sábado, 21 de octubre de 2017

JESÚS GALLARDO - "IMATGES" (LIQUEN RECORDS LRCD004; 2017)


A lo largo de la vida de este humilde blog, los mayores retos a los que me he enfrentado suelen venir de discos compuestos por un sólo instrumento. Contrabajistas, guitarristas y en este caso, todavía más difícil según mi opinión, batería y percusión. La dificultad estriba básicamente en que el espectro sonoro que deriva de un instrumento como la batería (añadamos percusiones como anexos, gadgets o lo que queráis) es tan característico que resulta extremadamente complicado salirse de lo virtuoso (que me aburre horrores) para entrar en algo que resulte expresivo y atrayente. 

En otras palabras, que no estemos ante un ejercicio de onanismo sonoro, además de que la percusión por sí sola siempre se ha tratado como algo más de acompañamiento que como instrumento solista. Ahora bien, ¿es el instrumento el que domina al músico o al contrario?... porque quizás la magia resida en enfrentarse a este desde una perspectiva completamente distinta, hasta el punto de convertirlo en parte integrante de la psique del músico. Es entonces cuando fluye algo distinto, que ahonda en campos bastante poco transitados y que requiere un alto grado de complicidad del oyente.


La nueva edición del sello LIQUEN RECORDS es "Imatges", debut de JESÚS GALLARDO, baterista y percusionista licenciado en el Conservatorio Superior de Música de Valencia en el ámbito del Jazz. Evidentemente, el currículum vitae de alguien como GALLARDO no se circunscribe solamente a un disco como el que vamos a tratar, sino que tiene más proyectos como YE YI & CO (con tres discos en su haber). Como todo buen músico de Jazz, abundan las colaboraciones (PERICO SAMBEAT, RICARDO BELDA, FABIO MIANO...). Lo mejor es que investiguéis en su propia página:


El atrayente diseño gráfico del digipack es obra de LORENA RIUS y el disco es grabado, mezclado y masterizado por ENRIQUE "PANTERA" ARA MARTÍN en los IBERIAN LYNX LABORATORIES con la colaboración de MONDO RÍTMIC (escuela de música donde el propio Gallardo imparte talleres de batería). 

Adentrarse en la psique de un batería haciendo algo como lo que se destila en "Imatges" es arriesgado, y me hace sentir voyeur en un mundo que no me pertenece. Las opiniones aquí vertidas son únicas, personales e intransferibles, y evidentemente, dado el carácter personal del disco, variarán con mucho dependiendo del ente codificador. Una colección de 12 historias aparentemente sin nexo de unión pero perfectamente imbuidas de vida conservadas en la salmuera eterna de un disco duro, no lo voy a negar, pero no por ello exento de musicalidad y belleza.

"En El Frente" es como una batalla en primera línea; un uso indiscriminado de todo lo habido y por haber de la batería y sus elementos anexionados. Requiebros, barroquiscos percusivos y juguetes varios funcionan como una metralla percusiva que cae de los cielos, contrastando con la más calmada "Despertar Jurásico", donde se hace uso del arco abrasando los platillos que emula otras épocas primitivas y que tiene algo de ese ancestral uso de la percusión de gente como ED BLACKWELL o incluso (quizás me equivoque) los tribales ritmos minimalistas de la SUN RA ARKESTRA de sus HELIOCENTRIC WORLDS. Sigue el sincopado ritmo de "Cova De L´Ocre", curioso tema de aires marciales y pseudo folk donde la melodía se ha desbrozado completamente para llevarla a su más pura raíz básica, huyendo de adornos superfluos y usando el ritmo como elemento puro y sin diluir. Curioso como hasta ahora no he echado de menos en absoluto la adición de ningún otro instrumento.


Lo futurista hace acto de presencia en "Láser y Cera". Más cercano a la forma de tratar un contrabajo en la improvisación libre que a una batería en sí misma, asistimos a un despliegue de inventiva colosal por parte de JESÚS GALLARDO. El tracklist es totalmente acertado, y los contrastes hacen el efecto deseado... así la procesionaria "Mar Xa" nos resetea y transporta a una aguerrida marcha de guerra, con los contrapuntos alucinantes de las baquetas golpeando madera. 

Si cerramos los ojos en "Fuegos Artificiales" e imaginamos un cielo estrellado en plena noche es inevitable que no captemos destellos de color. El bombo como el instante de ignición y los platillos como la rama de colores que imprima la nocturnidad... con la boca abierta estoy ante esos instantes poéticos que ha sabido expresar a la perfección Gallardo. Cada nuevo cohete es perfectamente marcado por el bombo y si estamos atentos captaremos incluso la traca final. Sigue la oscura "Mazmorra" donde se hace hincapié en percusión metálica minimalista a través de lo que parecen chapas y gongs. Cierra este bloque "Caleidoscopio", tema curioso porque es un redoble visto desde varios prismas y ópticas, con ligeras y sutiles variaciones difíciles de captar (sí, como girar un caleidoscopio). 

El tramo final del disco no tiene desperdicio... desde la polirrítmica "Wapotrónico" que parece una lluvia de neutrones o el vientre de una batería cuando tiene hambre (peristaltismo percusivo podríamos llamarlo) hasta "Cajón Desastre" y "Ducha De Neutrinos", aluvión de posibilidades al instrumento. Está claro que propuestas como estas se disfrutan mejor en directo y con lo visual, viendo el despliegue alucinante que suelen mostrar los improvisadores de batería (cosa que he tenido la ocasión de hacer con gente como AVELINO SAAVEDRA o JAVIER CARMONA), pero la verdad es que "Imatges" es lo suficientemente asequible para no perdernos en un mar intrincado de golpes y tan complejo como para necesitar más de una decena de escuchas para exprimirlo en su totalidad.

Cierra "Can a La Sombra", que no sé si podría ser un homenaje encubierto a JAKI LIEBEZEIT o una ida de olla mía. Si bien es cierto que lo Motorik no es evidente, sí que hay cierto grado de obsesión alemana en el corte. Como dije al principio, a cada oyente le sugerirá algo distinto.

Y poco más que añadir. Disco arriesgado, necesario y muy, muy recomendable.


martes, 17 de octubre de 2017

NACHO JAULA - "RESTOS DE ACCIDENTE" (MARBRE NEGRE; 2017)


Los Restos de Accidente componen una coda variada que trasciende la carne para abarcar aspectos que entroncan incluso con lo social. El accidente como suceso eventual que viene a romper el estado natural de las cosas deja restos a nivel biológico, psicológico y social. Curiosamente, para los académicos musicales, un "accidente" es una forma de alterar el sonido mediante el sostenido, el bemol y el becuadro. Al final de cualquiera de los casos a los que nos refiramos, son los restos los que miden la magnitud del accidente en sí mismo. En ocasiones pienso que la misma existencia es un resto... la parte de un todo que perdió su mayestática presencia en la noche de los tiempos, y de lo que  no somos más que parásitos en un intestino abocado al fracaso.

NACHO JAULA, multi instrumentista malagueño del que os he hablado tantas veces como para que esta reseña no sea precisamente un accidente, viene dejando "restos" psicológicos con su música en mi psique desde hace bastante tiempo. En esta ocasión, se torna oscuro y siniestro, casi abrazando el Drone Doom de corte funerario para traernos una serie de largas piezas claustrofóbicas. JAULA es bastante versátil y variado, y ante su prolífica carrera intachable no puede uno no puede más que quitarse la tapa de los sesos en señal de reverencia.


