viernes, 27 de noviembre de 2020

ZOLTAN COXIS & MONO CANÍBAL ‎– "CHRONOPHAGUS" (EDICIONES TORACIC TD90, 2020)

          Veamos. Llevo una semana en bucle con la colaboración entre ZOLTAN COXIS (Miguel A. Ruiz) y MONO CANÍBAL editado en un precioso digipack (diseño de The Braves Church) por EDICIONES TORACIC. El teratogénico artefacto viene a llamarse Chronophagus y en cierta medida viene a recordarme (no es que venga, es un decir... aquí no ha venido nadie hoy) a esa maravilla llamada ZYTOSCAPE no por sonido, sino por el hecho contextual de colaborar pionero junto a promesa de la electrónica. 

Si en aquel caso Miguel A. Ruiz unía fuerzas con Tomás Girón (reseña aquí), ahora es junto a ese ente brutalífico detrás de BUIO MONDO y mil proyectos más. Aunque no son los únicos ejemplos porque ahí quedan las tremebundas grabaciones de Ruíz con SENTIONAUT (Iván Von Lazharus, otro que tal baila) en DEKATRON III. Al contrario que en otros (digamos Splits aunque para mí sea esto otra cosa) aquí se alternan los artistas. He probado a escuchar programando el lector los temas de Zoltan Coxis y los de Mono Caníbal por separado y se pierde muchísimo la atmósferas; en otras palabras, Chronophagus funciona mejor con el tracklist en el que viene montado porque la oscuridad se hace reina del éter y si eres capaz de ser oyente cómplice (amante amigo a lo Rocío Dúrcal), te van a dar una buena hostia timpánica en los 11 cortes del álbum.

Noise, Synthwave, Electrónica Berlinesa y Ambient aunadas en un toma y daca demencial. Los temas de Zoltan Coxis grabados en Balaton Synthstudio y los de Mono Caníbal en su Selva de Otra Galaxia. La única pega es que me hubiera gustado un corte final con ambos artistas en comunión sonora pero si mis datos son correctos, este es otro de esos productos salidos del CMC (Confimamiento de Marzo de los Cojones). Así es como al menos se explica en el bandcamp:

"Originalmente concebido como "Coffinamento", ha sido grabado a modo de soundtrack para un documental no filmado por enfermedad del director Enzo Capillare, acerca de la hipercompresión espacio- temporal actual y de como todo ello altera nuestra percepción del mundo que nos rodea y no nos permite apreciar en su justa medida a nuestros familiares más cercanos. Claustrofóbicas neurofonías registradas durante el aislamiento forzado del pasado mes de Marzo,  manteniendo un adecuado y oscuro pulso cardiogénico, recomendado para las noches de vigilia y atención primaria".

La influencia cinematográfica queda plasmada en mil y un detalles. Desde los guiños al Giallo, al uso del italiano en el título de los temas de Zoltan Coxis. Además, para los neófitos, Zoltan Coxis en 2015 sacaría su Banda Sonora metempsicótica Fungus Baby O.S.T., así que bueno, sobre fotogramas y sus sonidos gira el asunto. Ahora en palabras del propio Miguel A. Ruíz:


"Fungus Baby es la ópera prima del director canadiense Douglas Mc. Donnell, un thriller micológico en formato Super 8, en el cual se narran las desventuras del `niño hongo´, un ser imaginario que habita en los bosques de Saskatchewan y que atemoriza a los más ancianos del lugar, incendiando sus cabañas en la noche y esparciendo sus esporas en los lagos vecinales. Zoltan Coxis, veterano compositor electrónico húngaro, fué elegido por Douglas para la confección de la banda sonora, la cual nos evoca aquellos entrañables filmes de serie B en los años 80 de suspense y horror, ya que se han utilizado las mismas herramientas que entonces (sintetizador Prophet 5, programadores de ritmo analógicos, secuenciadores, etc) y seguido el mismo método de grabación en bobina de 8 pistas. Una vívida sucesión de eventos cinemáticos, levaduras sónicas e intrigantes crescendos que sitúan al improbable espectador en un contexto intermembranoso de dificil escapatoria." 

Me meto de lleno en la música. "Perímetro di Morti" de Zoltan Coxis es una claustrofóbica intro ambiental con trazas Noise. Un pulso drónico que sinusoidal sobre el que cabalgan insertos extraños muy cercanos al Dark Ambient puro y duro de ese que casi se mete en el Industrial. Sutilmente de forma orgánica entra "Asépticos" (referencia hidroalcohólica maravillosa) de Mono Caníbal con un sampler vocal y esa suciedad característica de su proyecto, siempre fresco en el sentido de que no se ancla ni acomoda en cada grabación nueva que presenta. Al conrario que lo que suele ofrecer con Buio Mondo, Mono Caníbal es electrónicamente primitivo y rezuma ese verdín de exudado de cobre que huele a sangre (la sangre huele a cobre, y más en grandes cantidades... doy FE). Casi ocho minutos de procesión selvática.


Turno para Ruíz. "Ipotesi", descenso a los abismos de la electrónica oscura franchute, la planeadora de Berlín y por ende espacial, cósmica y con la maestría de las sístoles/diástoles características que marcan el fondo en este tipo de electrónica. Como un sónar, las ondas Doppler de Zoltan Coxis divagan en ese inmenso páramo que es el vació del Universo... una maravilla. El alunizaje llega con las voces radiadas y los pulsos percusivos de Mono Caníbal"Menticular", reverso oscuro de la anterior. El lisérgico viaje estelar acaba en un Ambient al más puro estilo SciFi (vaya, que me da la impresión de una nave que ha aterrizado en el jodido Planeta de los Simios), creando en el oyente el clímax perfecto para meter a continuación la Carpenteriana "Circostanze Anomale", con melodía propia de tipos con un parche en un ojo en futuros distópicos con la Estatua de la Libertad derribadas y presidentes de la Nación secuestrados, aunque bien es cierto que algo de Patrick Vian o Michel Magne pulula por ahí.

Justo a la mitad del disco, Mono Caníbal mete su "Insepultas". Malsano Dark Ambient con toques letánicos que casarían bien dentro de MISA TRIDENTE por ese toque a Spanish Gothic. El tratamiento de los samplers (creo que dobles) en segundo plano funciona a las mil maravillas. Sutil y dentro del espectro subsónico, se disfruta mucho más con auriculares... mención especial a cómo se asemeja a una Caja de Música el Fade Out. Soberbio. "Psicocinesi" de Zoltan Coxis tiene algo de la primerísima electrónica hispana ochentera que se hacía con modificaciones de Casio y cintas magnetofónicas, con exabruptos fantásticos que parecen de un Korg MS-20 pero con esa pátina fúnebre de fondo que viene a ser un leit mótiv para ambos artistas y que adquiere importancia suma a la hora de darle cuerpo a los 52 minutos del disco (de ahí que comentara que se ha cuidado mucho el tracklist y la coherencia).


Tramo final de órdago. Mono Caníbal se torna apocalíptico en "Dientes Serrados", mitad Ambient, mitad Industrial al más puro estilo bandas de Cold Meat Industry. Si no me falla el oído, se vertebra bastante mediante la distorsión de una guitarra, dándole mucha sobriedad. Con todo, mi tema favorito de todo el disco es "Zanzare" de Ruíz por diversos motivos... uno es que sin romper la tónica sí que se desmarca con unas percusiones arábicas originalísimas, un uso del sampler de auténtico maestro y lo principal, detallitos a lo Library Music que me han volado la cabeza. Todo en escasos dos minutos. 

Repite Zoltan Coxis con "Umanoidi Della Notte" con la que es imposible no acordarse del fantástico italiano y sus bandas sonoras. Una cantidad tremebunda de recursos electrónicos condensados que precisan muchas escuchas para diseccionar. De forma también maestra, "El Escorpión que se Muerde la Cola" (me niego a explicaros las referencias por evidentes) de Mono Caníbal es una crepuscular tonadilla meditabunda colocada en el sitio perfecto del disco. Mejor cierre imposible.

