jueves, 21 de junio de 2018

CABESTRO - "¿CRÓNICA DE SUCESOS?" (VARIOS SELLOS, 2017)


CABESTRO:

1. Buey manso que se coloca delante de las reses bravas para que las guíe.
"los cabestros suelen llevar un cencerro; los seis toros abandonaron los corralillos a las ocho en punto, perfectamente arropados por los cabestros"
2. Persona torpe y que se deja influir demasiado fácilmente por los demás.
3. Cuerda o correa que se ata a la cabeza o el cuello de las caballerías para llevarlas o sujetarlas.
"aquel hombre no dejaba de tirar del cabestro del burro"

***

La banda CABESTRO viene a ser una especie de All Star Band nutrida con gente curtida en el metal extremo de nuestra amada Península. Músicos de VÓRTICE, MOKSHA o FOSCOR entre otros tocando un Old School Grind Death con cimientos Crust. 

He mentado Old School, y de Viejas Escuelas os voy a hablar un rato. Erase una vez un preadolescente Coronel Mortimer en clase de sociales en un colegio de barrio. Un colegio de esos que solían tener un cochambroso alicatado en los cuartos de baño y todo olía a lejía. La vieja escuela tenía sus leyes, que cuestan un poco creer hoy, no en vano el profesor tenía la osadía de darte dinero para que salieras del colegio a que le compraras el periódico dos calles más abajo de donde se encontraba el edificio mientras se fumaba un Ducados. Allá que te daba el dinero (eso sí, siempre te daba la vuelta para que te la quedaras), salías del colegio (inverosímil, verdad?) e ibas al Kiosko. 

El Kiosko en cuestión tenía unas cuerdas de tendedero con la prensa sujeta con pinzas de la ropa y uno no podía evitar que su mirada se desviase a un ya postrero periódico de sucesos que estaba en sus horas bajas, y que por contra intentaba suplir su descenso de ventas con portadas cada vez más horripilantes. EL CASO, ni más ni menos, todavía sobrevivía allí colgado hablándonos de crímenes sangrientos que bien podía suceder al lado de tu casa. Esa vieja escuela me permitía salir y observar aquellas rudísimas fotografías que te quitaban el sueño, cosa sólo entendible si tienes una determinada edad, y es por eso que ver la portada del disco de CABESTRO me ha traído todos estos recuerdos a la cabeza. Manuel Delgado Villegas "El Arropiero" con su insolente mirada, es el peor asesino en serie que ha existido en la península aunque no el único, bien se sabe...

La Vieja Escuela la tenías en casa con "La Huella Del Crimen" o el mismísimo "Quién Sabe Dónde", a la vez que en cualquier rincón religioso te encontrabas cientos de exvotos a cada cual más dantesco. La España de vieja escuela es violenta como Puerto Hurraco, supersticiosa y paranormal los avistamientos Ovnis setenteros, socialmente anómala como el Caso de Somosierra, sexualmente cerrada y sórdida hasta el punto de que el destape dio como resultado algo tan genuino como el cine de Mariano Ozores


Una Semana Santa que huele a un ejército de Cristos clonados y militarizados, corridas de Toros donde la sangre lo mismo se derrama que se recoge para dar de beber al tísico (y dando lugar a la tenebrosidad del Sacamantecas), una España que tenía identidad para lo malo pero también para lo bueno, con esa eclosión maravillosa del Cine Calificado S, el Fantaterror, Naschy y Soledad Miranda o la descacharrante e impensable hoy día La Bola De Cristal

Acervo, sexo y muerte made in Spain.

CABESTRO se nutren de eso tanto en lo estético como en lo lírico, y homenajean el sonido de la vieja guardia (otra vez Vieja Escuela) de BRUJERÍA o DISCHARGE. ALEX Y. (bajo), GORKA D. (guitarras), PERE S. (guitarras), IVÁN R. (batería) y FIAR (letras y voces) mas colaboraciones de G. FUNU de MOKSHA y ASSOT en algún tema. La grabación se lleva a cabo entre 2011 y 2016 por el propio Gorka en THE ROOM STUDIOS, y viendo el tiempo que han tardado y el carácter de proyecto paralelo, me reafirmo en mi comparación de CABESTRO con BRUJERÍA. Este su debut, "¿Crónica De Sucesos?", son 22 minutos enormes con diez cortes que os iré detallando un pelín mas adelante porque antes de meterme en profundidad me gustaría comentar que prefiero mil veces el cariz social del Grind Death que le dan CABESTRO a sus temas que el simplismo gore de otras bandas, más que nada porque por mi profesión he visto cosas que, (Stallone Dixit) harían vomitar a una cabra y más muertos de los que cualquier músico de postín Grind Gore se pensaría. Más de uno dejaría el estilo si se viniese una guardia en plena urgencia extrema hospitalaria y las "patológicas" letras de seguro se tornarían casi hippiescas. 

Por cierto que los arropieros en cuestión han sido: DISCOS MACARRAS, VIOLENCE IN THE VEINS, ABSTRACT EMOTIONS y MÚSICA HÍBRIDA ECUADOR.


"Andrajos" tiene el honor de abrir con todos los ingredientes sobre la mesa. Doble juego de voces, mini interludios de guitarras afiladísimas alternando partes más romas en que se recrudecen sobre una batería inmensa tanto al doble bombo como en las bajadas de tempo. Toques de Hardcore Punk y Crust que estallan en "Cogidas", muy a lo "Matando Güeros" de BRUJERÍA. Pegadizo, martilleante y hostil, destaca un trabajadísimo trabajo de unas guitarras afinadas en lo grave y bajando casi a niveles Death Thrash. Brutalísima por cierto la base rítmica durante todo el disco.

"El Arropiero" tiene todo lo anterior mas el aroma de las bandas sudamericanas de Grind, muy politizadas y especialmente agresivas. Creo que la clave en CABESTRO es no perder nunca el norte de la melodía aun tocando a la velocidad de la luz. Por cierto que lo de Fiar a la voz es digno de elogio con múltiples registros, coros, voces más agudas y otras más guturales. Arranque de guitarras que rozan el Death Sueco con "Escenas Obscenas" aunque pronto la forma de entrecortar los riffs nos lleven de la mano a un cruce entre MORTICIAN con CARCASS y los NAPALM DEATH menos violentos... una destilada bebida con ingredientes tanto europeos como americanos que te dejan regusto agrio en "Gozo y Tortura" donde gracias a las voces invitadas de G. Funu se toca la claustrofóbica simpleza del genuino Black Death (GOD DETHRONED pero más "catchy").

"La Santa Muerte" trasciende el Grind para tocar el Brutal Death a lo CRYPTOPSY o SUFFOCATION, siendo de los temas más sofocantes del disco, especialmente cuando los tempos bajan al nivel de ASPHYX o IMMOLATION. Vieja Escuela, ¿recuerdas?. Retornan BRUJERÍA en "Las Averías De Una Bruja", la mejor versión que escucharás en tu puñetera vida y que tienes que escuchar... después de aquella "Marijuana" de 1997 no me esperaba algo semejante.


Tramo final con "Rezuma Sangre" (que me lleva a imaginarme cómo sonarán CABESTRO en directo), la barroca técnica concentrada en "Santos Indecentes" y sus demoledores toques de D-Beat a lo DISCHARGE y punto final con "Tiembla", que termina de sopetón y dejándote con ganas de mucho más.

No sé si CABESTRO es un proyecto paralelo, si tendrá continuidad o no; pero lo cierto es que han dado lugar a un monstruo de los que ya costaba ver en el panorama moderno de la música extrema que anda muy preocupada en qué paso siguiente dar o con qué mezclar el sonido, cuando quizás lo más coherente sea volver al punto de partida. No sé si la faz de El Arropiero llegará a los inimaginables montajes que ha tenido la famosa "Crazy Head (Coko Loco)" de BRUJERÍA, pero tanto por estética como por sonido estamos ante uno de los discos de este año que tienes que escuchar.

MAX WÜRDEN - "MOMENTUM" (EL MUELLE RECORDS EMR035, 2018)


Aun no teniendo ni idea de qué va todo este asunto o si el nombre fuere o no un seudónimo de Pepito Pérez, basta escuchar los primeros compases de "Momentum" para dilucidar que MAX WÜRDEN (1971) es alemán (Colonia). Según los datos que he podido recabar, su carrera musical comienza en 1987 tocando en diversas bandas de Indie, Jazz y electrónica para cambiar de tercio allá por 2001 componiendo bandas sonoras y recibiendo algún que otro premio por sus trabajos. Todo esto coincide con su dedicación casi exclusiva a las múltiples posibilidades de la guitarra como instrumento y por ende, al submundo del "Dronescape" o como quiera llamarse... cualquier cosa menos tildarlo todo de cinematográfico, cinemático y cosas así, moda bastante frecuente en los tiempos que corren y que realmente lo que hace es encasillar, diluir la inmensa labor de los artistas. 

