viernes, 22 de marzo de 2019

A.L. GUILLÉN - "DÍA DE FIESTA PARA LAS ORTIGAS (GRUPPO UNGIDO OU#40mu24, 2019)


"Imagina tus manos
y mis manos,
y las manos de todos,
su multitud de dedos
para contar los muertos de mi España
y poner la factura al Culpable"
Agustín Gómez Arcos

Segunda parte de la trilogía comenzada por En Recuerdo del Amado (cuya reseña podéis releer aquí), este Día de Fiesta Para las Ortigas tiene la particularidad de ser yesca que en contacto con el pedernal de tus oídos se convierte en el Pop Situacionista más peligroso desde Mayo del 68. Y digo situacionista pero podría decir contrarrevolucionario porque al fin y al cabo, el Ep se publica en el autogestionado reducto de GRUPPO UNGIDO y ya se sabe que al poder establecido no le va nada y teme la palabra Autogestión.

La Autogestión implica un síndrome de nido vacío con respecto al estado. El estado y la cadena fagocitadora del consumo y la industria tecnológica te echa de menos como el fuego a la leña. La gestión participadora y por ende la gestión de la empresa y el trabajo por el mismo trabajador son la base de la Comuna como lugar físico, mental y evidentemente social desde el que extender la Revolución Social.

Así se entendería en la Comuna de París y así se entendería en las revueltas contra la Guerra de Vietnam a raíz de ese Mayo del 68. Europa Occidental impregnada de la energía contrarrevolucionaria que como combustible líquido se empaparía de la Gran Huelga General Francesa. A nivel cultural, curiosamente, se aboga por una destrucción del propio arte como símbolo del capitalismo, lo cual lleva a la aparición de la Performance, la Acción Musical (o no musical) en la que situacionistas, futuristas, dadaístas y demás fauna más o menos peligrosa convivirá con otra que sí que utilizaría la violencia como forma de protesta (sin entrar en el terrorismo armado, sí que se podría citar a la Angry Brigade).


La Internacional Situacionista (antes Internacional Letrista) participan de todo el revuelta del 68 en los combates callejeros e impulsan la huelga. Sus textos nos llegan hasta nuestros días con la frescura imposible de la clarividencia en estados de crisis antojándoseme difícil que la mitad del arte que se practica hoy día existiese sin la publicación de La Sociedad del Espectáculo (1967) de GUY DEBORD, posiblemente uno de los textos más visionarios jamás escritos.

Hablemos de música y hablemos de letras.

ANTONIO LUIS GUILLÉN trasciende el concepto de músico para alearse en poesía y siendo una de las principales figuras dentro de lo que se me antoja en llamar Neo Situacionismo Ibérico Zen, o lo que es lo mismo, fundir música y palabras en un arma comunicativa tan poderosa como brutalmente exquisita, como exquisitos son los textos de AGUSTÍN GÓMEZ ARCOS en el que se basa su nueva obra.

Gómez Arcos, como casi tantos iluminados (véase JOSE MARÍA PANERO) parte de la represión como elemento disruptivo. Una situación de presión que levanta la espita de la Olla Expréss social en la que se ven inmersos y así vive su infancia, entre las penurias que dejaría la Guerra Civil Española. La Guerra Civil española dejó muertos y dejó muerta la cultura, así que el almeriense Gómez Arcos se exiliaría a Francia justo un mes después de las revueltas del 68 posiblemente hastiado de la censura y el malditismo español.


El fuego revolucionario es tan necesario como la quema de los rastrojos en la agricultura. A veces la regeneración pasa por la destrucción y no hay orden que no haya surgido del caos. Así lo expresa la maravillosa portada que captura a una Mujer Incendiaria (Petroleuse) en las Comunas de París, collage de MARA B. STONES en un negativo esclarecedor donde el rojo de la llama se torna más ominoso si cabe. Arde el fuego de la música y arde el fuego de la palabra.

"Tus Manos" abre con lo que parece una grabación de campo y un susurro muy lejano haciendo de introducción a una melodía contagiosa en lo que parece un Farfisa. La voz característica de Guillén, más lírica que en sus tiempos de SEFRONIA, empapa de melaza un corte con cierto cariz religioso en lo sonoro (Gospel Pop). Si esto es una secta, yo quiero meterme de cabeza en ella (mínimo ofrezco mis manos).

"Tu Nada", más experimental, cuenta con las percusiones (de aquí hasta el final del EP) del grandísimo JAVIER CARMONA. De estructura popera en un inicio, es en la unión entre lo pastoral y ácido junto a las subversivas letras donde radica la fuerza de un tema que va in crescendo hacia un Boogie Folk o algo así y que para colmo se permite el lujo de un barroquísimo final avantgarde a lo Downtown Neoyorquino que quita el hipo (véase FRITH como muestra a la guitarra y CORSANO por su parte a la percusión). Sigue "Tu Futuro", oda al Karma que juega con romper las estructuras convencionales. La percusión muta constantemente creando su propio estilo mientras que la guitarra dice "no" al tiempo convencional para acelerar y desacelerar como le viene en gana, siempre con esa sutileza tan propia que da la maestría.


A capella, como cualquier proclama revolucionaria, llega "Tu Fuego" con unas letras de intensidad inusitada ("Si Dios está dormido despertará gritando / con pasmo de burgués antes la huelga / conoces la canción, no le hagas caso / y sigue con tu incendio: en el cielo hay misiles, no hay dioses. Quema tu Iglesia"): un delirio de pop barroco y psicodélico de aroma profundamente sixties (Prog Rock, risas, notas de órgano, campanas y vaya usted a saber qué mas).

"Tu Milagro" aúna todo lo anterior y es de un intimismo que roza los gloriosos momentos de SEFRONIA. "Día de Fiesta para las Ortigas" es un prodigio de canciones cortas pero jodidamente complejas, llenas de capas y dobles juegos hasta el punto en que me reafirmo en Pop Situacionista y le añado Futurista, Anticapitalista y con piano Contrarrevolucionario y "Tu Milagro" además, es Country Dadaísta deconstructivista Post Soviético.

Una obra de arte de A.L.GUILLÉN que físicamente no pudo haber sido un Soixante-Huitard pero que con el poder de su música, su poesía y su visionaria forma de acometer la guitarra (y sus composiciones) tornan rompedoras no sólo las anquilosadas estructuras del Rock, sino que sacude la cuadriculada forma de pensar borregil que atormenta a toda una generación.

"Imagina mi rabia
con tu rabia
y la rabia de todos
la multitud de rabias
para cargar fusiles y fusiles
y cargar corazones
y futuros".




EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS... PARTE 3


EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS... PARTE 3
COZMIC CORRIDORS - "COZMIC CORRIDORS" (MENTAL EXPERIENCE 011, 2017)

Sigo ahondando en ese extraño universo de TOBY "THE MAD TWIDDLER" ROBINSON y sus extrañísimas ediciones de PYRAMID, esta vez con una de mis preferidas. Como siempre, no ha sobrevivido ninguna copia (según la promo fueron copias muy limitadas y fabricadas a mano). 

Os recomiendo encarecidamente que leáis las partes anteriores de este artículo para no tener que repetir conceptos (PARTE 1 y PARTE 2). 

COZMIC CORRIDORS cuenta en su formación con el batería Hans-Jürgen Pütz (también a los efectos) y Alex Meyer a los sintes y teclados. Pauline Fund a la poesía/voces y alguien llamado Peter Förster, de índole desconocida (ni siquiera sé si antropomorfo) se encarga de la guitarra. Como siempre, poco puede constatarse de esta formación, cuyo árbol genealógico no sube mas allá del Dreamlab de MYTHOS... ni siquiera la fabulosa portada de Janet Leslie ofrece información de ningún tipo.


