martes, 20 de febrero de 2018

MAMÍFERO - "MAPA" (EL MUELLE RECORDS EMR033; 2018)


Desde la cartografía básica en dos dimensiones a las nuevas tecnologías de la fotografía aérea, podríamos decir que seríamos incluso capaces de encontrar un determinada vellosidad intestinal si a poco que nos ponemos le sacamos jugo al GPS. MAPA es el nuevo trabajo de MAMÍFERO, la encarnación más salvaje y reptiliana del artista malagueño NACHO JAULA que bajo mi punto de vista (y oído). es sin dudarlo el músico que más está transformando el anquilosado género de la electrónica industrial y similares. La forma personal en la que JAULA aborda sus trabajos trasciende el añejo concepto de (permitidme la redundancia) "disco conceptual"

Un acojonante "yo me lo guiso yo me lo como"  lógico porque para qué buscar el toque mágico final en otros cuando realmente el mago eres tú. Sin embargo, en esta ocasión él no masteriza y lo deja a JULIO SENMOVE que hace una estupenda labor añadiendo un toque de crudeza agria que atemporiza el disco en la dureza intermedia entre MERZBOW  o SUNNO))) y la acritud beligerante de los primeros ruidistas como MIGUEL A. RUIZ o RAFAEL FLORES.

Tengo el placer de conocer personalmente a JAULA y haberlo visto tocar ya unas cuantas veces, y por tanto me puedo permitir el lujo de decir que su concepto/visión multidisciplinar de la música le pega siete vueltas a todo lo que se está haciendo ahora en estos ámbitos. 

Cada nueva obra suya vive y respira por sí misma, ya sea en solitario o con otros proyectos compartidos (véase FORCEPS o VERANO), y para lo que otros necesitan un arsenal de cachivaches, Nacho sustituye con una poderosa inventiva. Da igual si de seis cuerdas de la guitarra le quedan tres o si en el último momento le falla un pedal, porque el músico que sabe lo que está haciendo construye su castillo de notas desde su psique, no desde la técnica del manuel de instrucciones del potenciómetro de rigor. 


MAPA es un disco muy personal de una persona altamente sensible así que decir que se limita a cambios personales, miedo al vuelo y esas cosas se me antoja vacuo. Basta fijarse en la forma en que está trabajado a mano uno por uno los digipacks (editados por EL MUELLE RECORDS en su edición 033 pero con un cierto aire de independencia). Corcho que se asemeja a la tierra... por encima un sobre que contiene el cd, pero con la particularidad de que el sobre está hecho con un mapa de esos que teníamos en los colegios. Por encima, haciendo de carcasa que todo lo bordea, una gomaespuma blanca como las nubes, de textura algodonosa, y con forma de ondas que también recuerdan a olas. Todo está parido con dolor e interrogantes y la sugerente fotografía que adorna el interior y la mirada de Nacho son comunicación no verbal en estado puro. 

Una pieza orgánica de 33 minutos de duración a base de guitarras, Casiotone, grabaciones de campo y ambientes y el aliño particular de los juguetes acústicos que suele desplegar JAULA en sus discos. Un pulso drone netamente industrial nos indica que nuestro viaje comienza en una maldita ferretería o en el corazón deshumanizado de una fábrica metalúrgica. Sobre esa base crujiente de chasquidos y vibración física (porque se siente en el cuerpo a determinado volumen), se deslizan notas melódicas separadas entre sí el tiempo suficiente como para permitirme decir que el disco es de tempo lento, y eso para el que me conoce sabe que me puede. 


Interferencias de lo que parecen ser ondas de radio o una vieja radio militar retransmitiendo desde hace décadas desde un submarino hundido en la Segunda Guerra Mundial arropan unas subidas y bajadas agudísimas que podrían corresponderse a corrupciones/perversiones en un arco voltaico manipulado por energías telúricas. Aquí es donde la maestría de JAULA se revela en todo su esplendor; la capacidad de hacerte sentir la electrónica en el tuétano y gracias a los cielos ridiculizando eso que llaman LoFi que tanto se lleva  ahora pero que sólo es una escusa para enmascarar la falta de talento. Aquí todo se nota y siente con una nitidez arcaica y primitiva (vuelvo a destacar la masterización de SENMOVE) y si uno se va al minuto 11 se queda con el culo pegado al asiento; una melodía de juguete industrial obsesiva y siniestra te agarrota los dientes con un loop simple pero urdido con una mala leche bestial que deja a la altura del betún a la gran mayoría de majaraderías electrónicas que se hacen hoy día. NACHO JAULA es  "l'enfant terrible" en su género y se nota en muchos aspectos.

Capas y capas que conforman una Suite oxidada que lleva el ritmo percusivo de una sierra de calar mellada cortando un hueso denso. Si tengo que definir el miedo en estado puro con la música, los siguientes cinco minutos lo clavan a la perfección. Sobre todo ese sustrato corrompido se va haciendo hueco una luminiscente pista de aterrizaje que se acaba de mimetizar cuando todos los sonidos se disuelven y funden en la misma fragua. 