En este caso, WÜRDEN nos da más de 70 minutos de experimentación muy a la berlinesa con tramos que bien podrían recordar a SCHULZE mientras otros directamente beben de un ENO con HARMONIA al ralentí. No estamos ante un disco fácil; "Momentum" es demasiado largo y es fácil perder pie, pero existe en este tipo de sonidos eso que llamo "sinapsis" o dicho de otra forma, el Tempus Perfectum. El clima sensorio, anímico y espiritual adecuado para que las notas ejerzan el efecto (como un medicamento ni más ni menos). Si ese Tempus Perfectum no es el adecuado, no diferenciarás el minuto 1 del 69, y es lo que para mí da valor especial a "Momentum" (adecuado título para la reflexión, acabo de darme cuenta...).


El disco hay que valorarlo en el momento preciso, y esa es la razón de que haya tardado tanto en escribir esta reseña aun habiendo escuchado el álbum decenas de veces. Lugar, tiempo/momento adecuados... eso o probablemente darás una opinión bastante sesgada de un disco descomunal que crece con las escuchas pero que es lastrado por su largo minutaje. Si bien hay cortes donde la guitarra se torna lúcida y presente con atisbos de melodía, en otros la abstracción hace acto de presencia difuminando la realidad (en el sentido positivo). No quería citar ningún tema en concreto, pero es muy representativo el quinto "Momentum Replica" en que WÜRDEN pone toda la carne en el asador y se sublima a base de unos POPOL VUH mas cósmicos de lo habitual y que huyesen de lo étnico (pero transmitiendo las mismas sensaciones), línea argumental que podría continuarse en el séptimo "Function Of Time" donde se hace uso de una percusión mínima de tablas que me reafirma en el sustrato Kraut del asunto, aunque las idas y venidas de flashes electrónicos suenen a un VANGELIS del "Albedo 0,39" tratado medicamentosamente con neurolépticos. La guitarra doblada a sí misma es orgánica y la distorsión no llega nunca a emborronar el conjunto, sino que se busca el preciosismo, el adorno y el detalle que engarce pequeñas perlas en una música de alta alcurnia.

Para los Neo Oyentes de espinilla en boga esto es Pop Ambiental o incluso un híbrido Post Rock entre SIGUR RÓS y vete a saber qué. Para mí es un triposo, ácido momento congelado en el tiempo que os voy a resumir como os gusta (aunque no a mí)... cinematográficamente:

Durante 40 minutos una cámara enfoca una bola de espejos de discoteca que se mueve frame a frame en una asfixiante cámara lenta. Sobre el minuto 50 la bola empieza a abotargarse y nos damos cuenta de que está explotando. Los cristales no se están hinchando sino que están siendo expulsados del centro por la explosión en una oleosa deformación del tiempo que permite que los colores, reflejos y destellos hagan un puzzle imposible de volver a resolver. Minuto 60 y la forma de esfera ya no existe (posiblemente LYNCH se esté masturbando porque detrás de la bola hay cortinajes rojos). El fundido en negro llega justo en el instante en que un infinitesimal trozo de cristal refleja al oyente... tú, amigo o amigo, eres parte de la bola. 

miércoles, 20 de junio de 2018

INTERSIGNO - "THE END OF TIME" (CIVITAS MORTIS TAPE003, 2018)


Más sugerente que su debut me resulta "The End Of Time", segundo trabajo de INTERSIGNO, proyecto de Electro Synth, Dark Wave desde Barcelona del que ya os hablé hace un tiempo en una entrevista con JOSE ENTERRADO a propósito de su debut "Darkspace" (reseña aquí). Esta vez en cassette, pero otra vez editado con CIVITAS MORTIS que se va consolidando poco a poco como un sello a tener muy en cuenta para los amantes de la electrónica. El fantástico diseño obra de Igor Casayjardín (aquí). El estilo es el mismo pero algo más evolucionado y trabajado, buscando madurez a base de constancia y trabajo (no nos engañemos, estos estilos no son nuevos y lo que importa es que la melodía te arrope como una mortaja). Un pie en las Bso de films de acción, terror y ciencia ficción de videoclub, otro pie en el techno, y otro pie (si, otro pie, porque la criatura es mutante) en la escena EBM.

El disco empieza potentísimo y cargado de frescura a pesar de los aires retro. "The Other Side Of The Mirror" y "Feel The Hate" te revientan los sesos con sus bases rítmicas infecto-contagiosas, melódicas líneas corrosivas que establecen líneas trashumantes desde tu psique a los pies para que bailes eternamente en el Laser Drome de tu cerebro reptiliano. Sci Fi carpenteriana con "Close Encounters" y aprovecho para reflexionar. Lo que me gusta de este tipo de música no son las bases rítmicas/percusivas que suelen ser generalmente parecidas en mayor o menor medida, sino lo que transcurre en transversal o paralelo en el tempo natural de los temas (dependiendo de la ocasión), que en sí son lo que le dan la potencia épica y características definitorias propias del estilo (resumiendo, la línea melódica que imprime el carácter diferencial); escuchad "You Are a Hero" y su abigarrada maraña abstracta y volátil. Por cierto, no sé si este tema tendrá algo que ver con el manga (y película) "I Am a Hero" pero cambiando los pronombres pero su ambiente apocalíptico casa a la perfección. 


Los italianos eran maestros también en estas lides, y las bizarradas a lo DEMONS o EL ENGENDRO DEL DIABLO están ahí en "The Thing" o la más carreteril "The Last Breath", que invita a sacar unos nunchakus lásers en lo alto de la Estatua de la Libertad en el año 3300 mientras la rodean políticos zombies para comerse al protagonista. Hastiado a veces de tanto ruidismo, me encanta refugiarme en cortes como "Only Grey" que te permiten establecer la muralla perfecta para aislarte de la realidad... una muralla que uso muy a menudo tanto en cine como en música, y que si van de la mano (INTERSIGNO es música en imágenes) pues mejor que mejor. 

Tramo final con la fúnebre "Your Empty World" y "Extermination", para mi gusto, el mejor tema del disco. Lo lento, si más lento, mil veces mejor. Para redondear los títulos de crédito finales con el mix "The Other Side Of The Mirror (Elektro Remix)", que la verdad yo hubiese omitido porque me rompe el clímax arrastrado de la anterior, pero bueno, eso ya no lo decido yo.

Vivos o muertos, muertos o vivos. Muertos Vivos o Vivos Muertos... todos bailarán en la fosa común del fin de los tiempos. Esa en la que el neón huele a polillas y naftalina. Luces estroboscópicas para un fin de fiesta comicial, dantesco y violento en el que sólo uno quedará en pie mientras las estrellas van disolviéndose y transformándose en un espectrograma. Al final, fundido en negro.

domingo, 17 de junio de 2018

FUNGUS - "EXODUS" (VARIOS SELLOS, 2018)


«En la ciencia suele ocurrir que un científico diga: "Es un buen argumento, yo estaba equivocado", que cambie de opinión y desde ese momento no se vuelva a mencionar la antigua posición. Realmente sucede. Aunque no con la frecuencia que debería suceder, ya que los científicos son humanos y el cambio a veces es doloroso, pero ocurre cada día. No recuerdo la última vez que algo así pasó en política o religión». CARL SAGAN

La friolera de cinco años desde el excelso "Sigizia" me hacía temer lo peor. Aquel disco me voló la cabeza y os recomiendo (y si os apetece) os leáis aquella reseña para entrar en materia mejor formados (aquí). El caso es que las siguientes noticias que me vienen no son de la banda, sino de la resurrección de uno de mis sellos de cabecera FÉRETRO RECORDS

A través de Edu me entero de que va a participar en la coedición del disco nuevo de FUNGUS y escaso tiempo después recibo en el buzón el disco gracias a la banda. 17 años de historia ni más ni menos tienen los madrileños, que con este "Exodus" han ido un paso mas allá haciendo un enroque curioso... han huído de sofisticación y reforzado con enteros las partes extremas, pero por contra han conseguido que los pasajes ambientales, espaciales y progresivos resalten como oasis en desiertos ciclópeos. Por derecho propio son ahora de las bandas más punteras, potentes y completas en cuanto a Heavy Thrash Psych se refiere (me caben más etiquetas, pero mis falanges distales han considerado que tres son las que quedan mejor) junto a grandes como PYRAMIDAL, LUBIANKA o THE SOULBREAKER COMPANY.