Un disco de culto IMPRESCINDIBLE.

miércoles, 25 de noviembre de 2020

SENSE PREFIX, en busca del Arca Avant Perdida de la Biblioteca VAPOR VELL

Conocí la enorme labor del sello barcelonés LA OLLA EXPRÉSS gracias a su imprescindible serie sobre la Barcelona Experimental y Avantgarde, que hasta la fecha incluye los magníficos Perucho's (CD reportaje)Moisés Moisés (Edició documental)Koniec 2 CD (Reportatge)Camino al Desván y el reciente y de culto Polonio, Altaba, Cervera, Tres. Mi interés sobre la escena en particular vino a raíz de la lectura de la magna obra La Ciudad Secreta (Sonidos Experimentales en la Barcelona Pre-Olímpica 1971-1991) del grandísimo Jaime Gonzalo, que afortunadamente iba un paso más allá y dejaba de lado la escena Jazz progresiva laietana para escribir y recoger el boca a boca (o el fanzine a boca) de un Patrimonio Cultural tan potente y olvidado en nuestras fronteras como venerado fuera de nuestro país (nadie es profeta en su tierra, y últimamente menos).

El artesanal, dedicado trabajo de la artista multidisciplinar ELI GRAS es el nexo de unión en toda esta historia que os voy a contar, porque más o menos por 2018 se hizo una clasificación, organización y catalogado encomiables del valioso fondo de catálogo de maquetas de los artistas de vanguardia de la Biblioteca Vapor Vell... todo ello enmarcado en lo que se llamó la 1ª Mostra del Fons Sonor de la Biblioteca Vapor Vell. Os estoy hablando de un legado de alrededor de 6.000 documentos entre  casetes, vinilos, vídeos BETA, U-Matic, Super 8, CDs y legajos. Un patrimonio que mientras escribo estas líneas de solo pensarlo hacen que los vellos de los brazos se me pongan erectos como púas. 

Si hay alguien que conoce todo esto a la perfección es el periodista Jack Torrance, cuyo blog de culto Overlook Hotel es una auténtica mina de información, además de ser el encargado de los textos, selecciones y liner notes de muchas de las ediciones de La Olla Expréss. La selección de Jack Torrance en un CD de tirada mínima llamado SENSE PREFIX se colgó gratuitamente en libre descarga aquí y se presentó en público el 9 de Febrero de 2018. Pero claro, para mí era una auténtica obsesión conseguir una copia física de este Cd-R en Cardboard que se distribuiría solo entre los implicados en el proyecto. El contenido como podéis ver, espeluznante: Quodlibet, Agustí Fernández, Superelvis, Víctor Nubla, Pontiggia/Balanyá Duo, Eduardo Polonio, & Nil, Koniec, Pascal Comelade, Agustí Martínez y Macromassa.

Mi intención no es copiar la labor de otros escritores, así que os dejo el trabajo más que mascado... si pincháis el enlace que os voy a dejar, y le dáis a traducir (está en catalán), disfrutaréis de toda la información del pequeño libreto que acompaña al CD además de poder escuchar la música... me ahorro palabras, no plagio, y os sigo informando. A pesar de mi insistente búsqueda (puedo ser muy persistente), el disco físico estaba agotado, no se vende evidentemente y lo dejé en el apartado mental de asuntos pendientes que tengo en el hemisferio derecho. 

http://musictecaris.blogspot.com/2018/02/sense-prefix-el-disc.html?m=1

Claro, llega 2019 y ese fondo inmenso debía tener una continuación.... entrar con los machetes sonoros a Vapor Vell en Busca del Arca Perdida, para esta vez traer material (que se depositara en Casal Transformadors allá por los 80) en un flamante SENSE PREFIX II. Nuevamente variedad de formatos, autoediciones y material exclusivo para la emisión en radio, pero con algunas salvedades; vanguardias de la Ciudad Condal pero abriendo el abanico estilístico (también rock o flamenco) y alguna cosa de fuera de Cataluña (e incluso Francia).

La presentación se realizó el 2 de Septiembre de 2019 (2ª Mostra del Fons Sonor de la Biblioteca Vapor Vell), contaría con la presencia de artistas invitados y la actuación de nada más y nada menos que Juan Crek. Os vuelvo a dejar un enlace donde tenéis toda la información (volved a darle a traducir si no leéis catalán) y la música, además de que está colgado gratuitamente (aquí) en el bandcamp de La Olla Exprés. Si la selección del anterior era de Jack Torrance, esta vez es obra de Xavier Riembau (Dj Diego Armando) y se dedica a la desaparecida figura del recientemente fallecido por aquel entonces y añorado Anton Ignorant (1957-2019).

http://musictecaris.blogspot.com/2019/09/sense-prefix-2-el-disc.html

Esta vez tuve más suerte. Acababa de comprar el Polonio, Altaba, Cervera, Tres y en el mismo paquete, la grandísima Eli Gras me había guardado una copia. Aquello reavivó mis ansias arqueológicas y empecé a contactar con gente. Desde la Biblioteca Vapor Vell y la maravillosa atención de Julián Figueres a volver a insistir a La Olla Exprés, buscar en catálogos y mil cosas más... ¿resultado?, el Universo se alinea y días después Eli se topó milagrosamente con una copia perdidísima del primer SENSE PREFIX que ahora, aquí, delante mía y con todo el amor y cariño del Cosmos, le doy un beso... un beso a un Cardboard que espero se traduzca en una inmensa muestra de cariño (labial) a todas y todos los que hicieron esto posible, por aguantarme (mi insistencia raya en la pesadez) y sobre todo, por rescatar la Vanguardia Barcelonesa de esas estanterías ignotas de Vapor Vell.

¿HABRÁ SENSE PREFIX III?. Segurísimo.


FROM THE VAST LAND - "THE HAFT KHAN" (SATANATH RECORDS / IRON, BLOOD AND DEATH CORPORATION, 2020)

Vamos a complicar hoy las cosas. FROM THE VASTLAND es una banda de Black Metal que se forma en origen en Irán (Teherán) allá por el año 2010, para posteriormente coger el petate y largarse nada más y nada menos que a Trondheim, Trondelag (Noruega).... curioso máxime teniendo en cuenta que su sonido principal gira en torno al Black helado nórdico. Este The Haft Khan que os traigo hoy es nada más y nada menos que su sexto largo (también tienen un EP) y siendo el único que he escuchado, me he quedado muy sorprendido por la calidad que destilan. El salto cualitativo de la banda llega en 2013 (llegando a tocar en el Inferno) con ese traslado a tierras noruegas y publicación de su segundo largo por la celebérrrima Indie Recordings (Kamarikan).

Si existían detalles folklóricos en su sonido primigenio (discos como Darkness vs. Light, the Perpetual Battle o Kamarikan) lo desconozco porque no los he escuchado, pero leyendo viejas reseñas parece que sí. El proyecto inicial es único y exclusivo del iraní Sina tocando todos los instrumentos, pero con el paso del tiempo, la adición de más músicos y la mudanza a Noruega, pasa a voces/guitarras, y Tjalve (1349, Pantheon I, Svartelder...) al bajo y Spektre (Horizon Ablaze) a la batería, con apoyo de algún que otro músico más para el directo. En cualquier caso, no me termina de quedar del todo claro si el resto de músicos (incluídos Tjalve y Spektre) son todos invitados y de sesión (tal y como viene en las Webs) o bien parte integrante de la banda (como viene en el booklet/libreto del CD). Lo que sí es cierto es que Destructhor (Myrkskog ni más ni menos) y Vyl (Keep of Kalessin) han colaborado en los directos (para que os hagáis una idea de la calidad que hay aquí).

