viernes, 29 de julio de 2011

PUS - DEBUT EP (2011, FÉRETRO RECORDS & UNIVERSAL TONGUE)




Desde el Sur de Gales, y con una mala hostia tremenda, nos llega el EP debut de PUS, una intensa banda de Sludge/Crust satinado con un ambiente Doom muy a lo ELECTRIC WIZARD y afines pero quizás menos psicodélicos y ambientales; además cuentan con una afinación tremendamente baja pero nítida y que deja escuchar a todos los instrumentos con claridad y naturalidad, sin nada de artificios. Aunque como siempre, primero me dedico al artwork del disco, que en esta ocasión es bastante digno de reseñar...
Digipack Gatefold de dos paneles de esos que es un coñazo sacar el cd (todo hay que decirlo) y que es muy bonito pero que arañan que te cagas los cds... en fin, que le vamos a hacer. Por otro lado, me gusta el satinado del papel, todo de riguroso negro, donde destaca una Lovecraftiana portada muy trabajada y acorde con el sonido que vamos a encontrarnos. Además, en esta edición limitada de 500 unidades (ignoro si se volverá a reeditar), se incluye un parche grande de tela con la portada que es tremendo... así que corred no sea que se agote.
La edición ha corrido a cargo de la creciente FÉRETRO RECORDS y de UNIVERSAL TONGUE, siendo el disco grabado y masterizado por Chi Lameo en Music Box, Cardiff con un sonido denso y asfixiante que hacen ver que este debut ha sido cuidado hasta en los más nimios detalles.



El trabajo se abre con "COLOSSUS", tema brutal a medio tiempo, machacón y persistente como si estuviésemos atravesando el desierto mas árido del mundo... la voz me encanta, muy potente, gutural y tirando a las notas bajas en vez de a las estridencias que los grupos sludge nos tiene acostumbrados. El riff central del tema es de regusto clásico y muy doom, al igual que todo el tema en general. "THE BLACK SWORDSMAN" suena como si a KYUSS les hubiera dado por el Sludge, con una base rítmica atronando como una cabalgada de elefantes rabiosos. "IMAGE OF THE DREDD LAW" sigue con ese sonido a medio tiempo del primer tema con una afinación tan grave que parece que se van a poner a tocar Drone... aunque poco a poco el tema se va acelerando y ganando en epicidad... me encanta la entrada del cantante en este tema cuando canta: "SUBTERRANEAN.......", brutal este tema, que en directo tiene que sonar tremendo, sobre todo con los riffs de guitarra que se marcan al final.
"Y.M.A.H." parece black/doom por la oscuridad que emana; muy depresivo e hímnico, sigue un poco las melodías del tema anterior pero mas hipnótico y repetitivo. "A CROSS FOR ALL TO BEAR" es sludge/crust con ramalazos hardcore y punk, muy apto para hacer MOSH en una fumada noche de Agosto en cualquier local perdido de tu ciudad.... suenan a lo EYEHATEGOD o GRIEF... o incluso a los japoneses CORRUPTED pero más directos y al grano. Muy de agradecer los cambios de ritmo dentro de un mismo tema, que hacen que no te aburras ni un solo momento y dotan a los mismos de mayor intensidad. "PUS" cierra este EP de treinta minutos a lo grande; todo un temazo doom instrumental con unos mayestáticos sonidos de coros que le dan al tema un toque a lo death metal antiguo, a lo INCANTATION, ASPHYX y grupos de metal extremo similares que supuraban oscuridad por los cuatro costados... temazo tremendo para acabar el disco y que te invita a volverlo a reproducir una y otra vez.
En definitiva, todo un gran debut de estos ingleses que a buen seguro nos depararán mas de una sorpresa en el futuro. Date prisa en pillártelo que la edición es limitada... NO DIGAS QUE NO TE LO ADVERTÍ (Y POR DIOS, PÍLLATE EL PARCHE!!!!)...

EAU DE COLOÑEJA....



Hay olores que evocan a épocas pasadas. Olores en extinción porque la generación que los consume está abocada a fenecer. Son aguas de colonia y aftershaves que han aguantado estoicamente el correr de los tiempos, provocando las náuseas de más de uno cuando se han unido inseparablemente al sudor y al olor corporal. En discretos botes o en garrafas y tarros de cristal, las droguerías dispensaban estas aguas de colonia por litros. Se ponían en ingentes cantidades sobre pelo, cara, ropa... en fin, toda aquella superficie susceptible de ser bautizada en tan magna ceremonia...
Y aquí queremos rendir homenaje a esos olores de colonias añosas que nos han acompañado en nuestra vidas; que nos han marcado como personas y nos evocan con nostalgia fotografías en blanco y negro o sepia de nuestros antepasados y sus objetos.
Pongámonos las galas y unas generosas gotas de nuestra colonia favorita, que nos vamos a buscar novia...

BRUMMEL...


LUCKY...


MAJA....


AGUA BRAVA...


OTELO....


ANDROS...


PATRICHS...


Y LA ESTRELLA INDISCUTIBLE ES....


martes, 26 de julio de 2011

ATROCIOUS, de FERNANDO BARREDA LUNA (MÉXICO, 2010)



"El 4 de abril de 2010 una parte de la familia Quintanilla Atauri fue encontrada muerta en su casa de campo. La policía descubrió la existencia de cintas de vídeo con 37 horas de grabación. Aquel mismo mes de abril, dos productores vieron la oportunidad de crear una película a partir del material encontrado. Ellos se hicieron cargo de los derechos al convencer al padre de los niños asesinados y acordar que omitirían ciertas partes que podían ensuciar la memoria de su familia. Atrocious muestra las imágenes reales de todo lo que pasó. Una película perturbadoramente real con un escenario absolutamente conocido. (extraído de CinemaSitges.com)" (FILMAFFINITY)

Nueva revisión del género Mockumentary de terror. Nueva maniobra de marketing viral. Nueva leyenda misteriosa de niña desaparecida.... y nueva película típica al canto.
Ninguna sorpresa encontraremos en esta producción Mejicana de terror de cine tipo cámara en mano. Actuaciones solo salvables por los pelos; historia manida hasta la saciedad y un final que tampoco es nada del otro mundo.
Nada nuevo bajo el sol. Salvables solo algunos momentos de tensión en el laberinto abandonado de la finca, que la verdad sí que llegan a dar miedo en algunos momentos. También destacar la crudeza de algunas de las imágenes finales... pero en resumen, nada que merezca la pena ni que innove nada. Buena para pasar una noche en la que no tengas nada mejor que hacer.


Atrocious - Trailer por dreadcentral

sábado, 23 de julio de 2011

FRONTIÈRE(S), de XAVIER GENS (FRANCIA/SUIZA 2007)



"Año 2007. Las elecciones francesas se resuelven entre un partido conservador y otro de extrema derecha. La banlieue ha estallado en protestas, y un grupo de jóvenes han decidido aprovechar el tumulto para perpetrar un robo. Un hostal aislado parece ser el refugio perfecto, pero sus problemas no han hecho más que empezar cuando descubran que sus propietarios son un grupo de degenerados neonazis." (FILMAFFINITY)

Brutalísima cinta Francesa de terror de violencia extrema y gore no apta para estómagos y mentes sensibles. Siguiendo la estela de ALTA TENSIÓN (HAUTE TENSION, Francia, 2003) o AL INTERIOR (À L'INTÉRIEUR, Francia, 2007), y dentro del marco de "película de familias enfermas" al estilo de THE TEXAS CHAINSAW MASSACRE, esta tremenda película se atreve a mostrarnos lo que en películas como HOSTEL se queda en agua de borrajas...
Aquí hay mala leche, señores... el cine francés de terror de la nueva hornada no escatima en escabrosidad y explicitismos, provocando al espectador a levantarse de su silla si no es capaz de aguantar las imágenes y situaciones que se van sucediendo en la pantalla.
Ahora bien, no solo es violencia por la violencia. Encontramos también críticas sociales (leves y diluidas, pero las hay), guiones trabajados (sin grandes dosis de originalidad, pero sin fallos ni topicazos que diluyan la brutalidad de la trama), un soberbio trabajo a la cámara, que se muestra rápida e inquieta, con una fotografía cargada de color y matices que recuerdan al cómic mas que a una película... por todo ésto diría que se trata de cine plástico, con recursos de videoclip que funcionan a las mil maravillas y que consiguen su objetivo: que te mantengas angustiado delante de la pantalla durante todo el metraje.
ACTUALMENTE, EL CINE FRANCÉS DE TERROR SE ENCUENTRA ENTRE MIS FAVORITOS: POR SU FRESCURA, POR SU ORIGINALIDAD, Y POR SU MALA LECHE...


jueves, 21 de julio de 2011

ANATHEMA Y LA PROGRESIVIZACIÓN DE SU SONIDO....



