viernes, 20 de enero de 2017

ARÍN DODÓ - "DEGENERACIÓN PROGRESIVA"; AUTOEDITADO, 2016)


JG ENTONADO es un No Músico improvisador de Madrid, autodefinido como Procesador de Ideas Autónomo, y que por poner una fecha de partida artística digamos año 2000 si no me fallan los datos. Fundador además junto con Ricardo Tejero y Gregorio Kazaroff de RARAS MÚSICAS, especie de colectivo que aglutina artistas, eventos y mil historias más alrededor de la exploración musical. Para los que quieran indagar más, dejo un enlace:


POLIEDRO KOBOLD nace con el espíritu de comuna que definía a tantos artistas improvisadores tanto en Alemania como en la Europa del este en plenos años 70. La improvisación a mano armada, la performance que se alía con la música y una presencia totalmente activista y contracorriente. 

Entre el primer trabajo de POLIEDRO KOBOLD, titulado "Kobold 1" (2000), y "Faltan 30 minutos para morir en el Cadalso", último disco de 2005, pasan una serie de años (diríanse 3), en los que JG ENTONADO se manifiesta terrenalmente en solitario previamente a formar lo que sería su alter ego ARÍN DODÓ

De esta extraña etapa saldrían "Doce formas de evitar a un idiota" (2006) o el interesantísimo "Colaboraciones esporádicas en un instante cósmico" (2007), en la que aporta voz y letras nada más y nada menos que a REZNIK, banda de culto donde las haya y que llegaría a sacar "El Mal" con Alone Records (2009).

Llegamos a 2008 y se forma ARÍN DODÓ, que en palabras del artista es un juego de palabras proveniente de KOBOLD (K.O: deJAR sÍN sentiDO; BOLD: descaraDO). Cogiendo las dos últimas letras de cada palabra de la traducción del inglés al castellano daría el nombre ARÍN DODÓ. Además, habría que aclarar que el KOBOLD en la mitología alemana son enanitos dedicados a la minería, recolectadores de mineral, que despreciaban la mena (con valor económico) y aprovechaban la ganga (parte inservible). Por cierto que también es una marca de aspiradoras...

Ese metafórico abandono de la parte valiosa y entronización de lo degenerado es lo que define el espíritu de ARÍN DODÓ.


"Lección magistral impartida por el Pretor de la República de Anatolia", de 2008, marca el inicio de esta nueva etapa del madrileño, aunque justo un pelín antes (o después), edita un tema bajo el nombre J.G.ENTONADO en el recopilatorio VANGUARDIAS Y RUIDOS (If a Mys Records, 2008) del que hablaré en profundidad en futuras reseñas. 

Se van sucediendo trabajos y músicos en la formación.... "Rítmica y tímbrica infrahumana lifasofioica" (2009), "La procesión del perrito faldero a las profundidades del averno" (2010), "Sinfonia Espacial en el Planeta Ynos" (2011), el prolífico año 2012 donde destaca entre otros "La inspiración la encuentro limpiando el retrete de mi casa", la explosión cuasi internacional de 2013 con "Primer encuentro para el silencio eléctrico en la Alcazaba de Almería en el marco de Moradas 2013" y algunas historias más, como la formación VIALUCISTRÍO de 2015.

Este "Degeneración Progresiva" del que voy a contaros, contiene grabaciones comprendidas entre los años 2014 y 2016, y se divide en 3 largas suites cada una de las cuales se compone de subpiezas en las que el ritmo sonoro-narrativo desafía cualquier tipo de orden establecido que se nos pueda venir a la jodida cabeza. Autoeditado en cd, y con diseño de ENRIQUE CORDERO:


En "DPIII", pasamos con una facilidad pasmosa del free jazz tribal a lo primeros ART ENSEMBLE OF CHICAGO a los ambientes operísticos del Rock en Oposición de CASSIBER. Esa faceta brutalmente espontánea dota a la música de cierto cariz de vértigo, y saltamos ominosamente de las alucinantes ecolalias vocales (algo así como si a Mr.Bean le hubiera dado por cantar como Mike Patton en los MOONCHILD de JOHN ZORN), a endiablados trances en los que participan percusiones, contrabajos y un sinfín de instrumentos. 


"Degeneración Progresiva" no participa de ninguna estructura activa, pero sí sugiere el carácter de una obra conceptual. No sé si es la intención del autor, pero pequeñas piezas o trozos más centrados en la voz sirven de puente a las tremendas instrumentaciones de Entonado, que está claro que no es un novato en estas lides. Además, el saxo barítono de Diushi Keri en "DPI" tiene el timbre y afinación característica de los improvisadores como Wadada Leo Smith y tantos otros músicos de la AACC.

En cierto modo, lo europeo se alía con el downtown más terrorista para darnos una bofeta y esconder la mano... no sabemos si la torta nos la ha dado Carla Bley o el hermano bastardo de Chris Cutler y Frith. Basta escuchar los devaneos y diálogos entre piano y voz del último tramo del primer tema para que perdamos pie.

El free jazz más deconstructor es el punto fuerte de "DPII", con colaboración de Diushi Keri al saxo tenor, teclados y batería. La improvisación de auténticas bestias pardas como SPONTANEOUS MUSIC ENSEMBLE y otros grandes del free inglés campan como cadáveres por los devaneos abstractos en los primeros compases del tema. Ese magnético juego brutal entre los músicos al que era dado TREVOR WATTS en la citada banda inglesa, tan herméticos en ocasiones como líricos en otras. 

Eso y más es lo que me sugiere la musica de ARÍN DODÓ... un puente entre dos mundos como son el norteamericano (Chicago) y Londres por ejemplo. Poneos el cd a partir del minuto 6 del segundo tema y no sabréis si es la nueva encarnación de Zorn en Tzadik (con Patton o sin él), NAKED CITY o un grupo de Death Metal que hubiesen compuesto una pieza para batería y saxo.  Fantástico el último tramo del tema con un duelo de teclados catedralicios y voz para quitarse el sombrero.

"DPI" (no sé si os habéis dado cuenta en el orden de las canciones, pero la degeneración es progresiva), es una ópera bizarra con música de cámara y el saxo barítono de Keri. Nuevamente el Rock en Oposición sale a la palestra, y en algunos tramos casi que podríamos entroncarlo con esa grandísima obra que es "ESCALATOR OVER THE HILL", ópera jazz o lo que diablos sea. El contrabajo tocado con arco establece los ambientes más lóbregos, mientras que las transiciones son realizadas a golpe de punteos y masturbaciones de las escalas. 

Aquel que ha visto en directo a BARRY GUY sabe de lo que hablo. Sigue el tema en clave más free jazz, con piano, percusiones y vientos de auténtico infarto redondeando un trabajo que efectivamente sigue una curiosa línea progresiva (inversa en un sentido que no soy capaz de explicar); varias pequeñas piezas (low-fi psicodelia vs metal o yo que sé) van cerrando intensamente "DPI" y lo primero que hago cuando termina es volver a pulsar el play. 

Tremebundo y de adquisición obligada.





miércoles, 18 de enero de 2017

STRANDED - STRANDED (EL MUELLE RECORDS; EMR-015, 2016)


En una estilizadísima línea bizarra, que tuviera la propiedad de curvarse imaginariamente en los extremos de sus últimos tramos, podríamos conectar de algún modo un Muelle entre Málaga y algún punto de Colombia en su parte Norte, aunque aun así tendríamos que bordear y adentrarnos en tierra para llegar a Medellín

Conexión Malaco - Colombiana en un imposible viaje parcialmente bajo agua en el que dos músicos como Pepo Galán y Gärtner Ceballos Esteban Juan se conectan subsónicamente en una especie de apócrifo viaje de un trasnochado y adicto al LSD, Capitán Nemo... unas 20.000 Leguas de Viaje Sonoro Submarino. Una epifanía bajo el agua de dimensiones colosales.