Baja el nivel de ruido y aterrizamos en una ordalía electroacústica marca de la casa (estamos en el minuto 20) con la insistencia de un timbre de un viejo teléfono que suena en una casa en la que sus habitantes murieron hace décadas. No me dan miedo los muertos, sino el no conocer quién es el que llama; qué noticia tiene que comunicar en un entorno que hace tiempo se paró en el polvo. Un polvo que se solidifica en estalagmitas de sonido cuya luz es capaz de atravesar creando sombras chinescas, abstractas... la sombra del cambio. Nada es como la mente te hace ver, pero desgraciadamente el condicionamiento es el juguete que empala nuestra existencia desde el primer llanto a la última exhalación. Esa disolución del ego se mantiene hasta que finaliza la obra, dejándote exhausto y con un Jet Lag tan acusado como viajar entre KALI YUGAS.


Dice JAULA: "bucearé por los mapas hasta llegar a tí". Creo que todos y todas tendríamos que salir a su encuentro para no agotar su oxígeno. No es solo que se lo merezca, sino que tú como oyente te haces un favor entrando en su universo. Píllatelo o no te lo pilles. A mí me importa un comino y estoy seguro de que a Nacho también. Su música no busca el podio de la comercialidad y el reconocimiento (aunque lo merezca con creces) porque al fin y al cabo las personas como JAULA precisan cauterizar sus heridas con el arte, y si el arte se enquista y no sale a la luz mueren... y esa es la causa última que les mueve. Su medicina catártica personal no busca el beneplácito del oyente sino la sana mansedumbre del periodo meseta en una crisis de ansiedad.


sábado, 17 de febrero de 2018

INTERSIGNO - "DARKSPACE" (CIVITAS MORTIS 002; 2018)


Un día Barcelona se independizará. Se recortará y viajará al espacio profundo dragada por un agujero de gusano. Una nueva colonia extraterrena habitada por individuos e individuas antropomórficos que votan en urnas en gravedad cero. 

Calles patrulladas por agentes del gobierno armados con tásers de larga distancia, y batallas intergalácticas con nuevos modelos de Peugeut Space, capaces de alcanzar la velocidad de la luz y que usarán sus ciudadanos para ir a tirar la basura a la galaxia de al lado en un plis plas. En esa Barcelona cósmica se mueve INTERSIGNO, alter ego de JOSÉ GONZÁLEZ, que en este su debut enroca el cosmos con la tierra y te trae una nebulosa a la puerta de tu casa... así de fácil. Pon "Dark Space", apaga las luces esta noche, y asómate a la ventana... ¿de verdad reconoces tu ciudad?. Ese vecino que está paseando es en realidad quien dice ser?. ¿Son acaso las farolas que alumbran tu avenida la pista de aterrizaje futura para una civilización que viene a ponernos enemas de olvido y esclavizarnos para siempre?... Eh, eh!!! esperad, no os asustéis. Son sólo hipótesis.

Nada de esto hubiera sido posible si el maestro CARPENTER no hubiera construido ese sonido primitivo, pulsátil, arrastrado que es marca de la casa en el DarkSynth, el SpaceSynth, y en definitiva en el 80% de las bandas sonoras de películas de género fantástico y terrorífico de las décadas de 1970 y 1980, junto con la interminable y consabida lista de compositores Italos de los que tanto he hablado en otras ocasiones. INTERSIGNO se amamanta del electro, el techno y demás lindeces para meternos en un amenazador... un momento, detengámonos en la palabra AMENAZADOR.

AMENAZADOR es el adjetivo que define de forma unánime y absoluta un estilo como el HorrorSynth y derivados. La perversa sensación de amenaza hacia tu integridad física y mental es el corpus gracias al que estos estilos funcionan o no. No es lo mismo ver "Assault On Precint 13" de CARPENTER con esa música que sustituyéndola por una composición de que se yo.... JOHN WILLIAMS


En los dos maravillosos Eps que se recopilan en la segunda edición del naciente sello CIVITAS MORTIS se mantiene esa sensación de que puedes perder la solución de continuidad de tu piel o lo que es peor, incluso de tu cordura. "Dark Space I" y "Dark Space II" se construyen a base de temas cortos, pegadizos como el combustible de una nave espacial, y juntos uno detrás de otro funcionan como un Score imaginario; algo así como el proyecto DROKK en el que GEOFF BARROW y BEN SALISBURY ponían pátina sonora a una supuesta película ambientada en MegaCity One, el universo particular por el que se movía JUDGE DREDD. Por cierto, aprovecho para reiterar que al igual que en la edición de LAZER STATION, se reproducen en la edición especial las portadas en tamaño vinilo con papel de altísimo gramaje.

No voy a destacar algo que debe valorarse más por el conjunto que como pequeñas piezas, pero el uso de voces sampleadas o con vocoder (sobre todo en el segundo Ep) dan un aire de rareza soberbio a los temas. Por poner un ejemplo, no hay nada más enaltecedor en un tema de SciFi Synth que una cuenta atrás en el lanzamiento de un cohete. Algo tan a priori vacuo es capaz de ponerme los vellos de los brazos como antenas que capten emisiones del espacio profundo.

Poco más voy a añadir porque prefiero que sea el propio INTERSIGNO quien os hable de su proyecto:

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INTERSIGNO IS THE COSMOS 
INTERSIGNO IS YOUR DREAMS 
INTERSIGNO IS YOUR FEARS 
INTERSIGNO IS YOUR DESTINY 

Saludos. Lo primero es de rigor. INTERSIGNO eran para mi desconocido, y a raíz del fichaje por CIVITAS MORTIS doy con esa auténtica maravilla que es “Dark Space”. Investigano a posteriori doy con una edición en cassette llamada “Compilation Traks” editada por TtapesianasS 25. Me gustaría que fueses tú el que introdujeras a INTERSIGNO. Cuándo y cómo nace tu proyecto y si tocabas antes en otros grupos o proyectos.

