miércoles, 4 de diciembre de 2019

PEPO GALÁN - "FOR VICTORIA" (FLUID AUDIO 067, 2019)


"Music woven from the soul,
for my daughter Victoria"

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Tras el fabuloso How Not To Disappear (Completely), reseñado aquí, el músico malagueño PEPO GALÁN nos trae un trabajo de orfebrería tanto en lo musical como en el espectacular artwork/ diseño que se han currado en el exquisito sello independiente FLUID AUDIO. Es difícil de describir si no lo tienes en las manos. Permitidme que tire de corta y pega para poneros la descripción con unas fotos para que os hagáis una idea:


- Letter-pressed/embossed 4-panel oversized covers
- Printed on GF Smith 540gsm embossed gravure card
- Glass mastered CD
- 10 x A7 experimental radiography prints (uncoated card)
- 1 x A5 stamped / hand-numbered print (uncoated card)
- 1 x Handbook of Radiography insert (Ross, John A - 1946)
- 1 x vintage x-ray slide (1940-1950)
- 1 x vintage original x-ray film (1960)
- 1 x scan / barrier envelope
- 1 x vintage negative slide wallet sleeves (Bathgate & Co)
- All rests inside deluxe string tied / hand cut envelopes

No es casual que se haya elegido el motivo de los Rayos X para el diseño como bien se explica y de forma bastante profunda en el magnífico texto que acompaña a la edición (aquí), ahondándose en la máxima de hacer visible lo a priori invisible. Musicalmente, las vibraciones y ondas (también invisibles) se traducen en una música cargada de una plétora de electromagnetismo que acaba emulsionando en el milagro del nacimiento, tanto a nivel simbólico/musical como en el plano de lo real (el bebé y su paso por el canal del parto).


Seis temas en 34 minutos que se abren con el ruidismo subyugante de la inicial "Victoria", posiblemente de los cortes más abstractos que haya compuesto el malagueño. Preciosos motivos orientales y juguetones permiten que el oyente no pierda pie entre los amenazantes e intrusivos golpes percusivos... una densa niebla radioactiva de isótopos sonoros va adquiriendo forma mediante unas excelentes líneas de sintetizador y lo que parece una guitarra procesada soltando lánguidas notas que cuelgan del éter. 

Sigue "Autumn Youth", primera de las dos colaboraciones vocales de Sita Ostheimer. Música que flota merced a un loop de piano fabuloso sobre el que irrumpe la preciosa voz a lo JULEE CRUISE de Sita. Si hay un tema que debiera de haber sonado en el BANG BANG BAR de TWIN PEAKS sin duda es este. Onirismo en estado semisólido, con un trasfondo que roza el sinfonismo gracias a una muralla de capas que GALÁN teje como una Matrioska sin saturar, enmascarar o llevar la música a terrenos Noise (lo que es de agradecer). Quizás es no moverme de la zona de comfort, pero yo diría que esto suena a BADALAMENTI por los cuatro costados (quizás algo de la electrónica noruega e incluso islandesa a lo SIGUR ROS).


En "February" colabora nada más y nada menos que Rafael Anton Irisarri. Difícil describir con palabras pero pudiera sonar esto a un cruce entre BRIAN ENO, la magia tribal de JOHN HASSELL y los momentos más atávicos del último JAMES HOLDEN. Motivos acuáticos forman un score ambiental con ecos catedralicios, drónicos y elevadores... uso sublime de oleosos sintetizadores dirigidos a un crescendo ominoso muy del estilo de Crepuscular Hour de la noruega MAJA S. K. RATKJE o quizás incluso los espirituales crescendos de la etapa media de POPOL VUH.

Fabulosa la melodía juguetona de "Expected Birth", que lejos de tirar por lo fácil, sigue manteniendo esa ensoñadora cadencia que se aleja de lo prístino (gracias a la fuerza analógica de lo que creo es un KORG MS20) para bucear en embarrados líquidos amnióticos. Grabaciones de campo procesadas, pasadas por lo que parece un magnetofón de cinta abierta (creando un Loop) son los elementos constituyentes de la magnífica y lo-fi "Abstract Dream With Haines", con el sempiterno piano ya marca de la casa y multitud de detalles que sólo vas a captar si usas unos buenos auriculares. 


Destacar la mistérica interpretación vocal de Sita Ostheimer en un dueto imposible con chasquidos y subidas/bajadas del tempo del magnetofón. Hay algo en su sonido que me ha recordado a los momentos más experimentales y psicopómpicos de ULVER"The River Flows Into The Sea" finiquita un disco bellísimo y personal que nos muestra la faceta más experimental de PEPO GALÁN y que (puedo equivocarme) creo que junto con su anterior How Not To Disapear (Completely) son lo mejor que ha grabado el malagueño tanto a nivel de composición como de recursos utilizados. IMPRESCINDIBLE.

martes, 3 de diciembre de 2019

LIVING UNDER DRONES - "OUR CONVULSING STOMACHS..." (SWEETOHM RECORDINGS; 2018)


Desconocidísimo proyecto Post Hardcore y algo de Noise underground griego en LIVING UNDER DRONES, combo formado en 2004 en Loaninna y que ve ahora editado su debut en largo tras un Ep previo con la discográfica de Karditsa SWEETOHM RECORDINGS. Our Convulsing Stomachs Swallowed Our Exhausted Selves: This Is the Manifestation of an Almost Pathological State of Terror, que así se llama, se divide en cuatro asfixiantes cortes que alternan las cadencias lentas de unos SLINTS con fieras capas y crescendos al más puro estilo NEUROSIS.

Sobre la formación existe poca info (en el Insert sólo se habla de tres personas, guitarra, bajo, batería y "further machinery"...) pero en los aspectos técnicos puedo decir que el disco se graba y mezcla con Andreas Venetis en Yellowstone Studio para posteriormente masterizarse con Carl Saff en Chicago. El fantástico trabajo de HermanJ. Schultheis en las fotografías es digno de elogio tanto en la portada como en el tremebundo artwork del Insert (layout y diseño final de Michalis Roditis).