Lo que sí se mantiene intacto es el contenido de las letras, muy mesopotámicas y del palo Zoroástrico (me recuerdan a nuestros queridos Aathma). La música, un frío, cortante, heladísimo Black Metal de vieja escuela con un himno detrás de otro ("Khan e Chaharom" es impresionante) con ese medio tiempo tan característico de los primitivos Dimmu Borgir, los arranques de doble bombo a lo Satyricon, pasajes ambientales o furiosas arremetidas como "Khan e Panjom" que se apoyan en una conseguidísima base rítmica que no deja títere con cabeza (viene a recordar a 1349 o Marduk algo más ralentizados). 

The Haft Khan, basado en el Shahnameh (El libro de los Reyes), poema épico persa escrito por Ferdowsi (entre C.977 y C.1010) con todos los elementos heroicos propios de este tipo de literatura cuasi ancestral, son el epicentro contextual perfecto para salirse de los patrones habituales del género en cuanto a letras, y adornar de otra forma ese seco, mayestático final de "Khan e Haftom", de largo el mejor tema del disco. Hipnótico y cortante en inicio, arrastrándose como una vieja maldición persa... voces susurradas y giro apoteósico hacia la visceralidad de Dark Funeral, Carpathian Forest y cosas así.

Y se me olvidaba... gran sonido gracias a los maestros de Strand Studio (mezcla y masterización), edición entre Satanath Records / Iron, Blood and Death Corporation y la portada, una genialidad de Kjell Age Meland

https://satanath.bandcamp.com/album/sat294-from-the-vastland-the-haft-khan-2020

https://fromthevastland.bandcamp.com/

domingo, 22 de noviembre de 2020

NAGAARUM - "COVID DIARIES" (AESTHETIC DEATH / NGC PRODUCTIONS, 2020)


Curiosamente el 16 de Marzo de este año, a 4 días de liarse parda el asunto del Covid, reseñé el disco Apples del proyecto húngaro NAGAARUM. Rizando el rizo, en 2014 se editaría Rabies Lyssa, álbum conceptual sobre una posible Pandemia en 2019; inspirado por esta extraña casualidad, Nagaarum compone este impresionante Covid Diaries que edita Aesthetic Death junto a NGC Productions en un bonito digipack con diseño del propio artista y que sucede al anterior Templum que no he tenido ocasión de escuchar.

Los no familiarizados con tan extrañísima banda harían bien en leer la reseña de Apple (aquí) por aquello de que les sirva de introducción, aunque dado el cariz Avantgarde advierto de que puede no ser asequible para todas las orejas, además de que Covid Diaries es mucho más Doom y meditativo. Dentro de los detalles técnicos, vuelve a contarse con Betty V. a las voces femeninas y Roland Szabó a las narraciones (uno de los editores de Fémforgács Webzine), mientras que el maremágnum restante (electrónica, voces, soundscapes, baterías y lo que puedas imaginar) son obra del propio NagaarumGábor Tóth (clásico de la escena húngara que hunde sus raíces en bandas de hace la friolera de 14 años). 


En conjunto resulta bastante más amable y asequible que Apples contando con ásperas sábanas de Black Metal industrial y Doom Ambiental que siguen en pleno proceso de crecimiento, aunque encomiable resulta que a pesar de ser un trabajo compuesto tema a tema de forma independiente (y colgado cada uno en YouTube) al final los 42 minutos sean tan jodidamente coherentes, cohesionados y conceptuales (hablo del sonido).... y cuando digo esto es que es pulsar Play y te ves inmerso en una triposa (lisérgica) mezcla de Doom electrónico de una calidad altísima. Para entender completamente el sonido de Nagaarum tienes que empaparte de esa soterradada escena de mediados del 2000 en la que bandas como Zaraza, proyectos de Stjin Van Cauter (especialmente Fall of the Grey Winged One, The Nulll Collective o Dreams of Dying Stars), Torture Wheel y Wraith of the Ropes (con E.M. Hearst) o los desaparecidos Woods of Belial.

"Prelude for 2020" abre como una funesta letanía. La intro es un lejano soundscape ambiental con un apocalíptico recitado; entran percusiones espaciadas con cierto cariz Neofolk y un distorsionado riff de guitarra hasta que entran las voces femeninas y todo va desarrollándose dentro de un clíma Doom angular y extraño... pseudo-sinfónico a veces (para que se me entienda, tal y como hacían los Void Ov Silence italianos). Mucho más melódico que Apples, sobresale una base rítmica compleja al más puro estilo Esoteric además de que los sintes (o pedaleras) dan el toquecito espacial (punto de fuga) que acidifica el sonido hasta el punto de que resulta psicodélico. Sigue "The First Ingredient" con otra intro ambiental de electrónica y recitado (deudor del Eternity de Anathema, aunque pueda parecer rocambolesco, pero muy parecido a ciertos pasajes floydianos de aquel). Chasquidos radiados y glitches sobre colchón cósmico de teclados.


"Superstitious Remedy" me pone los vellos de punta por el tratamiento doble de las voces (gritonas a lo Alastis). Machachón, oscuro dueto infernal en un sincopado tempo casi bailable (vaya, que un rizo más y lo meto dentro de la EBM). Sobre el minuto 3 cambia el tercio, surgen cánticos femeninos y un contenido ambiente Death sinfónico a lo Septic Flesh de los inicios (voces operísticas incluso) pero todo de forma sutil y sin histrionismos. 

Antes del colofón final, un pequeño corte ambiental ("Competitors") rozando la Spoken Word y la SynthWave y el Death/doom arrastrado de "I Am Special", alucinante en detalles (pianos, dobles juegos vocales...) y con una melodía central de la guitarra que más quisieran para sí la mitad de bandas finlandesas de Doom. Como colofón, los 14 minutos de "Liquid Tomorrow" son lo más metalero del disco, con giro hacia una especie de Black Metal a medio tiempo que se va enrareciendo con sus aires a epopeya, el coqueteo con el Psych y una evolución más que considerable hacia el progresivo.

Un discazo como la copa de un pino.




viernes, 20 de noviembre de 2020

30 FANCINE: SESIONES VIII y IX (18 y 19 de NOVIEMBRE)

Pues hemos llegado al final de FANCINE y a volver a la realidad. Me despido con las últimas reseñas de dos días (Miércoles y Jueves) con ese sabor a amargura que se intensifica muchísimo por lo que estamos viviendo en estos momentos a nivel mundial. Volver a la Realidad este año implica para mí muchas cosas negativas pero puedo asegurar que cuando las luces se apagaban y los fotogramas inundaban la pantalla, todo este maltrecho año quedaba atrás y ha sido mi personal BÁLSAMO DE BUEN ROLLO. 

El Palmarés ya está en la web de Fancine, y bueno, comparto solo cuarto y mitad de la decisión. Para mi gusto esa brutal crítica soterrada a la tecnología (con algo de la suciedad de Henry, Retrato de un Asesino) en forma de funesto thriller de Rent A-Pal merecía algo más. Dupieux por su parte es un tipo complicado; está en tan buena forma que si se le da el premio un año hay que dárselos todos, porque su fórmula jamás falla... es el Rey del Absurdo (y a Dios Gracias). Wendy es un peliculón, y la única y pequeñísima pega que pongo es que es inferior a Bestias del Sur Salvaje y que bueno, se tendría que haber considerado seriamente a Come True que cumple los requisitos para película 100% de culto (aunque por otra parte no es redonda para darle un premio). Aromas a Coscarelli, Cronemberg y a puro y genuino cine fantástico pseudoindependiente. Mi yo interior se debate con la objetividad, es algo habitual.

Pero oigan, qué mas da el Palmarés. En los tiempos en los que vivimos el gobierno puede obligarnos a ponernos una zanahoria en la oreja si dice la OMS que ayuda contra el Covid-19, así que tenemos que sentirmos más que orgullosos que aquí los que opinamos somos a los que nos gusta este berenjenal. Con muchas dudas al principio, se ha llegado a buen puerto y el esfuerzo de la Organización (que no es que me lo invente, es que lo hablo en persona todos los años) ha dado una ejemplar lección de civismo a todas esas terracitas que estaban abiertas en el centro de Málaga. La lección es clara y dura: no solo de alcohol y tapitas vive el ser humano. 