La escena en Alemania era tan fértil que pudiera ser que algunos eslabones de la cadena se hubieran cortado, pero se me hace difícil pensar que algo de tantísima calidad pasara desapercibido. El árbol genealógico sólo me sube hasta 1996, año en que se supuestamente se rescataron estas ediciones por PYRAMID y que hoy vuelven a ver la luz de forma sublime en vinilo de mano de MENTAT EXPERIENCE / GUERSSEN RECORDS

¿Cómo definir a COZMIC CORRIDORS?. Se me antoja harto difícil. Unas líneas de teclados ominosas y opresivas recorren todo el disco recordando a trabajos como los de SCHULZE, algo de CLUSTER, el pastoral decadentismo folk de ASH RA TEMPEL, el minimalismo de RILEY en cuanto a la obsesiva forma de mecer las notas.... todo ello aderezado con el oscurantismo esotérico de ANTONIOUS REX y JACULA, PIERROT LUNAIRE y para terminar de joderse uno la mente, unos cánticos subsónicos a lo DEAD CAN DANCE

"Dark Path" suena a Dungeon Synth por los cuatro costados. Cualquier banda del espectro black metalero mataría por tener un corte como este, que más parece una versión de SUMMONING que algo Kraut (vaya, que podría abrir perfectamente el disco Minas Morgul de los austríacos). Por otro lado, parecen captarse en sus melodías y percusiones algo del submundo Giallesco (FRIZZI, ORTOLANI y otros), pero pronto se cambia de tercio en "The Summit" donde una simple nota de Hammond se repite de forma insistente haciendo de base rítmica motorik. 


Una juguetona melodía de lo que parece ser un piano eléctrico se dedica por encima a explorar el cosmos con un despliegue de inventiva alucinante. Se van añadiendo otras líneas de teclados distintos hasta que se crea una auténtica algarabía indescriptible, bizarra, minimalista en cierto sentido, y difícil de comparar y etiquetar. Es como esas cajas de música que uno encuentra en un rastro cubiertas de polvo. ¿Y si la melodía no fuese de este mundo e invocase algo que debiera haberse quedado en su lugar de origen?. Hay que experimentarlo para hacerse una idea. 

"Mountainside" arremete con una versión primitiva y descarnada de TANGERINE DREAM. Ambiente ominoso, música de cámara germana y mínimas percusiones arropan una voz demencial que recita (o canta) en otro plano de la realidad. Parece un cruce entre primeros PINK FLOYD y algo de MYTHOS, ASH RA TEMPEL o los más desconocidos EMTIDI. Ambiente sacro como una homilía dada en una catedral de huesos a la deriva por el espacio. Un tema que hace palidecer a la mitad del Dark Ambient que nacería después... simplemente aterrador el diálogo que mantiene con una gravísima y procesada voz de ultratumba que irrumpe de forma burbujeante, diluyéndose y volviendose a materializar con una facilidad oleosa y funesta.


La sensación principal cuando escucho a COZMIC CORRIDORS es de ralentización. Es difícil de explicar pero no me quito de la cabeza que los insistentes ataques de MiniMoog, el espiritual Hammond o los pianos eléctricos han sido ralentizados hasta un determinado nivel que provoca en el oyente una sensación de amenaza inminente. Si cogiese por ejemplo un tema de los WOODEN SHJIPS y lo llevase a menos revoluciones por minuto se parecería algo a lo que quiero reflejar.

Se capta a la perfección en el cuarto tema "Niemand Verstehl", en el que el tiempo parece ir a su puñetera bola. Las sábanas drone de teclados de todo tipo articulan una base sobre la que recita una germánica voz a lo NICO. Es la banda sonora horrorífica de un ritual antediluviano en el que la guitarra (que parece estar hasta arriba de LSD) simplemente se dedica a anudarse una y otra vez sobre sí misma en riffs acotados y minimalistas. Es como JACULA en Tardo Pede In Magiam Versus pero en versión teutónica.

En una hipérbole imposible, vuelven los ambientes italos en la también Giallesca "Daruber", que se va empapando poco a poco de guitarras espaciadas a lo POPOL VUH como si de una película perdida de HERZOG se tratase. 

Escuchar para creer.

domingo, 17 de marzo de 2019

GODAFOSS - "A VIOLENT DEATH" (EL MUELLE RECORDS 039, 2018)


No todos los viajes iniciáticos son positivos, o dicho de otra forma, no todos los rituales de paso tienen billete de vuelta. 

Con el carácter funesto que posiblemente guarda A Violent Death de GODAFOSS, nuevo proyecto de CARLOS SUERO (Clonicos SL, VEEA, Schoos, The Drip, DRP, dp, SUERO, Godafoss, iO), tengo que decir que es uno de los álbumes más oscuros en cuanto a Techno y Ambient que me he echado a los huesos timpánicos en los últimos meses, quizás rivalizando en mal rollo con lo último de lo griegos HAU, los también ultra desangelados A MILLIONS OF DEAD TOURISTS o el asfixiante In Vitro de LUCIANO LAMANNA, todo ello por poner ejemplos distintos a los convencionales.

Se edita en vinilo en EL MUELLE RECORDS, se graba en OWN STUDIOS de Madrid y se masteriza en LABORATORIOS SUBSTANCIA de Barcelona (por Pedro Pina). Se escucha ahora mismo en Casa del Coronel, Málaga a las 17:30 de la tarde, sin camiseta que hace un calor infernal aunque mis pezones estén rozando la pantalla del ordenador. Sigo:

Cuando uno ve los títulos de los cortes sabe que está ante un trabajo muy personal, de buen seguro compuesto en un momento delicado de la vida de alguien, y que tiene ese marchamo medicinal que conforma todo lo catártico en el arte. Es así por ejemplo en el más industrial pero igualmente asfixiante  How Welcome Is Death To I Who Have Nothing More To Do But Die de CON DOM en el que tanto el libreto como la música y los samplers hacían honor y homenaje al deterioro físico, anímico y posterior óbito de la abuela del señor MIKE DANDO


Conforme avanza A Violent Death más claro tengo que se trata de una banda sonora, la banda sonora de Jose María Suero Ruíz, a quien este disco (a su vida) está dedicado en su totalidad, (no sé si en sus postreros instantes). Pues bien, como en Islandés GODAFOSS significa La Cascada de los Dioses, lancemos la música de Suero en sacra dádiva acuática, aunque el glaciar Vatnajökull haya tenido en la antigüedad la siempre violenta misión de separar paganismo de fe cristiana.

Antes de entrar en materia, aquí os dejo enlaces a reseñas de algunos de los trabajos del madrileño, bastante variados y que muestran el carácter versátil de su música:



Una apocalíptica base rítmica abre la Cara A con "Consciousness of Death", claustrofóbico tema que puede valer tanto como banda sonora a cualquier film cyberpunk ochentero como animar a gastar suela en una pista de baile alternativa en un club EBM berlinés. En cierta medida, es como cruzar en laboratorio a DIE KRUPPS con JAMES HOLDEN, el producto volverlo a cruzar con GEOFF BARROW (en el quintaesencial proyecto DROKK), y para más inri, volverlo a cruzar con los discos más asequibles de MERZBOW... el resultado último es GODAFOSS. En suma son como tres líneas argumentales sonoras trenzadas en un hilo discursivo cinematográfico y que gracias a la excelente producción te llega de forma atemporal... duro, seco como una mala noticia transmitida por teléfono a las 4 de la madrugada.


Con más de medio pie en el Dark Ambient, "The Possession of Pain" lucha soterradamente por meter ritmos cuasi motorik a lo NEU! en los surcos. Se respira decrepitud a cada momento... es electrónica muerta tal y como muertas están las estrellas que nos donan su luz durante milenios en el Cosmos. Paint it electro Dark, motherfuckers.... amenazantes ritmos sincopados de sirenas casi Punk se embeben de distorsión Industrial y Noise hasta montar una cadencia de ferretería en pleno apogeo nihilista. Si LES RALLIZES DENUDES se hubieran montado un rollo electrónico sonarían a esto... abotargado, plúmbeo y amortajados en vida.

