sábado, 9 de febrero de 2019

ORTHODOX / PYLAR en Sala X, Sevilla, 8 de Febrero (GRAN PODER)


Dejadme que ponga primero los datos de rigor: Sevilla, Sala X, Pabellón Solar, gente conocida, camisetas negras, A Lord That is Broke No More, una contractura cervical, no me cobran la gasolina, la sonrisa me da la vuelta a la cara y en la nuca le doy un pespunte para que no se me caiga la cabeza, conservo el pelo a mi edad y allí habían muchos que ya no, la sala estaba abarrotada, un poco más y me cargo a uno de los cámaras de un cabezazo porque no lo ví. Ya está, así resumo rápido las cosas de siempre.

Una pléyade de plañideras salen por una esquina de la sala. Portan lo que parece una trompeta tibetana (al menos eso me parece, aunque más corta... un Dung Chen); una Shruti Box, flautas... un desfile desde el Inframundo emitiendo una sola nota vocal desde diversas perspectivas. Un canto fúnebre sostenido en el que cada voz se trenza y aporta volumen a un rito iniciático de descenso. Diversas formas de captar el canto a los difuntos desde la antigüedad y desde el punto de vista de lo multicultural. 







Yo, aporto mi parte con una relajación bestial de esfínteres como dádiva a lo que ya no está presente en este lado de la realidad. Amigablemente, al final del concierto me devuelven mi dádiva en un tupperware y me dicen que me lleve mi mierda de regreso a casa. Los dioses y las diosas no necesitan mi podredumbre y que lo guarde en nevera y ya si acaso hiciera falta me llamarán...

Mientras tanto, se va creando el muro de sonido característico en PYLAR. Eso está transcurriendo arriba en el escenario. Abajo somos partícipes de un reseteo de lo preconcebido a niveles reptilianos. Partir de cero hijos de perra, porque el puto Post Rock ha dejado al público demasiado tenso, demasiado pendiente de que no se les mueva un maldito complemento de vestimenta y yo, que no sé de nada, pero sé que llegará el día en que forme parte de esa procesión de dolientes, prefiero conectarme atávicamente a ese cordón umbilical que hace que mi mente juegue en otro lado de la realidad... vaya, como la peli EXISTENZ de Cronemberg, ya casi que tengo el puñetero puerto de conexión creado a la altura del Chakra del Plexo Solar. 









El sonido muy equilibrado (el anterior técnico de sonido con el que los vi no dio en la tecla). A la izquierda la guitarra de BAR GAL parece haberse tornado más cósmica, espacial y con unos efectos puntuales que parece que estoy siendo dragado por un basurero espacial. A la derecha el combo violín y trompa mantienen ese pulso constante que los hace tan distintos. Una base rítmica imposible con una batería que es La Sombra de sí mismo. Imposible de captar pero jodidamente físico porque vaya manera de aporrear la batería. 

Ustedes quizás no lo sepan, pero esto trata de metal, y así lo ponen de manifiesto los dos temas nuevos que tocan, imbuidos de Black Metal. LENGUA DE CARPA está distinto; lo noto inquieto. La razón pronto se hace evidente gracias a unas voces guturales que me eventran hasta el punto de que acabo jugando a la comba con mis tripas. 








Cuando quiero darme cuenta, un ritmo ultra fúnebre parte en dos la sala. Unos toques percusivos a la altura de unos SKEPTICISM y luego vuelta a la furia. La procesión vuelve a la sala y no sé si ha sido una mala pasada pero he tenido la desfachatez de mirar a la cara a una de las figuras y me ha tendido la mano. Juro que he visto el otro lado, ese de donde fueron expulsados PYLAR. 

Ese basurero químico, lejano, singular, épico y atlante donde los caballeros se apoyan en báculos de madera, las damas se deslizan flotando porque son diosas y los domingos se practica la cópula libre. 

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Gran Poder destroza mi vida cuando se edita en 2005. Me cambia radicalmente de punto de mira musical (andaba yo un poco de capa caída con el género extremo) y me reconvierte a lo que sea que soy ahora. Es por eso que cuando el Solemne Triduo abre con ese himno morriconiano que es la "Marcha de la Santa Sangre" se me ponen los vellos tan de punta que al final del concierto la organización me agradeció que les barriera el techo que hacía tiempo que no le quitaban el polvo.

ORTHODOX se calza "Geryon´s Throne" y lo mece a placer como si no hubiera pasado nada en este tiempo. A partir de ahí es todo un trance y una banda más engrasada que nunca se lleva esa mezcla tan particular de EARTH, SLEEP y música procesionaria a un nivel más técnico de como sonaba hace más de diez años. La guitarra es más intrincada y donde antes habían espacios de acople y distorsión ahora caben más notas como en una Matrioska infinitesimal. Escuchado con la perspectiva de los años, esto sigue sonando no sólo fresco sino único y poderoso.








El pecho me duele. Y me duele porque la percusión es tan destructiva que sospecho que una astilla de esas baquetas hechas con la madera de la cruz han desprendido un trozo que ha salido lanzado a mi corazón.  Sangrar no sangro pero no me atrevo a quitarla. Vaya manera más dura, más seca de golpear los parches... la compenetración con el bajo de Serrato y su presencia siguen ahí, con ese fruncimiento de cejas y el tono, timbre característicos de la voz.

Gran Poder 2019 es lo que tiene que ser, la primera parte impresionante de un set list que se completa con cosas de Baal que cada vez suenan más violentas y que quedan muchísimo mejor y más acordes que cerrar con las versiones de BLACK SABBATH o VENOM... siempre he pensado que sí, que están de puta madre y tal, pero una banda del calibre de ORTHODOX no las necesita para nada y es preferible escuchar temas de ellos.







Iberia primero, luego Gaia, ORTHODOX van a reconquistar un Mapa Mundi que les pertenece por derecho. Si REVEREND BIZARRE eran como una marcha apesadumbrada de Paquidermos, el trío sevillano va a llegar a tu puerta como en una versión gigantesca del Mito de Troya, solo que vendrán dentro de elefantes porque bueno, fenicios cartagineses o sirios, Moloch Baal es aquel que viene de Canaan con su yugo y cuando quieras darte cuenta, tu espina dorsal formará parte de un varal en un trono apócrifo, bastardo y pagano que se venerará la próxima Semana Santa.







miércoles, 6 de febrero de 2019

SATORI & ABATTOIR - "MEGALOSCHEMOS" (GRADUAL HATE RECORDS; 2018)


SATORI (Reino Unido), es un proyecto que engloba a varios músicos y que data desde principios de los 80 habiendo cambiado de formación desde 1996 para resucitar el proyecto. En aleación tímbrica con Lorenzo ABBATOIR de Italia, ingeniero de sonido dentro del campo de la música más extrema, graban un primer trabajo titulado Aether que se edita por Old Captain/Malignant Records.