Lo que me gusta de FANCINE es la honestidad. Me encanta la honestidad y yo soy (creo) una persona igualmente honesta. Desde que solicité mi primera acreditación hace diez años tenía claro que mi forma de abordar el festival sería distinta. No me importan realmente los Likes, que compartan mis publicaciones ni nada de eso... a mí lo que me llena es escribir de cine, con peor o mejor resultado, pero escribir sobre las películas desde la óptica del espectador amante del fantaterror. Y lo hago porque creo que es necesario salir de ese inane y vacuo vórtice de simpleza de las redes y meterse de lleno en el producto que FANCINE ofrece con todo su amor y cariño. Y así, como el que no quiere la cosa, van más de 340 películas reseñadas con mucho cariño. Sé que nunca me quitaré el marchamo negativo de ser un BLOGSPOT.COM, y que nadie me tratará demasiado en serio... el Blog personal es tierra de nadie pero da una potente, honesta libertad que a día de hoy, que en unos meses cumplo 11 años con esta aventura, permanece tan intacta como el primer día.

"Cuando la música acabe, coge tu revólver y dispara si puedes".

Y voy a cortar aquí (digo el texto, que aunque con un serrucho podría cortar la pantalla a la altura de esta línea prefiero no ir por la vida de literal...). 

GRACIAS, GRACIAS, GRACIAS a FANCINE

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LA NUBE / La Nuée
Just PHILIPPOT (Francia / 2020 / 101’)

SINOPSIS: "Para salvar su granja de la quiebra, una madre soltera cría saltamontes comestibles. Desarrolla un extraño vínculo obsesivo con ellos que la llevará a enfrentarse a los campesiones de la región y a sus propios hijos, que ya no la reconocen".

Como absoluto incondicional del fantástico francés, La Nube me ha dejado petrificado. Película difícil a priori pero resuelta con maestría para ser un debut y con los suficientes elementos para considerarla desde ya cine de culto. Toquecitos a Cronemberg aquí y allá, momentos impactantes gracias a una atmósfera muy original y cuidada y un diseño de sonido que crispa los nervios. Es muy complicado encontrarse en el cine francés con actrices/actores que no den la talla, y Suliane Brahim está inconmensurable en sus psicológicos cambios y registros a lo largo del film (quien no haya visto la serie Zone Blanche ya tiene deberes).

Si a ello unimos unos primeros planos de las langostas crudísimos, y un crescendo final apoteósico muy bien cerrado sin que chirríe ni por asomo los efectos digitales (vaya, es que estoy completamente seguro de que la intención del director era hacerlo todo a mano), nos queda una maravillosa cinta con algún toquecito de drama y dosis de puro y genuino horror. Fabulosa.


LE DERNIER VOYAGE DE PAUL W.R.
Romain QUIROT (Francia / 2020 / 86’)

SINOPSIS: "La luna roja amenaza nuestra existencia en la Tierra. Nuestra única esperanza es el enignático Paul WR, el mejor astronauta de su generación. Pero pocas horas después del comienzo de la Gran Misión, Paul desaparece". 

Si en la anterior reseña os comentaba el terror francés, aquí toco la ciencia ficción francesa. Los que tengan una cierta edad y conozcan cómics de culto como Metal Hurlant, Zona 84, Blue Jeans o CIMOC (y casi que todo lo editado en su día por Toutain) debiera de estar de acuerdo en que la Sci Fi franco/belga se rige por unos códigos plásticos muy marcados que suelen beber muchísimo del Western Post Apocalíptico. En 2015 Romain Quirot puso las cartas sobre la mesa con un cortometraje (homónimo) de 17 minutos que preludia todo lo que acabamos viendo en Le Dernier Voyage de Paul W.R. 

Hugo Becker, Jean Reno, Paul Hamy, Bruno Lochet y una fabulosa Lya Oussadit-Lessert son todo lo que se necesita para llevarnos al terreno polvoriento de una Road Movie muy resultona pero que por alguna razón flaquea al final. Como si a su director se le hubieran acabado las ideas (o yo no he conectado del todo con su final redentor). En resumidas cuentas, un gustazo siempre este tipo de ciencia ficción alejada de las grandes (para mí cargantes) y avariciosas óperas espaciales. Por cierto, los títulos de crédito muy buenos.


SPIRITWALKER
Jae-Keun YOON (Corea del Sur / 2020 / 108’)

SINOPSIS: "Un hombre pierde la memoria y se despierta en un cuerpo nuevo cada 12 horas, teniendo que descubrir continuamente quién es. Esta condición comienza cuando se despierta en pleno accidente de coche, en el cuerpo de alguien que no reconoce, sin conocimiento de quién es. Empieza a darse cuenta de que su espíritu se engancha a un cuerpo diferente y se muda cada 12 horas. En una desesperada búsqueda de su identidad, se topa con una mujer que dice reconocerle. Conforme se mete de lleno en el misterio, descubre que una organización secreta parece estar persiguiéndolo. Debe encontrar una forma de volver a su cuerpo, antes de que sea demasiado tarde".

¿Os gusta que el Thriller coreano no se parezca a tal y sí al cine de acción de saltos en el tiempo americanos?. ¿Sí?... ¿de verdad?.... bueno, pues yo me voy. Me salí de la sala al final porque mi grado de tolerancia llevaba al límite desde los primeros 15 minutos. Como amante del Thriller Coreano (sea Noir, fantástico lo que sea), Spiritwalker para mí no funciona. Para mí, un rebufo de Nolan en horas bajas mezclado con subproductos yanquis de palomitas. 


COME TRUE
Anthony SCOTT BURNS (Canadá / 2020 / 105’)

SINOPSIS: "Sarah es atormentada por sueños oscuros. Es una adolescente inteligente, atenta y rebelde. Es difícil ser todo esto a los 18 años, por lo que se ha metido en líos en el instituto, y no puede volver a casa. Sin ningún sitio en el que refugiarse, se percata de un anuncio en la pared de una cafetería de un ESTUDIO SOBRE EL SUEÑO. El atractivo de un sitio seguro en el que descansar, con el plus de la compensación económica son imposibles de ignorar. Después de una única tarde durmiendo bajo la atenta mirada de un pequeño grupo de científicos, Sarah empieza a ver cosas de sus sueños en la vida real. Sus visiones empeoran cuando empieza a tomar parte de los estudios nocturnos, y antes de que ella o los científicos puedan reaccionar… Sarah se convierte inconscientemente en el canal de un terrorífico nuevo descubrimiento".

El señor Burns ya venía coqueteando con el fantástico pero es ahora cuando se lanza de lleno a una compleja trama que quizás se atasque un poco en su nudo pero que tiene una parte final absolutamente demencial. Imposible no traer a colación a Cronemberg, destaca sobremanera la parte de los sueños de la protagonista que por momentos me recuerdan a los cuadros de Zdzisław Beksiński (salvando las distancias, por supuesto). El giro maestro de su clímax final bien la llevará a buen seguro a ese olimpo de joyitas de culto, nunca perfectas, pero con los suficientes elementos para considerarla bastante original y arriesgada. 

Esta ha sido la sesión con la que he cerrado 30 FANCINE y que me deja más que satisfecho. En la Clausura se proyecta Host (Rob Savage) que fue íntegramente grabada durante el confinamiento con Zoom. La pude ver hace unos meses y me pareció fantástica... del género cámara en mano, virando hacia el True Crime / Found Footage la única de este año que me ha parecido muy superior a esta Host es Murder Death Koreatown, que aprovecho para recomendar por aquí al respetable.

COME TRUE, FANCINE 31...................

miércoles, 18 de noviembre de 2020

30 FANCINE: SESIÓN VII (17 de NOVIEMBRE)


Hoy tengo que ir algo más rápido en el texto porque el tiempo está devorándome. Vaya, que estoy aquí en casa asustadísimo con un tipo que dice llamarse Saturno y no se qué historia de que devora a sus hijos. Mirando por internet pone algo de alegoría sobre el paso del tiempo... pero el muy idiota lleva reloj de pulsera, así que la paradoja la tenemos asegurada. Nadie escapa a la tecnología. Ni siquiera Saturno, que ya tiene su Casio último modelo de color pastel.