"Deep In The Dreams Of Morphine" se va de lleno a la parte más experimental del Ambient mezclando cierto ambiente opioide Dub con capas y capas de Drone, algunas de las cuales está tan afilada que coquetea con SUNNO)), MERZBOW o KEIJI HAINO. Fantásticos los espaciados ataques fúnebres que funden a negro el corte.

La Cara B se abre con los toques carpenterianos de "Continuity, Endless", hipnótico y obsesivo loop percusivo con vientos espaciales de fondo. Se va desarrollando de forma lenta pero inexorable, de tal suerte que cada ligero cambio ejerce en el oyente una poderosa energía sugestiva. Teclados que parecen coros épicos (no sé si es una voz procesada), va trazando una circunspecta línea espiral alucinante. Si tengo que quedarme con un tema, me quedo con este... podría estar escuchándolo en bucle todo el día y hubiera sido curioso ponerlo al final del disco con un surco cerrado (sugerencia).


El homónimo "A Violent Death" es quizás el que más me recuerde a DROKK, esa banda sonora ficticia sobre Mega City One, el universo apocalíptico del Juez Dredd. También es el más tribal y bailable, de esos que invitan a la tetania. Para terminar, "The Void" lo regurgita todo pero en versión subsónica, cortando los picos altos de Herzios para darnos una compota alquitranada batida como nata en el centro de un agujero negro. 

Con la delicadeza de una hostia tibetana (duele, pero cura el alma) y con la clarividencia de una cámara oculta. 

GODAFOSS es tan peligroso como bañarse en el líquido cefalorraquídeo de alguien con meningitis, como tomarse un smoothie de sangre ajena o como cagar en wc ajeno. Para los que queden con ganas de más hay remixes de PEPO GALÁN, ERISSOMA, MAX WÜRDEN o el propio SUERO, mas un directo de 45 minutos. IMPRESCINDIBLE.







viernes, 15 de marzo de 2019

ENTREVISTA A DOCE FUEGOS... LAS PIEDRAS SANGRAN


¿Sabéis esa sensación extraña que te roe por dentro cuando crees que estás ante algo muy gordo y nadie parece darse cuenta?. En la actuación de DOCE FUEGOS en la Capilla de La Cartuja en Sevilla me pasó algo así. Aquella media hora larga (o 40 minutos) me noqueó tan duro que a sabiendas de que se había grabado intenté en la medida de lo posible que viese la luz más pronto que tarde. A pesar de que era casi imposible incluirlo como bonus en el nuevo número de KARATE PRESS que se estaba tramando le dí bastante la tabarra a LUIS BOULLOSA, pero por motivos lógicamente monetarios y que Miguel Palou estaba buscando sello, pues la cosa quedó flotando.

También es cierto que en ocasiones uno se obsesiona y deja llevar por el momento y no es objetivo, pero cuando pocos meses después recibí la grabación masterizada, me quedé doblemente estupefacto. No es sólo que sea buena, es que es una jodida obra maestra de la música Ritual, del Drone Doom Catedralicio o qué se yo. Es una puerta a otros mundos tanto musicales como literarios.

Estoy hablando del músico sevillano MIGUEL PALOU, que espero que al final de este texto hayáis conocido un poco más.

El Templo de las Cuevas necesita de una edición física ya, porque creedme cuando os digo que el violín, la mandolina y los pútreos loops electrónicos se comieron con creces a los consolidados ya SANGRE DE MUÉRDAGO. Es una opinión personal, claro está. Podéis leer la crónica de aquella actuación por aquí:



Hace unas semanas me enteré de que las demos de DOCE FUEGOS iban a ver la luz en cassette a través del sello BIG RIFF RECORDS, que además apostaría por 25 diferentes (y sugerentes) portadas. A lo largo de 34 minutos se desarrollan 3 largos cortes donde lenta pero inexorablemente se pone sobre la palestra toda una panoplia de posibilidades realmente caleidoscópica.

"Del Abismo Acuático. Del Origen de la Vida y la Luz" abre con acoples ambientales a lo TANGERINE DREAM de la época de Alpha Centauri, pero cuando nos vamos concentrando en lo que está sucediendo salen a relucir las notas ultra distorsionadas de un violín. La forma de atacar al oyente con oleadas cósmicas, aunque tiene una potente base electrónica, está más en comunión con el Metal en sus formas más abstractas. 

Inducir al oyente al trance chamánico, al viaje interior y a la catarsis mediante unas notas de mandolina con cadencias exóticas y orientales que irrumpen sobre la base anterior. Hay algo de clasicismo en la música de DOCE FUEGOS que lo une al NeoFolk en ciertos aspectos... flotan las cadencias Gamelan o quizás más acertadamente la teatralidad del Gagaku. Si cierras los ojos casi puedes imaginar una danza Butoh que se estuviera ejecutando en el último rincón del Universo.


Es alucinante la forma en que el corte va creciendo en intensidad. Los riffs metálicos a través de la mandolina y el violín eléctricos tienen una fuerza enorme y el conjunto es tan fresco como original. Puede recordarte a cosas, claro, pero no es habitual encontrarte con tantísima maestría en una demo. 

"Eternidad Atronadora. Del nacimiento del Tiempo y del Canto" es más étnica. Experimentaciones vocales glosolálicas que, en palabras del autor, conforman un poema cosmogónico inexistente, inventado y que se inspira en  la cantata "O Ewigkeit, du Donnerwort" de J.S. Bach y la petenera "En la provincia de Cádiz" cantada por Camarón de la Isla. La suciedad de la voz nos llega incompleta, como si se tratase de una vieja cantata en vinilo de pizarra que se hubiera tornado corrupto. Hay algo amenazante tras cada arabesco del violín y el uso de voces guturales eleva la música a cotas de Cámara Funesta... como mezclar UNIVERS ZERO con el black sinfónico de los polacos PROFANUM.

Las percusiones con el Bodhran dan un toque marcial fastuoso a "El Molino del Universo. Del Discurrir y del Movimiento Cósmico-Temporal". Una acelerada procesión hacia el mismo centro del cosmos, armado con sustancias alquímicas y con el saber arcano de los estados alterados de conciencia. Furiosamente épico, Palou despliega una inusitada inventiva que va a dar muchísimo que hablar, estoy seguro. Imposible no sobrecogerse con el final del corte.

A continuación tenéis lo que se me antoja una más que interesante entrevista (por las respuestas, claro está) al músico sevillano. Disfrutad:


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Veamos, creo que es de rigor que te presentes antes de nada al público. ¿Quién y qué es DOCE FUEGOS?. ¿Qué se esconde detrás de tan ambiguo nombre?... la verdad es que no he encontrado una referencia clara al respecto.

Doce Fuegos nace del deseo de libertad compositiva y sonora, hacer algo diferente partiendo de los instrumentos que tenía a mi disposición, expresar mis inquietudes musicales sin ataduras; de ahí que en Doce Fuegos se abarque una diversidad amplia de influencias. 

Hubo un periodo que dejé abandonada mi actividad musical después del conservatorio, cuando me dediqué a mi doctorado en Historia en Florencia: a veces dos actividades tan sacrificadas pueden llegar a ser incompatibles. Al volver a Sevilla quise recuperar mi contacto con la música y contribuir de algún modo a su lado más arriesgado (de ahí que también forme parte de Pabellón Sølar). 

