miércoles, 19 de junio de 2019

ELECTRIC BELT - "NEVER SEEN THE DEVIL" (VARIOS SELLOS, 2019)


Pues casi 5 años después de su El Blues de los Pollos Sin Cabeza, vuelvo a escribir algo de estos infames jinetes adalides del Blues Rock de ciénaga infecta. Para entrar un poco en contexto, pues podríais leeros la reseña de su disco anterior aquí. Si queréis un resumen, pues os lo planteo así. Un disco de 35 minutos de Boogie Necro Rockabilly para bailar y sudar en la verbena de tu pueblo mientras mojas algodón de azúcar en un chocolate espeso. Si no lo has entendido, pues también es como si te invitaran a tocar las maracas en la Jam de una homilía protestante... todo gospel, amor y emoción.

Never Seen The Devil, ahí, con dos narices... un título que así leído y pronunciado ya arde en la boca aguardentosa que emula los gestos de ROBERT JOHNSON o SCREAMIN´JAY HAWKINS pero con el chaleco de flecos vaquero del (disuelto en la nada ya), BON SCOTT. Sebas Bautista (chicharras), Miguel Ortega (escarabajos agitados), Javyer López (orujo en vena) y Pablo García/Vicente Pérez (lata con cuatro cuerdas de esparto en cemento) son ELECTRIC BELT, que a lo tonto llevan ya 9 años dando morcilla a pesar de los paréntesis que se han ido tomando.


Coeditado por nada más y nada menos que lo más granado del rock íbero en cuanto a sellos: SPINDA RECORDS, ODIO SONORO, ZONA ROCK, FUZZ T SHIRTS, VIOLENCE IN THE VEINS y DISCOS MACARRAS, y puesto en las estanterías de tu discoteca en CD/LP con el adorno espectacular que resulta la apabullante portada de TOMÁS FERNÁNDEZ. Sonido monolítico, grave y acertado como todo lo que sale de LA MINA STUDIO, templo noise tartésico capitaneado por RAÚL PÉREZ, aunque las voces se graban en MAGIC HOLE (MIGUEL ORTEGA).

El rompe-caderas, agita-cadenas, lubrica-becerros "Tavern Sinners Lament" entra como un ciclón Blues. Base rítmica simple, machacona y super efectiva arropando  maravillosos estribillos a cargo de la voz madurada en barrica de Javyer, con esa forma tan característica del Boogie de mecer los diptongos como si tuvieras electricidad en la boca o una pinza en los escrotos. Cuando el tema se quiebra en el minuto 2 y medio o así te das cuenta de que el ser humano es puro antropomorfismo básico... sex, drugs and rock and roll llevado por un bajo apocalíptico y una guitarra embebida de Hard Rock en su expansión sureña final.


"Werewolf Woman" es igualmente descacharrante. Uno de los principales aciertos de propuestas a lo CRUDO PIMIENTO, GUADALUPE PLATA, EL LOBO EN TU PUERTA y cosas así, es la voz, y en ELECTRIC BELT se sale, o al menos es lo que pienso. "The Liar Goes To The Church" es todo lo que alguien que viste tachuelas pudiera desear... es morir en vida con unas botas de piel sin calcetines mientras escuchas a los GRAND FUNK RAILROAD en una cuneta al atardecer. 

Hasta aquí, todo Power Blues Rock sin concesiones, pero si tengo que quedarme con algo, me quedo con la experimentación de "Hacia La Cueva De Los Muñecos", que se abre como si de una caja de música se tratara... un drone acampanado de corte oriental, una guitarra meditabunda en modo Hendrixiano con los meneos de una maraca y un riff de bajo que va subiendo de la nada junto a solitarios toques del bombo. Luego, la homónima, larga Psych Jam "Never Seen The Devil", de arrastrado avance como los versículos de una ajada Biblia. Estructura clásica rockera pero con espacios para los solos de guitarra, para que se luzca la voz y para que brille la simple pero efectiva (como tiene que ser) base rítmica... o al menos al principio, porque luego hacen acto de presencia toques más progresivos y cósmicos que son el contraste perfecto. Desarrollos instrumentales de órdago muestran a una banda madura y con muchísimas tablas.


Cierra el ritmo casi de Banjo (mi barba enhiesta lubricada en líquido seminal a lo ZZ TOP) en "Tired & Bored" y estoy pensando que quizás la muerte sea eso que dice la canción sobre estar demasiado cansado como para descansar. Por favor, cuando me muera, buscad un cactus de mi medida, hacer un corte transversal y dejaos de gastar dinero en funerales o cajas de pino. Quiero algo que me use para hacer la fotosíntesis y que me seque las entrañas, y meterme dentro de un gran cactus es la solución... mi líquido cefalorraquídeo criará unas púas tan gordas como colmillos de elefante y hará crecer a la planta hasta alturas ciclópeas. En el día de la Segunda Venida, eclosionaré de las entrañas en Pulpa y Savia y bautizaré a las gentes de la Tierra en Letras, Veneno y Crepitar de dientes.

sábado, 15 de junio de 2019

JUAN ANTONIO NIETO - "DRY GRASS" (MARBRE NEGRE MN095, 2019)


+++ El calor suena. El calor seca las entrañas y el líquido, ya sea agua o cefalorraquídeo, suena. +++++++
+++ El alma, en su habitáculo hermético, se evapora con el calor de la muerte... y la ascensión suena. ++
+++ Lo seco, el pasto amarillento que sangra savia, a la larga acaba crujiendo y suena. ++++++++++++
+++ Suenan los huesos cuando se secan y pierden efluvio sinovial.... ++++++++++++++++++++++
+++ porque lo sinovial se evapora con el calor de la edad y ++++++++++++++++++++++++++
+++ la edad suena. +++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++

JUAN ANTONIO NIETO suena, vaya que si suena en este amenazante Dry Grass; tras dos oscurísimos trabajos junto a JAVIER PIÑANGO (Two Unfocused Cardinal Points y Afterglow) retorna con una auténtica banda sonora de lo áspero y agreste, de aquello que es intangible a priori y que es procesado hasta el infinito para imitar la naturaleza. Los trabajos del veterano ruidista madrileño tienen cuerpo oxidado, de cavidad otrora estéril y que se tornara séptica por la irrupción de algo que no es deseado y la corrompe.

