miércoles, 16 de agosto de 2017

BOREALIS - "LOMA AÉREA" (TRUCO ESPÁRRAGO/WOODLAND; 2016)


"Loma Aérea" es un disco editado por BOREALIS, proyecto en solitario del guitarrista asturiano EDUARDO SUÁREZ, integrante de combos como FULL SHOT NOISE, AUDIOTRACK o ECHTRA y que viene a formarse allá por 2004 si no me equivoco. Las ediciones publicadas hasta la fecha serían "2004-2006" (2012), el ep "Los Ojos Del Sobremundo" (2012), el primer larga duración "Tumba Para Un Caballo Cojo" (2013), el también ep "Final Vertical" (2015) y este segundo largo. 

Editado en coedición entre TRUCO ESPÁRRAGO y la germana WOODLAND RECORDINGS, el disco se graba, mezcla y masteriza por el propio autor, que también se encarga de las grabaciones de campo en las faldas de la Peña Mea entre San Pedro de Villoria y Tolivia (Asturias). Una fotografía tomada el el Valle Del Lago (Parque Natural de Somiedo) por HÉCTOR IGLESIAS adorna el artwork del disco.

Desde el inicio del proyecto, el sello TRUCO ESPÁRRAGO apostaría por el folk drónico y acústico a lo SIX ORGANS OF ADMITTANCE o incluso algunas cosas en solitario de STEVE VON TILL, SCOTT KELLY o ANGELS OF LIGHT de MICHAEL GIRA. El primerizo post rock sería lentamente desplazado por incursiones de folk campestre de cariz ambiental donde lo minimalista se acaba convirtiendo en barroco. 

Una simple guitarra (6 y 12 cuerdas según el momento), arropada por grabaciones de campo, banjo y sintetizador crean una asfixiante trama acústica que huele a vegetación podrida, ciénagas rara vez iluminadas y una cálida, pegajosa niebla que amortaja nuestras fosas nasales.


"El Campesino y El Cuchillo" abre un disco largo (más de 70 minutos) pero que pasa como un suspiro. Letanías de ambiente rural que contrastan con la mucho más fiera, intrincada "Loma Aérea", que si me apuráis roza el espíritu del Black Pagan pero en esencia acústica, sin que se echen en falta en ningún momento aditivos percusivos. Apagad las luces y dejáos llevar por la acequia espiritual de las guitarras de Eduardo es una experiencia acojonante y elevadora, tanto en esas propuestas más folk de su tierra como en otros cortes de estructura más introspectiva y pseudo-country como "La Piedra Reencarnada" y "Ecología Oscura" (interesantes los toques a OPETH en este último).

En la quietud de nuestra habitación, a oscuras y sin que nada nos perturbe, sentimos las caricias de la guitarra como si estuviese siendo tocada en diálogo íntimo a nuestro lado. Así suena "Reflejos de Plata Sobre El Río Negro", con esas largas sucesiones de notas en cascada (un géiser sonoro) mientras una pátina electro acústica tiñe el fondo. 

Dicha pátina pasa a primer plano en el ambiental interludio "El Pulso" donde BRIAN ENO copula con POPOL VUH en una llanura verde mientras HERZOG medita sobre el origen del agua. Una píldora perfectamente situada dividiendo en dos partes al disco y que vendría a ser como el sorbete afrutado en una comida de celebración. Coges fuerza para la segunda vuelta...

Es curioso el efecto orquestal conseguido con un sólo instrumento; escuchad "El Viento Frío" y sabréis a lo que me refiero. Momentos para la teratogenia australiana en la seca y cinematográfica "La Cacería" o "La Comunidad Oculta", tema que podría haber tenido cabida en aquella joya de BLOOD AND TIME llamada "At The Foot Of The Garden". No citar al sello TRIBES OF NEUROT sería un error (y por ende NEUROSIS), aunque bien es cierto que el abanico es tan amplio que acabaríamos perdiéndonos por los vericuetos de la verborrea.

Maravilloso el banjo en "El Rey Muerto" sobre fondo de grabaciones de campo y el bonus track drónico a base de sintes  y toques eléctricos de "Carnero" poniendo el broche de oro a un disco sobresaliente. 

Cuando vi por primera vez el nombre BOREALIS creía que estaba ante el enésimo clon de los para mí algo anodinos TOUNDRA, pero sin embargo me he quedado de piedra al encontrarme con un primitivo folk tan visceral y sensible como pelar una columna vertebral con una vieja navaja oxidada. Un ciclo de eternos retornos donde lo aéreo se funde con lo terreno para vagar por esa fina línea que separa cielo de tierra. Insuflar aire a la tierra en un mousse existencial que se disuelve en paladares exquisitos.



jueves, 10 de agosto de 2017

LA ORQUESTA ARGÁRICA - "KOINONÍA" (EL MUELLE RECORDS; EMR024, 2017)


La palabra griega KOINONÍA puede ser la reforma que estamos esperando. Ese salto dualista entre lo visible y lo invisible. Si la iglesia es una a través de muchos, quizás la rebelión venga de muchos representados por uno. ¿Y si Jesucristo quería que comulgáramos con Napalm en vez de pan?... unos en la fe, otros en el sacramento, y algunos en el cóctel molotov. Es tiempo de enterramientos espirituales en el Argar, y como en los tiempos sagrados, qué mejor sitio que la tinaja para acoger los despojos humanos.

SERGIO SÁNCHEZ (JAZZNOISE) (Sampler Boss Sp-202, Casio Pt-88, Clarinete, Zoom H2, Grabaciones de campo) y A.L. GUILLÉN (Guitarra eléctrica, Teclados, Sintetizadores, Grabaciones de campo y Procesos) constituyen ese eje dual sobre el que gira la "eiréne", "symphonía", "homopsychía", "homónoia" o "communio" pero sustituyendo la plática de Cipriano por pulsos industriales de los que no se venden en ferreterías de barrio. No puedo evitar acordarme de aquel maravilloso disco "Óxido" editado por GRUPPO UNGIDO y que os recomiendo encarecidamente:


El espíritu, soplo, hálito o Pneuma de la música de LA ORQUESTA ARGÁRICA difumina líneas de separación clasista, jerárquica y opresiva para crear un nuevo paradigma de acción donde brillan nuevos lemas como ARMA RUIDO o FUEGO SONIDO, creando un poderoso cisma ruidista en el que centrifugamos realidad para dar a luz mitos. Pero ojo... hay de aquél que subestime la potencia del mito como arma de destrucción masiva. ¿Para qué centrarnos en el cuerpo de Cristo o la mística de la iglesia oriental si podemos ir todavía más atrás para atajar los problemas desde el mismo microscopio de la creación?.

Quince cortes en 60 minutos que navegan desde el puro ruidismo industrial a los pulsos electroacústicos aberrantes de un Casio PT sin medicar. Un páramo de desolación donde los instrumentos se funden en uno sólo para que nos sepamos discernir donde empieza el hombre y dónde acaba la máquina. 


