte y copular con las notas de unos músicos en un altísimo estado de gracia para dar a luz vástagos de conocimiento elemental que se conviertan en los nuevos profetas de un mundo sónicamente muerto. Un renacimiento a través de la música con ALONDRA SATORI dirigiendo la nueva sinfonía de la creación. 

Absolutamente imprescindible.

PYLAR - "A ELLA TE CONDUCE LA SAGRADA ESPYRAL" (HUMO, 2017)


Ahora que parece que los medios se hacen eco de propuestas como la de PYLAR, es la hora de volverse introspectivo y replegarse en el latifundio personal de mi propia cabeza.

Hacer una vez más lo que me sale de las narices, salirme por la puñetera tangente y hablar en arameo si es necesario. Es hora de coger el Cútter Sagrado y abrirme los Cojones Cósmicos para observar parte de la vida In Situ... rasgar los cuerpos cavernosos y llegar al meollo de la cuestión por la vía rápida. Mi vista no es la que era y no llegaría a ver apropiadamente al Óvulo Primigenio en su más pura esencia, la de dador de vida. Lo ovoidal es símil de nacimiento, y si ello es así, al igual que lo áureo en la naturaleza, analizando todo lo que tiene forma de huevo llegarás inevitablemente al final de la Espyral. ¿Tiene fin una Espyral?... pues tú sabrás; qué mierda te crees, que yo tengo respuestas?. Dice David Maclagan en "Mitos de la Creación" (Editorial Debate, 1977):

"Me pregunto si podríamos comprender a un ser superior que intentara explicarnos los orígenes del mundo... Bien podría suceder que, fuera de nuestra razón, no existiera nada parecido a nuestra idea del origen, en cuanto se aplica, no a la relación de unas cosas con otras, sino a las cosas mismas".

Aunque prefiero sin duda las palabras de Lengua de Carpa al respecto: "Ni hay comienzo ni fin en la Espyral, eso son cosas del tiempo lineal. Solo hay la dicha de estar danzando en círculos en el presente mientras se vive con plenitud, pausa y lentitud; sin prisas y siempre decelerando. Bailar la Espyral te libera de causas y efectos, de juicios morales y de planes creados por otros en los que no encajarás jamás. Todos los mundos, todas las realidades ocurren a la vez. Nosotros abrimos puertas. Tú decides si las cruzas"

Después de haber gastado mis huellas digitales hasta el límite, de haber citado palabras como Kraut, Proto, Doom, Psicodelia, Free Jazz y Mito hasta la extenuación, la vida periodística se hace eco del asunto por fin y yo me largo. Ya no me interesa hablar más de esto y me inmolo en música. No hay nada que reseñar aquí porque cuando algo es sublime cualquier palabra queda pobre a su lado... ¿hablar y describir la creación alguna vez ha llevado a buen puerto?. No lo creo, así que tampoco voy a describir musicalmente nada... sólo voy a dedicarme a la sana costumbre que me caracterizaba y que quizás he ido perdiendo. Soltar palabras tal y como ve van viniendo, contradiciéndome, repitiendo hasta la extenuación e incluso quizás recorriendo una espyral, no lo sé...

Mi hálito no es finito y prefiero el repliegue de un intestino en putrefacción, de un escroto en lenta subida hacia la cavidad abdominal o el lento arrastrar de una serpiente. Aparear Heavy Metal con Basil Poledouris tiene sus consecuencias, y hay de aquellos que intenten copiar La Palabra sin haberla captado... ¿Basil Poledouris?. Pues claro, porque el compost/sustrato del sonido de la banda son los instrumentos viento y cámara: "En el caso de Lingua Alaudae nos pareció enriquecedor lo que nos podía ofrecer, independientemente del instrumento que tocase, ya fuera el bajo, el violín o las congas. Aunque he de reconocer que lo realmente distintivo de Pylar lo proporcionan los vientos. La capacidad de Trarames de integrar el sonido de la trompa en la propuesta de Pylar es la fuerza oculta que hiende el tiempo lineal curvándolo en el ombligo de Danu".


PYLAR recrea por etapas el mito de la creación en "A Ella Te Conduce La Sagrada Espyral". Las etapas de la creación vienen siendo recogidas desde antiguo por profetas arcanos y en el mismo Génesis (libro de Tiempo Intermedio, parcialmente vidriado como los ojos del cadáver) se dice (según cita de Bible Moralisée, Francia, 1450, biblioteca Bodleiana de Oxford): "tradicionalmente, a cada etapa de la narración del Génesis se le asigna un paralelo analógico. Así, la creación de la luz se interpreta como la creación de los ángeles; y la separación de la luz y las tinieblas representa la separación de los ángeles buenos de los malos, tras la caída de Lucifer"

¿Quieres que te hable de música?. No lo haré, querid@s lector@s. Si queréis que os describa el disco es que habéis muerto hace tiempo. Vuestra envoltura carece ya de la sana costumbre de interrogarlo todo y aventurarse por terrenos complejos... la información está a un click de vuestro ratón. Durante varios años sólo he intentado mantener encendido un maldito faro en una playa inhóspita, y hay quien se echó a la mar hipnotizado por los cánticos de Tiro. También hay quien prefiere dejarse hundir por el lenguaje mascado, triturado y sólo apto para tubo digestivo de un anciano, que como verdadero sabio, sabe que tendrá que dejar el marfil en la tierra porque ninguna Pyedra sagrada puede pasarse por la aduana sacra que controla el otro lado.

La metáfora es críptica, y los días de la creación no son reflejos del tiempo lineal. Se hace uso del símbolo en PYLAR. ¿La Espyral como reflejo del Ouroboros o todo lo contrario?... Dice Lengua de Carpa: "La Espyral contradice al Ouroboros?. Es lo mismo; es la serpiente infinita enrollada en el vientre, son las líneas internas que surcan la tierra, la serpiente es la Espyral que canaliza la energía telúrica. Es exactamente lo mismo. Andar la Espyral te hace descansar. Lo que cansa es recorrer la línea recta hacia una meta que no existe ni existirá nunca. Si caminas la Espyral no hay metas ni objetivos, solo el inmenso gozo de avanzar danzando. Si la vida te agota danza, danza en círculos y notarás como la dicha te inunda y el agotamiento te abandona. Baila y recorre el espinazo de la culebra planetaria de la sabiduría"

Lengua de Carpa cita el baile una y otra vez. El nuevo disco de PYLAR es bailable como baila la lengua física en su cavidad en la sintaxis de los antiguos vocablos, interjecciones y principio del lenguaje. El mismo Rig Veda en sánscrito arcaico debe interpretarse en diferentes niveles a la vez, pero cuando realmente "comprendes", lengua y significado se tornan sencillos.