Ahora, de la mano de Gradual Hate Records vuelven a unir fuerzas en Megaloschemos, un trabajo plagado de contrastes que nos estalla en su impronta Noise con el bestial "The Great Vow". Las percusiones pseudo marciales y los angelicales coros distantes se abrazan con una niebla de efervescencia férrica que por derecho propio se gana el estatus de temazo de Dark Ambient. 


Aires de liturgia anómala, el corte roza eso que hoy día proyectos como SKULLFLOWER, GNAW THEIR TONGUES y otros hacen a la perfección.... es decir, crear una lenta, bizarra sinfonía dentro del ruido; una revalidación de la oscuridad de Penderecki y otros compositores clásicos por medio de un estallido maligno de Industrial Harsh Noise.

"Hesychasm" sigue la misma tónica pero haciendo más hincapié en coros sampleados. La parte electrónica es agresiva, irrumpe a golpes amenazantes entre los intersticios que deja lo coral. Más abstracta y electroacústica resulta "Sabazius", tema que se va construyendo a base de retazos, voces tratadas, golpes y un pulso mantenido siniestro que induce al desasosiego (se aprecia mejor con auriculares).

"Adrastus" por su parte se atesora de cánticos de diversa índole dándole un cariz ritual al conjunto. Desde voces masculinas graves y que rozan el throat singing a sus equivalentes femeninas con aroma bizantino. Por cierto, destacar el diseño de la portada de Seals of Blackening como si de un tragaluz de una vieja mezquita cósmica se tratase. Sin llegar a captarse Neofolk, sí que subyace un espíritu a la ortodoxia griega en el conjunto... quizás sea por eso de elegir Megaloschemos como título (μεγαλόσχημος, megaloschemos; Church Slavonic: Схима, Schima)—Monks whose abbots feel they have reached a high level of spiritual excellence reach the final stage, called the Great Schema).


Todavía más claustrofóbica es "Eschatology", tema que surge de mezclar a ARCHON SATANI con ORDO ROSARIUS EQUILIBRIO en su punto de unión perfecto. Eros vs Thanatos en un ritual de ruidos de ignota procedencia cuyo clímax es el orgasmo o la muerte. Sexo gonadal, lubrificante que empaña de poluciones nocturnas a la vieja Great Schema.

El tramo final es de aúpa. Cánticos monásticos en un maremágnum Noise perfectamente equilibrado. Ni se tiende a la sobresaturación del Power Electronics ni se pierde la atmósfera en un solo instante, máxime cuando en el último tramo el corte se eleva a unas alturas espirituales de glorioso empaque. 

Eso sí, de forma sublime vuelven los beats proto telúricos en la cabalgata final de "Octoechos", a ver si te ibas a creer que tu disfraz monástico no ibas a tener tu personal e intransferible dosis de castigo del alma. 

lunes, 4 de febrero de 2019

ARTISTA DESCONOCIDO - "LA ÚLTIMA MIRADA" (MARBRE NEGRE MR088, 2019)


ANEXO 2: 12 DE MARZO

"Misterioso proyecto y misteriosa forma de recibir el cassette. Me encontré en el correo postal un sobre sin remitente ni ningún dato; un cassette grabado y con la única explicación de que estaba masterizado por David Area, pero que el no tenía nada que ver con la música y que si me interesaba grabarlo que lo hiciese y desde entonces nadie se ha puesto en contacto conmigo para decir nada sobre la grabación ni de como entregar las copias de artista.
Solo cabe decir gracias!" MARBRE NEGRE.

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ANEXO 1: MARTES 12 DE FEBRERO

No siempre se averiguan todos los datos a las primeras de cambio y máxime si no hay Bio ni dato alguno. Depende uno de contactos o de la memoria fotográfica para captar los detalles. Una de las últimas indagaciones me ha llevado a averiguar que la portada de la extraña cinta que recibí por correo es la faz del caníbal de Brooklyn ALBERT FISH.

Así pues los algodones y los clavos que vienen dentro de la bolsita de plástico adquieren una significación especial. Fish entre otras lindeces gustaba de horadarse los testículos con clavos (llegarían a verle 29 en una radiografía) además de buscar placer mediante la introducción de bolas de algodón en el ano para luego prenderles fuego.

Más datos tan pronto como mis pesquisas den resultado.


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El término Mirada parece acuñarse por el psicólogo Jacques Lacan para describir el estado de ansiedad que provoca estar siendo mirado. Este concepto entronca con la Teoría del Espejo donde un niño tiene autoconciencia de su propio yo mediante la mirada.

La Última Mirada como postrer nexo de unión entre lo terrenal y lo ultraterreno.; esa última mirada que condena a los habitantes de Sodoma y Gomorra o que queda congelada en las Máscaras Morturias, moda de la Edad Media que venía de mucho atrás (Egipto y los romanos) que tiene en nuestros días su particular uso en la obtención de moldes para la reconstrucción de rostros. Ese Grial de la última imagen impresa en la retina dio nombre a toda una disciplina, la Optografía, que tiene como padre al fisiólogo Wilhelm Friedrich Kühne (28 Marzo 1837 – 10 Junio 1900)  y es una metáfora de la más perfecta cápsula del tiempo que jamás pudiera crearse.

Hace unas semanas recibí un extraño paquete con nada de información. Sin remite y allí en el buzón como un preso a la sombra. Forma de ladrillo, de cartón, se abre y contiene 5 clavos, 5 algodones y una cinta de cassette con la frase: "sólo soy una mirada distinta". Desconozco el origen de la frase, pero sí puedo asegurar por mi profesión que la mirada distinta es la mirada del que está ya en el otro lado, en tránsito o en vías de este; es una mirada ciega, alechada y solemne. 

El envoltorio como objeto es precioso. Una persona cualquiera con la mirada vidriosa y una extraña marca grabada en la frente (puestos a pensar, con los clavos puedo hacérmela, y detener la hemorragia con los algodones). Los únicos datos que obtengo son DAVID ÁREA como encargado de la masterización, el sello MARBRE NEGRE como implicado en el asunto, y que el diseño es obra de THE BRAVES CHURCH.