El artwork y masterización corren a cargo de otro que tal baila, PEPO GALÁN, y la edición es de MARBRE NEGRE de Barcelona, que desde 2009 lleva emponzoñando nuestras existencias con el lado menos comercial de la música. Limitado a 30 copias en formato A5, y con una duración de casi 60 minutos, no estamos precisamente ante un plato para amilanados oyentes de electrónica de club y similares. Aquí se busca el acople, la densidad y el juego bipolar más salvaje que puedas imaginar, llegándose incluso a bucear por aguas más propias del Dark Ambient, como es el caso del espectral inicio de "Cripta En La Boca".

Ni un atisbo de cordialidad ni sosiego, sólo pesadumbre y pena que se transmite como un duelo patológico en "Dios Es Un Almanaque", corte que se va desarrollando a través de un fondo minimalista de sintes y pedales sobre los que irrumpen picos anímicos que emulan un duelo. Una aterciopelada mortaja acampanada con lo que parecen rasgueos de guitarra (se aprecia todo mucho mejor con auriculares)... oscurísimo.

"La Playa De Los Nazarenos" rompe el disco con una melodía obsesiva y cíclica de lo que parece ser un bajo arropada por minimalismo Techno descarnado (en la forma más que en la esencia) de tintes procesionarios, contrastando con la mucho más Noise, industrial letanía de "Pequeña Esquela Desinformada", una de esas perlas que hacen que hasta TETSUO te parezca humano. Sirenas de ambulancia, el olor de la cobriza sangre mezclada con alquitrán; de la masa cerebral aliñada en tragedia.

Esquelas de sonido anómalo que te van predisponiendo para la tragedia en estado puro en el largo (26 minutos) "Restos De Accidente", temazo con ecos a los ultraolvidados TIBETAN RED, a los primeras TORACIC TAPES de MIGUEL A. RUIZ o RAFAEL FLORES y que revitaliza géneros tan denostado como es el Noise o el Drone a través de lo que parece una guitarra procesada por un agujero negro que haría eyacular al mismo STEPHEN HAWKING.

Lenta pero inexorablemente, "Restos De Accidente" se convierte en un desolador paseo espacial por un mundo muerto. Intentar atrapar mercurio en gravedad cero... el estado anímico de un doliente con los objetos de un ser querido... el miembro recién amputado por un accidente que busca ciego el resto de sus perdidas conexiones nerviosas.... RESTOS, TODOS SOMOS RESTOS.




miércoles, 11 de octubre de 2017

BLUSA - "K" (NOOIRAX / ITACA RECORDS; 2017)


Regreso inesperado de la longeva banda sevillana BLUSA, que tras su segundo trabajo "¡Toca Breakbeat, Perro!" de 2014 se disuelve en un mar de silencio. Con un sonido bastante diferente que su anterior disco, este "K" resulta más fresco y original, moviéndose a placer entre una exquisita electrónica que se licua en melodías Post Rock netamente instrumentales. 

En cualquier caso, antes de meternos en materia, podéis recordar aquella reseña si os apetece:


En formato trío, BLUSA en 2017 son Daniel Barja (guitarra), Curro Molina (bajo, programaciones y diseño artístico) y Antonio Ortiz (batería y sampler). Editan en digipack y vinilo con NOOIRAX y la malagueña ITACA RECORDS, que a paso lento pero seguro sacan discazos como CRÓ!, KERMIT o BUFFALO. Grabado y masterizado en Marzo de 2017 en ESTUDIO 335 (Domingo Díaz), y con un espectacular diseño plástico a cargo de CURRO MOLINA de los propios BLUSA, donde texturas abstractas de tonalidades verdosas y azuladas dan un cierto matiz acuarela al resultado. Dicho lo cual, y arrancando motores, creo que lo primero que tendría que hacer la banda es quitarse eso de post - rock sureño de las promos, entre otras cosas porque da lugar a engaño. 


La música de "K" es tan exquisita y llena de matices que abordarla desde una etiqueta semejante distorsiona la realidad. El corte que abre el disco es "#2" y lo primero que notas es que la electrónica a lo STEREOLAB o los espaciales SCHWARZ se mezcla a la perfección con atmósferas y pasajes que parecen sacados de JARRE o VANGELIS o incluso del rock más progresivo y sinfónico. El minimalismo preciosista de "#3+#1" es soberbio con casi ocho minutos de guitarras que juegan a cabalgar espirales, y una base rítmica que tiene mucho de MOGWAI y similares alejándose gracias a los cielos de los oscurantismos vacuos de los clones de ISIS, PELICAN o CULT OF LUNA

Puestos a arriesgarse, creo que aquí hay mucho de STEVE WILSON e INSURGENTES por ejemplo, y de rock espacial meditabundo con PINK FLOYD por bandera... y si no escuchad las emisiones de radio desde otro planeta que abren "#9"; la maestría en que se van sumando los instrumentos es la de una banda que lleva ya bastante en el candelero y sabe lo que quiere. No sobra ni falta ninguna nota de guitarra, y los temas duran lo que tienen que durar, si alargamientos innecesarios. "#7" y su obsesivo riff de bajo que parece repetirse hasta la eternidad. Capto toques a PYRAMIDAL, LUBIANKA, DOMO y en general toda esta nueva ola de psicodelia que tan buenos discos nos está dando.

"#6" se va deslizando como poperas pompas de jabón espaciales en una lámpara de lava en modo eterno. Maravilloso fondo de teclados con algo de los PHONOCAPTORS (sin el surf) o KAUFER (modo cinematográfico "on"). Se revisitan a los últimos ANATHEMA en "#4", especialmente en esas bases rítmicas de carreteras espirituales que coquetean con PORTISHEAD. Los casi diez minutos de "#10+#11" son el Grial para los que buscan la curación del alma. Toques a YAWNING MAN pero en versión cósmica; no todos los desiertos son de arena. La electrónica nunca llega al noise, pero sí se vuelve más abstracta en el crescendo eclesiástico del corte, adquiriendo la textura de una vieja iglesia sobre la que cae una lluvia especial... una lluvia donde el agua es sustituida por acuarela de tonos lapislázuli. Soberbio.

Un disco apasionante sin duda que aunque tenga en cd gracias a la banda, me acabaré pillando en su respectiva edición en vinilo porque me ha volado la cabeza y estoy seguro que va a ser uno de los discos del año. 





MOUNT CANE - "BARDS" (ODIO SONORO/SACRAMENTO RECORDS; 2017)


En 2013 se separan THE EYES y de dos de sus miembros y alguna que otra parte integrante de THE TAQUIKARDIC SINNERS y THE BOOTY HUNTERS se da lugar a MOUNT CANE, banda de Barcelona que toma por bandera a KYUSS, MASTODON y BLACK SABBATH para hacer las alitas de pollo adictivas esas que nos gustan tanto. No diré que se trate de algo original, porque evidentemente no lo es, pero tras escuchar detenidamente su debut "Bards" hay que reconocer que el disco va de menos a más en cuestión no de calidad, que la tiene durante todo el minutaje, sino de interés en cuanto a la de ofrecer algo distinto. 