Instrumentales pero sin el preciosismo aburrido del Rock Instrumental de nuevo cuño, tienen algo de inhumano, de crítica utópica a lo Ballard o Palahniuk con esas consecuencias desastrosas de la guerra y la postguerra sobre la vida cotidiana, cosa que se traduce en unas intensas capas a lo SONIC YOUTH, algo de SWANS en los crescendos y Post Rock a lo MOGWAI, GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR pero todo con una muralla mucho más sucia y visceral. 

La Cara A se abre con los ocho minutos de "Arms and Legs Grow Inside My Entrails Trying to Grasp my Eyes and Flip Them, Allowing Me to Have a Glimpse of My Vibrating Unconscious Flesh And Tremendously Acknowledge What We Really Are and What We Are No", pura abstracción de guitarras, ritmos asonantes y una base rítmica más cerca del Avant Rock de del Hardcore. Pegadiza a su forma, tiene una estructura que roza el Post Punk... intenso y camaleónico, el corte no permanece quieto un instante, pero sin llegar a la algarabía aséptica del Math Rock, cosa de agradecer. Aquí lo que prima es la atmósfera y LIVING UNDER DRONES te subyugan mediante riffs machacones y pseudo homilías de índole post apocalíptica en una excelente y tribal percusión. 


"Our Necks Have Finally Grown, Our Fathers Are Ready to Consume Our Bloated Heads, Absorb Our Inflorescent Minds, Spit Our Thoughts Ιnto The Vicious Circle of Cause and Effect, Force Us to Replicate Ourselves Through Conformity, Plant the Seed and Wait Patienly Till The Necks of Our Sons Finally Grow, so We 'll be Ready To..", de título escueto como podéis comprobar, sigue la senda de Hardcore al ralentí en su inicio para luego transformarse en una oda cargada de detritus psíquico. Riffs de guitarras sucias en modo bucle hipnótico, flotando con afinaciones agudas y trayendo a colación nombres de culto como SONIC YOUTH o la biliosa forma de entender el rock de HARVEY MILK. Como mandan los cánones, tenemos interludio ambiental que me recuerda a esa segunda encarnación cuasi espiritual de los SWANS con percusiones al borde de la metalurgia industrial y fundido a negro en una algarabía Noise de órdago.

La Cara B no escatima en títulos largos. "Instagram Junkies Engaging Facebook Freaks Melting Into A Digital Monstrosity, Until Their Eyes Get Rid of Their Lids, Their Faces Get Rid of Their Skin, Their Stomachs Get Rid of Their Worries, and At Last an Algorithmic Hush is All that's Left" es otro temazo. Me encanta cómo consiguen meterte de lleno en los temas a base de pequeños detalles y leves cambios en los instrumentos. Ahora se aceleran, luego descienden a un tempo letárgico, que luego flotan por el hiperespacio. Ningún instrumento sobresale sobre el resto y los tres tienen su momento solista. Además, LIVING UNDER DRONES tienen la capacidad de convertir cada melodía en una suerte de Jam ruidista que podría durar hasta el infinito (atentos a los sincopados acoples de la guitarra y su diálogo con el bajo).


Para finalizar, "There is No Judge Without A Scaffold As There Is No Mouth Without Teeth / No Profit Without Exploitation, No Masters Without Whips / No State Without Bayonets, No Emancipation Without Violence" y su estructura pseudo futurista punkarra con un bajo excelso y un estallido posterior de un procesado riff de guitarra que te dejan el alma en vilo. No sé qué pedales o efectos han usado pero la atmósfera no decae un instante; interludio experimental con samplers, masturbación de potenciómetros o qué se yo y vuelta luego a a exorcizar los demonios en una pulverizante y atávica espiral donde vuelve a brillar la base rítmica. Si estás harto de grupos instrumentales que se mueven por melodías de caramelo, prueba con LIVING UNDER DRONES y sentirás la amenaza a flor de piel.

Otra joyita más del underground Griego.

lunes, 2 de diciembre de 2019

LUCIFER WAS - "UNDERGROUND AND BEYOND" (SOMMOR SOMM055, 2019)


El caso de la banda LUCIFER WAS roza el malditismo. Formados en 1969 en Noruega (Oslo), cambian de nombre varias veces (EMPTY COFFIN, AUTUMN SERENADE y EZRA WEST); por falta de medios, a pesar de tener compuestos varios temas allá por 1970, desaparecen durante prácticamente dos décadas. En 1996 se reúnen para un concierto y deciden seguir donde lo dejaron para grabar el discazo de culto Underground And Beyond que ya conociera previamente de la edición en CD (allá por 2008) de TRANSUBSTANS y que ahora SOMMOR, subsello de GUERSSEN, reedita en toda su gloria (Lp, Cd y Digital).

Para más información, os dejo una impresionante entrevista en la web de culto IT´S PSYCHEDELIC BABY de Klemen Breznikar, que también es el responsable de las líneas interiores del Booklet:

https://www.psychedelicbabymag.com/2018/04/lucifer-was-interview-with-thore-engen.html

Partiendo de la base de que el Rock Progresivo noruego (en general todo el Prog nórdico) suele tener unos niveles elevadísimos de calidad, imaginad si encima se trata de un artefacto parido (física y sentimentalmente) en plena época de eclosión Hard Psych.


A partir de Underground and Beyond, LUCIFER WAS ha disfrutado de una salud envidiable y si no recuerdo mal han sacado 6 discos más... alabados por público y crítica, tampoco han jugado nunca en primera línea de batalla siendo tapados por nombres con más suerte, medios o vaya usted a saber qué jodidos pactos diabólicos. Su sonido puede gustar tanto a los amantes de Prog de toda la vida como a los más metidos en la psicodelia, para pasar por arqueólogos de los sonidos oscuros y es que LUCIFER WAS tienen un pie metido en el Proto Doom hasta el punto de que bandas como JEX THOTH, BLOOD CEREMONY o incluso CIRCULUS se retroalimentaron mucho de la forma de mezclar JETHRO TULL (sempiterna, gloriosa flauta), BLACK SABBATH y ATOMIC ROOSTER de los noruegos.