El Heavy Metal lo tenía claro, pero la mortaja férrea de la evolución se cree más lista que el mismo hombre. Le pregunto sobre los laberintos vocales al mismísimo Lengua de Carpa para que me resuelva la razón de que me parece estar escuchando a un benzodiacepínico Rob Halford en uno de los temas: "Pylar obra según las invocaciones y las posesiones consiguientes. El trabajo vocal, igual que los demás, opera siguiendo esta dinámica. Es algo que de lo que no puede hablarse, no puede representarse. No puedo representar por escrito lo que es una invocación ni una posesión. Lo puedes mostrar pero no representar. Si quieres que te lo mostremos has de acudir a alguno de nuestros eventos rituales en vivo. Ojalá acudiese Halford".

Si habéis llegado hasta aquí, deteneos por un breve instante en observar el artwork del disco y vaciad la mente; vuelve a contestarme Lengua de Carpa porque se ve que el resto estaban sufriendo el Cólico Biliar del Renacimiento: "Gamaheo tiene libertad absoluta para crear. No hace falta que nadie le dé indicaciones. Al contrario, son sus ilustraciones las que nos indican los caminos musicales que debemos transitar. Es un gran admirador de Moebius y Magritte. Sus cualidades chamánicas le hacen conectar directamente con el plano onírico, creo que de ahí viene la fuerza de su obra".

Deseo profundamente que nadie entienda nada de este texto. Que cada uno recorra su maldita ESPYRAL y le lleve o al final del arco iris o a leerse el Gilgamesh, la Torah, el Corán y el Popol Vuh. Pero pobre de aquel y aquella que quiera tomarse un atajo. No se llega a nada sin sufrimiento y dolor (ya lo dijeron en FAMA). Para conocer, indudablemente, el truco está en seguir las palabras de Lengua de Carpa:

"Baila, Coronel, acepta el azar y baila. La vida es de los que son capaces de bailar".

Termino con una cita nuevamente de Maclagan: "en ocasiones, la conversión de la energía en materia y el retorno de la vida a la inexistencia se consideran como características del sufrimiento, como continuo sacrificio tanto al nacer como al morir", y este revelador texto de Artaud:

"EL DIOS OCULTO, CUANDO CREA, OBEDECE A LA CRUEL NECESIDAD DE CREACIÓN QUE SE LE IMPONE" (Teatro de la Crueldad, 1932).

Ni siquiera enlazo publicitariamente al sello discográfico o la banda porque el que tenga interés encontrará. Quien siembra recoge, y la mies puede ser dulce o amarga. Ya lo sabían aquellos músicos barbudos en las comunas alemanas de finales de los 60 o los neo conversos del jazz espiritual post Coltrane. Si crees que comprendes la Épica, sabrás dónde está el fino hilo que da principio a la madeja.


martes, 14 de noviembre de 2017

DIARIOS DE CINECICLETA: LUNES 13 DE NOVIEMBRE


Cuando llego a la zona de Calle Alcazabilla se me coge un pellizquito en el estómago al ver que están recogiendo las carpas. Eso quiere decir que el fin de semana ha pasado ya y que nos enfrentamos a la recta final... pero lo que me da más miedo es que como siga cenando shawarmas me acabaré enfrentando a mi RECTO FINAL, pero eso es otra historia.

No nos pongamos tristes todavía, que quedan un montón de películas por comentar. Así que venga, directo al lío hoy:

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LE SERPENT AUX MILLE COUPURES (Francia; Enric Valette, 2017)

Correcto thriller rural franchute sobre un misterioso fugitivo que se inmiscuye en un negocio de la mafia colombiana, para acabar perseguido por un letal mercenario en los inmensos viñedos que pueblan el país francés. La narración está medianamente conseguida, y aunque prima el suspense y la tensión, el interés flojea en el tramo medio de la película, para posteriormente recuperarse en el consabido toma y daca final. 

Escenas bastante violentas a cargo de un algo sobreactuado Terence Yin en una trama algo simplona en sí, que se mueve a volantazos, y que intenta jugar con la moralidad del espectador. Para pasar el rato ya que se aleja bastante del mejor thriller francés.

A favor: el tratamiento crudo que le dan siempre los franceses a su Noir.
En contra: la historia no da para mucho y acaba cargando.

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THELMA (Noruega; Joachim Trier, 2017)

Esta película noruega viene precedida de muy buenas críticas y algunos premios en festivales internacionales, pero tengo que reconocer que no me ha convencido en absoluto. La trama viene a ser el descubrimiento de una serie de poderes extrasensoriales de una adolescente mientras está descubriendo su identidad sexual, todo ello metido dentro de un ambiente familiar raruno que parece esconder un determinante acontecimiento pasado. A partir de aquí, encontraremos clichés que hemos visto en mayor o menor medida ya en cintas clásicas como "Carrie" y "Ojos de Fuego" pero con el marchamo de la fría asepsia Noruega a la hora de filmar.

A pesar de tener varios momentos muy interesantes (alguno bastante impactante), el largo metraje lastra la narración como un ancla de sopor y cuando llega el desenlace uno ha tenido tiempo de mascar mentalmente todas las posibles variables para un predecible final. Eso sí, a juzgar por los aplausos la película gustó, y no me extrañaría que se llevara algún premio este año... aunque para mí la verdad es que me resultó bastante irrelevante. Ni el papel de Ellen Dorrit Petersen, sobresaliente en la inquietante "Shelley" de 2016 me dijo aquí demasiado.

A favor: la siempre impecable forma de rodar de los nórdicos.
En contra: predecible y harto vista.

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FREE AND EASY (China; Jun Geng, 2017)

La llegada de un extraño vendedor de jabones a una desolada ciudad china desemboca en una delirante, pausada y minimalista comedia donde las pausas, los silencios y los diálogos adquieren vida propia. Una fantástica fotografía donde los pocos colores se realzan sobre el fondo gris de una ciudad en escombros sirve de escenario a unos personajes más propios del cómic que del cine. A pesar de lo sombrío de la propuesta, se trata de una tragicomedia bastante lograda, que quizás flojea al ser tan larga. 