Si eres amante de estos estilos el disco va a saberte a gloria bendita, tanto en sus toques Stoner de toda la vida como en las incursiones por terrenos más sureños; la  base rítmica es muy potente, y las guitarras tienen la versatilidad suficiente para que los temas (en general cortos) no decaigan un sólo instante. La voz es más que correcta y pocas pegas se le puede poner. Ya digo que en general "Bards" me parece un buen disco pero dentro de su estilo ya de por sí bastante constrictivo y que hace difícil la expansión hacia otros horizontes, lo cual no es necesariamente malo, ojo... todo depende del oyente con el que topes o cuál sea el objetivo que tengas planteado a largo plazo como banda. 

El disco se graba en LA ATLANTIDA STUDIO (Edgar Beltri & Mario Patiño) y editan los incombustibles ODIO SONORO y SACRAMENTO RECORDS en edición tanto en cd como vinilo.  La formación en el momento de la grabación si no me equivoco es la siguiente: Jordi Castany (voz); Edgar Beltri (guitarra); Marc Serracarabasa (guitarra); Quim Fondevila (bajo); Àxel Vidal (batería) y Dani Bañón (guitarra). Sigamos ahora con la música.


Los tramos rápidos como la inicial "Sea Storm" o "Sight With No Sense" o la rock n´rolera (coros incluidos) "Tow Truck" son Stoner de vieja escuela y por ende temas en los que menos me detengo. Es quizás cuando bajan el tempo cuando adquieren mucho más cuerpo. Se tornan blueseros y con aroma a charca ponzoñosa y bidón oxidado de polígono o lo que es lo mismo, un poco a lo DOWN y esas cosas (también CROWBAR) para que se me entienda bien. Baste escuchar el arranque a lo SABBATH de "Our Victory" o la final y larga "Hell In Me", que es una jodida bala de punta hueca rellena de vinagre. Lenta, bluesera y arrastrada con requiebros vocales algo más guturales. 

Entre medias un poco de todo. El pegadizo riff en "The Boat", con muy buena interpretación vocal (en general a lo largo de todo el disco en todos los registros) y aromas épicos que no defraudará a los acérrimos stonerheads. La instrumental "Silver Track" que me descoloca un poco (no sé, pero yo el tracklist lo hubiera modificado un poco y habría convertido esto en una intro o parecido) marca psicológicamente el tramo final del disco con los mantras repetitivos en "Astro" con dobles guitarras puramente a lo IRON MAIDEN y desarrollo para que se luzca la base rítmica. 

Fin de fiesta con la agresiva "The Destroyer" o la Panteriana "Stone Fist", para acabar con la ya mentada "Hell In Me", para mí el mejor corte del disco. La duda que se me plantea es que si los músicos tienen tanta garra, fuerza y tablas, por qué no intentar algo más arriesgado... "Bards" es como un ejercicio de estilo que les sale de puta madre porque tienen nivelazo para mucho más. 

Este disco no puede decepcionar porque simplemente cumple a la perfección con los dogmáticos pilares del Stoner, y como digo, a partir de la instrumental "Silver Track" va mejorando enteros y terminando por todo o alto con un nivel compositivo bastante alto. En sí, tocar a lo Kyuss es como una Boa Constrictor y salir de sus anillos opresores es complicado, aunque los puristas del género realmente no creo que busquen salir de la asfixia, sino regodearse en ella. 

Terminando... "Bards" es uno de los mejores discos de Stoner en lo que va de año, y espero que el puente hacia algo distinto. No esperes originalidad. Esto se trata de drogas y dosis... y te puedo asegurar que estas sustancias son puras y no están degradadas. Ahora bien, si lo que buscas son drogas de diseño, es justo decir que debes mirar en otras direcciones.







lunes, 9 de octubre de 2017

THE YOU AND WHAT ARMY FACTION/RITA MOSSS - "SPLIT 7" (SWEETOHMRECORDINGS; 2017)


Volvemos al underground griego (Karditsa) otra vez de la mano de SWEETOHM RECORDINGS, sello que últimamente estoy visitando con bastante frecuencia. Esta vez se trata de un split 7" de 2016 entre las bandas THE YOU AND WHAT ARMY FACTION y RITA MOSSS

La Cara A es de THE YOU AND WHAT ARMY FACTION, cuarteto desde Atenas tocando un correoso PostPunk con ramalazos noise y de blues industrial que quita el hipo. Formados allá por 2009 y tras una serie de trabajos, es en 2017 que editan "Rite", disco que en próximas fechas desgranaré a fondo. 

"Sadie´s Blood" es un sugerente tema con mucho de los últimos SWANS y suaves toques a lo BONG en formato terrenal en el clímax final (fantásticos los toques orientales de lo que parece una guitarra afinada como un sitar o un sitar emulando a una guitarra); épicas percusiones, ritmos sincopados y dosis justas de ruidismo en una banda que cuenta con miembros de CALF (Chris Koutrolis), los Crust Punk PROCRASTINATE (Achileas Kaminiotis) y con alguna que otra conexión con el death metal (los griegos MORTAL TORMENT o los turcos CENOTAPH) a través del guitarrista Anastasses. Brutal.

La Cara B es el corte "Sheeps From Hell" de los inclasificables, humorísticos RITA MOSSS. Dúo con estatus de culto (en ocasiones trío) de intenso Crust Punk hemorroidal enharinado de Sludge corrosivo con bases percusivas 4 por 4 y una visceralidad primitiva de las que dan cefaleas.

También de Atenas, y con un sustrato LoFidelity potentísimo que me recuerda a mis queridos RIZOMA, los extintos REZNIK por ejemplo o a la energía en estado puro de CRUDO PIMIENTO, por poner ejemplos hispanos. Black metal teñido de Grindcore, voces enloquecidas  y riffs de guitarras secos, romos y cargados de tetania.

***




BRUTALIZZED KIDS - "PÁLIDOS COMO LA SAL" (LOS 80 PASAN FACTURA; 2017)


A estas alturas de mi vida mi acervo musical es considerable, lo cual no creo que eso sea ni positivo ni negativo, sino sólo una prueba de dos cosas. Una que todavía no he perdido la pasión por la música, y la otra que bueno, más o menos me cuido y sigo vivo que es importante, no?. He visto surgir imperios que han caído estrepitosamente, revistas, modas y estilos que han soltado sus últimos estertores en medio de la confusión de no saber qué era lo que los estaba asfixiando. Al fin y al cabo, no creo que lo importante sea el estilo que tocas, sino cómo te lo planteas y si el último fin que tienes como músico es ser congruente contigo mismo; con las raíces y con tus expectativas. A veces la etiqueta es un nudo corredizo muy peligroso.

Cuando pongo discos como el nuevo de BRUTALIZZED KIDS mi cabeza hace "Reset" a un punto exacto de mi vida. Un punto muy personal en el que no voy a entrar demasiado, porque es eso... personal. Lo que sí puedo decir es que hubo una época en que yo necesitaba himnos, necesitaba reacciones contestatarias, necesitaba flambear el fuego que consume a todo adolescente e incluso subirme a un escenario y tirarme de cabeza si hacía falta; se trata de sobrevivir a un cambio psico hormonal brutalmente agresivo que te transforma en otra cosa. Una crisálida de testosterona, semen y serotonina.

Grupos como SLIPKNOT, FEAR FACTORY, los proyectos Nu Metaleros de CAVALERA, los hispanos caídos en desgracia (the) DISMAL sonaban de vez en cuando en mi reproductor para traerme las únicas noticias del mundo que me interesaban, a pesar de que uno ya había dado un firme paso para meterse en terrenos más extremos. Todo esto se refleja en cortes como "Confié" u "Otra Vez" con colaboración de Edui Bercedo... rápidos, festivos, amargos y explosivos como fuegos fatuos a base de Peta Zetas de a kilo.