Describir esta hora de viaje cinemático es difícil. Una especie de Psicomotricidad Sonora nos imbuye desde el primer segundo de la descompresión. El agua es sustituida por aceite y la vibración prima sobre el sonido cristalino... lo que es lo mismo, los ambientes de electrónica LoFi desplazan las moléculas de prístinos decibelios a una superficie distinta tal cual el aceite y el agua se repelen. La música es lánguida, arrastrada y tiene el carácter sublime y épico que el agua imprime a la muerte del ahogado... pero sin ser pesimista en modo alguno, sino sugerentemente mayestática.

Puestos a realizar más metáforas, STRANDED, que así se llama el proyecto editado por EL MUELLE RECORDS en su referencia número 15 ya, viene a ser como eyacular en gravedad cero. 

Lo abisal copula con la superficie. 

Aquel que ha tenido el privilegio de bucear en aguas cristalinas sabe lo que es el miedo. El Mar nos atrapa en todo su esplendor numinoso transformando la belleza en amenaza; es un símil tan necesario como real... el agua guarda el principio y el final de la existencia, y los sentidos se amortiguan y bajamos las defensas. 

Somos habitantes exiliados se ese mundo que ya no nos acoge como antaño. El hijo pródigo que debería no haber retornado jamás.

Dos artistas con una visión muy similar de lo electrónico. Moldeadores del sonido en pos de dotarlo de organicidad y vida propia hasta el punto de que pedal se fusiona con guitarra y viceversa. Un sólo ente que transita a izquierda o derecha del desenfoque. Porque la música de STRANDED es tremendamente difusa. Flota y es real pero no puede atraparse. Son motas de polvo que brillan a la luz del sol... motas que pueden ser escamas de piel de alguien que falleció hace eones, o quizás estratos perdidos de una civilización ignota. Da igual, en el zumo del polvo de estrellas nadie tiene la voz cantante. 

Aunque uno no se quita de la cabeza los experimentos drónicos de Brian Eno en sus facetas más experimentales, hay un cierto grado de psicodelia borrosa en el conjunto que lleva la música a otro nivel y hacen que no pierdas pie un sólo instante. 

Tu ángel de la guarda se ahogó hace siglos, pero su melodía sigue transmitiéndose en los fondos marinos en la más ignota estación de radio que hayamos conocido jamás. Frecuencias Moduladas, demultiplexaciones hasta el infinito... 

DEMODULACIÓN.

Hay que escuchar este disco con auriculares en estado calmo. dejarse llevar por la belleza de las composiciones que se van desplazando a modo de olas y pulsos como las mareas. Allá abajo todo sigue sus propias reglas e igualmente aquí nunca nos detenemos en una melodía concreta, aunque sí es sugerida en todo momento. 

En cierto modo, el agua es la mejor mortaja a la que el ser humano puede aspirar.

https://elmuellerecords.bandcamp.com/album/stranded

https://www.facebook.com/El-Muelle-Records-921375844599786/?fref=ts

https://www.facebook.com/ceballos.gartner?fref=ts


EDUI BERCEDO - "HISTORIAS DEL CALOR" (PEQUEÑA CRIATURA/LOS 80 PASAN FACTURA; 2016)


Durante meses he dudado si realizar o no esta reseña. En primera instancia no me consideraba la persona más idónea para valorar el trabajo "Historias del Calor" de Eduardo Bercedo. Acostumbrado uno a los más claustrofóbicos recovecos de la música patria, y quizás imbuido de cierta adicción por el ruido y lo experimental, el contraste era tan brutal que me sentí chocado en las primeras escuchas. Estaba fuera de lugar, y hacía ya demasiado tiempo que no sentía el contacto de una canción simple, sencilla y desnuda.

Dejar madurar el disco, ser sincero con uno mismo, y rescatarlo tiempo después para ver si verdaderamente tenía yo algo que aportar. La verdad es que una segunda aproximación al Ep (editado por los espíritus inquietos de Jonathan Delgado y Alfredo Arnaiz Yanes, de los sellos Pequeña Criatura y Los 80 Pasan Factura) es la que me lleva a sentirme seducido por la sencillez de guitarra acústica que inunda este corta duración de un músico de currículum tan amplio como es Bercedo

30 años de carrera, pionero del punk como bajista de Familia Real en los años 80, compositor Pop en los años de La Movida en La Donna Inmóvil (grabando maqueta y disco para JaJa Records de Tenerife) y Venus En Surf, grupo de auténtico culto que viviría su esplendor en plenos años 90.... el caso es que claro, estamos hablando de sitios tan cerrados a nivel musical como son Las Islas Canarias. Puede parecer una tontería esto en tiempos de globalización que vivimos, pero por conocidos tanto de grupos y sellos de diversas islas es tarea encomiable hacerse conocer. 

Vaya, que a veces uno tiene la sensación de ser un producto venido del Aliexpress o algo así. Cualquier isla tiene la ventaja de aislarse de las mareas de mierda del exterior, pero en ocasiones uno quiere expulsar la suya y las mareas te traen tus cosas una y otra vez. Frustrante cuanto menos.

Edui Bercedo allá por 2011 o así decide emprender carrera en solitario, a nivel acústico, y arropado mínimamente por la batería de Antonio Koppel (por cierto compañero en La Colonia, uno de sus primeros grupos), se lanza a una suerte de carrera en la que espera resaltar la complejidad de lo simple. Muchas más historias y proyectos quedan para la investigación del oyente; Los Innutrios, Nuclear Baby o los primerizos Los Signos de la Lluvia... pura arqueología musical de tradición casi oral que espera y merece ser rescatada por gente más preparada y apta que yo.

El caso es que "Historias del Calor", que sigue a su disco de 2010, "La Fiesta de los No Invitados", marca el inicio de un reinicio, valga la redundancia, con el que Bercedo se desnuda y ofrece sus trabajadas letras de Pop Punk al servicio del oyente. Sus aires bucólicos, pesimistas y meditabundos se recogen en temas como "Ángel Desierto", auténtico poema a modo de road movie con un swing que tira de espaldas, casi rocanrollero, y que casi roza el pop-rock de los artistas argentinos que nos inundaron a mediados de los 90. En cierta medida, se me vienen a la cabeza aquellos TEBEO de "Labios Rojos" (¿Alguien recuerda?)...

La homónima "Historias del Calor" habla del aislamiento más oscuro. De las profundidades y subconductos de la psique humana en plena contradicción/ficción emocional. Guitarra y batería, y Bercedo cantando como un trobador urbano sus letras planeadoras y oníricas. Cierto aire surrealista en su prosa, pero de tintes cálidos y poéticos... sin trampa ni cartón. Como encontrarte un cadáver un día de primavera en un paseo por la playa; la brisa es cálida, todo es agradable, pero ahí está ese jodido cuerpo que te enturbia el día.

"La Dulce Mañana", suerte de Mod Beat lento, es un himno a la juventud. Una oda eufórica que data de 1998 y en la que Bercedo expresa su nihilismo a base de un pop muy asequible en lo musical, pero a la vez hermético en cuanto a las letras. Más inmediata es "Los Salvadores", crítica contra el sistema económico en general, la crisis en todas sus vertientes y una forma distinta de tratar los temas habituales de un género tan denostado como es el Punk.

Esta pequeña joyita de cuatro canciones es el manifiesto de un músico que se arranca la epidermis gastada y hace crecer su piel nueva, que es más sabia, comedida y dura. Al ser tan corto prácticamente pasa como un suspiro, y es cierto que quizás algún arreglo le daría una dimensión más gruesa al conjunto... pero claro, sería romper la filosofía que empapa este trabajo y yo no soy quién para hablar de los demonios personales de nadie, pero es que las fantásticas letras de Bercedo quedarían a sus anchas con  vientos y algo más de instrumentación.

