sábado, 24 de agosto de 2019

DE LA EASY LISTENING AL FUNK IMPOSTOR.... HISTORIAS DE LA MÚSICA PSEUDO ÉTNICA


La arqueología musical y cinematográfica da muchísimas sorpresas. Un paseo por cualquier mercadillo de barrio puede abrir un poliédrico mundo de posibilidades rayano en la obsesión; muchas veces estas obsesiones de los mismos fans/arqueólogos son las que destapan historias y recovecos  de otras que ni los mismos artistas recuerdan... sin ir más lejos, es alucinante por ejemplo cómo en el maravilloso libro JESÚS FRANCO: UNA CÁMARA Y LIBERTAD (Diego Canós; Ándale Audiovisual 2012) el propio autor del libro aportaba datos (y películas descargadas del emule) a Jesús Franco que ni este mismo recordaba o sabía que se hubieran editado.

Ese poso brutal de los años 70 es fruto de la vorágine de la producción casi en masa, de grabar incluso varias películas a la vez en los mismos escenarios y sablear portadas, bandas sonoras y aquello que se necesitase a nivel de producción. La gloriosa era de la llamada Música de Librería, los insertos de Porno en películas de Terror y los Un-Cut o las subastas de rollos de documentales de dudosa procedencia para ambientar películas exóticas (impagable ver a un león rugiendo en las primeras escenas y comprobar como luego se va repitiendo una y otra vez a lo largo del metraje) son líneas argumentales que abren caminos y posibilidades a mil y un artículos.

Y claro, la música no iba a ser menos...


Las portadas de los vinilos en ocasiones no son lo que parecen; detrás de cada plástico podría haber una gran historia, máxime si estamos refiriéndonos a los años 70. Contaba David Toop en OCÉANOS DE SONIDO (Editorial Caja Negra) cómo las músicas del mundo, la World/Afro beat en suma, era manipulada en infames ocasiones sin importar que se tratara de sellos tan prestigiosos para el género étnico como los Franceses, auténticos reyes de las grabaciones de campo en lo que a este tipo de música se refiere y con la misión de despistar al respetable mediante labores de postproducción en los discos de Muzak. No importa el proceso sino el acabado.

Grabaciones africanas a las que se sobreañadían ecos, músicos de alquiler sin nombre ni cara; es tan común que cuesta acreditar a muchos artistas en estos años 70. Algunas editoriales en España (Rollán por ejemplo que es la que se me viene siempre a la cabeza) no siempre etiquetaba a los autores de las cubiertas de los cómics bélicos y respondiendo ello a esa premura con la que los rollos de imprenta trabajaban y a cierto aroma misterioso de confabulación con el pueblo llano que, pese a quien pese, adoraba todo lo que viniese de Inglaterra o América. 

Es algo que ha quedado en el acervo popular y si no preguntad a vuestros padres, madres, abuelos y abuelas si les gusta el cine Español o qué leían o veían (si podían) en sus pocos tiempos de ocio. 

Aguardiente o Whisky, esa es la cuestión.


Porque los años 70 son tan extraños que aquí en España traducíamos los títulos de todo producto cultural angloparlante y las editoriales de Pulp hispano obligaban a sus autores a ponerse pseudónimos extranjeros. Otro tanto pasaba con el fumetto italiano, el cine de género fantaterrorífico hispano italiano y todos sus derivados técnicos (Italia da para cien libros y dos millones de artículos); desde las bandas sonoras hasta las mismas portadas. Cuánta información se quedó en el camino, es algo que todavía se está exhumando y no paran de salir conexiones, re acreditaciones o descubrirse quién está detrás de algunos ignotos sobrenombres. 

Y así como quien no quiere la cosa, uno averigua que brutales artefactos sonoros revienta pistas de baile como la agrupación MANDINGO y sus discos se vendían como auténticos músicos percusionistas latinos o africanos (el toque étnico siempre vende). Estos vinilos vendidos casi al por mayor estaban en las estanterías de muchas casas sin saberse cómo diablos habían llegado allí (CÍRCULO DE LECTORES, PLAZA & JANÉS y la venta puerta a puerta de cultura eran un clásico). Pero ojo, la trama principal en este caso no parte del mercado Español sino estratagemas urdidas desde los mismos gerifaltes de EMI o COLUMBIA.

No es de extrañar que hasta mucho tiempo después no se supiera que MANDINGO era la creación de GEOFF LOVE, militante en mil y una bandas de Easy Listening y con tantos pseudónimos que todavía siguen descubriéndose en labores de hemeroteca. Y claro, salían joyas tan bestiales como The Primeval Rhythm Of Life (1973) o Sacrifice, discos cargados de percusiones Funk y electrónica Disco que contó con músicos de alquiler. No hay acreditaciones y sólo rumores sin confirmar en Sacrifice que se editaría en España dentro de la serie NUEVA DIMENSIÓN, añejo catálogo donde está también JOHN KEATING, otro de esos soldados/compositores de alquiler que lo mismo le daba a la Space Age que al Noir-Jazz de orquesta.


MANDINGO es del lado inglés pero también tenemos el reverso americano. La INCREDIBLE BONGO BAND fue un proyecto de estudio que nace con la idea de MICHAEL VINER (director de PRIDE, subsello de MGM y uno de esos especialistas en lo que llaman Film and Record Producer) de poner banda sonora a la película THE THING WITH TWO HEADS. Grabado en los ABBEY ROAD, en primera instancia por STATESIDE LABEL, subsello de la E.M.I. (no confundir con EMI) y que era rival directo de la LONDON AMERICAN RECORDINGS (pura guerra fría entre países anglo parlantes).

Ritmos latinos, congas, vientos y rumores sobre quiénes eran realmente estos músicos alquilados (RINGO STARR está en el punto de mira) dieron lugar a discos como Bongo Rock (incluído en los 1000 Discos Para Escuchar Antes de Morir) y que al igual que algunos trabajos de MANDINGO, es 1973 el año en que salen a la luz. 

Todas estas historias ven la luz oficial en el instante en que pisan Wikipedia o Discogs y su nombramiento con nombres y apellidos hace que vayan perdiendo su misterio. Décadas de no saber quién diantres hay detrás de un disco se acaban de un plumazo y cualquiera accede ya a una información que hasta no hace tanto todavía no estaba disponible. He puesto estos dos ejemplos pero hay muchísimos más... versiones de temas espaciales en clave Funk, las barbaridades quema suelas de MECO, los ínclitos SPACE o SONORA TRINIDAD con su "País Tropical/Eu Vou"

No tan extraños como MANDINGO o INCREDIBLE BONGO BAND, pero todos con una gran historia detrás. La Easy Listening guarda historias difíciles... curiosa dicotomía. Curiosamente, han sido los samples y el hip hop los que han destapado la gran mayoría de las tramas extrañas detrás del Funk y Disco de los años 70... eso, y la incansable labor de los exhumadores de Lps, Vhs y demás carroña gloriosa.