Tanto por el contenido musical de la cinta como por la presentación y esa fijación aparente por la muerte (digo aparente porque no tengo ninguna información sobre el proyecto) hace que mi cabeza se vaya  al controvertido disco de CON DOM titulado How Welcome Is Death To I Who Have Nothing More To Do But Die. Toda una oda a la muerte a través de los últimos momentos y la decadencia moral y personal de la persona, desde la vida hasta el puro cadáver. 

Evidentemente, estamos hablando de Power Electronics y Noise en su esencia menos agradable. Los primeros discos de ESPLENDOR GEOMÉTRICO, los más tribales CONTROLLED BLEEDING, WHITEHOUSE, BRIGHTER DEATH NOW, GENOCIDE ORGAN o en resumidas cuentas, la obsesión de lo Industrial por el lado más salvaje de la realidad. 

Una hora de música repartida en dos sesiones de 30 minutos sin momentos diferenciables que puedan hacerme sospechar de cortes separados. 


La Cara A es más agria y ruidista con momentos de intensidad elevada en un auténtico maremágnum de Noise y texturas de ferrita que te dejan totalmente exhausto. Un detalle, puedo equivocarme, es que tengo la extraña sensación de que esto no lo ha grabado una sóla persona, y menos un novato con 3 cacharros. La versatilidad es amplia y la gama de recursos también. Una grabación de campo en plena atmósfera cero en el centro de un propulsor averiado aunque hay un momento tremendo en que un lejano teclado subraya una melodía fúnebre mientras unos samplers vocales ininteligibles crean cierto aire de homilía fuera del tiempo. Un necro soundscape de voces que me trae a la mente al proyecto STALAGGH o su hermano bastardo GULAGGH, especialmente este último.

Por contra, la Cara B es más minimalista, rozando algo la electroacústica con esos sonidos de extraña procedencia sobre un discurso lejano, radiado y ominoso. Percusiones que aparecen para remarcar ciertas partes dándole un toque de Dark Ambient claustrofóbico pero todo lo que diga es arriesgado... el procesamiento del sonido en estos discos es tan denso que lo mejor es que el oyente se deje arrebatar por los anómalos atisbos de melodía, las abstractas caídas de tensión eléctrica a lo CARLOS VILLENA o GRASSA DATO. 

Los últimos momentos dan la sensación de algo que se mueve y respira en un mar de mercurio. Lento, arrastrado y agonizante, cargado de estática y eso que llaman Harsh.

De momento es toda la información que puedo dar de esta sugerente, asfixiante edición número 88 de MARBRE NEGRE. Para colmo de misterios, tiene que ser un número tan controvertido como el 88 el que ponga en el espacio y tiempo a un objeto tan atrayente como este. Quien haya sido tiene mi dirección y desde MARBRE NEGRE afirman no saber nada así que iré actualizando datos si los obtengo.

domingo, 3 de febrero de 2019

EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS... PARTE 2


EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS... PARTE 2
TEMPLE - "TEMPLE" (MENTAL EXPERIENCE 019; 2018)

Dentro de las ediciones del sello PYRAMID del controvertido TOBY ROBINSON, posiblemente TEMPLE sea el proyecto más rockero de todos. Antes de seguir, os recomiendo leer la introducción que hice del tema en particular en la reseña de THE NAZGUL (aquí) para no repetir conceptos. 

De nuevo por tanto los Dierks Studios como campo experimental y una formación que si mis datos no son erróneos se compone de Joachim Weiss (bajo), Otto Bretnacher (batería), Heinz Kramer y Rolf Foller (guitarras), Zeus B Held (mini moog, mellotron, hammond), Poseidon (voces) y Pauline Fund (tambura, voces). Todo ello bajo la ignota y mística batuta de Toby Robinson aka The Mad Twiddler.

Lo primero a destacar es que Zeus B Held formó parte de Birth Control, Sound Edge, Prontosaurus, The G. Men, Nagarock y Eruption así que junto a Toby Robinson se convierte en la segunda pieza tangible con la que hacer pie en este enorme rompecabezas. Todo esto nos lleva a pensar que se trata de un grupo de Colonia y si los datos son ciertos, el disco se publica entre 1975, 1976.

Bien, expedientes desclasificados a parte, Temple es un disco de adquisición obligatoria para cualquier coleccionista de rock alemán que se precie. Sus devaneos psicodélico/cósmicos en rivalidad con momentos que parecen sacados de la etapa más gótica de DEAD CAN DANCE le dan una personalidad única a un disco que lo mismo podría sonarte a aquellos apabullantes folkies EMTIDI que a momentos de auténtica locura a lo AMON DUUL II. Pero ojito, que justo cuando te encuentras desprevenido se lanzan en un tema a sonar como unos hipervitaminados HAWKWIND.

Que suena a gloria es evidente. Remasterizado por MENTAL EXPERIENCE (GUERSSEN) desde las cintas originales y en formatos físico CD y LP. 

(contraportada de la edición de PSI-FI)

Vamos a hacer algo extraño y escuchar el disco al revés porque este Temple tiene algo de circular (podría estar sonando en bucle tres días). "Crazy Hat/Kingdom of Gabriel" tiene algo de NICO en las voces, además de que la forma de dejar las guitarras ahí flotando en suciedad podría recordarnos a la VELVET UNDERGROUND. 

Qué diablos... no es que tenga algo de NICO, es que tengo que darme un pellizco en un pezón por si estoy soñando, y justo en ese momento del pellizco, el tema muta a una garajera, rápida Jam con HAWKWIND por bandera (pero más rockanrolleros que de costumbre y con más fuzz). De la sobriedad del principio del corte a una farragosa excursión por la vía láctea soltando gasóleo y con unos solos de mellotrones que quitan el hipo. Cuando crees que va a terminar, vuelven los ecos a NICO y el tema se funde en una fantástica ordalía Kraut.

Como el disco lo estamos escuchando al revés nos estalla ahora "Ship On Fire", otro trallazo de Space Rock con una voz más siniestra de lo acostumbrado pero con la base rítmica marcando el paso a los teclados obsesivos. Ese detalle de la voz hace que me acuerde de grandes actuales como AQUA NEBULA OSCILLATOR o FARFLUNG, pero bueno, eso ya a gusto del oyente aunque me reafirme en que esto suena tremendamente fresco y actual.