Es el caso de "España Intervenida" que contrasta con los jugueteos de avantrock cassiberiano de "Alarma En La Moncloa". Un contraste que se irá repitiendo a lo largo de todo el disco creando la profunda sensación de que estamos en una realidad paralela, alternativa y acojonantemente violenta. No existe como industria, pero el país más avanzado del mundo debería exportar Refinerías de Humanos. Sonarían a cadena de montaje alternativa como así suena "Estructura Productiva" o "Ministro De Industrial" (esta última discurriendo por el lado perverso de la electrónica. Si en la anterior el metal y roca estaban sólidos, aquí tenemos zumo de fundición).

UVEGRAF, MIGUEL A. RUIZ, RAFAEL FLORES... escena DIY de finales de los 80 en España uniéndose a la particular asepsia de los primeros DIE KRUPPS o EINSTURZENDE NEUBAUTEN, pero tapizado todo con la elegancia de HENRY COW, CASSIBER o FRITH en solitario, sin dejar de lado una fuerte presencia de la música concreta y los minimalismos radiofónicos que hacen imposible dejar de lado a ZORN, IKUE MORI y al downtown neoyorquino en general. 

El objetivo es plantar minas y que cada cual decida si regarlas o inmolarse prematuramente. 

Ondas vibrátiles a lo ESPLENDOR GEOMÉTRICO cuasi bailables como "Wall Street Journal" tiñen a KOINONÍA de aires claustrofóbicos y cuasi lúbricos. El laberinto económico social nunca ha quedado mejor reflejado sonoramente que con la música experimental. "Oslo 2011" (me imagino que haciendo referencia a los atentados del distrito gubernamental) y su pequeño preámbulo "Consejo De Administración" son el binomio destructivo por antonomasia. Ruidos y bosquejos sonoros de un apocalipsis magnético donde la guitarra acústica y melodiosa de Guillén puntúa levemente el tránsito a la espiritualidad Dark Ambient de "La Vaticanista", tema marcial y neofolk a lo primeros SPIRITUAL FRONT/ORDO ROSARIO


Sigue la ponzoña oleosa en "Proletario Cautivo" y "Guindos El Topo", acentuándose la acritud ambient/noise sobre una base fuertemente techno (old school, claro). "Subcultura (To Bring You My Noise)" es todo un himno de cariz átono y fúnesto de percusiones radioactivas mínimas. Un tema que te inyecta un desasosiego enorme que va a peor en "Síndrome De Los Astilleros". Un clarinete meditabundo en una sinfonía lejana donde vuelvo a citar a EINSTURZENDE y el primerísimo disco de DIE KRUPPS.  

Una fuerte sensación de emisión captada por radio imprima a "Alemanes En Mallorca" donde la melodía está ahí, simplemente hay que esperar que el silencio llegue. Grabaciones de campo, procesos y aroma a lo COLD MEAT INDUSTRY en una aleación curiosa de viejos himnos militares con cantos hindúes y sufís (puedo equivocarme). 

Fin de fiesta con la abstracta "Célula Comunista" y "La Internacional Noise", probablemente haciendo referencia al SITUACIONISMO y LA INTERNACIONAL SITUACIONISTA de Guy Debord y otros filósofos revolucionarios.

El mejor instrumento musical posible sería un Puño Americano electrificado. Dependiendo de la epidermis del interceptado, y a modo de extraño Theremin, emitiría un sonido u otro. De tal suerte se podría componer cosas como "Sinfonía de Mejillas Derechas Machacadas del Político de Turno" o "Acariciando Tus Despojos Mix".

No subestiméis el poder del hierro, amigos y amigas. En el Periodo Argárico ya sabían lo que se traían entre manos. Edita esta maravilla en excelso digipack la Nueva República Argárica de EL MUELLE RECORDS, casa ignominiosa de la más exquisita electrónica vanguardista que lleva ya 25 ediciones en su haber. 


lunes, 7 de agosto de 2017

BIOFEAR - "BIOFEAR" (ENDOGAMIC, 2017)


La nueva barrabasada de ANTONIO MURGA se llama BIOFEAR y está editada nuevamente por su sello ENDO GAMIC de Sevilla. Evidentemente, si no estás inmerso en el particular submundo bizarro del veterano y prolífico músico, esto te va a chocar bastante. Su carrera viene a comenzar allá por 1987, participando en cosas tan diversas como Estertor, Invasión’92, Lemur de Ojos Tristes, Desarraigados, Art Ensemble Off, Araujo Orchestra, Tres Mendigos, The Curators, NOÏSTRON, Batiscafo, Orquesta Entenguerengue, Maldita Compañía,  Trance Hunters, Arde Trinidad!, Música Invertebrada, Confabulation Qt... ). Actualmente tiene un saco de pimientos lleno de cds autoeditados y amenaza con reproducirse como un Gremlin en Waterworld.

BIOFEAR son para la ocasión ANTONIO MURGA (TONY MORGAN) acompañado del músico experimental TXATARRA (PABLO ALLES ROMERO, aquí PAUL LIGER). Por cierto que los temas de la edición cd no se corresponden exactamente con los de bandcamp, así que la reseña puede resultar algo confusa... eso sí, el cósmico inicio de Sagan en "Juglares de Sirio" es común a ambas ediciones.

Su música se construye a través de un extrañísimo conglomerado de samplers, toques de electroacústica y un rocambolesco puzzle pseudocinematográfico donde abundan las percusiones étnicas y los toques cabareteros (escúchese la correosa "No Somos Mejor Que Nadie"). Pero claro, definir un trabajo como el de BIOFEAR es realmente complicado aunque comparta la línea humorística (por decirlo de alguna forma) de trabajos como "La Caja De Pandara".

Está claro que esto no es Chill-out, aunque más de uno pueda pensar que está en una terraza ibicenca con el inicio suave de "The Night Of The Hamster (Hare Krishna Mix)". Si hay algo que induce al trance es el mantra de Hare Khrisna; sobre todo cuando lo pasas por la batidora techno de esta gente. Mucho más interesante y arriesgada es "Himno De La Sangre", tema que ya estaba recogido en el homónimo cd de Murga que reseñé por aquí. 

Ultra adictivo corte cargado de ponzoña y que en ocasiones parece un remix bastardo de Morricone en LE PROFESSIONEL, concretamente del meditabundo "Chi Mai" pero en versión erótico festiva.


El corto tema "Ellos Fueron Trifásicos" cumple todas las características propias del Universo Murguiano, sirviendo de preludio a la nana cuasi gótica de "Biofear (La Cruda Realidad)", uno de los temas más logrados del disco. Al no tener demasiados datos me es difícil discernir qué parte pertenece a Murga y qué parte a Txatarra, pero oyentes más avezados que yo seguramente darán con el misterio. Toda una oda a la biotecnología obsoleta, las passwords caducadas y unos ritmos electro que me recuerdan a mi viejo Commodore 64.

Me encantan los ritmos bailables de "Last Train To Moncloak (Tokyo Mix)", seguramente el hit del verano en discotecas anómalas de bailarines anómalos con zapatos anómalos bebiendo anómalas bebidas mientras amanece una fría mañana anómala... aunque para anomalías "Rockchelambert (VPO Mix)" y sus exoesqueleto a lo KRAFTWERK. No es música compleja, no es técnicamente avantgarde... pero joder cómo se me mete en la cabeza. 