En lo técnico, la edición en digifile (limitado a 50 copias) es a cargo de MARBRE NEGRE y la portada de DAVID AREA sobre fotografías de LATIMERA ACÚFENOS.


Los achicharrantes efluvios de "Mud" reflejan una naturaleza exangüe que anhela líquido vital. Field Recordings procesados, amplificados hasta hacer daño con sus motivos acuosos. Chicharras inhumanas contemplan una eterna catarata de barro que no mancha; barro de partículas que caen en la trituradora que resulta "Machinery"... una colonoscopia sonora al interior de la máquina, eludiendo las aspas y cuchillas que convierten el heno en microscópicos copos sin alma. Idas y venidas de sonidos amputados en los agudos, que han sido filtrados hasta niveles subsónicos y tan abstractos que diríanse esquemas, reflejan a la perfección cuál es la psique de un engranaje. Idiocia oxidativa empalada de tornillos y que lubrica grasa en esa suerte de cópula imposible. 

No puedo decir que se trate de un álbum amable, pero una cierta melodía, un asomo de piedad y cordura por el oyente asoma en "Going Down". Un pulsátil viento en una estepa interrumpe emisiones de radio hasta hacerlas ininteligibles. Mensajes que se pierden en el éter hasta que unas campaniformes cadencias intentan salir a la superficie de un mundo muerto. El mundo del ruidista está muerto. El Noise está muerto y el músico lo que intenta es reanimarlo; darle movimiento de autómata en el teatro de la tragedia. De esa imitación de la realidad surge "Red On Grey"


Circuitos perpetuos abandonados en un búnker bajo tierra, sonarán evocando vida hasta que una jodida placa tectónica se lo trague todo. Cuando descubres la simetría de lo aleatorio es cuando te enfrentas al miedo, y el miedo, al igual que el calor, suena. Un ejemplo de esa simetría es "Red On Grey"... abstracta pieza Dark Ambient que da la sensación de que puede partirse hasta el infinito y ponerse del revés cuantas veces se quiera que la estructura no cambiará un ápice.

Que el Señor Nieto es un maestro en lo suyo es evidente. Ponte auriculares, apaga las luces y asegúrate de pegarte bien el pañal para acoger a la más cyberpunk "Three Sides"

Me encantan esos lejanísimos soundscapes que van y vienen en amenazantes olas, puro contrastre con la más melosa nana de "Water Bells", que aun manteniendo la ominosa estructura general parece desarrollarse al modo de una oscura pieza de Cámara con sus instrumentos de cuerda y unos opresivos efectos más melódicos que los anteriores. Esta corta forma de ir desarrollándose los cortes es a base de fotogramas de una misma película, en la que "Run For Life" estaría encajada en el nudo de la trama.

A estas alturas del disco es curioso pero se ha ido pasando de una hermética oda al ruido a una maraña de situaciones argumentales muy compatibles con los scores de cine (puestos a imaginar, creo que es una escena en la que un asesino con guantes de cuero tipo Giallo descuartiza  con una sierra de calar a Robocop en un templo indonesio).

La lluvia eléctrica en "No Sense" es el preludio de la efervescente "Echoes" que parece llegarnos desde un ciclópeo pabellón abandonado al filo de un acantilado. Es alucinante la cantidad de texturas y la amalgama de sonidos que consigue Nieto. Una de las sensaciones que comparten casi todos los cortes del disco es la de "sequedad"... entendiéndose esta como una metáfora del sonido cuarteado y expuesto a las inclemencias de un procesado que lo desnaturaliza y lo vuelve quebradizo hasta el punto de que para usarlo tienes que tener en cuenta que nunca dará la sensación de que la melodía esté completa. Es decir... son bloques reciclados ultrafrágiles en manos de un albañíl que los coloca en estratos ( un MINECRAFT sonoro) para emular lo real.

"Suddenly Cut" es drástica como su nombre indica, y antecede a la pieza larga y final "Golem". Siete minutos de descomposición secuencial hacia la nada.

Hay una escena de ruidistas y amantes del Noise en España... vale. Pero luego está JUAN ANTONIO NIETO en un escalón superior, y punto.





miércoles, 12 de junio de 2019

A THOUSAND SUFFERINGS - "BLEAKNESS" (SYMBOL OF DOMINATION SODP115, 2018)


Hoy toca seguir con el considerable paquete promocional a la carta que me envió SATANATH RECORDINGS. El turno es el de la banda belga A THOUSAND SUFFERINGS, cuarteto formado en 2013 en Antwerp y que tras un Split con sus compatriotas MARCHE FUNÈBRE (su último Ep lo reseñé aquí) y un larga duración, vuelven a la carga con Bleakness, editado por SYMBOL OF DOMINATION.

El sonido es un Black Doom difícil de encasillar a priori, ya que alterna tanto pasajes más Old School tipo inglés como otros que rozan el Avantgarde y esa forma de Sludge corrosiva con un pie en el Post Rock que se lleva tanto ahora (véanse por ejemplo PROCESS OF GUILT). Sin embargo, lo que prima es el metal extremo en su más pura esencia y Bleakness es un disco de Black Doom con todas sus consecuencias. Además, sus temas siendo más o menos largos en conjunto son 40 minutos, lo que hace que la escucha no sature y se escuche con bastante facilidad.

Es encomiable el nivel de intensidad que alcanzan y es que no decae el nivel del disco en ningún instante. Pasajes que tiran más del Black atmosférico se mezclan con otros cargados de distorsión Sludge pero lo que más me tiene enganchado es esa doble línea simultánea que llevan de guitarras ultra cortantes con una base rítmica a medio tiempo (al estilo de los olvidados ALASTIS). Eso sí, los toquecitos post Hardcore están ahí, aunque bastante mezclados con otros estilos.


Abre la instrumental  "Bleak" con una lentísima línea de guitarra a lo MY DYING BRIDE que se queda flotando en el ambiente junto con la base de efectos, mínimas percusiones marciales y voces lejanas, a la que sigue la cabalgada de "Antagonist" con un tempo rápido bastante cercano al Black. Cuando coge fuelle y entran las voces crean una amalgama pseudo trashera con producción semi sucia perfecta que se mantendrá a lo largo de todo el álbum.