El corto puente de "Age of Ages", ensoñadora y con toques a fábula sonora. Una pequeña perla inclasificable que en nuestro nuevo tracklist engancha con el tema gótico por excelencia de este disco. "Leaves Are Falling / Black Light" son post punk adelantado a su tiempo. JOY DIVISION mezclados con el sonido embarrado y distorsionado de los primeros DEAD CAN DANCE y un detalle más a analizar que son las voces. 5 cortes compone el álbum y las voces son tan jodidamente variadas que hay algo que no me cuadra. 

En esta ocasión, unas líneas vocales mántricas, marciales y decadentes dialogan con un enfurruñado Korg que incluso se permite unos arabescos alucinantes mientras de fondo suena un telón cinematográfico y un riff circular de bajo. Abre el disco y cierra nuestro experimento "Heathen". Cinco minutos de teutónicas guitarras y ambientes lisérgicos. Si RAMMSTEIN hubieran nacido a finales de los 60 estarían orgullosos del estribillo, pero por derecho propio, la acojonante y garajera excursión ácida es por derecho propio un cruce entre GRAND FUNK y la psicodelica californiana.

Lo curioso es que a pesar de la variedad estilística, todo encaja como una engrasada pieza de relojero. Fabuloso.



CÉSAR MALTRAGO & LOS ATRACTORES EXTRAÑOS - "SALMOS 150" (AUTOEDICIÓN, 2018)


Alabadlo tocando trompetas, 
alabadlo con arpas y cítaras,

alabadlo con tambores y danzas, 
alabadlo con trompas y flautas,

alabadlo con platillos sonoros, 
alabadlo con platillos vibrantes.

Poco importa la etiqueta musical cuando te adentras en un trabajo que toca la capacidad residual del alma. Dicen que cuando morimos el alma se va del cuerpo pero ahora bien, imaginad que con el alma pasa igual que con los pulmones. Existe una capacidad residual, un aire que siempre queda dentro para evitar que se produzca el colapso. ¿Y si queda algo dentro del cuerpo para que no implosionemos en un vacío de desolación?. Si esto es así quizás el suelo que pisamos está empapado de restos de almas que se liberan cuando el cuerpo se descompone... un lago etéreo donde vaya usted a saber dónde demonios está concretamente su ser querido.

El primer trabajo de CÉSAR MALTRAGO Y LOS ATRACTORES EXTRAÑOS (reseña aquí) tenía esos decadentes arreglos que se pegan al paladar como un vino en mal estado. Comulgar con lo nostálgico es jugar con lo funesto porque bueno, qué diferencia existe realmente entre un bolero cosificado a lo CORCOBADO, una homilía pagana a lo NICK CAVE o un vómito de carretera sureña a lo MICAH P HINSON. Pero claro, es que Salmos 150 es notablemente superior a aquel en muchos aspectos; desde el precioso digipack autoeditado en un cartón de agradable tacto, a esa portada (fotografía de Alejandro Nafría) que me recuerda un poco al último disco de los CURRENT 93.

Técnicamente nada puede salir mal cuando tienes una formación de lujo. Ike Wahl a la batería (mas Diego Reyes en percusiones); Francisco Vidal Guardado a los teclados; bajo de Javier Pinacho; toques de saxo por Manu Mr. White Sax; arreglos de guitarra de Carlos García Marrón; los tremendos sintetizadores de Javo Münster (el disco se graba en los RottenRat, por cierto) y mister César Maltrago a la voz, guitarras y banjo psicofónico.


"Entreguerras" abre el disco y ya tengo que parar un momento. Veamos... EL LUTO DEL REY CUERVO, banda de culto de la escena gótica (por poner una etiqueta) grabó un disco llamado Palestina y sus descendientes musicales BLADIMIR ROS tienen también ese toque latino de absenta y opio. Es la poesía imposible de Maltrago fiel testigo de esos versos urbanos enquistados en óxido del maestro Corcobado o del mismo Nacho Vegas. 

Un tema sutil con una guitarra que flota y unos arreglos preciosos de piano de aires a tango séptico; Piazzolla mezclado con soft jazz o vaya usted a saber qué. El inicio del disco es asequible en su traje de pop elegante como demuestra el siguiente "Orfeo" que es curioso pero si uno llega a este tema sin saber nada del disco es difícil no acordarse de la Nueva Canción Catalana, Lluis Llach y otros. Fantásticos los toques de sintes desérticos. 

"Lo Pagano" es uno himno con percusiones marciales, la voz muy conseguida de Maltrago y unos apabullantes arreglos de saxo y poesía trágica que pone los vellos de punta. Está claro que una de las principales características de Salmos 150 es que a diferencia del anterior, las composiciones están más trabajadas y son más complicadas de etiquetar (impresionante la atmósfera al final del corte). No se pierde el gusto por el Pop psicodélico en "Vade Retro" que parece directamente exhumado de los años 90.


La segunda parte del disco la abre "Tierra y Arcilla" con unos teclados de New Wave, regustos siniestros y un cambio notable en la voz que nos llega más lejana y con algo de eco. Si me dicen que esto pertenece al catálogo de TRIKINOISE me lo creo.  La base rítmica simple pero efectiva deja los espacios necesarios para que resalten los distantes teclados y la obsesiva línea de teclado. Fantástica reactualización del rock gótico de mediados de los 80 en una faceta creo que hasta ahora inédita en la banda. 

"Los Ceros" mezcla el folk con la poesía abstracta de DESASTRE. El banjo aquí y allá, la atmósfera flotante, crepuscular y algo surfera (en tempos lentísimos) invitan a un baile abigarrado con el cielo estrellado.  Un vals cargado de mellotrones y pianos que se va cargando de ruido de acoples hasta fundirse en silencio repentinamente. Como contraste, y como si de un disco de WOVENHAND o 16 HORSEPOWER se tratara, "Walking Around" es un primitivo blues n´roll más complejo de lo que a priori pudiera parecer. Rock de charca, pero de charca exquisita de esas de bajos teratogénicos y baterías plomizas incestuosas.

Como colofón, "Bandera de Miedo" es una exquisita canción acústica intimista como una vellosidad intestinal. No sé si son samplers, grabaciones de campo o instrumentos reales, pero aparecen aquí y allá sonidos difíciles de identificar, al igual que toques de guitarra eléctrica apuntalando una estructura que carece de percusiones pero que tiene una fuerza poética tremenda.

Poco más que añadir. Deseando un tercer trabajo de este proyecto.


domingo, 27 de enero de 2019

HÍBRIDO en el PUB KISS (26 de Enero de 2019)


HÍBRIDO abren en casa, concretamente en el celebérrimo PUB KISS, lo que es su primer larga duración. Algeciras, allí sí que saben de la psicodelia. Es salir de la maldita autovía y vemos psicodelia por todos sitios. Una fábrica psicodélica, un árbol psicodélico... hasta las meadas salen allí psicodélicas.