Saludos. En primer lugar quería darte las gracias por brindarme la oportunidad de hacer esta entrevista y apreciar mi música. INTERSIGNO surgió trasteando con Reason, a principios del 2015, hacía tiempo (unos 2 años atrás) que me había comprado un teclado controlador pero nunca me había planteado grabar nada, hasta que un día decidí que debía aportar algo a la música para equilibrar la balanza, ya que ella siempre me aportó mucho y de paso dar rienda suelta a mis conceptos estético-acústicos. 

Nunca había formado parte de ningún grupo, a pesar de que años atrás tuve amigos en formaciones rockeras, me limitaba a ir a verlos ensayar y hacer ruido con la batería siempre que tenía ocasión (casi nunca, afortunadamente para los que me rodaban). 

La música de “Dark Space” retrotrae indiscutiblemente al Space Synth con esos sonidos tan característicos de los secuenciadores y ritmos repetitivos. Además de la consabida influencia de JOHN CARPENTER, ¿qué otros artistas te influencian a la hora de componer?.

Efectivamente John Carpenter y sus bandas sonoras son unas de mis principales influencias, el EBM de los 80’s y  90’s (Front 242, Nitzer Ebb, Absolute Body Control…) también me ha marcado mucho. Pero yo siempre me estoy empapando de toda la música que puedo (casi siempre electrónica y oscura), por lo que debo tener influencias de las que ni yo mismo soy consciente. Además de todas las bandas sonoras que me gustan de infinidad de películas.

Evidentemente, tu música está ligada de forma profunda a lo cinematográfico. Referentes como el Giallo o las bandas sonoras imposibles de la CANNON FILMS campean a sus anchas en tus temas. ¿Es “Dark Space” la banda sonora de una película imaginaria?.

Sí, de una película imaginaria que nunca termina, que muestra secuencias inconexas  muy intensas, con horrores espaciales, ciudades en ruinas de futuros post-apocalípticos, vetustas cuevas donde habitan extrañas criaturas e incluso los más oscuros recovecos del psique. Con INTERSIGNO puedo ir más allá del universo conocido, igual que si pilotara el Event Horizon o la Nostromo.


Pasemos al aspecto técnico. Space Synth y estilos afines tienen un aire de limpieza y asepsia en el sonido que por ejemplo el Industrial no tiene. A lo que voy… ¿qué cacharreo has usado para la composición de los temas?. ¿Prefieres el laptop o la sensación orgánica de los sintes, secuenciadores y pedales?.

Me suelo apoyar mucho en Reason, ya que la variedad de sonidos graves, fríos y limpios que me brinda es abrumadora. Igualmente también tengo algunos sintes que empleo en ocasiones como son el Korg MS-20 mini, Arturia Microbrute y Korg Volca Bass. Incluso he empleado la guitarra en alguna pista, pero he de reconocer que no es lo mio. Por último también tengo Ableton Live con el pack V-Collection que trae varios sintes clásicos como son  Jupiter-8 o Yamaha CS80. 

Lo ideal sería tener una habitación con todos los sintes que me gustan, el problema es que primero tendría que atracar un banco para poder comprarme tanto maravilloso cacharro, así que mientras planeo el atraco, seguiré tirando de software siempre que lo necesite.

Las portadas (reproducida a tamaño vinilo en la edición especial) de los dos eps que componen “Dark Space” son una pasada. ¿Puedes contarme algo sobre el diseño de IGOR CASAYJARDÍN?.

Descubrí a Igor gracias a una portada que hizo para FASENUOVA, sus diseños me parecieron crudos e inquietantes, con mucha pegada. Así que contacté con él y desde entonces le encargo todo el material gráfico, captó desde el primer momento la esencia de mi música a través de sus diseños e ilustraciones, le da un muy buen empaque al resultado final. 

¿Cómo surge el contacto con CIVITAS MORTIS?. Me interesa especialmente que te explayes en este punto porque me ha sorprendido mucho la creación de este nuevo sello por parte de alguien que estaba antes tan metido en el metal con FÉRETRO RECORDS.

El contacto surgió vía Facebook, recibí un mensaje de Eduardo en el que me comentaba que estaba montando un nuevo sello y estaba interesado en editarme en formato CD mis trabajos de “Dark Space” y “Dark Space II”. También me comentó la idea de crear posters con las portadas para los primeros 100 CD’s vendidos, la verdad que me pareció una gran idea.  

CIVITAS MORTIS ya tenía una primera referencia en el horno, Lazerstation un tipo de Grand Rapids, Michigan, que le da a esto de los sintes a base de bien. Cuando Eduardo me comentó que anteriormente tenía un sello de Rock/metal, el mencionado FÉRETRO RECORDS, no le pregunté por qué se había decidido a dar una vuelta de timón. Es algo que ocurre más a menudo de lo que parece en estos géneros, por eso no me extrañó demasiado. 

Sin ir más lejos hay gente importante en esta corriente electrónica con inquietudes o que directamente viene del Metal, sirva como ejemplo Carpenter Brut o Gost por ejemplo.


