BLACK CROWN - "CAVERNS OF THANTIFAXATH" (SATANATH, MORE HATE, THE END OF TIME RECORDS; 2020)

Desde USA, otro combo Black metalero que debuta con Caverns of Thantifaxath a cargo de Satanath Records, More Hate Productions y The End of Time Records. Formato duo con The Mountain VVitch (a las voces, guitarras e instrumentos de viento) y Heretic (bajo). La batería no es programada sino que se trata de una sesión de Nick Chiudioni. Las letras, una suerte de pastiche sumerio-lovecraftiano de esos que se llevan ahora (ya que Satán ha perdido credibilidad, hay que pasarle la factura a otra entidad).

Black Metal con tintes Death tocado a medio tiempo que en algún que otro momento me recuerda a los Absu o quizás Behemoth. Los adornos aquí y allá de instrumentos de viento refuerzan la atmósfera sin buscar el Pagan. Está todo muy bien tocado y entra bien, sobre todo por el gusto por el tempo lento que hace que resalte bastante la base rítmica y voces aunque puestos a ser críticos no dejan de ser una extensión más del Black Nórdico de los 90 y sus miles de variantes (escuchad el riff de guitarra en "Scarlet Goddess", con mucho protagonismo del bajo). 

Algún que otro toque a Satyricon en la guitarra en "The Dweller", con pequeños adornos de algún instrumento de viento que no logro identificar y que sin duda es lo mejor del disco; aunque sean solo breves apariciones sin trascendencia virtuosa alejan el conjunto del consabido aroma Black noventero que ya citado. Pero no se me entienda mal, temas como "Swallow the Sun" están muy bien tocados y "Children of Tiamat" tiene su toque a himno con estribillos ultra pegadizos.

Hay buenas ideas aquí y allá pero creo que esto necesita ser trabajado mucho más. "Qliphotic Meditations" sí deja entrever una línea distinta con uso de bodhrán en la percusión, ambientes etéreos y melodía en circular de la guitarra pseudo-acústica metido todo dentro de cierto aroma medieval. ¿Problema?... pues creo que va mejor como intro que ahí metida antes de los dos cortes finales, de los cuales sí que resalta el potente "Whore of the Qliphoth" o el que para mí es el tema con más gancho, "The Nine Hells".

En resumen. Disco aceptable como debut pero que puede dar mucho más de sí.

https://satanath.bandcamp.com/album/sat275-black-crown-caverns-of-thantifaxath-2020

STARLESS DOMAIN - "ALMA" (AESTHETIC DEATH ADCD071, 2020)

Hace casi un año os presentaba por aquí el disco EOS de la banda americana STARLESS DOMAIN, y poco después un impresionante Split con Tome of the Unreplenished que diera en llamarse Epistolary of the Fall. ALMA, que es el disco que reseño hoy, se graba entre Enero y Marzo de 2019, es decir, justo entre los dos anteriores que he citado, y que ahora ha tenido a bien rescatar AESTHETIC DEATH en una preciosa edición en digipack con monocromático diseño de Ioe Key (solo estaba disponible en cassette limitadísima que coeditaran Crown & Throne Ltd. y Tartarus Records).

Aun a riesgo de repetirme, el Black Metal espacial de este trío americano alcanza cotas de deshumanización ultraterrenas sólo factibles en bandas como Limbonic Art, Esoteric o Septic Mind en el ámbito del Funeral Doom y los proyectos más cósmicos de Maurice de Jong (aka Mories) al margen de Gnaw their Tongues. Esta nueva forma de reinventar el Black es muy americana y se sale de esos patrones arborescentes de la parte nórdica, haciendo hincapié en otros elementos como un hipnotismo extremo gracias a unos patrones ad nauseam de teclados analógicos y velocidades no aptas para la vida humana. 

La formación de entrada ya nos deja bastante claro por dónde van los tiros. Por otro lado, investigaciones tampoco demasiado arduas me llevan a averiguar que tocan todos en proyectos Black como Boreal, Stellar Descent o Twilight Falls) de nada más y nada menos Portland, Oregón (¿la otra Noruega?).

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AEF (Ash Fox) - DSI Tetr4, Yamaha TG-33, Roland JP-8000 

AW (Anthony W.) - guitar, programming

JR (John Rosenthal) - voice, choir, bass

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Imaginad una noche en plena naturaleza de Oregón. Las montañas iluminadas por un cerúleo flujo laminar que parte desde el suelo hasta los cielos... un acelerador de partículas musical que busca un momento en que la velocidad extrema se estabilice y quede atrapada como en un estroboscopio ciclópeo. Ese instante de inmanencia, epicidad mayestática es la música de Starless Domain. No importa lo que dure un tema (en este caso 44 minutos) sino el viaje ritual que el oyente ejerce hasta alcanzar ese `momento instante´ en que todo se paraliza en tu interior mientras ellos siguen a todo trapo tocando. Lo atmosférico se sublima mediante un clímax ambiental Lo Fi, subsónico y vibrátil (como el eco en las gigantescas montañas de Portland) sobre el que te atraviesa una punzante e inhumana voz... un timbre vocal al que se le ha desprovisto de cualquier atisbo antropológico para reducirse a un agudísimo tono nihilista. No se me ocurre mejor forma que compararlo con los gritos de la Banshee irlandesa ("la mujer de los túmulos o la mensajera de la muerte").

Si bien el inicio del disco es taimado, lúgubre como los fuegos fatuos de mil cadáveres, pronto los americanos se lanzan a una suerte de Kosmische Black acentuado por esa densa pátina minimalista de los sintetizadores. La base rítmica es una taladradora de mármol en la cantera de los dioses (al más puro estilo Limbonic Art). La melodía está enterrada en un tercer estrato (el segundo es de los teclados) así que tendréis que aguzar los tímpanos para captarla; es curioso pero Starless Domain son más melódicos de lo que la rapidez con la que tocan sugiere.

Poco más que añadir. Otra joya que completa las dos ediciones anteriores y que sigue ahondando ese denso paso interior del Black americano. Me gustaría terminar esta reseña con la definición que ellos mismos hacen de su música y de la etiqueta Deep Field Black Metal y que corto y pego de la excelente entrevista que les hicieron en BLACKMETALDAILY:

"In a nutshell, the Hubble Deep Field is a region of space found within the space between the stars in Ursa Major, “The Big Dipper.” Though “small” in its captured region, the galaxies which comprise the Deep Field are incredibly far away, and, as light takes time to reach its destination, incredibly ancient. We wanted EOS to reflect this distant emptiness, but also the colors of the treated Hubble photos (it should be noted that any colors in NASA or Hubble photos are added after the fact)".

"One of the really interesting things about the Hubble Deep Field is that it’s not actually interesting at all. It’s just a random part of space that otherwise holds no particular interest. That’s why it was targeted. The idea was to select a random portion of space that looked just like everything else and then dedicate unprecedented time for the Hubble telescope to photograph it. So the only thing special about the Hubble Deep Field is the amount of time dedicated to photographing it. It was that unprecedented observation time that allowed us to discover that nearly every dot of light seen in this random little chunk of otherwise boring space was itself an entire galaxy. It’s a trip".

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=4754

https://starlessdomain.bandcamp.com/album/alma

MATÍAS RIQUELME & FERNANDO ULZIÓN - "LES TRAHISON DES MOTS" (SLUCHAJ!, 2020)

Aunque no lo parezca, esta reseña ha tardado dos años en pergeñarse. Un largo periplo y tribulaciones que ríase de un chino en China. Para mí la espera no solo ha merecido la pena sino que la ha superado con creces. Matías Riquelme (corto y pego de su bio) "estudió cello clásico con Francisco Pino Kokich entre 2000 y 2005, período en el cual fue integrante de la Orquesta Sinfónica Juvenil. En 2005 se trasladó a Francia para continuar sus estudios en el Conservatorio de Pantin, con la maestra Ophelie Gaillard. 