Los sonidos simples pero efectivos del Metal en toda su mayor gloria, esa que parece que se hizo en probetas para rebautizarse en algo llamado Nu... que es Nu dependiendo del lado histórico por el que te aproximas, claro. BRUTALIZZED KIDS (Canarias) llevan más de una década haciendo esto, y tiene ese toque diferente, ecléctico y variado (que no abigarrado, barroco ni técnico) que los pone en el candelero una y otra vez. Da igual si lo llamas metal electrónico, porque también hay algo de industrial por ahí ("Por Dentro" y su algarabía electrovoltaica o la trip hopera "Maxíbamato"), o del Groove Metal ("Bang Bang" y la épica "Ercasam") que movía a combos noventeros a lo STATIC X pero con un puntito a HORA ZULÚ... y muy mucho de KTULU también ("Pálidos Como La Sal" o "A Mi Lado").

Se trata de tatuarte de forma subliminal mensajes en tu zona gris, y eso Albert (voz), Fafe (guitarra y coros), Efren (bajo y coros), Skynet Doctor (sinthes y coros) y JO-C  (batería y coros) lo hacen a la perfección porque usan la argamasa de PUNK para unirlo todo; y es que punk y electrónica son un sabio cóctel que bandas como VON LMO  o DEVO usan como moneda de cambio habitual. El baile al servicio de la protesta.

Grabación en GUAMASA ESTUDIOS  por AYOZE HERNÁNDEZ excepto "Maxíbamato" que se graba en los MONOROTTEN por FBK. El artwork corre a cargo de VISION HUNTER y la edición, en toda su gloria, por los incombustibles LOS 80 PASAN FACTURA. No es sólo nostalgia sino de revitalización y en eso BRUTALIZZED KIDS son maestros. e indudablemente, los 90 pasan factura.

Cuando el metal puede bailarse, se calienta... y una vez caliente, puede pasar cualquier cosa.



miércoles, 4 de octubre de 2017

BLADÍMIR ROS - "DEMO" (Autoedición, 2017)


Inevitable no catalogar Zaragoza como punto de expansión del pop oscurantista desde la década de los 80. Ahondar en nombres sería asunto reiterativo simplemente por el carácter histórico de los grupos que podríamos citar, y siendo sincero, no he habitado las charcas ochenteras tanto como debiera y a día de hoy soy simplemente un voyeur sonoro y aprendiz en tan fantástica escena musical. Y claro, si uno cita cosas góticas y barrocas acaba entroncando con GABINETE GALIGARI, los primeros HÉROES DEL SILENCIO (recordemos la obsesión particular de BUNBURY por el tango) e inevitablemente THE MISSION, y mis gafas musicales se convierten en monóculo. Soy bastante amateur en estas lides y sugiero que sea el oyente el que termine de redondear esta reseña... 

Es por ello que es grandioso saber que todavía hay unas ascuas vivientes en toda esa escena, y para colmo vistiéndose con galas Cabareteras, de Chanson, Bolero y Tango de navajas oxidadas de esas que transmiten tetania. De esto sabe mucho Antonio Acién y sus rumbas apocalípticas en Trío Mudo, o el onírico mundo paralelo de Carlos Desastre en cualquiera de sus encarnaciones (en solitario o 713º AMOR)... y llegados a este punto, CORCOBADO se hizo experto en el tema, oigan (sus "Boleros Enfermos De Amor" que dan buen testimonio de ello). 

Ah, sí, perdón. Estoy hablando de una grabación demo de la banda de Zaragoza BLADÍMIR ROS. Perdón por el mal trato al lector, pero estoy acostumbrado a pensar en voz alta y al contrario cuando escribo.

Escuchando el maravilloso inicio de "Descenso al Maelstrom""Sin Perdices" (para mi gusto el punto flaco de la demo) averiguamos que los instrumentos de viento se llevan mucho protagonismo. Un tema colocado ahí de modo extraño; muy socarrón pero rompiendo un poco la vena de amarga bilis que hiede en el resto de temas. "Cambio De Cromos" es hiriente como un punzón, con letras aguardentosas muy trabajadas que hablan de amores traicioneros, autopsias anímicas in vivo y un insidioso piano de salón desértico. 


Es en el cierre "Sol De Injusticia" donde veo más parecido con EL LUTO DEL REY CUERVO, pero con la particularidad de ser un corte más "eléctrico" en esencia, trayéndome a la cabeza "Canciones Defectuosas" de JAVIER ARNAL. Una guitarra a lo Lynch/Badalamenti que flota en el ambiente reforzando la violencia de unas letras escritas con la sangre derramada en la caza de Mariano Gavín Suñén "El Cucaracha", bandolero Aragonés portavoz de leyendas varias en la zona de Los Monegros

Pero oiga, que aquí hay algo de organillo de feria, de vientos que bordean maravillosas melodías de pop fúnebre de carreta de caballos y estiércol, y encima con la actitud chulesca por bandera. Esa chulería que te lleva a ponerte un pañuelo impregnado en olor a nicotina alrededor del cuello, unos zapatos con puntera y dejarte un bigote afilado que podría casar con el 90% de las fichas criminales de la España más negra. Un trabuco de proporciones épicas como sólo lo rutilante (y BLADIMIR ROS tienen mucho de rutilante) puede dar; me refiero a esa sensación de un carromato de teratogenias que recorriera la Europa del Este en esos pueblecitos donde o te invitan a un licor de hierbas o te clavan una estaca en el corazón.


BLADIMIR ROS es un proyecto musical que en cierta medida coge el testigo de aquellos necrosados EL LUTO DEL REY CUERVO con la particularidad de acentuar los aspectos más folklóricos de aquellos para darle un giro de esos que gustaban en "La Huella Del Crimen". ROS BERET (voz) y CARLOS CHAHUÁN (teclados y guitarra) mas una pléyade de colaboradores, reinterpretan los compases de un viejo manuscrito musical tal y como se narra en esta bella historia:

"En mayo de 1980 un misterioso hombre apareció muerto bajo una encina en el parque Bruil. La policía lo identificó con la ayuda de un violinista callejero. Se llamaba Bladimir Ros y entre sus escasas pertenencias hallaron un cuaderno con textos escritos y anotaciones de acordes musicales.

A partir de esa guía conservada por el violinista callejero se han reconstruido un buen puñado de canciones. Este será, pues, otra banda tributo en estos tiempos de rebosante imaginación. Esta será, pues, la historia, las canciones y el pensamiento de Bladimir Ros".


lunes, 2 de octubre de 2017

V E R A N O - "ASTRO HUIDO EP" (EL MUELLE RECORDS; EMR029, 2017)


VERANO es un proyecto entre LORENA IZQUIERDO APARICIO (voz, poesía y performance art) y NACHO JAULA (guitarra, batería, grabaciones y ambientes), que justamente debutan un 22 de Septiembre (rito de paso astronómico) con el Ep "Astro Huido" que se graba y produce en Málaga durante Marzo y Julio de 2017; la edición corre a cargo de EL MUELLE RECORDS en un precioso digipack muy limitado que cuenta con los fantásticos dibujos/collage del propio Nacho Jaula (dentro de su "Colección De Atropellos"). 