Sé que hay una especie de revival retro de todos estos sonidos, pero desconozco sellos, grupos o conciertos de dichos estilos. Quitando a gente como BUIO MONDO, ¿crees que hay una escena de estos estilos a nivel peninsular?. Y ya que he citado los conciertos, ¿tocas en directo?.

La verdad es que a nivel peninsular no existe dicho movimiento, aquí todo lo que es Synthwave, Darksynth, Spacesynth… sigue siendo minoritario, pero sí que existe gente que está haciendo cosas muy interesantes. Personalmente yo agradezco que sea así, creo que la escena Synthwave actual está saturada y todo suena igual. Aquí, por el momento, tenemos una sana variedad (aunque sea a cuentagotas).  

Por ahora el tema de hacer directos es algo que no contemplo, no tengo equipo para directos y no me gustaría tocar con portátil (que no tengo) y controlador. Además la Nostromo me lleva de planeta en planeta, pero no estaciona en ninguno de ellos, no tengo tiempo de bajarme y contemplar la zona, necesito seguir a bordo y bajarme sólo cuando se le acabe el combustible o nos estrellemos. No quiero dedicar tiempo a canciones ya finalizadas, quiero seguir explorando hacia lo desconocido.

Bueno, me gustaría te despidieses como quieras. Este es tu espacio oscuro.

No me gustaría despedirme sin antes dar las gracias a Eduardo por contar conmigo para formar parte de este nuevo y cojonudo sello llamado CIVITAS MORTIS, estoy convencido de que dará mucha guerra. Sin más dilación mando un abrazo para ti Coronel Mortimer y para todos los lectores de tu lúgubre y maravilloso blog. 

Nos vemos por ahí fuera.

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martes, 13 de febrero de 2018

ZUMA BIRDS - "CONTACT LIGHT" (NOOIRAX / DELIA RECORDS; 2017)


Hacía bastante tiempo que un disco con la sub etiqueta psicodélico no me volaba la cabeza tanto como el debut de los madrileños ZUMA BIRDS. Un pelín hastiado que está uno de eso que llaman Stoner Rock, del Post Rock instrumental y derivados, la verdad es que es anacrónico (aunque placentero) que tenga que venir una banda a rendir tributo al rock americano cósmico de toda la vida, ese que también se tiñe de rosas anaranjados en el atardecer del desierto pero que afortunadamente no es un clon más de Palm Desert

Y no es que tenga yo nada en contra del Stoner pero tal y como pasa con las benzodiacepinas (antropomorfizada en el binomio HOMME/GARCÍA), del abuso se pasa a la tolerancia, y mal que nos pese, subir la dosis en el Stoner no lleva a nada sano. Si acaso, de existir algo de dicha escena en ZUMA BIRDS sería de YAWNING MAN y su "Rock Formations", con extensiones hacia TEN EAST, ORQUESTA DEL DESIERTO y poco más. Resumiendo, los madrileños suenan mucho más exquisitos que la perversa clonificación Californiana (o revival) que estamos padeciendo como una jodida epidemia.

La psicodelia es el comodín por excelencia que está encumbrando a diversas formaciones del país (en sus respectivos estilos) a un status superior. ATAVISMOCABALGATA CÓSMICAETHIVA, PYRAMIDAL, DOMO, LUBIANKA o MELANGE y un montón más de formaciones que alteran tu estado de consciencia con la música son la punta de un iceberg gigantesco o mejor dicho, de una duna cuyo ascenso no acabara nunca. El oyente vuelve una y otra vez a los estilos de toda la vida pero con la frescura que el actual panorama discográfico ofrece, que básicamente es la libertad artística total. El caso es que hubo un tiempo a finales de los 60 en que el rock garajero se iba tiñendo de desierto quizás por una transmutación de la psique del músico de la urbe al campo... nace el Acid Folk Rock, se canta a las estrellas, se hace una fogata, te haces tu guirnalda de flores y cuidado no te pique una serpiente en un huevo.


ZUMA BIRDS nace como power trío y su debut "Contact Light" tiene mucho de GRATEFUL DEAD, ALLMAN BROTHERS, EAGLES y todo el rock sureño en general. Los pelos texanos de ZZ TOP se mezcla con la epicidad hard rockera de MOLLY HATCHET, haciéndote creer en un principio que tendrás canciones facilonas y de estribillo pegadizo para cuando menos te lo esperas meterte una Psych Jam grandiosamente ejecutada que te deja el suelo pélvico recogiendo las pelusas de las alfombras orientales esas que se llevaban en los 70. Para poner ejemplos íberos podría nombrar a los primerísimos RIP K.C.THE SOULBREAKER COMPANY o los extintos, míticos FOOZ, pero creo que con Rock Americano de toda la vida basta, no metamos más piedrecitas en las botas de piel de lagarto que comprásteis en la tienda de segunda mano hace dos décadas. Algo de GRAND FUNK podemos también traer a la palestra, sobre todo por los riffs blueseros presentes en algunos cortes, pero en el caso del Funk fallan las dos últimas letras, que mejor se sustituyen para que suene FUZZ.