LUCIFER WAS cabalga también sobre esa nueva oleada de Space Rock sueco/noruego de bandas como SKYRON ORCHESTRA, FIRST BAND FROM OUTER SPACE, ORESUND SPACE COLLECTIVE, SVARTE PAN, ABRAMIS BRAMA, DUNGEN, BLAND BLADEN, BRUTUS o la sofisticación de ANEKDOTEN (más herederos de KING CRIMSON) , los inmensos GAZPACHO o sin ir más lejos, los alabados MOTORPSYCHO. El caso es que podría alargar la lista hasta el infinito. dos fechas clave, mediados/finales de los 80 y principios de los 90, y luego otra achuchón más espacial a partir del 2000 (con esta vez más aburridos coqueteos con el Stoner a través de sellos como NASONI, METEORCITY o SUBLIMINAL SOUNDS), redondean esa bestial escena que hace palidecer al rimbombante nuevo disco de OPETH, y cito a OPETH por aquello de pretender estar haciendo algo medianamente rompedor por el simple hecho de tener raigambre metalera pero podría decir también LEPROUS por ejemplo.

Es decir, en lo que respecta a las escenas sueca y noruega y a su fertilidad Psych desde el 89 en adelante (englóbense Space Rock, Avant Rock y bizarradas extrañísimas como ALWANZATAR), en comparación "In Cauda Venenum" no sólo no me parece nada del otro jueves, sino directamente aburrido... para gustos los colores, claro, pero que del metal hayan evolucionado a lo que son hoy día palidece al lado de los grandes discos de las bandas citadas arriba.


LUCIFER WAS aquí fueron Einar Bruu (bajo); Kai Frilseth (batería); Anders Sevaldson (flauta); Dag Stenseng (flauta y voces); Thore Engen (guitarra principal y voces). A pesar de que tienen ese toque setentero marcado, la inmensa base rítmica y la guitarra distorsionada rozan el Proto Metal, y con los alucinantes juegos de las flautas son difíciles de clasificar; demasiado densos para una banda progresiva, demasiado avant para una banda metalera. Los destructivos riffs de guitarra encumbran en el olimpo una obra demasiado buena para hacer cierta esa frase que pulula por ahí entre los aficionados y literatos de que "si algo no destacó en su época fue por algo".

El riff que abre el disco tarda sólo 20 segundos en explotar en "Teddy´s Sorrow". Cada nota de la guitarra parece cosida con un adorno de la flauta, mientras las voces (algo así como en Argus de WISHBONE ASH pero más épicas) están ejecutadas a la perfección. La flauta gana protagonismo junto a la base rítmica y dejando a la guitarra atrás distorsionada con algo de BLACK SABBATH cuando se lanza en esas espirales eléctricas de "Scrubby Maid", de ritmo entrecortado netamente Prog... alucinante cómo se van alternando guitarra con flauta.


Como si JETHRO TULL y BLACK SABBATH se alternaran en un mismo tema, así suena "Song For Rings", con algo oriental flotando en el ambiente. Un pedazo de himno como la copa de un pino que se complementa en espíritu con la similar "Out of the Blue", quizás la más setentera de todo el disco; ambas pegadizas como una mortaja de segunda mano.

Sigue la mini Suite en cuatro partes "The Green Pearl", que abre con el motivo "The Mountain King" de EDVARD GRIEG en clave proggy para transformarse en la fanfarria "Fairy Dance". Impresionante el nivelazo de los músicos destacando una versátil guitarra que en las dos partes finales ("Belongs to the Sky" y "Pearl Hall") se sale tanto en los poliédricos riffs ácidos como en los pasajes más introspectivos que rozan el Doom, para brillar especialmente cuando flauta y guitarra parecen un sólo instrumento.


El sonido se recrudece en "Tarabas", con voces más extrañas flotando en el ambiente toques al Heavy Psych teatral italiano a lo MALOMBRA, ABIOGENESI, DUNWICH, THE BLACK o IL SEGNO DEL COMANDO... dicho de otra forma, ecos góticos tanto en la voz como en la distorsionada guitarra. "Fandango" y "The Meaning of Life" sin embargo son radicalmente distintas... tanto que me parecen casi poperas y sixties salvo por las intrusiones excelentes de la flauta, claro. Atentos al desarrollo del bajo y batería en un tempo casi metalero deudor de la NWOBHM.

El final es de órdago. La cruda "Light My Cigarette" y sus cambios de extraños cambios de ritmo, la crepuscular "In the Park" que encierra dos temas en uno (lo de la guitarra es para analizar con mucha tranquilidad) y la apoteosis final de "Asterix" coronan una Rara Avis que es rescatada de forma oficial en toda su gloria.

GRETEL - "PROTEO" (AUTOEDITADO, 2019)


Aleación de músicos en triángulo entre Granada, Cádiz y Antequera en GRETEL, banda cárstica que intenta seguir o transitar la inhóspita senda del Retro Doom con mitad de aciertos y mitad de errores. Son un quinteto; dos guitarras, bajo, batería y cantante y bueno, voy a tirar de reflexión personal antes de meterme de lleno con su debut Proteo

Bandas como GREAT COVEN y WARCHETYPE dejaron huella en nuestra península. Desconocidísimos nombres derivados de estas como ATMAN ACRON, EIGHT HANDS FOR KALI seguirían la senda (paralela o equidistante) emulsionando mejor o peor, pero siempre dando algunos matices distintos a las bandas madre. Surge entonces una determinada corriente que llega hasta nuestros días, quedándose algunas en el barro, otras peleando todavía o incluso siendo bandas de primera línea... TREITUM, GRAJO, HELA, MISTY GREY, SIMÓN DEL DESIERTO y muchas más (sin meterme en THE SOULBREAKER COMPANY, RIP K.C. y derivados hard rockeros porque entonces esto sería espeso). El caso es que lo que el Heavy Doom Tradicional copula con los ELECTRIC WIZARD y van surgiendo nombres, bandas y derivados... me encantan por ejemplo RED EYE o PLASTIC WOODS, por poner ejemplos cercanos.