Amigos como son la gente de Orthodox y Blooming Látigo me ayudaron mucho a alimentar y guiar (de manera más o menos directa, consciente o inconsciente) mis inquietudes y de manera gradual fue naciendo Doce Fuegos en 2017. Aparte de lo musical, hay una cuestión conceptual que en cierto modo es mi leitmotiv: la necesidad antropológica de narrar, de relatar, y cómo el ser humano se convierte en una construcción de discursos y narraciones con sus símbolos. Me parece un aspecto muy interesante tanto desde el punto de vista histórico como literario, pero no quería expresar esas reflexiones o recreaciones a través de palabras, sino de sonidos. Por ello, planteo mis composiciones como relatos sonoros casi a modo de paisajes. 

Cuando pensé en el nombre, busqué elementos más o menos comunes en las culturas: el número y los elementos. El número doce y el fuego son símbolos de múltiples significados según la cultura, y de ahí parte la posibilidad de realizar otro de mis objetivos: dar la opción a las y los oyentes de poder crear sus propios significados y relatos en compañía de la música que aporto.


En tu bio se habla tanto del Noise como de lo étnico, pasando incluso por el Black Metal o la Dark Wave. ¿Qué artistas clave conforman el códex inspirativo que alumbra a Miguel Palou?.

A veces es difícil quedarse con unos pocos artistas cuando realmente se bebe de casi todo lo que uno escucha. John Coltrane, por ejemplo, ha estado ahí siempre, o las composiciones de Debussy, Prokofiev o Bach. 

Creo que a la hora de construir mi sonido actual ha pesado mucho las influencias de Swans, Sonic Youth, Earth, Sunno))), Dead can Dance, Godspeed you! Black Emperor, Burzum o Drudkh. En lo que respecta a la composición, me fijo mucho en Angelo Badalamenti, Ennio Morricone, Shostakovich, Arvo Pärt… pero también me fijo mucho en el folklore mediterráneo que voy cogiendo de un lado a otro, sin fuente concreta: ora a través Lole y Manuel o el Lebrijano, ora de Oum Kalthoum, ora del Medea de Passolini.

Si dentro del mundo del violín tengo que quedarme con algunos ejemplos de inspiración, esos son Warren Ellis y Michael Galasso. 

Tu concepción de la música se nota (y sé) que es académica. ¿Qué estudios musicales profesas y qué te lleva a conectar con el violín como instrumento central?. ¿Has tocado en bandas previamente?.

Sí, efectivamente aprendí el violín en el Conservatorio, llegando a terminar el grado medio, pasando luego a doctorarme en historia como he comentado antes. El Conservatorio me ha aportado muchas cosas a la hora de tocar y componer (entender la armonía y cómo romperla, las estructuras, la técnica, la afinación –y la scordattura–), pero también me sirvió para darme cuenta que no me quería dedicar al violín en el sentido profesional que se da en esta institución. 

De hecho, terminé aborreciendo las partituras. Quería hacer una música que me ofreciera libertad y dar rienda libre a la improvisación (y la inconciencia), jugando con los géneros y los artistas que escucho y que normalmente quedan fuera de ese ámbito. Antes de irme a Florencia había colaborado en cosas puntuales, pero nunca nada totalmente serio. 

Sobre la elección del violín como instrumento central también tiene mucho que ver mi intención de no recurrir a los instrumentos habituales del rock o el metal. El hecho de escoger la mandolina fue precisamente por tomar un instrumento que me permitiera hacer acordes con una afinación similar a la del violín y, a su vez, desprenderme de esa dependencia hacia la guitarra o el bajo. 

Creo que hay muchas posibilidades con instrumentos diferentes y no habituales en este género para poder crear. Leyendo la historia de Sonic Youth, por ejemplo, me sirvió para darme cuenta que da igual que tengas un instrumento aparentemente “malo” o poco adecuado; lo que importa es tener la suficiente inquietud experimental y aspiración a buscar sonoridades, con estrategias como hacer nuevas afinaciones o combinar efectos, para poder crear tus propios sonidos. 

Dicho de otro modo, no quería sonar igual que los artistas que he mencionado antes; quería hacer un punto de encuentro de todas mis influencias, pero con mi propia manera de hacer y entender la música y el ruido, con mis propios recursos y sin tener que aprender otros instrumentos “dominantes” del género.



Cuando vi tu actuación en La Cartuja de Sevilla quedé sobrecogido. Sobria, épica y con un cierto halo de misticismo doom sobre todo en un riff del violín electrificado que me voló literalmente la cabeza. Personalmente creo que te comiste a los cabezas de cartel SANGRE DE MUÉRDAGO, mucho menos arriesgados en aquella ocasión. ¿Me equivoco o el metal está muy dentro en la música de DOCE FUEGOS?.

Aprovecho este momento para agradecerte tu crónica y tus palabras. La verdad es que me halaga mucho saber que tuviera tan buena recepción mi actuación.

Para mí no cabe ninguna duda: el metal está muy dentro de Doce Fuegos. Es algo con lo que he crecido y sigo creciendo. Sin embargo, cuando me preguntan qué estilo hago, se me hace difícil decir que es metal. Imagínate la cara que suelen poner los vendedores de tiendas musicales cuando les explico que estoy interesado en unos pedales en concreto para enchufarlo al violín y, a su vez, enchufarlo a un amplificador de bajo para hacer música experimental. Si eso ya descuadra, añádele que digo que hago metal. 

Lo mismo podría pasar cuando me preguntan qué  tipo de música hago (pregunta que siempre me cuesta mucho responder). Supongamos que digo que es metal, la reacción sería probablemente así: “¿Un grupo de metal? ¿Cuántos sois? ¿Uno y toca nada más que el violín y la mandolina?”. Es verdad que no hago metal en un sentido estricto de la palabra, que es un proyecto experimental, pero para mí sí tiene ese sustrato que es fundamental. Al final, siempre más fácil decir que haces ambient o noise, incluso post-rock, que sirve de comodín (aunque muy incómodo, por mi parte)… y aún así no me satisface, es una solución rápida.

Por otro lado, mencionas que te suena a doom, y efectivamente es así. De hecho, me siento muy identificado con proyectos como Völur, SubRosa, Insect Ark (aunque no lleven violines) o Pylar: son maneras muy particulares de entender el doom con diferentes instrumentos, pero viajan hacia ese misticismo y construyen el paisaje sonoro. Pero volvemos al mismo problema ¿El público va entender que esto es doom? A veces incluso me cuesta a mí decirlo, pero es sin duda una consecuencia de la dependencia a la ortodoxia de las etiquetas, que en vez de ayudar a guiar y facilitar la descripción estás apresado por sus definiciones y reglas no escritas.


("l'ange des certitudes et, dans le ciel sombre, un regard intérrogateur", by Odilon Redon (1882) . Courtesy of Rijksmuseum, Amsterdam).

¿En qué instante sientes que tienes que plasmar tus inquietudes musicales en un proyecto digamos… físico?.

Supongo que llegó en el momento en que necesitaba tener algo fijo en una manera de componer tan cambiante. También es el modo para poder continuar esta actividad de una manera sostenible y poder ir a otros sitios para tocar. Está un poco entre la necesidad personal de tener algún testimonio material de esta actividad y la de la promoción. Pero, sobre todo, también era necesario que mis ideas tomaran ya forma y que los relatos no se perdieran en apuntes y en mi cabeza, sino que hubiera ya una narración (o meta-narración) sonora en algún soporte más duradero. 

La primera demo en cassette creo que está siendo bien acogida. 25 portadas diferentes y un acabado precioso. ¿puedes contarme algo de cómo surge el contacto con el sello y qué piensas de esas demos ahora con la perspectiva del tiempo?.