El espectro de NEIL YOUNG campa a sus anchas durante todo el disco, pero oigan... aunque no haya sonido garajero en sí algo de la insistencia de rodeo de los 13th FLOOR ELEVATORS y por ende ROKY ERICKSON hay aquí y allá, solo que con un sonido mucho más depurado y adornado por algunas efectivas sábanas de teclados a la antigua usanza (es decir, una o dos notas sostenidas para crear ambiente). Las voces son tan sureñas que en la mente del cantante probablemente un mapamundi estaría fabricado con el mar al norte y todos los países en línea al Sur.... así, uno al lado del otro. Más sureño imposible, no?. En cuanto al sonido es que poco tengo que contar porque el rock americano en sí sigue unos patrones tan marcados que a poco conocimiento que uno tenga de música ya sabe distinguir la psicodelia sueca de la japonesa o en este caso de la americana, que básicamente es hard rock a lo LYNYRD SKYNYRD o JEFFERSON AIRPLANE pero con facilidad para el desparrame instrumental a lo GRATEFUL DEAD, que es lo que tienen estos ZUMA BIRDS... una pasmosa habilidad que convierte lo que podría ser un simple tema pegadizo en una prueba nuclear en pleno desierto de Nevada (si es en el Área 51 y la destruye por error, mejor que mejor).

Shakin' David (Guitarra y voz); Toti García (Bajo) y Rui Barbosa (Batería) son los artífices del explosivo debut editado por NOOIRAX DELIA RECORDS, que a niveles técnicos se procesa en los LA CHULONA ESTUDIOS (Madrid) por ÁLVARO ESCRIBANO (que al caso también mete voces aquí y allá). La portada es obra de OLIVA LH y la edición hasta lo que se, sólo en cd (y una cosa que llaman digital que no sé lo que es).


Carreteril, sincopado inicio del disco con "Easy Rider" con el puntito justo de vacile. Una base rítmica de blues rock sienta las bases para el desparrame de la guitarra, con esa afinación tan característica del hard sureño. Las voces discurren entre autopista con cuerdas vocales lubricadas con oil de camión, cantando a la calima, a las sobras faquires de los cáctus y al esparto en taramas que crecen en los arcenes. Le sigue "Deadhead Suzie" que durante escasos y puntuales momentos rozan los cortes más sublimes de los GUNS N´ROSES (con dos narices), primera etapa de AEROSMITH o los CRAZY HORSE. Un tema exquisito, con una solo de guitarra y algún toque de piano dando un aires de balada apocalíptica a lo TOM PETTY. Estos dos primeros cortes marcan un inicio de disco simple pero muy, muy efectivo que lenta, inexorablemente se va sublimando a la vez que la acidez va adueñándose de los temas... caso de "A Town With No Name", preñada de wah-wah y fuzz a raudales. Es curioso como el disco va siguiendo una línea ascendente radical que me pone en la duda de si estoy asistiendo a la narración sonora de un atardecer en el desierto o justo lo contrario... un amanecer aterciopelado cargado de la agria halitosis de una resaca hepática. Tremendo clímax por cierto con un diálogo exuberante de los tres instrumentos y lo que parece un Hammond campando a sus anchas muy de fondo, como si los DOORS estuviesen tocando en el oasis de al lado y no se atrevieran a subir el volumen. Me encanta cuando el rock psicodélico es así, fabricado con guitarras que funden notas como las lámparas de lava.


Imposible quitarse de la cabeza los coros de "Let Me Follow You Down", introspectivo a su manera, festiva en la medida de lo posible y qué diablos... épica cuando se vuelve instrumental y se acompaña del espacial y sutil órgano. "King Of The Mountain King" es el típico corte de rock sureño por antonomasia, mezclándose a la perfección con blues juguetón (fantástica la guitarra). Éxtasis a lo ALLMAN BROTHERS y por suerte para el oyente, sin entrar en los abarrotados ya terrenos del metal. Versátil base rítmica que no pierde el norte ni por un instante no limitándose a acompañar los temas sino a construirlos y fortalecerlos, quizás una da las cosas más olvidadas en la música de hoy día... buenas melodías y si es posible, sorprender al oyente tal y como lo hacen en el epílogo instrumental del corte que se lanza a la yugular con una jam que bebe del Heavy Psych cósmico (casi parece que va a llegar a HAWKWIND cuando el tema se desvanece). En la misma onda suena "Drifter", donde aprovecho para contaos sobre las virtudes de unas vocales trabajadas, no necesariamente (ni falta que hace) portentosas, pero sí cargada de una fuerte personalidad. El punto bizarro del disco lo ponen las incursiones alienígenas de Space Rock que apuntalan las percusiones y riffs sostenidos en distorsión durante un par de minutos, para volver luego a arrancar con la melodía principal. Una delicia.

Todo tiene que terminar, así que "The Midnight Train" nos pone en tesituras meditabundas marcando a fuego el camino por el que transitará la explosiva "She´s Got Stars In Her Eyes", una monstruosidad de 12 minutos que me niego a definir con detalles porque hay que escucharlo. Tiene toques de himno, de Jam, de canción de cuna para mecer las estrellas y unos coros que te convierten en pulpa de cactus, se mete en los terrenos del Prog con una facilidad que asusta y quizás, sólo quizás, esa pudiera ser la línea argumental que siguiera la banda en un futuro, porque la calidad que atesoran ZUMA BIRDS es tan grande que, en mi humilde opinión, siendo "Contact Light" uno de los mejores discos de psicodelia que he engullido en mucho tiempo, todavía me da que están sin pulir y dar lo mejor de sí.