El sonido de Anathema a lo largo de su larga historia se ha ido transformando y progresivizando, comparándose a menudo con grandes del género como PINK FLOYD aunque siempre salvaguardando las distancias.
Sea como fuere, desde los inicios Death Metal cuando tenían por nombre PAGAN ANGEL hasta sus sonidos a lo PORCUPINE TREE de su último trabajo mucho ha cambiado en una formación que aunque ha rozado las mieles del éxito, aún sigue enclavada en el underground.
ANATHEMA se formaron en Liverpool mas o menos por el año 1990, siendo precursores del género que se dio en llamar DOOM/DEATH junto con los también británicos PARADISE LOST y MY DYING BRIDE. Abanderados de la discográfica underground británica (por aquel entonces) PEACEVILLE, Anathema se dieron a conocer con su primer EP "CRESTFALLEN" (1992), que venía precedido de varias demos cassette. Desde el principio ya quedó claro que el sonido de Anathema no era convencional; mezclándose con las guturales voces de Darren White, también teníamos temas mas sosegados y con voces femeninas etéreas y fantasmales que ponían la piel de gallina. El Doom/Death como movimiento surgió sobre todo a raíz del decaimiento del Death Metal y de su ralentización progresiva, y Anathema como abanderados y padres de un género, llevaban el sonido mucho mas allá, con una profundidad en las guitarras y una alta calidad compositiva.
La formación se mantuvo mas o menos estable y editaron su larga duración "SERENADES" (1993) donde siguieron experimentando dentro del cerrado estilo en el que comenzaron creando monumentales temas que supuraban belleza y dolor por los cuatro costados... pero claro, ANATHEMA eran una banda inquieta y pronto se producirían cambios.
Tras el maravilloso EP "PENTECOST III" (1995) que seguía anclado en el antiguo sonido de la banda, el vocalista DARREN WHITE es invitado a marcharse por diferencias musicales, y es aquí donde se obra el primer gran cambio en el sonido de Anathema. "THE SILENT ENIGMA" (1995) rebosa oscuridad y melancolía por los cuatro costados, pero con un sonido mucho mas trabajado y original. Vincent Cavanagh asume las voces aunque sigue con la guitarra y la formación se muestra mas compacta que antaño. Su voz todavía es rasgada y profunda aunque no tanto como la del anterior vocalista. Las composiciones rompen con todo lo establecido hasta la fecha y si bien todavía no encontramos nada de rock progresivo, sí que se evidencia un gusto exquisito en las composiciones y un trabajo soberbio a los teclados. Todavía en el pasado pero con un pie en el futuro...



Es en "ETERNITY" (1996) cuando llegan las comparaciones con PINK FLOYD e incluso PETER GABRIEL, quizás sobre todo por el cambio a la voz de Vincent Cavanagh, (muy a lo ROGER WATERS) y la suavización del sonido, que se hace mas sinfónico y etéreo. Se permiten incluso una versión de "Hope" bastante acertada; no será la última versión de los PINK FLOYD que harán Anathema.
"ALTERNATIVE 4" (1998) rompe definitivamente con el pasado, con unos Anathema mas centrados en un ecléctico rock progresivo que cosecha grandes críticas de público y crítica. De esta época son también las versiones de los FLOYD "GOODBYE CRUEL WORLD" y "YOUR POSSIBLE PAST". Vincent Cavanagh recuerda menos a Waters y tiene un timbre mas personal y potente y el sonido del disco es mucho mas directo que su predecesor, sin tantas florituras instrumentales.
"JUDGEMENT" (1999) es quizás su mejor disco hasta la fecha. Progresivamente denso, oscuro y enigmático pero rebosante de belleza. Mas cercanos a unos RADIOHEAD que a PINK FLOYD pero sin perder su personal sonido, que continuarán en "A FINE DAY TO EXIT" (2001) que sigue la estela del anterior.
"A NATURAL DISASTER" (2003) es un disco de transición, con muchas ideas pero sin establecer claro hacia donde quieren llegar, por lo que resultó un disco bueno pero no tan genial como los anteriores.
Siete años tendremos que esperar para que ANATHEMA vuelvan al estudio para ofrecernos su mas íntimo trabajo hasta la fecha: "WE´RE HERE BECAUSE WE´RE HERE" (2010), producido por Steven Wilson, éste es quizás su trabajo mas optimista, donde la búsqueda interior y del sentido de la vida priman en las letras y el sonido. Belleza en estado puro y música que te tocará el alma.
Hasta aquí este breve repaso de la evolución del sonido de Anathema, que creo merecen un digno hueco en estas páginas por haber sabido evolucionar y progresivizar su sonido a lo largo del tiempo. A todo aquel que se atreva a experimentarlos, les recomiendo empezar por sus últimos discos para ir subiendo peldaños y quien sabe, quizás se lleve una sorpresa con los primeros...

IN THE ELECTRIC MIST (USA, 2009)



"Dave Robicheaux (Tommy Lee Jones) es un detective del estado de Louisiana que anda tras la pista de un asesino en serie responsable de la muerte de varias jóvenes. Tras el brutal asesinato de la última víctima, Robicheaux se acerca a la escena del crimen. Allí coincide con la estrella de cine Elrod T. Sykes, que casualmente se encuentra rodando en el lugar de los hechos. Elrod le confiesa que ha visto el cadáver de un hombre negro flotando en medio del pantano. El hallazgo trae a su memoria dolorosos recuerdos de un caso anterior, y Robicheaux empieza a sospechar que los dos casos están en cierto modo relacionados." (FILMAFFINITY)


IN THE ELECTRIC MIST (En el Centro de la Tormenta) de Bertrand Tavernier cuenta con un excelente reparto en el que destaca Tommy Lee Jones (interpretando un personaje que me ha recordado bastante al realizado en LOS TRES ENTIERROS DE MELQUIADES ESTRADA) y el siempre genial John Goodman. Este drama con toques de thriller psicológico ambientado en la zona pantanosa de Louisiana viene a dar un toque de aire fresco al cine policiaco quizás últimamente demasiado abandonado (salvo los productos suecos que están surgiendo al amparo de las novelas de Stieg Larson que sí que están innovando un poco en el género).
Mezcla de cine de los Coen, y con toques al clasicismo de Clint Eastwood (de hecho creo que el papel le habría sentado también bastante bien), IN THE ELECTRIC MIST no se da prisa por avanzar en la trama, pero nos va sugiriendo muchos detalles en dos historias paralelas que acabarán por eclosionar y precipitar un final no exento de violencia cruda, donde nuevamente veo ecos del cine de Eastwood.
El atormentado personaje que interpreta Tommy Lee Jones (Dave Robicheaux) está perfectamente construido, en un ambiente tan particular como Louisiana, donde todavía resuenan los tambores de los problemas raciales. No escasean en la película los elementos pseudosobrenaturales que habrá quien los critique pero que personalmente casan perfectamente con la psicología del personaje de Robicheaux.
En definitiva, buen cine de autor (y digo de autor porque la película con cae en las trampas del cine más comercial, aportando toques particulares que denotan un guión muy trabajado) del que tan faltos estamos últimamente. Soberbias interpretaciones, soberbio guión (basado en la novela IN THE ELECTRIC MIST WITH CONFEDERATE DEAD de James Lee Burke) y ambiente enrarecido durante todo el metraje. Creo que no perderás el tiempo si la ves.

THE WARD, de JOHN CARPENTER (USA, 2010)



"En 1966, la joven Kristen (Amber Heard) es ingresada en una institución psiquiátrica, donde conoce a otras chicas perturbadas con sus respectivos problemas... y a otra que se le aparece por los pasillos al caer la noche." (FILMAFFINITY)

Es triste observar como los grandes clásicos van cayendo poco a poco en la autoparodia y los manierismos y fórmulas ya hace tiempo agotadas. Lo que a priori podría haber funcionado en THE WARD como un buen ejercicio de cine ochentero nostálgico se acaba convirtiendo en un mal chiste tantas veces visionado que aburre hasta el sopor.
Desde ARRÁSTRAME AL INFIERNO de Sam Raimi, en la que éste intenta resucitar épocas gloriosas a lo EVIL DEAD, hasta los subproductos SCREAM del señor Wes Craven, y pasando por los telefílmicos bodrios de la FANTASTIC FACTORY de Brian Yuzna y los últimos coleteos de Stuart Gordon (quizás solo salvable EDMOND por su oscura propuesta). Ni siquiera los grandes nombres de Dario Argento provocan ya nada más que miradas de sospecha entre los aficionados al género, sabedores que nada nuevo se cuece bajo el sol.
Casualmente, todos éstos directores han intentado relanzarse bajo el auspicio de la serie MASTERS OF HORROR, donde quizás sus propuestas tengan mejor cabida al ser un formato de serie que puede disimular mejor los errores manifiestos de los largos metrajes.
Sería quizás Tobe Hooper el más centrado de ellos, que sin hacer demasiados alardes sí que ha realizado dos buenos ejemplos de cine de terror a la antigua usanza como son MORTUARY (2005) y THE TOOLBOX MURDERS (2003). La primera es todo un desfile de topicazos ochenteros con toques de comedia que a pesar de las malas críticas y tal, creo que merece la pena por algunas de sus hilarantes escenas y su ejercicio de nostalgia. THE TOOLBOX MURDERS fue el intento de Hooper de volver a la crudeza de LA MATANZA DE TEXAS, que sin ser una joya entretiene bastante como los Slashers gore de antaño...
Sin embargo John Carpenter creo que ha perdido el norte.... y ya de paso todos los puntos cardinales. THE WARD es infame mires por donde la mires; desde el irrisorio manicomio en el que se desarrolla, pasando por sus protagonistas y sus traumas, para acabar con la consabida sorpresa final que te deja con una intensa sensación de haber perdido el tiempo con algo que te han contado ya miles de veces.
Evidentemente, todo esto es una opinión, y habrá quien haya visto en THE WARD la quintaesencia del espíritu del cine de los ochenta. Gustos hay para todos y como ya he dicho en mas de una ocasión, creo que hace falta una nueva generación de clásicos para revitalizar el género.