Y yo, que me doy paseos acalorados y me meto en sitios infectos, de vez en cuando rescato discos extraños que arrastran historias aún más extrañas. Historias de los años 70 y del marasmo de cultura comprimida, anónima y que todavía sigue aflorando como un géiser inacabable.


viernes, 23 de agosto de 2019

EMBOSCADA / CALABAZA CÓSMICA - "CORNEZUELO / MOSTRI" (DISCOS ALEHOP!, 2019)


El extrañísimo códice herbal de EMBOSCADA ha vuelto a sorprenderme tras aquel debut homónimo autoeditado en 2016 (reseña aquí), artefacto de culto sólo para iniciados en la respostería del Noise Rock, el Folk Psych agreste a base de smoothies de musgo y líquen y Proto Doom de ese dependiendo de la oreja con la que lo escuches pues es más Hard Rock que otra cosa (véanse Black Sabbath, Blue Cheer, Bedemon o Pentagram). Añadid pizcas de las cortantes guitarras de unos MC5 y aroma Grunge y ahí tienen lo que para mí significa EMBOSCADA.

Cornezuelo se graba en los Influx Studio (Palomares de Béjar, Salamanca) por Miguel Lorenzo para la parte de EMBOSCADA y Mostri en Bomarzo, Real Jardín Botánico de Madrid y Rock Palace para la parte de CALABAZA CÓSMICA. El artwork, como no podía ser de otra forma, está compuesto a base de elucubraciones plásticas de índole metempsicótica de la propia Diana (no creo que haga falta recordar que tocaba en REZNIK y DESGUACE BENI):



Ahora, tres años después, y en un precioso vinilo con libreto interior, EMBOSCADA son Joe Chanwito (batería golpeada con puerros), Edu (guitarra de cuerdas de esparto) y Diana (guitarra y voces tuberculosas) rizan el rizo añadiendo unos fantásticos toques psicodélicos a su compota efervescente. Por cierto, el vinilo lo edita DISCOS ALEHOP!.

Por otro lado (nunca mejor dicho, porque se trata de la Cara B del disco), DIANA de CALABAZA CÓSMICA en solitario se marca unas breves perlas que ríase usted de un Grimorio embadurnado de Aspergillus en la biblioteca de tu barrio. Si coges el Dungeon Synth y lo mezclas con la música de un Giallo, a saber qué puede salir de la mezcla.

Y aquí amigos ya amigas está otra de las claves de Cornezuelo / Mostri.... la Cara B es la versión Dark Ambient de la Cara A o dicho de otra forma, se compenetran de tal modo que más que un Split parece que el feedback se torna metástasis funcionando el álbum como un todo coherente, cavitado y fabuloso (fabuloso de bueno, pero fabuloso más bien de fábula, de cuento infantil funesto y de trágico final).


Abre "Perro Mudo" la Cara A con una tonadilla lánguida, la voz de Diana sumergida en cóctel benzodiacepínico y unas guitarras sucias (herencia de RIZOMA o no, no lo sé), lanzándose por peteneras Post Punk, que de eso hay mucho también. Algo de esa Psicodelia malsana y primitiva de los 713º AMOR, el yunque Noise de SONIC YOUTH y los poliédricos riffs de TUXEDOMOON pero oigan, flotando en el ambiente queda un tufo a aguardiente rural que no se te quita ni embadurnandote en Baron Dandy. Otra de los grandes atributos de EMBOSCADA es bordear el Spaguetti Western Crepuscular en sus Jams imposibles... no es Stoner (gracias a los cielos), pero los YAWNING MAN podrían masturbase con esto si se lo propusieran.

Fabuloso el Pop decadente en "Tumefacto". No hace falta bajo para construir una base rítmica si uno se lo propone y es que una de las características de prácticamente todos los grupos en los que ha tocado Edu la guitarra (DISPAIN, RIZOMA...) es que todo se expande como el Plantago de Ovata, cutículas de semilla que sirven para engordar la mierda y construir una buena Hez que pase por los anillos rectales suave, digna y verde. Quizás sea una tontería, pero la forma de construir los ácidos riffs me recuerda a los japos MARBLE SHEEP (también la batería, cruda, seca y sin concesiones).


Imposible por otro lado quitarse de la mente el monacal y homiliesco timbre gospeliano de la voz de Diana en "Burro", dejando claro que el Indie no tiene que ser algo aburrido y sin alma. Fantástica la maraña eléctrica de las guitarras ensuciando todo lo que pillan. Sigue "IV", cántico que si ustedes le ponen órganos casi parece sacado de una producción de DISCOS BELTER y cosas como LOS RELÁMPAGOS... maravilloso el riff central de guitarra que más quisiera cualquier banda de Heavy Doom tener en su haber. 

Para finiquitar la parte de EMBOSCADA tenemos la juguetona "Parasomnias", desértica y cargada de psicodelia sixties pero con un pie en BLACK SABBATH (no sé si me explico). A priori puede que os parezca simple, pero conforme uno se lo pone en bucle va percibiendo detalles y una estructura nada convencional, sobre todo en el final del corte, puro desparrame ácido.


Le doy la vuelta al plástico y me encuentro con Mostri, un Dark Ambient impregnado de Lo Fi, samplers imposibles y un malsano ambiente con el órgano como protagonista en "Monjas de Bomarzo". DIANA de CALABAZA CÓSMICA construye a lo largo de 11 cortes un Score imposible para una película de terror setentero. Así por lo menos suena "Armanda", giallesca tonadilla obsesiva que tiene su continuación en el decadente piano de "IV" (no sé si tendrá algo que ver con el tema de EMBOSCADA).

"Ainelle" con sus bases percusivas y sintéticas podría pasar por algo sacado de cualquier compositor italiano olvidado; mitad canción de cuna, mitad epicidad Slasher mientras que el opresivo órgano en la similar "Mostri" funciona como intro en cualquier disco del catálogo de BLACK WIDOW RECORDS. Piezas cortas, orfebrería de esa que se llama Toy Music y pequeños acetábulos de experimentación se suceden sin solución de continuidad como "Interludio Cósmico" o un TioVivo con más revoluciones de la cuenta girando en atmósfera cero o la cuasi Prog Italo "El Carro", para seguir con "Bañera de Lentejas" con cierta cadencia a caja de música podrida y de malos augurios.