La afinación de las guitarras tiende al Black contrastando con unas voces rasgadas pero no guturales bastante inteligibles. Pasajes más meditabundos te meten a NEUROSIS en la cabeza (no para mal) primando muchísimo la atmósfera a la técnica, lo cual para mi gusto es de agradecer. El hecho de contar con dos guitarras da mucho empaque y el constante rasgueo de la rítmica es lo que más recuerda al Post Rock instrumental aunque hay una cosa curiosísima... no sé si es las voces o qué, pero a veces parecen una versión aventajada de VENOM. En definitiva, 10 minutazos de intensidad y cambios de ritmo bastante conseguida.


El Black a medio tiempo vuelve a irrumpir de lleno con "Clouds", sobre todo como digo en la base rítmica... impresionante el riff de guitarra y la forma de cerrar el tema. Mismas características para la más larga "Temple" aunque a mitad de tema surgen recovecos propios del Death/Doom a lo PARADISE LOST de su época más melódica y finiquitando el tema en un in crescendo asfixiante. 

Ya digo que IN THOUSAND SUFFERINGS me ha parecido una banda fresquísima, y así lo demuestra el tramo final de "Ghostriders", cargadísima de épica a lo BATHORY, tanto en voces (coros) como en guitarras (otro referente que no he citado y que está muy presente en Bleakness) y la monumental "Faces", quizás el tema más enclavado en el Doom Death pero sin perder el sustrato que podría conectarlos con YOB por ejemplo.

Muy recomendable, aunque la portada juegue al despiste.

lunes, 10 de junio de 2019

LLORD - "CUMBRIA" (FÉRETRO RECORDS FR028, 2019)


Seis años ya de la cassette Demo que LLORD publicaron en FÉRETRO RECORDS y que no sólo era una preciosidad como objeto, sino toda una muestra de acre, plúmbeo Sludge desde Barcelona que tras una serie de hiatos desconocidos para mí (bueno, entre medias se desarrollan otros proyectos como LORD SUMMERISLE o ULLS de los que también he escrito algo por aquí) vueven con Cumbria, su apabullante debut. 

Más retorcidos, más viscerales, y con unos toques de experimentación que los aleja de esa media aburrida de grupos que tanto abunda por nuestras fronteras. No hay nada que me haya alegrado más este año la existencia que la vuelta a la palestra de una banda que he recomendado hasta la saciedad... y mira que sólo tenían una cassette editada.

LLORD son DAVID TRILLO a la batería/voces y ARIS al bajo/voces, mas la colaboración en un par de temas de CARME a la gralla, instrumento de viento perteneciente al Folk catalán. En el aspecto técnico, FÉRETRO RECORDS edita tanto la cassette como el cd, que cuentan con artwork de ARISTIDE ARCERA II y layout de Pol Abran de BRANCA ESTUDIO

Musicalmente LLORD son plomo derretido por tus fosas nasales. Cogiendo el testigo de bandas que llevaron la psicodelia al Sludge como fueran MOHO y LORDS OF BUKKAKE, pero con ese marchitar funesto de la percusión al estilo de los extintos también BERUNA (ahora continuados en BALLARD), DISPAIN o los más descacharrantes RIZOMA. Tampoco podríamos obviar la escena sevillana con bandas como ORTHODOX o MONKEYPRIEST, que para algo las líneas trashumantes llevan el telurismo sonoro de una punta a la otra sin necesidad de la teletransportación.


El caso es que Cumbria se disfruta como una triposa indigestión de 37 minutos (contando el tema exclusivo para la edición física) que resucita una forma de entender la mugre musical tan característica del extrarradio Barcelonés. Es un Sludge Doom de Polígonos en desuso, de jeringuillas flambeadas y de charcos de residuos industriales... todo ello cortesía de una producción Lo Fi pero sin exagerar; los instrumentos marcados a fuego, nada de entronizar eso del Noise sin ton ni son.

"Adtrita Sententia" abre el disco con un riff plomizo del bajo y una batería procesionaria. Así, como mandan los cánones. Unos toques de algo metálico más agudo en el fondo me recuerda a un sitar o quizás sea algo de teclados, no lo sé.... el caso es que tiene ese halo hipnótico de los BONG. Dura dos minutos pero podría sonar en bucle durante una eternidad.

(portada de la Demo de LLORD)

Sigue "Monolit", acelerado corte con voces insanas que se doblan en coros y el bajo engrasando una base rítmica demencial resultante de recrudizar a los primeros ADRIFT. Todo está cargadísimo de Fuzz y si te descuidas escupes serrín de esmalte de tanto vibrar los dientes. Sin embargo, para mi gusto, es en el aflautado sonido de fondo de los vientos de "Brega" donde se toca techo en Cumbria. Ritmo lento y base drone del Gralla que parece una gaita en modo eterno. 

Ceremonial en su despliegue, muta hacia un Sludge de libro con toques sureños (quizás EYE HATE GOD) para volver luego a transformarse en una homilía que se retroalimenta de su propia atmósfera. Doom que se rumia para vomitar en fermento semi sólido y solidificarse de forma completa en la más Hardcore Crust "Rito Orrido". La voz con eco lejanísima y enterrada en la mezcla para mí es un acierto; a caballo entre el grito y lo gutural acaba siendo un instrumento más.


"Kendal/Crewe" se abre con una retorcida línea de bajo que se va elongando como un tendón a punto de quebrarse. De esencia más Funeral Doom (incluso las voces son más guturales), destaca la versatilidad de la percusión en la forma de marcar el ritmo... te va meciendo hasta llevarte de forma inexorable a una suerte de engañoso fade out... se repite la melodía algo más acelerada fluyendo todo sutilmente hacia un crescendo instrumental que se vuelve a apoyar en la Gralla

Ojito porque lejos de acabar, llega lo mejor. Exclusivo para la edición física (no lo podrás escuchar en otro sitio), capturando algo de la insania de LORD SUMMERISLE, expanden formación (o instrumentos, no lo sé) a bajo, guitarra, teclado, batería y voces en "Taüt (LLRD MASSE)", dádiva, regalo de la banda a su sello, FÉRETRO RECORDS, que vuelve a apostar por ellos tras todo este tiempo... así pues, Taüt no puede significar otra cosa que Féretro en catalán y como es exclusivo para la versión física, te vas a joder y no lo voy a describir. Sólo decir que de por sí solo ya justifica la adquisición de Cumbria. Si siguen por esta línea no quiero ni pensar qué pueden llegar a grabar.