Pegadiza como las tiras esas para cazar moscas o un dulce marroquí en pleno Agosto resulta "Dramatic/Cabeza Lobo", a caballo entre la Bso de una peli de videoclub ochentera y un mega hit de baile de finales de los 90 en Valencia. Tema sin título para finiquitar el asunto y edición en digipack de estilo Mega Murga.

Si no bailas es porque La Lambada te jodió la vida.


lunes, 31 de julio de 2017

CALF - "BASTARDS ANATOMY USE A UNICORN GO TO APATHY" (SWEETOHM RECORDINGS; LP, 2014)



Vuelvo a los entresijos del underground ruidista griego con los veteranos CALF, esta vez con su LP "Bastards Anatomy Use Of a Unicorn Go To Apathy" de 2014, editado en glorioso vinilo blanco por SWEETOHM RECORDINGS. Para ponernos un poco en situación, ya os hablé de ellos en su debut más post hardcore "A Constant Loss Departs From the Sentiment of the Abandoned" y en su posterior y mucho más experimental Split Tape con UNCLE GRASHA´S FLYING CIRCUS

Podéis consultar ambas reseñas aquí:



Compuestos en este disco por Paraschis Kostas, Sakis Spyropulos, Thodoris Kakoulantonakis y Koutrolis Christos mas algunas líneas de bajo y sintetizadores por Aris Christou. Espectacular artwork por Kosticos Ktistakis que también se encarga de grabar y masterizar en los SCA STUDIOS de Atenas (Grecia).

Más ruidistas y experimentales que su debut, pero más estructurados que en la cinta, los CALF de "Bastards Anatomy Use a Unicorn Go To Apathy" son una engrasada máquina ruidista que a lo largo de 4 temas (dos por cada cara), pasan con una facilidad pasmosa de ambientes malsanos a lo TODAY IS THE DAY a las ralentizaciones Post Harcore de SLINTS y similares. 

"Are You Laura Palmer? No I´m a Fucking Psycho" empieza con un sampler de "TWIN PEAKS" . Potente base rítmica y mucha distorsión en este primer corte de 10 minutos de duración que no deja duda sobre la propuesta de los de Karditsa. Un Noise Rock salpicado por estallidos grindcore y teclados sobre los que juega una banda muy inspirada. Creo que lo mejor del disco sin duda es el equilibrio entre ruido y melodía... espectacular la cabalgada a lo MEGATON LEVIATHAN con unas guitarras feas y ásperas pero tremendamente ensoñadoras.


El tema se funde suavemente con el más tranquilo "Squeezing Blue Hope From My Christian Numb Cock", más acústico en esencia (véanse NEUROSIS) pero igualmente complejo y catártico. Fantástico el trabajo de la batería en este tema que se va acelerando en una deflagración espesa de guitarras sucias y bajo hipnótico. Nuevamente uso de samples para crear atmósfera (esta vez de la película "THE ISLAND") y abigarrada y barroca resolución del tema que muestra a CALF en pleno uso de facultades instrumentales.

La Cara B empieza a todo trapo con la gruesa "Lunacy Box Demon Booth". Psicodelia experimental teñida de Hardcore americano. Melodías netamente progresivas que mutan a cada instante en una especie de Slow core Jazzístico, enrevesado y técnico (pero en absoluto frío). Me gusta la actitud agresiva, punk y humorística de la banda (sólo hay que leer los títulos de los temas), además de que son capaces de cambiar de registros con una facilidad pasmosa.

"The Artis Formerly Known As Hipster Cunt" está dividido en dos partes realmente difíciles de describir. Técnicamente son una banda rock, pero el muro de ruido, distorsión y el particular uso de la base rítmica destruyen cualquier atisbo de comparación. Quizás el avantgarde de BORIS, VAMPILLIA, toques a RUINS... es realmente complejo describirlos.


Esa fusión compleja de la electrónica con una formación puramente metalera puede o destruirte o llevarte a lugares bizarros (véanse por ejemplo los TODAY IS THE DAY del "Sadness Will Prevail"). Para mí CALF han sabido medir perfectamente las dosis de hormigón y agua... el cemento sonoro que sale de su hormigonera es casi Industrial, nada pomposo y muy, muy adictivo.

Escuchad el mántrico, anómalo desarrollo de la segunda parte de "The Artist Formerly Known As Hipster Cunt" para saber de lo que hablo; especialmente el épico tramo final que casi parece sacado de un disco de Black Metal.




sábado, 29 de julio de 2017

CARLOS ALCÁNTARA & MIGUEL OTERO - "SI EL VERANO ACABA" (EL MUELLE RECORDS; EMR026, 2017)


Julio del año 2016, Carlos Alcántara (HÖLOGRAMA) y Miguel Otero componen estas cinco perlas electrónicas construidas a base de soundscapes y loops meditabundos; se graba y compone entre dos aguas... Chiclana (Cádiz) y Madcap Soundlab de Cambridge (Inglaterra). Es el caso de "Verde Universal" y su sempiterno acople de guitarra que parece un corcho desprendido de una embarcación que flota a la deriva. 

La línea de playa del rompiente es un lugar extraño y evocador... no sólo por el olor dulzón entre lo vivo y lo muerto, sino porque es el lugar donde se encuentran extraños objetos pulidos por el incesante trabajo de las olas. "Respuestas Sin Preguntas" y su empaque mayestático y flotante borra de nuestra cara cualquier atisbo de felicidad para imbuirnos de sobrias cadencias funestas. Al menos es lo que expresan las tratadas voces femeninas que nos llegan de otro mundo y que ejercen un extraño contrapunto con la fotografía de portada de Juan Ramón Nieto.

Es un disco este que juega entre finas líneas. Entre sombra y luz o entre lo áspero y lo bello. Es lo que siente el oyente en "Los Colores Dividen La Tarde"... hay un preciso momento del día en que la cantidad de luz y oscuridad se igualan osmóticamente. No es ni día ni noche. Así suenan los acompasados, arrastrados fondos de teclados. También es un disco de contrastes entre los cortes, y "Espuma Interior" juega en otra realidad más surrealista, casi industrial hasta el punto incluso de rozarse el Dark Ambient. Los cánticos subsónicos le dan el toque perfecto para que pensemos en una suerte de folk abstracto, catedralicio y profundamente regio. 

Para poner el toque elevador, "Una Pompa De Jabón" tiene el constructo de una Sloka hindú cantada al amanecer. Esas que se glorifican con Harmoniums o Shruti Box para el regocijo de los que disfrutan del drone más orgánico. 

Edita EL MUELLE RECORDS, la casa de la electrónica underground más exquisita. Un filón del que deberías hacerte eco.


jueves, 27 de julio de 2017

PYRAMIDAL - "FROM OTHER SPHERES/SABBRA ARABIA" (KRAUTED MIND RECORDS; KMR027/1, 2016)



Continúa la leyenda de una de las bandas más grandes que existen en este país. Con una trayectoria más que consolidada, los alicantinos PYRAMIDAL son de seguro uno de los grupos sobre los que más he escrito. Nuevamente a mano del reputado sello germano KRAUTED MIND, en esta ocasión tenemos un doble Ep (en vinilo rojo sangre) separado por las dos caras del vinilo, cada una con su correspondiente artwork.