Lejos quedan tiempos de derramar la bilis, porque a veces el mensaje por más que uno quiera enrabietarse, queda más crudo si uno lo ofrece con la tranquilidad que dan los años. ¿Domesticación?... no creo. Maduración podría ser la palabra.




lunes, 16 de enero de 2017

KAZERIA & APHLAR - "IN BOLSKAN" (GRADUAL HATE RECORDS; GH129CD, 2016)


Desde Buenos Aires, el proyecto KAZERIA lleva desde 2008 hablando sobre el mundo antiguo y su nombre remite a un arcaizante uso de la palabra CACERÍA. Su espíritu musical en este nuevo trabajo se aleja algo de sus discos previos (en esta ocasión alía fuerzas con APHLAR, músico de Neofolk también de Buenos Aires) para dar forma a IN BOLSKAN, trabajo conceptual inspirado por un viaje de (S.) a la zona norteña de España (Huesca, antiguo Bolskan de Aragón), donde es embebido del particular paisaje y  ritos como la Semana Santa Aragonesa. 

El ocultismo militarizante da paso al beso de la piedra salada.


El trabajo es editado bajo el apadrinamiento de GRADUAL HATE RECORDS, y nos ofrece 25 minutos de un Neofolk marcial a base de orquestaciones, guitarra acústica y todos los consabidos ingredientes del género. Recordar sobre el término BOLSKAN que fue una ciudad íbera ubicada en territorio de los suessetanos, que posteriormente pasaría a llamarse OSCA, y actualmente Huesca.

El temazo "In Bolskan" abre el disco a ritmo procesionario y marcial, pero con el marchamo de lo antiguo... con la sensación de estar pisando un empedrado preternatural irrigado en el pasado con la sangre de nuestros antepasados. Un maravilloso punteo de guitarra melancólico acompaña el martillar de los tambores.

Sigue "Walls Of Luar", a ratos muy Death In June, en otros momentos más introspectivos a lo Ordo Rosarius Equilibrio, y pasando un poco por ese sonido peninsular de bandas como Keltika Hispanna, Sangre Cavallum en Portugal, Árnica... y en general toda esa "Generación Raíz Ibérica". Las voces son correctas aunque sin muchos alardes; un punto medio entre el recitado y el susurro, siendo el punto fuerte de KAZERIA las instrumentaciones. 

Sobre un colchón de percusiones, samples y orquestaciones se yergue el siempre presente rasgueo de la acústica, que define un estilo como es el Neofolk, que alcanza cotas de calidad altísima en temas como "One With These Stones", con la voz algo más gutural y una repetición mántrica del estribillo. La guitarra y teclados bordean casi el doom folk de bandas como Empyrium pero en clave minimalista, claro está. 

El mismo ambiente sobrio, lúgubre y funesto empapa la catedralicia "Winds And Ruins", aromatizada con el incienso de los cadáveres quemados. Nuestras fosas nasales se imbuyen del polvo de piedras que se derrumban tras siglos enhiestas en un temazo que bebe a partes iguales del Dark Ambient o del Doom más ambiental. Tras un parón de unos minutos (lo siento, para mi gusto rompe el ritmo de la escucha y es un error), vuelve la melodía inicial del disco pero algo cambiada en "Montearagón".

IN BOLSKAN es un muy buen Ep de Neofolk Marcial que cuenta con la particularidad de estar ambientado espiritual y sonoramente con el Norte de España, además de compartir ese espíritu particular de las bandas antes citadas que luchan por rescatar del olvido el folclore de nuestra península, tanto a nivel de ritos, conceptos, lenguaje oral o música olvidada.


martes, 10 de enero de 2017

ORTHODOX - "SUPREME" (UTECH RECORDS; URCD103, 2017)


Desde Mesopotamia a Egipto, la figura del Grifo era venerada, encontrándose incluso referencias en la Vieja India. En Asiria se le relacionaba con la sabiduría, para luego pasar a la mitología griega (y posterior romanización y consiguiente dilución en la nada) hasta el punto de que la leyenda cita que Alejandro El Magno ató con arneses a 8 Grifos a una cesta con la que voló a los cielos y conquistó el resto de la Tierra (a estas alturas, la fama precedía a Alejandro, y puede suponerse que sólo los cielos se le resistían).

Alejandro III El Macedonio es también conocido en la historia como Alejandro Magno (Μέγας Αλέξανδρος o Mégas Aléxandros). SUPREMO es el atributo que Filipo le daría a Alejandro al nombrarlo Comandante Estratega de los Helenos... COMANDANTE SUPREMO

Partiendo de esta premisa conceptual, ORTHODOX publica con UTECH su sexto trabajo conquistando el ultramundo antropológico, quizás el sitio donde más a gusto se sienten, y coronándose por derecho propio en auténticos Reyes de Asfódelos. Destilados hace tiempo ya a formato dúo, y destruyendo completamente cualquier muro, barrera o reino que se les resista, cierran, comprimen o resumen etapa en esta grandiosa sesión que ha dado en llamarse "SUPREME"

El precioso diseño corre a cargo de DENIS FORKAS KOSTROMITIN, y el logo es de JAMIE LAWSON. Edición en cd limitada a 300 copias en bronce metalizado y 40 copias en rojo metálico (ambas ediciones con Obi), que invoco a los Dioses Primitivos para que tengan en su gloria de acordarse de su humilde servidor.

Así pues, MARCO SERRATO y BORJA DÍAZ nombran comandante en funciones al ínclito AQUILEAS POLYCHRONIDIS PÓ, que se suma con su saxo electrificado a las huestes de ORTHODOX en una representación mítica que disuelve el Ego y rememora las hazañas cósmicas de Alejandro en la Vieja Macedonia.


Pongamos como punto de partida el Jueves 25 de Junio de 2015, donde Orthodox visitan tierras malagueñas para traernos en directo "Crown For A Mole", el primerizo adelanto (diríamos que en "Raw Version") de "AXIS". La mañana previa al concierto se graba esta sesión de 36 minutos y posteriormente los sevillanos compartirían escenario con SKULLFUCK, la banda de Aki Pó, Daniel Vega y las percusiones de Asier Etxaniz (que por cierto darían un intenso y visceral concierto que me dejaría la mandíbula a la altura de los tobillos):


Orthodox por su parte iniciaban gira y proyecto. Días antes (creo que más o menos el 15 de Junio de 2015), grababan la cinta de culto "DEMONIO DEL MEDIODÍA" (Knockturne Records) con colaboraciones de Xavier Castroviejo (Blooming Látigo, Naja Naja, Pylar...) y el propio Aki Pó

Supongo que la idea de grabar una sesión de estas características partiría de esa vorágine creativa (además de la cara B de la susodicha cinta, que creo es un fabuloso preludio del trabajo que nos ocupa), en la que por cierto si no recuerdo mal, Borja Díaz acababa de adquirir una batería roja que de la forma que suena, puedo afirmar con rotundidad que se la ha comprado al propio primo hermano de Scott Columbus de MANOWAR. Muchos flecos creativos a partir de aquí, incluso con proyectos con ciertos paralelismos como el discazo "SPAIN IS THE PLACE" (Raw Tonk Record, 2016) con la formación añadida de Colin Webster y Ricardo Tejero como SPUTNIK TRIO.

Pero falta un dato en la ecuación. En "SUPREME", Orthodox han buceado al perverso pasado de "GRAN PODER" para empaparse de toda la angustia que destilaban sus ralentizadas notas; ese asfixiante, claustrofóbico y oleoso paso marcial tectónico en clave doom, es primitivizado al exceso mediante el Noise intenso del saxo de Akilleas Pó, de tal suerte que el rito de paso es realizado en el interior de una oscura cueva donde el Mito y el Logos se confunden, se aparean y dan como resultado una música cuneiforme, angulosa y pútridamente adictiva.