SUMERGIBLE 
Alfredo LEÓN LEÓN (Colombia, Ecuador / 2020 / 100’)

SINOPSIS: "El submarino en el que unos traficantes transportan drogas está a punto de hundirse y de perder el cargamento debido a un fallo mecánico. Los tres tripulantes se ven obligados a abrir la cabina del cargamento prohibido para redistribuir el peso y salvar la nave. Junto a la mercancía encuentran un "regalo" para el comprador: una joven amordazada y en un terrible estado. El barco, que a duras penas soportaba el peso de tres, se convierte en un polvorín de miedos, deseos y avaricia".

Sencillamente impresionante thriller en estreno europeo y que por tanto es de esas películas que todavía ni vas a ver reflejadas en cuanto a puntaje y tal en IMDB. Siete años han pasado desde la anterior película (Mono con Gallinas) del director. Mira que he visto películas claustrofóbicas a todos los niveles... desde experimentos como Zulo a clasicazos como Cube, pasando por todas las películas de enterrados vivos que se han rodado (comerciales o no comerciales), la fantástica Cutterhead del año pasado, Tunnelen (nórdica y que gira más a la supervivencia), otras tropecientas enmarcadas dentro de una nave, el fondo del mar o qué se yo.... la del surfero que ahora no me sale el nombre o la del escalador que se arranca la mano.

Pues bien, Sumergible es un portento cinematográfico. La manera de mover la cámara, el entorno, la pestilencia que se sugiere en su trama (profundamente social también) está llevada a un extremo realísimo gracias a un reparto estelar: Natalia Reyes (Terminator: Destino Oscuro), Leynar Gómez (de la serie Narcos), José Restrepo (Narcos, Tr3s Días...) y Carlos Valencia (también en series y en películas muy desconocidas aquí como Hacia la Oscuridad o Pescador). 

El principio tiene algo deudor de ese cine filipino violentísimo de mafias, pero conforme pasan los minutos va girando todo hacia un Survival Horror de tomo y lomo. Su narrativa, su asfixiante y tenso pulso no decaen un instante y convergen inexorablemente a un fabuloso y violento clímax final. OTRA JOYA.


UNCLE PECKERHEAD
Matthew JOHN LAWRENCE (Estados Unidos / 2020 / 97’)

SINOPSIS: "El grupo punk DUH está a punto de embarcar en su primera gira como preparación antes de un importante concierto en su ciudad natal. El único problema es que no tienen transporte. Por suerte, se topan con un amable redneck sureño, Peckerhead o “Peck” para los amigos, que casualmente vive en una furgoneta con capacidad para 15 personas. Está más que dispuesto a ser su roadie y encargado del merchandise a cambio de unos pocos dólares y los gastos de gasolina. ¿Qué podría salir mal? Parece un buen tío que ha sido desafortunado y quizás algo que compañerismo le vendría bien. Sin embargo, Peck guarda un secreto: si no se toma su medicina antes de medianoche, se transforma en un monstruo caníbal. Pero es un tío amable, nunca dejaría de tomarse su medicina, ¿verdad? En parte una loca comedia de road-trip, en parte concierto rock, en parte inimaginable fiesta del gore, Uncle Peckerhead tiene “película de culto” escrito sobre su sangriento y mutilado cadáver".

Después de ver Sumergible el listón lo tenía tan alto que Uncle Peckerhead para mí ha sido como una pastilla homeopática. Dilución en estado puro. Ni lo suficientemente gore ni lo suficientemente comedia para divertirme... la banda sonora con temas de Noise Rock ni fú ni fá. Sé que este tipo de películas gustan mucho al respetable, pero comedia y terror no son nada fáciles de mezclar además de que el final es tan abrupto como absurdo. 

***

Para quitarme el agrio sabor de boca de Uncle Peckerhead cuando llego a casa sigo un poquito más con esa bestialidad de Enter the Void de Gaspar Noé hasta que me dan las tantas de la madrugada. Podría escribir sobre más películas que he tenido ocasión de ver pero me gustaría ceñirme a las visionadas en el cine así que dejo para otra ocasión algún texto sobre esa nueva forma de terror frenética que está surgiendo a raíz del auge de las redes sociales como lo es Spree, con buenos momentos de humor negro y en general  bastante conseguida. De este año también me ha gustado bastante el thriller The Silencing de Robin Pront (el director de la recomendadísima y brutal D´ardennen, 2015) y bueno, paro ya que mi verborrea es considerable.

See you soon, fatherfuckers!.


martes, 17 de noviembre de 2020

FANCINE 30: REDENCIÓN, INTERMEDIO, PAUSA y VIRULENCIA EN LA PANTALLA

Ya empiezo a oler a redención en las inmediaciones del Cine Albéniz. Tengo un típex gigante con el que el último día voy a borrar lo de 30 FANCINE para escribir 31, así de optimista me encuentro... y es que contra viento y marea todo ha ido como la seda este año. A falta de varias películas para terminar, el nivel es alto y muchísimas joyas en la programación, como siempre variada y para todos los gustos de la respetable audiencia. Lo que tenemos en Málaga es un bastión de Cultura, a ver si se le mete esto en la cabeza a los que mandan; tenemos un festivalazo como la copa de un pino que ha cumplido TREINTA AÑOS, comenzando como un sueño cuasi adolescente y acabando con unas estructuras de profesionalidad dignas de elogio. Las personas que trabajan detrás de bambalinas son tan humanas, cercanas y amables que el ambiente es familiar y de respeto y eso... queridos y queridas politicuchos de tres al cuarto, no me lo váis a quitar nunca. Podeís derribar media ciudad y convertirla en un esperpento golem que recuerde a todo y nada, pero en el corazón de cada seguidor del Fantaterror hay un Código de Honor que nadie más tiene... un compromiso, tesón y amor por todo lo que rodea al cine que roza aquello del Amor Romántico en los Libros de Caballería.

Por circunstancias del destino tuve contacto con sus primitivos organizadores que me transmitieron la pasión de lo que era ir a visitar mesas de promotoras de cine (perdonad si el término no es el correcto, pero tampoco entiendo mucho del tema) y sus stands en festivales... cómo se movían los intríngulis del circuito de films que recordaba (desconozco si hoy día se hace todavía así) a esos antiguos comerciales que llegaban a los videoclubs con las novedades en un archivador plastificado. Porque también (más circunstancias), conocí a un íntimo amigo del primer director del Festival que tenía un videoclub y me nutrí de todo ese primer cine de Takeshi Kitano, las infames primeras películas Gore de Olaf Itenbach o Jörg Buttgereit, el debut de Tarantino que llegó como una bala o las salvajadas Hong Konesas (hoy estoy inventando palabras por un tubo) de John Woo. Y estas grandes y sabias personas me contaban cómo era el subastado de películas y el tarjeteo de los contactos y aquello me pareció SUBLIME, seductor y tremendamente romántico como idea. 

El cine `distinto´ era el que se veía cuando mis padres se iban a la cama y mis amigos nos montábamos nuestras maratones en lo que creo era una adolescencia muchísimo más sana que la de hoy día. Tiro de recuerdos y se me viene una imagen de Pepe Trueno a la salida de las salas de la planta superior del Teatro Alameda regalando (y firmando) su pequeño pero gran libro  `La Televisión Es Fantástica. Las Series Que Nos Invadieron´. Recuerdo a nada más y nada menos que Shaun Carruth subirse a presentar su rompedora Primer. Es el Crononauta en estado puro, ese que tira de nostalgia pero que se ilusiona todavía más por lo que traerá el futuro. 