No voy a esconder que para mí JAULA es uno de los artistas más completos, originales e interesantes a nivel ruidista y electrónico; baste leer las numerosas reseñas que he realizado de su trabajo. Es capaz de arroparte con un sutil tañido acampanado para luego reventarte los tímpanos en un pulso de proporciones épicas; pero lo que más resalto de su labor es la versatilidad que tiene para el cambio de registros y no aburrir ni un sólo instante teniendo en cuenta los a veces hipnóticos y repetitivos senderos que recorre la electroacústica... JAULA tiene la capacidad de llevar las cosas a un punto de no retorno aparentemente limítrofe con la nada, y sin embargo dar un pasito todavía mas allá.

"Astro Huido" es doblemente experimental por varios motivos. Si el uso de la voz y sus diversas modulaciones trance/afectivas suelen funcionar mejor con el apoyo del arte perfórmico visual (he tenido al oportunidad de asistir a las "performance art" de LORENA y son especialmente sobrecogedoras), no es menos cierto que sí que se han realizado obras donde la voz ha quedado arropada por un fondo ambiental surtiendo efectos parecidos o incluso más potentes si cabe. Sin ir más lejos, los proyectos más extremos de este género pueden encontrarse sin duda en los proyectos ritual/noise de MARC O´CALLAGHAN (COÁGUL) o incluso VÍCTOR HURTADO con FUTURO DE HIERRO / ORDRE ETERN


Pero... ¿qué pasa cuando suprimimos lo visual y la música no es un contexto, una excusa o un fondo sino un elemento vivo, agresivo y balanceado, tan o más presente incluso que lo vocal?. La experimentación se convierte en algo orgánico que sientes cómo se retuerce cual tentáculo amputado que gaste sus últimos impulsos eléctricos. No se trata de pasajes de noise o pedales, sino de guitarras sublimes al más puro estilo SUNNO))) o percusiones hímnicas las que apoyan los soliloquios enfermizos de LORENA, irremediablemente recordando a la poesía más perturbadora de DESASTRE. Un durísimo ambiente industrial de ruidismo descarnado es el cuaderno existencial sobre el que la voz deja su impronta tetánica punzante. Haciendo una metáfora, la música de Jaula es una plancha de acero sobre la que Lorena oxida sus letras (como cuando escribimos con limón en un papel en blanco y luego pasamos un mechero por atrás). 

Desde la tónico clónica siniestralidad de "Flor Sin Alas" a momentos de dura marcialidad como la homónima "Verano" o los éxtasis de ferretería oriental en "La Niña Del Agua", posiblemente uno de los temas más originales que he tenido ocasión de escuchar y que se carga de un soplido cualquier atisbo de electro world beat o cosa parecida con sus sonidos aflautados y cadencia sincopada. Como deconstruir una vieja melodía Shaolín donde las fuentes Zen dieran gasolina en vez de agua. 

Arranque casi Crust con la percusión intensa de "Acción Sin Palomas", aunando a la perfección cierto grind industrial que sería interesante de explorar en un futuro y ver hasta dónde puede llegar. Cierra esta joya de Ep "Amor", donde tanto LORENA como JAULA dan la sensación de haber sido teletransportados a una caja de música mental desde la que van dando cuerda a un inmenso bidón astado que unida a la decadente poesía necrótica apuntalan un proyecto que me ha dejado totalmente noqueado.

Estas cosas no se nutren del aire, por desgracia. Si quieres apoyar el proyecto, puedes pillar una de las limitadas copias por aquí o dejar que se pudra, seque y muera.





martes, 26 de septiembre de 2017

108 VECES 108 EN LA CÓPULA DE UNA ALONDRA (PARTE IV)


"Lo que resta de esta provincia, caminando hacia el oriente del invierno
tiene su término en una línea tirada desde dicho promontorio por la orilla del mar baleárico
hasta el punto final de la Bética, que ya se dijo al principio, y donde está la ciudad de Barea.
La costa marítima que se extiende desde Menralia hasta la ciudad de Barea está habitada por los llamados bastulos. 

El terreno mediterráneo, que está sobre estos hacia la España tarraconense,
lo habitan los turdulos. En la región de estos están asentadas las ciudades mediterráneas siguientes:
Setia, Ilurgis, Vogia, Calpurniana, Caecila, Baniana".

DICCIONARIO GEOGRÁFICO-HISTÓRICO DE LA ESPAÑA ANTIGUA TARRACONENSE, BÉTICA Y LUSITANA. Don Miguel Cortés y López. 1835.

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EN EPISODIOS ANTERIORES...


CAPÍTULO 1: RODALQUILAR


El primer tema de ALONDRA SATORI en "Promontorio Charidemo" se titula "Danza En El Magma De Rodalquilar" y es un trabajo musical realizado por encargo bajo el contexto de la exposición "Cabo De Gata Tierra De Arte" que acontece del 29 de Mayo al 12 de Junio de 2009 en la Semana De Los Geoparques Europeos

La Rodalquilarita es un metal característico de la zona de Rodalquilar. No es hasta 1967 que se descubre y pertenece al espectro de los minerales óxidos. Pero claro, es que si buceamos en la historia de dicho municipio almeriense, encontramos dicho enclave fue conocido por sus antiguas minas de Oro y Telurio. El Telurio curiosamente es bautizado como Metallum Problematicum por el geólogo Franz-Joseph Müller von Reichenstein cuando fue descubierto en 1782 en unas minas transilvanas. Pero nada de todo esto es posible sin el Magma y los llamados Supereventos Magmáticos, suerte de momentos en la historia en que se registran los mayores movimientos ígneos y que posiblemente darían lugar a ese sustrato atávico que vive en Rodalquilar

Combinando Oro con Calaverita (metal hallado en el californiano Condado de Calaveras) se obtiene Telurio. Vivimos en un Planeta Telúrico, y una de las principales características de esto es que la tierra, lo que tenemos bajo nosotros imprima carácter sobre los que vivimos "sobre el suelo"... la Tierra es telúrica, al igual que Venus, Marte y Mercurio, pero en música el término telúrico se emplea para denominar los ritmos propios de una tierra concreta. ¿Son pues ALONDRA SATORI un grupo telúrico?... y si es así, ¿a qué diablos de tierra representan?. ¿Es un folk electro acústico basando en algo pasado o tiene las características del lenguaje inventado de un esquizofrénico?... ¿o serán el puto mejor souvenir que podríamos traernos de la Atlántida?.

En un determinado momento que transita desde 2008 a 2009  dueto con colaboraciones mutaa quinteto. ALONDRA SATORI son el zumo depurativo antioxidante que nunca te atreviste a tomar, y en algunos momentos rozan lo mayestático con acercamientos muy deudores a "Spiritchaser" de DEAD CAN DANCE pero con serias diferencias que consisten sobre todo en que aquello que es folk y étnico nos suene aquí a Primordial o Cosmogónico, además de que si los angloaustralianos podían considerarse góticos a esas alturas de 1996 (al menos en sustrato o compost) aquí se bucea en el Dark Ambient sin concesiones. Grupos como AM'GANESHA'N, los rusos CAPRICE RAJNA parezcen amateurs en un bis a bis con ALONDRA SATORI. ¿Por qué digo algo así?... bueno, mi reflexión es simple. Los dos grupos previamente citados son puro culto para los aficionados a los estilos que cito, y sin embargo se desconocen cosas como este auténtico discazo que podría perfectamente haber sido editado con PRIKOSNOVÉNIE


La calidad de los músicos implicados en el proyecto no es que sea sublime, es que roza lo inverosímil:

JESÚS ALONSO (batería modificada, barril metálico, aire comprimido); JUSTO BAGÜESTE (oscilador de sonido Braille telecom, SyncussioSY-1 secuenciador electroarmonics, procesos electrónicos, tubo Berman, boquillas de saxos, campana litúrgica, percusiones aleatorias, piedras marinas, grabaciones de Playa Las Negras, sonidos corporales aleatorios); J.M.CIDRÓN (percusiones, melódica, ocarina, kalimba, canica, palo de lluvia, voz); A.L.GUILLÉN (kaoss pad, bajo, guitarra acústica, cítara electrificada, stylophone, flautas, globos, juguetes, percusiones, papel, pedazos de dam-dam, tijeras, grabaciones, voz) y JUANJO SÁNCHEZ (muelles y palancas electrificadas, bajo eléctrico, efectos, bandurria electrificada, tubor corrugados, kalimba, piedras marinas, juguetes, burbujas, globos, papel celofán, canicas resonantes, voz). 