Poco a poco fue orientándose a los lenguajes modernos de jazz, y tomó clases con Pierre Blanchard, violinista de jazz y antiguo alumno de Stephane Grappelli. Del mismo modo estudió composición contemporánea con André Bon, a su vez alumno de Messiaen, e improvisación con el cellista Vincent Courtois. Con nuevos recursos, Riquelme entró de lleno en la experimentación, liderando su cuarteto Cellp, con cello acústico y eléctrico, saxofón, computadores y batería: su primer trabajo es Synapse (2014). Más adelante realizó sesiones de improvisación libre con su duo Vacuum, Winterdays (2018). Ha colaborado con Médéric Collignon (A la recherche du roi Frippé), Magma (Metalik Orkestra), entre otras colabroraciones en Francia, Chile y Espana". 

Por su parte, Fernando Ulzión a los saxos alto y soprano venía de tocar en los Garaje/punk La Hora del Primate (con miembros de Paniks, Cápsula, Atom Rhumba, Elfo Negro, Inserta o Bugatti) en el disco Euskal Primate School (2014). Juntos ya habían tocado con el gran Miguel A. García a la electrónica en La Rastres (Discordian Records, 2018), otro gran disco que merece edición física. 

Le Trahison des Mots se graba en la iglesia de Apodaka (Victoria) el 22 de Abril de 2018 por Joxean Rivas. 50 minutos inspirados en las pinturas surrealistas de la belga René Magritte, sobre todo su pintura La Trahison Des Images de 1929. Se divide la grabación en 13 cortes donde Ulzión y Riquelme homenajean en algunos títulos a grandes temas y estándares del Jazz. El parco diseño gráfico del Digipack que edita el sello polaco Sluchaj es obra de Malgorzata Lipinska y para mí es el único punto flaco del álbum... demasiado aséptico (como todas las ediciones del sello) teniendo en cuenta el bestial universo plástico de Magritte.

Tomando como punto de partida el Jazz contemporáneo y la Música de Cámara, cello y saxos se alían en una apasionante conversación en la que la reverberación de la Iglesia de San Martín (creo que es esa concretamente) ejerce su vibrátil y opresiva atmósfera en sordina. Por alguna extraña razón no me quito de la cabeza una especie de cruce teratogénico entre Bernard Herrmann y Miles Davis, por extraño que pueda parecer... y es que los (por norma general) soseagados y lúgubres ambientes tienen cierto cariz Noir, algo que se capta a la perfección en el lento drone iniciático de "A Foggy Day" que puede recordar a agrupaciones que viven fuera del tempo terrenal como Bohren & der Club of Gore. Larguísimo sostenido del Cello que mantiene el pulso hasta que en el minuto 3 entra un espaciado y lacrimógeno saxo (casi parece una jodida Saeta). 

El modo introspectivo de Ulzión al enfocar los saxos hace dudar en ocasiones de si se trata de una trompeta, y más cuando toca en unión con el Cello... dicho de otra forma, saxo alto y el espectro subsónico de las cuerdas crean una etérea constante sonora desasosegante y muy deudora de los pasajes eléctricos de Miles. "Seraphic Light" ya entra directamente en la improvisación libre con cortantes sábanas en caída libre dentro de una pátina impresionista, con maravillosas paradas y cambios de registro del Cello y un saxo alto tocado de forma agresiva. A medio caballo entre la peligrosidad filosa de Penderecki y el citado Hermann. Sigue la jazzera "Speak Low", uno de los cortes donde más se capta el tremebundo eco sepulcral de la iglesia. La piedra como organismo viviente rellenando como poliuretano el espacio entre las notas.

Cogemos un poco de aire con la hipnótica "Round Midnight" de saxos asordinados soltando largas notas pseudoamputadas melódicamente y cuerdas del cello batidas a duelo de pellizcos y golpes de dedos. Quizás es arriesgarme pero hay algo Coltraniano en el conjunto. Con "Footsprints" pasa algo curioso. La reverberación marcial del Cello (que se repite como un metrónomo) te da la falsa sensación de instrumento electrificado (impresionante lo que puede hacer el eco) y que junto a la inmediatez y fuerza de Ulzion hace que parezca una grabación de los Dead Neanderthals. Riquelme mantiene esa base durante todo el tema y el saxo en modo filigrana vuelve a recordar a los últimos discos de Coltrane. "In a Silent Way" amplía lo anterior a la música camaretística y clásica contemporánea, y luego al minimalismo extremo en "Prelude to a Kiss".

Ráfagas cortas de ambos instrumentos definen "Last Train Home", abstracta y muy matemática pieza que muestra el altísimo grado de compenetración del duo. El sincopado cello tiene esa acabalgada prestancia de las cuerdas de las orquestas de Hermann con Hitchcock, siempre amenazantes. Más juguetona resulta "Tenderly" con Ulzión (luego ambos en "Call it Anything") que nunca se enclava en la melodía sino que la rodea constantemente hasta que el oyente llega hasta ella sin haberse tocado de forma completa. 

De aquí hasta el final te quedan "Lonely Women" (vaya vaivén en segundo plano del cello!!), el Jazz Noir, exquisito y melódicamente mortuorio de "Equinox" (otra vez con ecos a Bohren o The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble) o la maravillosa "Fly Me to the Moon" que vuelve un poco al motivo inicial con el que se abría la grabación. En resumidas cuentas, un disco recomendadísimo para todos los amantes de la Improvisación Libre, el Jazz y hayan tirado por el retrete los prejuicios. 

Para mí una joya.

https://sluchaj.bandcamp.com/album/la-trahison-des-mots

DAPALIS SEPOLCRI - "O Ul Bu'idu, Hursagnabu, Peta Babkama Luruba Aanaku" (SPHINGIDAE PUPAE 003, 2018)

DAPALIS SEPOLCRI es un proyecto francés de Dark Ritual Ambient que creo comparte miembros con Avenn Shyl y Chlamydystophilia, ambos siguiendo una línea similar y publicando trabajos en Craneal Fracture Records, Dozlethal Propaganda o directamente la autoedición. Este O Ul Bu'idu, Hursagnabu, Peta Babkama Luruba Aanaku de 2018 es un Ep que edita Sphingidae y que literalmente me ha volado la cabeza. Con alguna similitud estilística con compañeros de sello como los propios Sudaria, uno puede ir tirando del hilo hasta llegar a Like Drone Razors Through Flesh Sphere por esa onda tribal con la que arrancan la cinta... y es que se trata de un solo tema de 40 minutos de duración dividido en tres partes a modo de suite.

Hay una cosa que no me quito de la cabeza y quizás ande errado pero cuando lo recibí, y viendo que era francés, me recordó muchísimo a algunos discos del desconocido sello Antiq Records como Soror de Yele Solma o el extrañísimo Emme Ya. Al fin y al cabo Yele Solma y su brutalífica forma de africanizar el Dark Ambient tampoco está tan lejos de Cut Hands de William Bennett (Whitehouse); una vorágine percusiva, Industrial y con coordenadas impresas en el Power Electronics. 