miércoles, 20 de julio de 2011

STONEHENGE, EL TEMPLO MISTERIOSO DE LA PREHISTORIA



No será la última vez que reseñe aquí los libros que vaya leyendo de la mítica colección de Plaza & Janés: OTROS MUNDOS, y antes de nada advertir que el libro que nos ocupa es de 1974, con lo que posteriores descubrimientos, teorías, excavaciones o remodelaciones no han sido reseñadas en éste artículo que a lo único que aspira es a reseñar el libro en sí.
Esta vez, el libro en cuestión es STONEHENGE: EL TEMPLO MISTERIOSO DE LA PREHISTORIA, de Fernand Niel (Béziers, 4 de septiembre de 1903 - París, 15 de diciembre de 1985), ingeniero e historiador Francés que estuvo sobre todo especializado en el Catarismo y las herejías en la Edad Media, aunque también realizó investigaciones sobre el tema de los megalitos.
STONEHENGE está situado en el Sur de Inglaterra, a 125 km al sudoeste de Londres y a unos 20 Km al norte de Salisbury. Compuesto básicamente a partir de un eje simétrico, encontramos el llamado CÍRCULO DE SARSEN (con 30 piedras numeradas); EL CÍRCULO DE LAS PIEDRAS AZULES (de la 31 a la 49); TRILITOS DE SARSEN (compuestos por cinco parejas unidas por trilitos), HERRADURA DE LAS PIEDRAS AZULES (de la 61 a la 72), y LAS CUATRO ESTACIONES (piedras de la 91 a la 94). Encontramos también la piedra del Altar (80), la llamada SLAUGHTER STONE (95) por que se creía que se realizaban sacrificios en ella, y la HEEL STONE (96); además tenemos los AGUJEROS DE AUBREY, una calzada, y mas agujeros y piedras de las que no hablaremos para no hacer demasiado extensa la reseña.
La datación del monumento es algo confusa, pero en la época en la que se escribió el libro (1974) se estima que hacia el año 2300 antes de nuestra Era al Sur de Inglaterra llegó una rudimentaria civilización conocida con el nombre de "Civilización de Windmill Hill". No se tienen datos de que esta tribu fuera precursora del monumento de STONEHENGE, pero sí de que tenían un cierto interés por la construcción de planos inclinados, que acabaron siendo precursores de los llamados HENGE MONUMENTS, (construcciones circulares u ovaladas de mas de 20 metros de diámetro que consiste en una excavación limitada por una zanja y un terraplén) que se cree más cercanos a otra civilización posterior y sí mas enmarcados en la construcción de monumentos megalíticos. En definitiva, se especula sobre la construcción de varios niveles de STONEHENGE, o lo que es lo mismo, que para un nuevo nivel se aprovechaba una construcción anterior, llegándose al final al proyecto de STONEHENGE.
En resumidas cuentas, queda más o menos establecido el siglo XIV o XV antes de nuestra era para la construcción del imponente monumento. Y sobre los verdaderos constructores, se especula desde los pueblos que ocuparon Wiltshire desde los primeros tiempos del neolítico, pueblos de Windmill Hill, de los megalitos, del neolítico secundario, de los cubiletes y de la Wessex Culture. Lo que sí es cierto es el carácter único de STONEHENGE, ya que podemos afirmar que no se ha encontrado un monumento prehistórico de semejantes características en el mundo.



También dentro de las múltiples hipótesis que rodean al verdadero uso del monumento, resalta sobre todas la de un templo solar de la antigüedad, que según un eje simétrico a través de pares de piedras de los círculos permitía observar el sol naciente en el solsticio de verano mediante un reborde de la HEEL STONE.
Evidentemente mucho se ha especulado y escrito, y es precisamente en éste ya amarillento libro donde encontramos maravillosas teorías, siempre con ecuanimidad y sin fantasías y remitiéndose al puro dato, lo que hace que algunas partes del libro resulten algo farragosas por lo erudito del tema matemático empleado.
Se cuentan interesantes anécdotas: desde lo abandonado que fue encontrado el monumento (en un estado lamentable), hasta hosteleros que daban martillos y cinceles a sus clientes para que se llevasen un recuerdo, pasando por una exahustiva revisión de todos aquellos científicos que sobre todo a principios de 1900 se acercaron a la zona y empezaron sus primeras mediciones y dibujos. Se cuenta la posible procedencia de las piedras, como fueron cortadas y transportadas y lo épico de la construcción, digna de cualquier epopeya de la antigüedad.
Sea como fuere, hay hipótesis que indican a STONEHENGE como el laboratorio astronómico de la prehistoria mas preciso hasta la fecha, cosa que muchos científicos e historiadores se han esforzado en desmentir ya que esto implicaría que los constructores del megalito habrían tenido que poseer conocimientos geométricos, matemáticos y trigonométricos que se suponen muy posteriores en el tiempo. Lo que sí es cierto es que la historia dada nunca coincide; siempre surge un dato curioso que te invita a pensar, a evadirte y a soñar como tales culturas podían hacer tan imponentes tareas titánicas mediante la abstracción del conocimiento y sin apenas recursos técnicos.
La verdad es que cualquiera de éstos libros de OTROS MUNDOS son recomendables, tanto los más racionales y ecuánimes como el que nos ocupa, centrado en los aspectos arqueológicos, como los mas fantasiosos y englobados en EL REALISMO FANTÁSTICO.

SENNENTUNSTSCHI, de MICHAEL STEINER



"1973, los Alpes suizos. Una niña pequeña será la primera que se fije en esta azorada extranjera que aparece en el pueblo en pleno cortejo fúnebre consiguiendo perturbar este precario idilio. ¿Quién es esta bella joven muda? ¿Quién es la «Sennentuntschi»? La historia hace que nos adentremos en la soledad de los Alpes suizos y en el teatro de una tragedia llena de deseos, de locura y de asesinatos. Los hombres pierden aquí no solo la fe en el principio de cohesión interna del mundo, pues allí donde el furor religioso, el incesto y la creencia en los demonios bailan sus rondas diabólicas, todo lo que es cierto se vuelve ambiguo y todos los acontecimientos traen consigo unas consecuencias terribles. Incluso el amor puede convertirse en la puerta hacia el infierno para los hombres." (FILMAFFINITY)


SENNENTUNSTSCHI (SUIZA, 2010) es un maravilloso relato de terror ubicado en los Alpes Suizos, en un ambiente bucólico y encantado al abrigo de las montañas y de la salvaje naturaleza. Con un espléndida fotografía paisajística y un gusto exquisito por el detalle, el film nos relata en dos arcos narrativos simultáneos una historia de leyenda, de horror y de venganzas que acaban confluyendo en un terrorífico clímax final.
Muy bien realizada y sin excesos, donde lo que prima es el ambiente mas que el efectismo, SENNENTUNSTSCHI es al terror lo que los cuentos para niños eran antaño... no olvidemos la verdadera crueldad de Caperucita Roja, Hansel y Gretel o incluso cualquier leyenda de las que son transmitidas oralmente de generación en generación.... ¿Qué pasaría si la realidad superase a la ficción? ¿y si la leyenda tuviera visos de realidad?...
No me queda mas que recomendar esta original muestra de cine de terror a la antigua usanza, que además cuenta con unos toques magistrales de humor negro que la hacen hasta incluso divertida en algunos pasajes... ABSENTA SPIRITU SANCTUS!.


lunes, 18 de julio de 2011

INCREDIBLE EXPANDING MINDFUCK (I.E.M.)



De entre todos los numerosísimos proyectos y aventuras musicales de Steven Wilson (Porcupine Tree), hay uno que merece destacarse sobre los otros siempre y cuando seas un amante de los sonidos espaciales, experimentales y sobre todo de la onda del kraut rock alemán de los 70. Según palabras del propio Wilson, I.E.M. está influenciado por la música experimental de los 60 y 70, el Krautrock alemán e incluso el free jazz tribal de Sun Ra. Sea como fuere, I.E.M. es toda una delicia para los paladares exigentes que gozan de paciencia para poder disfrutar de grupos de este tipo, sin prisas y dejándose llevar y levitar por su sonido. I.E.M. fue un proyecto oscuro del que poco se conoce y del que Wilson habla como "una curiosidad en su discografía".



I.E.M. tomaron forma en 1996, supuestamente a raíz del album STUPID DREAM de Porcupine Tree, más comercial y centrado en el rock; Wilson decidió comenzar un proyecto que explorarse la parte más psicodélica y experimental de Porcupine Tree.
Sea como fuere, este proyecto ya olvidado por Wilson (lo abandonó en 2001) nos regaló impresionantes trabajos previamente muy difíciles de encontrar y ahora reeditados en una estupenda caja recopilatoria limitada a 2000 copias de la mano de TONEFLOAT RECORDS: THE COMPLETE I.E.M., que contiene sus tres discos de estudio, un single de doce pulgadas y material extra de algunas reediciones, todo ello empaquetado en una maravillosa caja que contiene 4 digipacks estilo edición japonesa y un impresionante libreto con fotografías antiguas (años 40 y 50 casi todas) que harán las delicias de los amantes de los documentos fotográficos antiguos (la verdad es que el señor Wilson tiene bastante talento a la hora de hacer el artwork de todos sus trabajos, tanto con Porcupine Tree como en solitario).




La formación completa de I.E.M. en estos trabajos vendría a ser: Steven Wilson - Guitar, Keyboards; Colin Edwin - Bass; Mark Simnett - Drums y Jeff Lee - Flute; aunque la verdad es que he encontrado poca información al respecto, ya que la caja en sí, pues la verdad es que no ahonda nada en la formación ni en datos biográficos. Suenan Mellotrones, saxos, samples... en fin, que me da que el peso de casi todo recae en Steve Wilson.