Ganadora de premios en Sundance o el Odessa International Film Festival, "Free And Easy" es cine de autor en grado sumo, pero quizás la críptica forma de narrar de los directores chinos la hace algo áspera para el común de los espectadores. Para mí ha sido una grata sorpresa y quitando un final demasiado largo, me lo he pasado en grande.

A favor: no creo que hayas visto nada igual. Personajes oníricos, irreales y dantescos con unas líneas de diálogos alucinantes.
En contra: algo larga y repite clichés al final.

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MOST BEAUTIFUL ISLAND (Estados Unidos; Ana Asensio, 2017)

Ana Asensio debuta a la dirección con un "yo me lo guiso y yo me lo como" haciendo labores de dirección, guionista y actuación en esta perturbadora cinta de bajo presupuesto. Un oscuro thriller psicológico donde una inmigrante en plena descomposición moral y social intenta remontar gracias a una extraña propuesta de una conocida. Ritmo narrativo perfecto con metraje corto, tensión mantenida y un final ambiguo de los que te dejan un ratito dándole vueltas al asunto.

La potencia de "Most Beautiful Island" es su parco uso de recursos, con una fotografía fea y granulada que potencia el desencanto de llegar a una gran urbe que puede darte o quitártelo todo. Por lo demás, ecos al cine de Lynch en algunos retazos pero sin las abstracciones de aquel. Merece un visionado del espectador para sacar sus propias conclusiones.

A favor: buen thriller psicológico de Serie B.
En contra: al final acaba primando más el drama que el suspense.

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BUSHWICK (Estados Unidos; Cary Murnion/Jonathan Milott, 2017)

Aprovecho que tengo un hueco libre para otra reseña que se me había quedado atrás. Los directores de "Cooties" de 2014 nos traen una historia de acción distópica en la que en plenos Estados Unidos se desata una suerte de guerra civil (no se especifica año ni contexto). Trama simple de supervivencia que se usa para realzar el estado de alerta callejera máxima que se viviría en semejante situación. Así pues, se usan largos plano secuencia para seguir a los protagonistas (simples supervivientes) en su paso de una manzana a otra tiroteo tras tiroteo (bastante logradas las escenas de acción).

Muy deudora del primer Carpenter ("Assault On Precint 13" o incluso "Escape In New York") pero evidentemente sin la gracia y chicha de este, claro. Se deja ver con facilidad y quitando la rígida interpretación del reconvertido luchador de la WWE, Dave Bautista, pues no está nada mal.

A favor: su regusto ochentero añejo.
En contra: no va hacia ningún sitio, lo cual no debe ser en sí malo, pero aquí si lo acaba siendo.

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Tras un quiero y no puedo tengo que dejar la proyección de "Les Affamés" porque me puede el cansancio. Las críticas eran buenas pero entre que yo a estas alturas de FANCINE soy más zombi que los mismos zombies del film, necesito descansar un poco. Me voy a casa con el sabor agridulce que da el irse dando cuenta que se está más lejos de la meta que de la salida... pero todo es cuestión de perspectiva, porque mientras antes termina el FANCINE de este año más cerca está el FANCINE del año que viene, no?. 

Hasta mañana, corazoncitos.

lunes, 13 de noviembre de 2017

DIARIOS DE CINECICLETA: DOMINGO 12 DE NOVIEMBRE


El día de hoy ha sido intenso. Me he dado cuenta de que si libero una de cada dos células de mi cuerpo consigo ver más películas, ser más liviano y desplazarme con mayor pulcritud. El problema es que bueno, quizás sea algo drástico este tipo de cirugía estética radical en la que uno se ve exactamente reducido a la mitad, y tengo miedo de que alguien pueda encontrar la otra mitad de células que he soltado y montar el rompecabezas que sería otro CORONEL MORTIMER igualito a mí y qué se yo, usarlo para fines incluso no benéficos. 

Así que me he arrepentido y me he puesto a recoger toda esa parte sobrante de mí que he ido dejando por ahí pero con la mala suerte de que no recuerdo dónde he dejado la otra mitad de neuronas. Se ruega ayuda para intentar reconstruir mi psique en la medida de lo posible... incluso he probado a añadir otras partes de otra gente que he encontrado pero no sé, me noto raro y como que no pienso igual. 

Tengo miedo... ¿y si dejara de gustarme el fantaterror?. 

Si alguien encuentra o se topa alguna de estas neuronas por favor que me contacte en el siguiente número... mierda, he perdido la parte que recordaba el teléfono. Bueno, dejádmelas en la taquilla del Albéniz con un sobre a mi nombre.

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JUNGLE (Australia; Greg McLean, 2017)

El irregular director de "Wolf Creek" o "The Belko Experiment" (algunas más tiene, pero igual de reguleras) se lanza ahora a una producción de supervivencia y aventuras que narra las peripecias de Yossi Ghinsberg, aventurero de origen israelí que se perdió en la selva de Bolivia en plena Amazonia en la década de los 80. Rodada entre Colombia, Bolivia (Maldidi Park) y Australia (Mount Tamborine) la película es a todos los efectos un producto de entretenimiento puro y duro sin muchas más pretensiones que cualquier fórmula estadounidense al uso. 

Buena fotografía, correctas interpretaciones (demasiada sonrisa dentífrico de Daniel Radcliffe) y lo que suele sucederme con este tipo de producciones. Casi que estoy deseoso de que terminen para ver las fotografías de los personajes reales. No voy a negarlo, me gustan mucho las películas de supervivencia y naturaleza pero en mi humilde opinión ninguna cámara podrá captar nunca las peripecias de gente como Ghinsberg, que llegó a empalarse el recto con una rama en una caída. Para pasar el rato.

A favor: la fotografía, la conexión con la naturaleza y el espíritu de amistad del grupo.
En contra: producto americanizado en exceso.

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DHOGS (España; Andrés Goteira, 2017)

Muy interesante película rodada gracias al crowfunding dentro de la sección Insólitos/Indómitos y que ha contado con la presencia de su director. Varias historias que se van fundiendo unas con otras a través de un sutil hilo conductor, con la particularidad de que todas ellas están siendo observadas por impertérritos espectadores. De la trama poco más quiero contar, porque sería hacer un spoiler importante, así que intentaré marear la perdiz un poco.