O Ul Bu'idu, Hursagnabu, Peta Babkama Luruba Aanaku es una auténtica barrabasada de tambores y soniquetes circenses que llegan desde la lejanía en lo que parece una ceremonia Bokor. La segunda parte cambia el ritmo. Aparecen líneas espectrales de piano, lo que parecen cascabeles y un drone mantenido como un cadáver egipcio en natrón. Toques justos de experimentación crean una base melódica cuasi cinematográfica... y es que el sonido de fondo parece ese eco que se escucha en las películas de terror cuando se reproducen en una sala de cine medio vacía. Una reverberación cavernosa que se torna homilía dantesca, selvática a veces y que te lleva a un estado alterado de conciencia gracias a la repetición minimalista. Cuando entran las voces operísticas sampleadas con detritus magnetofónico incluído y el tema se funde en una grave repetición de notas de sintetizador tengo los vellos de punta.

El tercer movimiento son 15 minutos con toques al Death Industrial o el Power Electronics pero sin llegar a perder el norte. Sobre una base de Harsh Noise Wall que ríase usted de un acúfeno neurosensorial, divagan sonidos metálicos que parecen columpios y las notas de un órgano que bucean en la melaza por ganar protagonismo. Si existen percusiones, son simplemente esbozos y quedan en un segundo plano compartiendo espacio con un insistente/lejanísimo piano y un drone espacial. 

Sobre el minuto 8 irrumpe una melodía de radio al más puro estilo primerísimo Neofolk embarrada en elementos Noise. Fuegos fatuos acústicos para Dapalis Sepolcri en una de las grabaciones más oscuras que me he llevado a las orejas en muchísimo tiempo.

Muy recomendado.

https://sphingidaepupae.bandcamp.com/album/o-ul-buidu-hursagnabu-peta-babkama-luruba-aanaku

ARKOUZIS - "THIS HOLLOW WORLD KNOWS ONLY DEATH" (SPHINGIDAE PUPAE 005, 2018)

This Hollow World Knows Only Death del australiano ARKOUZIS se edita en cassette (artwork de Manfish Inc.) y es la quinta referencia del sello español SPHINGIDAE (Pro Tape limitada a 50 copias). Por cierto, a Sphingidae llego gracias a la búsqueda y captura de las primeras grabaciones del proyecto Sudaria de Miguel Souto, pero eso es otra historia. Si mis investigaciones no son erróneas, ARKOUZIS está detrás de Varvadoss y Corrupted Temple of Moss mucho más metidos en el Dungeon Synth aunque lo que aquí nos encontremos gire hacia el Death Ambient (técnicamente su segunda demo tras la propia Arkouzis que saliera por el sello Death Manifestations de Bosnia Herzegovina).

Abre el homónimo "This Hollow World Knows Only Death" con reminiscencias de aquel prolífico proyecto llamado Uncertanty Principle (UK) que nadie parece recordar y que considero quintaesencial; empieza con un lánguido riff distorsionado en un pulso que se mantiene Ad Nauseam tal y como mandan los cánones del Drone... percusiones desnaturalizadas basadas en programaciones secas, atmósferas graves infecto-contagiosas derramándose en una agria miasma de voces tratadas y guitarra tan electrificada que posiblemente el cable de masa para descargar el instrumento tenga el tamaño de una soga de barco. Un asomo de melodía aparece en la distancia abotargado dentro de un tempo subyugantemente lento reforzado por la producción Lo Fi (al más puro estilo Dungeon Music. Sin embargo es Dark Ambient lo que aparece en toda su magnificencia en la siguiente "The Everlasting Anguish of Those We Hold Dear". Hubo una época en que estaba bastante metido en este tipo de música y sus ramificaciones Noise, y se me viene a la cabeza una viejísima banda de Chile con el sugerente nombre de Voice Transmissions with the Deceased... es decir, un pie en el Funeral Doom y otro en el Ambient. 

Reforzadas atmósferas cósmicas de dragado existencial, son doce minutos ambientales de sosiego y calma contrastando con el abrupto inicio del disco. "Buried Under The Bane of Existence" vuelve a subir la distorsión con la guitarra y voces procesadas que acaban fundiéndose en imposibles agudos desprovistos de todo cariz humano. Como si estuvieran gritando en una campana de vacío, los gritos acaban rebotando y perdiendo forma antropológica afilándose en la parte aguda del espectro sonoro. Conforme avanza la vorágine de ruido, uno ya no sabe si lo que escucha es una voz distorsionada o la implosión de una vértebra de la espalda captada por un micro metido por el tuétano... 

Sin embargo, me quedo con "The Blackness We Seek is Where We Rest Our Heads" que vira hacia la Dungeon Synth. Tras una intro crepuscular y mántrica se establece un fondo contínuo sobre el que se desarrollará el resto de los motivos melódicos que aparecen y desaparecen durante 18 minutos y pico. Un tempo lentísimo con exabruptos efervescentes de sintes y tonadillas que se difuminan tanto que parecen más bien esbozos pero que en conjunto consiguen atraparte. Muy bien conseguidos los últimos 5 minutos donde la música se torna grave como un Throat singing tibetano o una Shruti Box procesada mientras percusiones mínimas de platillos orientalizan el conjunto.

Poco más que añadir. Muy interesante propuesta que ha tenido continuidad en el reciente Beyond Human (Vargheist Records, 2020) que no he tenido ocasión de escuchar.

https://sphingidaepupae.bandcamp.com/album/this-hollow-world-knows-only-death

HYMNE - "VECTORIAN AGE / FAUST" (CIVITAS MORTIS MORT005, 2020)

CIVITAS MORTIS trae su quinta entrega de música electronica adimensional en prístino CD con acabado de lujo... y cuando digo acabado de lujo me refiero a que están cuidados todos los detalles, inclusive la calidad de la bandeja/caja del producto (algo no muy habitual hoy día). Es un gustazo que el sello de Écija retorne a este formato tras una larga serie de ediciones en cassette, y más con un petardazo tan bueno como HYMNE, que aúna Darksynth con toques de Funk, toques retrofuturistas y más cositas que iremos viendo ahora más adelante. 

El sonido seco con graves que implosionan me lleva de cabeza al Disco Funk setentero, pero no tocado de la forma habitual sino muy sutilmente deconstruido en hilachos a Justice, Daft Punk y, para más lío, con pizzicatos, líneas de bajo demenciales y orgánicas que se asoman (aunque solo sean las cejas) al enigmático pebetero sónico de Carpenter. Otra de las razones por las que este doble EP me ha resultado tan adictivo es su base rockera. El uso de baterías electrónicas reales en algunos tramos y el coqueteo con ciertos atisbos de rock a lo Simonetti/Goblin refuerzan la sensación de eclecticismo pero sin perder en ningún momento el hilo conductor del Techno Synth etérico.

El compacto se divide en dos partes muy diferenciadas. El disco se abre con los nueve cortes del disco Vectorian Age, para luego completarse con los seis que fueron el Ep Faust (editado en digital por Burning Owl de Francia) y para mis orejas ajadas el cambio es sustancial así que vamos a empezar por el final.

Faust hace honor a su nombre y es una suerte de Ópera Synth sobre el mito de Fausto. La atrayente portada está diseñada por el propio Hymne y es una pasada... como mezclar el submundo de Nicolas Winding Refn (The Neon Demon o Drive) con la visión de Goethe del Mito de Fausto. Abre de forma bombástica el homónimo "Faust" en el que uno casi que puede imaginarse a un apuesto y ricachón joven universitario bailando en los 90 tras haber vendido su alma al diablo. Tras la maraña de bases techno flota un groove de música Disco que se mezcla con una forma de componer que (al menos para mis orejas) es clásica.... es decir, Música Clásica. Hay que afilar bien los tímpanos para captar determinados movimientos pseudo-orquestales. Fantástica la ensoñadora pieza "Cosmic Nature" que roza la New Age por momentos. La estructura/base la lleva las cuatro cuerdas del bajo, una batería muy orgánica y unos sintes que parecen sacados de la época gloriosa de la música electrónica de Vangelis, Jarre o Tomita (salvando las distancias, se entiende). Entra una guitarra al final y todo va girando hacia el Prog electrónico.