GRETEL intenta recrear ese inframundo teatral (cuasi Prog) de las bandas italianas (véanse toda la escuela de formaciones que anidan en BLACK WIDOW) pasando por la pesadez de la base rítmica tan característica del Proto Doom hard rock de toda la vida (BLACK SABBATH, BLUE CHEER, GROUNDHODS, PENTAGRAM y el ciento y la madre), para añadir ligeros toques de esa frescura que trajeron los UNCLE ACID AND THE DEAD BEAT. Siendo Proteo un buen debut, bajo mi humilde opinión se queda a mitad de camino... la psicodelia que se le debería presuponer a dos guitarras (no me lo inventado yo, la Bio Promocional lo pone) no ahondan en el espectro ácido con la profundidad que debiera, y por otro lado, lo que debiera haber sido un persistente e infeccioso órgano Hammond se queda en esporádicas incursiones donde falla la producción... y dejadme que os hable de la producción un poco más. "Proteo" se parte en dos partes diferenciadas; la primera son los cuatro primeros temas, más flojos y fallidos, y la segunda abarca los restantes hasta el final donde mejoran ostensiblemente. 

Hablemos de esa primera parte. Viendo la maravillosa portada y artwork del digipack obra de Giuseppe Fancellu (SSCVLT), uno adecua su psique a algo teatral que por desgracia no llega... y no llega porque creo que la post producción ha sido mínima. La voz, en castellano, bien ejecutada, está en un nivel demasiado alto de la mezcla haciendo que resalte tanto que en ocasiones parece que estamos ante unos OBÚS o BARÓN ROJO ralentizados. Un poco de efecto, de eco, de vocoder o lo que sea habrían sentado de lujo a la atmósfera total y conceptual de Proteo.... pero no me malinterpretéis. 


Los ocho minutos que abren el disco, titulados "Metamorfosis", tienen toda la decadencia que se le pide al género; vibra la base rítmica, las guitarras juegan bien su doble papel, pero la voz adolece de algo que creo que es (puedo equivocarme), SENSACIÓN DE AMENAZA. No sale de la zona de comfort para que se me entienda mejor. Unos leves fraseos del Hammond subrayan de forma exigua el asunto más pareciendo un recorrido aleatorio por el teclado que un riff propiamente dicho (vale, entiendo que VANILLA FUDGE no son todas las bandas, pero es un recurso que debiera haberse explotado más). 

El trance hipnótico no llega al clímax... los riffs de guitarra son muy básicos y la sensación en general en la grabación de Jose Antonio Sánchez y masterización de Pablo Sánchez es de maqueta primitiva, cosa que no tiene que ser en sí mala porque a "Azul en tus Entrañas" sí le sienta mejor... hasta que entra la voz. Cuando entra la voz vuelve a aparecer la sensación de Demo. Ojo, cuestión de gustos... para mí una capa espesa de teclados y la voz en segundo plano habrían mejorado el resultado porque GRETEL tienen potencial para mucho más. 


"Hambre" tiene regusto Stoner, pero palidece al lado de "La Gomia", uno de los momentos cumbre del disco. Interludio teatral y mejor despliegue vocal en una arrastrada fumada pletórica de Fuzz pero que tiene ahí el hueco justo para rellenarlo todo de psicotrópicos efectos de teclados... y no es que yo lo diga, es que la música lo pide horrores. "La Gomia", con sus excelentes letras en castellano, puede convertirse perfectamente en una Ópera Rock si GRETEL se lo proponen. 

Proteo va de menos a más, como demuestra el marcial inicio de "Vestigio". Puede que vaya a decir una estupidez, pero para mi gusto, es a partir de aquí donde empieza a mejorar todo; la voz más lejana, el Hammond por ahí pululando, buen riff central de guitarra y en definitiva todo eso que os comentaba al principio. GRETEL se defienden más en tempos lentos/arrastrados además de que estos estilos se basan en crear picos de intensidad melódica y "Vestigio" es sin dudarlo el mejor corte del disco... la versión de "Gethsemaní" en clave Traditional Doom. "Laberinto" sigue la misma senda (parece como si estos últimos temas hubieran sido masterizados de forma distinta, curioso).

Un atmosférico interludio pseudo acústico ("Ocaso") da pie al Blues Psych de "Amanecer", corte donde destaca la base rítmica, mucho más versátil que las guitarras y es que creo que bajo/batería llevan el peso de "Proteo". Encontrar el equilibrio no es fácil, pero estoy seguro que los elementos están ahí y GRETEL van a dar un pelotazo con un segundo disco... si se mejoran aspectos de la producción y las guitarras se abren en abanico, esto funcionará sí o sí... como cagar fuegos artificiales o vomitar serpentina. Al tiempo.



miércoles, 27 de noviembre de 2019

REIDO - "ANATMAN" (AESTHETIC DEATH RECORDS; ADCD 064. 2019)


"As the Fragments Come Together
I Am Everywhere
No Mind"

Desde Bielorusia (Minsk), la banda REIDO (término con igual significado tanto en japonés como en chino y que viene a significar Grado Cero) se forman en 2002, sacan F:\all, su debut en 2006 a cargo de Solitude Productions. En 2011 editan con Slow Burn el heladísimo -11 para luego sumirse en un largo silencio hasta este 2019 donde fichan con AESTHETIC DEATH y sacar su tercer e impresionante largo Anātman donde subliman su estilo hacia un personal Funeral Doom de  alto nivel compositivo; ya se sabe que en géneros tan herméticos como este no es fácil mantener la atención del oyente durante largo tiempo, y ahí está la principal virtud de este Anātman, que al igual que otras bandas de relativo nuevo cuño como PROFETUS y OPHIS llevan el género un pasito mas si no allá, sí que manteniendo lo que grandes e imperecederos dioses como EVOKEN, ESOTERIC o MOURNFUL CONGREGATION hacen.

Advertir que escuchas a vuela pluma y sin prestar atención no valen con bandas como REIDO. Si se quiere hacer uno a la idea de su sonido hay que empaparse de todo como un ritual... aquí funciona eso del tracklist y los temas no están puestos al azar. Lo digo porque siempre hay quien echa una escucha por encima y salpicado a los temas y juzgan sin ahondar (signo de los precipitados tiempos que corren).