Cuando la Luz se Apaga, reina la imaginación... esa única y original película que jamás se ha filmado pero que está multipremiada en tu psique. La música, los libros, la CULTURA no se vende al mejor postor sino que evoluciona como este año lo ha hecho FANCINE. Porque su compromiso con el espectador es tan grande que en un esfuerzo inhumano (lo fácil hubiera sido ponerlo todo OnLine) cumplen su particular pacto de sangre y fuego con sus seguidores y eso, eso lo devuelve el Karma con creces.

Estoy hasta las narices de Entorno Thyssen y del Entorno Picasso. No quiero vivir en un Circo. Quiero recuperar el añejo olor a palomitas pasadas, la ominosa alcantarilla del viejo Cine Echegaray, la cristalera imposible del América Multicines, el Cayri Cinema.... qué diablos, que vuelvan a poner la Sala X. No quiero tus museos de postín, tus rutas de la tapa, tus alumbrados de navidad con espectáculo bochornoso donde se aplaude como borregos ante una coreografía mal hecha... no quiero tu feria de borrachos, el maldito Halloween o las Holi Run. 

Solo quiero que cuides el Patrimonio, y FANCINE ES PATRIMONIO.



FANCINE 30: SESIÓN VI (LUNES 16 de NOVIEMBRE)


Lo primero que hago al despertarme es cerrar los ojos... y menos mal, porque si hiciera lo contrario no pegaría ojo en toda la noche. Veréis, hay algo que me perturba últimamente y lo que voy a contaros es algo REAL. Cada vez (bueno, no el 100% de las veces, pero digamos un 90% casi) que miro la hora por las mañanas cuando voy a algún sitio, tengo prisa o algo que hacer, invariablemente marca las 11:11 de la mañana... pongo un ejemplo. Estoy haciendo las camas, o terminando de vestirme porque (ayer mismo) tengo que ir a FANCINE y miro la hora: las 11:11. El colmo fue cuando hace un mes cambiaron la hora y me pasó lo mismo con la hora cambiada... es decir, marcaban las 11:11 en un reloj con la hora sin cambiar. 

Seguramente pensaréis que miento, pero os prometo que no, que es algo habitual últimamente. He buscado por internet (el Neo Oráculo de estos tiempos) y he encontrado: "El 11:11 indica una conexión importante con su ángel guardián o guía espiritual, esta hora le empuja a reflexionar y desarrolla su plena conciencia a través de su subconsciente. Es un número maestro que simboliza una gran energía que debe controlarse al riesgo de que se desestabilice". 

Vale, y ahora me quedo todavía más acojonado. Yo no quiero conectarme a ningún Ángel Guardián y mi subconsciente... yo que sé, él sabrá, para eso es SUB. La energía no se realmente si se refiere a que de aquí en adelante debería probar a realizar lanzamientos de energía (onda vital) como en el Street Fighter. Sé que es una tontería grandísima pero con eso de El Crononauta este año en FANCINE al despertarme hoy me he acordado, y siendo ayer mismo el último ejemplo de ver la susodicha hora en el reloj, pues nada... seguiré esperando ese supuesto milagro o cambio o renacimiento o sincronicidad o.... yo que sé, el caso es que casi que estoy aliviado de ver que son las 9:30. Al menos ahora y hoy. Ya se verá mañana.

Hoy voy justísimo de tiempo porque anoche no pude escribir y casi que tengo que largarme para coger el Bus de las (posiblemente) 11:11... aquel que te lleva a tu Destino de forma Invariable.


THE QUEEN OF BLACK MAGICK 
Kimo STAMBOEL (Indonesia / 2019 / 99’)

SINOPSIS: "Hanif lleva a su mujer Nadya y a sus tres hijos al orfanato en el que se crió. Mr. Bandi, el casero del orfanato, está mayor y enfermo, y Hanif quiere verlo después de todo este tiempo. La misma noche, llegan también al orfanato dos de los mejores amigos de Hanif. Vienen a pernoctar para mostrar respeto por la persona que les cuidó de niños. Esperaban una tranquila y pacífica noche, pero pronto se dan cuenta de su error. Uno por uno, empiezan a experimentar cosas sobrenaturales y terroríficas".

Remake de un oscurísimo clásico terrorífico de 1979 de Liliek Sudjio (una de esas imposibles co producciones entre Japón, Filipinas e Indonesia), vuelve el grandísimo Kimo Stamboel bajo guión de Joko Anwar (no se me ocurre asociación mejor). Teniendo en cuenta de que soy un absoluto fanático de Macabre (2009) y el personaje de Dara que aparecía en un primitivo corto y en Takut: Faces of Fear de 2008. Macabre fue una suerte de revelación entre mis amistades, que no veían algo tan potente en cuanto a Gore y tensión desde hacía mucho, mucho tiempo y que a su vez rompía la hegemonía europeísta. Killers (2014), Headshot de 2016 junto a Timo Tjahjanto, (otro que tal baila) y la anterior Dreadout del año pasado entronizan a Kimo Stamboel como una bestia parda del mejor nuevo cine fantaterrorífico. Para los despistados, Tjahjanto y Stamboel dirigían en sus primeros tiempos como THE MO BROTHERS.

Luego estaría su faceta como productor, que os llevaría a The Night Comes for Us (2018) o al brutalífico corto Safe Heaven en The ABC´S OF DEATH 2 (dirigido por Tjahjanto). Esta The Queen of Black Magic es puro disfrute desde el minuto uno... porque vaya manera de mover la cámara y vaya forma de mantener el pulso con el espectador hasta el mismísimo final (vale, es cierto que en los últimos instantes ya llega la anestesia ocular, pero eso siempre ocurre). Stamboel es crudo, macabro y no atiende a concesiones.

Eso sí, quien no ande familiarizado con el cine indonesio le costará meterse en ese submundo de creencias extrañas y nigromancia. Quitando algún efecto digital que chirría, el resto es puramente sangre e higadillos analógicos. El reparto está muy bien en sus papeles y me lo he pasado EN GRANDE. Lo digo casi todos los años pero ese sustrato que salió de la serie de películas V/H/S y The A/B/Cs of DEATH están revitalizando el género de forma impresionante (Gareth Evans, Adam Wingard, Simon Barrett, Ti West, los citados y muchos más). Investiga, rebusca y disfruta.


NOISE
Jeremy LAVAL (Francia / 2019 / 105’)

SINOPSIS: "Tras un accidente, Vincent se ha quedado sordo. Reticiente a aceptar su discapacidad, se auto-aísla más y más y se retira de la sociedad. Un día, Vincent empieza a oír de nuevo. Inicialmente solo ruidos... luego personas. Pero lo que Vincent percibe como voces, resulta ser algo completamente diferente". 

Muy buen debut de Jeremy Laval que está cosechando premios como setas. Lo mejor de la película sin duda el violento arranque, con una producción de sonido agobiante en la primera hora inicial (luego conforme avanza la trama pierde fuelle evidentemente). Una pseudo mezcla entre ciencia ficción (en levísimo detalle, no quiero spoilear) y thriller 100% francés, Noise convence porque está muy bien terminada, sin histrionismos y siendo consciente su director de que no se trata de una idea original... llegados a ese punto, Jeremy Laval se vuelca en conseguir que su pareja protagonista estén perfectos (Guillaume DuhesmeBérangère Mc Neese). 

Tiene su toquecito Indie, su nudo gordiano, sus toquecitos salvajes a la francesa y la promesa de que este director va a dar mucho de lo que hablar. Con este guión y mucho menos los americanos se marcan una serie de 10 temporadas en Netflix.

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Tengo que cortar aquí. He mirado el reloj y son las 10:11. Hasta los Ángeles Guardianes están de rebajas.


domingo, 15 de noviembre de 2020

FANCINE 30: SESIÓN IV y V (SÁBADO 14 y DOMINGO 15)


Vale, aquí esto delante del ordenador pensando cómo introducir hoy las reseñas, que serán del Sábado y Domingo. Llegados a la mitad del Festival tengo un monazo de maratón que ni me soporto. No es hasta que la sobreestimulación visual me deja noqueado que entro en un estado alterado de consciencia parecido al lavado de cerebro que ejercía la CÍA (perdón, solo un escritor tan amateur como yo puede poner `ejercía la cía´ e intentar seguir como si nada hubiera ocurrido). Eso este año va a ser imposible, porque cuando llego a casa sigo viendo películas pero caigo dormido antes.... es lo que tiene el calor del hogar. 