Una banda que se muestra mucho más madura, con un sonido más trabajado soltando un temazo tras otro y es que mi debilidad es el Space Rock en todas sus vertientes y abordajes, ya venga del Stoner o venga del Heavy y se una al Psych en combos tan pétreos como YURI GAGARIN. Amo la música que me hace despegar y creo que "Exodus" es en comparación bastante superior al ya de por sí tremebundo "Sigizia". Lo realmente curioso de este disco para mí son los cambios de estilo dentro de los temas y el hecho de que hayan metido muchas partes thrasheras y de la NWOBHM a su sonido base, o al menos eso es lo que capto.

Fernan "Matus" al bajo y voz, Antonio "Heavy" a la batería, Fernando Barco a la guitarra y Miguel "Willy" a los sintetizadores, potenciómetros y efectos. Disco grabado y masterizado en RED FADER STUDIO de Madrid, portada de "Matus" y coedición como digo de FÉRETRO RECORDS, LA RUBIA PRODUCCIONES, ODIO SONORO, DARK GRON RECORS y ANEURISMA RECORDS.

"Under a Red Sky" abre el disco en modo "no te metas con mi base rítmica o lo pasarás mal". El teclado muy enterrado en el fondo pero sempiterno, imperecedero (como a mí me gusta); la guitarra con regusto más directo y heavy que en el anterior disco marcando un riff más duro que el bíceps derecho de Conan. Entran las voces con ese cariz vieja escuela capaz de pasar de tonos heavies a otros más blueseros y líricos que surgen de mezclar a Ozzy con cualquier cantante Thrash Metal. El corte es duro y transita por ambientes que denotan que (gracias a los dioses) se deja el Stoner típico de lado para abordar algo más personal (permitiéndose incluso un magnífico solo de guitarra), que es en definitiva lo que ha conseguido FUNGUS en este disco, alejarse de la media para crear una raza colonizadora musical mas allá de Orión. Siete minutos en un suspiro.


Sigue un sampler de Conan The Barbarian y venga, del tirón a "Shield Wall" donde me reafirmo en que FUNGUS ha recrudecido su sonido a niveles Old School apabullantes en las partes más rudas, que podrían recordar a METALLICA por el uso del doble bombo, ANTHRAX por la acritud o incluso o hasta EXODUS y TANKARD. Medios tiempos perfectamente incrustados para la delicia de cuellos con osteoporosis dan una de cal y otra de arena. Si me forzáis un poco, esto me suena a últimos CANDLEMASS, KRUX y otras bandas a lo COUNT RAVEN por ejemplo. "Stirling Bridge", tras una bélica intro te estalla a lo SAXON y DIAMOND HEAD... (diréis, ¿pero este tipo no estaba hablando de Space Rock al principio?. Todo a su tiempo). Coros, cambios de ritmo y una y otra vez ese teclado que aparece cuando todo se calma un poco, y es precisamente en esos momentos de cambios en que todo parece caer en picado (como si los instrumentos fueran dragados por una aspiradora gigante) cuando surgen los detalles espaciales para afirmar la parte ambiental de la banda en unas inspiradas Jams que quitan el hipo.... como escuchar a SODOM y HAWKWIND sonar juntos y hermanados. Largos interludios a lo MARS RED SKY, un bajo muy penetrante y la dosis justa de teclados. Magnífico.

"Warrior Woman" es Hard Rock setentero de ese que tanto añoramos y que tenía un pie metido en el doom casi. Véanse BLACK SABBATH o los maravillosos NECROMANDUS. LUCIFER´S FRIEND, LEAF HOUND, SIR LORD BALTIMORE... pero con ese puntito de lisergia tan bien trabajada de la que parece que FUNGUS se han hecho maestros.


He estado en el desierto de Wadi Rum en Jordania y su arena perfectamente podría tener el mismo color que la de Marte. Un impresionante desierto donde habitan los beduinos y cuyo espectacular paisaje queda perfectamente plasmado en el Fuzz Cósmico inicial del tema homónimo "Wadi Rum". Diálogo inmenso de guitarra y batería que se torna metalero en un instante (a lo MASTODON), y al otro mas Thrashero, pero lejos de quedarse quieto, meten un interludio atmosférico apabullante, todo ello de forma tan sutil que se pasa del LSD a la cerveza en un segundo; eso sí, gracias a los cielos, se huye del metal técnico a lo MESSHUGAH aunque sí se usen recursos a lo VOIVOD o los más actuales VEKTOR

Claro, todo esto no me había preparado para la monumental Jam psicodélica de "Exodus", corte instru(mental) donde FUNGUS dan rienda suelta a su creatividad espacial con líneas largas de guitarra, bases rítmicas machaconas y mántricas, un órgano haciendo espeleología por mi psique y en definitiva todos esos ingredientes que varían la presión dentro de mi cráneo a base de evaporar líquido cefalorraquídeo. Ecos a YAWNING MAN, cosas más antiguas como ARZACHEL (salvando las distancias, no se me confundan que esto es más metal que otra cosa) pero con HAWKWIND de combustible. He de decir que el uso del teclado es IMPRESCINDIBLE para crear la sensación de vuelo que tiene el disco, y a pesar de no entrar en la rama más técnica y permanecer en segundo plano, eso le da todavía más fuerza y vitalidad al conjunto. Como no podía ser de otro modo, el tema estalla en un descenso de Heavy Psych a lo VOID GENERATOR o cualquier cosa del palo de sellos como EL PARAÍSO.


"Eaters Of The Dead" y sus arabescos acústicos de guitarra van creciendo en intensidad. Se suman instrumentos para adquirir aires de coda pastoral y cosmológica. Un medio tiempo muy a lo MARS RED SKY plagado de contrastes que se desliza lento pero seguro como un bidón de aceite que se vierte en gravedad cero. La entrada de las voces (casi marciales y con repuntes agudos) marca el cambio del tema a un himno devastador, pegadizo y que barre las etiquetas de un plumazo a la par que recrudece el asunto. Difícil de describir este tema con palabras. "Lash Of Thunder" pone el punto macarra al disco con un desfase rock and roll a lo MOTORHEAD o VENOM.

No importa lo lejos que viajes con tu cohete. Al final vuelves a casa y las mismas jodidas caras.

«A veces creo que hay vida en otros planetas, y a veces creo que no. En cualquiera de los dos casos la conclusión es asombrosa». CARL SAGAN


martes, 12 de junio de 2018

VOR - "DEPRAVADOR" (VARIOS SELLOS, 2018)


Estaba claro que tras escuchar cómo se las gastaban VOR en su debut "Tu Clave Es Jonás" (reseña aquí) el siguiente no iba a ser un disco de cantautor. Cuando juntas a gente que usa la electrónica como si fueran instrumentos de metal y viceversa (GRASSA DATO, LAZHARUS...), con pasado en bandas del calibre de THE EYESMOHO o LIKE PETER AT HOME, nada alegre puede surgir de dicha aleación, a no ser que tengas el sentido del humor más retorcido del mundo... y debo de tenerlo porque (esto es verídico), cuando suenan los primeros compases del primer y homónimo "Depravador" se me escapa una sonrisa ante la primera imagen mental que se me viene al entrecejo.

La forma "aserrada" de repartir cera eléctrica con unos riffs de bajo ultra distorsionados se asemejan a un instrumento cortante como en el brutalísimo poster de la cinta TORSO, VIOLENCIA CARNAL de Sergio Martino. Las voces de Iván, tratadas hasta el punto de lo inhumano, sobrepasan la crudeza del Sludge para meterse por terrenos más variados con subidas y bajadas de registro que se acompaña de la maestría a las baquetas de Edu. Y juro por lo más sagrado que no puedo quitarme esa imagen del póster de la cabeza a pesar de consultar libros que tengo como: "Aprenda Jung en Diez Minutos" "Psicoanálisis Anal Lisis" o "Condicionamiento Operativo Versus Condicionamiento Operante Pero Otra Vez Me Cagué En El Sitio De Antes".

Por cierto, todo un acierto el cambio de logo y la alucinante portada de DIANA CALABAZA CÓSMICA y la opresiva producción en LA CORTINA ROJA y como no, masterización en los clásicos KADIFORNIA MASTERING. La edición corre a cargo de los sellos NOOIRAX, THIRD I REX, FUZZ T-SHIRTS, ODIO SONORO, NOIZELAND, BASE RECORDS y SACRAMENTO RECORDS.


Llevo sólo un tema y ya estoy totalmente estupefacto. Variedad a las cuerdas con fraseos épicos, ritmo arrastrado a la batería y los necesarios aportes de electrónica industrial que llevan a la banda a otro nivel de crudeza que más quisieran la mitad de bandas del gremio tener para sí. La influencia de LAZHARUS o GRASSA DATO en el ruidismo de VOR es evidente, pero no me entendáis mal... aquí lo que se destila ilegalmente es un visceral y agrio Crust Noise Sludge Punk lo que sea con más grados que el alcohol de desinfectar.