"From Other Spheres" ocupa la Cara A, y fue grabado en 2015 durante las mismas sesiones del split con DOMO "Jams Of The Sun" y que por motivos de espacio sus tres temas no entraron en el disco. Mezclado y masterizado por LLUÍS MAS / DAVID PANIAGUA en los ORIENTAL DESERT STUDIO AUDIO, la formación de PYRAMIDAL se compone de MIGUEL ÁNGEL SANZ, MIGUEL RODES, LLUÍS MÁS y OSCAR SOLER


Aquel que piense que son temas sobrantes se va a quedar con la mandíbula colgando cuando escuche el largo, monumental "The Rise & Fall Of Humankind", space rock teñido de una épica progresiva donde resaltan el maravilloso uso de los teclados y la flauta de JOSÉ CIFUENTES adornando el espectáculo. El resto de ingredientes ya los conocemos... una base rítmica potente y las guitarras espaciales que bucean tanto en el fuzz setentero como el kraut oscurantista.

"Dream Waves" cuenta con el poema "En El Aire" de RAFAEL LLORCA y narrado por CARLOS CAZÓN. Psicodelia progresiva pink floydiana, lenta y aceitosa como una lámpara de lava. Es alucinante como PYRAMIDAL han roto el molde stoner que los anquilosaba en los primeros tiempos para estilísticamente no parar de crecer. Una banda en plena madurez como muestran las etéreas líneas de guitarra, los burbujeantes teclados o esos medidos/contenidos golpes de la batería, a los que se suman leves toques soñadores del saxo tenor de ARANTXA MARÍN.


Cierra el ep la oscura "Return To Earth", temazo de kraut cósmico adornado por la epicidad fúnebre de las trompetas de PABLO CRIADO y unos detalles percusivos pastorales y folk que me ponen los vellos de punta. El tema se va recrudeciendo en una vorágine lisérgica de distorsión, tambores pseudomilitares y la sensación de que estamos siendo centrifugados por una puta hormigonera espacial... acojonantes detalles de guitarra española para finiquitar por todo lo alto una Cara A de auténtico lujo.



La Cara B la ocupa el Ep "Sabbra Arabia" que los más fans reconocerán como el temazo aquel que se incluiría en el imprescindible recopilatorio "7 Infiernos" de NOOIRAX, esta vez remasterizado para la ocasión. Los créditos son prácticamente los mismos, así que los omito y paso a la música.

"Sabbra Arabia" son 16 minutos de un intenso Heavy Psych que cuenta con la colaboración de ARANTXA MARÍN a la flauta y que me recuerda a un Ney sufí.. El tema es jodidamente oscuro a la forma que unos AQUA NEBULA OSCILATOR podrían ser, aunque también podría recordarnos a cosas editadas en sellos como SULATRON, METEORCITY y otros. Puro Psych descarnado con unos insanos teclados casi cinematográficos y aires a improvisación durante todo el minutaje. Coge a FARFLUNG, FIRST BAND FROM OUTER SPACE, PSICOMAGIA y algo de ACID MOTHERS TEMPLE con filigranas arabescas incluidas y dale al botón "aparear"...  eso sí, aquí la base rítmica sí que es 100% HAWKWIND. Conforme el tema avanza cogen el testigo las guitarras, marcándose unos diálogos con la batería que hacen palidecer a la mitad de las bandas Space Rock de hoy día. Intensos, triposos y despiadados los alicantinos en este corte. 

Cierra este magnífico trabajo "Green Lights In Laurasia", con los saxos de ARANTXA MARÍN y la batería extra de PACO GARCÍA de DOMO en un corto pero impresionante tema teñido de Free Jazz. Una orgía de tambores y saxos que podrían traernos a la cabeza tanto a COLEMANARCHIE SHEPP como la ART ENSEMBLE OF CHICAGO mezclada con la etapa más funk de MILES DAVIS (era "On The Corner" por ejemplo).

Lo dicho, una banda que no para de crecer como el mismísimo universo.



miércoles, 26 de julio de 2017

SOLCO CHIUSO - "L´ALCOVA D´ACCIAIO" (GRADUAL HATE RECORDS, 2017)


SOLCO CHIUSO es un proyecto de Industrial Noise formado en 2014 por GABRIELE FAGNANI (Corazzata Valdemone, Kannonau). Electrónica industrial descarnada a base de osciladores, loops y cacharros varios ponen el contexto perfecto sobre el que se desarrolla una extraña, pulsátil suite adornada con textos recitados extraídos de poemas de FILIPPO TOMASO MARINETTI ("L´alcova D´acciaio" y "Uccidiamo Il Charo Di Luna"). Como nota curiosa comentaros que el nombre del proyecto ("Closed Rut" en inglés) hace referencia a la primigenia forma de hacer un loop marcando un vinilo.

Técnicamente "L´alcova D´acciaio" es el segundo disco tras "Human Textures" de 2015 (editado por LOST EMPIRES RECORDS en formato digipack). Esta vez es GRADUAL HATE RECORDS el sello encargado de la edición, en glorioso formato digipack, 10 cortes de Power Electronics imbuidos de un ambiente hostil considerable y masterización de CARLO CARBONE en DOUBLE HEADROOM STUDIO.

Si "Fusione Dell´acciaio e Della Carne" podría perfectamente adornar una pesadilla de Cronemberg o ejercer de banda sonora a cualquier film Cyberpunk, otros cortes como "Waiting For The Light" tienen cierto carácter Techno a lo UVEGRAF. El uso obsesivo de los samples vocales y la percusión le dan al conjunto aromas marciales y amenazadores... como una especie de guerra civil tecnológica que se estuviese llevando a cabo en un mundo paralelo (pero futuro) al nuestro. "Blitzkrieg" es definitivamente Techno Industrial pero con poco espacio para el baile y sí mucho de Noise minimalista. 


Más bailona sí que resulta "Syncope", temazo de electrónica extrema machacón y malsano que parece haber sido compuesto con las variaciones átonas de una máquina de serrar metal o un torno industrial. En contraposición "On Your Flesh!" y "Tremori" (fantástica forma de darle frescura a las viejas texturas giallescas) resultan al punto cinematográficas, dibujando paisajes sonoros umbríos que nos llegan desdibujados pero no incompletos como puede discernirse por los atisbos de heladas melodías (y percusiones) casi ochenteras que parece que quisieran salir a flote, aunque no se me entienda mal... la base del sonido en SOLCO CHIUSO es el Noise, el old school Techno y lindeces oxidadas por el estilo. 