El contenido del cassette es lo primero que grabé de Doce Fuegos en un encuentro entre amigos, incluyendo a los Lead Coffin. Como grupo de grindcore, tienen su propio equipo y entonces aproveché la ocasión. Escuchándolo ahora me resultan un poco extrañas, porque esas composiciones han ido creciendo y ahora las toco de manera diferente. Sin duda, estaban en un estado muy primitivo y hay cosas que no me gustan, pero creo que ese pensamiento parte del inconformismo y de las ganas de mejorar siempre.

Sobre el sello, BigRiff Records, puedo decir que lo lleva Isa Alba, quien me ha apoyado desde el principio con este proyecto. La idea de hacerlo en cassette me vino por Gzú de Lead Coffin, pero no podía permitirse el gasto y yo no estaba muy seguro. Al final, volviéndolo a hablar con Isa, pensamos en sacar el cassette, pero de una manera especial: que cada cassette tuviera su personalidad, y que esa personalidad fuera escogida por quien la adquiriera. 

Quien tiene una cassette de estas demos no tiene simplemente la oportunidad de escuchar Doce Fuegos, sino que con su subjetividad puede crear su propia historia a través del sonido, el nombre de las composiciones y su portada, que es única.


¿Qué podemos esperar en un futuro cercano de DOCE FUEGOS?. Sinceramente creo que hay tanta calidad que debería de haberse mojado ya algún sello.

Para un futuro no muy lejano espero que pueda salir la grabación en la capilla del Monasterio de la Cartuja: El Templo de las Cuevas. No sé en qué soporte saldrá, aunque debo admitir que encontrar el sello que pueda sacarlo no está siendo fácil. Los muy pocos sellos que me han respondido me han comentado que les resulta muy interesante y que les ha gustado mucho, pero que no tienen dinero, cosa que comprendo perfectamente. 

Sigo en la búsqueda y estudiando opciones. La autoedición es una, pero para alguien que lleva un proyecto individual, resulta muy costoso y más al estar desempleado. Aún así, no abandono la ilusión de poder tener algún día en mis manos el formato físico de la grabación.

Además, tengo ya prácticamente preparado las composiciones de un posible LP inspiradas en la novela Tristeza de la Tierra, que no he grabado aún también por falta de dinero. Hay también dos proyectos de disco que poco a poco voy construyendo, así como algunas colaboraciones y proyectos conjuntos. En breve aparecerá, por ejemplo, el disco de Misa Tridente en el que he contribuido con algunos minutos.


¿Qué mueve artística y literariamente tus inquietudes? ¿Dónde diablos se consiguen las coordenadas para ir de visita al Templo de las Cuevas?

Supongo que me pasa aquí lo mismo que en la música, mis inquietudes y conocimientos son sustratos de sedimentos que se acumulan en mi experiencia y en mi mente durante años, que además es difícil de trazar porque muchas veces vienen de conversaciones y debates. Además, mi formación como historiador, observando mucho el modo de construir un relato, me ha llevado a muchas reflexiones y apreciaciones cuando leo, por ejemplo, una novela. 

Si tengo que elegir las lecturas más representativas en Doce Fuegos (y más concretamente, para llegar al Templo de las Cuevas) serían probablemente los cuentos de Jorge Luis Borges, Los Orígenes musicales de los animales-símbolos de Marius Schneider, El mundo de Odiseo de Finley, El queso y los gusanos de Carlo Ginzburg o los textos de Robert Graves.

Para acabar te voy a poner aquí una batería de nombres y conceptos y suelta lo primero que se te venga a la cabeza. Luego despídete como te apetezca, este es tu espacio.

+ EMPEROR
El primer grupo que me condujo al metal extremo.

+ PYLAR
Fuente de creación

+ SEVILLA
Refugio y punto de fuga

+ MITOS Y RITOS
La necesidad de narrar y contactar con la esencia de las cosas.

+ CRISTIANISMO Y RELIGIONES INSTITUCIONALES
Una normalización de las necesidades anteriores, pero con el fin del dominio social.

Sólo me queda agradecer una vez más el apoyo recibido y la oportunidad de tener un espacio para soltar todo lo que normalmente en un disco o un concierto no puedo (o no hay tiempo) para contar.

A quien no haya tenido la oportunidad de experimentar un concierto de Doce Fuegos y se encuentre en Sevilla, le animo a que venga el próximo 12 de abril a la Sala X. Allí estaré con José Cicuta, Larse C & the Millenials, Berlín 17 y el nuevo proyecto de Xavi Castroviejo, Juangui Gutiérrez y Borja Díaz: Virtud Corona. 

También estaré encantado de poder llevar a cualquier punto donde deseen vivir la experiencia con la música de Doce Fuegos, y que cada persona pueda crear su propia narración, no interpretar o descifrar lo que escucha. Me quedo con las palabras de Susan Sontag en “Contra la interpretación”: 

“Lo que ahora importa es recuperar nuestros sentidos. debemos aprender a ver más, a oír más, a sentir más. […]En lugar de una hermenéutica, necesitamos una erótica del arte.“


jueves, 14 de marzo de 2019

ULLS - "I" (DEMO AUTOEDITADA DIGITAL, 2017)


Hace más de dos años que la banda ULLS se puso en contacto conmigo. Tirando de árbol genealógico se trata de una excisión de los añorados LORD SUMMERISLE, que podrían haber llegado altísimo pero que se los tragó la nada. Para irnos poniendo en contexto podéis leer el artículo que hice sobre ellos en 2014:


Posteriormente hice un artículo para la revista KARATE PRESS recogiendo mis impresiones sobre lo que sería Postum, último trabajo del proyecto y que hoy es ya pieza de culto de la Psicodelia patria. La portada, un excelente trabajo de BRANCA ESTUDIO:


Pero hay más. Tirando de árbol genealógico nos tendríamos que plantar en la cassette de culto que editó FÉRETRO RECORDS de la anterior banda de David Trillo... pura mugre Sludge en otro proyecto oscurísimo como eran los barceloneses LLORD

Pues bien, ULLS en 2017 colgó esta demo en bandcamp y desde entonces me tienen obsesionado. Portada nuevamente de BRANCA ESTUDIO y pocos datos más, salvo que se trata de una continuación de la línea progresiva delineada en LORD SUMMERISLE. Sobre la formación creo que DAVID TRILLO se encarga de todos los instrumentos pero tampoco puedo asegurarlo ya que las redes sociales no parece ser el punto fuerte de sus proyectos.

Insistentes teclados, una base rítmica Canterburiana y unos despliegues alucinantes de guitarra. Psicodelia progresiva en tres temas que espero se consoliden y editen en algún formato. Atención especial a los desarrollos lisérgicos en "L'emersió de l'executor", con cambios de ritmo netamente setenteros.

¿Sé mas datos?.... pues sí, sé más datos sobre este proyecto y otros cuantos pero como siempre, de momento toca callar.



miércoles, 13 de marzo de 2019

NACHO JAULA - "ESA GEOMETRÍA TUYA" (EL MUELLE RECORDS EMR040, 2019)


Esa Geometría Tuya es el nuevo trabajo de NACHO JAULA en EL MUELLE RECORDS, esta vez con colaboraciones estelares de PEPO GALÁN y JAVIER ARNAL tal y como comentaré más adelante. El fantástico y sugerente artwork es obra de la artista MENEH PEH y os sugiero que os paséis por su página para un muestrario de sus excelentes composiciones fotográficas.

Mucho más contemplativo de lo que nos tiene acostumbrados, el grueso de la música es planeadora y tiene el cariz temporal del instante mágico en que contemplamos una puesta de sol. Ese instante que es irrevocable y que no puede volver atrás sucede ad nauseam, y dormimos con la falsa seguridad de que al día siguiente volverá a iluminarnos con su calor. Es el sino de lo inexorable, es la magia de lo bello cuando se vuelve peligroso. Pero...¿y si desaparece?... ¿y si al día no vuelve a sucederlo la noche o viceversa?... ¿y si olvido per sempre Esa Geometría Tuya?...