La gruesa, reverberante afinación del bajo de Serrato es el preludio de un auténtico viaje iniciático. Las cuerdas tortuosas remiten a "ARCONTE". Lentamente las percusiones marciales, hipnóticas y procesionarias de Borja dejan claro que el oxígeno que tenemos va a ser escaso. Lento, muy lento empieza el tema. El bajo bien podría tener una sóla cuerda electrificada pero del tamaño de la soga que ata a los barcos; una placa tectónica electrificada daría resultados similares. Serrato en su faceta más experimental siempre me ha recordado a los primeros discos de MANOWAR, cuando Joey de Maio sometía el instrumento a largas sesiones de apareamiento sin sobreproducciones.

Sin concesiones, el saxo de Aquilleas llama a la guerra a partir del minuto 4. En plena estampida paquidérmica, los tres instrumentos se aúnan en una siniestra jam de doom psicodélico que ríase usted de Electric Wizard o Sunno))). Si Basil Poledouris y Sun Ra hubiesen tenido un grupo de metal, habría sonado a esto. Un saxo que se retroalimenta, que está embebido de una mala baba asfixiante que casi se lleva al límite de sus posibilidades... impertérritos, la base rítmica continúa su endiablado diálogo admonitorio. 

Esta versión de Orthodox suena a tejido sonoro muerto y esfacelado. Como si interrumpiéramos el riego sanguíneo al sonido, y este estuviese agonizando y necrotizándose en una trama dantesca, asistimos a requiebros y estertores en los que nunca hacemos pie, aunque lentamente se configura una melodía de bajo mínima; pero el saxo se niega tres veces a sí mismo... es la luz de una estrella muerta y el sonido de los vientos sigue llegando e irrigando a la base rítmica; Aquilleas es posible que lleve 1.000 años enterrado y su espectro sonoro segue bautizándonos en mugre.

Alejandro El Magno cabalga sus Grifos a la conquista de la Eternidad y puesto de jodidos hongos en mal estado tiñe las nubes de rojo sangre. Serrato provoca una auténtica tormenta de Lo Fi que dialoga incesantemente con el anti-Jazz entrecortado de la batería de Borja, y la saliva dees lluvia ácida malsana en el tremendo clímax final del tema, que lejos de disminuir, tiende al infinito es una espiral creadora interminable.

La Guerra suena a esto. La sangre huele a metal; a cobre... y Orthodox en "SUPREME" se han bañado en la sangre de los Dioses de la Guerra. Cobrizos, ungidos, elevados a las nubes inmisericordes de una batalla que se libra en otro plano de la realidad. Si COLTRANE en "A Love Supreme" sufrió una revelación liberadora, aquí asistimos al proceso contrario.

Un Eterno Mahabharata; un atribulado Viejo Testamento, un elongado Gilgamesh... un Popol Vuh estelar que te empala cuerpo y mente y no te suelta hasta que no eres más que un trapo inane que barre el viento.







lunes, 9 de enero de 2017

108 VECES EN LA CÓPULA DE UNA ALONDRA (PARTE II)


“¡Oh! Dios mío, nunca me inclino a escuchar el grito de un animal, el sonido de las hojas de los árboles, el murmullo del agua o la salmodia de los pájaros. Nunca presto oídos al rumor del viento, al susurro del aliento o al estrépito del trueno, sin descubrir en ello el testimonio de Tu Unidad, y una prueba de que nada en el mundo puede ser comparable a Ti”

CAPÍTULO 1: ALONDRA SATORI

La sinapsis Cidrón-Guillén da como resultado la creación de ALONDRA SATORI, pongamos que oficialmente en 2007, donde el dúo realiza una extensa presentación o serie de conciertos que darían lugar a su debut discográfico en formato triple cd, recogiendo nada más y nada menos que casi 3 horas y media de música.

Con respecto al nombre del grupo, y haciendo extensible este a la filosofía propia con la que se crea el proyecto, es importante la figura del místico Dhû-l-Nûn el Egipcio, y por ende su discípulo Abu al-Abbas Ahmad ibn Muhmmad ibn Musa ibn Ata Allah al-Sinhayi, más conocido como Ibn al-Arif, Ben al-Arif o Abenalarif, padre de la escuela sufista de Pechina en Almería ( * añado en el anexo información extraída de la Almeríapedia y otros enlaces que esclarecen bastante el asunto). 

En suma, diríamos que el despertar, nacimiento (o bautismo) espiritual ritual entronca directamente con el monicker ALONDRA SATORI... pero esto es algo que dejo para el investigador concienzudo.

La edición del triple cd corre a cargo de EXTRARRADIO (EXT008) y como comenté previamente, se divide el trabajo en tres partes claramente diferenciadas. La portada y diseño corren a cargo de José María Jiménez y nos muestra una preciosa alondra con los ojos vendados a base de caligrafía árabe/persa. Podríamos hablar del carácter meditativo de la caligrafía a través de la simetría de los trazos, pero esa es otra historia.

CAPÍTULO 2: TRIMURTI


++ EN SOF ++

La formación en este primer cd es de J.M Cidrón (moog voyager, korg microX, rm1x, cuencos tibetanos, percusiones, samples, hammond, megáfono y radio), A.L. Guillén (guitarra eléctrica, kaoss pad3, rm1x, moog Lp, darbuka, percusiones, samplers, juguetes, mate, theremín, bajo, globos, bolas chinas y cacerola gnóstica) y Nusrat Cabrera Roldán (voz y percusiones).

Se recoge un collage de 6 sesiones de sitios como la Sala Malevaje, el Festival por la Libertad de Expresión (Escuela de Bellas Artes, Almería), la Sala Organ Jazz y el Festival Territorio Eléctrico

La música de ALONDRA SATORI transita a lo largo de 79 minutos por un hipnótico muro de sonido que disuelve al oyente y lo convierte en parte del momento (instante). 

Al igual que la repetición de los 108 nombres sagrados de cualquier deidad hindú, nos sentimos dragados a un bucle mántrico en el que lo electroacústico emula una cuenta de rosario que se desgastase cada vez que nuestros oídos la escuchasen. ** Sobre el Japa-Mala incluyo un enlace en el anexo para los que quieran investigar el tema.

A ratos drum´n bass, a ratos puramente experimental, estamos sin duda ante un arriesgado proyecto en el que se sublima la palabra "progresivo" llevándola a niveles de auténtico paroxismo sonoro. El kraut, la psicodelia o la world music en un compost macerado bajo un sol inclemente en pleno desierto almeriense....

Cada atributo de la deidad es nombrado de una determinada forma sagrada, y se convierte en avatar viviente de la divinidad. Curiosamente, en la cábala, del AIN-SOF emanan las Sefirot (ramas) para la formación del árbol abstracto de la Vida. El todo remite a lo individual en la Pléroma... pero ese es un tema que trataremos mucho más adelante.


++ LUX MAHABA ++

Con temas recogidos de 10 sesiones en sitios como Baños Árabes Almeraya, Lanjar de Andaran o Pub Zaguán, en este segundo cd la formación es nuevamente de dúo, añadiéndose bastante más spoken word y con un ritmo mucho más sosegado e hipnótico. Ritmos de xilófono, arranques de música sufí, electrónica de combate... todo con el espíritu de una Jam session kraut. 

Es difícil definir y etiquetar lo que hacen ALONDRA SATORI sin despegar su concepto de cierto aire comunal en el que puede pasar cualquier cosa. Maravilloso por cierto el clímax final del cd con aires a música japonesa.

Si alguien me pusiese una navaja en el cuello ahora mismo para definirlos con lo primero que se me pasase por la cabeza diría que suenan como si SUN RA y DON CHERRY se hubiesen unido en matrimonio, puestos hasta arriba de LSD y pasasen su luna de miel en el Monasterio de Petra. Hablando de Turquía, ALONDRA SATORI debe mucho a la figura del Derviche. La santidad monástica del Derviche (la iluminación mediante la ASCESIS), concretamente de la Orden de Mevlava (Yalal ad-Din Muhammad Rumi) en Konya podría emular al carácter giratorio de la música de ALONDRA SATORI... al igual que el derviche, la danza espiritual disuelve el EGO mientras alcanzan el éxtasis místico.