"El Mago" y "Phobos" son para mi gusto de los más logrados. Esencia de FRIZZI, ORTOLANI, SIMONETTI o GOBLIN pero mucho más oscuro y tirando a lo esquemático y minimalista. Como colofón, la histriónica "Enixa est Puerpera (Hildegard von Bingen)" (Dungeon Synth en esencia) que por azares de los sinapsis cerebrales me trae a colación algunos pasajes del film BERBERIAN SOUND STUDIO

Sin duda, un Split que con el tiempo será obra de culto dentro del underground patrio.



miércoles, 21 de agosto de 2019

EPITAPHE - "I" (AESTHETIC DEATH RECORDS; ADCD 059, 2019)


Desde los Alpes franceses, el cuarteto EPITAPHE formados en 2009 (como EPITAPH), editan debut oficial (tienen una Demo previa que se ha editado recientemente de forma oficial pero que no he tenido oportunidad de escuchar) sirviéndose de las pinturas del finés Petri ALA-MAUNUS para ilustrar su opresivo Doom/Death con algún toque ambiental y progresivo.

Una abstracta, nebulosa trama de degradados verdes que evocan abisales simas e imposibles cúmulos de gases en cualquier rincón del puto cosmos (allí donde se puede cagar tranquilo). Puestos a tirar del hilo, si el sello que los ha fichado es AESTHETIC DEATH el sonido como comprenderéis distará de ser amable y la grabación en los Plastic Lobsters le ha dado ese puntito agrio y explosivo de las grabaciones de Funeral Doom de bandas como los ATARAXIE o los insanos y algo más abigarrados CHAOS ECHOES

Directamente titulado I, el disco son 60 minutos repartidos en 5 cortes, dos de los cuales llegan a los 20 minutos de duración. Esto es relativamente fácil cuando uno habla de estilos como el Funeral, pero lo curioso es que EPITAPHE alternan pasajes de tempos lentos con un Old School Death a lo INCANTATION que quita el hipo, para además atreverse con los blast-beats a todo trapo del Black en algún que otro puntual momento. Para más Inri, la música es intrincada y para nada fácil de asimilar en pocas escuchas así que sugiero que en vez de verter opiniones a la ligera se le de a la banda las escuchas que se merecen. Las hojas de promo a veces no valen para nada porque lo que es Funeral Doom per sé, aquí encontraréis sólo determinados y esquemáticos esbozos.


"Smouldering Darkness" empieza con un retorcido acople grave sostenido, en ascenso espacial y que eclosiona como no puede ser de otro modo, con una melodía que parece sacada directamente de los dioses ESOTERIC; una batería lenta como la misma muerte, tanto en las espaciadas baquetas como el apretadísimo doble bombo (los contrastes dan empaque), unas guitarras rasgadas más frías que el jodido permafrost y una voz que se va tornando dueña y señora de un corte que tiene ecos a bandas muy desconocidas como los TORTURE WHEEL, los primerísimos MOSS y WORSHIP y en general toda una caterva de bandas que practicaban eso que se llamaba Nihilistic Doom.

Una de las ventajas de la banda es que los cuatro integrantes hacen voces (las principales son de PBKF), así que al menos tenemos tres tipos: guturales, rasgadas y susurradas/limpias, o incluso una mezcla de todas a la vez. De estructura compleja, este "Smouldering Darkness" va transformándose de forma lenta (se pasa de esos toques Doom al Death en a penas 4 minutos) en algo parecido al Death técnico de bandas como MITOCHONDRION y como si de una doble capa se tratara, se alternan tanto pasajes liderados por una voz gutural subsónica como otros más melódicos con voces más de estilo Black Death sueco (primitivo, se entiende). Los que tengan en su estantería la primerísima demo de ESOTERIC sabrá de qué diantres estoy hablando. 


Quizás lo mejor del álbum sea la asfixiante producción, que por un lado es nítida pero al poner todos los instrumentos y voces en primer plano sientes esa sensación tan característica de bandas como ASPHYX o los ya citados INCANTATION. Brutalidad, técnica y ni un resquicio de luz en unos riffs de guitarra lo suficientemente versátiles para no aburrir ni caer en la monotonía. 

Para complicar un poco más el asunto, flotan ciertos vestigios a los BARÚS del discazo Drowned (editado por MEMENTO MORI), no en vano la producción es del guitarrista Eihvihnrüd. Ambas bandas son de la misma zona y en puntuales momentos (los más progresivos) se hermanan bastante como en ese fabuloso fade out atmosférico en el que se va sumiendo este primer tema y que dicho sea de paso, sirve para coger algo de fuelle.

Sigue "Embers" con unos fastuosos golpes de bombo y efectos de teclados (o similar); la batería se va creciendo y esta semi intro de corte ritual da paso a un tema de Doom/Death acre de libro pero ojo, si uno pone la oreja bien atenta en lo que está saliendo de los parlantes, los cambios de ritmo (hacia el Black) y esa facilidad con que pasan de un estilo a otro son magistrales. Especial hincapié a los pasajes al ralentí con teclados atmosféricos (o eso que llaman Effects) sumándose a la fiesta y aunque no comparto en demasía esa etiqueta que se les está dando por ahí de Psychedelic Death (ni por asomo), sí que te vuelan la cabeza lo bastante como para tener que entretenerte en buscar los pedazos por el parqué (y eso al fin y al cabo relaja, como los Mandalas)... basta mecerse con los deliciosos últimos minutos de "Embers" para acordarse de lo malditamente épicos que eran MORGION, EVOKEN  y bandas del estilo.


"Rêverie" en clave pseudo acústica es una preciosa joya engarzada de tres minutos y pico. Instrumental, folkie y todo eso que puede uno pensar al escuchar a OPETH o ALCEST (atentos a la fabulosa y mínima percusión).  Aun siendo un puntazo, para mi gusto rompe la estructura de violencia del disco (poner aquí emoticono de sentimientos encontrados). 

Sigue la retorcida "The Downward Stream", suerte de cabalgada old school a medio caballo entre el Death/doom de primeros PARADISE LOST cuando el tema se pone tan lento como una neurona en un Pabellón Psiquiátrico de principios del siglo pasado y la escena australiana (DISEMBOWELMENT o MOURNFUL CONGREGATION) para las partes rápidas (bueno, la verdad es que es mentira porque podrían valer también americanos aquí). Quisiera recalcar una vez más la monstruosa percusión... impresionante.

Finiquita el asunto la excelente, mastodóntica pieza de 20 minutos "Monolithe". Un bajo impregnado de eco abriendo en lo que es la melodía más fúnebre que me he echado a los oídos en los últimos años. Que un bajista sea capaz de ponerte en semejante tesitura funesta es preludio de algo poderoso así que cuando todo se calma y entran las guitarras y percusión en el minuto 3 no me pilla de sorpresa.

Un arranque agreste, salvaje y despiadado de Blackened Death en toda su gloria. Curioso como los estribillos y puentes recuerdan a unos paquidérmicos BOLT THROWER más encabronados de lo habitual o a los mismísimos RUNEMAGICK en su etapa del Darkness Death Doom, On Funeral Wings, Envenom o Invocation of Magick. Pero nada, no quedan en eso y dependiendo del oyente, las influencias Black Metaleras saldrán más a la superficie. Fabuloso interludio depresivo y con toques psicodélicos (ahora sí) para ir fundiendo el tema de forma majestuosa aunque en los 5 últimos minutos se riza el rizo con una guturalísima línea vocal sobrevolando una melodía sacada de los primeros KATATONIA o los más recientes SWALLOWED.