Hace mucho dije que LLORD era una banda maldita. Sus otros proyectos como LORD SUMMERISLE también han sido maldecidos. ULLS han sido paridos de forma maldita y yo te maldigo a tí como oyente como dejes escapar esto.

IMPRESCINDIBLE.



sábado, 8 de junio de 2019

· echø · - "TAKOTSUBO" (AUTOEDICIÓN, 2019)


· echø · (MIRIAM SANTOS) es un proyecto del País Vasco a caballo entre el Industrial, el Dark Ambient y el Techno. Surge en 2017 a raíz de una experiencia traumática por el deceso del perro de la artista. 

Así de sopetón, si tiro de cabeza para comparar sé que en una entrevista (no sé cual), AARON STAINTHORPE de MY DYING BRIDE comentaba que alguna de las letras algo similar cuando falleció su animal de compañía allá por el 2000 y algo creo. 

Siguiendo esa línea, el título del EP (no sé si es un Ep, la verdad) es TAKOTSUBO, término que hace referencia a un tipo de vasija usada por los pescadores japoneses. En medicina se habla de un síndrome de cardiopatía por abombamiento apical del corazón y, casualmente, también se le conoce como Síndrome del Corazón Roto. Aten ustedes cabos que no os lo voy a dar todo frito y cocido (como el pulpo).


Los cuatro temas en que se divide Takotsubo tienen nombres de enfermedades, parasitosis y demás nefastas alegorías que, sin ser un mago de la adivinación, me imagino que sufriría el perro de la artista antes de su deceso. En el tema musical, el EP me ha parecido muy bueno, potentísimo, oscuro y bien grabado, en la línea de proyectos como los griegos HAU o MILLIONS OF DEAD TOURISTS o los oscuros y de aquí YUNCLAS; es decir, un Dark Techno ultra tribal con una poderosísima presencia de la base rítmica que junto a las bases atmosféricas crean una suerte de banda sonora férrica de un mundo que está en proceso de descomposición (oxidación). Así suena de potente "Dysplasia", himno a la cavitación sonora de una psique en caída libre. 

Hay algo de desolador en la música de · echø · y a cada golpe de la percusión parece que se está cayendo alguna parte de un edificio en ruinas. Monolítico el final del tema con las bases emulando los chasquidos de una escopeta recortada. Sin embargo, "Leukemia" arranca con unas líneas minimalistas atmosféricas meditabundas sobre las que se van sumando arrebatos Techno y algo de Darkwave. Se nota que se trata casi todo de cacharrería digital, pero está todo muy bien masterizado y con una pegada tremenda. 

"Bezoar" adquiere toques marciales y Noise. Para mi gusto el mejor tema. A volúmenes altos la sensación es casi física... como los SEPULTURA del ROOTS pero en electrónica, no sé si me explico. "Coccidiosis" sigue en la misma línea pero de forma más sombría y sirve de fundido a negro para la catarsis apical de su artista.

Como apunte, la fotografía de portada es de Eider Bernaola para un disco que espero que tenga su formato físico en breve.


jueves, 6 de junio de 2019

CHELIQUE SARABIA - "REVOLUCIÓN ELECTRÓNICA EN MÚSICA VENEZOLANA" (PHARAWAY SOUNDS PHS064, 2019)


Nos remontamos a 1970. CHELIQUE SARABIA, hoy día uno de los más exitosos músicos Venezolanos, graba Revolución Electrónica en Música Venezolana, todo un triposo viaje lisérgico que a día de hoy es considerado obra de culto en lo que a electrónica experimental se refiere en su país de origen (y entre los buscadores de tesoros que buscan primeras ediciones).

Instrumentos tradicionales (el cuatro y la bandola llanera) se procesan analógicamente mediante osciladores, creando feedback y ese sonido tan característico de Delay que en algunas producciones dan el toque a jungla maleable... como de plástico derretido. Esa sensación que tienen los experimentos con las bobinas de cinta abierta en el Dub, los filtros y ecos de cintas unidos a temas que ya de por sí son rabiosamente exóticos, dieron como resultado un disco que todavía suena fresco y tan estimulante como ponerte un enema de Ayahuasca y mentol.

Editado en 1971 por PROMUS, Sarabia haría uso del M.R.A.A., suerte de equipo que toma prestados los principios del Moog (en cuyo proceso tendrán un fuerte papel en el disco Mario Alfonso y Ricardo Landaeta), mezclándolos con instrumentos tradicionales y procesamientos analógicos. El disco se conocería primeramente como 4 Fases del Cuatro, Música Venezolana Desarrollada Electrónicamente por Chelique Sarabia bajo exponsor exclusivo de SHELL, que dejaría al artista sacar su edición cuanto pasaron los derechos y gracias a lo cual vería la luz una edición comercial... pero claro, de esto hacen más de 45 años.


Colaboran Ángel Melo (cuatrista) y los arreglistas/músicos Carlos Moreán, Julián Romero, Alberto Naranjo, Frank Hernández, Jorge Romero, Oswaldo de la Rosa, Joseph Kast, Moscatt, Jerry, Tito Iglesias, Luciano Hardy y Enrique Lira

No es hasta 2019 que PHARAWAY SOUNDS (subdivisión de GUERSSEN) remasteriza gracias a los másters originales y viste de gala este auténtico bastión de la música experimental Venezolana editándolo en LP, CD y descarga digital. El conjunto de la música podría catalogarse como una mezcla entre la época electrónica de MILES DAVIS con Folk Cósmico y la decadencia cuasi western del MORRICONE más agrio. El uso de los Delays conforma una base ultra triposa que deforma/elonga los cortes de por sí pegadizos, ardientes y ultra melódicos. 

Le doy al Play y la cabeza me estalla. El Joropo Llanero Venezolano pasado por sintetizadores; arranques de Merengue lisérgico con trazas de Jazz Rock; Bambuco Andino de corte espacial y cósmico... un Calipso Psicotrópico Afrocaribeño absolutamente demenciales. 