Pero claro, no sé si el lector avieso se ha dado cuenta pero el SATORI nos habla del budismo Zen, con lo que el carácter unificador del dúo almeriense se pone de manifiesto barroquizando todavía mas el asunto. 


++ UNIÓN ++

En este tercer collage de sesiones, J.M Cidrón y Guillén son acompañados por una pléyade de colaboradores: Nusrat CAbrera Roldán (voz, percusión, rababa), Florent (canto de tuva) y los Hermanos del Padre Eterno, Antonio The Young (piedras, Helter Koro-koro), Fran Segura (piedra), Angelina Olea (voz, percusión, piedras) y Angelina Guillén (voz, xilófono y latas). 5 sesiones en lugares como la Ermita del Padre Eterno en Granada o Las Menas-Calar Alto en la Sierra de Filabres

En este último cd el sonido de ALONDRA SATORI se ha regurgitado en sí mismo y convertido en una sublimación de Kraut Pastoral, electrónica lo-fi y Free jazz improvisatorio tocados en un elentecido pulso vibrátil. 

Místico, espiritual y ascético... un sonido depurado y mimado con un gusto exquisito por el detalle. A ratos parece que estamos en plena celebración o rito Bön tibetano, y en otras asistimos a toda una psicorragia en forma de vientos tratados, música sufí/persa e incluso ritmos africanos en el último tercio del cd (en esta parte estoy molecularmente disuelto en cánticos, percusiones e introeyaculaciones metapsíquicas).

Primeros Amon Düül pero con mucha más presencia de electrónica y aires religiosos, pero mezclados con los aires jazzísticos de CODONA, aquel maravilloso proyecto de Don Cherry, Colin Wallcott y Naná Vasconcelos. Retazos de Prog-Rock lisérgico, minimalismo ambiental y sobre todo, una poderosa imaginación rayana en la genialidad. Es verdaderamente difícil destacar un momento sobre otro, pero este tercer cd me ha parecido mucho más orgánico, dejándose de lado la electrónica de los dos primeros discos y haciendo mucho más hincapié en las percusiones o la improvisación libre, además de mucha más variedad y profundidad vocales (throat singing incluído).


Resumiendo, llega un momento en el que todas las caras del inmenso cubo rubik de la música de ALONDRA SATORI se cuadran y todo fluye en un brutal efecto elevador, disolutorio y auto-anatémico (en el sentido en que nosotros mismos los despojamos de cualquier credo). 

Estamos ante algo verdaderamente novedoso dentro del panorama musical, de índole universal y con un carácter tan caleidoscópico que es difícil no integrar la variedad en un todo. Este poderosísimo debut de casi cuatro horas de duración es una gema que curiosamente ya está pulida... aquí no hay que quitar esquirlas porque es oro todo lo que reluce.

(continuará)....

ANEXO:

* ENLACES DE INTERÉS SOBRE LA ESCUELA SUFÍ DE ALMERÍA: 



* TEXTO EXTRAÍDO DE LA ALMERÍA PEDIA SOBRE LA ESCUELA DE PECHINA: 

En el año 884 llegan a Pechina unos ‘marinos’ del norte de África, que junto con los yemeníes, judíos y mozárabes forman una pacifica población y constituyen una “república marítima”, rodeando a la población que se había ido formando en torno a la mezquita de Umar, de una muralla. Pechina se transformó en una ciudad floreciente donde la cría de gusanos de seda y los telares tomaron una importancia relevante, a sus muros se acogía cada vez un numero mayor de mercaderes y artesanos. Esta mezquita de Umar ben Aswad, según cuenta el historiador almeriense del siglo XI, el Udri, tenía 7 naves dispuestas en 2 alas y unidas en el centro por una gran cúpula levantada sobre 4 grandes columnas. Se cuenta que esta cúpula estaba construida de tal forma que parecía sujetarse en el aire y era tal maravilla que acudían a verla desde todos los lugares.

Almería, la Atalaya de Pechina, nació, según el geógrafo el Bakri, en el año 955, a partir de ahí Pechina fue reduciéndose a una población donde buscan refugio pensadores, filósofos y sufies. Estas gentes llegaban huyendo de la intolerancia y el peligro al que estaban sometidos en otras comarcas debido a la difusión de sus ideas. A muchos de ellos, refugiarse en Pechina, les suponía salvar la vida. Estos y sus descendientes fueron los llamados “locos de Dios”, las personas que tienen corazón, por eso se dice que la estación más elevada del alma no es la prudencia o la veracidad, sino que es el amor integral, la absorción completa de la voluntad humana por la atracción divina; es el estado del “loco de amor” cuyo prototipo humano es Abraham (Mucho tiempo y olvido, que es ignorancia, ha tenido que pasar hasta que las palabras “locos de Pechina” lleguen a parecer un insulto cuando originariamente fueron un honor).

La escuela sufi de Pechina tiene sus raíces en la escuela del cordobés Ibn Masarra. El recorrido de esta escuela es el siguiente: se remonta a las doctrinas de Dul-nún el egipcio (año 860) traídas por Ibn Masarra (883-931) fortalecidas por Ismail ben Adb Allah al-Ruayní, renovadas por Ibn al-Arif de Almería y llevadas de nuevo a Oriente por Ibn Arabí el murciano (siglo XIII). Ibn Masarra nació en Córdoba en el año 883. Los representantes de la ortodoxia externa que conocían las –según ellos- impías y heterodoxas ideas de Ibn Masarra, se sorprendían cuando sabían que también era fundador de un método de disciplina ascética, distinto de los orientales. No podían comprender como un hombre que atribuía a la libertad humana la causalidad de sus actos y negaba los castigos del infierno, pudiera hablar en serio de reglas y métodos para purificar el alma de sus vicios y obtener la perfección espiritual.

Muchas de aquellas reglas se parecían a las prácticas de Dul-nun el Egipcio y al-Nuhrayuri, sobre todo en lo relativo al examen de conciencia particular y diario, como medio de elevar el alma a la morada mística de la sinceridad y pureza de intención. (explicar este ejercicio) De toda la teología de Ibn Masarra, la negación de premios y castigos de la vida futura, fue seguramente la más grave piedra de escándalo. Sin embargo nada más grande y heroico que la persecución de un alma limpia de pecado que reflejara como en un espejo, las ideas divinas, la visión en sueños. Esta escuela interpreta en sentido espiritual y metafórico los dogmas de resurrección de los cuerpos, del juicio final y de los premios y castigos físicos del paraíso y del infierno. Ibn Masarra murió a los 48 años, el día 20 de octubre del año 931. No tuvo hijos y uno de sus principales discípulos fue Ibn Ujt Abdón el de Pechina.

En Pechina reconocen a un jefe o imám religioso, a quien el pueblo obedece como si fuese el verdadero califa, pagándole además el impuesto del diezmo o azaque y guardan entre ellos las relaciones esotéricas de una sociedad secreta (que aún hoy sigue existiendo).

Este imám es Ismail Adb Allah al-Ruayni que huyendo de la persecución se refugió en la orilla izquierda del rio. Una hija suya tenía fama de extraordinaria cultura, interpretaba por su propio examen libre, los sentidos ocultos del Corán y, merecía el título de teóloga dogmatica. Fue llamada la Ruayniya, pero su nombre al parecer fue Fatma. También fueron masarríes el esposo de la Ruayniya, Ahmad el médico, y su hijo Yahya, así como otro hijo de Ismail, llamado Abu Harun.