Poco más que añadir a un álbum que me ha encandilado y que va creciendo con las escuchas. Un must-have en toda regla.


lunes, 19 de agosto de 2019

MASAYUKI IMANISHI / MARCO SERRATO - "CAURA" (TSSS TAPES, 2019)


Desde el sello TSSS TAPES de Perugia, Italia, nos llega esta preciosa cassette limitada a 100 copias de pura experimentación electro acústica entre el contrabajo de MARCO SERRATO y la electrónica moldeada en torno del japonés MASAYUKI IMANISHI, concretamente dentro del campo de la Field Recordings y las modulaciones de altavoces y micrófonos de contacto. 

El resultado entre ambos elementos es una fluida aunque áspera Muzak cuyos aspectos individuales son difíciles de desentrañar. Dicho de otro modo, Caura, que así es como se llama el experimento, mezcla la vigorosa forma del contrabajo con el sucio procesamiento de las ondas de longitud ignota para darnos un cóctel no apto para esófagos afectados por disfagias o traqueas alérgicas a fístulas estilísticas.


Desconozco si el título que se le ha dado a la cinta viene por el término usado por Plinio para designar a ciertas zonas de asentamiento hispalense que junto al yacimiento arqueológico de Doña Blanca en Cádiz conforman lo que se llama la Caura Tartésica, o bien es una deformación del término Paura (miedo) en italiano (no en vano, el encargado de la masterización es FRANCESCO COVARINO (para más datos, podéis leer la reseña del recientemente publicado Bestemmia). 

Un juego de ping pong entre Sevilla y Osaka con la red puesta en las ondas etéreas, y como resultado dos largas suites que aunque muy lejos de aquellos JACOB, si que guardan esa esencia de mezclar electrónica (en aquel caso DAVID CORDERO) con el contrabajo de SERRATO pero con la diferencia de que si JACOB deformaban el sonido de las cuatro cuerdas para obtener injertos meditabundos, en este caso parece justo al contrario; es decir... es como si MASAYUKI IMANISHI hubiese aportado una tela de noise sobre la que SERRATO hubiese bordado motivos sónicos barrocos. Un telar inacabable donde uno duda qué parte pertenece a cada cual. 


En total 35 minutos densos como un vómito ectoplásmico abstracto, donde priman los sonidos graves y los soliloquios tristes que se obtienen con el uso del arco y las vibraciones características de aflojar al extremo las cuerdas. Si MOBY DICK lloró alguna vez, en una psicofonía obtendríamos sin duda algo parecido (sobre todo en ese tramo central donde SERRATO se explaya en solitario). Por su parte IMANISHI domina los estallidos efervescentes del Noise a la perfección y juraría que hay momentos en que emula al contrabajo golpeando un micro contra una superfice. 

El resto son sonidos acampanados que parecen subacuáticos; vergeles de pájaros en un trino eléctrico y lo que podría ser el Planeta Tierra meciéndose en un columpio de cadenas ciclópeas oxidadas. Impresionante el tramo final donde se deja en constante movimiento lo que parece un loop de una cuerda destensada vibrando y todo un ecosistema electroacústico rebosando vida alrededor (como JOHN HASSELL pero sin vientos y con una importante necrosis del sonido).

Para mi gusto, una pequeña joya.



ARÍN DODÓ - "LA PROCESIÓN DEL PERRITO FALDERO EN LAS PROFUNDIDADES DEL AVERNO" (AUTOEDICIÓN, 2019)


La Procesión Del Perrito Faldero en las Profundidades del Averno recoge 13 cortes del submundo anti-Aristotélico de ARÍN DODÓ, siendo un buen puñado de ellos adaptaciones del libro de poemas Viernes de Barro de BEGOÑA MONTES ZOFÍO

En esta ocasión, J.G. ENTONADO (contrabajo, percusiones, trombón, trompeta...) se acompaña de la tabla india de QUIQUE CREMOL y el clarinete de RUVENIGUE. Desde ese inicio cuasi Noir de "Prólogo (¿Quién es Arín Dodó?)", con una clásica línea de piano sobre la que sobrevuela una melódica trompeta y la narración de fábula existencialista alternativa tan características ya del estilo del artista.

La tabla india irrumpe en "Conexión Directa con el Averno" en binomio dadaísta casi con toques militares de los vientos y abruptos fonemas vocalizados por ENTONADO. "Espacio Interestelar" tiene algo del primer SUN RA tribalista, sobre todo en la forma de desarrollarse la base rítmica (el contrabajo siempre angular y los vientos subrayando en modo Be Bop pero reducido al absurdo)... todas estas directrices pueden valer para "Expectación", que empieza como un estallido de Free Jazz para mutar a un swing bailable. 

La Procesión del Perrito Faldero se compone como véis de pequeños artefactos explosivos en forma de cortes musicales, cortos en duración pero comprimidos en cuanto a experimentación. "Helio" es buen ejemplo; extrañas voces y el mágico juego de la tabla india y los instrumetos de viento. Eso sí, aquí todo tiene el cariz de una obra de teatro y por tanto las mutaciones son constantes; "Hilo" e "Improperios Fonéticos en una Reyerta" suenan otra vez a la SUN RA ARKESTRA en su fase tardía de los años 50, justo cuando estaban a punto de mutar hacia el afro tribalismo de los 60. Ayuda bastante esa producción sucia que lo embadurna todo como una pátina de gel de napalm a punto de combustionar.

Fantástica "Improvisación Lejana de Hirajoshi con Trompeta y Perros" o la étnica "Incertidumbre" que me recuerda muchísimo a DON CHERRY. Los que hayan escuchado esos juegos vocales japoneses de GEINOH YAMASHIROGUMI o las extrañísimas óperas de J.A. CAESAR (SEAZER) puede que hagan pie y no se sientan tan perdidos en la juguetona "La Emoción" o en la teatral "La Oscuridad del Tránsito", suerte de percusiva suite con irrupciones jazzeras.

ARÍN DODÓ despliega emoticonos musicales con histriónicas muecas que suenan a amenaza en "La Zarza" o a distopía con aroma a performance ("Diálogos Inesperados en el Cielo"). 

Extremadamente difícil de encasillar y con una potente base visual, os recomiendo que os sumerjáis en su mundo:



lunes, 5 de agosto de 2019

NIGHTCRAWLER - "INVASION" (CIVITAS MORTIS 014, 2019)


Tras una serie de trabajos previos en vinilo que se ganan una buena reputación a nivel internacional, el proyecto retrowave NIGHTCRAWLER edita una fantástica cinta de cassette con el sello CIVITAS MORTIS RECORDS

Invasion se construye en modo Score demencial con un fuerte sustrato atmosférico y futurista. Lejos de sablear el género giallesco y carpenteriano, aquí NIGHTCRAWLER aboga por una fuerte esencia espacial y si bien mantiene los clichés propios del género Synthwave, hay muchísimos elementos experimentales que dotan de cuerpo a esta fantástico álbum. 