Abre "El Pajarillo" que parece casi un Vals embarrizado de Música Dub (sobre todo esos efectos imposibles que me recuerdan a LEE PERRY). Fantásticas las cuerdas y las hipnóticas percusiones tan características del Folk mestizo que se practica en Venezuela (India, África y Español). "Maracaibo en la Noche" se sirve de estructura algo más rockera y casi progresiva, con voces muy de fondo que nos llegan casi disueltas. Si uno no está atento cree estar escuchando una canción standard más, pero una escucha atenta revela capas, reverbs, ecos y muchos más trucos que dotan de una dimensionalidad experimental extra a la música.


Fantástica "Polo Margariteño". Su acampanado inicio acaba en una especie de Jazz latino psicodélico ; el cuatro llanero y su sonido característico se mezcla con unos vientos agradables, redobles de campanas y cierto aroma Western al igual que la siguiente "Cantos de Mi Tierra", cargadísima de trucos, efectos y desdobles pero sin perder nunca la base original de la melodía. Me encantan las flautas tratadas y cómo se va doblando la melodía de las cuerdas. 

Escuchando "El Cumaco de San Juan" me acuerdo de MOHAMA SAZ y me pellizco para darme cuenta que hay un hiatus entre ambos de cuatro décadas. Fantástica la percusión caribeña y los cambios de ritmo avanzadísimos para su época en los que CHELIQUE se lanza de lleno a un Jazz Rock que nada tiene que envidiar a los grandes sinfónicos británicos. La juguetona "El Diablo Suelto", trasnochadora tonadilla pseudo Tropicalista... de Calypso ultra cargado de LSD. Ya no sé si te pincha la barba o estoy acariciando un Cactus.

"Polo Coriano" y sus vibráfonos tienen algo del DAVE PIKE SET de la primera etapa y de aquí a THE DREAMERS de JOHN ZORN tampoco hay tanta distancia (sí, puede ser una locura, pero escuchad la música antes de colgarme de un palo). Sigue el tríptico "Mare-Mare", "Por Comer Zopoara" y "El Pájaro Guarandol", los tres engarzados gracias a un organillo casi de feria. Resaltar cómo se trenzan las melodías de los órganos con los instrumentos de cuerda... pura maestría.

Sigue la Morriconiana "Sombra en los Médanos", también plagadas de trucos que podrían haber salido del SECRET LABORATORY de PERRY mientras que la siguiente "Barlovento" sigue la estela anterior pero más bizarra en el tratamiento de las voces que son las que se llevan todo el protagonismo... bueno, las voces y eso imposibles efectos de ecos a lo SCIENTIST

Fin de fiesta con dos temas; la jazzera "Río Manzanares", Folk Venezolano con arranques casi de Free Jazz contenido como si de una especie de ART ENSEMBLE OF CHICAGO a la latina se tratara (esos arranques y aceleros ponen los vellos de punta). No lo he mencionado, pero el álbum rezuma Groove por todos lados; desde el inicio hasta ese final decadente de "La Bella del Tamunangue" que cierra de forma magistral esta obra de arte que a día de hoy, 47 años después, sigue igual de vigente.

miércoles, 5 de junio de 2019

MONTES/ MENCHACA/ FERNÁNDEZ/ ENTONADO - "FESTIVAL VERICUETOS DE MÚSICA INTRÉPIDA en LA MÜNSTER" (ADAPTADOR RECORDS, 2018)


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Otra reseña en diferido con motivo de la edición en Cardboard CD de este Vericuetos, previamente existente sólo en descarga digital (y edición espúrea). El contenido es el mismo, así que os dejo con la reseña que hice hace un par de meses y añado los contactos donde podéis pillar el material (esta y creo que todas las ediciones de ARÍN DODÓ): leodbroglie@yahoo.es // FACEBOOK.

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Esta grabación totalmente improvisada en el Festival Vericuetos de Música Intrépida el 13 de Mayo de 2017 es un tour de force que funciona como ganzúa con la que para escapar del psiquiátrico de tu barrio al que has sido ingresado por error (o no, yo que sé).

Dolfo Montes al contrabajo, Pedro Menchaca a la guitarra, Sofía Fernández a la batería/voz y J.G. Entonado (Arín Dodó) a la voz, trombón y armónica o lo que es lo mismo... los cuatro celadores del Pabellón de Sujetos Peligrosos que barren de la faz de la tierra cualquier atisbo de comercialidad.

33 minutos divididos en dos pistas en lo que fue el primerísimo contacto como cuarteto en La Münster, lugar donde se celebraría el evento. Duetos imposibles entre trombón y guitarra abren el cotarro a base de pura improvisación experimental. Entrecortados ritmos se van sucediendo, unos más líricos y asequibles, otros delirantes y rayanos en los experimentos ochenteros de FRITH.

Es curioso, pero la forma de emplear las voces de Arín Dodó siempre me han recordado a Father Yod en sus YAHOWA 13 pero sin el revestimiento mántrico/religioso, claro está.... me refiero al timbre y tono que adquieren las cuerdas vocales en las soflamas improvisadas y es algo que irá repitiendo como constante en toda la grabación.


De entre todos los trabajos que he reseñado de Arín Dodó este posiblemente sea el que más tintes rockeros posea, hasta el punto de que se roza la psicodelia desértica en algunos tramos; sin duda, esto es así por la guitarra que suelta notas espaciadas, se carga de glisandos armónicos y (otra vez) me sigue trayendo a la cabeza a los YAHOWHA 13 últimos de Sonic Portation por ejemplo... es decir, de su reunión de hace unos años y con Father Yod criando malvas desde hace mucho. Otro dato es el sonido, que tiene un grano tan espontáneo que me cuesta creer que esto no está sacado de cualquier magnetófono de cinta abierta de unos estudios enterrados bajo tierra tras una debacle nuclear.