Los trabajos que incluyen la caja son:


I.E.M. - I.E.M. (1996)
01. The Gospel According To The I.E.M
02. The Last Will And Testament Of Emma Peel
03. Fie Kesh
04. Deafman

El primer trabajo de I.E.M. se abre con un temazo rápido ("The Gospel According to the I.E.M") que me recuerda a los NEU! o CAN... muy psicodélico y espacial;"The Last Will and Testament of Emma Peel" es mucho mas ambiental y se asemeja a los discos mas reflexivos de unos POPOL VUH religiosos y mántricos, pasados por el tamiz personal de Wilson. "Fie Kesh" tiene un comienzo tribal para ir dando paso a un bajo penetrante y obsesivo acompañado de guitarras acústicas y un sonidillo de fondo que recuerda a un harmonium, para irse haciendo cada vez mas espacial y etéreo...;para terminar, "Deafman" respira psicodelia y spacerock por los cuatro costados a lo GURU GURU, CAN, NEU!... y es que no puedo quitarme esos nombres de la cabeza: melodías hipnóticas y repetitivas que te van taladrando poco a poco la corteza cerebral.
Me encanta la producción del disco; totalmente cercana a sonoridades de los 70 pero sin perder nitidez y claridad. Aparete de los grupos citados, AMON DUUL II son otra clara influencia en I.E.M., aunque debe quedar claro que influencia no refleja copia en ninguno de los temas que escucharemos en su discografía.


I.E.M. - AN ESCALATOR TO CHRISTMAS (1999)
01. An Escalator To Christmas
02. Headphone Dust
03. Interview

04. An Escalator to Christmas (exten
ded)
05. I.E.M. Have Come For Your Children

Este cd engloba "An Escalator to Christmas" 12"Ep (los dos primeros temas), dos bonus tracks que fueron incluidos en un recopilatorio del grupo (temas tres y cuatro), y como colofón el último tema que era un bonus track incluido en el álbum "I.E.M. Have Come For Your Children" en la versión doble vinilo. "An Escalator to Christmas" comienza con unos bizarros recitados para dar paso a un tema muy a lo TANGERINE DREAM de su etapa más melódica, con una base rítmica machacona y una guitarra psicodélica insistente, sin grandes alardes pero muy efectiva. El tema se interrumpe nuevamente con mas bizarradas vocales para seguir el tema muy a lo POPOL VUH, con tablas a la percusión y teclados creando sugerentes ambientes espaciales. "Headphone Dust" es muy tranquilo y cósmico, enlazando tras una breve interrupción a modo de entrevista con "An Escalator to Christmas (extended)", mucho mas onírica y sugerente que la versión que abre el disco, con una tribal percusión con tablas a partir de la que se construye el tema, con idas y venidas de teclados, guitarras lejanas y unas espectrales flautas meditativas que le dan al conjunto un aire de Raga hindú... el final del tema muy a lo TANGERINE DREAM del disco ALPHA CENTAURI. "I.E.M. Have Come For Your Children" es otra muestra de lo influenciado que está Steven Wilson por el Kraut alemán; en ocasiones parece que estés escuchando a ASH RA TEMPEL, otras a POPOL VUH, otras a ORGANISATION (pre - KRAFTWERK)... todo teñido de una pátina tribal y mántrica digna heredera de esas bandas ya mencionadas. A modo de curiosidad, un tema escondido emulando un cd limpiador... personalmente odio estas chorradas, al igual que los interludios de samples y tal que se escuchan en el disco en su primera mitad y que le restan fuerza al conjunto (pero vaya, que esto era bastante común también en el genuino KRAUTROCK).


I.E.M. - ARCADIA SON (2001)
01. Wreck (1.25)
02. Beth Krasky (0.26)
03. We Are Not Alone (7.28)
04. Cicadian Haze (6.11)
05. Politician (1.08)
06. Arcadia Son (7.48)
07. Shadow of a Twisted Hand Across My House (20.20)
08. Goldilocks Age 4 (1.10)

Segundo disco oficial de I.E.M. y para mí uno de los mejores. Ambientes jazzeros y tribales a lo Sun Ra, pero sin perder ese aire cósmico alemán que abandera al proyecto. "Wreck" abre el disco de forma corta pero intensa, con un free-jazz espacial de alto octanage; tras un nuevo sample vocal ("Beth Krasky") comienza "We are not Alone", que suena como si Sun Ra y Hawkwind se hubiesen unido para grabar un tema, con unas meditativas flautas y unos teclados muy a lo jazz británico... demencial!; "Cicadian Haze" con un aire a música hindú otra vez con una maravillosa flauta, tambores tribales, pajarillos de fondo y un bajo obsesivo que se va haciendo hueco poco a poco a la vez que el tema se va haciendo cada vez mas onírico y psicodélico; "Politician" podría ser el tema de cualquier peli porno de los 70... los menores de edad que se salten el tema; "Arcadia Son" nos vuelve a retrotraer a unos Sun Ra menos desbocados y con aire a World Music... aunque el final del tema me ha recordado mucho a los propios Porcupine Tree; "Shadow of a Twisted Hand Across my House" es indescriptible: 20 minutos de bailable jazz espacial con un saxo que se sale y unos colchones sonoros de fondo muy de película de ciencia ficción... vaya, como si Nine Inch Nails y Klaus Schulze se decidieran a hacer un remix de I.E.M. tras haberse tomado unos cuantos tripis... por cierto, algunos interludios rebosan de una oscuridad que ya quisieran para sí algunos grupos que van por ahí de malignos...; el disco lo vuelve a terminar otra chorradilla de sample de título "Goldilocks Age 4" que creo que son del propio Wilson cuando era pequeñín, aunque no estoy seguro del todo.
RESUMEN: UN DISCAZO.


I.E.M. - I.E.M. HAVE COME FOR FOUR CHILDREN (2001)
01. Untitled 01
02. Untitled 02
03. Untitled 03
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Uno de los discos más experimentales de Wilson. Los temas 1 al 5 son improvisaciones de material antiguo de 1999. El disco comienza muy ambiental para irse psicodelizando progresivamente a lo ACID MOTHERS TEMPLE pero con un sonido menos alocado que los japoneses. Por lo tanto mucho overdubbing de temas previos, nuevos trabajos de guitarra y batería, regrabaciones de flauta... vaya, que es una especie de regrabación de todo lo anterior de I.E.M. (el primer tema es ARCADIA SON pero en 35 minutos!) pero mucho más improvisado y a modo de jam session. Los temas 2,3 y 4 me han recordado enormemente con su ritmo dub y el saxo a los PAINKILLER de John Zorn, sobre todo por la cadencia doom y el bajo grave y reverberante. El quito tema es mas noise y alocado, pero mas o menos sigue la onda de los anteriores. Por último, el tema 6 se desbanca de todo lo anterior al ofrecernos una melodía construida mediante MELLOTRON CHOIRS y DULCIMER bastante evocadora y nostálgica... perfecta para acabar el disco. OTRO DISCAZO IMPRESIONANTE.

Poco más queda que decir salvo recomendar encarecidamente I.E.M. a todos los que disfrutan de todos los sonidos descritos anteriormente. Dales una oportunidad y si estás a tiempo, quizás todavía puedas conseguir la estupenda caja recopilatoria de TONEFLOAT.

domingo, 17 de julio de 2011

THE FROST (LA ESCARCHA)



THE FROST (LA ESCARCHA) es una coproducción Hispano-Noruega de 2009 dirigida por el debutante Ferrán Audí, que previamente había dirigido el interesante cortometraje "TERESA Y LOS NO-MUERTOS", en que una anciana afectada de Alzheimer rememora una y otra vez una carta de la Guerra Civil. LA ESCARCHA es pues una arriesgada propuesta de drama psicológico y oscuro que ahonda en el corazón de los sentimientos nunca revelados, las avaricias personales y los deseos reprimidos, y de como un hecho que debe de unir a una familia lleva a una vorágine de destrucción y pérdida de cordura.

"Tras la muerte accidental de su único hijo Eyolf, Rita y Alfred sienten tal remordimiento que se ven abocados a una feroz lucha de mutua destrucción. Su sentimiento de culpa les obliga a reconocer una verdad dolorosa: han estado tan obsesionados con sus pequeñas necesidades egoístas que olvidaron amar a su hijo. A medida que surge la verdad, sus demonios internos se desatan, libres ahora de torturarles y perseguirles sin tregua por un camino que puede llevarles hacia la esperanza o condenarles para siempre. Rita y Alfred deben encontrar desesperadamente cómo hacerse perdonar la culpa de aquello que se negaron hacer en el pasado. (FILMAFFINITY)".