Quizás lo mejor de los 15 cortes de la cassette sea el cordón umbilical los une como fotogramas de un mismo film. Si hay productos de esta clase que son conglomerados deslabazados en pequeñas píldoras que no pegan ni con cola, creo que el acierto principal de NIGHTCRAWLER es creerse su propia película para así convertir a su banda sonora en una imprescindible protagonista. 

Dicho de otra manera, Invasion en la típica banda sonora que hace que una película de serie b pase a ser de culto.


¿Recordáis aquella infame CONTAMINACIÓN: ALIEN INVADE LA TIERRA de 1980?... a los que no, pues deciros que era un Top Ten dentro de los alquileres de VideoClub. Invasion podría ser la banda sonora bastarda perfecta a esta película gracias a sus ritmos pulsátiles, efectos inverosímiles  y melodías pegadizas en extremo que lo mismo podrían caber en un film de la CANNON como en un disco New Age de CUZCO. ¿Extraño verdad?...

Y es que sin querer resaltar un tema sobre otro, me sorprende muchísimo que cortes a lo "Phelion" rompan con el a veces repetitivo género cinemático para entrar en cosas incluso progresivas (con electrónica, se entiende), mientras que otros como "Civilization" mezclan lo mejor de ambas electrónicas.... es como VANGELIS mezclado con CARPENTER para que me entendáis bien. Pero ojo, no creáis que no vais a tener vuestras dosis de himnos cobrizos y bailables porque temazos a lo "Ultimatium" son el equivalente a unos cordones luminosos en unas viejas J´Hayber. Eso sí, el tempo elegido a lo largo del trabajo es lento, correoso y con un magnífico groove que huye de las aceleradas formas del NeoGiallo para adentrarse en un muzak infeccioso y meditabundo.

Oscura, retro futurista, arriesgada en diversos tramos y extrictamente limitada a 50 copias. Para mí es una joya que se atreve a llevar el DarkSynth un pelín mas allá pero sin que se pierdan las fronteras del género.



viernes, 2 de agosto de 2019

A.L. GUILLÉN - "SOLAZ" (ZONA WATUSA, 2019)


"Una noche se levantó el sol que amo / Resplandeció y ya no se ocultó / Pues el sol del día se levanta por la noche / Y el sol del corazón jamás se ausenta". Husayn Mansûr al-Hallaj

Tendríamos que retrotraernos a la Proto Raíz Indoeuropea Sel-4 para hallar el primer rastro del Consuelo y Esparcimiento que Solari /Solacium manifiestan. El juego de las mascaradas etimológicas es equiparable al descubrimiento de alguna tumba importante a nivel arqueológico. Entra en juego la Hilaridad (risa, alegría, gozo extremo), raíz adjetivada que pasa de Consuelo a Placer hasta el punto de que lo meditabundo se convierte en estado de sosiego para el alma y como si de un fundido de términos se tratara, SOLA(T)Z queda como algo que calma, alegría inmanente, que es motivo de suerte o dicho de otro modo,  Propicio o Éxtasis.

Pero lo Solaz también nos recuerda al Sol, y uno de los nombres mágicos de Andalucía remite a un territorio donde el sol se nos regala casi a diario. Decía el poeta Abu Asbag iben Arqam sobre la bandera andaluza “una verde bandera que se ha hecho de la aurora blanca un cinturón, despliega sobre ti un ala de delicia, que ella te asegure la felicidad al concederte un espíritu triunfante”

Felicidad, despliegue, triunfo... SOLAZ.

(portada original de SOLAZ)

Solaz: Tres Poemas Sonoros del Éxtasis del Sur se graba en 2016 como trabajo en solitario de A.L. GUILLÉN, siendo recogido dentro del corpus de GRUPPO UNGIDO (en la Obleah #28 / Mónada Ungida 14, y que ahora reedita ZONA WATUSA en una preciosa cinta de cassette limitada). 

Guillén es atrapado en el momento-instante de la escuela Sufí de Almería (y su milenario legado) hasta el punto de sentirse atravesado como un fakir por dédalos de conocimiento y esto queda reflejado en cada una de las obras más personales que el artista va a ir regalándonos a partir de aquí... bueno, esto no es cierto porque en sí ALONDRA SATORI ya era un bastión espiritual muy potente pero con cierto carácter de colectividad. Aquí se trata de andar los caminos en soledad... el peregrinaje cuántico del Uno.

En definitiva, Solaz es musicalización del amor entre Oriente y Occidente a través del esoterismo gozoso del Sufismo y no siendo mi intención copiar o emular las sensaciones del autor a la hora de crear su música (sería imposible ponerme a la altura espiritual del artista), sí que me creo en el sano deber de manifestar qué coordenadas llevan a Guillén a dar lugar a su obra. Me atrevo a decir entonces que Éxtasis es Estasis (sin tilde) y que ambos términos si uno se lo proponen hablan de viajar sin moverse (momento extático versus momento estásico), de rellenar huecos como si de Poliuretano Espiritual se tratase. 


Uno usa algo intangible, el otro líquido atrapado y comprimido. Comprimir el alma para que su líquido, soma, esencia quede atascado como atascada queda la sangre venosa cuando uno usa un torniquete para una extracción sanguínea. La sustancia que conforma el alma puede estancarse y pudrirse, o bien puede abocarse al exterior en diversas, catárticas o psicorrágicas formas. La más placentera para nosotros, pero dolorosa para los artistas, es esa misma... EL ARTE

Alguien podría decir que qué diablos tiene que ver el Éxtasis con la Estasis, y no le faltará razón... solo que me parece curioso que en la etimología, raíz de Estasis esté el equilibrio, la Homeostasis (estabilidad), que bien pensado, podría ser una suerte de escalón previo en la escalera que sube del estado normal del Ser hacia el Éxtasis... dicho de otro modo, el momento-instante en el que la sustancia que da vida al Corpo se sublima en Presencia.

Dos recopilatorios míticos como son "Limo" (2014, de REPÚBLICA IBÉRICA RUIDISTA) y "Endogamic" (GRUPPO UNGIDO) recogieron en su día los dos cortes iniciales, "Tayrid" y "Ahiduz" en los que se hace un exquisito compost entre la cortante guitarra de Guillén (con muchísimo de Frith aquí) y una hipnótica grabación de campo (o varias puestas en capa) de índole Sufí. Con todo ello se crea un conglomerado que podría recordar a las partes más electrónicas y de Tape Collaging de CASSIBER pero con una frescura innata tan oscura por momentos que me cuesta no traer el término Dark Ambient a colación.