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CAPÍTULO 2: 36º 48’ 56,09”N — 2º 5’ 43,71”O


Vamos a rizar el rizo. Promontorio Charidemo (Promontorio de las Ágatas), en Cabo de Gata fue ruta de paso hacia Tartessos por los Fenicios, que trazaron una ancestral ruta que unía Málaga con Villaritos en el norte almeriense. Los promontorios son cúmulo de leyendas o eventos históricos... y es que se dice que los griegos después fundaron allí un templo dedicado a Afrodita, con luz eterna que nunca se apagaba, y que luego los romanos renombran como Promontorio de Venus. De ahí al oscurantismo de la edad media y su  Cabo de las Ágatas hasta la actualidad de Cabo de Gata

Allí se sitúa la Caldera de los Frailes, con variedades de vegetación únicas en el mundo como Teucrium charidemi o Antirrhinum charidemi y volvemos cual ouroboros al término CHARIDEMO. Constantes son las referencias culturales e históricas en los sentimientos que transmiten ALONDRA SATORI. Desde los devaneos jazzísticos de un bajo literalmente poseído en "El Encuentro Del Barranco Hondo Con La Rambla Del Agua" a la pura experimentación con la voz, que transita tanto terrenos agudos, throat singing, gritos o cánticos rituales (sobre todo en "Las Nadas"). "Tierras Rojas/Piedras Negras" es un rito olvidado con lúbricas percusiones, ritmos bailables bajo efectos ayahuescos, guitarras a veces limpias, otras distorsionadas a niveles Babilónicos y retazos de EINSTURZENDE NEUBAUTEN.

La más antigua mesa de mezclas que conozco es la tabla Ouija, con la que aquí se invocan a las más aberrantes y oscuras formaciones de kraut setentero, y sin ningún tipo de complejo se dinamita el jazz rock o la fusión hasta sus elementos más puros. De ahí se parte a construir otra cosa totalmente distinta, que no suena a nada en concreto pero que no podemos quitarnos la sensación de sentir como que ha estado ahí toda la jodida vida. El trance, lo hipnótico es el leit motiv, hilo umbilical con el que se sostienen las partes de este inmenso Golem Sonoro, pero sobre las virtudes de la banda y las capacidades mántricas de su música hablé en anteriores entregas de este artículo.

Instrumentos de viento no tienen el más mínimo problema con aparearse con la electrónica y dar a luz hijos mitad tierra, mitad cable. Percusiones bélicas con campanas que llaman a difuntos... mascaradas olvidadas, pasacalles funestos, infusiones y dádivas. A ratos suenan electrónicamente aguerridos y violentos, para otras pasar a una elegancia que deja en pañales a la world beat. Lo que sí tengo claro es que a lo largo de la hora y pico de duración, se rinde un soterrado homenaje a los elementos; a la tierra, el agua, el viento y el fuego. ALONDRA SATORI se convierten en prohibidos alquimistas con un pie en el inframundo y si el avezado oyente presta atención, captará ese estado sublime en la música de improvisación y avantgarde donde todo fluye con una pasmosa facilidad que asusta (como en CODONA de Cherry, Vasconcelos y Walcott).

El pedal es usado como calostro y si por un casual la energía eléctrica se corta, los cadáveres fermentados de los que estaban previamente darán la luz. Son los fuegos fatuos que se ven, y además suenan. Son los ecos de un pasado que está todavía en reconstrucción y que cuando creíamos que estaba extinto, renace...

"Promontorio Charidemo" lo edita EXTRARADIO y se presentó en  directo en el Centro de Artes Escénicas de 2009 de Almería. El pasado siempre regresa, y ahora se encuentra en fábrica el documento de archivo del evento... pero eso es otra historia que contaré de forma más musical porque el tostón que os he soltado reconozco que ha sido de órdago. Perdóneme el lector dos cosas; una los errores histórico/mitológicos que haya podido tener, y otro que le estampe en el careto eso de:

(continuará)... y un avance con lo único que me está permitido revelar.




jueves, 21 de septiembre de 2017

AKIPO / AG DAVIS - "I Met Space Jesus Last Night And The Space Apostles. We Smoked Dope And Gangraped a Midget" (SENTENCIA RECORDS SR004; 2017)



Cuando en una película de acción el protagonista recorta los cañones de una escopeta, sabemos que los resultados serán devastadores. Imaginemos una película alternativa en la que el vengador hiciese lo contrario... soldase más y más cañones a su arma hasta conseguir un fino tubo por el que cabrían las balas más agudas que uno pueda pensar. Así suena el saxo de AXILLEAS "AKIPO" POLYCHRONIDIS en esta grabación editada por SENTENCIA RECORDS en lo que es ya su cuarta referencia. Sobre el saxofonista griego afincado en Málaga he hablado ya bastante, pero para quien lo desconozca, he añadido un anexo al final de la reseña con todas los trabajos de los que he escrito, e incluso una ignominiosa entrevista realizada a través de 4 meses de infortunio espiritual, decadencia internauta y suplicios varios.

Por otro lado, las glosolalias, ecolalias, palilalias, coprolalias y ecopraxias vocales son de AG DAVIS (también conocido como GEORGE JUNK creo). Nacido en 1984, poeta, artista performance de Florida que pasó una breve temporada en West Pointcon multitud de proyectos extremos como la infame banda BOY + GIRL (Grindcore Free Noise Jazz). Corto y pego la siguiente descripción extraída de discogs como muestra de por donde van los devaneos mentales del señor DAVIS:  

"They disbanded in 2011 after a notorious live show in which they were joined by Rat Bastard & the Laundry Room Squelchers; said show featured Davis high on crack cocaine, in drag, drinking his own urine, vomiting in a trashcan, and then dumping the contents of the trashcan over his head.. After being banned from pretty much every venue in North Florida, they called it quits for five yrs. Davis, now being clean, reformed the group in 2016, replacing the old drum machine with a live drummer".


Sigamos con una reflexión de esas que me gusta hacer y no suelen importarle a casi nadie. Casi en este caso no sé si sería un adverbio de tiempo o el nombre de alguien... Casi Smith por ejemplo.