La armónica y la guitarra practican juegos de fogata sobre una base misteriosa que no sé si es algún tipo de teclado o efecto de pedales. El contrabajo tocado con arco, voces de índole antropomórfica pero no identificables en su totalidad añaden atmósfera a pasajes que podría catalogar como Country Psych o lo que es lo mismo, una Jam Session en lo alto de una duna al atardecer y tras la ingestión de ayahuasca. La batería es suave, muy acompasada y sutil y tirando más de la percusión minimalista, cosa que se nota muchísimo en la segunda y más introspectiva parte del concierto en la que se hacen incursiones en el Noise Rock para terminar de despistar más al oyente.

Siguen machacones y obsesivos ritmos de bajo propios del Space Rock más que del Jazz, o al menos así me lo parece. Las voces de Sofía son todavía más insanas que las de Entonado, así que tendré que rescatar de mi biblioteca el diccionario Cuneiforme-Español a ver si logro discernir qué demonio Sumerio están invocando (por cierto, chiste malo.... "si los Sumerios añaden, qué hacían los Resterios, quitar....?").

ADAPTADOR RECORDS ofrece la versión digital en descarga gratuita aunque yo tengo copia DIY que me mandó el propio Dodó (vieja escuela, viejos hábitos). En resumen, muy recomendable para psiconavegantes sónicos:

ARÍN DODÓ / ISABEL BAIGORRI / JOHN FALCONE - "BERTHELOT" (EF 003)


„La palabra verdad no se puede usar fuera de la ciencia sin abusar del lenguaje.“ Berthelot

FASE I
"El arte es la naturaleza acelerada de Dios al relentí" Malcom de Chazal

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Hace unos meses os traía este fantástico Berthelot en una reseña que realicé sobre una edición casera que me mandaron los músicos. Bien, por fin se ha editado esta joya en CD con un diseño muy atractivo.

Para pedidos, os recomiendo poneros en contacto con J.G. ENTONADO en el siguiente mail o bien vía facebook: leodbroglie@yahoo.es / Facebook.

Sin más, os dejo con el mismo texto que hice ya que la música en sí no ha cambiado. Disfrutad:

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No sé si el espíritu de Marcellin Pierre Eugène Berthelot (París; 29 de octubre de 1827 - 18 de marzo de 1907) estaría presente el 13 de Mayo de 2017 en La Münster (Gijón, Asturias) durante el festival de Vericuentos, más que nada por aquello de controlar que los enlaces químicos y la termolabilidad de la música invocada fuese la correcta.

La fina línea que une la magia alquímica y la ciencia farmacéutica podría ser símil de la eterna lucha entre la abstracción de la música avant e impro y lo estrictamente academicista. A veces por mucho que nos empeñemos, ya podemos tener todas las fórmulas escritas sobre la mesa, que nos equivocamos... que se lo digan al bueno de Berthelot con su obsesión de negar la Teoría Atómica.

La formación compuesta por J.G. Entonado (a.k.a. Arín Dodó) a la voz, trombón, percusión y objetos; Isabel Baigorri a la voz y cello; John Falcone al bassoon, contrabassoon y kokiriko crean una especie de suite dividida en 12 cortes donde prima la energía oscura de la Música de Cámara, el dadaísmo más soterrado y leves retazos de Avant Jazz a lo HENRY COW. Para que nos entendamos, la sensación en general es teatral, a veces minimalista, y con muchas inflexiones difíciles de captar en unas primeras escuchas. Al fin y al cabo, si Berthelot se movía en el campo de la Síntesis Química, aquí también se sintetizan cosas pero en forma de música expresiva, atonal y muy, pero que muy volátil.


El sello italiano EASY FINGERS lo ha sacado en digital aunque mi edición me la mandan los músicos y está fabricada a mano. Para interesados podéis descargarla o escucharla aquí:


Por cierto que el estupendo artwork es obra de Pedro Menchaca, híbrido imposible entre el careto de Berthelot y la saga del Cíclope Andrés de ARÍN DODÓ (reseñas aquí y aquí). Completan los detalles técnicos la mezcla y masterización de Marco Ghezzi(Tunnelwood Studio).

FASE II
"La ciencia es la verdadera escuela moral; ella enseñan al hombre el amor y el respeto a la verdad, sin el cual toda esperanza es quimérica" Berthelot

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Como decía antes, doce pequeños cortes a modo de piezas de orfebrería. Abre "CH202" con cierto aire a UNIVERS ZERO o PRESENT. Cámara oscura de cuerdas rematadas por el Fagot y el sempiterno uso del Cello tocado con arco dibujando un paisaje áspero, de reminiscencias clásicas pero siempre con la oscuridad por bandera. "Thermochimie" sigue en la misma onda pero más arrastrada. La música se va espaciando y deja huecos casi cómicos que podrían encajar en una perdida cinta de dibujos animados prohibida de los primeros años de la animación. Impresionante la profundidad que adquiere el Cello, dialogando con una mínima pero efectiva percusión, o explotando violentamente contra el Fagot.


"Synthèse" sirve de pequeño puente hacia "L´alchimie", una oscurísima canción de cuna  con las experimentaciones vocales de Entonado que contrastan de forma muy positiva con las de Isabel en "C6H6"; un imposible, dantesco diálogo que parece transcurrir en un plano alternativo de la realidad... quizás en ese espacio muerto en el que se aparean las moléculas para dar a luz a nuevas, peligrosas e ignotas sustancias. "Calorimètre à Pompe" acentúa todas estas características haciéndolas más agudas y fáciles de categorizar, pero no puedo quitarme de la cabeza que el resultado de los 45 minutos de música en BERTHELOT son una especie de obra de teatro en blanco y negro de funestas consecuencias, dividida en actos y con esa estructura tan expresiva de la poesía dadaísta (especialmente en las vocalizaciones).

"Endotermique" y "Exotermique" por su parte añaden un patrón de cariz cinematográfico, quizás porque en general son más sosegados, y junto con las percusiones de nuevo parecen recrear algo del cine Noir clásico. Impresionantes resultan algunos momentos en que el Cello resalta sobre el resto de instrumentos al más puro estilo de Bernard Hermann (PSICOSIS...). El segundo tema es terreno de cultivo sin duda para los instrumentos de viento que ululan de forma terrorífica.