En el segundo de los cortes un Loop agotador y reverberante recuerda al Trance marroquí, tanto BILL LASWELL como MASACRE o puestos a divagar, una versión terrorista de THE MASTER MUSICICIANS OF JAJOUKA tienen sus primos hermanos aquí aunque voy a traer a colación un desconocidísima agrupación de nuestra tierra que fue GUASA de ALAIN PIÑERO (colaboraban una plétora de artistas tremenda; desde Markus Breuss a Paxariño, pasando por Markus Reuter o Ignacio Béjar); un disco-bomba afincado en Andalucía con una versatilidad que asusta. 

Y rescato ese disco para que veáis que sólo una fina línea separa lo Industrial de lo étnico para crear espacios de unión o puntos donde ambos conviven a la perfección. Lo étnico se convierte en un parásito benigno del tejido muerto del Noise para crear una sensación de falso movimiento. Lo antropomórfico y la máquina mutan a un Nuevo Folk expresionista, íntimo, pero con la fuerza destructora del dadaísmo. 

Paro aquí un momento para reflexionar. La música Guilleniana (permitidme que cree este adjetivo) sigue una marcada senda dentro de lo experimental abarcando prácticamente todas las vertientes que uno pueda imaginarse. Hay momentos de su carrera en los que prima el Rock en Oposición (y la fiereza de la punzante guitarra a lo HENRY COW) para luego abstraerse en meditaciones atávicas donde lo étnico siempre pasa por el mediterráneo (desde ALONDRA SATORI a los discos en solitario). 


La escena de la Knitting Factory, el Downtown y la agresividad Zorniana milita en LES RAUCHEN VERBOTEN y cualquier disco de Guillén podría ser editado con facilidad dentro de la escudería TZADIK. Y todo, absolutamente todo lo que se graba tiene el sentido (noético) de la búsqueda espiritual. Nada en lo guilleniano es banal, y a día de hoy, me tengo que pellizcar los pezones para darme cuenta de que no, no estoy soñando y el desconocimiento brutal del periodismo académico por la escena experimental de su país es tristemente REAL.

Sigamos con Solaz. "Imán o Lupa: Abrazo en el Vector del Agua" son 35 minutos que se vertebran en dos partes diferenciadas. En palabras del autor: "se creó como preludio sonoro de la proyección en Granada de “Aguaespejo Granadino” en el 111 cumpleaños de José Val del Omar en octubre de 2015, por invitación de Ángel Arias a A.L. Guillén"

Y es muy curioso pero escuchando Solaz no paro de pensar en LAGARTIJA NICK, tanto en su disco Val del Omar como en Omega... no es que el flamenco de Morente esté aquí, pero la música de los campesinos moriscos sin tierra (según Blas Infante proviene de la expresión andalusí "fellah min gueir ard" (فلاح من غير أرض), que significa "campesino sin tierra") parece habitar en los recovecos de los primeros minutos de "Imán o Lupa". El agua como elemento sanador se escucha mezclada con un extraño cántico hasta el minuto 9 en que el corte muta hacia algo más electroacústico. Efluvios de una guitarra procesada trazando virutas de misticismo que bordea el Noise finiquitando in excelsis esta primera parte del tema.


Vuelve el agua (siempre el agua) en "Imán o Lupa: Abrazo en el Vector del Agua, Parte 2". Un alucinante ejercicio de inventiva, de transformación de elementos acústicos y procesamiento digital que va evolucionando de forma sutil. Voces lejanas y motivos acuáticos de imprimación magnética caen en un precipicio de Free Jazz electrónico alrededor del minuto 4. 

Pianos, cuerdas, las voces aceleradas para provocar la sensación de elemento percusivo... como mezclar el barroquismo perverso de la CECYL TAYLOR UNIT con la SPONTANEOUS MUSIC ENSEMBLE y las piezas bizarras electrónicas de cuando ZORN hacía música interesante. Es curioso cómo la sensación resultante de integrar lo percusivo con el piano dentro de mi psique da como resultado algo así como "agua abstracta" (no me preguntéis qué significa).

Todo lo anterior ha sido un rodeo para meternos de lleno en la Existencia Negativa de Ain Soph.

Desde el minuto 10 hasta el final, atravesamos los velos iniciáticos que conectan Ain Soph Aur con la doctrina/puente que, en otras palabras y conectando con el principio del texto, es la carretera mística sufí que lleva de Oriente a Occidente.

Todo ello a través de un sugerente, vaporoso, íntimo soundscape sobre el que irrumpen voces, recuerdos, instantes.

"Tu espíritu se mezcla a mi espíritu / Como el ámbar al almizcle oloroso / Si una cosa Te toca, ella me toca / Porque Tú eres yo inseparablemente". Husayn Mansûr al-Hallaj



miércoles, 31 de julio de 2019

TORT - "VOID ADDICTION" (VARIOS SELLOS, 2019)


El uso predominante de los adjetivos de índole mugrienta, séptica y coprológica está acabando con el género del Doom y sucedáneos. 

Hordas de periodistas de postín entre los que me incluyo, fanzines infames de rancio abolengo, medios infraespecializados que consultan sus diccionarios Espasa de sinónimos (y las reseñas de otros y otras) para adornar y barroquizar hasta el extremo los textos de sus bandas de cabecera. Así se dibuja el panorama y creedme cuando os digo que para el que peina canas es desalentador y agota porque a poco que uno tenga ya las estanterías combadas de discos tiene que saber que algo huele a refrito en las palabras que se vierten sobre los discos... y no estoy diciendo que determinados álbums no merezcan una crítica soberbia ni cosas así, sino que a veces me da la sensación de que hay algún programa oculto en la Deep Web para hacer textos de discos Stoner, Doom y similares. 


Desalentador decía porque se pierde el norte en cuanto a referencias musicales, sonido verdadero y lo que es peor, el amiguismo, la coedición de sellos y el "chúpele usted el culo a otro para que esto funcione" hace que las bandas no se beneficien nada de esta camaradería aparentemente sana pero vacua en suma. El oyente que es al que se le debe el máximo respeto acaba hastiado y mira hacia otro lado cuando el uso de adjetivos se amontonan sin ton ni son... mugre, necrosante, denso, oscuro, lovecraftiano, asfixiante, perturbador, insano, enfermo... y ya no digamos cuando llegan las modas de poner el Proto delante... proto doom, proto kraut, proto punk, proto proto.... 

Se te queda la sensación de que más que un disco uno lo que tiene es un paciente que tiene que ingresar en cuidados intensivos.

¿Qué me pasa?. Pues me pasa que a veces se me eventra el alma y paso del amor al odio. Amor por los sellos y bandas que están haciendo una maravillosa labor, y odio por las mismas bandas y sellos que a la vez que hacen la maravillosa labor acotan todo en una infraestructura digital, imaginaria y fronteriza que impide que todo flote a la deriva y sea más orgánico y real. 