La Glosolalia ("glōssais lalō" / γλώσσα [glossa], ‘lengua’, y λαλεῖν [laleín], ‘hablar’) es tan antigua que se cita en el cristianismo como don de lenguas y entronca directamente con la Xenoglosia  (ξενο- xeno- 'extranjero', 'extraño' y γλώσσα -glossa, ‘lengua') pero con la diferencia de que la segunda se reserva sobre todo al aspecto paranormal de hablar un idioma que se desconoce y la primera a un aspecto más psiquiátrico en el que se balbucearían palabras incompresibles y de cadencia ininteligible, pulsátil y rítmica... aunque la verdad es que ambos términos se confunden bastante.

Pues ahora mezclemos ambos conceptos. Saxo amplificado y la poesía bizarra, asfixiante a lo MIKE PATTON en MOONCHILD de ZORN pero muchísimo más perturbado; throat singing tibetano pero LSD mediante. El resultado es una cassette de 25 minutos en glorioso color amarillo ictérico con psico/diseño del propio AG DAVIS y masterización del Neo-Paleño NACHO JAULA. A lo largo de 16 cortes (que van desde los 26 segundos de duración hasta alguno de casi 3 minutos) se nos permite asistir a una suerte de exorcismo atávico entre saxo y voz. Una explosiva catarsis no apta para gente que no guste de que se le caigan los empastes pero que seguro hará las delicias de aquellos que se atreven con bocadillos de plastilina.

Titulada con el nombre más largo y épico que recuerdo (quizás a excepción de los doblajes latinos de los títulos del Robot Gangar)... "I Met Space Jesus Last Night And The Space Apostles. We Smoked Dope And Gangraped a Midget". Glorioso.


Los agudísimos esputos al saxo de Akipo llevan saliva y bilis a partes iguales, y a pesar de ser una grabación hecha a distancia (Greco-America-Malacitanian Connection) llega un momento en que las píldoras cuasi grindcore (una suerte de "You Suffer" de NAPALM DEATH en versión jazzística) casan a la perfección y todo fluye parejo y en una misma longitud de onda. Una alteración terrorista de los estados sanos de la conciencia para llevar el conjunto a un punto (espero que no irreversible) en que los neurotransmisores se confunden y no sabes si estás excitado o preso de una profunda parálisis (como si te hubieras puesto un supositorio de Anomospermum Grandiflora).

Es curioso como conforme avanza la grabación, el agudísimo saxo de adquiere una dimensión aflautada e incluso me atrevería a decir (no le debo nada a nadie, y el cadalso me reclama) que el Free jazz se transmuta en música Sufí electrificada... excepto momentos en que se posa brevemente por el lado más grave del instrumento, la cadencia hipnótica es la de una flauta Ney perversa. La interpretación vocal es encomiable, agotadora y críptica (PATTON mancharía los pantalones), y lo que es mejor, dialoga de forma excepcional con el saxo. El tramo que abarca los cortes 8, 9 y 10 (que son los que duran más) son los más reposados y "tenores" (perdóneseme la incultura musical académica en este y otros aspectos). Al ralentizarse todo un poco se notan más los detalles, como por ejemplo el dueto entre amplificador/pedal/loop/lo que sea y saxo, además de que la voz se guturaliza por momentos en un soliloquio que ríase usted de Kay Challis, "Crazy Jane" en la DOOM PATROL.

De seguro AG DAVIS comulgó con ese Jesús Espacial la dádiva agria de Babel y los saxos que no trompetas destruían Jericó, donde sus habitantes adoraban la luna... mientras en Beit Shemesh se adoraba al sol. Sin embargo, tiempo y espacio confluyen ahora en una CANAAN que bien podría ser CARCOSA, solo que los teólogos estaban equivocados; no hay Sol ni Luna, ni Diosas ni Dioses... en la antigüedad sólo hay NIHILISMO, pero como el pasado todavía no ha ocurrido, tendrás que joderte y esperar al futuro. 

Ayer tuve un sueño. Los apóstoles no eran 12 sino 14... dos más. Un griego y un americano... raro, no?.


ANEXO (BIO DISCOGRAFÍA Y RESEÑA DE AQUILLEAS POLYCHRONIDIS EN LA MUERTE TENÍA UN BLOG:



miércoles, 20 de septiembre de 2017

WOMB - "DECEPTION THROUGH YOUR LIES" (SOLITUDE PRODUCTIONS;


A día de hoy parece que se lleva eso de tocar Doom. Gente de diversa índole, pertenecientes a las más variadas tribus urbanas, se vanaglorian y llenan la boca con la palabra Doom hasta el punto de que casi se ha convertido en un Mantra. Pronúncialo como el OM hindú y verás como te vibra el jodido espacio retronasal y la caja torácica. ¿Y si la palabra Doom fuera curativa?... ¿y si las supuestas sensaciones melancólicas y funestas que evocan sean realmente catalizadoras y germinaran ondas alfa en el cerebro?. Tampoco sería tan raro de entender; mira a los MONTHY PYTHON, que se inventaron un chiste aniquilador de proporciones bíblicas...

Pero bueno, también tenemos que tener en cuenta que los sevillanos WOMB tocan otro tipo de Doom; ese de corte más clásico, europeo y melancólico que surgió de ralentizar el Death (esta palabra no funciona como Mantra, así que la catalogaré como satánica y maligna). Cuando estos debates entre estilos empezaron yo no tenía canas en los huevos, así que para qué vamos a ahondar en algo que al final tu cuerpo te pide extirparte.

WOMB (por cierto, el nombre del grupo también puede ser usado como Mantra) surgen en 2014 en Sevilla, aunque escuchándolos atentamente bien podrían ser ingleses, belgas o australianos. Su música es muy elegante, trabajadísima y a contra corriente. Seamos sinceros, estos estilos o subtramas, recovecos del Doom son sólo para unos cuantos objetores de conciencia del Sludge, y a bien gracias... porque en los contrastes está el punto equilibrante que vertebra el universo; algo así como el Péndulo de Foucault en versión Funeral Doom

"Deception Through Your Lies" sorprende a propios y extraños saltando a la escudería rusa SOLITUDE PRODUCTIONS en 2015 (en coedición con HYPNOTIC DIRGE RECORDS), y es que en Rusia se estilan bastante estos sonidos. Además, es un sello que sigo bastante, ya que sacaron lo que para mí es uno de los trabajos de Funeral Doom más rompedores jamás editados, el debut de WIJLEN WIJ (luego caídos en desgracia), o los bizarros SEPTIC MIND que tienen la virtud de llevar los sonidos ralentizados al espacio exterior. El caso es que contacto a la banda, les pillo su disco, y me quedo alucinado, aunque no es hasta ahora que decido vomitar unas cuantas palabras sobre ellos ahora que han sacado su nuevo "Devotion To The Sea" (espero que vea pronto la luz en físico, aunque sea luz negra).


En formato de cuarteto, toman bastante del sonido de los grandes grupos ingleses (si necesitas que te diga los nombres mejor dejas la reseña ahora mismo) pero dándoles un toque más ralentizado incluso a lo MOURNFUL CONGREGATION, LOSS o los grandiosos PROFETUS. Es decir, una base rítmica ultralenta  adornada por teclados puntuales, una voz muy gutural (con recitados atmosféricos aquí y allá) y riffs de una epicidad sublime... y es aquí cuando tengo que sacar a la palestra algo de los americanos MORGION, auténticos maestros del "riff mancha ropa interior".