El formato dúo extremo da para una tesis aparte y llevo escribiendo del asunto en anteriores reseñas tanto para bien como para mal, pero la verdad es que en el caso de VOR no puedo más que poner la otra mejilla (y luego la otra, y la otra...) hasta que mi faz ilumine esa particular esencia oscura que tienen los polígonos industriales al anochecer. En esas callejuelas donde cohabitan los bidones rotos, los cartones desparramados y las hediondas canaletas de uralita habitan y cobran fuerza. VOR son los habitantes de un submundo de pesadilla que sólo puede entreverse si se hace una colonoscopia al subsuelo de tu ciudad... allí están ellos tocando, y con mucho volumen por cierto.

"Black Goat" se mueve por terrenos más rápidos y quizás incluso Hardcore. Bajo el sustrato y las capas agresivas hay más melodía de lo que a priori pudiera parecer... es como esos tipos que van a los conciertos pasados de rosca y mueven el cuello hasta cuando la banda está afinando... panda de idiotas, afilad las orejas y veréis que detrás del impulso agresivo yace el ritmo y si lo consigues cabalgar, no hay dios o estado embriagador que te baje de semejante Rodeo. Hay que escuchar la música, y "Black Goat" es un temazo melódico, sureño y de regusto a PANTERA, CROWBAR, EYEHATEGOD o COFFINS. Un tema descarnado sin arropes acaramelados que en su tramo final (minuto 5 o así) gana en intensidad mientras más minimalista se vuelve... la voz poseída y la batería tribal culminan un temazo que sin un sólo respiro enlaza con la enrevesada "Why", llena de la insania que atesoraban los BURNING WITCH en un comprimido de un sólo minuto.


"Cudgel" es el abrigo de Napalm que estabas deseando llevar al desfile de fuegos artificiales (y encima te has olvidado el puto mechero en casa). Cambios de ritmo con unas voces que rozan el Grind pero yo que soy de sinapsis lenta prefiero "Blood... Fear... Knife... Sin", curioso tema Sludge Doom que no sé por qué razón me suena a BATHORY al ralentí. Será cosa de la vejez neuronal. El caso es que la forma de desplegarse el tema como una alfombra descomunal y polvorienta me remite  tanto a los suecos como a la etapa más extrema de CATHEDRAL antes de volverse hippies sin remedio. 

Un cruce entre esos primeros CATHEDRAL y NAPALM DEATH podría dar la clave de cómo suenan VOR aquí. Cogemos aire y otra muestra de rapidez en "Daga", incisa como un punzón en el patio de recreo de un pabellón psiquiátrico un Agosto a las cuatro de la tarde. Interludio apoteósico, lento y cargado de groove y de repente ahí estallan otra vez los berridos de Iván. Paro un momento y reflexiono... "Depravador" lleva los ingredientes de su disco anterior a un terreno mucho más oxidado y ácido (algo así como lo que hicieron en su último trabajo LORDS OF BUKKAKE) e imbuyendo de frescura a un género que daba muestras de estar dando estertores. 

Hacen aparición guiños al old school death/doom a lo ASPHYX aunque la mezcla resultante esté mas cerca de los americanos ALDEBARAN y como en casi todos los temas, espacio para los instrumentos y su desarrollo que es tan intenso que hay de todo: devaneos Psych, intrusiones de distorsión de pedales orientados a Orión, percusiones atávicas y bajada del tempo hasta rozar el Funeral Doom.

Afrontamos tramo final con la pegadiza piñata sonora, festiva como su puñetera nación de "Dark Fraga" que cuenta con las voces de Anxela (BALA) y unos ritmazos de Thrash que me ponen a bailar. Síncope con o sin sístoles y diástoles cargada de apócopes, acoples y tónico-clónicos ritmos que revierten tu psique al nivel atávico mínimo para soportar lo que se te va a venir encima, que no es más que un jazzero ritmo de platillos y un malsano ambiente cargado de vocoders vocales, arrastradas distorsiones de un bajo en perfecta comunión con la batería y el impávido manto de Noise que comienza a teñir de negro todo lo que toca. 


El final climático de "Tu Clave Es Jonás" fue de órdago, pero aquí se salen. El bajo se reduce a un lejano e industrial chirrido arropado por los platillos (volantes o yo que sé) y redobles de tambor. Poco uso de la caja para acompañar una suerte de Jam lisérgica que se va disolviendo en la nada, solo que todavía queda la sorpresa de dos colaboraciones de lujo. "VOR & TUBE TENTACLES" con cierto aire a los SONS OF BRONSON o a los olvidadísimos hispanos LIKE DRONE RAZORS THROUGH FLESH SPHERE. Drone ambiental con un pie en la música industrial con algo de BORIS, EARTH... todo en una turmix sonora. Enchufar y listo para la administración rectal.

Cierra "VOR & NOISEGG" con una claustrofóbica, asfixiante marcha litúrgica resultante de ralentizar a KRAFTWERK a 2 revoluciones por minuto. Un viaje onírico por la música concreta y la experimentación caústica del ruidismo japonés a lo KEIJI HAINO o a MERZBOW si lo pillas amable.

Por derecho propio, uno de los discos del año.


lunes, 11 de junio de 2018

YUNCLAS / EL SONIDO DEL VACÍO - "SPLIT" (GRABACIONES AUTOBOMBO, 2017)


الأرض والحرية (Al'ard Walhuriya) es el tema de YUNCLAS que abre la Cara A de una cinta muy particular. Un split con EL SONIDO DEL VACÍO concebido en modo "golem", es decir con retazos de sobrantes de otros proyectos e ideas. Me decía su autor que no le veía entidad para ser reseñada como edición en sí, pero la verdad es que no opino lo mismo y me ha gustado tanto que he decidido darle hueco por aquí. Samplers de cintas compradas en Marruecos, grabaciones de campo y creo que guitarra procesada forman lo que para mí es un pedazo de tema muy salvaje, agreste y tribal de música industrial en estado puro. 

Como una melodía perdida en un dial de otro tiempo se manifiestan los folclóricos toques de la música marroquí y del Rai, que se entrelazan con una percusión ritual simple y repetitiva. Le acompaña "Live Session", tema grabado en un directo en Xixón ("Fuck Normality") y que casa muy bien con la atmósfera del primer tema. Ambiental, atmosférico y claustrofóbico como casi todos los proyectos reseñados de GRABACIONES AUTOMBOMBO, encargada de editar esta tirada limitadísima en cinta (sólo para 15 loc@s) con poderoso artwork. Aroma a desierto con percusiones bélicas lejanas e incursiones de una guitarra más presente de lo habitual en YUNCLAS


La Cara B recoge restos de aquel proyecto sobre los espacios abandonados llamado EL SONIDO DEL VACÍO del que os hablé por aquí: http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com/2018/03/el-sonido-del-vacio-el-sonido-del-vacio.html"Property Is a Crime (CSA Flex)" es más Techno y es verdad que aun desentonando un poco con el espíritu del tema de YUNCLAS, conforme va avanzando se van uniendo unos recitados lejanos y distorsionados, todo cargado del espíritu amenazante de la electrónica de finales de los 80 y primeros 90 y por ende el DIY en todo su esplendor. Rozando la EBM, se trata de un corte donde los detalles van apareciendo con cuentagotas y se disfruta muchísimo con volumen alto y auriculares, especialmente en esos fundidos agudos como silbidos que campean aquí y allá. 

Otro bonus track que no viene en la descarga a modo de "Field Recording" imbuye al final de la ocre, poderosa presencia del agua verdosa de polígonos industriales y lugares abandonados... ese agua que brilla en la oscuridad por la presencia de sustancias tóxicas y sublimes que brotan de canales de amianto a charcas inmundas donde se descomponen los dioses y diosas de la civilización industrial.

Un mar de Noise abigarrado que nutre una cinta que para mí y por derecho propio merece ser reseñada.


A.A.A. - "UNTITLED I" / "UNTITLED II" (LA TATUCERA, 2017)


Siempre me ha llamado la atención esto de la improvisación libre y el uso de ACRÓNIMOS marcados por apellidos o adejtivos de diversa índole. Es como una sociedad secreta a voces o ganas de no entretenerse demasiado en otra cosa que no sea la música en sí misma. El acrónimo es un atajo; una representación acotada de la realidad donde los puntos tras las iniciales son los guardianes de todo aquello que sobra. ¿Es un acrónimo una dictadura entonces?; ¿es el acrónimo un ejercicio de combustión espontánea donde los puntos ejercen de cortafuegos?. S.P.E. (Spontaneous Music Ensemble); A.A.C.M. (Association for the Advancement of Creative Musicians), S.O.H. (Alan Skidmore, Ali Haurand, Tony Oxley)... no sé, la lista se me torna infinita (especialmente en el Jazz Británico) pero dejemos de lado los acrónimos de asociaciones y centrémonos en los de grupos o improvisadores para hacer una pequeña reflexión. 