** SOBRE EL JAPA-MALA O ROSARIO DE CUENTAS ORIENTAL: 





miércoles, 4 de enero de 2017

108 VECES 108 EN LA CÓPULA DE UNA ALONDRA (PARTE I)


 “¿Cómo hay que cantar?; La rana y la alondra no están de acuerdo” Masaoka Shiki

CAPÍTULO 0: INTRODUCCIÓN

En la Cenestesia (del griego κοινός /koinós/ "común" y αἴσθησις /aísthesis/ "sensación", "sensación en común") el ser humano rompe lazos con los órganos de los sentidos y se aboca a un viaje de conocimiento interior en la que cada corpúsculo, víscera y célula se convierte en una antena receptora de sensaciones. 

Los antiguos Vedas hablan sobre la observación atenta, la ruptura del velo de irrealidad de Maya y cómo derrocar las barreras de la percepción que condicionan al Ser Humano. Shiva, tercer ente de la Trimurti (tres-formas) hindú, depura el saber, lo licua y transforma abocándolo al cambio. Como Natarash el dios de la danza, su intención última de acondicionar al Universo para la gran venida de Brahmán o el conocimiento contrasta con su baile sobre el enano que representa la ignorancia del hombre. También representado en estado de meditación profunda en una mezcla de energía masculina (lingam) y femenina (ioni) para crear una única célula hermafrodita a partir de la cual nace todo lo que nos rodea.

La mística Sufí nos habla de la mente del que cree (otra vez ilusión), en Wahdat-ul-Shuhud, donde toda experiencia de unidad con dios está filtrada y separada por nuestra psique, que busca el estado de unión o Wahdat. La aniquilación del yo o Fanaa entroncaría directamente con conceptos como Nirvana o Moksha del esoterismo religioso hindú o tibetano.

En el Satori japonés, pasado, presente y futuro se funden en un instante revelador en el que atisbamos en formato ultraterreno la “razón del ser”… y es quizás la consecución de ese instante supremo lo que mueve a los músicos en ALONDRA SATORI, un proyecto meditativo/trascendental de implicaciones acrognósticas, patagnósticas y psicoactivas dirigidas a lanzar un misil que destruya el estado de inopia en el que vivimos.

Un todo musical que a pesar de estar compuesto de muchos tentáculos, su objetivo primordial es alcanzar un grado de unión y purificación comunal usando todo lo que esté a su alcance; desde la ancestralidad de lo acústico a la tecnología del EBM. 

Alrededor de la siempre interesante figura de A. L. Guillén, nacido en Granada, pero ciudadano del mundo, se van a ir moviendo una serie de músicos y colaboradores en un complejo pero apasionante ajedrez musical que iremos desgranando en sucesivos capítulos de este dossier seriado.


No es nuevo el concepto de “Comuna Mística” que use la música como forma de comunicarse con lo elevado. Podríamos hablar de YAHOWA 13 y Father Yod, cuya secta religiosa de carácter musical y kitsch ha llegado hasta nuestros días con un fondo de catálogo realmente espectacular (se rumorea que hay cientos de grabaciones por ver la luz); o los activismos políticos de decenas de agrupaciones (sobre este particular añadí un apartado en el artículo sobre GRUPPO UNGIDO que se publicó en KARATE PRESS) como THE PLASTIC PEOPLE OF THE UNIVERSE (con una pase activista bastante importante fruto de la represión cultural a todos los niveles).

Pero si hay un sitio donde el formato Comuna se usó hasta las últimas consecuencias fue en la Alemania de los primeros AMON DÜUL, en plenos años 60; donde surge el concepto de Jam Session interminable donde se alteran los estados de conciencia. De esta primera etapa de la banda saldrían “Psychedelic Underground”, “Collapsing Singvögel Rückwärts & Co.” y “Paradieswärts Düül”, discos que necesitan de la complicidad del oyente para revelarse en todo sus esplendor.

Evidentemente, hubo más grupos de este estilo, Alemania era un auténtico hervidero; los primerísimos EMBRYO o AGITATON FREE, pasando por los locos de RADIO NOISZ ENSEMBLE. Citaré un par de ejemplos más. Por un lado tenemos a los SILOAH, tribu urbana de músicos adictos al LSD, el misticismo y el sexo que editarían dos discazos como fueron “Siloah (también conocido como “Säureadler”, 1970), y el brutalísimo “Sukram Gurk” de 1972. El otro grupo en cuestión fue KALAKACRA, que a pesar de ser sólo un dúo, mantiene el espíritu hippiesco de este tipo de combos y usarían el hinduísmo y tibetanismo en el genial “Crawling to Lhasa” (1972).

A modo de pasada he contado todo esto porque creo que ALONDRA SATORI comparte algo de ese espíritu comunal que existía en la década de los 70 en Alemania, donde los músicos destruían sus egos y se disolvían en puro sonido para crear auténticas gemas sonoras libres de prejuicios de ningún tipo. Está claro que todo esto es una opinión mía particular, una forma de entender la música de un grupo adecuándola a mi contexto particular, y vomitar en palabras mis reflexiones, mejores o peores, pero en ningún caso deshonestas.


La primera encarnación de la banda parece ser de 2007 o 2007 y se compone de A.L.Guillén y J.M. Cidrón. Sobre el primero he escrito mucho, y Cidrón necesita pocas presentaciones. Veterano ya en la música electrónica patria (de escuela Berlinesa) y con toques al minimalismo de Reich o Glass, es todo un referente musical en nuestro país y os invito a investigar sobre la su figura.

Qué mejor forma de debutar que con un triple cd montado a partir de más de 30 conciertos que dio la banda, y encima, cada uno de ellos con un leit motiv que lo cohesiona todo. El primer cd es EN SOF, el segundo LUX MAHABA y el tercero UNIÓN. Desde la electrónica de combate, la improvisación libre, el folk, la world music, el krautrock o incluso el RIO, pasando por el Noise, el EBM más discotequero o la música sacra.

Sin temor a equivocarme tengo que decir que estamos ante una de las más grandes joyas musicales que se han grabado en este país de incultura musical. Un torbellino de sensaciones indomeñables en el que nos vamos a subir como invitados de excepción…. De la electrónica a la electroacústica, para terminar copulando con el Noise o la música contemplativa. Son las 108 veces en la cópula de una alondra...

...el resultado es el mismo, habrán orgasmos para todos y todas. (continuará....)


ANEXO: 

CUADERNO DE BITÁCORA RECOGIDO EN LA PÁGINA SEFRONIA.NET y donde he ido escarbando para traeros una especie de diario sobre acontecimientos de la época; la autoría evidentemente no es mía, sino de A.L.GUILLÉN y me ha parecido ilustrativo traerlos aquí para vivir la experiencia "en vivo y en directo". 

Iré dividiendo este cuaderno en sucesivas entregas para no hacer tediosa la lectura, pero es muy recomendable por el carácter histórico de los textos.

* 27-1-06  Doble sesión ritual con Javier Carmona, miembro de la Orquesta de Improvisadores de Londres, y batería del grupo Akafree, en las Ramblas de Lanújar y Tabernas; excelentes resultados.

* En conversaciones con Juan Manuel Cidrón , el rector de la música planeadora de Almería , para llevar a cabo una improvisación ritual, dentro del proyecto de improvisaciones en el Desierto de Tabernas ("Abba"); probablemente se manipulará sampler, harmonium, theremin , todo frente a la Serrata del Pueblo, en  Tabernas.

*21-5-06 Podríamos decir muchas cosas sobre la impresionante sesión ritual con Juanma Cidrón ayer en Tabernas: baste decir que estuvimos cerca de recuperar la memoria única de la primera partícula del big band.

*26-8-2006 A.l.Guillén une fuerzas con J,M. Cidrón en una sesión improvisada en el hermoso local La Fiebre del Oro, de Rodalquilar, Cabo de Gata. Un gratificante descubrimiento mutuo en directo que tendrá continuidad.