Otro movimiento de Clásica (parece que estoy escuchando un crescendo de violines/cello) en "Alquemist" y más presente todavía en "Electric Odyssey". Techno Synth orquestal muy trabajado, melódico y atractivo, bailable sin duda, y con ese aire retro apocalíptico tan típico de este género musical (y atentos a la línea de JazzFunk que se marca el bajo). El corto "Faustown" hace de puente hacia la demencial "Censure" donde se asientan todos los elementos que hemos ido escuchando de bajos, voces sampleadas, techno y electro funk a raudales. Si a estas alturas de mi vida me pusiera lentillas os juro que me ponía una azul y otra roja.

Pasemos ahora a Vectorian Age. Tras una crepuscular "Intro" cortísima (se queda a medio camino y da la sensación de que acaba antes de tiempo), entra como un cañón "Tempest Riders", otra vez con un bajo (fretless o tocado como tal) que vertebra todo el asunto. Si tuviera que cortarme un pezón con un cútter diría que me suena parecido a la época última de Goblin antes de que Simonetti se lanzara al Italo Disco... es decir, toda esa teatralidad italiana está presente aunque "User" sea puro disfrute Arcade.

Sigue "Above Myself" en modo cósmico. Devaneos espaciales al más puro estilo electrónica francesa hasta que entran las bases bailables y una pequeña melodía de sintetizador que es una delicia. HYMNE no aburre un solo instante y mantiene el pulso hasta que llega un corte de regusto clásico (por Clásico entender ochentero y cinematográfico) con el mejor título que he visto en mucho tiempo: "Your Mind is a Myth", con una voz femenina en Off que te repite un mantra sináptico como una advertencia de esas de películas de ciencia ficción de Serie B (o sea: "no abras la puerta majarón que se te va a llevar la la gravedaaaaaaad!").

Final de órdago con "Crummer" en caída libre, desgastando suela bailando en la Estación Espacial Fausto hasta el fin de los tiempos, allí donde DJSatán pincha "Disturbium" jugando a meterte miedo en el cuerpo con sus mefistofélicas ráfagas de sintetizadores, generadores de ritmos desbocados y guitarras sampleadas. 

Y recuerda que siempre, siempre allá donde estés TE ESCRIBIRÉ A LA TIERRA.

https://civitasmortis.bandcamp.com/album/vectorian-age

COLMORTO - "VOLUME 1" (TORTO RECORDS TR004, 2019)

COLMORTO desde Génova son la cuarta referencia del sello italiano de Tomasso Rolando (Calomito) del que recientemente os traía la reseña del excepcional The Cepi Nomads + Hics (aquí). Grabado y masterizado en Abril de 2019 por Emanuele Cioncoloni (Elfish Recording Studio), con cubierta de Joel Cathcart, estamos ante una obra muy diferente al abstracto y salvaje Free Jazz que nos ofrecía Cepi Meets Hic. Ellos mismos se definen su propuesta así: 

"The music talks about waiting rooms fullfilled with fantasies, wrong titles and love/hate sensations. We imagine starships n the very moment they take off from the ground. We explore our sking as a border and how can we paint it with no ink. We despair by punching the wall". 

Yo lo voy a describir más fácil. Música embriagadora, meditabunda y jazzera pero sin perder cierta influencia del rock progresivo con una formación compuesta por Stefano Scarella (bajo eléctrico), Joel Catchart (batería y voz) y Mario de Simoni (guitarra eléctrica). Bajo, batería y guitarra para crear paisajes de acuarelas en una sosegada línea muy metida dentro del Jazz/fusión en inicio y que necesita de la complicidad del oyente para evitar que se convierta en una Muzak acaramelada. Para mi gusto, tiene bastantes influencias del Canterbury y eso se nota en la forma en que casi puedes tararear las melodías.

Y digo esto porque la música del trío es compleja pero como suele ocurrir en los tríos básicos sin vientos (y máxime cuando hay guitarra y bajo eléctrico), se suele crear un pulso bastante lineal complicado de seguir. Las cuerdas son muy virtuosas, se alternan los pasajes solistas mientras la batería es capaz de seguir con una facilidad enorme las caracoleantes notas de una guitarra eléctrica con un pie en el Rock en Oposición... no en vano Stefaro Scarella formaba parte (guitarra y saxofón) de los Promenade que llegarían a tocar en el prestigioso Festival Gouveia. 

Se abre el disco con "Platformer" que puede llevar algo a engaño por la potencia con la que arranca. Si lo separamos del resto del disco y analizamos la forma en que la guitarra se mueve se nos vendrían a la cabeza proyectos de Post Rock modernos del sello Kscope. Subidas y bajadas de intensidad con una batería que usa bastante los platillos y guitarra hiper expresiva para pasar a continuación a un mucho más taimado "Polpo". Aquí el bajo (creo que freetless) va soltando toda su carnaza; parones y cambios de ritmo intrincados mecidos siempre por las melodías de carácter alucinatorio que va soltando una guitarra excelsa. Se alternan ambos instrumentos de forma majestuosa en labores solistas y llevando el grueso de la composición a un in crescendo progresivo alucinante. Mientras el bajo pone el grueso de la melodía al final, la guitarra lo va adornando como si se tratara de la cobertura de un cable de cobre.

En "Chewing Cofee" me percato de que empiezan a aparecer ciertos acompañamientos que parecen teclados y que parten de pedaleras/efectos de la eléctrica. Como pequeños insertos cuando salen a relucir le dan un toque muy deudor de Miles Davis eléctrico (aunque son muy puntuales). Las voces a penas esbozadas de Joel en "Elsewhile" son como un tarareo y refuerza muchísimo la sensación de Canterbury (Hatfield and the North) pero enmarcado todo dentro de la estructura de una balada primero, para luego irse disolviendo en un etéreo soundscape de sonidos acústicos después. El nivel compositivo queda más que patente en "Canaveral" e "Incisivo" con su extrañísimos desarrollos en espiral de adornos psicodélicos y preciosistas o el binomio "Skinthink" (impresionante cuando vuelven a aparecer las voces y el mistérico drone de fondo que parece un canto de ballena) e "Inkless Tatoo" donde COLMORTO juegan a disolver etiquetas y mezclar el R.I.O., el Jazz y el Art Rock.

Estamos ante el clásico disco que se va abriendo y abriendo mientras aumentas las escuchas. Impecable y exquisito como fuegos artificiales en una ciudad mediterránea dieciochesca... agradable pero muy arriesgado y que no está grabado para escuchas superfluas. 

"Wallpuncher" y "Swim" son el colofón, la plenitud (colmorto) o la trascendencia (col morto).

sinfomusic.net/foro_rockprogresivo/index.php

OVAKNER - "AR / LUME" (TUPATUPA 36 / EIWAZ RECORDINGS ER010, 2017)

Tengo que pararme un momento a respirar porque acabo de darme cuenta de que quizás estoy ante mi profesión del futuro, reseñar proyectos salidos de la excisión de MACHETAZO... porque vaya, no me digáis que no tiene perejiles que hace dos años y pico reseñara a Varunian (aquí) en su Split con Duga 3, para luego hacerme eco de Antihuman de Premature Burial (aquí). Poco después, y aunque Iago Alvite (OIDE) participara solo en las postrimerías de la banda, os traje unas palabras sobre su fantástico Iatroxenia (aquí). Podría ser algo premeditado pero es que yo no le he pedido en mi vida una promo a nadie, sino que el mecanismo normal es que la banda/músico me escribe pero es que poco después reseño Ikonoclasta (aquí), debut de Ruinas para semana después entrevistar a Leprophiliac y analizo Necrosis (aquí). 