Porque a la vez que TORT han grabado un disco como la copa de un pino, perpetúan los tatuajes, los complementos metaleros, las camisetas y los clichés del género. El abotargamiento del metal me provoca nauseas y lo peor de todo es que me como mi propio vómito muy a gusto porque Void Addiction es jodidamente bueno. A la vez que se enquista la astilla uno disfruta tocándola y sintiendo esos ramalazos leves de dolor que todavía no son lo suficientemente preocupantes para acudir al botiquín. Vaya, como pasar la lengua por empastes dentales quebrados.

 Quizás el problema es que yo mismo me estoy convirtiendo en un propio cliché.


Las cartas hay que ponerlas sobre la mesa. TORT no han inventado nada nuevo en Void Addiction. Sería absurdo tratar este disco de quintaesencial, de punto y aparte o de línea divisoria, así que dejemos de chuparnos los anos y hablemos del disco como lo que es, un ejercicio brutal y muy logrado de doom decrépito y que toca todas las vertientes que te puedas imaginar; desde el Funeral Doom al Sludge, pasando por acoples cuasi Drone e incursiones en eso que se llama Old School Death a lo ASPHYX, INCANTATION y similares. Una vez que uno sabe a lo que se atiene, el disfrute es superior porque descubre que no hay trampa ni cartón; para simplificar, el periodismo musical a veces es como esos trailers de cine que desvelan demasiado y construyen una patraña que no es lo que luego te encuentras, o bien es tan parecido a lo que te encuentras que te das cuenta de que estás perdiendo el tiempo.

Sigamos con la banda. Su fichaje en su día por la israelita TOTALRUST RECORDS ya ponía las coordenadas del sonido pero ojo, afortunadamente ese saco de bandas del sello de Jerusalén han ido evolucionando y cogiendo personalidad propia. Pasó con PYRAMIDO, pasó con HIGHGATE, LORDS OF BUKKAKE o incluso THE KNELL. Se trata de agrupaciones que en esencia tienen un mismo sustrato pero que han sabido (incluídos TORT) darle el toque que las diferencie y las haga individualmente atractivas. Es lo que llamo el sello del Sello...

Si LORDS OF BUKKAKE eran el equivalente a un triposo visionado sonoro de una película de Jorge Grau, TORT son los hermanos bastardos de unos PROFETUS amortajados en moho funerario. Por mucho que al personal le de por rellenar sus cavidades con alquitrán Sludge, los papis y abueletes del Funeral Doom a lo primerísimos MOSS, WORSHIP, ELECTRIC WIZARD y cosas así están más presentes que unos EYE HATE GOD, COFFINS o GRIEF por ejemplo, o al menos es lo que capto como diferencia respecto a su anterior II (reseñado aquí).


Formación ya veterana en una década desde su creación (con cambios aquí y allá), y habiendo compartido miembros con CUERNO, LORDS OF BUKKAKE, WARCHETYPE y otros, pues qué os vais a esperar de estos adalides del Doom barcelonés. Como si de un perverso engranaje se tratara, vamos tirando del hilo y conectando piezas con GREAT COVEN, ATMAN ACRON, EIGHT HANDS FOR KALI y un sinfín más de bandas esenciales en el devenir oscuro peninsular y lo que es mejor (para mi gusto), que han sabido madurar como banda y como músicos para acertar en qué piezas cerebrales del oyente hay que manipular para dejarlo totalmente noqueado.

TORT son Xavier Álvarez a las homilías de cuerdas vocales frotadas con estropajo metálico; Sergio Sancho y Jordi Boluda a las cuerdas trenzadas y bañadas en óxido líquido; Laurent Py a los 4 dedos pulgares y Michel Serrano a la pandereta ciclópea. Con un artwork impresionante de NARCIS BOTER JAUME que me recuerda algo al dibujo barroco infecto en HAMRAM de Mike Ratera pero pasado por las cloacas urbanitas de MAKINAVAJA; grabación y mezcla en SONIC RIOT (Paco Delgado) y la masterización de moda últimamente de James Plotkin consiguiendo el punto de tibieza necesario para que ni se te hielen las articulaciones ni se te derrame el líquido sinovial por los poros de la piel. 

En la edición (lp + cd) participan DISCOS MACARRAS, ODIO SONORO, MÚSICA HÍBRIDA, VIOLENCE IN THE VEINS y CATÁBASIS RECORDS

En cuanto a la música, TORT forman punta de lanza de lo mejor del Doom nacional junto a bandas como ONIROPHAGUS, HIPOXIA, LLORD, WOMB y demás. Más de 50 minutos repartidos en lo que podría ser una Jam ácida en formado Doom y que pasa por las estaciones particulares de un Via Crucis. "Imperium Diabolicus" con su sampler atmosférico inicial se desliza con todo el groove propio de mezclar a BOLT THROWER con CORRUPTED o lo que es lo mismo, el perfecto punto medio entre el Death Doom y el Sludge, abundando según mis orejas más el primero que el segundo.


Los registros vocales tanto guturales como los coros agudos insanos de unos WORSHIP son un acierto y hace que no nos aburramos ni un instante. En las partes más aceleradas es imposible no acordarse de LORDS OF BUKKAKE o MOHO pero gracias a la profundidad de las voces la variedad es mayor. Hacia el minuto 8 o así hace acto de presencia la latente y metronómica latencia del Funeral Doom con una guitarra haciendo acoples mientras que otra dobla la anterior y se marca un solo grande y ascendente como una catedral mientras la base rítmica se va disolviendo en un lento fade out. Bestial guiño a cosas como PROFETUS si se me permite la observación. 

"Predominance" tiene algo del Doom inglés en su forma de abrir, tanto por la batería como por las líneas de la guitarra aunque en cuanto el tema se asienta todo se acelera un poco enclavándose más el el Old School Death. Para que se me entienda, la definición perfecta sería el Crust Doom de VALLENFYRE que comparte elementos tanto del Hardcore ralentizado (los coros purulentos) como de las guitarras gigantes de Hamish Hamilton Glencross (se me ponen los vellos de punta con los acoples). Atentos al medio tiempo intenso a lo ASPHYX, BOLT THROWER o primeros MY DYING BRIDE que dinamita el final del tema.

El revienta cervicales "Pikes, Darts & Chopper" es un acelerado bloque que avanza como un misil. Los cambios de ritmo refuerzan la máxima de que la brutalidad se nota más si hay contrastes y lejos de virtuosismos lo que aquí se intenta es destilar la música hasta sus mismísimos cimientos. Una pesadez en el bajo como se hacía antaño y la percusión básica, efectiva y aplastante en modo Death Thrash. 


A partir de aquí empieza la parte más psicodélica y experimental del álbum. "Transmuted Embers" se abre en un caleidoscópico y abigarrado mandala sónico que lo mismo puede traerte a la mente a SATURNALIA TEMPLE que a los RUNEMAGICK en su etapa más Funeral Doom, pero si tengo que decir un nombre, pues digo MOSS de cuando todavía no eran un clon de CATHEDRAL. Con todo, las voces me resultan mucho más guturales y mejor ejecutadas que las de los grupos anteriores y los fantásticos solos de guitarra son de órdago. 