El uso del acrónimo lleva a no distraerte en absoluto con la idea de un solista principal o una cabeza pensante que dirige el cotarro. Se trata de un todo subjetivo de índole representativa donde la suma de las partes es más que cada parte por sí misma. Siendo sincero creía que una obra tan mastodóntica como la que os traigo hoy no funcionaría sin el aspecto visual y me he equivocado con creces porque no sólo funciona, sino que adquiere un nivel especial en el que a cada oyente se le da un guión impreciso con el que construir su propia performance particular.


El caso que nos ocupa es A.A.A. o lo que (no) es lo mismo, la suma de MARIANA PIÑEIRO, JOSE MARÍA PASTOR SÁNCHEZ y J.G. ENTONADO (ARÍN DODÓ), cuyos nombres se unen cual sopa de letras inverosímil para crear el submundo musical extraño y bizarro que contiene las dos excelentes cintas "Untitled I" y "Untitled II", editadas por LA TATUCERA (Elche) y que son una auténtica misa bastarda de Free Avant Lo-Que-Sea... y digo lo que sea porque dependiendo del oyente reservo ese espacio para que según sus gustos añada lo que le venga en gana; si le pones Jazz, Impro, Rock o lo que sea te va a quedar igual de bien.

Antes de meternos en los currículums de los músicos que conforman el proyecto, una pequeña anécdota sobre acrónimos. Ya hemos visto la simpleza del nombre resultante, pero fijaos la importancia que puede llegar a tener como SÍMBOLO.

Me cuenta ENTONADO que cuando se presentó el proyecto algún o alguna lumbreras le preguntó si tenían algo que ver con el movimiento de la TRIPLE A (Alianza Apostólica Anticomunista), grupo ultraderechista parapolicial de finales de los 70 urdido en Argentina cuyo sustrato ideológico nació en una perversión del Peronismo, La Policía Federal y Las Fuerzas Armadas Argentinas. Para el que tenga interés en la Historia, pues la Wikipedia siempre te echa un cable: 


No creo que el asunto le hiciera mucha gracia a MARIANA PIÑEIRO, Argentina de nacimiento, aunque conociendo el humor característico de los proyectos de ARÍN DODÓ seguro que el resto de los integrantes se lo tomarían con bastante humor, o el propio JOSE MARÍA PASTOR, que contestó que no, que no tenían nada que ver sino que el nombre significaba "Alianza Atea Anticapitalista"... otra muestra más de humor irónico en grado sumo. Y vamos a presentar el proyecto y sus integrantes (breves trazos, que si no esto sería eterno).

Sobre J.G. ENTONADO no puedo añadir mucho más que ya no haya publicado, así que os recomiendo os paséis por las siguientes reseñas que he ido publicando (no sé si se me escapa alguna, la verdad):



MARIANA PIÑEIRO parte del movimiento teatral underground argentino de performances como LA MARGEN, tras lo que sigue un periodo en el que se embarca en la improvisación libre para conectar con la última fase de ARÍN DODÓ y por ende en el colectivo RARAS MÚSICAS (donde también cohabita RICARDO TEJERO, por cierto). JOSE MARÍA PASTOR SÁNCHEZ es de Elche (Alicante) y lo conocía por formar parte de SEIDAGASA, aunque creo que lo mejor es que os paséis por su web: https://josemariapastorsanchez.com/. La verdad es que palidezco al intentar escribir algo del trabajo de gente tan ilustrada y rompedora pero bueno, lo arriesgado y el abismo son iguales de atrayentes.

Dicho lo cual, las dos cintas resultantes de la sesión de improvisación entre estos tres entes es una devastadora mezcolanza de sensaciones dificilísimas de describir y que abarca de todo. El objetivo no es personalizar nada... no hay títulos de los temas ni información dentro de las cintas. Todo es un discurrir enrevesado en un submundo casi JODOROWSKYANO habitado por hipérboles que fluyen constantemente como el aceite y si en un momento parece que estemos en plena performance/danza BUTOH japonesa, al otro parece una sesión de archivo de la banda AMM cuyo disco de 1966 ejerce de mediúmnico instrumento sobre el que pivotan los elementos que construyen la mastodóntica sesión que se han marcado estos artistas. 

La lista de los instrumentos implicados (incluyendo la voz como uno de ellos) se me torna apocalíptica y difícil de desentrañar. Cuerdas, vientos y electrónica en íntima comunión desplegando sábanas, capas y texturas que fluyen en un anómalo eje de ordenadas y coordenadas en el que A.A.A. siempre salen por la tangente.


La producción del producto final es árida y espesa como caracteriza a todas las grabaciones de ENTONADO. El Lo-Fi entierra cualquier atisbo de prístino detalle para limar todo como un arma blanca roma, oxidada y pútrida que te hiere primero en la psique y luego en el cuerpo. Los temas son oscuros hasta el punto de que en ocasiones (pongamos por ejemplo el inicio de la Cara B de la primera cinta) parece que estemos asistiendo a un ritual BÖN tibetano pasado por el filtro de la música concreta. Lo que me atrae de todo esto es que la sensación de improvisación es paladeable y aunque estilizada (vaya, no estamos ante algo sacado de los primeros y amateurs AMON DUUL I). El contrabajo y las percusiones aparecen y desaparecen para que hagamos pie en el submundo tribal de CHERRY/BLACKWELL o (ya lo he citado mil veces) SUN RA en su forma de abordar el espacio desde aquí, desde la tierra y las pirámides. 


Lo que pasa es que A.A.A. van mucho mas allá y no tienen miedo a romper ningún esquema. Lejos de anclarse en el ruidismo absurdo que abunda tanto en estos tiempos, o en el caos matemático de ciertos combos de Free Jazz que se visten de gala con trajes con hombreras y galones (les falta la camiseta que ponga "soy un ultraimprovisador y tengo el coeficiente intelectual más alto que el tuyo"), aquí todo eso se obvia por motivos obvios (perdón por la redundancia). El paisaje que se construye tiene vida propia y cuando irrumpen las robóticas voces de PIÑEIRO estás rendido al arte en estado puro que destila este trío inspiradísimo de artistas; su cariz de homilía, de perverso discurso (a)político (a)poético con estructura ourobórica que tiene mucho de Blues narrado. 

Quizás sea una payasada mía, pero al escuchar las voces de PIÑEIRO y aunque no tenga nada que ver se me viene a la cabeza el surrealista libro de BOLAÑO (sí, sé que es chileno y no argentino) de LOS DETECTIVES SALVAJES y esa brutalísima lección de los pseudo-bohemios, los movimientos poéticos de postín como los entrañables REAL VISCERALISTAS.... sé que quizás no me estoy explicando bien pero cuanto más escucho la música de A.A.A. más ironía humorística capto. La percusión es excelsa y el clímax distorsionado con que finaliza la primera cinta es abrumador. Caos al servicio de la construcción en un diálogo entre EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN y la mala hostia del Downtown de JOHN ZORN (con unas frases de guitarra dignas de MARC RIBOT o FRITH) y para colmo detalles electrónicos propios de la New Wave. El bueno de BILL LASWELL y sus MASSACRE también hace acto de aparición cuando se le invoca dando un toque de agresividad que le sienta como un guante a la música del trío.


Escuchar los teclados distorsionados en la segunda cinta y no pensar en SUN RA es casi pecado, pero son sólo atisbos porque hay tantos  elementos que es una auténtica pesadilla para un reseñador que intente ser exhaustivo. Cuerdas electrificadas tocadas con arco y notas flotantes de un etéreno e introspectivo Hammond en modo bucle podrían llevarnos de la mano a una suerte de música de cámara pseudo-sinfónica y digo esto porque analizando el conjunto de la música me cuesta creer que no estemos ante el trabajo de una Big Band de esas tan apabullantes que manejaba KEITH TIPPETT en CENTIPEDE ("Septober Energy, 1971") o ARK ("The Ark", 1978) y si me retorcéis un pezón casi que CARLA BLEY con "Escalator Over The Hill" (1971) pero sin el sinfonismo preciosista de lo inglés pero sí con esa mezcla de rock, jazz, estructuras étnicas (muy presentes en A.A.A.) y a lo que añadiría una cierta presencia (al menos en espíritu/esencia) del Noise, y si no escuchad cómo va derivando la Cara A de la segunda cinta en un desbocado tren de batería y distorsión.