¿Cómo deshacer el entramado (esto parece la serie de Dark... quizás yo fui el causante de la desaparición de la banda y un Coronel Mortimer del pasado vendrá a pegarme un tiro)?; bueno, de momento seguimos en fase de anatomía patológica analizando más piel muerta con los gallegos Ovakner y su impresionante EP debut Ar / Lume editado por Tupatupa en CD y cassette con temas extra por el sello americano Eihwaz Recordings. 

¿Quiénes?. Pues Lois al bajo (Adonai, Apologoethia, Balmog, Banished from Inferno, Marthyrium, Wytchfire...), Alberto a la batería (de Lóstregos, quienes por cierto vi en directo hace unos años) y Rober a la guitarra/voces (Machetazo, Ruinas, Banished from Inferno...).

Lo primero que quiero destacar es el sonido. Barro sonoro a base de un Death Crust crudísimo y a la yugular con esa sensación de que a más volumen subes, más acabas haciendo vibrar los empastes. Todo, obra y gracia de la grabación en Treboada Studio bajo ingeniería sonora de Francisco Liaño. Luego, se llevan al nonato sonoro a Tore Stjerna de los Necromorbus Studio (Suecia) para que lo apadrine y le de una educación y futuro. Se le busca su traje de los domingos con logo/artwork fantástico de T. Ketola y ala, ya tienes el homúnculo listo. 

Quitando la belleza pagana y Folk de "Portalén", a base de teclado y guitarra acústica, en Ar/Lume no se le da respiro al oyente desde el mismo momento en que "Ar" hace acto de presencia. Un pedazo de cabalgada/himno con toques a primitivísimo Death Sueco en las guitarras pero espíritu Crust; parones imposibles refuerzan una labor tremebunda a las voces mientras por detrás, base rítmica y guitarra mantienen un pulso visceral como hacía tiempo no escuchaba. Pequeños mini interludios, bajadas de ritmo coqueteando con el Doom de forma tangencial (aunque el uso de voces rasgadas puede llevar un poco al despiste)... impresionante el ritmo machacón de la guitarra y la afinación extrañísima/punzante del bajo aunque bien pensado no es tan extraña sino jodidamente punkarra. 

Todo en OVAKNER salvo el outro respira por los pulmones alquitranados de los viejos Venom, Bathory (primeros) y Discharge. No me atrevería a decir con rotundidad que suene a D-Beat británico porque no es un estilo que controle yo en demasía, pero Extreme Noise Terror podrían ser influencia. Luego está el tema de que dependiendo del toque que se le de surgen más o menos toques del primer y pútrido Death Metal Sueco (antes de que apareciera el melodioso sonido Gotemburg y por tanto más cerca de la oscuridad y pesadez plúmbea de Carnage). Escuchando "Inexpugnable" me queda clara la procedencia de los posteriores Ruinas pero aquí de forma más salvaje, con un bombo desatado y cantando también en castellano. 

"Lume" es para mí el mejor sin duda. Una mezcla de cacharrería Venom con riff de guitarra Crust que te siega las vellosidades intestinales y que posee estructura de himno machacón, pegadizo como retorcer al límite Motorhead (con Quorthon como artista invitado) en lo que parece una versión D-Beat alternativa del disco Blood, Fire Death de Bathory. Alucinante. Eso sí, tengo que recomendar escuchar los dos temas que vienen en la cassette (por cierto, muy buen sonido y acabado profesional, ada de ProTapes) que editan los americanos Eihwaz Recordings porque refuerzan y ayudan a comprender más el sonido de OVAKNER... por un lado "Destroy the Factory", versión de Eat My Fuk y el inédito y largo "Urco" que se lanza a terrenos más Death de toda la vida. Buenísimo el riff de guitarra con melodía que se clava a fuego y una velocidad inhumana de la batería... Death Sueco con toques técnicos más propios del Brutal Death americano para llevar el EP a los 25 minutos.

No sé que alcance comercial ha llegado a tener esto, pero yo necesito escuchar un larga duración de OVAKNER; pocos proyectos de metal extremo peninsular tienen esta calidad, y si no escuchad cómo se ralentiza "Urco", apareciendo voces en off con vocoder y tomando protagonismo el bajo en una melodía al más puro estilo Doom/Death años 90. Ahora, en la cinta de cassette, cuando entra "Lume" la sensación es todavía más potente.

Lo dicho. Ultrarecomendado y de culto y esperando continuación.

https://www.facebook.com/ovakner

https://tupatutupa.bandcamp.com/album/tupa-36-ovakner-ar-lume

https://eihwazrecordings.bandcamp.com/album/ovakner-ar-lume

ACID MESS - "SANGRE DE OTROS MUNDOS" (SPINDA RECORDS SDR18043/46/49, 2020)

Evolucionar sin perder la identidad. Mejorar sin perder la pureza. Mejorar sin perder la magia. Mejorar sin perder el groove. Mejorar sin perder el estatus de culto. Mejorar sin perder lo que has ganado. Ganar mejorando lo que nunca pierdes. Perder ganando la identidad de la pureza. Ganar magia sin perder el groove. 

ACID MESS, antaño con masa molecular similar a la Tierra (Rock Desértico) en sus primeros trabajos, pierden lastre innecesario para cambiar el grano por el aire y centrarse en una Pastoral Psicodelia extraterrestre. Por otro lado, las unidades de masa atómica muertas (Doom) se desprenden como escamas para criar nueva piel en Daltons de lisergia (Heavy Psych). Cambiar la `Misa Negra´ por la `Lámpara de Lava´ en la historia relativamente reciente de la música ácida (no voy a entrar en nombres míticos como Triana) está solo al alcance de unos pocos en este país; así a bote pronto Viven y Reinan los grandes Pyramidal, Cabalgata Cósmica, Híbrido, Atavismo o Domo, y vivieron y reinaron otros grandes como Viaje a 800, Schwarz, Lüger, Traummaschine o Fooz. Bandas que evolucionaron sin perder la identidad, sin perder la magia, sin perder el groove, sin perder el estatus de culto y sin perder lo que habían ganado.

Iniciada andadura con el pelotazo Hard rock de I (2012), disco donde brillaba una especial mezcla entre Psicodelia y Punk (imagina mezclar a Venom con Farflung), pasarían poco tiempo después a refinarse y ganar en lentitud con el sucio, bilioso pero igualmente rompedor Creedless de 2013. Empiezan los insistentes órganos como base y por encima una mutación teratogénica de monolíticos riffs de piedra caliza Sabbathiana (no sé, así del tirón me iría a grupos de Tee Pee Records como Naam, Ancestors o Aqua Nebula Oscillator). El EP Madre Muerte todavía se apoya en una fortísima base rítmica con la presencia en primer plano de las guitarras pero su canto de cisne es sin duda II de 2015. Meditabundo, ensoñador y ya con una fuerte base ácida a lo MC5, Blue Cheer y Grand Funk, con toques Progresivos llevados por largas Jams instrumentales que si bien no eran del todo originales, sí que desplegaban una honestidad y fuerza inusitadas. 