Comportamiento dócil versus comportamiento perverso vendría a ser el dualismo que mueve la cinta, que está grabada con mucha maestría pese a los déficits de presupuesto, aprovechando los recursos tal y como se van presentando y obteniendo finalmente un remedo de thriller, drama y tal y como su propio director concluye al final de la proyección, simple cine de entretenimiento. Personalmente me ha parecido muy lograda e interesante, con alguna que otra escena de bastante crudeza visual. Destacar también la banda sonora, con un buen score a base de zanfoña y throatsinging al más puro estilo tibetano que crea una densa maraña "drone" inquietante cuanto menos.

A favor: lo que puede hacerse con pasión y ganas. 
En contra: no es tan insólita ni tan indómita.

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LOVE ME NOT (Grecia; Alexandros Avranas, 2017)

Durísima película de Avranas al más puro estilo "Kynodontas" de Yorgos Lanthimos (2009) pero además añadiéndole toques del cine visceral de Michel Haneke, creando una mezcla explosiva no apta para todo tipo de públicos. Una pareja paga los servicios de una muchacha como vientre de alquiler, para poco después aparecer completamente calcinada. A partir de aquí, el cine bilioso griego se mezcla con el francés a lo Romain Gavras o el incómodo Gaspar Noé (curiosamente la película es una coproducción entre Grecia y Francia) dándonos una serie de largos planos aparentemente asépticos pero cargados de una fuerza tremenda. 

No creo que haya medias tintas en el cine de Avranas, especialmente en "Love Me Not". O te gusta o directamente sales indignado de la sala. Potente, cruda y con un final que deja a "Canino" a la altura del betún. Más drama que cine de terror al igual que ocurría con "Miss Violence" (2013) donde por cierto actuaban tanto Christos Loulis como Eleni Roussinou. Destacar especialmente la interpretación de ella en las incómodas y sórdidas escenas finales. Cine de autor en estado puro.

A favor: sordidez cinematográfica sin tapujos. Cine de autor.
En contra: verdaderamente es incómoda.

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THE ENDLESS (Estados Unidos; Justin Benson/Aaron Moorhead, 2017)

Dos hermanos vuelven a una secta de la que salieron una década atrás para encontrarse un idílico y familiar ambiente. Poco a poco vuelven a cuestionarse las razones que los llevaron a su marcha y posterior denuncia como secta destructiva. 

Bueno, vayamos por partes. "The Endless" es una fantástica película de terror sobrenatural con tintes de thriller grabada con maestría y un trabajo encomiable a las labores de guión... pero lo que verdaderamente me ha dejado con el culo pegado al asiento no es eso. Durante todo el metraje tenía la sensación de que estaba viendo otra película que ya había visto con anterioridad (no había consultado nada de los directores por falta de tiempo), pero no me entendáis mal; a lo que me refiero es a que se me venía a la cabeza una película en la que dos amigos se encontraban en una cabaña.

Uno de ellos ataba al otro para intentar desintoxicarle de su adicción a las drogas, para luego irse todo tornando en un despipote padre... pues imaginad cómo me quedo cuando en el último tercio de "The Endless" la película acaba conectándose con uno de los fotogramas de la otra a la que me refiero ("Resolution" de 2012) para configurarse en una misma pieza de un puzzle. ¿Difícil de entender lo que estoy contando?. Dicho de otro modo, "The Endless" profundiza en el universo de "Resolution" a modo de Spin Off (o algo así) y yo no tenía ni la más remota idea. Me tiro toda la película pensando en la otra y de repente, como si de una bisagra se tratara, van y se unen las dos.

Delirante, imaginativa y lovecraftiana, "The Endless" está recogiendo premios allí donde se presenta y se lo merece con creces. Además, sus directores tienen otra joya titulada "Spring" de 2014 que no tiene desperdicio alguno. Para más inri, hacen un yo me lo guiso y yo me lo como interpretando tanto "Resolution" como esta "The Endless".

A favor: imaginación al poder en una cinta muy entretenida y bien urdida en todos los detalles.
En contra: nada, estas películas son más que necesarias.

***
Para terminar, sólo un apunte. 

La fauna de los cines a veces es de otro planeta. Determinados individuos/individuas tienen la sana costumbre de convertir las películas en experiencias audiodescritas... esto es, acompañan cualquier cosa con interjecciones, suspiros, comentarios y demás idiocias. Estas personas deberían de quedarse en casa, o al menos ponerse un auricular conectado a su propia mente para escuchar lo ridículos que resultan. Ya no es el ruido de la comida, ya es que no paran ni un segundo de comentar todo con ruidos de toda índole. Se lo deberían de tratar antes de salir de casa.

domingo, 12 de noviembre de 2017

DIARIOS DE CINECICLETA: SÁBADO 11 DE NOVIEMBRE


La introducción de hoy será corta. 
Intentaré hacerla corta.
Leo lo que acabo de escribir y sin darme cuenta quizás la esté alargando más de la cuenta. 
Venga, a la cuenta de tres la corto. ¿Quién cuenta?... ¿hay alguien ahí?... - cambio y corto
Y ni corto ni perezoso me doy cuenta de que si corto la comunicación, o la intento hacer corta, quizás se me quede en el tintero lo que de verdad cuenta. Lo único que nunca haré, será cortar y pegar. Aquí no se corta y pega. 

Esto es LA MUERTE TENÍA UN BLOG y mi nombre es CORONEL MORTIMER para lo que se tercie. Para bien o para mal, lo que aquí se escribe tiene esencia personal e intransferible, que si a ustedes no gustase, ruego cortasen, y yo tan pancho me quedase. ¿Te parece normal?... ¿Te parece fatal?... ¿quizás captas una ligera esencia del Rap?. 

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TEHRAN TABOO (Austria/Alemania; Ali Soozandeh, 2017)

Ali Soozandeh es un director de origen israelí (luego emigra a Alemania) que se atreve a contar una durísima historia sobre la represión de la mujer a distintos niveles en la sociedad islámica. Grabada mediante la técnica del rotoscopio, que básicamente y resumiendo es reemplazar fotogramas de imagen real por otros "calcados" mediante láminas de celuloide. El aparato es diseñado por Max Fleischer y que es un clásico en la animación de la primeriza Walt Disney, quedándose luego en desuso ante las nuevas tecnologías.

"Tehran Taboo" cuenta por tanto con una fluidez cercana a la realidad, y la verdad es que resulta todo un acierto el uso de esta técnica de animación. Sabemos que hay personajes reales detrás de lo que vemos, y las mujeres bajo el yugo del patriarcado islámico esconden secretos y tabúes que se perpetúan de generación en generación; desde la prostitución obligada a guardar la virginidad hasta las últimas consecuencias, pasando por los densos tribunales morales, las drogas encubiertas y un sinfín más de problejas judiciales. Una de esas películas que ves con un tremendo nudo en el estómago y que imagino que tendrá bastante de autobiografía. 