IMPRESCINDIBLE con mayúsculas.

domingo, 11 de febrero de 2018

NOCHE DE CUERVOS 2 (SALA PARÍS 15, 10 de FEBRERO)


Hace mucho, mucho tiempo que dejé de ser objetivo en la música. Las personas objetivas no son dignas de mi confianza. Suelen estar metidos en las cuatro paredes de su paradigma personal y hasta para ir al baño usan sus dogmas, y la verdad es que yo hace casi tres décadas que me limpio el culo con los dogmas. Quizás esa es la razón por la que he retocado todas las fotografías que realicé ayer en el NOCHE DE CUERVOS 2. Hacer lo que me sale del jodido tuétano es mi paradigma y cada cana que va día a día apareciendo en mi cabeza tiene como objetivo recordarme que cada segundo puede ser el último y para qué buscar el beneplácito de los demás si lo que de verdad importa es el aquí y ahora (decía magistralmente MANOLO KABEZABOLO: "cada imperdible que llevo en la chupa, es el recuerdo... de algún follón"). Algo parecido tuvo que hacer el técnico de luces ayer, que dejó el piloto automático y se fue a meterse en la mesa camilla con un braserito. Es la única queja que tengo del evento, un juego de luces que no estuvo a la altura del espectáculo (diréis, joder, qué tío más quisquilloso... pues no, leñe, es sólo una crítica constructiva). Sin ir más lejos, todavía recuerdo las bombillas navideñas que llevaban los BONEFLOWER el año pasado y el bolazo intenso que se marcaron. Cada detalle importa, o al menos eso es lo que yo pienso.

La expectativa era alta, el cartel muy superior al anterior y la sensación palpable en el ambiente malacitano en este último año es que se están moviendo muchas cosas, y al César lo que es del César, Maese EDDIE MIZAKE tiene la culpa de ello. Lo digo porque luego están los/las que se quejan de que no hay nada en sus ciudades, o que todo se hace en los polígonos; como me decía la gente de LODO ayer: "por lo menos, vosotros tenéis polígonos"....

Pues bien, en el marco de la PARÍS 15, a cuatro grados bajo cero, estaba bastante tentado de pedirme un cafelito pero no quería yo hacer el ridículo y me pedí una birra por aquello del postureo y tal (aunque mis mitocondrias clamaran por algo calentito con lo que poder calentar su aire metabólico).

Como una exhalación empiezan LAZHARUS, banda que "retorna" tras aquel ya lejano "Errors" que editara CAÍN RECORDS y que atesoro como tantas cosas en mi diógenes obsesivo. LAZHARUS no tienen término medio, te gustan o no. La química cerebral puede modificarse y el tema es casi farmacológico (receptores alfa o beta), así que bueno, os doy mi visión. Perturbador, industrial, corrosivos ambientes sonoros de gente metida hasta las trancas en el ruidismo y los sonidos menos amables de la música (GRASSA DATO, VOR, TUBE TENTACLES) o la electrónica planeadora (SENTIONAUT, WE ARE THE HUNTERS, DEKATRON...) vomitando una bilis infecta a base de black noise muy deudor de las grandiosas pestilencias que se gasta el sello CRUCIAL BLAST (escúchense GNAW THEIR TONGUES, THEOLOGIAN, GULAGGH). Ni que decir tiene que un servidor es DEVOTO de estos sonidos. El metal sublimado en lo electrónico en probetas de potenciómetros puede ser muchísimo más extremo que cualquier grupito de esos de los que vistes sus camisetas pero oigan, para gusto los colores, y a mí me gusta el negro.







LODO vienen desde Alicante para traernos su pócima de Sludge instrumental. Los conocí con su compartido con HELA y ahora con su homónimo debut autoeditado. Estos estilos los tengo muy trabajados ya y tengo que reconocer que a pesar de no ser originales, su directo es muy potente y los temas están muy estructurados. Fans de NEUROSIS, ISIS o CULT OF LUNA no van a sentirse decepcionados ni un ápice. Sonaron muy bien, nítidos y potentes (se trata de gente que lleva tocando en grupos media vida, desde BAZOOKA a los propios HELA y más bandas de hardcore que ahora mismo no recuerdo). Lejos de perderse por las tribulaciones interminables del Post Rock, consiguieron atrapar al oyente a base de temas algo más cortos de lo habitual en estos estilos. Su debut confirma el altísimo nivel de bandas del estilo que están surgiendo (la lista ya casi se hace interminable... desde SANTO ROSTRO a MENTAT, MEIDO o MARASME, y entre medias un mundo a descubrir).








Con PYLAR tengo un gran problema. Después de escucharlos en directo (es mi tercera vez) no quiero más que retirarme a un rincón de la sala a recomponer mi psique, y eso es un problema grave porque no son los cabezas de cartel (lo siento, lo diré una y mil veces... me da igual el status de PROCESS OF GUILT, pero esto es como en el deporte, los titulares tienen que ser los que mejor estado de forma tengan y PYLAR no tienen parangón a día de hoy). La muralla sonora en este caso fue algo distinta que en previas ocasiones. Dándole una importancia mucho mayor a la guitarra, trompa y violín, la voz quedó algo enterrada por la vorágine salvaje (ignis creatio) del conjunto. 