Una de las principales razones por las que el Doom extremo de países del este no suele llegar al nivel de otras bandas es por la batería. Se me ocurren ahora mismo decenas (literalmente) de buenas bandas que echan su sonido a perder por el uso de cajas de ritmo... se ve que no abundan los baterías por aquellas tierras, así que es de agradecer que REIDO hayan fichado a Dmitry Kochkin (del desconocido proyecto ambiental Внеземие para las percusiones). Se suman al proyecto Alexander Kachar (guitarras, bajo, voces y sintetizadores) y Anton Matveev (guitarras, sintetizadores e ingeniero de sonido). 

Siguiendo con las curiosidades, hay letras basadas en el Lam Rim Chen Mo de Je Tsonkhapa o del Prajnaparamitahrdaya Sutra (El Sutra del Corazón). El fantástico artwork del digipack es obra de Vladimir "Smerdulak" Chebakov

Abre el disco la instrumental "Deathwave" en clave casi drone, con lo que parece el clásico tono de un Dung Chen tibetano que va y viene sobre capas de teclados y un lejano riff de guitarra monolítico al más puro estilo EVOKEN que se va abriendo paso mientras entran unas excelentes percusiones. Muy buena apertura que recuerda a los grandes nombres del género. Sigue casi sin solución de continuidad la monstruosa "The Serpent's Mission", con un deje a MY DYING BRIDE en la forma de dejar las notas flotando de la guitarra, aunque evidentemente cuando el tema coge fuelle con una voz ultra gutural volvemos a los terrenos de EVOKEN, OPHIS y similares. Destacar la producción del disco que hace resaltar bastante al bajo, un acierto para mi gusto.


Lo que a priori pudiera parecer un disco estándar de Funeral Doom va mutando gracias a unos excelentes interludios instrumentales, con toques de teclados y guitarra acústica en la intro de "Dirt Fills My Mouth", un temazo con voces susurradas al más puro estilo de MORGION en Solinari. Viene a ser un cruce entre la decadencia de los riffs de MY DYING BRIDE en sus últimos discos y algo de esa forma de entender el Funeral Doom de bandas como MONARCH o ALDEBARAN.

"Liminal" ronda los 17 minutos. Tal y como dije al inicio de la reseña, brilla el nivel compositivo que no decae un instante... te pueden gustar más o menos, pero los 60 minutos no tienen ni un sólo segundo de relleno. Fantástico el cinematográfico interludio ambiental con un uso parco pero efectivo de los sintetizadores (sin cargar, que luego parece todo una barraca de feria) que lentamente se va disolviendo mediante guitarras al más puro estilo ESOTERIC.... lento, bizarro pero sin el esquizoide uso de los teclados de los ingleses. Por cierto, atentos a cómo se funde el tema a lo MY DYING BRIDE.

El puente instrumental de la homónima "Anātman" rompe el disco por completo. Samplers que llegan radiados, coqueteos con ritmos electro desembocan en "Vast Emptiness, No Holiness", que junto a la anterior son casi 20 minutos que rozan lo épico. Tempo procesionario, tonadas de sintetizadores en segundo plano, ecos Sludge (algo de FUNERAL MOTH aquí y allá) para finiquitar un disco de Funeral doom clásico, sin exabruptos, compuesto y ejecutado de forma exquisita.



martes, 26 de noviembre de 2019

VIRTUD CORONA - "UMBRAL CROMA" (MASCARPONE DISCOS; DM55, 2019)


La Croma es una técnica audiovisual en la que un color se extrae de una imagen (por norma es el verde) y sustituir el área resultante por otro color o imagen. Extrapolemos esto como metáfora de la formación de VIRTUD CORONA, combo Sevillano que parece resultar del enroque mediúmnico (croma) de los sintetizadores de NAJA NAJA por la percusión orgánica de la batería de Borja Díaz. Dicho de otra manera, el Post Punk y la New Wave etérea en NAJA NAJA se deriva hacia un agrio Avantgarde Punk muy difícil de catalogar como veremos más adelante.

Borja Díaz a la percusión, Juangui Acosta a la guitarra barítono y Xavier Castroviejo a la bilis vocal se van a los Estudios Pelícano (Marzo de 2019) para grabar, mezclar y masterizar con Jesús Chávez (salvo el corte "Croma" que se modela por obra y gracia de Acosta en Estudios Ninjas Mutantes). Edita Umbral Corona en cinta de cassette el sello valenciano MASCARPONE RECORDS de quien también os he traído reseñas de More Acid For Hegel (aquí) o Miguel A. Ruiz y su Climatery (aquí). 

Este es un primer esbozo de su sonido, porque en su página de Facebook indican que han pasado este mes de Noviembre por La Mina de Raúl Pérez así que estoy preparado para un segundo trabajo en breve.


Se me antoja imposible no citar a BLOOMING LÁTIGO como abuelos espirituales de VIRTUD CORONA, nombre por cierto que para mí resulta un auténtico misterio pero que conecto (en mi psique tiene sentido) con La Virtud Coronada (Ignacio Luzán, 1702 -1754), donde un Rey Tirano era objeto de una rebelión en el contexto de los Austrias y los Borbones. Una obra teatral con personajes que obtienen todo el poder mediante el engaño, alteraciones de la jerarquía establecida y lo que es peor, una exaltación de lo que se llama Monarquía Virtuosa. Seguramente el nombre elegido por la banda no tenga nada que ver con esto que hablo, pero si añadimos que en algunos pasajes parecen una versión avantgarde de LA POLLA RECORDS, no puedo evitar establecer conexiones sutiles. 

Destacar la interpretación vocal de Xavier Castroviejo, escupiendo homilías en castellano con un timbre cercano a los KORTATU en clave THE FALL. La evolución es sorprendente cambiando de registros en cada uno de los proyectos que presenta... los agudos insanos a lo TODAY IS THE DAY en BLOOMING LÁTIGO se sustituyen por líneas vocales mucho más melódicas, con algún que otro efecto de eco si no me equivoco (o cosa de la postproducción). Las letras oscuras y con dobles sentidos se te clavan tanto por su significado abstracto como su métrica perversa (ejemplo el soberbio, infecto contagioso himno de "Sangre Verde").