Tras mirar las terrazas abarrotadas un día y otro no puedo más que lamentarme por que el bebercio y el comercio hayan conducido la situación a tener que recortar sesiones en el cine, más cuando tod@s nos sentamos en nuestras butacas con nuestras medidas de protección... bueno no, siempre hay alguien que da la nota; alguien que no entiende que NO, que no puede sentarse al lado de su pareja o su amiguete porque descuadra la sala. En esta sociedad, siempre hay alguien que tiene que ofenderse y no entender algo. Me entran ganas de salirme de la sala, enfundarles en un EPI y llevarlos de Tour por el Hospital, para que vean que esos trajes no solo salen en Alien, el octavo pasajero

Como no estoy lo suficientemente cansado me quito la camiseta y me pongo a levantar piedras del Teatro Romano. Mientras sudo y mis bíceps se tensan... mientras noto la elasticidad primigenia de mis músculos en movimiento y el bombeo de mis arterias como pistones me digo que voy a coger las piedras que necesite para montar un nuevo proyecto. 

Piedra a piedra, voy a quitar el Teatro Romano y construir... no sé, una Casa de la Cultura por ejemplo.


MANDIBULES
Quentin DUPIEUX (Francia, Bélgica / 2020 / 77’)

SINOPSIS: "Dos amigos ingenuos descubren una mosca gigante en el maletero de un coche y deciden domesticarla para ganar dinero con ella".

Cuando creía que Deerskin era insuperable, viene el señor Dupieux y me da un señor tortazo con esta excepcional Mandibules, destrozando cualquier concepción normal que tengas de la palabra Comedia surrealista y llevando al celuloide a un punto de ruptura demencial en el que cualquier elemento, por absurdo que sea, crea una avalancha de sensaciones en el espectador. Si el estándard de pareja divertida que tienes es Bob el Silencioso y Jay vas desencaminado; no puedes imaginarte a las cotas hilarantes a las que llegan Manu (Gregoire Ludig) y Jean (David Marsais), con la ayuda del mejor papel secundario que he visto en años... Adèle Exarchopoulos; ver (más bien oír) para creer. Es la facilidad con la que todo se hila, con la que fluyen los silencios, gestos y expresiones de sus protagonistas que las películas de Dupieux realmente se hacen solas... fluyen con una facilidad que asusta. Siempre he pensado que su cine es lo más parecido a leer un viejo Metal Hurlant

El término locura se le queda corto a Mandibules. Su ritmo sosegado y de buen rollo (habitual siempre en el cine del francés) facilita que todos los elementos que participan parezcan llegar de un mundo paralelo amistoso, lisérgico y cargado de positivismo. Absoluto fan de este señor y su cine.


THE WATCHMAN / STOROZH 
Yuriy BYKOV (Rusia / 2019 / 90’)

SINOPSIS: "Vlad es un hombre de 40 años que trabaja como vigilante en un antiguo spa que va a ser destruido. Necesita trabajar aquí para vivir recluído. Vera y Stas son una joven pareja casada que vive a escondidas. Les persigue un ex-socio de Stas. Una noche, la pareja llega al spa. Vlad decida ayudarles, ya que él también huye de su pasado. Las consecuencias de todas sus malas decisiones vendrán a encontrarles eventialmente. Sin embargo, juntos tienen una oportunidad de reparar sus errores". 

El cine de nuevo cuño proveniente de tierras rusas sigue sus propios parámetros. En la ciencia ficción lo veremos en la (para mí aséptica) Sputnik, y en el thriller aquí tenemos un ejemplo de lo que puede hacer. Lo primero comentar que para mí la cinta es fallida... no es normal que teniendo un inmenso sanatorio perdido en la nieve, y con una claustrofóbica fotografía agreste no te marques una coda violenta a lo Sam Peckinpah... y me explico. En los 90 minutos se ven dos habitaciones, el porche de entrada del Sanatorio y creo que el techo de un edificio.... y ojo, que estamos hablando de un edificio que se ve ENORME.

La historia funciona a impulsos, decayendo muchísimo en la parte final (cosa que sucede cuando no eres capaz de mantener el suspense en un thriller). Ni da la sensación de ser un Enragés (la francesa) ya que los protagonistas tienen total libertad de irse y venir cuando les place (es más, se cogen el coche y van a por bebidas), ni el entorno se convierte en un protagonista más (hubiera sido lo suyo). El giro hacia el drama no está mal en sí... pero la anodina trama de la pareja junto a dos garrafales fallos de guión (que no voy a Spoilear) me dejan noqueado. Normalita.


GONE WEDNESDAY 
Kohei YOSHINO (Japón / 2020 / 104’)

SINOPSIS: "Siete personalidades comparten un mismo cuerpo, cada uno viviendo durante un día diferente de la semana. Documentan sus actividades y se dejan notas para conseguir vivir en armonía. Sin embargo, todo cambia cuando “Martes” se despierta un miércoles. “Miércoles” ha desaparecido. Vivir dos días seguidos da a “Martes” un nuevo aliciente en su vida, pero su felicidad es efímera, ya que empieza a perder y recuperar constantemente la consciencia. Las demás personalidades parecen haber desaparecido. Sus desmayos se hacen más frecuentes, como si su existencia se desvaneciera. ¿Desaparecerá, tal y como lo hizo Miércoles?"

Terminada la película tengo la sensación de haber asistido a la versión de Autoayuda de Memento. Producto 100% japonés muy bien rodado, cargada de dramatismo y con muy buenas ideas, pero con el problema de que llegas al clímax de la película 30 minutos antes de terminar quedándote otra media hora de dramatismo vacuo. Ojo que pocas pegas se le pueden poner... está bien rodada, toquecitos de comedia al inicio y hay momentos realmente buenos como el cambio que va sufriendo el flashback con la imagen en el espejo retrovisor y el reflejo de los pájaros (no cuento más), pero es que el resto se me hace tan acaramelado que acabo perdiendo el interés. 


SPUTNIK 
Egor ABRAMENKO (Rusia / 2020 / 113’)

SINOPSIS: "En el apogeo de la Guerra Fría, una nave espacial soviética se estrella después de que una misión salga mal. Cuando un reputado psicólogo ruso evalúa el estado mental del comandante, el único superviviente del desastre, comprueba que algo puede haber regresado a la Tierra con él. Escondida dentro del cuerpo, hay una criatura peligrosa. Sputnik es una nueva muestra del buen estado de forma de la ciencia ficción rusa".

Sigue imparable el aluvión de ciencia ficción rusa de nuevo cuño como esta Sputnik que cuenta con un potente primer acto pero que luego para mi gusto cae en la típitca historia de héroes redimidos de la Space Opera rusa. Los efectos especiales son excelentes pero Abramenko gasta todos los cartuchos al principio y luego es lo que pasa, que te queda una historia de corre que te pillo bastante anodina en cuanto a guión. Esforzarse tanto en lo visual trae estas consecuencias pero con todo, es un disfrutable film de Serie B (toquecito de TV movie incluso) vestido con ínfulas de megaproducción.

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Hola, os escribo desde la Cárcel. Que por lo visto el proyecto de la Casa de la Cultura no va a poder ser. A ver si os acercáis para la fianza.

sábado, 14 de noviembre de 2020

FANCINE 30: SESIÓN III (VIERNES 13)


Sentado en mi butaca esperando el comienzo de la sesión de Dinner in America, capto una interesante conversación que define el espíritu de Fancine. Una chica le comenta a un chico (ambos estudiantes) que tienen que aprovechar al máximo el momento porque seguramente los estudios al año siguiente los lleven de Erasmus fuera (o algo así) y por tanto, van a tener un año o dos en que no van a poder disfrutar del festival. Esto que puede ser una tontería, es tremendo si se analiza bien. Hablaban entre ellos de los amigos, de cómo el boca a boca hace que la gente acuda a las salas y esa camaradería tan sana que da el compartir los hobbies. Yo he sentido auténtica desazón cuando por alguna razón no he podido estar al 100%. Se me quedaba un nudo extraño al ver cómo pasaban los días y yo andaba en otras historias. 