*17-11-2006 La empatía musical de A.L. Guillén con J.M.Cidrón ha solidificado en el proyecto de música contemplativa ALONDRA SATORI, nombre que homenajea a Dulnún El Egipcio, padre espiritual de la Escuela Sufí de Almería, cuyo máximo representante fue Ben Alarif, y significó la Antena Noética del mundo en Pechina , en el siglo VIII; según la leyenda Dulnún fué esclarecido en el desierto al contemplar a una alondra ciega procurarse el alimento. El dúo se estrenó  en Almería en los Baños Arabes Almeraya.

*13,14-12-2006 De nuevo funcionó la magia Cidrón-Guillén; esta vez el segundo acompañó al primero en el tema "Ishtar", durante la doble presentación de J M Cidrón en el hermoso Teatro Cervantes de Almeria. A.L. tocó su nuevo Moog LP, Les Paul y theremin, junto a la colección de sintetizadores analógicos VIVOS de Juan Manuel. Axioma propuso un ártico montaje escénico. El sonido cuadrofónico arropó al personal durante el viaje. Una experiencia cósmico-expansiva imposible de enterrar en el olvido. Una satisfacción poder acompañar a un buen amigo intuidor de lo eterno.

*13-1-2007 Primera intervención luminotécnica en la Tetería Antahkharana con Alondra Satori; para jugar con el arquetipo cósmico del Aire, Cidrón portó Roland D-50 y botellas de vino semi-vacias; A.L: flauta, armónica, radiotransistor, tape, theremín.

*19-1-2007 Siguiendo la provocación arquetípica de la madre tierra, Alondra Satori desarrolló una improvisación especialmente percusiva (Cidrón:ocarina, bongos, rana ritual, tape, carimba, sonajeros, piano eléctrico; A.L. Guillén: sonajero rana, darbuka, tambor infantil, tambor tibetano, cucarachas imantadas, bajo y otra tape). Un hermoso contrapunto de microgamelán ritualistico y microgamelán post-patagnóstico.Todo ello mixtificado con un terrúñica-telúrica proyección. Niveles altos de satisfacción de público y mediadores.

*26-1-2007 Cuando media provincia almeriense era cubierta por la nieve, la teteria Antahkharana se convirtió en una cueva para una danza ritual del fuego; la Alondra Satori la acompañó con secadores, rm1x y synth(JM Cidrón), y toy-organ, xylófono, rm 1x(AL Guillén).

*2-2-07- Alondra Satori cerró el ciclo de los cuatro elementos pancósmicos con un sencillo homenaje al agua: una les paul jugando de manera infinita en los dos espejos paralelos de la tetería Antahkharana de Almería; un si-pussyfooting sureño, y una auténtica realización, acompañada de las proyecciones acuáticas de Eduardo.

* 4-2-07 Alondra Satori sigue experimentando, esta vez durante 1 hora sobre las tablas del Zaguan de Almería, sobre la exquisita selección de emotrónica de DJ Cul Pitas, Ramón Uceda, en la presentación de nuevo número del fanzine que dirije (Cul Pitas), y sobre las proyecciones naturales excelentes de Jesús M Contreras (suyas son las fotos que mostramos); bonita tarde de post-chill out pechinero.

martes, 3 de enero de 2017

HAU - "EP II" (AUTOEDITADO; 2016)


HAU son un combo dúo anarcotecnológico que parte de la escena más underground de Grecia para joder al mundo en una abrasante lava de techno analógico, tribalismo electrónico de combate y una actitud pseudo-bailable que ríanse ustedes del EBM. Un Noise distorsionado a niveles "Core" que los convierte en una especie de hermanastros de un Cronemberg sonoro (no sé si se entiende el símil, pero a estas alturas poco me importa ya), y un Rap subsónico no apto para cardíacos.

Todo ello mezclado en una hormigonera industrial en la que se sustituyese el cemento por un Dub libre de prejuicios de cualquier tipo. No en vano las guitarras incendiarias remiten al Hardcore Punk y las percusiones en modo Lo-Fi casi bordean el funk insano de Tack Head pero distorsionado hasta niveles dopaminérgicos.

Formato dúo formado en 2012 en Creta, estamos ante su segundo Ep, aunque realmente prácticamente excepto dos temas los demás salían también en su primer trabajo de 2014 que no he tenido oportunidad de escuchar. El formato es un cd-r envuelto en un digisleeve fabricado a mano, en el que la única información que encuentro es que los temas están grabados por John Pratikakis en los Groovest Studios y que el artwork es obra de WVD y HOSNI, que son los integrantes de la banda si no me equivoco.


"Under The Immovable Charm" es uno de los temas nuevos. Cargado de una mala baba considerable, estamos ante un zumo purificador de Old School Techno puramente analógico, sin trama ni cartón, y que provoca en el oyente un estado de lubricación mental que como no me ande con cuidado, el cerebro se me resbala por las fosas nasales. Voces marciales, percusiones tribales y un vertiginoso ritmo de base en espiral que te hacen puré. 

Oscuro como la mierda con sangre digerida, el otro tema nuevo es "Slice Class",  drum and bass con una batería tocada en directo al lado de tus orejas. Mucha baja frecuencia y ya estoy empezando a disociar la realidad (recomiendo el uso de auriculares a todo volumen, en contra de lo que te diga tu otorrino, que realmente no está verdaderamente informado de las propiedades curativas del Tribal Techno). 


A partir de aquí, si no me equivoco, estamos ante material del primer Ep. "Pattern 5" tiene una poderosa base metalera que me remite irremediablemente a los primeros Fear Factory en "Soul Of A New Machine", pero mucho más enfermo y Noise. "Pattern 7" sigue la misma estructura con un rapeo que parece venir del inframundo Griego (la morada de los muertos o Prados Asfódelos, sección Érebo, Báratro y Tártaro, arriba a la derecha). 

Asfixiantes, claustrofóbicos... como tragarse virutas metálicas y recorrer el tubo digestivo a la inversa con un potente imán para volver a sacarlas por la boca. Llevo bailando un rato en bolas y creo que me he quebrado un huevo... joder cómo suena la batería... joder qué ritmazo tienen... joder cómo me ponen los putos griegos estos. 

"Get Out Of This (Norma´s Intro)" me da un respiro porque tengo los escrotos que me llegan a los tobillos. Minimalismo instrumental con algo que parece un instrumento de viento tipo digeridoo, acoples, chirridos, empastes disueltos, inhalación de Amianto... hasta que estalla "Norma" con el ritmo electro/tribal más jodidamente perturbador que he escuchado en mucho tiempo. Enfermos como ver TETSUO puesto de LSD.

Noise malsano, enfermo, no euclidiano.... joder cómo me han gustado estos HAU. Por favor que alguien les edite algo a esta gente YA.





THE RARE SOUND MACHINE - "PHYSICAL RELEASE" (NOOIRAX PRODUCCIONES, 2016)


THE RARE SOUND MACHINE vienen a formarse en Madrid allá por 2008 o así. Sus inicios son como los de cualquier banda; graban unos temas que conforman un primer Ep ("Beauty Machines", 2009) que se distribuye por internet, ganando diversos premios en concursos como X Edición del Concurso de Rock en la Gruta y  II Fase del Concurso Villa de Bilbao.

A partir de ahí, pues graban un segundo Ep titulado "Upcoming: Next Fall" grabado por Harim Burkhatter y Luca Petricca en los Reno Studios de Madrid, y posteriormente masterizado por Jens Bogren en Fascination Studios de Suecia. A partir de aquí un importante parón y en 2015 vuelven con un tercer Ep llamado "Music For The Masses", esta vez grabado por Pablo Díez en Xtudios y mezclado por Carlos Santos en Sadman Studios (con posterior masterización de Brad Boatright en Audiosiege de Portland). Vaya, que viendo el currículum de esta gente se ve que el gusto por los detalles es importante.