Desde Málaga y en hidropedal, allá llego con tiempo suficiente de saludar, besar, acondicionar huellas dactilares y todo eso porque bueno, la verdad es que el Pub Kiss se petó. Lleno hasta las trancas oigan. El sonido altísimo, eso sí; quizás demasiado alto para un local de esa envergadura pero bueno, tan sólo hay que coger el mini kit de operación timpánica y ponerse las membranas más para abajo... ahí por donde la mandíbula por ejemplo.


El disco ejecutado a la perfección junto a un tema nuevo que sonó a gloria. Heavy Psych de ese que parece que está tocado dentro de una turbina con un bajo embriagado de tanto fuzz que yo, que me encontraba sentado arriba en el Pub, notaba como una especie de masaje anal o algo cada vez que se acoplaba aquello. 

La moraleja es simple, la música cura... por ejemplo, ayer más de uno y una se vio aliviado de su estreñimiento gracias a la vibrátil densidad en anillo (fumaderas de sonido) del bajo de Pot. Hubo momentos gloriosos; intercambios de riffs de una guitarra a otra, la percusión de Sandri que bueno, está siempre embebida de grosor y dureza y quizás como punto flaco las voces que es muy complicado controlarlas cuando llevas ese muro de sonido.  

Poco más que recomendar que os paséis si podeís a verlos en directo. Esto va a ser grande y luego te gustará decir que estuviste ahí.

Despedidas psicodélicas y vuelta al hogar, que más que lisérgico es Adult Oriented Rock... Adult Oriented Home con sus responsabilidades, sus cosas de siempre y la realidad.









lunes, 21 de enero de 2019

JAULA - "MOVIMIENTOS CIRCULARES" (AURICULAB a30, 2018)


Movimientos Circulares es un trabajo de JAULA editado por AURICULAB en 2018 bajo la referencia a30. Una de las primeras cosas que me dan la bienvenida cuando abro el sobre que contiene la edición (trabajadísima y a mano) es una arandela de acero. 

La portada, bajo un inclemente filtro azulado es una fotografía (industrial) de ATILIO DORESTE. Letras de imprenta, un dibujo interior y la propia arandela son muestras de cómo hacer original y único un disco, más en los tiempos de idiocia que corren dentro de la industria musical.

El sonido, muy orgánico, se desarrolla dentro de una electroacústica instrumental a base de una guitarra procesada, grabaciones de campo y juguetería diversa. El disco (CÍRCULO) dividido en diez partes o mini suites tiene perlas que incluso rozan el minimalismo de cámara (por ejemplo el tercer corte), desarrollándose un ambiente percusivo oriental que podría recordar a los experimentos de ZORN dentro de COBRA o sus "Músicas para Juguetes".  

Todo lo grabado por Nacho Jaula suele tener un cariz autobiográfico, o al menos a mí me lo parece, así que en vez de meterme en mitologías circulares ourobóricas, mejor cito el texto interior que resume a la perfección el espíritu del disco: 

"No encontraba el camino recto y dí vueltas en círculo. Entonces murió la quietud y nació el movimiento".

Una de las virtudes de la música de JAULA suele ser la fabulosa masterización que dota al conjunto de una cualidad orgánica y un eco muy característicos (limpio y sutil). Los rasgueos de guitarra acústica embebido de reverb en el cuarto corte nos llegan de forma física a los tímpanos. La sensación es la de estar metido dentro de una pequeña habitación que a su vez se mete dentro de otra y así hasta adquirir una proporción áurea y ciclópea. 

Reducir esto a simple electrónica es vacuo y quien siga la trayectoria del músico malagueño notará la extrema versatilidad y personalidad de cada uno de los trabajos editados.

El quinto corte, mucho más percusivo, se mete de lleno dentro del hipnótico mundo del Gamelan. Samples de voces, animales o lo que sea (antropomorfo parece al menos) nos llevan a un irreal desierto en pleno atardecer donde junto a Beduinos y a un fuego alimentado con heces de cabras aspiramos el acre hedor de lo místico. 

Ritual, lento y opresivo, en cierta medida tiene algo que me recuerda al ambiente tribal de los Heliocentric Worlds de SUN RA, o esos atávicos menesteres de DON CHERRY en su etapa de Brown Rice (sin vientos, claro). Las similitudes podrían venir de los teclados que tratados a la perfección por JAULA discurren de forma tangencial a lo que RA hizo en discos más abstractos como Atlantis o Cosmic Tones for Mental Therapy. 

Claro que esto es sólo un tema y al siguiente estamos en una tesitura totalmente distinta. JAULA es un alfarero del sonido y un maestro en estas lides y eso se nota. Cada disco es una nueva aventura plagada de recovecos donde perderte y el grado de atención que precisa cada nueva edición es notable.

Imprescindible.





domingo, 20 de enero de 2019

EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS.... PARTE 1


EL EXTRAÑO EPISODIO DE PYRAMID RECORDS... PARTE 1
THE NÂZGUL - "THE NÂZGUL" (MENTAL EXPERIENCE; MENT016, 2017)

Con dos narices, FRODO (drums, percussion), GANDALF (percussion, Moog, organ, electric piano, bass) y PIPPIN (percussion, guitar, trumpet) son los integrantes de THE NAZGÛL, banda alemana que allá por 1975 edita este homónimo álbum producido por TOBY ROBINSON (también Gandalf o The Mad Twiddler), personaje sobre el que vamos a contar algo más adelante. 

Lo primero que tenemos que tener en cuenta es que este disco, ahora reeditado en toda su gloria por MENTAL EXPERIENCE, subsello de GUERSSEN, es que no tiene nada, pero nada de Naïf a pesar de su inspiración Tolkiana... es decir, una vez pulsas play, cualquier atisbo de sonrisa que te pudiera quedar en la cara por la elección de la Tierra media como sustrato narrativo es borrado por el apabullante muro de experimentación Kraut a lo primerísimos TANGERINE DREAM, Tape Collaging a lo NURSE WITH WOUND, mala baba proto industrial a lo primerísimos KLUSTER o esos densos soundscapes tan desconocidos de los TAJ MAHAL TRAVELLERS.