"Cluster" (en colaboración con LES CHAMPS MAGNETIQUES) y en especial "Resonance" traen algo de sosiego en su lento ruidismo ambiental, cósmico y de regustos experimentales (minimalistas), con incursiones en terrenos algo más electroacústicos. El tramo final viene de la mano de "Kynky Noise For Iron Youth", tema más orgánico y de raigambre Techno horadada por proclamas recitadas y vuelta al Noise más críptico en la corta "Outro-Destruction" acabando un disco ultra adictivo que os recomiendo encarecidamente.





lunes, 24 de julio de 2017

TRÍO MUDO - "VOL II: POEMAS MUSICALIZADOS DE LEOPOLDO MARÍA PANERO, ET ALTER" (AUTOEDITADO, 2017)




"Esto de tener uñas largas es tan perjudicial, que aún en la Brujería está prohibido"

"Los empleados ladrones se disculpan y tapan unos a otros"

"Los empleados que roban al estado, se ayudan y sostienen unos a otros. El Jefe de ellos levanta erguido su cuello y les hace sombra con sus alas monstruosas"


Por fin tengo entre las manos el secreto mejor guardado de la música underground en este país. El segundo volumen de TRÍO MUDO sobre los "Poemas Musicalizados de Leopoldo María Panero, et Alter" mientras aún tengo caliente la mejilla derecha de la hostia que recibí con el primer volumen. Gustoso pongo la otra mejilla para recibir esta dádiva musical, este presente que se comulga mejor con vino agrio y pan ácimo... Antonio Acién (guitarra y voz) y Damián Fernández (batería y percusión) demuestran que lo sencillo es jodidamente difícil de realizar. Se baten a duelo a la luz de un candil de gas, impregnados del aroma a Zotal, azufre y orina de perro para traeros estas historias de desencanto. Una transfusión de sonidos que pasan la barrera hematoencefálica para modificar tu psique.

Grabado, producido y masterizado por Máximo Ruiz Bandera en Hollers Analog Studio entre Abril/Mayo de 2017 con preciosa edición que sigue el testigo del primer volumen (Manolo Luque) con el grabado número 51 de Los Caprichos de Goya.

Dejo una presentación extensa que hice sobre TRÍO MUDO para no repetir conceptos:



Hay cosas que están muertas antes de vivir, si es que alguna vez siquiera llegaron a nacer. La poesía de Panero es incómoda, es un tour por miradores que dan a un alma ajena que no deberíamos estar visitando. Es un viaje atormentado a un vórtice moral y ético que no nos pertenece... que se nos deja prestados para uso, disfrute (y sufrimiento) pero que nadie quiere cargar verdaderamente con su peso.

Nadie quiere enfrentarse a la asfixiante mortaja de naftalina de los versos de Panero, Jose Manuel Hidalgo, Brenan, Corcobado y Pérez Estrada. Es un traje corrupto que sólo cae bien a los muertos del alma... o mejor dicho, a aquellos a los que han asesinado el alma.

"Amore" del poeta malagueño José Manuel Hidalgo es una etílica oda de amor violento donde la batería construye un paisaje áspero y visceral. La guitarra incisiva, simple y cargada de bilis madurada en barrica de roble escupe una y otra vez su rabia, mientras las voces de Acien, con cierta pátina más lejana que en el primer volumen, descerraja los versos (me falta la luz / y me sobra tempestad). Glorioso el final tanto por las percusiones de Damián como la grabación de Óscar Maldonado sellando un tema oscuro tanto por sonido como en producción.

El amargo existencialismo de Panero nos incomoda en "Perdido" donde cohabita un ligero reverb, eco (no sé como describirlo) que me hace dudar de que realmente se trate de un dúo, y que se repetirá a lo largo de los 52 minutos del disco (curiosa cifra, ya que el grabado elegido para la portada es el 51. Suena demasiado compacto, demasiado espeso para dos tipos dándole cera a sus instrumentos. 

El Garage Lo-Fi Psicodélico de Rancios Abolengos de la guitarra de Acién contrasta con la paquidérmica, preciosista y abigarrada forma de abordar las percusiones de Damián. Todo está medido a la perfección pero sin llegar a lo técnico... creo que lo técnico mataría a TRÍO MUDO

El crimen pasional versus el crimen matemático. 

Un inicio en modo apisonadora que contrasta con la más sosegada y nostálgica "Annabel Lee", actualización de Panero sobre poema de Poe. Musicalmente una especie de copla corcobadiense, bailable en clubs de dudoso renombre con maravilloso duelo de guitarra/percusión. Siguiendo la misma línea argumental, la arrastrada y recuperada para la ocasión "Él Pensaba Que Era Joven" de Brenan (editada anteriormente en "Canciones Para Brenan, Volumen 2") haciendo gala de un minimalismo exquisito a la percusión, mas unos silencios perfectamente colocados. Me encantan los grupos que saben espaciar las notas y convertir al silencio en su aliado. 

"La Rosa Estropeada De Judas" (Corcobado) parece volver a la oleosa textura del inicio del disco. Hay una característica muy particular de la música de TRÍO MUDO y es que resulta absolutamente atemporal. Es dificilísimo encasillar la propuesta de los músicos malagueños y si bien hay trazas a 713º AMOR, a las formas estilísticas de expresión más puramente castellanas en cuanto a copla, bulerías y similares, el conjunto es incendiario, doloroso y penetrante. Cada rasgueo de la guitarra garagera, lisérgica de Acién abre un abanico apasionante sobre el que se desliza a la perfección la batería. 

El experimental desarrollo del corte me deja con la mandíbula colgando. En algunos momentos parecen 13th FLOOR ELEVATORS en versión cañí... alucinante rendición a la psicodelia más áspera de los 70 (quizás incluso con la fealdad de los LES RALLIZES DENUDÉS) para un tema que para mi gusto podría haber cerrado el disco a la perfección.

Vuelve Panero con "La Rosa De Mallarmé", que si no me equivoco escuché en la presentación que hizo la banda hace unos meses en el acto de homenaje a los 40 años de El Desencanto bajo el marco del Festival de Cine de Málaga 2017. Impresionantes los versos que creo que no dejan lugar a dudas sobre la metralla de esquirlas que tenía el poeta infectadas en su psique (Contra el fuego de mi mano / está el latir de mi honda boca / contra el fuego está la rosa / cayendo de mi honda boca / Que el suplicio de no sentir / dibuje en el aire la boca). Altísima la intensidad en "Spiritual", con TRÍO MUDO en una versión todavía mas violenta de sí mismos y que me reafirma en que este volumen 2 es mucho más oscuro que el anterior (al menos musicalmente). La batería pseudomilitar, los requiebros de salvaje rock n´roll y amplios espacios para la construcción agresiva de la guitarra son el colchón sobre el que se deslizan los infectos recitados.

De estructura más extraña es "Le Bon Pasteur". Sincopada tonadilla con los sentimientos bordeando el vómito existencial. Le sigue "Suceso" de Pérez Estrada, originalmente editado en La Gran Gala De Rafael Pérez Estrada (cd editado por Fundación Rafael Pérez Estrada) y que vuelve a jugar con ese extraño eco simbólico de fondo; un vaho que parece agarrarse como la niebla húmeda que arropa al atardecer los parajes de campiñas alejadas. Música y letra ejercen un brutal magnetismo sobre el oyente, que queda sumido en un extraño trance hipnótico mitad sueño, vitad vigilia. Un onírico y surrealista esbozo de un paraje que a priori debería estar completo pero que por alguna razón nos llega amputado, desdibujado y levemente desenfocado.


El tramo final lo conforman "Suave Como El Peligro", decadente epílogo cargado de tristeza e intensidad. Un corte duro y compacto como una piedra marcado por la inmensa labor a la batería de Damián, que se sale totalmente de los patrones anteriores para tirar por derroteros incluso doom (sí, estoy loco, pero es que casi escucho a REVEREND BIZARRE). Tectónico fundido a negro con un acople de guitarra mantenido para uso y disfrute de la batería, que literalmente se lo come todo aquí.