El cántico cuasi celta en "Sophie" con los vientos que parecen gaitas aunque pronto muta en parámetros más clasistas (si es que algo así es posible con estos músicos) en "Heritage". Lo que transcurre desde aquí hasta el final de la grabación es la sublimación de todo lo anterior. "1907" y la final "Jals Jo" reivindican a unos músicos que parecen vivir fuera del tiempo o al menos seguro fuera del ámbito comercial y añejo de discográficas. Más bien parecen metidos dentro de una línea trashumante de antiguos herreros alquímicos del sonido que a modo de chamanes pasean su arte por lugares de poder escogidos mediante péndulos telúricos.

Espero que EASY FINGERS se anime a sacar esto en formato físico.

TESLARADIO - "ESQUIZOFONÍAS DE UNA CIUDAD GENTRIFICADA (OIGOVISIONES, 2019)



TESLARADIO es el proyecto de CHINOWSKI GARACHANA, transmutador del éter en ruido a través de tantos cacharros como imaginarse uno pueda. En el enclave mágico de LA CAVERNA DE AMORES, concretamente en el evento TRANDISCIPLINA #04 (Noviembre de 2017), se gesta esta grabación que no, no es la banda sonora de Mega City One del Juez Dredd, pero al ritmo que vamos, la gentrificación malagueña tendrá como fondo sonoro algo parecido. Si no, al tiempo.

Hablaba de cacharrería industrial... bien, la lista técnica es la siguiente: 

Tascam DR 70D, Mics Sennheiser MKH 60, AKG C460B, ContacMics, Strymon Timeline, Teenage Engineering Rhythm PO12, Sub PO14, Familiar Cacophonator V1, Bastl Instruments Kastl, Quimera Rosa Body Noise Amp, Koma Elektronik Field kit, Noise boxes, superficie de metal, Nord drum 2, Mixer Presonus 16.0.2.

GARACHANA es un producto mitad carne, mitad cobre con forma antropomorfa y luces de neón en vez de ojos; colaborador en los eventos de TRANDISCIPLINA como instigador, además de cohabitar en MEDIALAB INVISIBLE y componer para TESLARADIO, al que pertenece esta suite de 22 minutos de duración titulada "Esquizofonías de una Ciudad Gentrificada" o dicho de otro modo, es una astilla infectada en la epidermis de plástico y neón de la Urbe Malacitana.


Pues bien, esta suite en seis partes se mezcla en LaSonora y Noize Flue Studio por Chinowski y Manika, (el Palo y Berlín, toma ya!) para luego Remezclarse y masterizarse por Julian Calvo Orquín, Maledictis Producciones. En el aspecto gráfico prima lo austero con fotografía de Esquizofónicos Asociados y diseño/maquetación de Alexis Cruzado que es correcta sin más; ya se sabe que en el mundo del Noise y similares priman las texturas y lo abstracto.

Muy revelador me resulta el texto de Garachana en el libreto sobre la pérdida de identidad del sonido en el momento en que es arrancado de su corpus/contexto y puesto como ingrediente de un compost enorme que acabará conformando un mural expresivo sonoro que en sí nutre de vida todo un género como lo es el Noise o el Ambient. Curioso como esa descorporalización/deshumanización del sonido viene a ser una especie de gentrificación también en cierta forma; separar de contextos para construir otras cosas. 

Obra reivindicativa pues, Esquizofonías habla del alma errante de una ciudad (Málaga) que se ha partido en dos y que como todo lo que existe, suena. Un Muzak séptico que una vez iniciado se va a perpetuar hasta la transformación y pérdida total de la identidad física, moral y social. Afortunadamente, me quedan dos telediarios y no viviré nada de esto.


Abre "Drone Especulativo" (con voces de José Perez de Lama aka Osfa). Ambiental inicio bordeando la costra urbanita mediante soundscapes de estructura minimalista. Irrumpe un sampler vocal que estremece por lo ardiente de su contenido, máxime cuando uno está asistiendo a un cambio de faz abrupto en la urbe que habita.  Mínimos detalles percusivos se llevan la música a terrenos de Techno sutil, lento y magnético... ese que queda flotando en el ambiente después de haber sonado. 

Hay algo en la forma de discurrir la música (como si fuera detritus acuoso en una alcantarilla) que me recuerda a la berlinesa Sonia Gütler (SONAE). Una jungla electrónica amenazante que en "Panel Metálico Oxidado en Calle Gentrificada" muta a ruidismo electroacústico de Mercado (colaboran Nacho Jaula, Saul Wes, Antonio R. Montesinos y Fernando Tamajón). Chasquidos, voces de fondo ininteligibles, roces metálicos... todo ello dentro de una campana reverberante de experimentación (con un pie en el Field Recording). 

Lentamente crece la algarabía de voces en "Frecuencias Urbanitas". Un dial insano que hace de puente hacia "Tránsito", suerte de espectral melodía con tintes espaciales Kosmische con regusto clásico. Como esas viejas bandas sonoras de programas ufológicos. Es de notar que GARACHANA haya elegido acelerar el tempo en este corte.... me da la sensación de que si se ralentizara tendríamos un Dub de la hostia. Cada vez más rápido y juguetón, se desvanece hacia la oscura "Limpiando el Centro de Arte Contemporáneo" (voz de Braulio), breve puente que nos pone en la tesitura perfecta con la que abordar "Malakafónica", el tema estrella de la grabación (con voz de Raymond Scott).


En clave de baile, o a modo de catálogo de partículas que quedan pegadas en una malla gigantesca, el disco se finiquita con un pulso mantenido de chasquidos, bases rítmicas suaves y la sensación de que han pasado mil eones y estamos en el futuro (tangencial o no) de nuestra ciudad. 

El daño está hecho, pero en las esquinas siguen orinando los perros y el olor a estiércol infame del vertedero seguirá acompañando a más de uno y una mientras baila hasta el amanecer. Por altavoces y a modo de toque de queda, suena en recuerdo ese bestial sampler vocal que finiquita el disco. Premonitorio, turbio y asqueante futuro.

Próxima Parada.... MÁLAGA CITY 1. NEXT STOP, MÁLAGA CITY 1. CHANGES WITH INTER CITY BUSES....

lunes, 3 de junio de 2019

FERRANDO/GALIANA/SAAVEDRA - "BREGUES DE MOIXOS" (LIQUEN RECORDS LRCD009; 2018)



Bregues De Moixos es el proyecto experimental que aúna a tres grandes improvisadores como son BARTOLOMÉ FERRANDO a la voz (trayectoria aquí), AVELINO SAAVEDRA a la batería/objetos sonoros y JOSEP LLUÍS GALIANA al saxo barítno, tenor y soprano. 