Y llega uno a 2020 y se encuentra de sopetón con Sangre de Otros Mundos, triturando todo lo anterior pero reforzando todos los elementos Progresivos en una doble vía; a saber, una que conecta al pasado sureño setentero Prog de este país (Triana por ejemplo) y otra que sigue una senda luminiscente algo parecida a los discos más retorcidos de Lagartija Nick (escúchese los mantras cósmicos de Ulterior, 2001), o el efervescente Pop ácimo de Manta Ray y Schwarz. Esos dos gruesos cables de cobre se enroscan sobre sí mismos y dejan pasar una electricidad telúrica, fresca y nueva que conecta como un cordón umbilical Oviedo con nuevos planetas en boga como el matemático Pi Earth. La calidad es tan alta en estos nuevos ACID MESS que más que reseñar el disco vamos a tener que cartografiarlo. Además, una de las cosas que me gusta de los asturianos es que dan lo que dicen dar, no como decenas de grupos que pululan por la península poniéndose la etiqueta de Psych antes de analizar qué diantres están tocando.

Veamos, la formación 2020 es: Miguel Ruiz (guitarra y voz), Borja Vázquez (bajo y voz), Antonio Tamargo (batería y coros) y Juan Villamil (sintetizador, órgano y piano eléctrico), mas Sergio Pevida (percusiones y palmas) y Aurora Salazar + Débola Hernández (voces y quejíos). El fantástico artwork es de Héctor Castañón / Ossobüko y la edición (CD, LP y Cinta) es de SPINDA RECORDS, que crece y crece gracias a una pasión pocas veces vista en estos tiempos de `coge el dinero y corre´. Sonidazo impresionante gracias a una masterización de lujo de los Green Desert previa grabación en Ovni Estudio por Pablo Martínez. Si se me olvida a alguien entre todos podéis poner un euro para contratar a un francotirador y dejar mi cuerpo en una cuneta (postura de seguridad por favor por si no estoy muerto).

"El Reflejo de su Piel" abre el disco en modo Planet Caravan / Pink Floyd. No puedes tocar música lisérgica sin tener tu particular rendición a ese tema. Lo hicieron Mind!, Fooz... lo hicieron Atavismo!, lo hicieron Naam... es imprescindible en el currículum. Gotas de aceite de colorines que van estallando como palomitas en una sensación de flotar, muy de Psych a lo Wooden Shijps o Vibravoid. Una guitarra y voz límpidas brillan como si estuvieran tocano al vacío o en gravedad cero. Entran toques espaciados del bajo, se arrancan los sintes y los ojos giran dolorosamente en las cuencas hacia el entrecejo. 

Las viejas máquinas analógicas hay que calentarlas; mientras cogen calor crujen y cuando estalla todo y despegas no te importa una mierda la frialdad del espacio exterior porque te arropa el calor de un órgano al más puro estilo Vanilla Fudge. Las voces pasan de lo limpio a lo agresivo cantando las consecuencias de ir rápido por el espacio mientra un solo de guitarra recuerda que está prohibido mear en la piedra de los meteoritos. Voces femeninas, quejíos y palmas lo dicen claro, has llegado a la Andalusian Constellation Corps. 

¿Y si el Ser Humano no es más que es un regalo de juguete más metido dentro de la Piñata Universo del Cumpleaños del Primogénito de Dios Nuestro Señor?.... venga, dilo del tirón, arriésgate que todo no es drogarse o tatuarse...hostias. Llénate de palabras en la boca como si te estuvieran amortajando en vida. Saca tu mechero que viene "Fuego al Templo", boogie rock en fotogramas que se suceden a la velocidad de la luz y bajadas de tempo para un vacilón estribillo macarra a más no poder. Fantástica la percusión con esos cascabeleos, toques de caja (y la madre que lo parió) adornando una larga Jam progresiva. Se sale el teclado inventando una y mil texturas, a ratos sinfónico y Trianero, a ratos West Coast... y sigue y dale que te pego la batería creciendo en su imparable dueto con los sintes. Devastador, magnífico como se vuelve al motivo melódico inicial. 

Siguen los nueve minutos de "Hechicera" en clave introspectiva. Inicialmente un groove funk muy deudor del Miles Davis eléctrico (o la sudorosa pátina Jazz Fusión en los discos como Mwandishi de Herbie Hancock), acentuándose la sensación todavía más con el piano eléctrico que acompaña a la voz. Grumos setenteros, toques Blaxploitation, quiebros con caídas arabescas andalusíes en cascada en un apasionante fade out que te deja sin aliento. 

"Futuro sin Color" es como caminar al filo de un acantilado tras ponerte un valium sublingual. Una línea de guitarra engarza una nota tras otra arropada por la batería en segundo plano. A los dos minutos deciden que a tomar viento, que van a lanzarse por derroteros Punk siderales y no te queda más que lanzarte al puñetero vacío. Abajo hay arena... aunque también puedes caer para arriba que están las mullidas nubes (Einstein está sobrevalorado). Cada parón de las voces va acompañado de una filigrana al sinte, que te achicharra con su soniquete de grillos drogados antes de pasar a un mistérico interludio turco con voces en falsete, aroma a Surf Rock anestesiado y un bajo que se sale (para que os hagáis una idea, suena a los Secret Chiefs 3 tocando Xaphan del Book of Angels de John Zorn, casi nada...).  

Vaya manera de lavarle la cara a Triana y sonar originales con "Salvaje Historia". Cuando entran las voces femeninas ("anoche tuve un sueño.... yo también tuve un sueño") me da la sensación de que tengo una piloerección tan grande que me voy a ir flotando de la sala como si de un globo lleno de helio se tratara. Un hipnótico bloque sinusoida que va y viene, que mece el ritmo hasta cortarse abruptamente y entrar "Hijos del Sol" con sintes en modo fanfarria estelar. Heavy Psych con ritmos Kraut motorik y voces punkarras. Hawkwind mezclados con Lagartija Nick y Spacemen 3. ¿Será un pájaro, será un avión?... no, es un puño americano fabricado con el metal de las naves espaciales el que te hace saltar los dientes como palomitas de maíz. Ala, ya tienes el hueco en la dentadura para apoyarte el cigarro.

Se me agotan los calificativos para este disco. "Infierno Gris" posee sustancia Jazzera en el abordaje de la guitarra; Fuzz abotargado, Bossa Nova y tropicalismo a penas sugeridos pero presentes... una nana espacial... amamantar a tus hijos con polvo de estrellas y contemplar el horizonte. 

Disco del Año porque si fuera Año del Disco tendríamos que dedicarle estos 365 días a ACID MESS. Tal cual.

https://spindarecords.bandcamp.com/album/sangre-de-otros-mundos

https://acid-mess.bandcamp.com/

CARNOSUS - "DOGMA OF THE DECEASED" (SATANATH; SHIRLEY ROAD RECORDS, 2020)

Cuidadito con el debut que se han marcado los suecos CARNOSUS, banda que lleva en activo desde 2011 y que tras un Ep y tres Singles graban este recomendadísimo Dogma of the Deceased. Sonido Death Metal sueco con toques de Thrash técnico (vaya riffs enrevesados de guitarra) que quitan el hipo en 45 minutos que si bien no van a inventar nada nuevo, discurren con una potencia que no tiene nada que envidiar a los clásicos del género y mérito tendrá el pulimentado que ha obtenido los Obsidian Recording Studios / Studio Fredman. Un monumento tendrían que ponerle a Fredrik Nordstrom algún día si es que no lo tiene ya... o darle la llave de la ciudad de Gotemburg o el Premio Nobel del Death cuando lo inventen. Mención especial para el fantástico artwork de Vijtech "Moonroot" Doubek con una contraportada del libreto excepcional, Pit Art y coedición entre Satanath / Shirley Road Records.