Otro elemento en el sonido que resalta es la penetrante guitarra barítono de Juan G. Acosta, que como un taladro recorre el espectro (umbral) del mástil de un bajo y por tanto conectándose con Bill Laswell en cosas como MASSACRE. Los que conozcan los trabajos de Laswell sabrán que es un bajista que resalta más en las atmósferas y que cede protagonismo a otros compañeros, en este caso Fred Frith... pues bien, en Umbral Corona parece que Acosta se haya transmutado en ambos a la vez y despliega la potencia arrolladora de uno con el virtuosismo del otro. 

Llena tanto los espacios que funciona como base rítmica y solista a la misma vez... ejemplo de esto es el fabuloso inicio de "Umbral", tema donde Acosta despliega una forma de tocar que bordea por completo al barroco golpeteo jazzero de la batería mientras Castroviejo va entonando una letanía extraña más propia de un Cabaret del Inframundo. Fantástica la circular "Mareas" donde la guitarra sin embargo se enfoca a su sonido barítono penetrante, con la pegada matemática de las baquetas de Borja Díaz (tiene algo del rocambolesco y circense mundo de FAITH NO MORE) y el maravilloso falsete a la voz.


Post punk progresivo podría ser una etiqueta ya que lo mismo suenan a Avant Jazz que a KING CRIMSON, sin olvidar abigarradas incursiones rítmicas compostadas en Dub o Reggae como la pegadiza "Sangre Verde", (tema al más puro estilo Frith/Laswell en lo instrumental) y Hardcore Punk ("Azúcar Añadido", "Martillo de Emergencia" o la brutal melodía trasnochadora crepuscular de "El Sendero"). El potentísimo uso de los bombos en "El Hedor", con unas de las mejores letras que he escuchado en muchísimo tiempo, y su ritmo sinuoso son difíciles de describir... la cantidad de detalles acumulados en escasos cuatro minutos es abrumadora. 

De mis temas favoritos es la tribal "Raptus" con ritmo de batería cuasi motorik en el inicio (como una versión bastarda y Lo-Fi de LA DUSSELDORF en versión cañí). La forma de tocar de Acosta aquí alterna lo que podría ser Rock desértico desnaturalizado con Doom Sabbáthico teratogénico... y para colmo el señor Castroviejo se lanza por unos agudos que ríase de Rob Halford. Inmenso Borja Díaz en "Nostalgia de Acero", posiblemente el tema más Indie (por intentar dilucidar algo) de Umbral Croma.

El disco se finiquita con VIRTUD CORONA bajando a los avernos de lo Industrial. "Croma", único tema grabado, mezclado y masterizado por Acosta ejerce de nexo con NAJA NAJA a través de unos ritmos Trip Hoperos decadentes sobre el que destaca un soberbio y amenazante Castroviejo  soltando haikus vocales al más puro estilo AVIADOR DRO en versión after punk. Fantástico cómo se funde el tema en pulsos oníricos que asustarían al propio Lynch.


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lunes, 25 de noviembre de 2019

ARRAKIS - "SONS OF STARS" (CIVITAS MORTIS RECORDS; TAPE012, 2019)


Os presento el proyecto francés (La Tour d’Aigues, Luberon) ARRAKIS, One-Man-Band curtido en bandas de Black Metal pero que aquí fusiona con maestría la Synthwave con múltiples cosas que citaré a continuación y goterones de sinfonismo. Más optimista que otro tipo de proyectos que cohabitan CIVITAS MORTIS, el sonido es quizás demasiado sintético de lo que yo quisiera (en una entrevista que he encontrado por ahí el autor cita como instrumentos de composición VST en abundancia y FL Studio). Me ha sorprendido la inclusión de dos artworks completos; uno de Apocalypse 2027 y otro de Cyberpriest (puedes poner el que más te guste) oara cada una de las ediciones, física o digital, ambos con regusto a cintas de juegos de ordenadores de 8 bits. 

Sons of Stars es un extrañísimo batiburrillo donde se dan cabida cosas tan distintas como la electrónica francesa de los pioneros cósmicos mezclada con algo parecido a Metal Industrial y un halo de... a ver si acierto, moléculas de Rock Sinfónico que muta a New Wave incluso en algunos cortes con voces. El tempo alocado, rápido y sin tapujos se embadurna de Disco Synth setentero para aglutinar en un sólo producto el compost más raro que yo recuerde y encima funcionar la fórmula.


El subtítulo del Ep es A Space Journey to the Light, y tras darle varias vueltas a la cinta (literal), he de decir que me recuerdo muchísimo a esos productos de Disco y Electro que sableaban las bandas sonoras de películas de Sci-Fi a lo SPACE o las inclusiones de SIMONETTI en el Techno e Italo Disco, que carentes de toda maldad buscaban como objetivo primordial quemar suela de zapato en las salas de baile. El punto de ruptura es la inclusión de determinados riffs de guitarra a cargo de Vieux Chêne (en "Eternal Space Travel").

Abre "Journey of a Free Spirit" que, en palabras de su autor, combina Optimismo, Esperanza e Introspección.... no podría yo estar más de acuerdo con esta definición, máxime con determinados elementos que rozan la New Age (no sé por qué pero se me vienen a la cabeza CUZCO). La más movida y guitarrera "Sons of Stars" es demasiado infantiloide pero tiene mucho encanto (parece la cabecera de unos dibujos animados espaciales de mediados de los 70). Tengo curiosidad por escuchar el remix para 8 bits (aquí). 


La guitarra marca con su presencia "Water of Life" con su tono serrado sintético, voces en off aquí y allá y un ritmo bastante sincopado. Sin casi solución de continuidad se suceden los temas... "Notre Royaume Vient" es muy parecido a los dos anteriores pero entran las voces con un deje algo Post Punk sobre una base de Techno Trance (vaya contraste!). Eso sí, me quedo con los 9 minutos de las dos partes "Experimental Space Disco-Rock" cuyo título se define a sí misma... locura a punto de ebullición.

Si te queda cordura, finiquitas con "Eternal Space Travel" y para el manicomio.