LA ESCARCHA no es una película fácil por muchas razones. En primer lugar, su modo de narrar no es para nada cómodo, con numerosos saltos bruscos que confunden al espectador, y que por lo que he captado de otras críticas, lleva al respetable a aburrirse soberanamente. Tampoco creo que el desarrollo abierto del guión guste a demasiada gente, menos aún con los toques surrealistas a lo Lynch que irrumpen en el metraje cuando menos te lo esperas. La banda sonora es fría, estridente y alocada, no teniendo a veces mucho que ver las imágenes y sentimientos con que somos abordados en la pantalla con las histriónicas notas a lo WALDO DE LOS RÍOS en sus colaboraciones con Narciso Ibáñez Serrador.
Sin embargo, a mí la película me ha encandilado. Seguramente algo habrá tenido que ver el gélido ambiente de Noruega donde la película ha sido rodada, que le da una pátina de lanquidez y de sentimientos enconados muy típica del cine de HANNEKE (aunque sin su sórdida y cruda violencia) y la original forma de narrarnos las psiques en descomposición de sus protagonistas. Las metáforas se van sucediendo en el film y a modo de pequeñas pistas pseudo-oníricas de flashbacks y visiones que se confunden con la realidad nos vamos metiendo en una vorágine de culpa y sentimientos enconados, ocultos y tapados por LA ESCARCHA del día a día.
Sus personajes están muy correctos: Aitana Sánchez Gijón, el noruego Trond Espend Seim (con una sorprendente versatilidad para los arranques emocionales muy en contraste con la frialdad de su personaje) o Tristán Ulloa (en un personaje la verdad bastante anodino) entre otros.
Algunas escenas son turbadoras y surrealistas, comparables, repito (quizás me equivoque) al cine de Lynch y Hanneke (sobre todo este último), aunque sin la violencia y sexualidad inmanente en el cine de ambos.
A veces sí que confunde el hecho de que parece que estemos asistiendo a un thriller psicológico más que a un profundo drama humano y es quizás esa mezcla de géneros lo que lleve a confusión a la crítica especializada, mas atentos en calificar y poner etiquetas que de dejarse llevar por las historias "difíciles" como la de LA ESCARCHA. Yo personalmente he disfrutado mucho de la película, que me ha parecido un estupendo ejercicio de cine de autor, huyendo de estereotipos y moldes para crear un drama personal, abierto y sugerente donde cada cual captará lo que le venga en gana.
Como curiosidad final, decir que el guión de Ferran Audí está inspirado en el clásico cuento "El pequeño Eyolf" de H. Ibsen (1828 - 1906), poeta y dramaturgo Noruego.
COMO SE DICE EN LA PELÍCULA, LA ESCARCHA MATA AL FRUTO, PERO CONSERVA A LA SEMILLA...


The Frost (La escarcha) - Tráiler español por elseptimoarte

ARQUEOLOGÍA DE LAS CIVILIZACIONES DEL MAR MUERTO



La polvorienta búsqueda de incunables no es tarea fácil. En ocasiones las reliquias del tiempo pasado nos esquivan, bien por avatares de la misma vida, o bien por poder adquisitivo de otro mejor postor. Ahora bien... ¿qué es lo que yo entiendo por ARQUEOLOGÍA LITERARIA?. Veamos. En los tiempos digitales que corren es fácil darle a una tecla y encontrar un incunable a la venta en la red... todo limpio y aséptico. Pagas con Paypal y te lo mandan a casa limpio y dentro de una bolsa de burbujitas. Pero para mí eso no es ARQUEOLOGÍA LITERARIA... o por lo menos yo no la concibo así. La búsqueda del tesoro añejo y amarilleado debe de realizarse a pie, bajo montañas de libros con olor a polvo que amenaza con provocarte una seria infección pulmonar. Los ácaros conviven con el incunable porque ellos saben atesorar su comida... saben meterse entre las páginas ocultándose de la insoportable luz que los ciega y que los saca de su confortable vivienda de celulosa.
Otra de las premisas que para mí debe de cumplir la búsqueda del incunable es que debe salirme barata; nada de grandes sumas injustificadas solo aptas para adinerados coleccionistas cómodos con portátiles de última generación. Los pulpejos de los dedos deben acabar ennegrecidos por el polvo de siglos y la celulosa que se descompone... y al final, entre aquel hueco que no habías visto y bajo aquel tomo insulso... allí lo encuentras: LAS CIVILIZACIONES DEL MAR MUERTO, de ALBERT CHAMPDOR, con las siguientes características técnicas:

Las Civilizaciones Del Mar Muerto. B., Ayma, 1962.-- 1ª ed., Colección Sumer. Introducción de Rumualdo M. Díaz Carbonell. Ilustrado con 79 fotografías en blanco y negro y 2 mapas. Trad. de Jaime Elías.-- tela, 21x15 cm., 184 pp.

Mi única pega es que al contrario que la fotografía que ilustra este articulito, el susodicho libro no traía la solapa con la fotografía de Petra. Pero vamos, el encuadernado rústico a tela tampoco desmerece para nada el producto final y las sobrecubiertas tan antiguas suelen perderse con el paso de los años y el cambio de dueño de los libros. Las 79 fotografías en blanco y negro son una gozada, ya que muestran todo el entorno del Mar Muerto (Monte Nebo, Petra, Qumran...) tal y como se nos mostraba hace casi 50 años, sin turismo y sin payasadas de mercadillo. Gloria a los primeros arqueólogos que pisaban y se aventuraban a explorar el polvo de los desiertos, los escarpados picos de las montañas o las umbrías junglas congoleñas...

Y luego viene el mimo de la restauración: retirarle el polvo y limpiarlo. Poner derechas las páginas que llevan eones dobladas, borrar las huellas a lápiz de antiguos propietarios (cuando vienen a bolígrafo es todo un problema, y es recomendable dejarlo como está)...
LA ARQUEOLOGÍA LITERARIA no siempre es comprendida por los demás, que en el imperante mundo de los e-books y de los libros nuevos en Fnac y Casa del Libro no entienden que alguien todavía busque libros de medio siglo de antigüedad, ediciones primeras y descatalogadas, o simplemente lo que para mí es nostálgico y evocador aunque no tenga demasiada antigüedad. Bicho raro para algunos y coleccionista de basura para otros, tengo que decir que el placer de la fetichista y mitómana búsqueda es suficiente para contestar a todos aquellos que no comprenden mi aventurera afición.
Como siempre, recordaos que echéis un vistazo a los baúles de los abuelos, y no tiréis nada que a otro pueda hacerle sentir el INDIANA JONES de los libros.

sábado, 16 de julio de 2011

PUTREZINE 004... THE RUNNING MAN (PAUL MICHAEL GLASER; ESTADOS UNIDOS, 1987)



THE RUNNING MAN (PERSEGUIDO) es un engendro fílmico realizado en 1987 al amparo de los subproductos de acción de videoclub que pululaban por la época. Aprovechando el tirón de éxito en taquilla de actores como Stallone o Arnold Schwarzenegger, surgieron a finales de los 80 auténticas aberraciones de culto que hoy día se veneran como el súmmum del cine de acción. Clásicos instantáneos de una época ya desaparecida y fruto de una generación que ha crecido al amparo de los videoclubs.
Ambientada en un hipotético año 2017 en Los Ángeles, en un represivo estado policial donde toda actividad cultural es censurada, el gobierno mantiene entretenida a la población mediante sádicos concursos de supervivencia donde los concursantes luchan por sus vidas al estilo de los gladiadores de antaño. A caballo entre el género de aventuras, las artes marciales y el ciberpunk, PERSEGUIDO es una versión muy libre de la novela de Stephen King que posteriormente comentaremos.



Ben Richards (Schwarzenegger), es un antiguo capitán y piloto de helicópteros encarcelado injustamente por una masacre que no cometió; tras escaparse del campo de concentración donde está recluido (parece esto la introducción del EQUIPO A), y tras muchos avatares, acaba de concursante en THE RUNNING MAN, programa que presenta y dirige Damon Killian (Richard Dawson). Supuestamente, aquellos que ganan el concurso ganan premios en dinero y son puestos en libertad, aunque evidentemente la realidad es otra y el concurso es en realidad un especie de tapadera...
La ambientación de la película es una de sus mejores bazas, rozando el surrealismo en algunas partes, y todo ello gracias al plató futurista del concurso y a los enemigos de estética futurista (bueno, lo que por entonces se entendía por futurista, ya que hoy en día los trajes parecen sacados de un videoclip de LOCOMÍA) que persiguen a los concursantes, y que son llamados cazadores (SUBZERO, DYNAMO, FIREBAL... todo un espectáculo). La fotografía de la película bebe de la estética ciberpunk de películas como MadMax, con ambientes oscuros y opresivos que contrastan con las luces de neón de colorines de algunas escenas de la película. Magistral pues la idea de un concurso de supervivencia como el mostrado en la película, que se televisa en todos los hogares e incluso en las calles. Distracción para las masas en tiempos de crisis... ¿os suena de algo?.