Como no puede ser de otra forma, se trata de un quinteto (si no hay doble guitarra, apaga y vámonos) donde el 80% de la brutalidad se va para una angulosa base rítmica que no para quieta un instante. La voz va desde lo gutural a lo agudo, con parones en una violencia rayana en el Brutal Death cuando los temas lo requieren. Suenan ecos a Entombed, a Carcass, a Dismember y a la madre que los parió... impresionantes los detalles que discurren en segundo plano en el monumental "Lost to Funereal Desires" o "Subjected to Cadaverous Defilement".

Imposible no sucumbir ante joyas como la técnica "An Illicit Practice" o el seco doble bombo de "Deceptive Authority" con algún guiño a Voivod y toquecitos a Death en las guitarras. Hacía muchísimo que no escuchaba un disco de Metal extremo que me apasionara tanto como estos CARNOSUS (quizás con la excepción de BLOOD INCANTATION, pero eso es otro cantar). Atentos al ritmazo At the Gates, In Flames o Dark Tranquillity que abre la épica "Totalityranny", acentuándose los dobles juegos de voces y un doble bombo que si le pones una entrada USB te carga el móvil en un plis plas.

Técnicos sin aburrir, CARNOSUS se salen en "Empire of Gloom" y sus toquecitos Black. Cierra "Continuum of Misery" dejándome con la sensación de que esta banda va a pegar un pelotazo grande si son capaces de girar el estilo hacia algo un pelín más original. 

Por lo demás, MUY RECOMENDADO.

https://satanath.bandcamp.com/album/sat274-carnosus-dogma-of-the-deceased-2020

https://carnosus.bandcamp.com/

MONUMENTUM DAMNATI - "IN THE TOMB OF A FORGOTTENG KING" (GRIMM DISTRIBUTION; THE END OF TIME RECORDS; MORE HATE PRODUCTIONS, 2020)

Sensaciones encontradas con MONUMENTUM DAMNATI, proyecto de índole internacional pero raigambre hispana. Y me explico. In the Tomb of a Forgotten King tiene todo lo que un aficionado al Doom/Death romántico debiera tener. Sempiternas líneas de teclado reforzando la sensación de estar ante mini suites sinfónicas, voz gutural al más puro estilo viejos Crematory y Theatre of Tragedy, buena base rítmica y nivel compositivo alto. 

La formación un quinteto con pseudónimos y máscaras, referencias Lovecraftianas y la sensación de estar ante un cruce entre pacientes del Arkham Asylum y The Doom Patrol. ¿Problema?... musicalmente ninguno porque el álbum me parece de una calidad excelsa si te gusta el Doom noventero. Hay pasajes de goticismo exacerbado, voces susurradas, riffs de guitarra y en general todo muy pegadizo. Por ahí pulula Michail Stefanovich de Beyond the Darkness de invitado haciendo voces y una fantástica masterización de Filippos Kolipanos. 

Mi problema radica a la hora de casar el tema máscaras, referencias literarias, portada (Olga Kann) y música. Me cuesta meterme dentro del todo del disco y habiendo escuchado tantísimo Gothic Doom no puedo quitarme de la cabeza estar ante unos Theatre of Tragedy en versión Cósmico Circense. Claro, luego escucho cómo la intro "The Shining" da paso a "My Bloody JJ" o el despiadado "Sleepless Anger" y se me olvida todo y es que mi corazoncito añejo siempre tirará hacia el Dark Doom. También es cierto que las generaciones van cambiando y los productos hay que ofrecerlos de forma distinta y claro, puestos a decidir imagino que poner una rosa y una lápida en la portada hubiera resultado contraproducente, al igual que una foto de grupo con las melenas a media asta.

Resumiendo, un disco que entra muy fácilmente gracias a unos teclados muy presentes, una música para nada enrevesada, temas cortos y directos y una voz fantástica. No vienen a inventar nada nuevo pero esto en países como Alemania es un rompe ventas seguro... además no creo que sea un estilo que esté en boga, así que todo mi apoyo a MONUMENTUM DAMNATI y su regusto clásico.

Con todo, para el siguiente algo más de riesgo sería de agradecer. Por lo demás poca pega puedo poner.

https://grimmdistribution.bandcamp.com/album/057gd-monumentum-damnati-in-the-tomb-of-a-forgotten-king-2020

CONCEIVED BY HATE - "PUTRID REALMS OF THE OCCULT" (SATANATH RECORDS SAT295 / MORBID SKULL RECORDS MSR-LXII; 2020)

Formados allá por el 2002 (con el nombre de Spiritual Demise), CONCEIVED BY HATE es un clásico ya en El Salvador siendo rama disgregada de la formación previa de Disorder, banda de Death/Thrash formados en 1994. A pesar de que Putrid Realms of the Occult es tan solo su tercer largo tras tantos años se trata de una banda conocida con bastantes Splits a sus espaldas y los consabidos cambios de formación que acaban dejando al grupo en la actualidad con la sola presencia de Morbid (Jorge Montesino) a la guitarra, bajo y voces con ayuda extra de Iosif Naharro a la percusión.

Amantes del Black Thrash de vieja escuela van a disfrutar de lo lindo con este Putrid Realms of the Occult, castañazo a toda velocidad que me recuerda a la banda de culto italiana Schizo aunque los puntitos blackers se asemejan a los dioses holandeses God Dethroned. Impresionante la calidad del sonido, obra y gracia de Víspera del Demonio Studio (El Salvador) bajo mezcla/masterización de Iosif en Reino Unido. La edición corre a cargo de Satanath Records y Morbid Skull, con artwork del propio Morbid.

Sin inventar la pólvora, en 40 minutos asistimos a un despliegue bestial de mala baba Black con esas característica fluidez que da la sencillez del buen Thrash. Voces rasgadas, cabalgadas de una más que bien medida batería y puntuales bajadas a tempos Doom que conectan el disco al viejo y pútrido Death Metal de finales de los 80. Como un filo romo pasan himnos como "Drowned y Tomb Mold", "Centroamérica Bélica", "Oráculo del Tiempo" o ese medio tiempo arrastrado de "Corpsetellations" (el mejor título de canción de lo que va de año).

Técnicamente no es un portento ni falta que le hace. El final del disco con la correosa "Cabalistic Utter Obscurity" enrevesada dentro de su velocidad y puntuada por unos medios tiempos fantásticos (la base rítmica se sale) contrasta con la excelente "En las Aguas del Súcubo", mitad Doom, mitad Death Sueco en un in crescendo de intensidad apabullante para cerrarse el disco con la acústica "Cipreses Fúnebres" que personalmente hubiera colocado al inicio del Tracklist.

Lo dicho, una grata sorpresa.

https://satanath.bandcamp.com/album/sat295-conceived-by-hate-putrid-realms-of-the-occult-2020

ETHIR ANDUIN - PATHWAY TO ETERNITY. THE AGONY (GRIMM DISTRIBUTION; LIFE & DEATH, 2020)

Hace poco más de un año os presentaba a los longevos ETHUIR ANDUIN (reseña aquí) tocando un compost de estilos que es en su reciente Pathway to Eternity/The Agony donde se sublima y adquiere forma concreta; un álbum que navega por esa abrupta línea que va del Black al Doom, y como no puede ser de otra forma, con uso de voces de variado espectro. La excepcional portada es obra de Vladimir Prokophiev y la edición a cargo de Grimm Distribution y Life & Death para lo que es el octavo largo ya de esta gente.