El audio de fondo en "Haiku" es del estremecedor documental El Desencanto (Jaime Chávarri, 1976) del que hablabas antes, broche de oro para una obra de arte en estado puro; una joya de la que debería estar haciéndose eco el periodismo musical "oficial" y académico de este país. 

No es sólo poesía musicalizada, es una brutal, genuina catarsis existencial que va mas allá del simple homenaje para entrar en terrenos que si bien no se alejan del paradigma musical que conocemos, sí que se asoma al abismo lo suficiente como para que uno espere inquieto el guiño de este. 


EL DIABLO EXISTE... EL OJOPATIO (23 de JULIO)


La aleación carne y hierro de TETSUO podría ser el punto de partida para un mundo donde lo industrial y lo antropomórfico se convirtiesen en los nuevos bardos. Mundo futuro de guettos sonoros donde se ejecutan a los oyentes en teatros/cadalsos. No está sacado de una pesadilla escondida de Cronemberg, es simplemente un ligero esbozo de lo que vivimos ayer en EL OJOPATIO.

Una sesión de improvisación libre con las voces/performance de LORENA IZQUIERDO, la ferretería sonora de NACHO JAULA, el saxo de AKILLEAS PÓ y una invitada de excepción que para dejarla en el anonimato, diré que se trataba de K´MEN))). Se cayó del cartel VASIL HAJIGRUDEV, cosa que que apenó bastante ya que creo que un instrumento de cuerda le hubiera dado un nivel extra a la sesión.


En cualquier caso, la cosa fue brutal, por poner una palabra que entienda todo el mundo y no lleve lugar a equívocos. El centro de la actuación para mí es la electrónica oxidada de JAULA, con un volumen (necesario) de los que hacen pupa y que a poco te descuides te transmite una tetania. Narración, contexto y desenlace pasaron por las manos del ruidista malagueño, que ejecutó a la perfección cada una de las texturas necesarias para que LORENA IZQUIERDO interpretase su sobrecogedora narración/teatro/proclama oscura que en un teatro de fondo de terciopelo rojo (y suelo negro) hubiese dado muchísimo miedo. 

No se me entienda mal... la cosa no fue precisamente fácil de digerir. Uso simbólico del papel, la tinta negra y los sentidos en un cabaret anómalo donde EL DIABLO EXISTE


Los saxos violentos de y las texturas conseguidas por este en los pedales creando una suerte de jungle/groove donde flotabam neblinosos bucles perversos a lo MILES DAVIS, penetrados por la presencia magnética de la performance de Lorena, absolutamente inmersa en sus soliloquios trance/chamánicos de urbes corruptas, mal en estado puro y crítica antisistema. Fantástico último tramo de JAULA con coqueteos techno industriales y pulsos varios... volumen atronador como mandan los cánones si uno quiere sentir en la epidermis el verdadero efecto que estas sesiones ejercen sobre el organismo.

Como colofón tuvimos la presencia de una joven y naciente saxofonista que aportaría su aplomo, juventud y ganas de comerse el mundo. Un acto valiente que indica para mí que no todo está perdido en la generación y cultura que nos va a enterrar. 

Unos 50 minutos de descenso por la escalera más antigua de la humanidad. Esa en la que la sangre va desgastando los peldaños hasta el punto de que la subida cada vez es más complicada. Ni agarrarte a los coágulos te servirá para evadir la caída.








CRUJIDO # 4: PEPO GALÁN


CRUJIDO llega a su cuarta fecha con parón hasta después de verano. Esta vez con la presencia de PEPO GALÁN en una pieza improvisada de 30 minutos donde largas letanías electrónicas de índole pastoral adornan un inicio muy a lo Popol Vuh. Un desarrollo en espiral como uno de esos vendajes elegantes que adornan los muñones de los amputados, viene a ir sumando sucesivamente ingredientes a la particular coctelera electro(acústica). 

Lo he dicho una y mil veces, pero la música aparentemente tranquila de Galán es más asfixiante y claustrofóbica de lo que a priori podría parecer, quizás por ese carácter arrastrado y acuoso que imprima a todas sus producciones. Como coger un micro acuático y captar bajo agua una grabación sonora en el rompiente de una playa... creo que no hay nada más drone que el mismísimo océano. 


Efluvios ambientales y cinematográficos puramente a lo Brian Eno, sobre todo con el sonido manipulado conseguido con un viejo teclado Casio. Un tramo intermedio algo más ruidista, con toques de guitarra y arpa de mano amplificada creando esa muralla física de líquido amniótico tan característica de la música del malagueño, y un último clímax tirando del Noise que van diluyendo poco a poco cualquier atisbo de semejanza con la melodía inicial. 

Como fin de fiesta su partenaire LEE YI se sumaría para dar una pequeño muestrario de lo que en formato dúo DEAR SAILOR consiguieron con su primer disco hasta la fecha, editado por EL MUELLE RECORDS, (punta de lanza) uno de los muchos reductos que sobreviven en la guerra de guerrillas del underground musical.

¿Quién dijo que el magma tenía que estar caliente para deslizarse?...



viernes, 21 de julio de 2017

ARÍN DODÓ - "BLEFARITIS AGUDA DEL CÍCLOPE ANDRÉS" (ADAPTADOR; 2017)


"Blefaritis Aguda Del Cíclope Andrés" es el nuevo trabajo de ARÍN DODÓ, biopseudónimo del madrileño JG ENTONADO, multiinstrumentista, no improvisador que os presenté hace unos meses por aquí con su "Degeneración Progresiva" y cuyo texto podéis repasar porque incluye las presentaciones formales mas una leve aproximación a su trabajo discográfico. Además, en las próximas semanas indagaré en los inicios de su carrera con POLIEDRO KOBOLD y algún otro proyecto:


En este disco Entonado se encarga de la voz, piano, vientos, mezclas sonoras y dirección musical, acompañándose de una plétora de músicos para crear una suerte de suite improvisada, experimental y profundamente bizarra que a ratos puede sonarte a unos GONG que hayan abusado de psicotropos que en otras a una música folk o de cámara para un mundo inexistente. Editado en formato cassette por el sello ADAPTADOR RECORDS (sello con espíritu DIY que se mueve a caballo entre Francia y Argentina), con portada de ENRIQUE CORDERO (enriquecordero.es) y la participación de 'DONDE' T. BAYMILLER a la batería; MARCOS 'PERRO' ÁLVAREZ  al piano; RAÚL DÍAZ al cello; QUIQUE CREMOL a la tabla hindú; RUVENIGUE al didgeridoo/percusión y FERMÍN HERNÁNDEZ a la guitarra, bajo, objetos amplificados.

A lo largo de los seis cortes la pluralidad de estilos es tan diversa que realmente resulta un rompecabezas reseñar una obra como "Blefaritis...", a pesar de que al contrario de lo que pueda parecer, la estructura estilística es potentísima y la coherencia más que evidente... lo que pasa es que si antes citaba a GONG, ahora tendría que dar un paso más y añadir MOTHERGONG por el aire totalmente surrealista y las incursiones en plena "World Music" y Folk. Puedo adelantar (creo que puedo) que se trata de una obra en cierta forma amputada. Existen más temas de esta sesión y espero que vean la luz en un futuro próximo porque habiendo escuchado los 17 temas el conjunto es realmente sobrecogedor. El tiempo dirá si el resto de temas ven la luz.