Las glosolalias de ENTONADO pronto aparecen para recordarnos que el mundo hermético de ARÍN DODÓ persiste; ese que se torna casi ZEUHL y aparea a MAGMA con ETRON FOU LELOUBLAN metiéndolo todo en un oscuro patio de recreo de manicomio donde se juega al escondite con los miembros de UNIVERS ZERO (de noche y con un cútter cada uno). Fantásticos los contrastes entre silencios, momentos melódicos de contrabajo con electroacústica y la violencia pura y dura de ciertos tramos en que PIÑEIRO se lanza a una histriónica danza vocal que pone los vellos de punta. 

Poco más voy a poder descifraros. Me he quedado muy sorprendido con estas dos cintas que son una sola suite descarnada que desafía a los oyentes más atrevidos. Si crees que te gusta lo Avantgarde, si estás aburrido de los rígidos esquemas del Progresivo, si te aburren las matemáticas del nuevo Free Jazz o estás harto de electroacústica de portátil y potenciómetro de postín, dale una escucha a esta salvajada. 

Al menos te estarás drogando con música.





jueves, 31 de mayo de 2018

LOS BÉLMEZ - "EL NOVIO DE LA MUERTA" (ESPORA RECORDS; SPO008; 2016)


LOS BÉLMEZ son una banda de esas que ya cuesta encontrar. Su Pop lisérgico, elegante pero en cierta medida agrio se construye con un abigarrado engranaje de Garaje, Lo Fi y detalles de música sixties, pero con esa eterna languidez que da el Shoegaze y el Indie cuando están inspirados. Su "Españoladas" de 2013 lo reseñé hace unos años (aquí), al igual que su siguiente "Centinela de Occidente" de 2015 (aquí). Estos dos primeros trabajos presagiaban una carrera ascendente para los mallorquines, en cierta medida ligados a una escena muy constreñida por la dificultad de exportar la música fuera de las islas. Les pasa a ASTROLABIO, otra grandísima banda (aquí) y que poco he vuelto a saber de ellos aunque LOS BÉLMEZ compartan miembros junto a DOCTOR MARTÍN CLAVO si no me equivoco.

"El Novio De La Muerta" es muy superior en todos los sentidos a esos primeros trabajos de la banda, y es curioso que se esté promocionando ahora cuando datan sus temas de 2015. La edición en cd es de ESPORA RECORDS y la formación aquí se compone de JONATAN URÍA (voz); CARLOS ORDINAS (guitarra, teclados y coros); JAUME RAMÓN (bajo); GINÉS FERNÁNDEZ (batería y percusiones), JONÁS SALVADOR (saxo) mas una multitud de colaboradores en coros y alguna que otra guitarra. 

Grabación en SPECIAL FORCES ROCK´N´ROLL STUDIOS (Palma de Mallorca). Masterización en HAY ZEELEN MASTERING y un diseño gráfico espectacular a cargo de TIÀ MAS que directamente se sale; todo montado como si fuese un periódico de sucesos tipo EL CASO que se amolda perfectamente al estilo "España Negra" que siempre han llevado los mallorquines por bandera. 


Sus letras son ácidas, amargas como la resaca de vino de tetrabrick pero cargadas de la insolencia del Punk... nada más hay que leer la bestial lírica de "Los Pobres De La Patria" que parece sacado directamente del cómic PARACUELLOS de GIMÉNEZ. Ya cité en las primeras reseñas a MONDO BRUTTO y es que la realidad reciente íbera da vergüenza ajena y hasta hace apenas unos años estábamos bajo una dictadura, cogidos por los genitales del Estado y La Iglesia Católica y leyendo las noticias de hoy día, tampoco ve uno que la cosa haya cambiado demasiado.

Quizás es por eso que LOS BÉLMEZ suenen tan atemporales. Podrían ser un grupo de hace tres décadas y haber sido editados por TRIQUINOISE o MUNSTER si la producción hubiera sido algo más sucia. Al fin y al cabo, la línea divisoria que los separa de CANCER MOON o PENÉLOPE TRIP no es tan gruesa como pudiera creerse, al igual que tampoco es tan gruesa la línea que separa a esos grupos del Punk de KORTATU, la psicodelia (ya póstuma) de SCHWARZ y los discos más directos de LAGARTIJA NICK. Pero ojo, quizás no me esté explicando bien... LOS BÉLMEZ son más sencillos, directos y para nada barrocos, lo cual no los hace menos atractivos ni mucho menos, porque a mí lo que de verdad me gusta de los grupos es la honestidad y que tengan identidad propia, cosa que en este caso se cumple y con creces.

"Chicos Malos" y sus aires rock and roll con el sempiterno soniquete del Hammond/Piano abren el disco en lo que es una declaración de juventud de botines engrasados, pitilleras de plata pirograbadas y pañuelos anudados al cuello. Quizás un poco menos de pelo en el cráneo, pero las patillas generalmente siempre son agradecidas. Machacona melodía con una línea de bajo que es pura historia del Pop porque siempre funciona. Sigue "Todas Las Noches", corte lánguido y flotante donde destacan unos coros sutiles y arreglos preciosistas de guitarra puntuados por el piano. Crescendo de Shoegaze y distorsión sutil como en "Nube De Mosquitos", puro Pop Rock garajero de toda la vida. Guateques de feria de verbenas noventeras, de mercadillos de sábado con camisetas de marcas de imitación y la melodía silbante del afilador de barrio.


El tono se torna más decadente en "Tramuntana" con unos arreglos mucho más aventurados sobre los que flotan toques de saxo minimalistas, un tema que se funde en una mini jam psicodélica y letras muy inspiradas, cosa que es constante en todo el disco (Tumbados en la hierba. Mi Cabeza en su pecho. Yo escuchaba en silencio. Me hablaba del futuro. Se cortó el cuello con un cable de acero. Tumbados en la hierba. Como dos perros royendo el mismo hueso. Spla la tramuntana. Las nubes en el cielo. Forman un cementerio), hasta el punto de que no me puedo quitar de la cabeza algunos temas del rock de resistencia hispano como KORTATU y sobre todo REINCIDENTES al escuchar "Annual", de los temas más agresivos del disco.

Otra perla lisérgica es "La Piel De Toro (Infamia)" (Brilla el sol/sobre las tumbas de los sin dios) donde una melodía edulcorada encierra un crudísimo homenaje a nuestra Guerra Civil. Es curioso el contraste (y esto es de lo que más me gusta de la banda) entre la forma luminiscente de abordar letras tan crudas. "Radiante" es más convencional aunque la melodía de guitarra en los puentes es pegadiza como el algodón de azúcar a las cuatro de la tarde en una feria de barrio, mientras que "Los Pobres De La Patria" es otro tema Punk escondido dentro de un comprimido Pop. 


El tramo final del disco lo conforman "Ahora Mi Chica", temazo de Pop psicodélico a la altura de grandes himnos de nuestro panteón ochentero. Oscuro y con letras perversas, el corte se va fundiendo en recitados bíblicos y de Santa Teresa de Jesús mientras de fondo el saxo apoya una orgía contenida de Noise Indie, fundiéndose en la epicidad decadente de "Chaval". Para terminar, "Noventa Euros" con una buena base rítmica jugándose la piel en toques funk y demostrándome que LOS BÉLMEZ han ido creciendo mucho... no es una banda para metaleros o ruidistas; es una banda para los que gusten de la elegancia de un disco de canciones porque siempre diré que lo más difícil en la música es hacer una buena melodía.

¿Cosas a mejorar? Pues sinceramente creo que si ahondaran por la vena ácida y dieran rienda suelta a esos momentos en que parece que los temas van a eclosionar en una jam, estaríamos ante una banda que subiría a otro estatus pero claro, eso ya lo hacen ASTROLABIO, mientras que las partes más punkarras vienen claramente de DOCTOR MARTÍN CLAVO, así que claramente LOS BÉLMEZ suenan como ellos quieren sonar. Los temas están muy trabajados y aunque es verdad que echo de menos algo más de agresividad (por ejemplo, creo que el saxo está muy por debajo de sus posibilidades y habrían ganado llevando su sonido a un primer plano), su identidad está madura y presta a dar un paso adelante. 