Al contrario de otros combos íberos parecidos como pudieran ser ONIROPHAGUS o FAMISHGOD, aquí no se tira demasiado de la putridez necrosante de los dioses ASPHYX, DISEMBOWELMENTBOLT THROWER, AUTOPSY o INCANTATION, sino que la música se apoya en una base mucho más majestuosa y trascendente (quizás sinfónica sería el espíritu de base) que bebe bastante se esa nueva hornada de grupos Funeral de base belga que surgirían alrededor de PANTHEIST... nada más tenéis que escuchar las notas de piano introductorias de "Echoes Of Our Scars", tema que abre el disco con un riff central puramente a lo MY DYING BRIDE. A lo largo de todo el minutaje, la melodía de piano se repetirá en bucle creando un maravilloso estado de trance sobre el que las guitarras tanto limpias como distorsionadas se irán apareando. La voz cavernosa es de esas que pueden o desesperarte o llevarte al limbo de la felicidad absoluta... cuerdas vocales accionadas por una grave gaita estomacal.

La calidez del líquido amniótico te envuelve en temas como "Ends" o "March", donde salen a relucir ciertos toques a EVOKEN e incluso SKEPTICISM (podría citar AHAB, pero de ellos sólo me gusta el debut) pero siempre con la melodía por bandera. Llamadme loco, pero los cánticos susurrados y coros en "March" me lleva a los tiempos del primerísimo disco de ORPHANED LAND o incluso de su primera maqueta... y ya rizando el rizo, los GOLGOTHA jugaban también con las voces limpias, aunque esos eran otros tiempos.

WOMB subliman y se convierten en maestros de todo esto y demuestran que todavía es posible hacer cosas potentes en un estilo tan aparentemente trillado como el Funeral Death/Doom. "Equidistant" o el cierre con "Forgotten By Her Bliss" graban tu epitafio en una losa granítica pero bella, que se la comerá el tiempo y sus inclemencias, pero que el musgo tapizará con su sempiterno gusto por transformar en verde todo lo gris.



martes, 19 de septiembre de 2017

RAISA - "NEGRA" (TRUCO ESPÁRRAGO / PAUKEN GRABACIONES; 2016)


RAISA se vienen a formar allá por 2011 (o antes). Parte de su estructura venía de una banda llamada SILENCIO OSO junto a PABLO UND DESTRUKTION si no me equivoco, y editan "Santo Coño" y "Tus Calores", discos que reconozco que no he tenido ocasión de escuchar todavía y que espero remediar pronto. Yo los conocí en ese maravilloso "Destrozando a Mar Otra Vez" (Truco Espárrago/Pequeña Criatura, 2016) donde hacían "La Planta Baila I y II" y posteriormente en el "Atardecenaranjainfierno 2" (El Muelle Records) homenajeando a CARLOS DESASTRE y su "El Bar De Dios"


Dependiendo de la bibliografía consultada, su base es Córdoba y en otras Madrid, pasando por alguna escala en Asturias... aunque yo más bien creo que son ciudadanos atávicos del mundo, una rara avis que suena tan malditamente distintos que es dificilísimo ubicarlos. Vengo a hablaros (no, de mi libro no) de su "Negra", editado en formato LP por Truco Espárrago y Pauken Grabaciones y Conspiraciones con la siguiente formación: TOMÁS GARRIDO (voces, guitarra y baterías); DANIEL GOLDMANN (batería, guitarras y coros); RUFI GARRIDO (teclados y coros) y DIEGO SÁNCHEZ (bajos, baterías y coros). 

Grabado en los RED BULL STUDIO de Madrid en 2013 por OSVALDO TERRONES (salvo el tema "El Azote" que se graba en LA ZONA TEMPORALMENTE AUTÓNOMA por OJO Y EL POLLO). XISCO ROJO mezcla en los SAUERLAND STUDIOS y RAFAEL MARTÍNEZ DEL POZO masteriza en GRABACIONES DE CAMPO; la portada es una fotografía de DIEGO SÁNCHEZ.... ala, que esto tiene más créditos que una peli de SUPERMÁN.

RAISA tocan un Ácido Folk Teratogénico urdido con un espíritu onírico que ríase usted de JODOROWSKI soñando con JUNG en una película de LYNCH. ¿Quién es el soñador? ("tu puta madre es la que sueña" de seguro han dicho algunos al final de la tercera temporada de TWIN PEAKS). 

Imbuidos de un fuerte espíritu pastoral y comunal a lo WITTHUSER AND WESTRUPP, aunque los oyentes más jovenes prefieran hablar de cosas como DEVENDRA BANHART apareado en laboratorio con PABLO UND DESTRUKTION, lo realmente importante es que RAISA suenan bestialmente originales y adictivos, y te hacen sentir voyeurs en su particular universo musical, críptico y hermético en ocasiones, pero más cotidiano de lo que pudieras creer. Claro que uno peina canas y las homilías ensoñadoras que destila el disco le remiten a CAVE o a trobadores urbanos como DESASTRE o CORCOBADO, pero partiendo de la base de una Misa Gospel en una Secta Apocalíptica abocada al suicidio colectivo. 


Y no digo que estemos ante música religiosa, pero escuchando el disco he sentido un peristaltismo extraño en mi cerebro reptiliano como si RAISA me hubieran puesto un enema espiritual en el tronco del encéfalo. Gracias de corazón por aliviar mi pensamiento estreñido y provocar la diarrea emocional que ahora mismo me embarga, porque temas como "Sing The Song" han sido sacados de un profundo pozo que me demuestra que la verdadera lava es negra, negra como cagar sangre o velar a un ser querido. Un ritmo correoso a lo THE BIRTHDAY PARTY (vaya manera de dominar el swing con el piano, diablos!) en modo benzodiacepínico que casi lo hace descender a niveles pop pero con ese toque espacial que le dan a sus canciones gente como SCHWARZ o en su día MANTA RAY. Ojito con el in-crescendo vocal y el ritmo cuasi motorik a lo CAN a final del tema aunque no me atrevería a nombrar la palabra Kraut.

La instrumental "La Guarida" suena a country inverso, como si en vez de arena tuviésemos hielo. Es cabaret del inframundo y posiblemente la canción fúnebre más bonita que he tenido ocasión de escuchar en mucho tiempo. La meditabunda armónica da paso a una suerte de Polka que bebe más del Centro de Europa que de la endiosada Ruta 66... y atentos a la tonadilla silbada del final del corte que podría sonar en cualquier oscuro y maldito Spaguetti Western psicológico como ese maravilloso EL GRAN SILENCIO de Sergio Corbucci (que terminando la reflexión, se desarrollaba en parajes nevados). 

El tema homónimo "La Negra" es un blues experimental de alto octanaje cargado de ritmos industriales y guitarras en segundo plano, compartiendo espíritu trobador y folk con "La Cuerda", minimalista pieza de orfebrería de diluidos ambientes mejicanos; pero si tengo que resaltar un tema, es "El Niño", acojonante cruce entre los flotantes ambientes BADALAMENTI / LYNCH y las religiosas proclamas a lo BAD SEEDS sobre todo en la forma de abordar vocalmente el tema (fantástico fondo de teclados en comunión con guitarras distorsionadas). 

"El Azote" con sus electrizantes devaneos cósmicos a los teclados y su reiterativo spoken word a lo 713º AMOR forma pareja de baile con "El Fin", ranchera combativa que es pura dinamita y finiquita el disco por todo lo alto. RAISA son banda de culto por algo, y posiblemente ni los artificieros podrán desactivar nunca los aires explosivos de "Negra"

No me importa realmente con qué comulgues, pero si luego te estalla la boca y tu lengua tapiza la pared, no me digas que no te advertí.