IN†ERSIGNO - "DECREPIT" (CIVITAS MORTIS RECORDS; TAPE 015, 2019)


Tras los previos Darkspace (entrevista y reseña aquí), The End of Time (aquí) y Non Plus Ultra (aquí), vuelvo a visitar el universo Sci Fi terrorífico de INTERSIGNO con este mini álbum de edición limitadísima en cassette verde batracio de nombre Decrepit, que ha sido catapultada al mundo real una vez más gracias a CIVITAS MORTIS RECORDS. Conseguida gracias a gestiones ilegales en el submundo de las Yakuzas digitales, he tenido que batirme en duelo mental con mis Nunchakus ReverbK2 y a ese juego... joder, a ese juego no hay quien me gane.

Terror opresivo bailable con efluvios embriagadores a base de algas decrépitas y sangre coagulada, la música se manifiesta a través de intensos y caleidoscópicos destellos neón pulsátiles y con ese constructo plástico de los 80. Mutación ligera hacia un techno oscurísimo simple en estructura pero poderoso en resultado, Decrepit es la banda sonora bastarda de una generación que lucha porque no entierren sus jodidos recuerdos en 8 bits.


Desde el doble juego melódico de "Beyond The Flames" en lo que se me antoja una pegadiza capa de Synthwave punteada por bases percusivas propias del género al futurista "Nothing Special", posiblemente el himno Carpenteriano de punta hueca del año. El resto adornos que dan el toque psicotrópico necesario para volver los ojos hacia arriba y contemplar Otras Esferas; paradas de ritmo, Fx diversos y vuelta a la melodía principal en un loop que podría ser eterno (si uno pone bien afiladas las orejas, se trata de 3 melodías o 4 a cual más pegadiza que se enroscan como un cable). 

"Predator" se despoja de humanidad y suena sintética como el aroma al entrar en una tienda de Todo a Cien china. Salvo la percusión, el resto podría englobarse dentro de la música echa para juegos en la onda retro wave que estamos viviendo pero algo más experimental en formas. Sigue el para mí más flojo "Eternal Afflict" que no me aporta nada nuevo... prefiero las dos partes de "Paranoia" que suman entre las dos 8 aguerridos minutazos de Cosmic Disco Synth de nivel altísimo disfrutable en tu Laser Drome más cercano.

Venid, hijos e hijas de la Gran Ubre porque os voy a saltar un ojo con mi recortada láser de dos cañones.


MIGUEL A. GARCÍA & MIGUEL SOUTO - "THE LURKING FEAR" (ANOXIA RECORDS; EXTERTOR 001, 2017)


Una de las nuevas grandes figuras de la música experimental ruidista vasca como es MIGUEL A. GARCÍA (electrónica, oscilaciones, manipulación), con más de un centenar de grabaciones y que aquí une fuerzas con el emergente músico gallejo MIGUEL SOUTO (voz, batería, objetos, violín, metalófono, manipulación) en lo que se me antoja una prueba de que el Espacio Exterior no es lo que aparenta. Lejos de la magnificente/majestuosa sensación benigna que pudiera ofrecernos su contemplación, The Lurking Fear, que así es como se llama este trabajo, aboga por musicalizar el gradiente obsceno de esa inmesa vorágine que es el Cosmos obteniendo como resultado ese término tan en boga hoy día como es El Miedo Cósmico.

Visto el Universo como una gran úlcera en el Paradigma del Ser Humano, quizás habitamos en los recovecos fistulados de una inmesa herida purulenta que exuda anti materia y lejos de estar en vías de expansión, estamos embrionándonos en un caldero séptico sin visas de curación. 


Editado por ANOXIA RECORDS limitado a 200 copias en CD jewel case con excelente artwork de ALEJANDRO TEDÍN, The Lurking Fear funciona al más puro estilo deconstructivista (como si tuviéramos un TODO en 64 bits y lo pasásemos a 16). Sin asideros emocionales, "Trioptesmeae" hace de génesis con una mezcla alucinante de Electroacústica y Dark Ambient. La repetición constante en oleadas de su abstracto motivo principal (a base de procesado ambient flotante) viene reforzado por el uso de percusiones orgánicas en forma de batería y metalófono, algo no demasiado habitual en el género ruidista/noise. Dicho de otro modo, flotan aromas marciales con un pie en el Drone doom gracias a esa maligna batería que cose todo el trabajo como si de un muñón sonoro se tratara. 

Sólo hay que contemplar la portada en blanco y negro y su fabuloso uso de la iluminación para meternos de lleno en el ciclópeo telar lovecraftiano de rigor... no sé, pero hay algo aquí que parece rendir homenaje a Weird Tales, el Pulp norteamericano y todo eso (quizás por esos chirridos/efectos cuasi Sci Fi tan característico en el uso de Osciladores) . 


El segundo corte se titula "Unknown Kadath" y va desde la electroacústica pura y dura inicial a momentos que parecen sacados de la improvisación libre (gracias a las percusiones y las cuerdas manipuladas). Sin embargo, lo que nos llega parece más compuesto que improvisado (no paran de repetetirse como un bucle algunos sonidos) y una de las sensaciones evocadas más potente es la de constante amenaza. The Lurking Fear hace honor a su nombre y ambos músicos se esfuerzan para que el oyente no haga pie en ningún instante... "Unknown Kadath" va mutando hacia una suerte de Score cinematográfico de un viejo y apócrifo film ruso espacial (atentos al acojonante pulso que aparece a partir del minuto 6 como una hélice subsónica...), para acabar fundiéndose en una putrefacta caja de música.


Sigue "Hidátide", pura torsión del sonido tal y como la Hidátide de Morgagni manifiesta. Giro fibroso del eje vascular en una vorágine llena de acoples de lo que parece una guitarra procesada y casi llegando a la fuerza destructiva del Industrial/Power Electronics. La homónima "The Lurking Fear" llega a los 20 minutos de duración y pasa por todos los intervalos que te puedas imaginar dentro de un Via Crucis Cósmico... desde los motivos de campanillas dentro de un contexto pseudo-ritual al maravilloso ambiente que dan las espaciadas notas del violín. 