Si bien el proyecto parece inciarse como cuarteto, quedarían pronto establecidos como power trío con Álvaro Diez (Guitarra), Jorge G. Gombau (Bajo) y Karim Benaissa (Batería), y es NOOIRAX PRODUCCIONES quien les edita sus dos últimos Eps en un precioso digisleeve con un espectacular diseño de María Durán Montes, aunque dentro se conservan las portadas originales, que se da en titular "Physical Release" (por cierto que la fotografía de la banda es obra de Rubén G. Herrera de la Revista Rock Estatal).

El sonido de la banda es enteramente instrumental, lo suficientemente arriesgados para considerarlos avantgarde o experimentales, pero sin el tedio técnico de estos grupos, que acaban aburriéndome hasta la saciedad. 

Al contrario, The Rare Sound Machine saben medir perfectamente los tiempos y cambiar fluidamente de una melodía a la otra sin resultar excesivamente virtuosos pero sí muy adictivos, especialmente en los retazos cuasi Psych de algunos tramos, y la oscuridad manifiesta en otros, que me lleva a pensar en una especie de cruce entre Crippled Black Phoenix y las jams desérticas de El Páramo (por hacer una comparación arriesgada).

Abre el cd el Ep "Music For The Masses" (portada de Sebas Bautista) con el corte "Noix de Cajou", un temazo a caballo entre el rock progresivo de índole más metalera y la psicodelia de nuevo cuño. Entrecortado, con predominancia del bajo y cierta forma de abordar la melodía a lo Cuzo. "Stonaco Minamata" es más fuerte, mezclando genuinamente Post-Rock con Stoner pero con cierto toque progresivo en las guitarras y los cambios incesantes de la base rítmica. No sé, quizás citar a los Yawning Man sea algo manido ya, pero si los mezclas con algo de los primeros Tool la cosa empiece a acercarse un poco a lo que hacen en este tema.

"Ander Over The Toundra" cierra el Ep con un punteo de guitarra acústica sobre la que se dobla la eléctrica hasta que la pus estalla... algo así como lo que hacen los Marasme (sobre todo por la biliosidad de los riffs). Quizás el mejor piropo que se les puede echar a The Rare Sound Machine es que no aburren un sólo instante; las canciones parecen destilados de canciones más largas... es decir, concentran lo que tienen que decir sin dejar huecos sin sentido y no paran de reinventarse continuamente. No hay más que escuchar la forma en la que terminan el tema (véanse últimos Opeth o los propios Crippled Black Phoenix). Curiosamente es un tema compuesto por Ander Carballo de Jardin de la Croix (y sobre el título del tema creo que no hay que comentar nada).

El segundo Ep, "Upcoming Next Fall" (el más antiguo de 2010, con portada de Rubén García López) tiene un sonido algo distinto. "Paramoed Zepp" es vicioso, enrevesado y con toques de Math Rock (especialmente destacar la batería, que no falla un solo compás), aunque la producción me suena mucho más orgánica y real. 

Sigue el temazo "Intrañable" con base thrashera en el arranque y constantes cambios de ritmo muy a lo bandas como Phonocaptors, Kaufer... realmente difíciles de etiquetar. Tramo final con la más sosegada "Avo Hicker", interesantísimo tema con un bajo haciendo ecuaciones imposibles y una forma de tocar de la banda alucinante. Cierra "Masquerade Carnivale" en una suerte de thrash progresivo (como si a los Mekong Delta les quitases los pasajes más rápidos y se quedara uno sólo con las melodías más arriesgadas de aquellos).

Sin ser el rock instrumental de esta índole mi estilo referencial, estos THE RARE SOUND MACHINE me han dejado con la boca abierta, especialmente en su primer Ep de 2010; ya no sólo por la versatilidad sino por lo bien compuestos que están los temas que al fin y al cabo viene a ser lo que importa. 

Para mi gusto, la inclusión de algo de electrónica los llevaría a un nivel distinto y posiblemente todavía más interesante, aunque esto son opiniones personales. Me hubiera gustado que se incluyese el primer Ep, que dándole una escucha por encima no desentona nada con el resto de temas y hubiera sido una buena forma de reunir todos sus trabajos. 

Por lo demás, hay que seguir la pista muy de cerca a esta gente porque visto el potencial instrumental que manejan, su obra maestra está por llegar. Gustarán tanto a los amantes del Math como del Metal Progresivo o el Post Rock instrumental que se está haciendo en nuestras fronteras.

(FOTOGRAFÍA: RUBÉN G. HERRERA)



domingo, 1 de enero de 2017

EDITH ALONSO/KUMI IWASE/ANTONY MAUBERT - LE JAZZ NON PLUS... (BRUCE´S FINGERS; BF131, 2015)


La primera reseña musical del año se va a este interesantísimo proyecto de electroacústica y jazz abstracto a cargo de un trío de jóvenes músicos que se mueven sobre todo en la escena de la improvisación europea. Editado por el referencial sello BRUCE´S FINGERS de SIMON H. FELL, estamos ante ocho cortes a modo de suite que deconstruye en 54 minutos la electroacústica en jazz y viceversa. 

Dicho con las palabras de ellos, "Non Jazz Trio Improvisations".

La formación en formato trío está compuesta por EDITH ALONSO (prepared piano, objects), con un currículum impresionante a nivel europeo (ganadora de premios como el Madrid Abierto, nominaciones en el Prix Europe Competition, menciones honoríficas en Pauline Oliveros Prize o Hablar en Arte....), además de representar a España en el TIME (International Tribune of Electroacustic Music of UNESCO). 


Por su parte, KUMI IWASE (saxophone, clarinet) hace sus estudios en el conservatorio de Evry en (Francia), componiendo bandas sonoras para los films de Man Ray, además de estar inmersa en multitud de proyectos sobre literatura japonesa y danza contemporánea. 

ANTONY MAUBERT (electronics) lleva el CNSMDP en París y los cursos del Iannis Xenakis´Atelier UPIC; enseña música electrónica en el conservatorio de Niza y organiza festivales y eventos en España (Radical dB, Campo de Interferencias, La Zona, Undae!, Punto de Encuentro...). Una versatilidad que difícilmente puede recogerse en unas cuantas líneas.

La sesión es grabada en el Auditorium Conservatoire Iannis-Xenakis (Evry, París), entre el 13 y el 15 de Septiembre de 2013. Difícil destacar un corte sobre otro, además de que carecen de títulos y el nivel de abstracción es bastante considerable. 

Se alternan pasajes donde predomina la electroacústica de corte más terrorista con capas y pasajes más enclavados en un ambient orgánico y profundamente analógico, siendo la principal baza del disco la poderosa fusión que se ejerce entre la electrónica, el piano preparado, los objetos percusivos y los vientos (clarinete y saxofón). 

Si bien es cierto que predomina la electroacústica, el jazz también está muy presente en algunos tramos, llegando al nivel de minimalismo de un Sun Ra primitivo (en su época quizás de los "Heliocentric Worlds") cruzado con la Cámara matemática de Xenakis... aunque incluso en algunos detalles el trío se acerca a la música tradicional japonesa (con emulaciones del Koto en las cuerdas), probablemente influencia de Kumi Iwase.

Como digo, la forma de separar molecularmente el jazz y usar sus partículas para recomponer una suerte de suite camaretística (y a ratos étnica) es lo que eleva este disco al nivel de obra imprescindible para los amantes de los sonidos más arriesgados. La música fluye con una facilidad pasmosa transgrediéndose estilos y formando una paleta musical desde la cual se dibujan paisajes de una belleza enorme, que en puntuales ocasiones también me traen a la mente al Don Cherry en la etapa en la que ya estaba coqueteando con la world-music y el jazz más hipnótico.

Para mí una obra de arte.