Son los llamados `años en blanco´.

Yo recuerdo mis años `en blanco´. Cuando empecé a trabajar y no me coincidían los turnos, cuando tenía prácticas hospitalarias... tiempos extraños en los que uno no puede controlar del todo su destino... la adolescencia tiene parte de ritual de iniciación, y parte de `deriva´ insalvable. Los primeros conatos de libertad total no se dan hasta que uno ya está medianamente establecido y comienzan otro tipo de problemáticas. Por tanto, cada año hay que vivirlo como se presente y con las circunstancias que haya que salvar, porque nunca sabremos qué diablos traerá Fancine 31. ¿Quién iba a decirme que después del sabotaje coreano habría algo llamado Covid 19 que haría palidecer aquello?. 

Cada Fancine que pasa estoy más agradecido a la organización por su labor y por no tirar nunca la toalla. Por navegar entre mares de adversidad y mantener el espíritu intacto. Por cuidar a la gente como yo y a otros tantos reporteriles que por allí se acercan con su ilusión al máximo... cuidadito porque poca gente más honesta vas a encontrarte que aquellos que son seguidores del fantástico. Más o menos `frikis´, más o menos `raros´... pero somos jodidamente honestos. Nos desvivimos por nuestros géneros de cabecera y si tenemos que arrimar el hombro y mover el Albéniz varios metros atrás porque sabemos que si a alguien le falta 1 euro para una entrada y debajo hay monedas... joder, lo hacemos. 

A todos esos otros reporteros, medios, blogs, páginas y amantes del fantástico que año tras año también estáis ahí os deseo el mayor de los regalos que es la pertenencia física a esa enorme Horla Fancinera. ¿Demasiado acaramelado hoy?... bueno, os dejo con frases de mi libro de autoayuda:

"Soltar lo que nos daña es un gesto de amor; di NO al estreñimiento"; "Jamás puedes obligar a nadie a cambiar, cada quién es como quiere ser... incluso los Power Rangers"; "Cuando te caigas y llegues al suelo, piensa que ahora solo puedes ir hacia arriba (diente más, diente menos)".


DINNER IN AMERICA
Adam CARTER REHMEIER (Estados Unidos / 2020 / 106’)

SINOPSIS: "Un rockero punk a la fuga y una joven fanática de su banda emprenden juntos en un inesperado y épico viaje por los decadentes suburbios del Medio Oeste americano".

¿Es posible que me lo haya pasado tan bien con una película tan cargadísima de clichés como esta?. Pues se ve que no soy el único porque esta comedia punk arrasa allá donde se proyecta y algo tienen que tener su pareja protagonista para ello. Empieza cargante, con ganas incluso de salirme de la sala... pero le doy una oportunidad y acabo metido dentro de una historia de amor de esas que se te quedan clavadas por mucho tiempo. Dinner in America no es arriesgada, ni tiene giros de guión apasionantes... leñe, ni siquiera su lodoso humor te hace reírte; lo que engancha es la magnética relación entre sus dos protagonistas y cómo acaban complementándose dentro de su inadaptada burbuja social.

Luego está el tema de la música, del punk, de las riot girls y todo eso. Si bien la música hace su acto de presencia, no es el eje sobre el que pivota pero el tema principal es eso, un temazo. En definitiva, es tan irregular y tan incoherente que acaba enganchándote de pleno como producto de entretenimiento salvaje.


BEASTS THAT CLING TO THE STRAW
(Yong-Hoon KIM / Corea del Sur / 2020 / 108’)

SINOPSIS: "El destino de un mediocre grupo de desgraciados comienza a converger. Joong Man encuentra una bolsa llena de dinero en el vestuario de la sauna en la que trabaja. La novia de Tae Young se ha dado a la fuga con el dinero que él ha robado. Además, aparece misteriosamente un cadáver. Mi Ran empieza una relación con su joven amante, quien se ofrece a matar a su marido maltratador… Así empieza este juego en el que solo puede sobrevivir el más fuerte".

Impresionante debut de Kim Yong-Hoon en uno de los mejores thrillers coreanos que llevo vistos en estos últimos años. Bien hilada, montada y rodada, con las explosiones justas de violencia del género, sus personajes están trabajados detalladamente en cada una de las subtramas. Ágilmente rodada, sin histrionismos innecesarios que a veces abundan en lo asiático gracias a unas excelentes interpretaciones (la gran mayoría del reparto os sonarán porque están curtidísimos ya). 

Destacar el ritmo narrativo y cómo se mantiene el suspense (de dónde viene el dinero por ejemplo) hasta el final. Además, un par de giros en los últimos instantes resultan magníficos y refuerzan la potencia inusitada de Beast That Cling to the Straw (basada en una novela, por cierto) nada habitual para un debut.

A continuación, de forma apócrifa, os suelto un par de reseñas más de películas que por azares del destino he visto hace unas semanas por otras vías:


ALONE
John HYAMS (Estados Unidos / 2020 / 100’)

SINOPSIS: "Una viajera recientemente enviudada es secuestrada por un despiadado asesino, hasta que escapa al bosque, donde deberá luchar contra los elementos mientras acecha su perseguidor".

Aunque la filmografía de su director no sea para tirar cohetes, sí que se ha marcado un magnífico y tenso thriller con regusto clásico (juego del gato y del ratón, secuestrador y víctima). Pero hay trampa claro... y es que es un remake de la sueca Försvunnen (2011), lo cual para mi gusto le resta enteros en cuanto a originalidad. El actor Marc Menchaca está fantástico y la opresiva y agreste ambientación en plena naturaleza como siempre cuando se usa bien, acaba siendo otro protagonista más.

Lo dicho, entretenido pero no original claro. La historia en sí está más que trillada. Resumiendo: loco conoce a chica, chica huye de loco, loco encierra a chica, chica escapa del loco, ambos corren (como locos) y acaban luchando en duelo a muerte con redención incluída. 


LES TRADUCTEURS
(Régis ROINSARD / Francia, Bélgica / 2019 / 105’)

SINOPSIS. "Aislados en una lujosa mansión sin ninguna posibilidad de contacto con el mundo exterior, nueve traductores han sido reunidos para trabajar en el último tomo de uno de los grandes éxitos de la literatura mundial. Pero cuando las primeras diez páginas de la novela aparecen publicadas en Internet, y un hackeador amenaza con desvelar el resto a no ser que se le pague una fortuna, la pregunta es inquietante: de donde viene la filtración?".

Otro buen thriller francés alrededor de unos traductores de libros que son "reunidos" para hacer una traducción simultánea de un best seller. Algo tramposa, de ritmo flojo y con personajes de esos que acabas odiando... especialmente una tontísima interpretación de Eduardo Noriega, que parece no haber avanzado nada en sus registros personales desde Tesis. Para mi gusto demasiado artificioso e irreal pero se deja ver aun a sabiendas de que el giro final no va a pasar a los anales del cine de suspense.

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Para la vuelta a casa estoy haciendo una lista de posibles nuevos proyectos para recuperar la economía en la ciudad y seguir gentrificando y diluyendo más nuestra esencia. A ver qué os parecen: una estatua de la libertad en la entrada del puerto de Málaga, pero con la cara del alcalde; una pista de patinaje de hielo que baje desde el Castillo de Gibralfaro; quitar las aceras del centro de Málaga y poner agua a tutiplén para que quepan Góndolas y tal; una réplica del Monte Rushmore pero en vez de las caras de los presidentes americanos poner las 4 de Antonio Banderas en 4 registros distintos; quitar la plaza de toros y poner un Ring de la WWE.... en fin, se aceptan propuestas.