Si todavía crees estar escuchando sólo un disco de Sludge es que (perdona si te ofendo) no tienes ni puta idea. "Reborn In The Grave" es el tema que ELECTRIC WIZARD llevan una década intentando grabar y no les sale, así que poco más puedo añadir. Hijos bastardos de las gonadas de REVEREND BIZARRE en cuanto a base rítmica y sincopadas cabalgadas paquidérmicas de las guitarras, pero con una profundidad abisal en las voces que le da un doble juego al conjunto alucinante. 

Vuelvo al principio. No es nuevo, pero joder cómo me gusta comerme mi propio vómito (una y otra vez).

martes, 30 de julio de 2019

EDREMERION - "AMBRE GRIS " (SYMBOL OF DOMINATION / ANESTHETIZE PRODUCTIONS, 2018)


Desde tierras francesas (Lille), os traigo a la banda EDREMERION, tocando un Black Metal con tintes avantgarde (discrepo) en un tono bastante agresivo. Tras dos Eps, debutan ahora en largo con Ambre Gris, trabajo que recoge esa forma de tocar tan agria de los del país vecino en cuanto a metal extremo se refiere. Sobre la formación es complicado contaros, ya que cada integrante es sólo nombrado con una letra del abecedario y entre miembros que ya no están y colaboradores casi que han completado medio alfabeto. 

Digamos que de momento son:

R : guitare, composition, textes 
N : batterie, arrangements 
T : guitare 
J : basse 
PEB : voix 

Ambre Gris rezuma oscuridad por sus cuatro costados y me explico. Dedicado a la figura de  Peder Olsen Feidie, fallecido por Lepra en Bergen (Noruega) en el Hospital de San Jorge en 1849 y del que he encontrado unos extractos de poesías que se publicaron en su libro “En Klagesang”-- “A Lament” retratando sus 17 años de amargas vivencias:

I dream of when I was a lad,
Of all the happy times I had – A joy it was to live.
But fortune quickly changed her face
And sorrow then did joy replace.
For me and many more
This fate has lain in store.

I was not yet fifteen years old,
My mind was full of joys untold,
Then were they all cut short.
Pain overcame me and did start
Quickly to pierce marrow bone and heart
Oh! It was hard to bear
This burden laid on me.


Musicalmente estamos ante un disco de gran intensidad. Cortantes y helados riffs de guitarra y una demoledora percusión demuestran la razón de que los franceses a día de hoy sean más intensos en lo que a Black de raigambre nórdica se refiere. El tono para que os hagáis una idea sería cercano a SATYRICON incluidos los ambientales cambios de ritmo mientras que los vertiginosos arranques beben bastante de bandas como DARK FUNERAL... es decir, una batería no apta para cardiacos. 

Por su parte, las voces tienen todo lo que este tipo de grabaciones buscan. Desde agudos imposibles a momentos de más guturalidad, haciendo escala en susurros, voces limpias y todo eso. Es por lo que no termino de ver la etiqueta Avantgarde hasta casi el final del disco y si acaso es por la forma de construir los riffs de las guitarras que gustan de ritmos enrevesados (es una ventaja el contar con dos guitarras).


Quizás el tema "Déchets Nés" sea de mis preferidos. Abriéndose con un largo sampler y buscando más el medio tiempo, define a la banda a la perfección e incluso tiene toques al Death Sueco de toda la vida. Sus voces recitadas en francés hacen de preludio a la tormenta que se desencadena a mitad del tema, salvajada Black con regusto noruego con fade out melódico que se permite el lujo incluso de solos de guitarra y bajar el tempo a niveles Doom. Como digo, el mejor corte de Ambre Gris.

Muy buen disco. Edita SYMBOL OF DOMINATION y ANESTHETIZE PRODUCTIONS en un disco que no inventa nada nuevo pero que está muy bien acabado.

ETHIR ANDUIN - "LONELINESS OF MY LIFE" (SYMBOL OF DOMINATION / MORE HATE RECORDS, 2018)


ETHIR ANDUIN, término de la imaginería Tolkiana, hace también de nombre de la banda de Tikhvin (Rusia), formada en 2006 y de los que os traigo su séptimo larga duración, Loneliness Of My Life

A pesar de que en anteriores encarnaciones de la banda podemos encontrar a más músicos colaborando, aquí es Alexey Veselov quien se encarga de toda la instrumentación mas algún apunte vocal leve de Luka Hysterical. Coedición de MORE HATE PRODUCTIONS junto con SYMBOL OF DOMINATION, y diseño de Paint-It-Black Design como suele ser habitual en muchas de estas ediciones.

Se trata de una banda que ha ido mutando su sonido desde el Funeral Doom hasta un Black con elementos doom y retazos Post rockeros ambientales. Al igual que muchas bandas rusas, son muy desconocidos por aquí y para tratarse de un álbum compuesto y tocado por un solo músico el resultado es loable sonando bastante compacto merced a un sonido de batería orgánico, cosa que no suele ocurrir con las bandas que me llegan de estas tierras.


Especialmente sugerentes son los arreglos sinfónicos de teclados, que en temas como el cierre de "Meaningless Existence" adquieren un protagonismo especial tiñendo de épica y majestuosidad al estilo de cómo se hacía en el género hace ya bastantes años. Sin embargo, no me entendáis mal... no sé en trabajos anteriores porque no los he escuchado, pero ETHIR ANDUIN tienen un toque atmosférico post metalero sutil que los separa de otros proyectos y que a su vez (no me preguntéis como) recuerda a discos de Pagan. 

Esa brutal apertura del doble bombo en "Lethargy" funciona bien, aunque es cierto que personalmente la adición de un cantante no le sentaría mal ya que se trata de temas muy trabajados (con aroma a RAPTURE por cierto). Como proyecto instrumental se sostiene pero un paso adelante podría darse, y prueba de ello es lo bien que quedan las voces en segundo plano (creo que en ruso) y dándole un toque a eso que llaman Post Doom aunque Blackened Doom sería la etiqueta a elegir si me pusiérais un cútter en la yugular. 

La base rítmica es poderosa gracias a un bajo que sin ser especial, resalta en la producción como un taladro desbocado. Pero lo verdaderamente sorprendente es que el disco dura casi 70 minutos y no decae (bueno, quizás se podrían haber quitado algunos tramos); una versatilidad bastante marcada en los cambios de ritmo y unos gélidos riffs de guitarra a medio tiempo que lo mismo pueden casar en un disco de SWALLOW THE SUN o SHAPE OF DESPAIR que en los FORGOTTEN TOMB. Inventiva a raudales y temas muy diferenciados; producción profesional y los teclados...

... Y los teclados. Esos eternos teclados atmosféricos fríos como el Permafrost.

Recomendado.