Sigamos con los datos de espeleología sónica. El sello PYRAMID es otro de esos bastiones ultra oscuros que a mitad de los 70 se centraría en sacar artefactos de Kraut en ediciones cortas, tiradas raras y otras delicias. COZMIC CORRIDORS, GALACTIC EXPLORERS o una banda con la que llevo muchísimo tiempo obsesionado, GOLEM y su Orion Awakes que casual de los casuales yo creía imposible conseguir y ahora me entero que también reeditó MENTAL EXPERIENCE en 2017 (voy a ir poniendo euros en la hucha a ver si puedo solucionar este asunto). 

PYRAMID estaba regentada por el mismísimo TOBY ROBINSON, y se centraba en ediciones grabadas en los DIERKS STUDIOS. Sin embargo, según bibliografía y datos (por ejemplo en la magnífica e imprescindible THE CRACK IN THE COSMIC EGG), es el pintor y artista ROBIN PAGE, amigo del anterior, quien se encargaba de las ediciones al contar con una fábrica de prensaje (me imagino que precaria, no lo sé... hay que tener en cuenta que eran tiradas de entre 50 y 100 copias).

Pero ojo, mi labor es informar y contar, y parte de la leyenda negra es que estas ediciones de PYRAMID forman parte de una teoría de la conspiración en la que aprovechándose de las nuevas tecnologías y el carácter oscurantista de todo ello, aprovechados como el propio Toby Robinson crearía bajo pseudónimo varias de estas obras que en realidad, según algunos, son bastante posteriores. La conspiración parte de que muchos aseguran de que nadie posee una de estas copias de la época y es realmente 1997 donde la irrupción del sello PSI FI daría el pistoletazo de salida a estos Fakes (ojo, no lo digo yo, ni entro en el debate) como el ya largamente debatido Impressionen ´71 de DAMEMBART. Claro, que luego uno investiga y por ahí encuentra músicos de MYTHOS, o de DZYAN o recuerda que toda esta historia ya se repitió con los GERMAN OAK y al final resultó que sí que eran de la época...

Para los arqueólogos de todo esto, les remito al imprescindible recopilatorio Unknown Deutchland Volume 1, 2 y 3, editado por VIRGIN en 1996. Una selección bestial de todo este material gracias a Trevor Manwaring (dueño de PARATACTILE RECORDS).


TOBY ROBINSON, por cierto, era conocido con el sobrenombre de GENIUS P. ORRIDGE aunque a pesar de las similitudes con THROBBING GRISTLE o PSYCHIC TV, aparentemente era todo fortuito. Sus estudios junto a STOCKHAUSEN (además de que está catalogado como músico colaborador en Sternklang de 1976), trabajar en la WDR y experimentar constantemente con la edición de sonidos es el bagaje que uno se encuentra detrás de este impresionante trabajo de THE NÂZGUL, cargado de momentos rituales tan extraños como esa marcha fúnebre del tercer corte, "The Dead Marshes" en que una trompeta cargada de drone, burbujas acuáticas y el constante repiqueteo de un cuenco tibetano constituyen una suite perversa, decadente y opresiva que para que el respetable lo comprenda, sería como cargar de negatividad y antimateria a la etapa eléctrica de MILES DAVIS. Lo enaltecedor y psicodélico se torna oscuro como las heces en una hemorragia digestiva.

Se trata de un disco de experimentación electroacústica pero con un pie (hasta medio tobillo al menos) en el Dark Ambient. Siempre he sostenido que discos como Hexerei im Zwielicht der Finsternis de AGHAST no son tan oscuros como el boca a boca nos ha transmitido (siendo metafóricos, es como todavía creer que HOLOCAUSTO CANÍBAL es Snuff o que LA MATANZA DE TEXAS es una película muy sangrienta). 

Prueba de ello es que 20 años antes (si es que al final todo esto es cierto como he debatido arriba) de que las noruegas TANIA STENE y ANDREA HAUGEN grabaran su obra de culto había gente que ya hacía un Dark Ambient verdaderamente estremecedor como estos THE NAZGÛL, y a no ser claro que uno no tome en cuenta las notas históricas, borre a BRIAN ENO y establezca como pioneros a KLUSTER, TANGERINE DREAM y otros, y haciendo una hipérbole imposible reescriba algunos cánones oficiales. Las voces robóticas en "Mount Doom" junto a silbidos, vientos y un ambiente Noise son devastadores y podrían rivalizar (además de por fecha histórica) con los propios THROBBING GRISTLE. Unos rozan la fama, otros son tragados por el limbo de lo perdido.


Pocas, poquísimas bandas han recreado un submundo Tolkiano tan oscuro como estos alemanes. No es épico, no es melódico... es claustrofóbico, avantgarde y visionario. Había muchas bandas en Alemania haciendo estas cosas ya bien sea de una forma más pastoral y comunal como los KALACAKRA, que con "Crawling To Lhasa" (1972) jugaron también con lo ritual aunque dentro de un ambiente más Folk. 

Imprescindible y de culto, sean un Oopart o no, creo que nadie puede quedar decepcionado con esto. Por cierto, alucinante portada minimalista de ELIZABETH DUPREY. Ya tienen su misterio sobre la palestra, juzguen ustedes.

jueves, 17 de enero de 2019

MIKEL URAKEN - "IZAKI BIZIDUN BERRIAK" (MISE EN SCÈNE, 2018)


I. Ohar labur bat:
++++

Cuando dedicas tu tiempo a escribir una reseña musical, ya sea de forma profesional o bien amateur como yo; si empleas ciertos adjetivos o sacas a la palestra a determinadas bandas para comparar un sonido, bueno.... cuando eso ocurre está claro que has fracasado en el intento de penetrar la epidermis de un disco tan profundamente bien urdido como el nuevo trabajo de MIKEL URAKEN. Es la línea divisoria entre un texto que pueda ser aprovechado para algo y otro que sólo vale para la pura y dura promoción. Por norma general prima lo segundo, causa del bajísimo nivel periodístico musical de este país (salvo honrosas excepciones). 

Me explico mejor. Si usas el término SWANS estás haciendo trampa, querido reseñador o reseñadora. SWANS, para bien o para mal, son marca registrada... son el equivalente musical a un Síndrome Médico. Un síndrome puede llegar a englobar tantas cosas que en ocasiones acaba diluyéndose como un comprimido efervescente, y usar esa trampa/atajo para hablar de un disco no hace bien a nadie. Ni al lector que busca información ni a la banda o músicos que intentan desentrañar ese fruncido de cejas del respetable. 