Risa me dan aquellos que hablan de drone y esas palabras... amigos, amigas, el drone es esto. Es sentir cómo las vísceras se te están moviendo por la vibración y los órganos se van cambiando de sitio a su libre albedrío. Las resonancias marciales del violín usado como un bajo tuvieron la virtud de ponerme los dos pulmones a la derecha, la mayestática, épica (oh rey BASIL POLEDOURIS) de la trompa le dieron la vuelta a mis intestinos y hoy el café me lo he tenido que tomar por el culo (a ver por dónde sale luego, madre mía), y la batería infra(supra)humana es un yunque que tañe campanas de muerto. Ya los definí así una vez creo, pero suenan a DEAD CAN DANCE con espina dorsal metalera (la guitarra de BAR GAL y sus riffs trabeculares forman el hueso de una vértebra tan compacta que podría pertenecer a un dinosaurio). 














Y claro, luego salen los portugueses cabezas de cartel PROCESS OF GUILT y necesito recomponerme un poco. Su directo es sin duda una bala de punta hueca y su otrora algo más convencional doom (que yo prefiero, y no en vano su disco "Erosion" es el que me pillé) ha pasado por la crisálida del Post Rock y el Sludge, pero con la particularidad de sonar mucho a GODFLESH. Una banda que tiene una trayectoria ya más que consolidada, con un temazo detrás de otro, y donde destaco particularmente los Haikus vocales (tremenda la voz del cantante) con unas frases cortas, repetitivas y mántricas al más puro estilo (repito) de GODFLESH. Dicho lo cual, pocas pegas se pueden poner siendo ya cuestión de gustos personales (aunque vuelvo a citar el plano, muerto juego de luces de la jornada) y aun yendo mis intereses actuales por otros lados, hay que rendirse a la evidencia de unos músicos que tienen un repertorio que va más allá de las etiquetas (a veces se nos olvida de que lo importante es que un tema sea bueno). 










Esto es un festival de bandas, y lo mismo que me consta que hay quien se fue después de PYLAR, los hay que estaban deseando que empezaran los portugueses o en mi caso particular, rendir pleitesía al malsano ambiente de LAZHARUS y la catarsis reptiliana de PYLAR, que siempre me dejan exangüe. Esa es la magia de un buen cartel como el de este NOCHE DE CUERVOS 2, que sigue una cierta línea argumental que te permite vivirlo en comunión con el resto de oyentes pasando los picos de interés de uno a otro dependiendo de los gustos particulares. 

Agradecer el trato recibido por la peña de las bandas, por gente que tenía mucha ganas de conocer y charlar con ellos, y a los que ya conocía, un placer seguir disfrutando de la pasión que le ponen a lo que hacen. Gracias por hacer otra vez esto posible.



jueves, 8 de febrero de 2018

MALABRIEGA - "FIEBRE" (SACRAMENTO RECORDS, 2017)


Cuando me llegó "Fiebre" de MALABRIEGA me encontré en una especie de callejón sin salida espiritual. No soy amante de las fusiones del flamenco con otros estilos, menos aún si es con el Metal, hasta el punto de que combos como FAUSTO TARANTO pueden llegar a provocarme una intensa urticaria mental... pero ojo, no me entendáis mal. Soy bastante abierto de mente y mi problema no es el flamenco, para nada, sino el alambique en el que se mezcle.

Flamenco puro y jondo, el Rock Andaluz o TRIANA y las mezclas experimentales de MORENTE con LAGARTIJA NICK en "Omega" deberían de estudiarse en las escuelas del Sur. Es sobre todo esa mezcla de distorsión metalera junto con el característico timbre y acento del cantaor andaluz lo que me causan cierto desasosiego que no es sólo único en este caso; sin ir más lejos, mis idolatrados israelitas ORPHANED LAND cuando se obcecan con las melodías arábigas facilonas de organillo me matan y sumen en la más honda de las depresiones. 

Creo que tiene que ser algo de Agonistas y Antagonistas Sonoros lo que subyace ahí, pero tan poco es cuestión de psicoanalizarme; pero si he de hacerlo, el resultado lo tengo ya... no soy persona que guste de alegrías en la música, de palmas y sonrisas, ni de danzas del vientre acompañadas por toques percusivos; lo siento pero nací defectuoso y nada, que para mí nada de DOES HUMOUR BELONGS IN MUSIC?. Cuando dicha mezcla queda tapada un poco por el rapeo de unos HORA ZULÚ me lo trago perfectamente y si hay Kraut como en "Voces Del Extremo" con NIÑO DE ELCHE más aún... por tanto, entenderéis que mi primera reacción fue de desconfianza ante lo que iba a encontrarme.

Sin embargo, tras más de 12 escuchas de "Fiebre", el elemento que desequilibra la balanza no es el Metal Progresivo de tintes flamencos (que algo hay de esto pero a cuentagotas), sino una especie de incursión en sonidos setenteros progresivos donde campan a sus anchas tanto el Canterbury de CAMEL o CARAVAN como ciertos aspectos pseudo jazzísticos jazz rockeros de la etapa quizás más accesible de SOFT MACHINE. Eso, unido al alto grado de maestría de los integrantes de la banda a sus  instrumentos ha hecho que los compare inevitablemente con bandas de mi tierra como FRUTERÍA TOÑI, capaces de dar aires novedosos al Rock Andaluz huyendo de los estereotipos que tanto (según mi opinión) le restan enteros a bandas de palma con palmitas a lo FAUSTO TARANTO. Esto no es una crítica, sino una opinión, porque el que esto escribe prefiere los meditabundos aires de resaca que campean por "Fiebre", cargados de Jazz Rock aguardensoso, que los riffs excesivamente simplistas del Metal Progresivo Flamenco (cuesta creer que algo que lleve la palabra progresivo sea simplista, pero creedme cuando os digo que así es). 