Por tanto, la electroacústica agresiva de otros trabajos suyos que se meten de lleno en lo industrial (pero sin perder de vista lo arty) es aparcada momentáneamente para traernos instantes, recuerdos y anécdotas recapitulados en una bella representación sonora de lo que sería una Agenda Vital en el frágil hilo que nos conecta a la vida. Un sintetizador épico, minimalista y cuasi catedralicio en algunos instantes (me atrevería a decir que es un Korg pero puedo equivocarme), mantiene un sostenido pulso drónico con retazos de sonidos de diversa procedencia, grabaciones de campo y vaya usted a saber qué más. 

A pesar de no tratarse de un disco Kraut, sí que pone un pie en la escuela de la Kosmische berlinesa,  los lánguidos pebeteros de sonido de Brian Eno y todo ello pasado por la particular y originalísima forma de abordar la música de JAULA. Por cierto que la masterización en SUDBLOCK es también ya un clásico.

Unos toques limpios de piano abren "Monte", pequeño opúsculo sentimental sobre una base si no luminosa, cuanto menos reflexiva, contrastando con la agresividad contenida de "Isla de Chatarra", que se carga de idas y venidas electromagnéticas sobre un desangelado muro neo futurista que bien podría servir para un film experimental o para ejercer de banda sonora bastarda de AKIRA. Escuchando con atención el tema, se me ocurre que si lo ralentizara transformaría lo electrónico en un acordeón en pleno barrio bohemio de París... no sé la razón, pero no puedo quitarme la cabeza un anómalo cabaret con Jodorowsky como maestro de ceremonias. O eso o se trata de la música de un órgano en una iglesia prohibida en medio del desierto del sur de Texas... 


Sin perder el hilo de las sensaciones que me evoca "Isla de Chatarra", comentar que al final del disco hay un reprise con voces de ultratumba de Don JAVIER ARNAL, enfatizando y sublimando ese ambiente insano que tiene el corte... llevándolo a su teatral terreno aguardentoso y terminal en el que sólo pueden ocurrir dos cosas; la gloria o la muerte.

"Cuando María Falconetti Me Miró" tiene un motivo de piano laudatorio que te da la extrema unción a la misma vez que la bienvenida a este mundo. Pronto vuelve la sobriedad en "Esta Noche No Suenan Las Ambulancias", noctámbula coda a base de pequeños acordes que se expanden y elongan hasta el infinito. Extrañas notas de sintetizadores evocan épocas pasadas... como si se tratase de recuerdos de películas que ya no existen, que se las tragó el tiempo; como si dichas películas tuvieran bandas sonoras que nadie recuerda y que sólo vuelven a manifestarse en los sueños. "A Passolini" guarda aspectos concomitantes con el Synth Pop pero en clave muy minimalista. Maravillosa la base sincopada base rítmica visiténdose de Ebm pero a mitad de revoluciones por minuto.


Sigue  "Un Traje Hecho De Lluvia", pieza abstracta de música Concreta que usa, transforma y muta el sonido de lo electrónico en una jungla urbana. Por algo JAULA es un especialista en estas lides. La homónima "Esa Geometría Tuya", "Noria" y "Todos los Puertos Me Recuerdan a Tí" cuentan con colaboración de PEPO GALÁN .

El estilo de Pepo Galán sale a relucir en la forma de usar los espacios y los silencios, quedando relegado en estos temas JAULA al plano más Noise. Desde pianos clásicos que cantan a una nube de abejorros electrónicos a "olas de agua seca". Son cortes con melodías definidas y algo de decadentismo, todo ello dentro de ambientes circulares (en "Noria" se hace muy patente). Sin embargo, "Todos los Puertos Me Recuerdan a Tí" es opresivo y mezcla el Dark Ambient con el Industrial de una forma magistral hasta el punto de que ambos artistas han dado a luz una auténtica sinfonía apocalíptica. Recomiendo escuchar con auriculares a alto volumen.

"Giallo" es una rendición al género italiano en toda regla. Atmósfera opresiva, guantes negros y navajas de barbero se dejan entrever en los ochenteros despliegues de unos teclados con un pie en CARPENTER y otro en SIMONETTI. Un fantástico score que aunque corto es una delicia. De mis temas favoritos es la espectral nana "Barcos", juguetona en esencia pero que junto a "Giallo" muestran una misma trama argumental a base de imposibles afinaciones agudas muy a las bandas sonoras setenteras italianas. "Hilo Rojo" sin embargo es un triste soliloquio desnudo tapizado de Korg y en caída libre sentimental  que demuestra una vez más la interminable inventiva de alguien como JAULA.

Un disco imprescindible en el ya consodilado sello EL MUELLE RECORDS que ha creído en el proyecto desde siempre y por tanto lo ha mimado hasta llegar a las 40 referencias, ninguna de las cuales tiene desperdicio.




lunes, 11 de marzo de 2019

BERUNA - "MINGORRI III" (GRINDETXE GE13K7, 2016)


Cuando justo crees que algo está muerto, algo te vuelve a recordar su existencia. La malograda banda vasca BERUNA fue un proyecto tan interesante que sigo empecinado en no dejarlo descansar en la tumba. Una trayectoria que lenta pero inexorablemente he ido narrando en estas páginas digitales, aunque sea a trompicones. Formados hace una década, mi primer contacto fue a través de una entrevista de hace 6 años ya:


Sludge, Death asfixiante y retazos de música industrial creaban un páramo oxidado donde no había resquicio para respirar. Su último suspiro fue recogido en el fantástico LVR (reseña aquí) y justo cuando creía extinguida la llama, me llega una cinta con las primeras demos de la banda. Desgraciadamente no se trata del larga duración Tunguska, que todavía permanece inédito a la espera de que alguien lo ponga en la palestra.


La Cara A de la cassette "Mingorri III" (edición limitada de 2016 con motivo de una gira de la banda) muestra el alucinante despliegue alquitranado de una banda en plena fase creativa, mutando de un Sludge oscurísimo (como sólo las bandas vascas son capaces de hacer) a un Funeral Doom que te hiela la sangre. Los tres homónimos cortes ("Mingorri" I, II y III) unidos en un bloque de amianto para todo el que quiera experimentar la crudeza de una banda única. 

"Mingorri I" pertenece a las sesiones de grabación del 7" Karabaka/Vaders mientras que "Mingorri II" fue publicado en el recopilatorio de 2013 de Lekittoko Herrira "Akordiak astinduz ekarri daiguzan herrira". De "Mingorri III" puedo dar pocos datos, la verdad.

Técnicamente y salvando las diferencias me recuerdan muchísimo a los primeros MOSS en Tape of Doom, Chtonian Rites o Sub Templum... vaya, justo antes de mutar a ese sucedáneo de CATHEDRAL que los llevó a la nada. Es ese punto Death metalero lo que a mi parecer los lleva a diferenciarse de tantas y tantas bandas que pululan por la escena íbera; una base rítmica que suena aquí en toda su gloriosa sencillez mugrosa y unas guitarras frías como un alma criogenizada.


La Cara B recoge tres temas del crudísimo directo "02.05.2015" que se abre con el violento "Lohietako Monarka I", tema que ahora escuchado con la perspectiva del tiempo hace que lo conecte con el nuevo proyecto BALLARD que surgió tras la disolución de BERUNA. Sigue la plomiza lluvia radioactiva de "Vaders", todo un himno de la banda que suena aquí en toda su plenitud más Crust Hardcoreta. Agrio como un smoothie de mil vómitos antiguos, en su tramo final salen a relucir las influencias más Death pero sin perder ese groove característico que se mete de lleno en un cruce entre primeros MY DYING BRIDE y las dobles guitarras del Death Sueco. 