¿Hacia dónde?... pues hacia donde ellos quieran, faltaría más.



domingo, 27 de mayo de 2018

ACHILLES POLYCHRONIDIS - "The Being as just present​-​at​-​hand and no more as ready​-​to​-​hand" (POOR LITTLE MUSIC; 2018)


El Neologismo del filósofo alemán Heidegger se sustenta sobre dos poderosos y básicos pilares, modos de vida o formas de enfrentamiento de las situaciones de la vida diaria. El término "Ready To Hand" (en alemán Vorhandenheit) hace referencia a la observación de algo en términos teoricistas, quizás cientfícos (o no) y se opone en sí a "Present At Hand" (del alemán Griffbereit o Zuhanden), que nos habla de estar presentes en el mundo realizando tareas comunes, sencillas e imponderables que sólo son objetos de atención cuando caen en el error... dicho de otro modo, cosas que no resaltan hasta que van mal. Todo esto nos lleva de la mano a la Metafísica de la Presencia de Heidegger (dentro de la filosofía de la deconstrucción). 

Dicotomía deconstructiva entre El Ser y El Ente que marcan a fuego un diálogo perverso entre saxos y percusión en la música del multiinstrumentista griego AXILLEAS POLYCHRONIDIS, que titula su nuevo trabajo "The Being As Just Present At hand And No More Ready To Hand" otra vez bajo el sello POOR LITTLE MUSIC de Canadá en una preciosa cinta amarilla (transparente) con un diseño cósmico alucinante del propio ROBBIE MICHALCHUK. Los trabajos de grabación y masterización han corrido de la mano y oídos de NACHO JAULA en Málaga durante el mes de Febrero de 2018.


Dos caras de 15 minutos cada una (que analizaré del tirón y sin separar) dividen en dos una suite espejo o Efecto Droste en que la música da la impresión de estar en bucle con el infinito en un abismo de proporciones ontológicas. Una especie de "Mise En Abyme" sonora que conforme avanza se vuelve más extraña y atípica gracias a unas percusiones de una epicidad tremebundas que me remiten a esos primeros experimentos tribales de la SUN RA ARKESTRA en sus "Heliocentric Worlds" o quizás incluso más diría que a "Mu" de DON CHERRY / ED BLACKWELL, especialmente en el alucinante clímax que se alcanza al final de la grabación.

Sin miedo a equivocarme, estamos ante el mejor trabajo (para mi gusto) que ha grabado el saxofonista griego. Un disco lleno de capas y subcapas que crece con las escuchas como una Matrioska (otra vez la "Mise En Abyme") revelándose los múltiples aspectos del diálogo neologista de Heidegger. Discurren las notas, los ritmos y las percusiones y en un determinado momento salta una chispa y se te abre un mundo abismal que te rebota como una Onda Doppler.


Es curioso el toque analógico que se le ha dado a la producción/masterización final, que suena como una se esas viejas sesiones en Mono de la ESP DISK, rozándose en ocasiones la suciedad del Lo Fi pero sin que los elementos se entierren en ningún momento. El saxo resulta lírico en el inicio del primer tema "The Being As Just Present-at-hand", con las dosis justas de efectos eléctricos (EDDIE HARRIS y su "Silver Cycles") pero con el marchamo de una banda sonora abstracta de Kung Fu, Fu Manchú o King Kong donde los personajes en vez de correr aventuras de acción se dedicaran a reflexionar sobre el devenir del Ser. Esto lo cito sobre todo porque las percusiones me han parecido alucinantes, a lo BASIL POLEDOURIS en CONAN THE BARBARIAN y (no sé si premeditado o no) ejercen sobre en conjunto total una influencia étnica muy potente (prácticamente y si no me equivoco no se usan cajas).

Reitero que la electrónica se ha relegado a un segundo plano acertadamente y sin desterrar del todo el nihilista Noise del músico griego, la mala baba se ha tornado en infección lenta.... diría que en contraposición con el aspecto más violento de las anteriores grabaciones de AKIPO esto resulta casi un bálsamo espiritual, además de que la adición de otros instrumentos lleva la música a otro nivel cuasi espiritual... se trata de un disco que podría haber sido grabado en plenos años 70 en la época eléctrica de MILES DAVIS o incluso los experimentos posteriores de la New Thing Post Coltraniana.


Me cuesta no pensar que estoy en una África mental residuo de una idea Platoniana mántrica, hipnótica y densamente abigarrada donde la noche es eterna y las constelaciones no se corresponden con las conocidas. Si despojo de sobriedad al asunto, casi diría que se trata de una oscura nana dirigida a dormir las estrellas en la Moche del alma (símil patafísico de la oscuridad del ser) y los agudos toques del saxo, los grillos primordiales de SAFO DE LESBOS.

Orgía de saxos retroalimentados y cambios en la percusión, que se hace más marcial (o marciana, según se mire) sobre los que va irrumpiendo una lejana melodía de lo que parece ser una flauta travesera (no puedo asegurarlo) que imprime todavía más lirismo al conjunto... vuelvo a coger la cinta para asegurarme de que se trata del mismo músico, porque estoy en chocado en estos momentos. El saxo se acopla en un bucle mántrico eterno que es marca de la casa ya, pero lo que me tiene con el maxilar colgando es ese diálogo sincopado de la flauta con la insistente, machacona percusión. Sobre el minuto 12 irrumpe lo que creo que es un cántico del propio AKIPO (tampoco puedo asegurarlo) y que lleva la grabación a esa zona mental de mi cerebro donde habitan fantasmas, reales o no. Un cántico con características tibetanas (no confundir con Throat Singing) adormecedor y murmurado que resalta al primer plano en los segundos finales.

Me faltan palabras para definir una obra que en conversaciones íntimas con JAULA ya me vaticinaba como devastadora.






martes, 22 de mayo de 2018

BROKE LORD - "NAZGUL SAYS" (ORPHAN RECORDS; COSMIC TENTACLES RECORDS; GOG ARTIFACTS; 2018)


Técnicamente no sabría decir si el término Oopart Musical puedo atribuírmelo o lo he robado. Mi inconsciente suele ser bastante hermético en sí mismo y aunque me reconoce de algún que otro embolado mental no es muy dado a darme pistas sobre mi propia psique. El Oopart Musical para mí es un disco que no puede enclavarse en un estilo, década o contexto concreto dentro del espectro ya de por sí caótico que está adquiriendo la música en nuestros tiempos. Esa libertad que hay ahora podría compararse con la década de los 70 o el DIY de la electrónica en los 80. No sabemos hacia dónde vamos, pero sí que en este preciso momento nuestro país está plagado de proyectos que se ramifican hasta límites insospechados.

Por derecho propio, "Nazgul Says", segundo disco de BROKE LORD, es eso, un artefacto difícil de encajar en un casillero concreto y de buen seguro esta reseña hablará más de mí como oyente que de LUIS BOULLOSA como director del cotarro de la banda; es lo que tienen los discos arriesgados con respecto al que quiere narrar de ellos. Puedes cagarla o puedes acertar... y bueno, acepto el reto y convertirme en cagadero o en cagador (ambas propuestas separadas por la fina línea de un copro feedback sugerente).

También os emplazo a releer la entrevista y reseña con motivo del debut que vomité por aquí:

Cuando vi la portada ya montada se me escapó media sonrisa y pensé para mí: "qué cabrón el Luis"... porque el tío lo ha vuelto a hacer. No es fácil hacer portadas sugerentes y personales y si con el primero acertó, con esta se sale. Maravillosa fotografía con buena composición en blanco y negro donde la imagen Cabría se alía con el mar de forma mistérica... como si estuviéramos hablando de algo que es mitad cabra, mitad batracio; nada más hay que ver la textura de los cuernos a lo estrella de mar o ese cuerpo que parece construido con conchas (o los arabescos del ganchillo/encaje de bolillos de nuestras madres y abuelas). 

Atrapada su alma en el tiempo, enhiesto y mirando hacia nosotros, con el horizonte atrás. Normalmente cuando uno mira el horizonte es para interiorizar lo bueno que está por llegar, pero yo aquí veo algo más cercano a mirar lo malo que por fin ha pasado pero sin renacimientos ni épicas inútiles... y ahí es donde quisiera hablar de la figura del NAZGUL.

El NAZGUL como espectro del anillo es un recurso literario Tolkiano que al igual que la mitología Lovecraftiana ha impregnado el metal en sus muchas variantes, pero la verdad es que para encajar el término en el Post Punk de BROKE LORD tengo que rizar algo más el rizo. Mi opinión es que se intenta escarbar en el Inframundo de las emociones psicopómpicas (ebrias o no); en el "hálito negro" (el chillido ominoso del cerdo) que acompañaba a estos 9 espectros que no son más que cadáveres andantes de antiguos reyes.