La banda se forma en 2009 y va evolucionando desde un trío hasta la formación actual, donde incluso tenemos a un integrante de MÁRTIRES DEL COMPÁS y PELLIZCO como es Manuel Soto Noly, aunque al no verlo en la foto del interior del libreto no me queda claro del todo si es sólo una colaboración. Es más, algo hay en su música de la irreverencia neo flamenquera de PATA NEGRA o KIKO VENENO, aunque sea sólo la halitosis que queda como regusto (para tí y para los demás) en un alcohólico crónico. Pero no nos confundamos, que ese no es el palo que tocan, y lo sevillanos se enmarcan sin duda dentro de un estilo de Jazz Fusión con Progresivo que lejos de sonar anquilosado, es refrescante y creo que es por los aires irreverentes de los estilos arriba citados

Dicho lo cual, MALABRIEGA son: JUAN CASTRO a la voz; SERGIO CARMONA al bajo; JOAQUÍN SAINZ a la guitarra eléctrica; MANUEL SOTO NOLY a la guitarra flamenca; RAÚL GÓMEZ PULIDO a la batería y LUÍS ORIA GONZÁLEZ a la flauta y saxofón. El disco se pone a punto en los ESTUDIOS PELÍCANO salvo el tema "Vuela" que pertenecía a un Ep previo y se grabó en los ESTUDIOS OCTOPUS. Edita SACRAMENTO RECORDS y la ilustración/diseño son de VIRGINIA GARCÍA MORENO

"Fiebre" se abre con un "Prólogo" instrumental con la guitarra española marcando la pauta mientras de forma acompasada de sostiene un diálogo mínimo con el resto de instrumentos, no siendo hasta que comienza "Tormento" que la banda se manifiesta en todo su esplendor. Punteos fabulosos de guitarra flamenca, riffs de guitarra eléctrica metaleros y una percusión muy variada. La voz está perfectamente clavada en cada corte, escupiendo unas letras de sangre andaluza con muchísima garra huyendo en las entonaciones de quejíos innecesarios y concentrándose más en las subidas y bajadas de sentimiento al cantar. Sin embargo, el que para mí es el verdadero estilo de MALABRIEGA estalla con el homónimo "Fiebre" donde los tonos vocales son más comedidos y recitados y la música se lanza de lleno al progresivo de raigambre inglesa a lo Canterbury. Los juegos de ambas guitarras son un acierto, y la base rítmica es potente y versátil, pasando con facilidad pasmosa de un ritmo a otro sin aburrir. 


"La Duda" sigue ese estilo que por momentos casi podría definir como Folk Rock, y que bebe directamente de los primeros TABLETOM en su mítico "Mezclalina" de 1980. Los aires pastorales en los solos de guitarra eléctrica son virtuosos pero en su justa medida, no abusándose de pajeos inecesarios de los mástiles. Si uno cierra los ojos de fondo puede captar perfectamente los prados por los que CAMEL transitaron, además de JETHRO TULL y otros como puede comprobarse con los minimalistas arreglos de flauta que adornan "La Nana De Dante" o "Estrella De La Mañana" con un saxo en clave Jazz Rock (aunque bastante tímido y comedido, hay que decirlo), ambos progresivos pero de corte bastante clásico. 

El baladesco "Sonríe" entra de lleno en el Pop Rock, siendo un tema más interesante en lo letrístico que en la música en sí (fantástica la interpretación vocal de JUAN CASTRO), demasiado comercial para mi gusto aunque cuenta con un interludio instrumental original aunque cortísimo. Mucho más de mi gusto resulta "Bipolar", donde ahora sí, los vientos cobran el protagonismo que el Jazz Rock y el Prog deben tener, reforzando y remachando las melodías hasta que cobran un colorido mucho más caleidoscópico y la guitarra recuerda por momentos a SANTANA y en otros al rock sureño. 

El binomio "Cien Años" y "Ojos Negros" son los mejores cortes del disco, espectaculares a todos los niveles. Lo progresivo se acentúa en melodías más barrocas que arriesgan más, y las voces se permiten coros muy bien metidos. Aquí es donde se sublima su sonido logrando una fusión perfecta de sus ingredientes (en mi opinión, claro), deslizándose desde el consabido prog al jazz menos agresivo. Arranques de Hard Rock como mandan los cánones pero sin perder nunca el sabor de la guitarra flamenca, que al fin y al cabo es lo que les da identidad. Se incluye un bonus track se un Ep previo llamado "Vuela" más o menos en la línea de los anteriores.

En definitiva, un trabajo muy logrado en líneas generales que destacaría mucho más dándole más protagonismo a los vientos (para mi gusto su participación es corta y tímida) e incluso con toques de electrónica. No se trata de convertir a MALABRIEGA en un grupo avantgarde, pero creo que su mejor disco está todavía por llegar y con "Fiebre" han debutado a lo grande. Para los amantes del Rock Andaluz será una delicia, pero los más metidos en el Jazz Rock quizás busquen más fuerza en la instrumentación en detrimento de lo vocal.