Hay más atajos. Están EINSTURZENDE NEUBAUTEN, están NEUROSIS... en general se trata de bandas con un alto nivel experimental, recorrido discográfico y una paleta estilística tan ecléctica que de forma inevitable, y si no quieres pringarte demasiado en una crítica, pues tendrás que usar. Es que a mí me vas a perdonar pero las dos columnas de revistas, fanzines y publicaciones que rodean mis hemisferios cerebrales a veces crían bocas de dolor cuando leo algunos textos. No porque en sí esté mal usar esos atajos, creedme, sino porque sé que se puede hacer mejor aunque corras riesgos. 


Hablemos de RIESGO. El riesgo existe en tanto en cuanto enfrentándote a una pantalla en blanco intentas tornar las palabras SWANS o LÏSABO o NEUROSIS, lo que sea,  y emplear términos descriptivos que sean acordes (o no) a lo que a tí te está sugiriendo una música. Si te equivocas no pasa nada. Si no das pie con bola tampoco. Al menos estás siendo coherente contigo mismo y estás mostrándole RESPETO al artista que está leyendo un texto sobre su música, aunque en el fondo esté pensando que estás totalmente ido de la cabeza si su música te ha sugerido eso. Y ojo con confundir lo que estoy diciendo con CULTURA MUSICAL. Se puede o no se puede tener cultura musical y caer en los mismos errores una y otra vez. Cito otro término: PERDURABILIDAD.

La perdurabilidad de un texto es lo que lo hace grande. Nunca por encima de la música, pero sí grande como para merecer la pena ser leído, o recordado, o guardado en el caso del papel. Esa falta de perdurabilidad es una de las principales causas por las que ya no compro ninguna publicación musical hispano parlante en formato revista. No tienen PERDURABILIDAD porque no hay RIESGO y el RIESGO a veces es PASIÓN y a veces es ERROR. Que lo que leas aquí sea un error es un riesgo que corro yo. Que perdure o no... bueno, tampoco me importa. Mañana puedo estar muerto.


2. Nor, zer eta zergatik:
++++

Pues el disco es el tercer trabajo de MIKEL URAKEN tras aquel fantástico Neguaren Ostean, que reseñé por aquí y aproveché para hablar largo y tendido con el autor. Os remito al texto para ahorrarme presentaciones:


Lo primero que me llama la atención de Izaki Bizidun Berriak es el diseño. Un digipack imitando a un gatefold impreso en las dos caras y que al tacto es una delicia. Poroso, cargado de vida y de los tonos marrones acuarelados del fabuloso artwork de Asier Garcia Azkue que supera con creces lo realizado en el anterior Lp en solitario del artista de Santutxu. 

Ancestral envoltorio para un epifánico disco plagado de texturas, crescendos, titánicos mantras que transcurren en una dimensión paralela que resulta de llevarse el Folk al tronco del encéfalo y arrebatarle la cansina etiqueta de lo rural, campestre o costumbrista. 

Para ello Mikel Uraken (voz, guitarra) se rodea de unos músicos de alto calibre como son David Tobal (batería), y Gorka Pardo (bajo). La grabación es en los Estudios Garate y la masterización en 2noisy Estoduioa (Azpeitia). Otro aspecto a destacar serán las letras, en lengua madre y que si no me he equivocado traduciendo el libreto, se reparten entre  Gorka Erostarbe, Aiert Goenaga, Gotzon Barandiaran y el propio Uraken. Perdón si he omitido o me he equivocado en algún dato.

Partiendo de la base de que Uraken militaría en la banda ya de culto LOAN, que con tres trabajos revolucionarían la escena en lo que a Post Rock, Doom y sonidos agrios se refiere, el contraste que me llevé con la fiereza contenida en Neguaren Ostean fue grande (misma rabia, distinto método), pero a pesar de lo pétreo de su propuesta quedó tan orgánico, cercano y visceral que me tuvo obsesionado un buen tiempo. Pues bien, olvidad todo lo anterior porque Izaki Bizidun Berriak deja a todo lo anterior a la altura del betún.


3. Los nuevos seres vivos:
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"Gizakia Naizela" abre el disco con una guitarra agreste a la que pronto se suma una base rítmica compacta. Las voces de Mikel se muestran algo más introspectivas que en anteriores trabajos alejándose un poco del enquilosado espectro del cantautor. Uno de los aciertos es el nivel en que queda la voz en la mezcla, muy a la par del resto de instrumentos y sin tapar nada. Se captan influencias de LOAN en los mantenidos e intensos hiatos donde prima el Post Rock, claro que sí, pero también de la tribalidad de AKAUZAZTE. 

Cosa curiosa, hay un punto casi Pop en los punteos de guitarra y la repetición mántrica de los vocablos en Euskera, que le sientan a la perfección al disco, dicho sea de paso. En ningún momento del disco se precipita nada; las melodías son orgánicas y duran lo que tienen que durar y si es necesario repetir un bucle hasta el infinito, así se hace (no hay más que escuchar el fabuloso fundido a la nada del primer corte).

"Lantu Mamuen Dantza" es el más corto pero es posiblemente de los que más cerca estén del Folk Vasco y sus grandes nombres (MIKEL LABOA) pero el uso atmosférico y melódico de la voz puede recordar a bandas que coquetean con el progresivo y lo espacial incluso. El bajo se marca un acompañamiento fantástico y la guitarra se desborda hacia la distorsión (no sé, podría decir SONIC YOUTH) en la mini Jam que cierra.

Pero de buen seguro el tercer corte, "Norantza Bakarra Galbidea?" es el que me pone con los sentidos totalmente alerta. Un fuzzero, decadente y Lynchiano toque de las guitarras, una batería lenta, mortuoria, en procesión eterna... y lentamente va arrancando un mantra vocal hipnótico. Está claro que es imposible separar esto de los lentos despegues de algunos cortes de los últimos SWANS, pero hay más, mucho más. 


Si se trata de una homilía, no sé el Credo, si se trata de una advertencia, merece la pena arriesgarse a incumplirla. Guitarra minimalista, lenta entrada de un cambio en el ritmo en el minuto 5 con la batería capitaneando una suerte de marcial danza. Me miro al espejo y en vez de pupilas tengo espirales. Estoy jodidamente drogado de música, cargado de una psicodelia plomiza, lenta hasta la agonía y que de repente, como si se apiadara de mí, sube el tempo para coger carrera en el despegue. Y la voz, y el mantra ("Zelatan, zelatan, zelatan, zelatan"... ) que no se calla y que se derrama en mis sesos como aceite hirviendo... alucinante. Es como si fuera el Dopesmoker del País Vasco pero en vez de humo de marihuana lo que me está volviendo loco es el humo de la quema de rastrojos.