Puesta ya toda la carne en el asador, la trama está ya preparada para el lucimiento de nuestro héroe favorito, el señor Arnold Schwarzenegger que está que se sale en uno de los papeles que le iban a medida; también destacar a la muy frecuente por aquellos entonces Maria Conchita Alonso, como "la tía buena de la peli que acabará enamorándose del héroe"...
THE RUNNING MAN está basada en la homónima novela de STEPHEN KING llamada en España EL FUGITIVO y que King publicó con el seudónimo de Richard Bachman. Como siempre, recomendar la novela que es una de las grandes olvidadas de King; cruda, directa y vertiginosa, EL FUGITIVO se concursa a nivel mundial, por las calles de las ciudades y con el riesgo de que la misma población vaya denunciando a los concursantes para que los capturen antes... narrada con un ritmo trepidante a modo de cuenta atrás, no os podéis perder el impresionante final... QUE NADIE OS LO CUENTE!.
Poco queda ya que decir porque dudo que todavía exista gente que no haya visto PERSEGUIDO, todo un clásico del cine de acción a la altura de COBRA, COMMANDO, EL GUERRERO AMERICANO y otros subproductos de la época.
Por cierto, en los tiempos de crisis económica que estamos viviendo, y con tanto reality show idiota por ahí... ¿no estaría mal un concurso como THE RUNNING MAN?... seguro que mas de uno se inscribía arriesgando su vida para ganar... LAS PELAS SON LAS PELAS.

jueves, 14 de julio de 2011

INSIDIOUS



Si cogiésemos POLTERGEIST y EL FINAL DE LA ESCALERA, los metiésemos en una batidora, y luego le añadiésemos un kilo y medio de mierda... posiblemente daría como resultado INSIDIOUS. Poco queda que reseñar ya ante lo dicho. Mira que fuí advertido, mira que mi sexto sentido me decía que no fuese al cine a verla, mira que sabía que cuando crítica y público se aunan para ensalzar algo, el resultado suele ser todo lo contrario... al final de todo, evidentemente la culpa es mía. Advierto que a partir de aquí voy a destripar la película, así que quien tenga intención de verla, mejor no siga leyendo.
INSIDIOUS parte de los créditos de inicio mas estúpidos que he visto nunca, quizás intentando homenajear a Historias de la Cripta o algo así... porque de otro modo no puedo explicar tanto despropósito. A partir de los créditos, todo un desfile de topicazos con médium arrugada como una pasa como mandan los cánones... Y POR DIOS, QUE NADIE SE PIERDA LA ESCENA DE LA MÁSCARA DE GAS CONECTADA A LA OREJA DEL AYUDANTE... ¿es posible que esté viendo esa escena una y otra vez en mi cabeza sin poder quitármela de la mente?...


LA MÁSCARA DE GAS CONECTADA A LA OREJA DEL AYUDANTE...

Luego tenemos el tema de los viajes astrales... ¿PARA QUÉ QUIERES HACER VIAJES ASTRALES A TU PROPIA CASA (EN VERSIÓN MALIGNA)?... ¿ACASO ERES GILIPOLLAS?... y si el alma está fuera del cuerpo... ¿PORQUÉ SE MUEVE ÉSTE COMO SI TUVIESE EL MAL DE SAN VITO EN LAS ESCENAS TENSAS?...
Como me dijo un amigo (véase la crítica de la película en migueflyingcircus.blogspot.com, los entes de EL MAS ALLÁ (que es como la médium llama al sitio donde van los entes astrales en un alarde de originalidad) son lo más excéntrico que se haya visto nunca. Un demonio que parece sacado de la guerra de las galaxias, una familia asesinada en el pasado que no viene a cuento, un chavalillo sacado de los cuentos de Dickens, y el colofón... Mick Jagger vestido de folclórica.


MICK JAGGER VESTIDO DE FOLCLÓRICA...

BUSQUEN USTEDES LAS DIFERENCIAS...

Para terminar de rematar el asunto, la médium le dice al padre del niño que el era un gran viajero astral, y que le anuló el poder para que no pudiese entrar en EL MAS ALLÁ... ahora necesita hacerlo para recuperar a su hijo y le devuelve el poder... ¿ALGUIEN ME PUEDE DECIR SI ESTA MÉDIUM TIENE QUE VER CON SAN ANTONIO BENDITO, POR UN LADO TE LO DOY Y POR OTRO TE LO QUITO?...
¿Se pasa miedo en la película?... bueno, quizás la pregunta no está bien formulada... ¿se te acelera el corazón con algunas escenas?... pues claro, si te suben el sonido junto con un golpe fuerte y te muestran una cara fea de repente... ¿no te vas a asustar?, ni que mi cuerpo fuese de piedra. El problema es que si es la única cualidad del film la cosa no funciona.
Total, que voy a callar ya no vaya a ofender a algún fanático de la película. Mi pésame al semor JAMES WAN por tan infame película... y el que quiera sacar metáforas a la película, allá el... mi intelecto quizás no es tan privilegiado como el de los grandes críticos de cine que ven donde no hay. Para colmo arrasa en taquilla mientras otros productos humildes e independientes de una gran calidad de guión e ideas no llegarán siquiera a las más reconditas salas de cine de nuestro país. MALAGA CAPITAL CULTURAL año 3050 gracias a programaciones de cine como estas.
Por cierto, no malgasto el tiempo en poner el trailer no vaya a ser que alguien se anime a verla...

IT´S AFTER THE END OF THE WORLD



"IT´S AFTER THE END OF THE WORLD: Sun Ra And His Intergalactic Research Arkestra live at The Donaueschingen And Berlin Festivals
" (octubre-noviembre de 1970), es uno de esos discos de difícil calificación. Obra maestra para algunos y auténtica cacofonía para otros. El particular sonido Free-Jazz de Sun Ra es llevado aquí a su máxima expresión, con un sonido cuasi ritual totalmente desbocado. Ritmos africanos se mezclan con los teclados de otro mundo de Sun-Ra, mientras las percusiones te hacen creer estar en un ritual de chamanismo en plena superficie lunar. Los saxos, flautas, trompetas, clarinetes, tambores, y los siete teclados de Sun-Ra: Órgano, Mini-Moog, Piano, Clavinete, Roc-si-chord, Electra y Spacemaster son los protagonistas del ritual cósmico africano que nos va taladrando la espina dorsal hasta que nos vemos totalmente imbuidos de la magia y oscuridad del sonido.
El vanguardismo y raíces profundamente africanas mezcladas son toda una experiencia auditiva que nos hace pensar que Sun-Ra no era definitivamente de este mundo.
Música para los oídos y para el alma.


martes, 12 de julio de 2011

RELATO: QUE CAIGAN LAS MÁSCARAS



La noche no era especialmente fría, pero sí era desolador y pétreo mi interior. Como aquel que se asoma a un abismo insondable a sabiendas de que cualquier soplo o ligero movimiento puede llevar a engullirlo, traté de apretar los dientes y hacer regresar las lágrimas al lugar de donde habían venido. Pero hay verdades anunciadas a gritos previamente... muertes que se veían venir desde hacía mucho; acaso todavía sus corazones latiendo por su obstinado deseo de vida.
Y allí estabas, paseando un perro de raza... de raza chucho, pero que tú querías y que te recordaba a tu mas tierna niñez. El perro me ladró, ya que nunca fuí santo de su devoción. Hacía días que no te veía... hacía días que estaba sumido en el más negro de los pozos, incomunicado aunque rodeado de gente.
Yo sabía que el futuro no iba a ser fácil. Sabía que te estaba perdiendo, sumido como estaba en un mar de dudas. El diagnóstico siempre es claro cuando se conoce de antemano... cuando ya veías venir a kilómetros de distancia la raíz del problema... pero es duro separarse de la persona que veladamente y sin saberlo, amas.
Con la frialdad quirúrgica que solo un médico puede dar, te encuentras rodeado de palabras incomprensibles que identifican pero no definen. Pero nada importa cuando la soledad de la alcoba te acoge y un plátano te endulza el paladar... sueño químico, aséptico, tranquilo y profundo. Vivencias extremas de sudor, temblor y motilidad fina jodida... ¿dónde está mi deseo? ¿dónde está mi pasión? ¿quién me robó la erección que habría yo de regalarte?... peor aún... qué cúmulo de pensamientos te robaron de mi lado?...
No importa, porque como digo, allí estás ajena a todo, paseando a tu perra. Tu ventana he visto encendida muchas veces pero nunca me atreví a acercarme. Ha llegado la hora de contar la verdad, de enfrentarse a lo nuevo... ES LA HORA DE MI CARNAVAL... QUE CAIGAN LAS MÁSCARAS.

domingo, 10 de julio de 2011

EL FENÓMENO LSD



Publicado en 1966, EL FENÓMENO LSD es un interesante ensayo a cargo del escritor y periodista John Cashman. Una de las principales razones que hacen que me interese leer este tipo de libros es que son fiel reflejo y documento de la época en la que fueron escritos, de la forma de pensar del pueblo y del sentir general, de modo que resultan estudios sociológicos bastante acertados.
En 1966, en plena vorágine deL uso de la Dietilamida del ácido lisérgico o LSD, Cashman nos propone un corto pero intenso viaje desde la aparición y descubrimiento de la sustancia en un laboratorio suizo en 1938, donde el químico Albert Hoffmann de los laboratorios SANDOZ sintetizó la sustancia durante un programa de investigación intentando buscar sustancias medicinales derivadas del alcaloide ergolina (presente en el cornezuelo de centeno), hasta los movimientos sociales que surgieron alrededor de su consumo, casi rayando en el sectarismo. La sustancia quedó aparcada junto a otras del laboratorio de SANDOZ hasta que Hoffmann descubrió por casualidad las propiedades psicodélicas de la sustancia en 1943.
A partir de ahí, el libro nos desgrana todo lo que se sabía oficialmente (y algo más) sobre la sustancia en la época, desde sus posibles usos para el tratamiento de enfermos mentales (se creía que el LSD, por sus propiedades alucinógenas iba a ser la panacea para el tratamiento de la esquizofrenia), hasta el culto cuasi religioso al que fue somentido el LSD por personajes famosos como el escritor y psicólogo Thomas Leary, que se convirtió en el gurú de la sustancia creando diversas organizaciones al filo de la legalidad que promulgaban que el LSD iba a ser la vía rápida de conectarse a Dios y de vivir una experiencia límite religiosa. Actores como Cary Grant afirmaban que gracias a la sustancia su vida había cambiado hasta límites insospechados, mientras que otros afirmaban que la droga provocaba la aparición de psicosis y síntomas cercanos a la esquizofrenia.
Sea como fuere, la época convulsa vivida en aquellos años en América, con el conflicto bélico de Vietnam en pleno auge y una agitada juventud contestataria, hacía que las universidades fueran hervideros para la experimentación con drogas, con una juventud deseosa de evadirse de la realidad reinante. Todo ello es maravillosamente reflejado en el libro, con multitud de testimonios y declaraciones de todo tipo de personas que han tomado la sustancia, desde universitarios de Harvard a científicos, desde gente llana sin estudios hasta voluntarios de experimentos...
También se hace en el libro un pequeño estudio comparativo entre las sustancias alucinógenas conocidas en la época: el peyote mexicano y drogas de laboratorio, pasando por míticas sustancias de leyenda como el SOMA al que hacía referencia Aldous Huxley en UN MUNDO FELIZ. Huxley por cierto fue considerado otro gurú de la experimentación psicodélica gracias a su coqueteo con todo tipo de alucinógenos, especialmente el peyote; luego puso de manifiesto sus experiencias con el libro LAS PUERTAS DE LA PERCEPCIÓN.
Como digo, EL FENÓMENO LSD es un estupendo estudio social de la época, y encontramos curiosidades (no olvidemos que el libro es de 1966) como la creencia de que el LSD iba a ser la panacea de la curación del alcoholismo, la frigidez en las mujeres (sin comentarios) o convertir en heterosexuales a los homosexuales (otra vez sin comentarios); no quiero ni imaginarme los experimentos que se harían en oscuras naves industriales del ejército estadounidense o en aislados bunkers soviéticos en plena guerra fría.
Lo bueno de bucear entre antiguos y añosos libros ya olvidados es la satisfacción de descubrir interesantes libros como este, en el que el autor, sin posicionarse hacia ningún lado, nos describe toda la idiosincracia que rodea a los alucinógenos y su posible "legalización" con fines medicinales.
Todo un documento de toda una época.