A favor: su temática real, cruda y desgarradora que es contada sin tapujos.
En contra: que a día de hoy estas historias tengan que ser narradas y no formen ya parte del pasado,

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LET THE CORPSES TAN (Francia/Bélgica; Hélène Cattet/Bruno Forzani, 2017)

Lo primero felicitar a FANCINE por traer esta maravilla al festival. Una película que no es apta para todos los públicos por diferentes motivos. Cattet y Forzani ya llevan una imparable y meteórica carrera grabando films psicodélicos que ríase usted de cualquier droga que altere el estado de consciencia. Su particular forma visual y auditiva de narrar queda patente en esas joyas que son "Amer" (2009) y la fantástica "L'étrange Couleur Des Larmes De Ton Corps" (2013), ambas homenajes refrescantes del Giallo y las coproducciones hispano italianas de los 70; todo ello sin contar aquel perverso cortometraje llamado "O Is For Orgasm" incluido en "The ABCs Of Death" (2012).

Ahora es el turno para el homenaje a los infames géneros europeos del Euro Crimen, el Spaguetti Western, el Poliziesco o la más pura y dura Sexploitation. En unas viejas ruinas mediterráneas se cuece un robo que acaba en el juego del gato y el ratón más violento que el espectador pueda imaginar, todo guiado bajo la sabia y auditiva batuta de una banda sonora que rescata joyas olvidadas de Morricone, Cipriani o Nico Fidenco. Si en sus films anteriores veíamos mucho de Argento o Bava, aquí es Sergio Leone el que campa a sus anchas con un juego de primeros planos absolutamente demoledores, cargados de ingenio y que seguro habrán sido un latazo para los espectadores que no gusten de este tipo de géneros. A nivel interpretativo, el cast es delirante, pero tampoco voy a entretenerme demasiado estando internet para que consultéis las filmografías de cada personaje.

Imposibles filtros, flashback al más puro estilo Leone en su celebérrima "Once Upon a Time In The West" (1968), pero todo pasado por una frescura alucinante. Una gozada de escuchar el roce del cuero, las cuerdas o los guantes cuando se crispan los puños... el uso de los 4 colores básicos del espectro para iluminar las secuencias desde diferentes ópticas y bueno, la verdad es que se me quedan cortos los elogios. Para algunos excesiva y barroca, para mí una auténtica joya. Si en "Enráges" (2015) se intentaba hacer una remedo (quiero pero no puedo) de "Canni Arrabiati" (1974) con pobres resultados, aquí tenéis una muestra de lo que se puede llegar a realizar a nivel cinematográfico cuando las dotes parecen ser ilimitadas y no existe el miedo a transgredir las normas. 

A favor: droga cinematográfica destilada en un caleidoscopio sensorial.
En contra: nada, perfecta. No puedo ser objetivo, lo siento... buscad otros medios para ello.

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BLACK HOLLOW CAGE (España; Sadrac González-Perellón, 2017)

Una de las ventajas de ser freelance y llevar un blog es que puedes dar tu opinión con todas las de la ley, incluso argumentar las cosas sin depender de nadie. Pues bien, tengo que decir que "Black Hollow Cage" no me ha gustado absolutamente nada, y ahora paso a exponer mis razones.

Tras un metraje excesivamente largo se esconde una tramposa trama en la que un padre y una hija viven en una aséptica casa en medio de las montañas. A ella le falta un brazo y está intentando manejar con el pensamiento y las nuevas tecnologías un brazo biónico. Por otro lado, tenemos una figura paterna que esconde un secreto y un perro con un altavoz que responde como la madre muerta de la hija... a partir de ahí, la irrupción de une extraño cubo o caja que parece conocer el devenir de los acontecimientos.

Pues bien, así de reojo en mi mente busco el apartado de "Películas con alteraciones del espacio tiempo" y saco un buen puñado de ellas. Desde la matemática e ingeniosa "Primer" de Shane Carruth  (2004) hasta la infame "Los Cronocrímenes" de Nacho Vigalondo de 2007, pasando por la más reciente "Coherence" de James Ward Byrkit (2013), la potentísima y violenta "Triangle" de Christopher Smith (2009). Pero ojo que hay más... "+1" de Dennis Illiadis (2013) o la más desconocida cinta de Indonesia "Modus Anomali" de Joko Anwar (2012)... y ojo que sólo he rascado la superficie y me he saltado el cine de Horror Matemático y abstracto a lo "Pi" de Aronofski (1998) porque entonces la lista se me iría de las manos.

Esas son mis razones para decir que "Black Hollow Cage" es una simple historia vacua, engañosa y con mucho artificio de relleno para contarnos algo que ya se ve venir desde la mitad del metraje. Las actuaciones son más que correctas, eso sí, pero como film para mi gusto no funciona. Quizás como cortometraje hubiera quedado mejor.

A favor: las interpretaciones son buenas, la fotografía y el aspecto técnico impecables.
En contra: la historia ya está más que contada y está plagada de incongruencias.

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BAD MATCH (Estados Unidos; David Chirchirillo, 2017)

Uno de los autores del guión en la fresca "Cheap Thrills" (2013) se lanza al largometraje con la enésima cinta al cuadrado de películas donde las citas a ciegas salen mal. Verdaderamente mala, con actores que no están a la altura, un guión pobre que juega al principio con aquello que tan bien quedaba en clásicos como "Escalofrío En La Noche" de Clint Eastwood (1971) para acabar en una payasada de proporciones bíblicas. Pero oigan, para gustos los colores.

A favor: el inicio tiene su gracia.
En contra: desde el minuto 10 para adelante podían habérselo ahorrado.