Grabado por Julio Valdeolmillos en SHARK ESTUDIOS (Paterna, Valencia) y mezclado, masterizado y vestido de gala mediante portada y diseño gráfico de AVELINO SAAVEDRA. La edición en CD digipack a cargo de LIQUEN RECORDS bajo auspicio de la AD LAB (Laboratorio para la Investigación de Procesos Creativos Contemporáneos), la Generalitat Valenciana y el Institut Valenciá de Cultura.

Vomitados los créditos, dejadme que os cuente una historia.


En el Sur de India, concretamente en Kerala, los cuatro Vedas (textos sagrados orales compilados y datados antes de Cristo), Rig, Yajur, Sama y Athharva se transformaron en poesía objeto de liturgia y de ahí dieron el paso al Teatro Sacro de Kerala. Transmitidos por Brahmanes de generación en generación, se crearon escuelas dedicadas a transmitir este inmenso arte. La forma de expresión adquiere una importancia tremenda hasta el punto de que las declinaciones, gestos y posturas imitan a la propia naturaleza. Lo concreto y psicológico pasa a los llamados Mudras (posturas de las manos, usadas también para mantener la concentración en Yoga).

Curiosamente, el disco que traemos a colación se llama Peleas de Gatos, y a lo largo de 50 minutos, la música de estos tres excelsos improvisadores emulan un Teatro Sonoro Improvisatorio Felino en el que la realidad queda mimetizada y reducida (destilada) desde lo psicológico (ideogramas) hasta lo sonoro usando la paleta amplia de la performance.

Cuando pulso play y me encuentro de sopetón con los dos primeros cortes "Mañana de luz Líquida" y "Paisaje Repleto de Semillas Sonoras" no puedo evitar, y a tenor de las inflexiones vocales de FERRANDO,  trasladarme a ese gran espectáculo de la Música Carnática y de forma más concreta al Konnakol o percusión vocal del Sur de India. Pero ojo, hay que matizar... desvestido de lo sacro y religioso, y más imbuido de expresividad Cabaretera, tendríamos que adelantarnos varios cientos de años hasta el Downtown Neoyorquino, TZADIK, y los discos de MIKE PATTON con NAKED CITY para dilucidar de forma más precisa a qué suena este Bregues de Moixos

(Saavedra)

Lenguajes inventados al servicio de la música, lo vocal y la percusión atávica en estos dos primeros cortes del disco. Hay que sentarse y seguir cada instrumento por separado para abarcar el alcance de tanta ráfaga de percusión, sordina en los vientos, y sílabas recortadas con cuerdas vocales como pelos de acero en una fábrica de marquetería. ¿Se podría catalogar esto de Jazz Dadaísta Carnático?... ¿Fluxus Improvisatorio Indostaní?... difícil de decir porque el Teatro Japonés GAGAKU hace su acto de presencia en el segundo corte embarullando más las etiquetas.

Las vocalizaciones de FERRANDO a más de uno podrían recordarle a una grotesca reinterpretación de la música cortesana japonesa en el elegante Saibara, el declamatorio Rôei o los patrones melódicos del Kagura-uta... Tsuki, Oshi, Mawasu-fushi y Ori-fushi o cómo cantar una Saeta Japonesa en clave Free Jazz es lo que nos encontramos ya en el tercer corte (más explosivo) "Desde la médula Del Grito".

(Bartolomé Ferrando)

El saxo con notas sostenidas, largas y en ráfagas y la entrecortada y barroca percusión traen la fiereza de NAKED CITY a la palestra pero sin la envoltura Noir de aquellos. Cadenas, objetos que caen, las cuerdas vocales pasando con una sutileza tremenda desde las notas altas en falsete a las más graves, y ferretería jazz remachada con fieros ataques del saxo barítono para finiquitar un tema sublime.

Sigue "Caligrafía Del Fuego". Ideogramas ígneos transmutados a sonidos que imitan el chasquido de ramas ardiendo. Con ambiente de fábula de otros tiempos, el minimalista saxo sirve de contrapunto y banda sonora a la historia en cuneiforme que nos cuenta FERRANDO mientras que GALIANA se sirve de una destreza enorme en las partes rápidas pero bajando el tempo a niveles de hipotermia cuando así lo requiere la atmósfera. En contraste entran las percusiones a lo SUN RA en "La Memoria Se Ha Enredado y Está Llena De Nudos" aunque los vientos, a pesar de no ser trompetas, bien podrían descender de la línea genealógica de Mu y DON CHERRY (por lo tribal digo).

(Galiana)

Como las Ecolalias en el Trastorno del Espectro Autista, el lenguaje lidia con lo patológico para realzarse en gloria y es que lo patológico siempre tiene un alto grado de magnificencia. Si no me crees escucha en soledad los acuáticos tonos de "Música Que Se Exhibe en Ropa Interior"; agudos drones producto de rozar los platos con arco, rumiaciones del saxo de GALIANA y una febril historia literaria que nos llega tan perturbadora como las esotéricas declamaciones de MIKE PATTON en el proyecto Zorniano MOONCHILD.

Si "Aire de Carne Transparente" no os remite a la particular forma de entender lo literario de PATTON, JOEY BARON y TREVOR DUNN es que estoy loco. Eso sí, habría que añadir los vientos de GALIANA para completar la fórmula. De todas formas, flota en Bregues de Moixos una sensación de violencia contenida que hace que cosas tan a priori opuestas como el Hardcore queden por ahí pululando al menos en esencia... vale, esto no es Jazzcore pero ojito que está a un sólo paso.

"Máquina Desnuda con sus Huesos al Aire" y "Viento de Sábanas de Vidrio" suman 12 minutos en los que se resume a la perfección todos los ingredientes que he ido describiendo. El Teatro Sacro de Kerala y el Gagaku Japonés se desnudan de religiosidad para abrazar lo urbano en una Glosolalia que se tiñe de Free jazz y Avantgarde... el resultado, una jodida pelea de gatos en plena madrugada.