Llegados a este punto, a la coctelera hay que suministrarle una fuerte dosis psicodélica, comunal y Lo-Fi que adornan al asunto de la espontaneidad y frescura necesarias para que estemos hablando de ciertas concomitancias con ART ENSEMBLE OF CHICAGO de su época más de finales de los 60/principios de los 70. Es el caso de "La Herencia Del Boxeador Sonado", que rima con ENTONADO, y que es una auténtica perversión para los oídos. Cuerdas tocadas con arco, piano atonal, lento, abriéndose paso con notas espaciadas y abstractas que parecen caer en cascada. Platillos lejanos y recitados extraños nos van metiendo en el particular mundo de ARÍN DODÓ.


Un jazz sutil empapa "La Prisión Del Oponente", corta pero rica pieza que sirve de puente con la larga "Me Convertí 3 Veces En Una Mascota... a la 4ª Me Disequé", donde el digeridoo hace puzzles rocambolescos con los jugueteos electrónicos/sampleados a lo CASSIBER pero con aromas cabareteros, folclóricos (de dónde, es algo más complicado... ya que a veces parece surgir una melodía del medio este y para tornarse después en algo más sobrio) y donde la dirección musical de ENTONADO hace que los instrumentos vayan construyendo un flujo musical donde a priori no debería haber nada (si separamos cada uno de los instrumentos, parecen notas lentas, espaciadas y en espiral) pero que cuando sumamos cada línea casa en su respectivo lugar para construir algo que incluso me atrevería a decir (si se me permite) R.I.O

Curiosamente, a pesar los instrumentos acústicos, a mitad del tema y con los acelerones y el uso Lo-Fi de la producción, parece que estemos escuchando un tema Industrial, tocado al revés, y con cadencias orientales (como la etapa media de ESPLENDOR GEOMÉTRICO pero en acústico... toma ya). Algo de Noise se capta pues en la propuesta de ARÍN DODÓ, pero de una forma constructiva mucho más depurada y rica en matices, contrastando con "Poema Destruido En Una Fase De Psicopatía Transitoria" con predominancia de percusiones (militarizadas), cantos y recitados ecolálicos de Entonado, una base fuerte a Jazz Británico (sobre todo cuando se alzan esos aires épicos de cámara) y un piano matemático a lo UNIT STRUCTURES de CECIL TAYLOR

"Sinfonía Espacial nº VII" resucitaría al mismo SUNRA. Un corte que viene a ser una especie de largo preludio del hipnótico final que nos espera. Ya se van intuyendo los aires drónicos, las percusiones y los sobrios contrapuntos del piano bordeando leves incursiones vocales que hacen imposible que uno no ponga su mete en la citada ARKESTRA.

Los aires hindúes estallan de lleno en "Rítmica y Tímbrica Infrahumana Lifasofioica" tanto en las tablas como en eso que llaman Konnakol, ambos estilos provenientes del sur de India. La voz emulando a un Mrindangam, Ghatan, Kanjira o la misma tabla con ese soniquete tan mántrico/circular empolvándose de arena del desierto. Sobre esa base se teje una melodía hipnótica y decadente alucinante que te va calando hasta dejarte poroso, exangüe y avejentado. Vuelvo a insistir tal y como hice en la reseña de "Degeneración Progresiva" en las tangenciales cópulas con la música de CARLA BLEY en su celebérrimo "Escalator Over The Hill". Una cinta de obligada escucha.

¿Han pasado 15 minutos o 15 KALI YUGAS?.










sábado, 8 de julio de 2017

MUTE SWIMMER - "AIR ITSELF" (TRUCO ESPÁRRAGO; TR042, 2017)


La nueva referencia del sello asturiano TRUCO ESPÁRRAGO es verdaderamente interesante y arriesgada. Ya no sólo porque edite (cd y vinilo) a un artista como GUY DALE, sino porque en cierta medida cambia de forma radical la política de ediciones de un sello que conocí con aquel fantástico DESTROZANDO A MAR OTRA VEZ. Uno de los grandes pelotazos del sello es sin duda PABLO UND DESTRUKTION, pero en un alarde de eclecticismo, el sello no se corta un pelo y edita cosas tan a priori distintas como GRASSA DATO o RAISA. Experimentación, avantgarde, pop, americana, lo-fi y lo que se tercie.

Es el turno ahora de MUTE SWIMMER, proyecto del polifacético músico afincado en Berlín pero británico de nacimiento. Si bien no estamos ante un disco en solitario ya que las colaboraciones son diversas, sí que se nota cierta línea base argumental en las texturas que invitan a pensar que es un disco nacido desde una idea personalísima y clara. Otros proyectos del artista son 1000 HERZOG o DALA, donde explota su pasión por los scores cinematográficos.

MUTE SWIMMER viene a formarse allá por 2005 y sin contar singles y eps "Air Itself" vendría a ser su sexto disco, estando cada uno de los cuales vestido con su propio uniforme musical diferente y exclusivo, especialmente este último. Lo que está claro es que la música está influenciada por aromas cinematográficos, de lienzos plasmados en disco o fotografías transformadas en música... quizás la tendencia del artista a las performances haya imbuido de dicho carácter al resultado final.

El disco se graba en un antiguo establo en Berlín y le da cierto cariz hermético al trabajo. La sensación constante es la de estar metido dentro de una inmensa caja de música (salvo detalles) acústica. Hay instrumentos eléctricos, pero prima lo biodegradable... así GUY DALE toca guitarras acústicas y eléctricas, teclados o percusiones; YAN FABRE toca la sierra musical, DANIELLA GRIMM el violín y procesos; VINCENT KOKOT el ukelele, guitarra eléctrica, glockenspiel, tecados mas percusiones y por último DORIAN TAYWOOD hace coros, guitarra eléctrica y piano, además de ser el encargado de la grabación.

Dicho lo cual, hay que pasar al contenido en sí. A lo largo de un poco más de 40 minutos asistimos a un extraño, meditabundo viaje interior por una carretera rural donde una suerte de country espectral se alía con un Lo-Fi ambiental, eminentemente acústico, pero con incursiones en eso que llaman rock alternativo, la canción australiana o incluso el rock avantgarde. 


En detrimento de lo que suelo hacer, que es comentar tema por tema los discos, en "Air Itself" prima la atmósfera y sería un error de peso hacerlo así; el tratamiento pseudo espiritual que se le da a los cortes los convierte en un todo exquisito donde los contrapuntos o títulos no son más que una excusa para dividir el conjunto.

"Air Itself" es pastoral, religioso en ocasiones (no me quito de la cabeza la forma de usar los instrumentos que casi emulan una Shruti Box en las Morning Prayers hindúes), y que aunque no lo parezca, el marchamo de lo drónico está marcado a fuego de soplete. Entiéndase por drone ese "fumigado sónico" que impregna todo lo que habita en el disco, sobre el que resalta la voz de DALE como trobador de lo nocturno. 