***
"Oigan en Bus me voy para casa,
hace frío, no estoy de guasa.
Llego tarde, mañana dolerá
pero a buen seguro, como una droga,
Mister Mortimer el Domingo
a Fancine acudirá."

sábado, 11 de noviembre de 2017

DIARIOS DE CINECICLETA: VIERNES 10 DE NOVIEMBRE


Mis primeros recuerdos de cine de terror datan de la infancia. Un par de visionados prohibidos de dos escenas en concreto y curiosamente, ambas de ellas en casa de los abuelos mientras mi familia dialogaba y se dedicaba a otros menesteres claro que con sólo dos canales, la oferta de zapping era tan exigua que era imposible no toparse con aquello. La primera escena en cuestión es la famosa secuencia de la piñata en "Quién Puede Matar a Un Niño" de Ibáñez Serrador (1976) y la otra pertenece a "Dónde Te Escondes, Hermano?" (Frank Hennenlotter, 1982) en la que Belial serraba por la mitad con una motosierra a una de sus víctimas. Ni que decir tiene que algo me habrá impactado cuando lo recuerdo todavía. Luego tengo otros recuerdos pero son más recientes... tanto del ciclo NOCHE DE LOBOS (puro culto) como ALUCINE o las series "Crónicas Del Mal" y "Sabbath" que las ponían después del programa "Un, Dos, Tres... Responda Otra Vez"

Sobre estas tonterías me encontraba yo divagando en la cola de Prensa de FANCINE observando y escuchando a toda una nueva generación de amantes del cine fantástico, a los que prácticamente duplico en edad. Curioso, pero los cánones, paradigmas y películas referenciales parecen haber cambiado... ¿o es quizás desconocimiento?. No lo sé, la sociología sólo me interesa en mis horas muertas, la verdad. En cualquier caso es un gustazo ver cómo se perpetúan esas escenas míticas de nuestra infancia que acaban potenciando nuestros gustos futuros; grabando a sangre y fuego en nuestro código genético (eso que hablan de la epigenética tendrá algo que ver) la impronta eterna del amor por el fantaterror. 

Qué lejos quedan los tiempos en los que se demonizaban los juegos de Rol en los programas de sobremesa. Ahora que los estudiantes son cadenas de 0 y 1 casi que cualquier padre o madre preferiría que su progenie se divirtiera en sociedad dándole a los dados (sí, a esas cosas construidas con baquelita que simulan polígonos regulares de múltiples caras). Salgámonos de esa cadena ignominiosa y desafiemos al exterior desde dentro que ya lo dijo el bueno de Leonard Cohen:

"They sentenced me to twenty years of boredom
For trying to change the system from within
I'm coming now, I'm coming to reward them
First we take Manhattan, then we take Berlin

I'm guided by a signal in the heavens
I'm guided by this birthmark on my skin
I'm guided by the beauty of our weapons
First we take Manhattan, then we take Berlin"

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HAVE A NICE DAY (Jian Liu; China, 2017)

Fantástica película de animación china donde un grupo de diferentes personas de varios estratos sociales acaban metidos en una violenta persecución para conseguir un maletín lleno de dinero. Aun no siendo demasiado experto en el tema de la animación, queda plasmada perfectamente la sincopada forma de narrar del cine oriental en este fantástico thriller. La forma de plasmar en imágenes la descomposición social por estratos de una gran urbe queda magníficamente representada aun siendo la animación en sí torpe y a trompicones... pero no me entendáis mal. 

Está claro que "Have a Nice Day" está realizada con la intención de que sus parones, sus silencios y sus subidas y bajadas de la excelente banda sonora marquen momentos bastante más trascendentes de lo que a priori pudiéramos pensar. Momentos como el diálogo sobre la libertad (la libertad del mercader, del supermercado o la de internet) son de un gusto exquisito, y ya digo que la trama aun siendo simple acierta en lo que otras películas de imagen real fallan; la creación de un violentísimo clímax que te deja el culo pegado al asiento.

A favor: el pausado ritmo y el reflejo sociológico de la China industrial y suburbana.
En contra: la torpe animación que chirría en algunos momentos, aunque esto no es necesariamente algo en contra.

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MOM AND DAD (Estados Unidos; Brian Taylor, 2017)

Viniendo de alguien conectado a desvergonzadas producciones como "Crank" (en sus dos partes), "Gamer" o la infame "Ghost Rider", no tenía yo demasiado claro por dónde iba a tirar una cinta interpretada por (el siempre cargante) Nicholas Cage y Selma Blair. Curiosamente, la película acaba siendo una divertida salvajada con gore "asequible" que partiendo de la premisa de cintas de culto como "The Children" (Tom Shankland, 2008) o "Home Movie" (Christopher Denham, 2008) por no citar ya los consabidos clásicos (venga, os adivino a que me adivinéis el pensamiento) en la que los niños se revelaban violentamente hacia sus padres, aquí la cosa es justo al contrario... padres contra niños.  

Añadid al asunto una pequeñísima subtrama que funciona de elemento disparador del asunto al más puro estilo "Kairo" de Kiyoshi Kurosawa pero en cutrón, poned en las líneas de diálogos chascarrillos graciosos y algún elemento transgresor al final y tendréis una película bastante lograda, con momentos de puro delirio (el paritorio, por dios, el paritorio...). Ganadora no la veo, pero qué bien que me lo he pasado. Por cierto, a los amantes del cine enfermizo, existe una película titulada "Mum And Dad" de 2008 dirigida por Steven Sheil y que es una muestra de lo bizarro que puede ser el cine inglés en cuanto a horror extremo.

A favor: la escena del paritorio, aunque podría haber sido más dura y creo que el director no se atrevió.
En contra: pues que es un refrito de otras películas.

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THE LODGERS (Irlanda; Brian O'Malley, 2017)

Encuentro con Brian O´Malley en persona, director de la cinta "Let Us Prey" de 2014 que tanto me gustó y que recomiendo encarecidamente. Ahora tal y como cuenta en la rueda de preguntas cambia totalmente de registro y nos trae un cuento de horror gótico de tintes decimonónicos en el que una maldición entre hermanos parece perpetuarse de generación en generación. Grabada de forma sutil, con una plástica fotografía (algunas imágenes parecen literalmente cuadros al óleo) y con el agua como elemento (una vez más) dador de vida y muerte.

Muy buenas interpretaciones a cargo de la española Charlotte Vega, Eugene Simon, Bil Milner o clásicos como David Bradley. Fantástica la labor de realización, su banda sonora y el tratamiento innovador que se hace a las escenas de apariciones, que muestran el buen gusto con el que está rodada la cinta que afortunadamente huye de golpes de efecto vacuos para narrar una historia. La Mansión (Loftus Hall, una de las casas encantadas más famosas de Irlanda) funciona como uno de los elementos más potentes del ambiente enrarecido de sus inquilinos y me atrevo a decir que es su principal baza ganadora. Para mi gusto, mi reencuentro con el tan olvidado cine de horror gótico sobrenatural y firme candidata a ganar algo este año.