Avanzando de forma sutil, vuelvo a decir que una de las principales bazas de este trabajo es que respira de fondo un intento soterrado de melodía que ayuda como testigo, guía o Caronte a no perderse (y perder el sentido). Por poner ejemplos con nombres, quizás el dúo experimental CYCLOBE de Ossian Brown y Stephen Thrower sea buena comparación (el secreto está en la mezcla de Dark Ambient, Soundtrack, Abstract y Drone). Atentos a cómo se va transformando el tema con la aparición de la batería (minuto 9 o así) subiendo la intensidad en una pira funeraria magnética donde arden burbujeantes magma, incienso y mirra.

Discazo.

viernes, 22 de noviembre de 2019

CRÓNICA 29 FANCINE: JUEVES 21.... THE END


Acaba la 29 Edición de FANCINE. A estas alturas los medios oficiales ya se habrán hecho eco de todos los galardones, se celebró la Gala, y encima ayer tuve que asistir al triste espectáculo de ver la caseta de Merchandising vacía y sin adornos, exangüe y sin iluminar. Salía de ver lo nuevo de Takashi Miike cuando me la encontré, oscura, sin posters, sin nada... allí bajo el inclemente temporal lluvioso. Todo pasa, todo llega, pero la alegría del Eterno Retorno, del Renacimiento, es inherente al ser humano y pronto el proceso será inverso... ver montar la caseta para el 30 FANCINE provocará en mí alegría, paz y sosiego (parezco sacado de El Nombre de la Rosa hoy). 

El último paseo ritual desde las salas a la parada del Bus es como una ruta trashumante. Lleva ya marcado mi paso y mi ADN... fácil de rastrear porque no me desvío ni un sólo paso. En mi último paseo evito mirar hacia atrás no fuera a ser que convierta en piedra al Cine Albéniz, o no sea capaz de aguantar el dolor de la despedida... o a efectos prácticos, no vaya a perder el Autobús Nocturno y entonces sí que me invadirá una risa nerviosa.

La selección de películas ha sido fantástica, con mucho nivel tal y como viene ocurriendo desde las últimas ediciones. Hubo un tiempo de debacle en que creí que el Festival tiraría por derroteros asequibles y olvidaría al espectador ávido de todo tipo de sensaciones... y gracias a los cielos, esto no ha ocurrido. 

En estos años hemos tenido auténticas bestias pardas fílmicas, sin concesión ninguna, como por ejemplo The Golden Glove (y acordaros de la seca y brutal Love Me Not de la edición pasada). La hemoglobina no ha bajado ni un pelo y Bliss ha estado ahí para recordarlo. Luego tenemos ese cine raro y cuasi experimental que nos ha llegado con la maravillosa Koko Di Koko Da, The Antenna (con todos sus defectos me ha encantado) y muchas más... un poco en la senda de esas The Bunker o Murder Me, Monster

Hemos asistido a modas y repuntes del Terror Oriental, al fabuloso Thriller Coreano o a los últimos coletazos del ya manido cine de terror extremo Francés que han sido sustituidos por una forma de rodar fresca y plástica que aunque todo el mundo cite a Mandy como referente, sus acetábulos dan para un debate más largo del que pudiera yo suscitar aquí (Let The Corpses Tan, el cine de Nicolas Winding Refn...). Cine Asia ha aportado exquisitas perlas como The Wild Goose Like o la presencia del referente Brillante Mendoza, todo ello en uno de los años en que más invitados recuerdo.

En definitiva, FANCINE es un festival actual, potente y en continuo crecimiento que se dirige de forma inexorable a su 30 Aniversario, y yo espero si la salud, los acontecimientos y la vida misma lo permite tener el lujo de contarlo por aquí. 

Agradecer a mi familia la complicidad y el trabajo enorme de paciencia en estos días, a los organizadores, coordinadores de prensa, altos estamentos de Fancine, colaboradores de la Uma, los trabajadores del Albéniz y demás que un año más hacen que uno se sienta arropado y cuidado. Es enorme el mecanismo que hay detrás del Festival y cada muesca del engranaje necesitaría un homenaje. GRACIAS POR TODO!.

Cuesta creer que se acabe, pero se acaba. Permitidme que hoy haga las reseñas que me quedan de una forma más fluida o me temo que se me van a desprender los dedos de las manos.




Ayer tuve la oportunidad de ver CRASH de Cronenberg en su excelente versión restaurada... todo un clásico que no creo que precise reseña. Cronenberg es una etiqueta en sí misma y su cine ha sido objeto de tantos estudios que poco podría añadir un simple bloggero como yo al asunto. Sigue fresca, actual y potente, sin perder un ápice de su perturbadora esencia. 

A continuación vi The Wild Goose Lake de Diao Yinan, película que viene tras pasar por múltiples festivales... un sorprendente Noir con preciosa fotografía que va de menos a más y cuyo tramo final es glorioso. Impecablemente narrada y visualmente arrebatadora. Su director ganaría el Festival de Berlín con la anterior Black Coal (2014). El poliédrico uso de los colores, la minimalista banda sonora, las complicadas y laberínticas calles y unos planos de cámara soberbios son sus puntos fuertes. 

Tras esta exquisitez evidentemente el contraste con First Love de Takashi Miike es brutal y no conecté esta vez con su película. First Love me ha parecido demasiado asequible, ausente de la bizarrez de algunos productos de su director más logrados. Su forma de narrar va a trompicones y hay momentos en que me aburrí como una ostra. Con todo tiene todos esos elementos que hacen disfrutable cada producto que nos ofrece. Para gustos, los colores claro... a mí me pareció muy descafeinada.

En estos días también tuve ocasión de ver la desasosegante Aniara, cinta sueca de ciencia ficción existencialista muy recomendable o la costumbrista Gwen, un poco en la línea de esa nueva ola de  Horror Folk de películas como The Witch, la revisión We Are What We Are (prefiero de largo la original mejicana) y muchas más. Tengo que dejarlo aquí o voy a caer literalmente muerto delante de la pantalla. Los ojos no me dan para más.

Nada más. Gracias y Gracias.