Cierra "Tunguska III" barriendo tu maldita sonrisa de la faz de la tierra con un Funeral Doom a lo primeros HIPOXIA. Maravilloso.

No corto la comunicación... la dejo en espera de que se edite algún día el disco inédito de la banda.



KALTE SONNE / ALPACA - "SPLIT" (VARIOS SELLOS, 2019)


Tras el estupendo debut que resultó Ekamen, tenía bastante curiosidad por cómo iban a desarrollar su sonido los gallegos KALTE SONNE. Para los que no conozcáis la banda o queráis más información os sugiero que os leáis la reseña que hice hace un año sobre su debut, y así me ahorro palabras: 


NOOIRAX PRODUCCIONES, DINGLEBERRY RECORDS, VIOLENCE IN THE VEINS y CGTH RECORDS testifican la continuación de Ekamen en forma de Split EP junto a la banda de Shanghai ALPACA. Tomando como punto de partida el océano como elemento cohesivo entre ambas propuestas (desde el artwork a los mismos títulos de los temas), la verdad es que los veintitantos minutos resultan muy coherentes entre sí. 

ALPACA ocupa la Cara A con "Drown", un lento, corrosivo tema que comienza con un riff eterno propio del Stoner Doom, con una voz mántrica como mandan los cánones; la base rítmica entra lenta y se queda lenta hasta casi el final... un monolito que te llega como las embestidas del oleaje en plena tormenta. 


Grabado, mezlado y masterizado por Chriest Yu en los Molten Steel Studios de Shanghai y dividido en tres subcortes, "Breathless", "Tranquillity" y "Narcosis", el cuarteto muestra todo su potencial en el manejo de las texturas y recordándome bastante a MARASME o MENTAT (por poner ejemplos de aquí) cuando irrumpen las voces más agresivas. Sin ser un prodigio de originalidad, ALPACA tienen una calidad que resalta sobre el resto de bandas de este palo. A mitad de minutaje se marcan un fantástico pasaje instrumental con una buena línea de bajo sobre la que se va vertebrando una sábana de Blues Psicodélico que explota en su parte final con violencia Sludge, previo paso por el riff de bajo del inicio del tramo instrumental. Buen interludio que bajo mi opinión es lo mejor de "Drown".

KALTE SONNE por su parte nos traen "Mareira", grabado, mezclado y masterizado por Iván Ferro en los Kollapse Studios. Los gallegos siguen ahondando en su propuesta instrumental perfeccionando su forma de acercarse al Post Rock y al Stoner desértico con las subidas y bajadas de intensidad propias del estilo. 


Las guitarras con esa afinación tan característica que da la sensación de estar jugando en dos realidades simultáneas crean patrones que recuerdan a fondos de teclados. Por su parte el bajo está afinado muy grave y hace que los contrastes entre las dos líneas de instrumentos de cuerda sea más acentuada (no estoy seguro, pero creo que en directo necesitarán un segundo guitarra si no quieren perder atmósfera). 

Lo mejor del corte sin duda transcurre a mitad, con guiños leves al Black atmosférico y Death sueco (quedan bastante soterrados y no son evidentes pero están ahí) sobre todo en el abordaje de la batería. 

En resumidas cuentas, un Split muy recomendable donde tenemos a unos ALPACA con un potencial lisérgico tremebundo y a unos KALTE SONNE que me gustan mucho cuando se lanzan por terrenos más extremos. 

En medio de ambos grupos una línea de olas gigantescas que lo disuelve todo.

viernes, 8 de marzo de 2019

SENTIONAUT - "TIME TRAVELLER" (CIVITAS MORTIS TAPE011, 2019)


En un lugar del Espacio, de cuyo nombre no quiero acordarme, no ha mucho tiempo que vivía un Cosmonauta de los de cohete en astillero.

SENTIONAUT es como si fuera la cara oculta de la Luna pero en versión musical.. Iván Román (GRASSA DATO, LAZHARUS, WE ARE THE HUNTERS...) en su faceta más planeadora de sintetizadores analógicos, polvo estelar y secuenciadores alquímicos dota a su música electrónica del regusto a petróleo quemado del plástico de videoclub, el poroso aroma de las cubiertas de cartón de los vinilos, el misterio de los programas de pseudociencias en horario de sobremesa y toda aquella parafernalia meditabunda de los pioneros cósmicos alemanes. 

Tras el fantástico Planet Noa (Verlag System / Atrocious Symphnies), el fabuloso split con POLÍGONO HINDÚ ASTRAL (Sincrónica) y la tercera parte de las ENCICLOPEDIA SERIES (Cintas de Chromo) nos llega el nuevo trabajo del madrileño tras lo que ha sido una larga espera. Es cierto que entre medias han visto la luz discos de su otro proyecto DEKATRON III junto a MIGUEL A. RUIZ, pero ya se sabe cómo son los adictos... pueden vender a su propia descendencia por otra dosis.


Es la discográfica CIVITAS MORTIS la encargada de traernos este Time Traveller, pura rendición psicotrónica al SCHULZE cuasi ochentero, al HUYGEN en solitario (también NEURONIUM, claro), a JARRE, PATRICK VIAN o a TANGERINE DREAM y por tanto y en definitiva, esa alucinante forma de entender la música espacial de los franco belgas y los alemanes... los primeros por ser auténticos pioneros en la ciencia ficción en todas sus vertientes, los segundos porque llevan en sus células, como si de una nueva Gestalt se tratase, la imprimación de en música de sensaciones tan grandes que sólo la inmensidad del Cosmos puede darles cabida. Por supuesto, todo ello bajo la sacrosanta bendición de su majestad VANGELIS.

36 minutos de un maelmstrom de vacío en el que los teclados avanzan con la sincopada seguridad del que se sabe protegido por una carcasa de fibra de carbono. Detalles de voces alienígenas proferidas por cuerdas vocales distintas a las humanas, pasajes amenazadores que juguetean a escondidas con otros más contemplativos y una cierta experimentación contenida en algunos detalles.


Time Traveller es una delicia de principio a fin de alguien que componiendo mide a la perfección los tiempos y dosifica para llegar a los últimos minutos con el mismo interés con el que se abren los primeros compases. El descendiente directo del Kraut y la Kosmische en forma de Neo Ambient Electrónico y Progresivo tiene siempre algo de curativo, de trascendental y caleidoscópico de tal suerte que aun siendo oscura, la música tiene la capacidad de despertar emociones elevadas del alma. Afortunadamente nunca se pasa de rosca y se mete en terrenos New Age sino lo contrario, hay momentos en que se abraza una distorsión cuasi drone y diálogos de viejos robots emulando tecnología de la Guerra Fría.

Uno no se aburre un segundo y bajo las olas de partículas del inicio de la Cara B se esconde una batería al más puro estilo Synth Pop ochentero. Mántrico, pegadizo como un baño de combustible espacial en Cabo Cañaveral a las 4 de la madrugada y con una cerilla encendida en una mano. Esta segunda parte se aleja bastante de los cánones de la kosmische para adentrarse en terrenos más frescos, lisérgicos y casi diría que rockeros. Si me apuráis, muy al fondo subsiste un órgano que me habla de ambientes góticos pero prefiero no embarrar más el texto.

En cualquier caso, escuchar SENTIONAUT es como comprar un libro de segunda mano y encontrarte dentro una amarillenta postal, un calendario de varias décadas atrás o una quiniela abandonada. Una cámara de tiempo que te estalla con el alcanforado aroma de un apolillado baúl que aunque antiguo guarda los recuerdos de un alunizaje que ocurrirá en un futuro porque lo que les pasó a tus padres te pasará a ti. 