Los instrumentos usados me llevan de la mano a cosas como DANIELLE DE PICCIOTO y algo de MICAH P. HINSON, pasando por la oscuridad de los últimos experimentos de SCOTT WALKER pero sólo en esencia, porque MUTE SWIMMER resulta mucho menos oscurantista.... quizás algo así como CAVE en clave mucho más intima y reflexiva. Los toques de glockenspiel añaden experimentación y cierto grado de bizarrez casi gótica, y haciendo que vuelva a remitirme a esa sensación de estar encerrado en una gigante (y eterna) caja de música... quizás esté loco pero aires a PABLO UND DESTRUKTION también campean por algunos cortes, pero prefiero que sea el oyente el que saque sus propias conclusiones.

Poco más voy a a añadir. Creo que estamos ante un disco de orfebrería editado por un sello ecléctico y con muy buen gusto.




BLOOMING LÁTIGO / VOR (SALA VELVET; 7 de JULIO)



La historia es como sigue. Va uno e intenta cuidarse de una contractura del copón. Aterrizo en la Sala Velvet impregnado de relajantes musculares y benzodiacepinas varias y me digo... oye, tú, el que está ahí, no te muevas demasiado. Tranquilito y cuídate esa espalda. 

Vale... y empiezan BLOOMING LÁTIGO y me digo, "para qué mierda quiero el cuello", mañana dolerá, pero da igual, porque es imposible no sentirse apabullado por la energía telúrica de esta banda o magnética presencia de Xavier Castroviejo, poseído por células de Steve Austin de TODAY IS THE DAY mas la socarronería del primer GREG GRAFFIN (cuando era un jovencito en los BAD RELIGION). 

Pero vaya, que todo es hablar por hablar. BLOOMING LÁTIGO son como irte de safari y darte cuenta de que los malditos elefantes van a pasar por encima tuya. Sí, son esos de las dos baterías y un bajo... pero es que esa base rítmica tan particular es una engrasada máquina industrial. He vertido ríos de tinta digital sobre ellos y la verdad es que los calificativos ya se me van agotando. La versión de "La Polla Records" que por cierto no reconocí (Xavier me lo comentó después) transformando punk en apocalipsis y en cierta medida recordando a esa visceralidad que teñía la música en los 90, lentitud noise de la que hace que cagues alguitrán. BLOOMING son técnicos pero brutalmente bailables y si tienes narices a ver si puedes seguir los pasos de Castroviejo, posiblemente el frontman más difícil de fotografiar en directo.

Yo no sé como me las apañé, pero cuando llegué a casa y fui a orinar tenía los cojones reliados en un nudo marinero.





VOR vinieron con la misión exclusiva de joder los oídos de la gente. Los huesecillos timpánicos otrora jóvenes y felices del personal se convirtieron en harina. Prescindiendo de sus partes más experimentales de "Tu Clave Es Jonás", se concentraron en una suerte de putrefacto Noise Grind Sludge lo que sea atronador. Se rompían los parches, se movía la alfombra, se caían los micros... a esto se le llama intensidad. Las trazas levemente kraut y cósmicas del disco se transformaron en extremismo puro y duro y me consta que había gente que se salía porque no podía aguantar el volumen del sonido.

Si peinas canas verías cosas a lo BURNING WITCH por ahí o también la malsana textura del "Sadness Will Prevail" de los TODAY IS THE DAY (otra vez)... o a los primeros MOSS con HELLHAMMER. Temas más grindcore contrastaban con requiebros Doom de esos que ponen "sigue buscando, hay miles de collarines cervicales gratis". Un directo devastador de una banda en ascenso.

Genial conocer a la salida a los organizadores de eventos como el SOUTH BANGERS FEST y poner cara a la impersonalidad de Facebook. Llegando a casa me doy cuenta de que parece que tengo un maldito grillo metido en el oído izquierdo... no sé si es real o un acúfeno, pero como soy inquieto y por naturaleza voy a indagar con el punzón.





martes, 4 de julio de 2017

AXILLES POLYCHRONIDIS & ROB MICHALCHUK - "SPLIT" (POOR LITTLE MUSIC; PLM151, 2017)


Desde Brantford, Ontario (Canadá), el sello POOR LITTLE MUSIC se especializa en música experimental, concreta, y jazz editando en formato cinta. La razón de hablaros de dicho sello es la reciente colaboración del saxofonista "Grecoandalusí" AQUILLEAS POLYCHRONIDIS con ROB MICHALCHUK en una maravillosa C-30 limitada a 30 copias. 

El diseño de la portada es ciertamente interesante, no por el dibujo en sí, que no es nada del otro mundo, sino porque nos muestra los colores de la bandera andaluza, cosa que de seguro se trata de una casualidad pero me ha parecido una de esas que te dejan el culo descolgado. 15 minutos por cara que se reparten los dos artistas y con dos temas bastante diferenciados entre sí. 

La Cara A es "As Freedom Is a BreakfastFood", una densa cacofonía ruidista de saxo procesado que parece perpetuarse como los dolores estomacales en una mala digestión. Comienza con notas agudas en cascada para poco a poco ir rodeándose de acoples y distorsión en la tónica habitual a la que nos tiene acostumbrados Axilleas. Un sonido denso, agudo y excepcionalmente intenso que te hace dudar bastante si suena un saxo o un jodido colmillo de elefante hueco electrificado. Suena a alarma antiaérea en un desastre nuclear y tiene el marchamo aséptico, frío y distante de la mejor música experimental que yo llamo de combate (o sea, huir de los portátiles).

Se disfruta mucho más con auriculares, apreciándose los leves pero interesantes cambios en el corte (los apocalípticos soplos del saxo) que lo acerca a atentados acústicos a lo MERZBOW, ESPLENDOR GEOMÉTRICO o la música de extraradio que se realizaba al amparo de polígonos industriales abandonados en óxido (final de los 80). El tramo final es seductor como reciclar jeringuillas usadas o fumarte un pitillo debajo del reactor de una nave espacial en pleno lanzamiento.

ROB MICHALCHUK por su parte resulta algo más lírico en su abordaje de la Cara B. "Sax Session To Be Named Later" superpone una abstracta melodía jazzística en bucle a recitados graves. Se van doblando los vientos y añadiendo más ruido en capas resultando el conjunto bastante hipnótico. Michalchuk es saxofonista alto y lleva desde 1989 defecando sonidos ambientales o colaborando en alguna que otra formación de Free. 

Un tema que parece llegar desde otro lugar. Quizás una transmisión desde otro mundo al que van a parar los saxofonistas muertos. Desde ese planeta, roca o nebulosa nos llega espacialmente esta onda de longitud larga que es recogida por viejos magnetófonos canadienses. Las voces son un acierto y se van modulando hasta ser un instrumento más.

Curiosamente capto ciertas concomitancias (casuales pero existentes) con el de Axilleas. Parecen discurrir paralelamente en dos líneas de realidad que se contraponen aunque complementan y nunca se tocan. La más violenta y agresiva de en contraste con la fúnebre cadencia de Michalchuk que toca techo con un final cuasi marcial en lo que parecen lejanos toques de trompeta (puedo estar majara, pero a mí me suena a cosas del más reciente WADADA LEO SMITH) y ahora sí, manifiestas incursiones del saxo alto. Es más, me gustaría hacer un experimento del tipo que realizaron NEUROSIS y TRIBES OF NEUROT; sincronizar la música de ambas caras a la vez y escuchar el resultado... queda dicho.

Una cinta imprescindible de dos artistas en pleno pico creativo.