sábado, 9 de julio de 2011

WHITEBUZZ: BOOK OF WHYTE



WHITEBUZZ se formaron en Hannover, Alemania, en 2006 y editaron su debut BOOK OF WHYTE EN 2009 con la discográfica METEORCITY RECORDS. En formación de power jam trío, estos germanos no ocultan sus influencias de los grandes del Stoner, encontrándose en su música ecos a lo SLEEP (no se me quitan de la cabeza las semejanzas a DOPESMOKER Y JERUSALEM), OM, KYUSS... pero todo ello tamizado por un espíritu psicodélico y espacial que lo impregna todo. Temas de largo desarrollo a modo de jam sessions, con una base rítmica apabuyante, y unas guitarras stoner que en ocasiones se impregnan de la oscuridad de unos PINK FLOYD época A SAUCERFUL OF SECRETS. Por lo tanto, no es que la música de WHITEBUZZ sea tremendamente original, pero sí es de altísima calidad, y es que para mí no sobra ni falta nada en un album que quizás para otros sea excesivo (70 minutos). Las voces limpias y calmas como una playa en marea baja... susurrante, hipnótica y espacial como mandan los cánones... para mí un acierto.
Quisiera destacar también la maravillosa portada que me recuerda a grupos de progresivo de los 70, con esos paisajes de otros mundos que bien podrían estar ubicados en nuestra mente.


jueves, 7 de julio de 2011

DOMO (RADIX RECORDS 07, 2011)



Ya tenía ganas la verdad de realizar esta reseña. DOMO fueron uno de los grupos revelación del año pasado y tanto crítica especializada como aficionados a la psicodelia, el doom y el rock progresivo coinciden en la alta calidad de su propuesta.

Provenientes de grupos y proyectos previos, los alicantinos Samuel Riviere (Guitarras/Fx), Paco García (Batería) y Óscar Soler (Bajo/Voz), su homónima demo debut autoeditada fue grabada, mezclada y masterizada en Agosto de 2010, y ahora ha sido la Gallega RADIX RECORDS la encargada de remasterizar y editar dicha demo en formato profesional con un sonido mucho mas pulido y limpio.

Lo primero que me llamó la atención del debut de DOMO fue la impresionante portada con el astronauta sovietico YURI GAGARIN que creo que define a la perfección el sonido de DOMO, y es que no puedo dejar de quitarme de la cabeza el ambiente a Guerra Fría que destila el album, a LSD administrado por la CIA y la KGB en su época gloriosa de experimentos, a Guerra de las Galaxias de los soviets y los americanos, a astronautas que fueron y no volvieron, a secretos guardados... en fin, que como soy un poco soñador me dejo llevar por la portada y mi imaginación intenta averiguar lo que voy a encontrar dentro del disco antes de escucharlo.

Pues bien, no creo que ande muy desacertado. DOMO nos acercan la psicodelia de finales de los 60 y 70, pero no la psicodelia popera de unos Beatles desenfadados, sino la psicodelia lisérgica del LSD, de los interminables y progresivos riffs que escalan hasta las estrellas, junto con reminiscencias al rock progresivo espacial y oscuro que se destilaba en recónditos garajes alemanes en la década de los 70 (véase los míticos y oscuros GERMAN OAK).

También me han recordado bastante a grupos míticos de la escena nacional como los extintos FOOZ, los mas Kraut LÜGER y TRAUMMASCHINE o los mas centrados en la psicodelia MATER DRONIC de Jose Carlos Sisto. Hay temazos como los dos primeros "Nadi" y "Prana", totalmente ácidos y lisérgicos, con mucho fuzz y wah-wah y otros mas duros, rockeros y doom como "Asura", con ciertos aires orientales. "Pretas" comienza con unas sugerentes líneas de guitarra acústica, con ecos espaciales de fondo para endurecerse y volverse a ralentizar después, uniéndose a la mas post-rockera "Yamantaka".

Pero DOMO son mucho más, y es que a veces uno no puede creerse tanta calidad y variedad en el sonido con solo una formación de power trío. También encontramos ecos del doom que se destila en la actualidad, muy espacial y de alto octanaje, y es que creo que estamos viviendo un revival de la música setentera bastante importante; no en vano los grandes experimentos musicales tuvieron su época álgida en esa década.

Lo que sí es cierto es que DOMO es un grupo muy guitarrero, con una preponderancia instrumental que creo que se irá acentuando con próximas grabaciones, no en vano su alta calidad como instrumentistas probablemente los llevará a dar un pelotazo en un futuro no muy lejano, tal y como les ha ocurrido a los soberbios THE SOULBREAKER COMPANY, y es que sin prisas y haciendo la música que te gusta y disfrutas, la apuesta nunca puede salirte mal.

De las guitarras poco queda decir que no se haya dicho ya; el bajo inconmensurable e incansable junto con una batería machacante que va marcando el paso y el fondo para que la guitarra nos vaya cortando el lóbulo temporal como un cutter.

Esporádicos efectos especiales y teclados ayudan y realzan la atmósfera final y que personalmente me hubiera gustado que se prodigaran más, aunque esto es algo muy personal, y es que soy muy de sonidillos y potenciadores. Pero hablando de teclados, "Eta Carinae" nos ofrece una bella melodía a sintetizador y guitarra acústica, muy etérea y soñadora que se me hace cortísima, ya que inmediatamente da paso al monstruo "Samsara", donde DOMO nos resumen (en 24 minutos) su propuesta en una RAGA espacial que te deja la boca colgando... fin de fiesta por todo lo alto.

Gracias a las estrellas, RADIX RECORDS (casa de otros grupazos como MARASME, THE SANDCOLLECTOR, BURBUJERÍA, EL CUBO Y HOM) ya ha anunciado que habrá nuevo disco posiblemente a corto plazo. Toda la suerte del mundo pues para una discográfica que poquito a poco y con buen pie va a dar que hablar en un futuro no muy lejano, y es que al contrario de las grandes casas discográficas, aquí el trato es personal y prácticamente el lucro es imposible, con lo que cuando haces las cosas por el amor a la música y a los grupos que a tí te gustan, la satisfacción tiene que ser doble.

DOMO supuran por todos los poros un ambiente espacial, hipnótico y lisérgico como el combustible requemado de un transbordador espacial.

Música sin prisas y para volar despierto. QUIERO MÁS.






miércoles, 6 de julio de 2011

STELLAR REGIONS



STELLAR REGIONS pertenece al llamado "periodo tardío" de Coltrane, que abarca prácticamente sus últimos discos a partir de ASCENSION. Éste que hoy nos ocupa cuenta con la particularidad de que fue descubierto por su esposa Alice Coltrane ya después de la muerte de éste, y prácticamente todo el repertorio es inédito, excepto el tema "Offering", que formaba parte previamente de su último album Expression, y que por cierto comienza con unas primeras notas que recuerdan enormemente a "A Love Supreme". El disco recoge pues la sesión de grabación del 17 de Febrero de 1967, con una formación distinta a la habitual en sus previas grabaciones: Alice Coltrane al piano, Jimmy Garrison al bajo y Rashied Ali a la batería (con el que Coltrane grabaría el inconmensurable INTERSTELLAR SPACE...).
Excepto el tema "Offering", al que Coltrane le puso nombre poco antes de fallecer, los demás carecían de nombre cuando Alice Coltrane los rescató, siendo ella misma la encargada de ponerle los nombres.
El disco no es fácil, pero tampoco es tan difícil como otros de su época tardía. El free jazz está presente en todo el disco, con un Coltrane tocando muy alto y haciendo verdaderas locuras con el saxo tenor (aunque se cree que en esta grabación utilizó un saxo alto). La música es contemplativa a veces, fiera en otras.... música apta para volar por las regiones estelares, para darse un paseo alrededor del sol y sentir sus pulsaciones cósmicas. Jazz de otro nivel, bastante controvertido en su época y que hoy por hoy nos hace pensar qué hubiera grabado Coltrane si no hubiese fallecido tempranamente a los 40 años de edad. ¿Hacia dónde se habría dirigido su sonido?... difícil saberlo. Lo cierto es que la sensación que a uno se le queda al escuchar las últimas grabaciones de Coltrane es que el ya había transcendido este mundo, y que estaba en "otro lado", tocando para buscarse a sí mismo en el interior, dejandonos estos últimos documentos a modo de epifanías sonoras.