A favor: impecable a nivel técnico. Una historia bien contada y que transmite muchísimo.
En contra: no se me ocurre nada; quizás yo hubiera obviado el epílogo.

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COLD HELL (Alemania; Stefan Ruzowitzky, 2017)

Esta película alemana viene de ganar varios premios por diversos festivales, y la verdad es que no lo entiendo del todo... a ver, pillemos una hormigonera y metamos los siguientes elementos: artes marciales, toques al cine "rape and revenge" tan característico de los años 70 y el Euro Thrash en general, pizcas de drama que no funciona porque sus personajes no pegan ni con cola, algo de Slasher (o más bien de cine de asesinos en serie) y removamos añadiendo unos efectos de sonido tan mal llevados que salí de la sala con dolor de cabeza (vaya manía de hacer resaltar tanto los golpes y explosiones... si la vida fuera así tendríamos que ir constantemente analgesiados).

Resultado, un pobre remedo de esos géneros de Exploitation que no funcionan fuera del contexto de su época. La verdad es que este director germano no termina de despegar para mi gusto, y tampoco me gustaron su anterior "Anatomía" (2000) que contó con segunda parte que ya ni recuerdo haber visto de tan fagocito que resulta uno.

A favor: véase el siguiente apartado.
En contra: menjunje de otras películas pegado con cola barata.

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TRAPPED (India; Vikramaditya Motwane, 2017)

El afamado director hindú Vikramaditya Motwane es el productor de la multipremiada "Raman Raghav 2.0" que proyectaron en FANCINE el año pasado y director de un par de films más. Una pareja planea trasladarse a un piso recién comprado en plena zona industrial de Mumbai, con la mala suerte de que él queda atrapado dentro del piso sin que nadie lo sepa. Un Survival Horror que siempre deja en el espectador esa sensación de que el protagonista podría haber hecho alguna otra cosa por salir de allí... pero claro, uno no está en el pellejo del encerrado.

La cinta funciona a ratos, pero a mí no me ha transmitido la sensación de claustrofobia que pretende, y mira que el actor principal Rajkummar Rao pidió sangre real para el rodaje, ayunó a base de zanahorias y café para lucir ese aspecto desgastado y fue ovacionada en el Mumbai Film Festival. Como digo, tiene sus altibajos. Está bien rodada, tiene coherencia y tal, pero prefiero cosas más arriesgadas como la amateur "Zulo" (2005) de Carlos Martín Herrera (y que fue proyectada en la anterior encarnación de FANCINE con presencia del director) o el oscuro mediometraje "Haze" de Shinya Tsukamoto, todo un descenso ominoso donde las paredes dan verdadero miedo.

A favor: el cine hindú mima sus productos y se nota. En general funciona y el espectador no se sentirá defraudado.
En contra: no es una premisa nueva y como survival horror deja que desear.

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Me marcho a casa cansado pero feliz. Los párpados los tengo tan largos que me tapo las rodillas con ellos. Por cierto, por allí andaba Ángel Sala, director de SITGES y este año miembro del jurado, pero como no soy mitómano pues tampoco iba a presentarme... además, hubiera quedado algo ridículo el diálogo:

- Hola, ¿tú eres Ángel Sala, no?...
- Sí, ¿y tú?...
- Ah, nada... yo Coronel Mortimer.

viernes, 10 de noviembre de 2017

DIARIOS DE CINECICLETA (JUEVES 9 DE NOVIEMBRE)


De Cuerpo Presente... Corpus Praesens que diría gente mucho más antigua que yo. ¿Y por qué uso esta expresión?. La verdad es que haciendo una hipérbole imposible, leyendo una antigualla de libro de bolsillo en un bus que he cogido apresuradamente para acudir otro año más a FANCINE, no puedo por menos que observar a esos "cadáveres" animados que me rodean con sus móviles, sus archivos en (y mente) por las nubes, y con una limitación de vocabulario tan extrema que casi que los entronca con la fase preanfibia del ser humano. ¿Involución? ¿Prepotencia por mi parte?.... podría ser.

A mí me gustan los 5 sentidos. Oler y tocar, cine que pueda sentir mientras se me adormecen los glúteos en el mullido cojín y en general, cosas que pueda contrastar de primera mano. Ante los tiempos de idiocia que se avecinan, lo mejor es mantenerse uno en sus trece y no abandonar la sana costumbre del escepticismo moral, físico y espiritual... dejar siempre entreabierto ese fugaz (y frugal) espacio por el que se filtra una luz que si bien a veces no ilumina, sí que indica al menos la salida a los laberintos de la vida. Coger un periódico y leer las noticias no es exactamente "estar enterándote" de las realidades en cuestión; ni todo es blanco, ni todo es negro... y si me apuráis, hay más cosas dentro del espectro del gris. Tan sólo es cuestión del aumento del prisma con el que se mire.

Decía el mismo Buda Gautama que no se creyera en nada que uno previamente no hubiese contrastado, mascado e interiorizado. ¿Pero qué vamos a interiorizar si el códice regio que nos rige es hacer cola para comprar el nuevo IPHONE?. La realidad que vivimos está llena de misterios, y quizás ese o esa que nos ha mirado de reojo tiene propósitos ocultos. Quizás a la vuelta de la esquina nos esperan oscuros designios o nuestra propia vida es un carrusel de inhóspitos acontecimientos marcados por el contraste. Vive la vida, lee un libro, desconéctate un rato y si me apuras, deja de leer esto y saca entradas para el cine. 

Ahora que he soltado esa parrafada alguien dirá... ¿y para qué?. Pues simplemente para presentar la nueva sección de FANCINE de este año, dedicada ni más ni menos que al Thriller. Ese género que juega con otros géneros para contarte las cosas desde otro prisma y perspectiva (al menos cuando está bien hecho, claro está). FANZRILLER nace con vocación de quedarse, y yo me alegro, oigan... así que ni corto ni perezoso dedico mi primera jornada maratoniana a 4 sesiones de buen cine de suspense. Cine que se mueve entre texturas ambiguas, como este tostón que os he soltado que no dice lo que pretende, o pretende decir lo que dice pero no lo habéis captado, y que no es más que una mini reflexión sobre el GRAN THRILLER que es la vida misma.

Al caso da igual, porque lo importante es el celuloide, la única mentira REAL en la que puedes confiar de pleno. Y vuelvo al De Cuerpo Presente. Generalmente el buen Noir, la buena novela negra y el mejor cine de suspense clásico juega con la premisa del cadáver o el asesinato, pero nada de ello comparable al gran thriller del día a día en el que políticos de tres al cuarto dirigen nuestras vidas como si de la serie danesa "Forbrydelsen" se tratara.