Hablábamos de eclecticismo y ecléctica es "Instant Bat", que tira bastante de Lo Fi y Noise Rock. Machacona y enterrada en distorsión, con parón estratégico para cambiar de tercio y transformarse en una canción de cuna con la voz de Uraken meciendo nuestras emociones como si de un jodido psicoanálisis se tratara esto. La base rítmica subrayando cada palabra que suelta la voz en un maravilloso diálogo emocional que se va expandiendo hacia terrenos en que no es difícil acordarse de MOGWAI o SIGUR ROS.


"Besteen lekuan" o "Egun Argitan" tienen su puntito de Rock Alternativo, bastante inclasificable y poniendo el punto de mira en los años 90 y el Shoegazing pero la voz está cerca de una melodía tradicional vasca lejana y atávica. El épico eco de las altas y escarpadas montañas y su sempiterna neblina quizás transforme la voz en esa algodonoso, pegadizo tono con que son susurradas casi las letras. Los cánticos del segundo tema acompañando el aumento de la intensidad son toda una orgía de sensaciones.

"Ordu Herdoilduak" abre la puerta a ese arriesgado saco del NeoFolk, con cosas como SANGRE DE MUÉRDAGO. Si las voces fueran rasgadas y se usara la percusión de otra forma el Black atmosférico y pagano que se estila hoy día entraría a la perfección en más de un tema del disco por cierto. Lo que es encomiable es el nivel de intensidad que se alcanza tanto en los momentos de poner toda la carne en el asador como las rendiciones más sosegadas. Todo esto y más en "Ordu Herdoilduak", otro de los momentazos estelares de Izaki Bizidun Berriak.

Si crees que la cosa acaba aquí, "Bai, Ikusi Zintudan", armónica incluida, te da el momento de introspección necesario para que te fundas con los parajes norteños. Crepuscular, nostálgica y evocadora.

Una canción de amor para los muertos que aman a otros muertos, o una canción de odio para vivos que aman a otros muertos, o para vivos que tocan a los muertos canciones de amor.




domingo, 13 de enero de 2019

JAVIER PIÑANGO / DAVID ÁREA - "DROLÉ DE GUERRE" (MARBRE NEGRE; MN085, 2019)


Apago la luz y subo muchísimo el volumen en este trabajo de colaboración entre el maestro ruidista JAVIER PIÑANGO que poca presentación precisa y DAVID ÁREA, artífice de FUNGUS CEREBRI, del sello Noise MATTOID y de múltiples proyectos como HASHIGAKARI (con Tomás Gris), NEBELMEER (con Marta Sainz) y muchos más (podéis leer su bio completa aquí). Siendo estrictos, su primera colaboración surge a través de GRUPPO UNGIDO en la Oblea Ungida Extractos de una Improvisación (2017).

Ahora mismo mi cuerpo está siendo empalado por ruido. No hay rincón de mi cuerpo que no esté vibrando desde que pulsé Play. Si el Noise no se siente como una experiencia casi física, de acupuntura sonora o de catarsis epigenética, es que posiblemente no esté bien trabajada. Creedme cuando os digo que Drolê de Guerre es un artefacto de altísimo nivel con especial hincapié en el Sintetizador Korg MS20 y los pequeños pero aguerridos de la serie Volca.

(Javier Piñango)

Hace unos años viajé a Oslo y después de una serie de vicisitudes acabé en la Isla Militar de Oscarsborg donde la colaboración entre la resistencia Noruega y el ejército dio como resultado el hundimiento de un barco alemán en la Segunda Guerra. Fue pisar aquel suelo y sentí una energía especial. No es que se conservara la artillería pesada como si hubiesen sido usadas ayer (con restos de metralla), sino que aquello era un hormiguero donde podías pasar de un Búnker a otro y contemplar/tocar tecnología de la época. 

La invasión de Noruega por Alemania es el contexto perfecto de la Drolé de Guerre, Guerra de Broma o Guerra Ilusoria, término que acuñaría el periodista francés Roland Dorgelès, aunque en Reino Unido se le conocería como Phoney War o guerra falsa, mientras que en Alemania se le llamó Sitzkrieg o "guerra de asiento" (Blitzkrieg).

Botones, teléfonos, timbres, tornillos... una ferretería de la Guerra en estado decrépito pero todavía latente. Tecnología tan devastadora como un emisor de radio que se acopla a un viejo empaste dental son despojos de algo que tuvo un sonido, y la guerra y sus intríngulis siempre han tenido un sonido para nada amable.

(David Área)

El Harsh Noise que estos dos individuos general en esta obra de 79 minutos de duración y que edita MARBRE NEGRE (con portada de Almudena Villar) es mitad bélico mitad marciano... es decir, expresa guerras pero no sé de dónde ni de qué universo. El punto de abstracción temático permite el enfoque unidireccional del oyente como máximo partícipe del juego de atracciones más malvado que existe... el Power Electronics y el Dark Ambient, ambos géneros que cuando se deshumanizan y van a la raíz sonora del miedo pueden resultar pavorosos. 

Sin embargo, huyendo de los muros de sonido inquebrantables y monolíticos, Piñango y Área se las apañan para darle estructura a su obra. De inflexiones y texturas muy variadas que no aburren un segundo. Puestos a comparar me han recordado algo a los CONTROLLED BLEEDING de sus tres primeros trabajos Distress Signals I, II y Body Samples. Incluso podemos advertir coqueteos con lo espacial en el tercer corte (carecen de títulos) aunque el revestimiento Industrial sea tan elevado que lo cósmico acabe dragado a una fosa séptica.


Hay clímax tan intensos que la sensación de alarma es acentuadísima. Parecen sonar sirenas, toques de queda y miles de Stukas que caen en picado haciendo rotar sus turbinas en su característico sonido de guerra psicológica... ¿o se trata de un mensaje en lenguaje pulsátil eco voluble que llega inconexo a nuestros radares terrestres?. 

Engranaje de un mar de crematorios funcionando a todo trapo. La realidad dragada a un punto de escape donde este Cremador de Mundos transforma la materia en ceniza que suena, que burbujea, que se transforma en otras realidades. Suena un viento que lo barre todo, que crepita y que te transforma genéticamente. Es el Viento de la Partículas, la última arma genocida del Ser Humano. 

Un anti Big Bang de proporciones apocalípticas o quizás una colonoscopia de una Vieja Fábrica con una fuga pancreática de Nivel Radioactivo. El resultado solo pueden ser tablas. 

La NADA versus La NADA.