martes, 5 de julio de 2011

SOMOS LO QUE HAY, de JORGE MICHEL GRAU (MÉXICO, 2010)


"Una familia queda desamparada al morir su padre y líder; a partir de ese momento su viuda y sus tres hijos enfrentan una tempestad; los cuatro tendrán que darle la cara a su peor pesadilla, conseguir alimento por su propia mano. Continuar con sus ritos es vital, deben comer carne humana para sobrevivir. Ahora, por decreto, el mayor de los hermanos, un adolescente desubicado, tendrá que guiar a los suyos para conservar su tradición caníbal." (FILMAFFINITY)



Otro debut que nos llega esta vez desde México, país no muy dado al género fantástico o al menos al cine fantastico de exportación, ya que los productos que conozco de allí
son refritos televisivos tipo EL SANTO CONTRA DRÁCULA y cosas por el estilo, aunque no podemos olvidarnos de clásicos como CRONOS (Guillermo del Toro, 1993) o la clásica de serie b ALUCARDA, LA HIJA DE LAS TINIEBLAS (Juan López Moctezuma, 1975), además de algunas coproducciones Hispano Mexicanas actuales como EL ORFANATO (Juan Antonio Bayona, 2007).
Esta vez el producto es una sugerente historia de canibalismo en pleno México actual en una familia de nivel bajo aparentemente normal, pero que encierra un secreto. La película resulta interesante y original en la forma de tratar el tema, ya que está perfectamente realizada y acabada no resultando para nada un producto de serie b, sino que nos sorprende por la calidad de sus imágenes y efectos especiales, que aunque escasos son buenos.
Además cuenta con unos toques de humor negro y ambiente surrealista totalmente hilarantes, como la pareja de policías de segunda que investiga el caso o el encargado de la morgue.
Film por lo tanto original y que viene a traer un soplo de aire fresco en el tan manido ya cine de caníbales y familias marginales y depravadas.
Por último me gustaría destacar la banda sonora de Enrico Chapela, bastante conseguida y que se marca un tema en los títulos de crédito finales impresionante.


LA CASA MUDA de GUSTAVO HERNÁNDEZ (URUGUAY, 2010)


"Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) son contratados para restaurar una lejana casona de campo, cuyo dueño Néstor (Abel Tripaldi) quiere poner a la venta. Comienzan a trabajar y todo transcurre con normalidad hasta que Laura escucha un sonido que procede de fuera y se intensifica en el piso superior de la casa. Wilson su
be a inspeccionar mientras ella se queda esperando abajo... Basado en un suceso real ocurrido en 1944, en una vieja casa de campo donde fueron encontraron los cuerpos de dos hombres brutalmente torturados, sin lengua ni ojos. Las inquietantes fotografías que se encontraron fueron la clave para resolver el sangriento crimen." (FILMAFFINITY)

Varias son las razones que hacen interesante el visionado de LA CASA MUDA (Uruguay, 2010). En primer lugar decir que se trata de una ópera prima, cosa que de entrada me suele atraer bastante porque normalmente los directores suelen apostar fuerte en sus primeros cartuchos, y es posteriormente cuando su visión particular del género se suele ir diluyendo con el mainstream y el obligado marketing. Dirigida por Gustavo Hernández, el film posee la particularidad de haber sido grabado en su totalidad en un solo plano-secuencia sin cortes con una cámara fotográfica SLR DIGITAL (CANON EOS 5D MARK II) según se informa en la página web oficial de la película, siendo pionera en éste sentido.

Evidentemente, su nacionalidad es también motivo de interés al no ser un país común en la exportación de cine de terror.... y todo esto en cuanto a razones técnicas; pasemos ahora a la película en sí.



LA CASA MUDA no posee el mejor guión del mundo, ni siquiera es sorprendente en cuanto a planteamientos... pero tiene una atmósfera aterradora que justifica su visionado. Con un ambiente "balagueriano", con esa casa sucia, sórdida y llena de secretos que esperan detrás de cada esquina; no puedo quitarme de la cabeza el compararla con REC aunque la técnica de rodaje de ambas sea evidentemente distinta.

Si el hecho de estar gabada en un solo plano-secuencia podría parecernos que invalida un poco el desarrollo de la película, tengo que decir que todo lo contrario. La película se beneficia bastante del experimento incrementándose exponencialmente la sensación subjetiva de claustrofobia. Sus escasos tres protagonistas están muy correctos destacando evidentemente la actuación de Laura (Florencia Colucci) que sobresale en su papel no pareciendo forzada en ningún momento (y es difícil no parecerlo con un papel tan cerrado). Se le compara o publicita erróneamente con PARANORMAL ACTIVITY, ya que creo que las diferencias entre ambas son evidentes y no cabe lugar a comparaciones salvo quizás en algunos detalles.

LA CASA MUDA ha sorprendido en los festivales a los que se ha presentado y ha dejado muy buen sabor de boca. Su acabado final es muy bueno y tiene un final de esos que a mí me gustan y recuerdan a Historias para no Dormir... no digo más.

Si tienes un rato dale una oportunidad, a ser posible pasada la medianoche y a solas con tu televisor.


lunes, 4 de julio de 2011

EN UN MUNDO MEJOR (Hævnen, 2010)



EN UN MUNDO MEJOR o Hævnen (Venganza), fue la ganadora en los Globos de Oro 2011 a la mejor película de habla no inglesa y la ganadora del Oscar de 2011 a la mejor película de habla extranjera. Su directora, Susanne Bier (Copenhague, 1960) es una guionista, directora y productora danesa afiliada al movimiento Dogma 95, en el que también milita el danés Lars Von Trier.



El movimiento busca la simpleza de las filmaciones, sin apenas postproducción y con una serie de dogmas o mandamientos, que se definen como una especie de voto de castidad:

1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en lugares naturales. No se puede decorar ni crear un "set". Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una localizacion donde estén los objetos necesarios.

2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).

3. Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).

4. La película tiene que ser en colores. Luz especial o artificial no está permitida (si la luz no alcanza para rodar una determinada escena, ésta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).

5. Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.

6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).

7. Se prohíbe la alineación temporal o espacial. (Esto es para corroborar que la película tiene lugar aquí y ahora).

8. No se aceptan películas de género.

9. El formato de la película debe ser de 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

Gracias al movimiento Dogma 95, la directora Susanne Bier ganó fama y prestigio. Posteriormente y ya fuera del movimiento de Dogma 95, rodaría películas como Efter brylluppet (Después de la boda, 2006) o Things We Lost in the Fire (2007).

EN UN MUNDO MEJOR, última de sus películas hasta la fecha, Bier hace gala de una exquisitez digna de elogio y nos hace una crítica descarnada de la violencia y sociedad actuales, de los sistemas educativos y las diferencias entre Oriente y Occidente. La sinopsis viene a ser la siguiente:

"Anton es un idealista médico danés que trabaja en un campo de refugiados de un país africano que está en guerra. Su mujer y su hijo Elia viven solos en Dinamarca. El niño es maltratado en la escuela por sus compañeros y se siente aislado. Pero cuando llega al colegio Christian, un niño huérfano de madre que expresa su dolor por medio de la violencia, él y Elia simpatizan y se hacen amigos. El problema es que esa amistad se convierte en un peligroso juego de venganza y rabia que, además de perturbar la vida de sus familias, lleva a Anton a cuestionarse sus ideales." (FILMAFFINITY)

Sobre todo el plantel de soberbios actores, destaco sin duda a Mikael Åke Persbrandt (Estocolmo, 1963) en el papel de Anton... simplemente genial.



El film me ha dejado un profundo nudo en el estómago, de esos que tardan en deshacerse... sobre todo en el aspecto de la paternidad de sus protagonistas, y en como pequeños actos y situaciones van haciendo alejarse a tus hijos cada vez más de tu lado, hasta convertirse en extraños a los que es difícil acercarse y comprender. La marcada diferencia entre un campo de refugiados de Sudán, donde Anton trabaja como médico, y la urbanita sociedad que lo espera cada vez que vuelve a casa, con sus diferencias y reglas propias, también es otro de los temas tratados en la película. Me ha encantado el dilema social y moral al que es puesto a prueba Anton cuando debe de decidir si debe salvar a un despiadado cacique local en el campo de refugiados... y en como quizás las reglas que aplicamos en nuestros urbanos núcleos desarrollados no funcionan en el kármico tercer mundo, donde las acciones malas deben pagarse a ojos de los demás. Todo ésto nos hace ver lo fácil que es juzgar erróneamente los actos de los demás, y el peligro subyacente en los prejuicios. La violencia engendra violencia y el ciclo nunca termina. Responder a violencia con violencia nos reduce a nada y nos pone a la misma altura que el agresor... ¿pero funciona ésto igual en nuestras ciudades que en un campo de refugiados en Sudán?... júzgalo tu mismo tras ver la película.
EN UN MUNDO MEJOR es una muestra de buen cine que todo buen amante de este no puede perderse.