En 79 minutos que dura el disco, la banda rusa se encarga de ir soltando himno tras himno sin flaquear, lo cual ya habla del nivel que tienen Fenrir (todos los instrumentos) y Luka (voces). Cierto que el pasar constantemente de un sonido a otro no es plato que guste a todos los oídos, y los 11 minutos de "Awareness of the Frailty of Being" parecen variado catálogo/muestrario que toca todos los palos. A pesar de cierto espíritu Avantgarde en el enfoque de los temas, prima la vieja escuela de los 90... arranques de blast beats por doquier, paradas y descensos al Doom y cortantes, gélidos riffs de guitarra de raigambre sueca en su mayoría. 

Pasado ese primer arreón del inicio, "Pandemonium" discurre en un cómodo medio tiempo con dobles guitarras y voces que van de lo gutural a lo limpio. La estructura es sincopada (vuelvo a sacar el término Avantgarde que tanto se usaba en este tipo de metal en los 90). La batería, al igual que el disco anterior creo que es programada pero no da demasiado el cante y se acopla perfectamente a los incesantes cambios de ritmo. Para que os hagáis una idea, en algún tramo suenan a Opeth y al rato a Emperor, para acabar luego en Process of Guilt. A destacar las extrañas voces casi Pagan con la que disuelven el tema.

Acojonantemente bueno es el mistérico inicio de "The Invisible Veil of the Cold Silence". Guitarras en segundo plano, batería delante y la fantástica voz femenina de Luka que cada vez que aparece rompe el disco por completo alejando el metal extremo y acercando una especie de susurrante Pagan Folk. Pathway to Eternity tiene tantos detalles y cambios que encierra dos discos.. uno más ETHUIR ANDUIN y el otro que pertenece por derecho propio a las excelentes intervenciones de Luka a la voz limpia. Lo que sí puedo asegurar es que la argamasa extrema que une como cemento el disco es sin duda Death Melódico a la sueca, y sobre esa pátina se engarzan todo tipo de cambios, experimentos e incursiones en otros campos. "The Agony" por ejemplo es Funeral Doom con espectrales teclados flotando en la lejanía y espaciadísimos riffs de guitarra al más puro estilo My Dying Bride. Eso sí, luego vuelve a cambiarse el tercio hacia terrenos Death.

De aquí al final hay de todo. Del Black encabronado a lo "Eternal Shining Star", con toques a los Satyricon del Nemesis Divina. Personalmente tanto ir y venir me pone un poco nervioso pero eso ya depende del oyente... prefiero el lánguido discurrir de "Beneath the Ruins" (fantásticas las guitarras aquí).

Hemos llegado hasta aquí y todavía quedan veinte minutos. La apocalíptica "The Universe Hears Everything" y otros 11 minutazos para "The Last Struggle" ponen el cierre a un álbum bueno pero disperso con demasiados cambios de ritmo, lo cual no debe de ser necesariamente algo negativo. Todo depende de la velocidad a la que te funcione el cerebro.

https://grimmdistribution.bandcamp.com/album/055gd-ethir-anduin-pathway-to-eternity-the-agony-2020

FANCINE XXX o LA REALIDAD AL REVÉS (FANCINE 30: 0.0)

          La línea que separa al espectador de la pantalla se nutre de emociones. Es fina pero si acercamos nuestro zoom veremos que hierve de vida. Hace 10 años cumplía un sueño al iniciar andadura como cutre reporteril de prensa en un Festival que me ha acompañado desde que tengo uso de razón. Impresas quedan en mis retinas poderosas imágenes que tienen alma como recuerdos, como vivencias y como parte fundamental del ser antropomórfico que se conoce como Coronel Mortimer.

La realidad del revés en 2020 es motivo más que de sobra para querer refugiarme en el espacio negativo de la zona crepuscular que habita en las sombras. La realidad puesta del revés como incentivo para que yo coja con más fuerzas que nunca (gordo de ilusión si existe la expresión) un evento cultural que tiene para mí una vital importancia. Importancia curativa, catártica... para mí el Cine Albéniz (y las sedes que precedieron) se convierten en Asklepeion griegos donde me curo, renazco y nutro. 

En 2020, más que nunca, mientras la psique colectiva se vuelve serrín, preciso de mi sobredosis de irrealidad, de mi realidad negativa, de habitar en las sombras de postín de las bambalinas y de ponerme el antígeno traje de gala para vivir el evento cíclico que retorna una y otra vez desde las sombras. Porque la sombra me susurra cosas al oído en la oscuridad. La sombra me alimenta y la sombra me consume y me regurgita y me tritura y me recompone y reconforta. 

Y diréis... ¿qué le pasa a este tipo que está tan serio?. Y una mierda... de la sonrisa que tengo de oreja a oreja se me va a caer la cabeza para atrás como si fuese una bisagra.

NOS VEMOS AL OTRO LADO.

 

DAL VERME - "DESIERTO" (GRUPPO UNGIDO OU#3mu2CD, 2012)

Al Desierto lo precede el Matorral Xerófilo o Semidesierto... es decir, La Muerte en Vida. 

Si la sangre comparte atributos de color, sabor y olor con las partículas del óxido, es más que plausible pensar que lo que queda, lo inmanente del ser humano, es un pálido reflejo del bioma existencial y que lo antropológico está sobrevalorado. Puesta a secar en pudridero el alma humana (el cuerpo no me interesa) se transforma en gránulos color rojizo por la descomposición de los etéricos flujos vitales. 

Montañas de dichos gránulos dan lugar a dunas férricas que laten en su no-existencia; la presencia de pequeños habitáculos de vida son el símil de vivencias personales que otrora vivieron y todo lo que vive suena. 

Suena morir, suenan las moléculas, suenan mis vértebras y el movimiento ampliado del jodido líquido sinovial de mis rodillas bien pudiera ser el oleaje ciclópeo que arrolla murallas en un mundo apocalíptico. Todo depende del prisma, de la lupa, del aumento que usemos. Bucear entre moléculas es nadar a mar abierto. La franja que separa una neurona de otra se convierte en un salvaje mundo inhóspito por el que se desciende en Kayak sin saber si llegaremos finalmente sanos y salvos a puerto. 

La sangre es vida dicen... 

sí, pero el Desierto es mi Pastor y nada me faltará.

Cuando falta la sangre viene el color verde pálido.

La carne se descompone en los verdosos efluvios luminiscentes resultado de la falta del líquido vital. Desierto en mis venas, desierto en el Cosmos que se pudre en una cronología a la que ni podemos acceder ni nos interesa llegar. Toda perspectiva cambia cuando alejamos la vista; cuando nos salimos de patrones humanos desde fuera todo es Desierto, pero cuando acercamos la vida bulle como una carcasa de carne dejada al sol de mil demonios. 

Si nunca podemos vernos de cerca ni de lejos a nosotros mismos porque no entra en los planes divinos, ¿Cómo diablos saber que no somos y vivimos en Desierto?. Nos creemos acompañados en nuestra falsa ilusión pero quizás somos el parásito intestinal de algo superior y las tormentas no son más que los flujos que arrasan con el detritus que sobra a un organismo más grande. Por tanto, el Ser Humano nunca creerá en el Desierto, en lo inhóspito, en lo sagradamente vacío. El ser humano cree que el Desierto es una extensión de arena con radicales cambios climáticos... pero yo os digo que el Desierto es otra cosa. 

El Desierto es la genuflexión del Cosmos ante la ilusión de la Vida. Y si el Cosmos se genuflexiona librado de toda soberbia, ¿qué lugar queda para lo pequeño?.

Ah, sí... Desierto también es un brutal disco de Música Industrial, Noise experimental del granaíno Carlos Dal Verme editado como oblea ungida en 2012 pero grabado originalmente en 2006 y es una puta joya.

Si la vida puede imitar a la muerte, estoy casi seguro que la muerte puede imitar a la vida.

https://dalverme.bandcamp.com/