Quién sabe, quizás todo lo que está aconteciendo en Cataluña no sea más que una serie que están grabando en nuestra psique y que en un futuro comtemplaremos en la gran pantalla. Eso es sólo una pequeña perla de la decepcionante realidad que vivimos a todos los niveles. Prefiero refugiarme en el misterio irreal de las salas de cine, donde si me manipulan es porque me dejo.

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KALEIDOSCOPE (Reino Unido; Rupert Jones, 2016)

Muy interesante thriller psicológico sobre la perturbadora relación entre un hombre de mediana edad interpretado por el siempre magnético Toby Jones, que siempre destaca en este tipo de papeles (véase "Berberian Sound Studio" (Peter Strickland, 2012) y la veteranísima Anne Reid. Una película ciertamente caleidoscópica a todos los niveles: desde el claustrofóbico bloque de apartamentos (fantásticos los planos alejados del conjunto donde se observan los colores de las puertas, las luces y las distintas posibilidades ópticas), a la rocambolesca trama, que se va uniendo y deshaciendo jugando con el espectador. 

El nivel de bizarrez es cierto que no llega a los niveles de Complejo de Edipo de la perturbadora "Angustia" de Bigas Luna (1987), los traumas psicológicos/sexuales del puro y duro Giallo italiano o a "Psicosis" por poner varios ejemplos harto diferentes, pero sí que resulta lo suficientemente compleja para dejar la sensación de que algo se nos ha escapado al final. Está rodada con maestría, no aburre y si bien es cierto que resulta algo tramposa, me quedo encantado con el excepcional score musical de Mike Prestwood Smith, que en sus partes acústicas recuerda muchísimo a las bandas sonoras de películas italianas de culto.

A favor: la aureola de rareza que imbuye todo el metraje, donde resaltan toques al cine italo de los 70 incluso en su banda sonora.
En contra: muchos detalles sin pulir y quizás se torna bastante previsible al final.

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3 THINGS (Dinamarca; Jens Dahl, 2017)

Jensh Dahl, autor de guiones sobre todo (ni más ni menos que el de "Pusher", dirigida por el ya encumbrado Nicolas Winding Refn), debuta en la gran pantalla con un thriller de suspense interpretado por Nikolaj Coster-Waldau (creo que pocas presentaciones hacen falta) en el papel de un testigo protegido implicado en un robo de funestas consecuencias que acepta declarar contra sus compañeros sólo si se cumplen tres exigencias.

Si esta película hubiera sido yanqui, estaría plagada de flashbacks sobre el robo y los acontecimientos de la trama, pero como tiene ese buen gusto de los daneses por el cine negro retorcido y efectista a niveles de guión (muy marcado en series como la coproducción entre Suecia y Dinamarca como "Bron/Broen", "Forbrydelsen" o "Borgen") prefiere los ambientes cerrados de un hotel de lujo para ir desarrollando una pausada pero absorbente fuga de ideas. Realmente elaborado y de final no inesperado pero sí interesante, "3 Tings" se queda a medias aguas porque al fin y al cabo acaba resultando un producto de entretenimiento para pasar el rato (muy bien interpretado por todos sus actores, eso sí).

A favor: siempre es un placer ver el mimo con el que los nórdicos tratan a sus productos. Auténticos especialistas en dar giros y giros de guión.
En contra: la forma de narrar del Noir Danés se va al traste con un final demasiado americanizado.

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THE LINE (Eslovaquia/Ucrania; Peter Bebjak, 2017)

Fantástico film sobre las vivencias de un padre de familia jefe de una banda de criminales de poca monta, que ve cómo la vida cambia radicalmente cuando uno aspira a a cruzar los límites. Una potentísima fotografía gracias a los estupendos planos de naturaleza grabados en Ucrania, Eslovaquia y República Checa... interpretaciones sobresalientes y unas pequeñas trazas de drama con moralina que no entorpecen para nada el magnífico clímax final de la cinta. 

Tal y como dice la frase promocional de la película, "hay líneas que sólo podrás cruzar una vez", cosa que queda plasmada a la perfección tanto a nivel social con derrumbamiento de fronteras incluido, como en las decisiones sin retorno que llevan a la violencia y la autodestrucción. Leves toques de humor negro para una gran película que retrata sin complejos el ecosistema particular de una familia de criminales cuyos genes son transmitidos de generación en generación.

A favor: cine de autor muy bien trabajado hasta en sus más ínfimos detalles.
En contra: un puntito más de crudeza en su final, para mí excesivamente luminiscente.

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SWEET VIRGINIA (Estados Unidos; Jamie M. Dagg, 2017)

El director de la multipremiada "River" de 2015 vuelve con un thriller rural que para mi gusto no ofrece lo que promete. Clásicos y magnéticos actores en la pantalla como Jon Bernthal, Imogen PootsChristopher AbbottRosemarie DeWitt salvan de la quema a un guión pobre y simple, bastante trillado ya (algo así como la primera temporada de "Fargo" pero mucho más vacuo) que arranca bastante bien pero que se acaba diluyendo en una suerte de drama que no explota como debería.

Si bien la fotografía es excelente, con localizaciones umbrías en Hope, Canadá que para los curiosos, y si no me equivoco son las mismas donde se rodó la mítica "First Blood (Acorralado)", con puente incluido, creo que la falta de violencia extrema diluye el conjunto. Otros films rurales como "Wind River" de Taylor Sheridan, "Hell Or High Water" de  David Mackenzie sí dan esa explosiva mezcla de suspense y violencia que aquí por desgracia es sustituida por una especie de rocambolesco trauma dramático (con enfermedad incluída). Con todo ello no quiero engañar al espectador... "Sweet Virginia" no es en absoluto una mala película, pero creo que con un poco más de esfuerzo hubiera sido de otro nivel.

A favor: la fotografía y la bilis que siempre transmite el thriller rural.
En contra: falta de in crescendo o mejor dicho, in crescendo fallido. Demasiado simple.

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Pues ya estamos en faena. Arranca potente FANCINE con multitud de actividades que iré desgranando, una cartelera muy pero que muy interesante y lo de siempre... un tour de force de cafeína sólo apto para ojeras que puedan taparse con una buena capa de maquillaje; las mías son ya tan pronunciadas que parezco un gótico trasnochado. 

Mañana más.