Es algo así como la sensación meditabunda de que has sido destronado y descarnado, caído de tu silla de esparto favorita y dado una gran hostia con la ruda realidad. Mirar directamente a la cara a tus más oscuras emociones y por ende, extrapolarla a la conciencia colectiva atávica y primordial del ser humano. Una representación mundana del miedo aterrador a la nada, a la pérdida y la soledad y en suma (y esto es curioso) a todos esos temas que acaban recreándose en el Folk y el Pop más oscurantista de un DYLAN o LOU REED (no puedo quitarme de la cabeza el disco "Berlín" durante varios momentos del disco) pero pasado todo por un filtro abigarrado de Post Punk, incursiones acertadísimas en pasajes que rozan el Drone Acústico para luego volver a caer en la banalidad decadente del Rock N´Roll de garajes y aceite de automóviles a lo DEAD MOON.


Grabado y mezclado otra vez el LA MINA de RAÚL PÉREZ con el formato banda que a partir de ahora, y en alusión a la principal característica vocal de los Nazgul (y haciendo un enroque literario-mental con cierta banda nacida después de THE BIRTHDAY PARTY), voy a dar en llamar LUIS BOULLOSA Y LOS CHILLADORES que vienen a ser MARCO SERRATO al contrabajo, MACKY CHUCA a las voces, ASIER MAIAH a las guitarras, ANTONIO J. MORENO a la batería y percusión, RAÚL PÉREZ a los sintes y cómo no, Don BL al bajo y voz. Se masteriza por CEM ORAL en los JAMMIN MASTERS y se sirve en bandeja de plata pulida en magnificente formato digipack por ORPHAN RECORDS, COSMIC TENTACLES y GOG ARTIFACTS.

Y bueno, ahora, querido Coronel, mójate y no des más vueltas. Habla de la música. ¿Veis?... he hablado en tercera persona y me remito al principio del texto. Es este uno de los claros momentos en los que consigo que mi inconsciente me haga partícipe de algo (perdonad que os lo cuente pero a veces me emociono viendo que soy algo más que la suma de unas deficientes partes).


Abre el disco la homónima "Nazgul Says" que me dejó patidifuso en la primera escucha porque no me esperaba algo tan contemplativo y espacial. Los dos primeros minutos del tema los he repetido una decena de veces y no me quito de la cabeza aquel fulgurante pero efímero disco que sacaron los ALEPPO PINE ("Holy Picnic, 2018). La base es rock psicodélico imposible de separar de los primeros experimentos de BOLAN con TYRANNOSAURUS REX... no sé si es por la ausencia de batería o por el campestre y hippioso toque del contrabajo de Serrato y teclados de Raúl. Irrumpen las voces y coros de Macky en una suerte de himno neblinoso y todo se sublima y crece. Las guitarras escupiendo riffs en cierto modo erróneos, sacadas fuera de su tiempo y puestas del revés en una armonía paisajística emocional que se mueve en una atmósfera oleosa con características pesadillescas. Un tema con mucha miga experimental que no desentonaría en cualquier obscurantista proyecto de progresivo alemán setentero y cosas así. No quiero imaginar qué pasaría si BROKE LORD siguieran por esta línea... bueno, imaginar es gratis así que lo haré en el baño y con un kleenex.

Por contra, "Hole Of a Soul" tiene algo a lo THE FALL por esa simpleza tan pegadiza de aquellos pero con una insistencia vocal en las pegadizas estrofas con juegos a dos voces que hablan de la mejor etapa de LEONARD COHEN antes de convertirse en una caricatura fórmula de sí mismo. Y es que no se me va de la cabeza (al menos sin tratamiento) algunas letras ("Everything is carved in stone / an every sound has a mineral charm" // "Outside the room where we´re fucking/ all the spectres come and go...). Aprovecho para resaltar las letras; poéticamente decadentes como en un vodevil intrascendente (¿no es así la vida, al fin y al cabo?) y la línea de bajo falsamente misteriosa como si el tema lo hubiese compuesto HENRY MANCINI para una peli de espías de Serie B en una noche con demasiados grados etílicos. Sigue la preciosa guitarra de Asier en "Illumination", corte construído mediante una base de Rock Blues entrecortado con sus espacios para los solos y coros que parecen sacados de una vieja grabación jamaicana. Luis cuenta algo de cierto tono Nu Metal en la forma de componer el siguiente "Digital Mother" pero con los THE FALL por bandera y posiblemente no esté del todo equivocado; los teclados irrumpen de una forma muy parecida a FAITH NO MORE (se quedan ahí flotando como en un puto laserdrome) pero el tono general es a lo KILLING JOKE ralentizados al exceso. 

Y llegamos al punto de inflexión de uno de mis temas favoritos del disco. "Eve Of All Churches Burning" es tan oscuro como el "Tilt" de SCOTT WALKER, tan mecánico e industrial en sus bases rítmicas como los KILLING JOKE. Una elegía funesta donde Macky Chuca demuestra que este tema estaba más que tejido para ella. Su forma de abordar la letra contenida pero violenta te agarra los intestinos como los mejores pasajes de JARBOE en "Mahakali" o EVANGELISTA en "Prince Of Truth" mientras el resto de la banda se lanza a una psicótica jam agria como guardarse los vómitos de vino barato para cuando no haya nada que beber.

El tema va in crescendo, con los instrumentos de cuerda tratados con arco, procesados si no me equivoco, y regurgitados en una cacofonía catártica que encajaría a la perfección en los discos que se editan en el sello GLITTERHOUSE (WOVENHAND, 16 HORSEPOWER y LITHIUM) o dicho de otra forma, Country sobrecargado de electricidad maligna, negra y pútrida como la que destilaban NIN o lo que ha hecho LYNCH en la tercera temporada de TWIN PEAKS. ¿Estoy majara... pues cerrad los ojos e imaginad a BROKE LORD tocando este tema al final del capítulo en el BANG BANG mientras se va fundiendo la pantalla al rojo con los títulos de crédito.


Vuelta a las calles acharoladas por la lluvia reminiscentes de la VELVET UNDERGROUND y de los tentáculos que dieron en brotar de ahí. Country blues urbano de madrugadas interminables, semáforos que no cambian de color y cómo no, el bar como epicentro poético del asunto. Oda al bar, a la nicotina, a los viejos valores/costumbres cantados en una homilía maravillosa a lo BAD SEEDS (no cito el nombre del susodicho NC que me da la impresión de que se lleva un euro de cada vez que alguien escribe de él para grabar dudosos documentales de calidad justita). Lo que más me gusta de estas canciones es que me recuerdan a cierto periodo de mi vida. Asfixiado por un trabajo nocturno en el que ver por una determinada ventana aparecer la primera línea de claridad era lo más parecido a un milagro o a una epifanía. Luminosa, abotargada y letárgica sucesión de eventos que inexorablemente acaban al final en la opresiva entrada nuevamente de la noche y la consiguiente liberación/renacimiento matinal.

"Read It On My Palm" me reafirma en la sensación de que hay dos discos dentro de "Nazgul Says". Unos que llevan todavía las trazas del primero y que perteneces a otra época y otros que para mi gusto muestran posiblemente hacia donde podría moverse BROKE LORD en un futuro (véanse "Nazguls Says"o "Eve Of All Churches Burning"). "Everybody Is Weak" transita por la misma línea argumental sonora que el anterior pero algo más agresivo con algún que otro riff a lo SONIC YOUTH por aquí y por allá... nada que ver con la elegancia bluesera y magnificente "Pay In The Rain", otro temazo con regusto a gasoil ("Crossing through autumn / Carrying the blame / you stare at the faces / but they´re all the same"). Otro estupendo cruce entre los BAD SEEDS de NC y el incombustible DYLAN con la guitarra cercana al Slide trobando a relaciones muertas.


"I Wanna Go To The Beach" me demuestra que los tipos con barba y gatos también tienen sentido del humor y cierra el disco con este himno a lo grande con letras cargadas de ironía. Un disco que no sé como va a ser acogido por una juventud que vive de viejos estilos y unos viejos que viven de querer crear cosas demasiado nuevas. He podido definirlo mejor o peor pero lo cierto es que "Nazgul Says" es un discazo como la copa de un pino; arriesgado, valiente y que para mí es eso, un genial Oopart Musical que crece más y más con las escuchas como echarte al gaznate un chorreón de poliuretano creyendo que era la nata de las fresas.

En resumen, una vuelta de tuerca magnífica a su primer disco que consigue un equilibrado balance entre los temas más directos y los más experimentales. La tónica general decadente (elegante) tiene picos depresivos en los que uno cree que lo ambiental alcanzará cotas de agorafobia y se lo tragará en una ola de ansiedad. Afortunadamente siempre parece que hay un resquicio por el que respirar y hasta yo, que soy adicto a las más oscuras y umbrías noches, y conociendo el toque autobiográfico del disco, casi que me alegro de que sus participantes reciban su dosis de vida y abandonen la idea de la Apnea Eterna.