Así es el signo de los tiempos.

lunes, 4 de marzo de 2019

PAUL MARCANO & LIGHTDREAMS - "10,001 DREAMS" (GOD KINDA LOST/GUERSSEN 2016)


Las décadas de los 70 y 80 fueron muy productivas en el campo del Do It Yourself. Agrupaciones que que sacaban discos en tiradas privadas de limitadísimo prensaje campan en las listas más oscuras de coleccionistas del Rock Ácido, a posteriori revalorizadas al límite de lo imposible y posibilitando la creación de ese fértil mercado de los sellos piratas que hace unos 15 años hicieron su agosto con el Kraut, el Progresivo Japonés o esas imposibles rarezas que rescató (para bien o para mal) sellos como EREBUS, RADIOACTIVE y decenas más.

No es oro todo lo que reluce, pero sí que hay verdaderas joyas en el mundo de la autoedición en esa época. Lo que ya es más raro es que un disco como 10.001 Dreams de PAUL MARCANO & LIGHTDREAMS, una vez escuchado decenas de veces, uno se pregunte cómo es que pertenece a 1982 si su sonido y producción están tan encuadrados en el Pop Progresivo y Psicodélico del verano del amor o los inicios del rock sinfónico.


Otro de los factores extraños es que detrás de LIGHTDREAMS básicamente lo que se esconde es una banda de una sola persona que graba un alucinante díptico. Islands In Space y la obra que nos ocupa son una brutalísima amalgama de Folk, Pop y melodías aletargantes de guitarra en una suerte de Shoegaze Progresivo que tiene la particularidad de parecerme anómalo en cuanto a que es difícil de ubicar su procedencia temporal. Digo una sola persona porque aunque he investigado, LIGHTDREAMS como banda no parece ir mas allá de las colaboraciones esporádicas de amiguetes haciendo algún aporte  (Cory Rhyon y Andre Martin).

Me explico. Hasta 1982 el americano (pero afincado en Canadá) PAUL MARCANO se había autoeditado la friolera de 12 discos. A partir del citado Islands In Space aparece "alguien" con el sobrenombre de Mushroom Dann que decide poner pasta en un futuro álbum de Marcano y por tanto, convirtiéndolo en el único disco oficial del artista (que tiene la friolera de más de 40 álbumes autoeditados). 

Según los datos oficiales, Marcano se las arreglaría para eludir los excesivos costes de grabación y de estudio en Islands in Space usando una TEAC 144 hasta el punto de que la empresa quedó impresionada con el resultado y adquirió copias del disco (que por cierto se vendería bastante bien en Japón).


Esta primerísima tirada de 1000 discos dobles ha vuelto a ver la vida gracias a la reedición de GO KINDA LOST/GUERSSEN que vuelve a poner sobre la palestra tanto Islands In Space como el que nos ocupa, 10.000 Dreams, compost alucinante y psicoactivo de un Pop ácido a lo DONOVAN mezclado con la rareza de Prophets, Seers & Sages The Angels Of The Ages de TYRANNOSAURUS REX... pero claro, 14 años después, y ahí radica lo alucinante de este disco que por cierto se exhumaría de una cassette de 90 minutos de duración (y que puede descargarse mediante el cupón que viene con la compra).

La Psicodelía como fenómeno estaba casi extinta y aquí se resucita mezclándola con el auge efervescente que estaba teniendo el Prog, y sin olvidar los elementos característicos del Glam Folk que le dan el aliño justo como para considerarlo receta secreta. 

En resumidas cuentas, 10.000 Dreams es un triposo disco de base Pop pero magnificencia de Opus electrónico a lo MIKE OLDFIELD de los inicios en sus cortes más extensos (uno de ellos de 23 minutos), con temática muy conspiranoica como manda la época y tomando como base los escritos del físico espacial obsesionado con la colonización de otros planetas, GERARD K. O´NEILL. Eso sí, Marcano aportaría su parte derivándolo todo a un cruce entre RONALD HUBBARD y las pinturas espaciales surrealistas de TOMÁS C. GILSANZ en NEURONIUM.


Os invito a que os leáis la fantástica entrevista que saldría en IT´S PSYCHEDELIC BABY porque no tiene desperdicio:


Cuando pulsas play te metes en un extraño mundo que en cierta medida me recuerda a las primeras grabaciones de MAGICAL POWER MAKO (Hapmoniym) o el muy posterior SWARA SAMRAT (en su disco de 1995 The Truth About Suzanne se vuelve a rescatar ese espíritu musical que yace en Marcano), dos ejemplos claros de cómo hacer que lo garajero se convierta en parte integrante del sonido del disco creando un grumoso tapiz plástico en el que las notas quedan flotando. Sólo he vuelto a sentir esas sensaciones con la Psicodelia sueca de bandas como DUNGEN, por cierto.

La homónima "10.000 Years", de trece minutos de duración, se construye de una plétora de notas de guitarra flotantes y voces sesenteras que parecen venir de fuera del espacio. Las abigarradas notas de la guitarra pueden hablar de HENDRIX pero están cargadas de un fuerte efecto fuzzero atmosférico. Épicos ambientes blueseros que resucitan el espíritu hippie de la tumba, ese que soltaba lánguidos cantos y mantras que se diluían como humo salido de un pebetero. 


Igualmente efervescente es "Stream III" que si no fuera por las decenas de capas, efectos y overdubs sería una canción country tocada con una slide guitar. Las cosas comienzan a ponerse bizarras con "Everyone Grows and Grows", himno atemporal con toques a lo primeros PINK FLOYD o incluso la etapa Pop de SOFT MACHINE, y eclosionando en un burbujeante corte ácido como es "Visual Breakfast" que si ustedes lo aceleran y le ponen un órgano sería padre putativo de los WOODEN SHJIPS. Eso en cuanto al inicio porque después pasa casi de todo... desde partes instrumentales meditativas a casi parecer que es el mismo DAEVID ALLEN con EUTERPE rescatados de alguna oscura grabación de archivo.

"Who Is The One" con doble juego de guitarras y un fondo casi drone de efectos y sonidos que aparecen como algunos de los experimentos primeros de MARC BOLAN y "Follow The Stream" otra vez en clave Floydiana anteceden al enciclopédico "In Memory of Being Here", de 23 minutos de duración y que se subdivide en seis partes. Inicio acústico cargado de proclamas Folk con esos característicos punteos de Marcano atmosféricos y la aterciopelada voz (ambos a lo MAC DONALD & GILES en plan descarnado) que se continúan en instrumentales pasajes experimentales de Space Rock con toques Kraut de escuela Berlinesa a lo TANGERINE DREAM de los inicios pero con un uso de los tempos que resulta fresco, novedoso y moderno a pesar de lo transcurrido. 


El tramo final es de órdago. "Maj Moorshsum" y sus devaneos de Tape Collaging y mezcla de pistas nos trae una melodía acelerada y puesta del revés. La forma de alterar y descomponer las melodías por alguna razón me ha traído a la mente los rocambolescos puzzles electrónicos primitivos de PETER GRUDZIEN en el obscuro The Unicorn. En la misma línea pero más étnico es "Building Islands In Space (Reprise)" que pone punto final a un disco apasionante que te deja totalmente exhausto.

Se me queda en el tintero comentar los 14 minutos de "Primordial Therapy", que no viene en el cd promocional y que sí está recogido en el doble Lp. Por otro lado, comentar que es alucinante (por si no os habíais dado cuenta), que se trata de un disco sin instrumentos percusivos ni batería (al menos que yo me haya percatado)... todo guitarra, electrónica y procesamientos muy típicos de los 70 y que por fortuna se salta el aroma a plástico de los teclados ochenteros.

Una joya en forma de segunda parte apócrifa de "Islands In Space" rescatado y puesto en bandeja de oro por GOT KINDA LOST/GUERSSEN para el alimento de tu psique.