GOG Y LAS HIENAS TELEPÁTICAS - "TRIAD" (GOG ARTIFACTS 005; 2017)

"Ayer tuve un sueño realmente jodido. Estaba en una taberna añeja del norte con un ejemplar de "Choke/Drown" de GOG para dárselo a un conocido. En un momento dado, sin querer, el disco se me caía en una barrica de roble donde se aliñaba una extraña y desconocida para mí salmuera enólica. Justo después, intentando coger el disco, estallaba la tercera guerra mundial que como era por temas nucleares y eso había alterado el espacio/tiempo de tal suerte que me desperté unos cuantos siglos después en el mismo sitio pero con el mismo aspecto jovial de siempre. 

El disco de "Choke/Drown" de impoluta portada blanca había absorbido junto a la salmuera toda la negrura nuclear que se avecinaba y transformado en lo que hoy se conoce como "Triad", de portada negra y dibujo que refleja al recordado en su día como "El baño de sol menos gratificante que imaginarse pudieran". Los miembros de GOG, en este distópico futuro, habían adquirido en sus cabellos (si los hubiera) tonalidades platinas e incluso se habían vuelto ultra virtuosos de sus instrumentos, escribían los autógrafos sólo con unas desagradables letras mayúsculas y escupían una especie de pasta negra de regaliz a cada instante. Incluso les habían puesto una calle por la que no se podía transitar físicamente. Era una Calle Telepática e intenté entrar pero estaba petadísima y dolía la cabeza que te cagas. Justo entonces, desperté".

Aquí me encuentro escuchando el nuevo disco de GOG, expandiéndome de lo lindo y pensando que bueno, "Choke/Drown" estaba bastante bien, pero en mi humilde opinión con este lo han bordado. Nada más que hay que darse cuenta en el saxo que arremete en el primer e intenso tema "Needles" de que una de dos, o esta gente se ha ido a pasar unas vacaciones al balneario de COCCOON a coger fuerzas, o verdaderamente se han embrutecido un poco más de lo que se captaba en su anterior disco. El resultado es más complejo de lo que a priori pudiera parecernos y probablemente la gente que se pone nerviosa cuando no sabe definir lo que escucha tendrá quebraderos de cabeza.

El Rock´n Roll sigue ahí intacto, primitivo como siempre gracias a su esencia de Lo Fi (no creo que esta definición le guste a la banda) y la diferencia con "Choke/Drown" radica fundamentalmente en que creo que el anterior era un disco más polvoriento y de carreterra y este transita por ambientes más urbanitas donde se fuman pipas de crack mientras flota en el ambiente cierta neblina de Dark Punk o algo así (no me atrevo a decir After Punk porque me estaría equivocando).

Las influencias son varias, algunas más obvias, otras no tanto... desde el punk descacharrante de THE FALL al maremágnum noise de los STOOGES con unos JOY DIVISION en clave acelerada en el tratamiento de las guitarras. Al menos así lo percibo yo, que tampoco mi opinión sienta cátedra de ningún tipo, faltaría más. La base rítmica compacta mientras las guitarras crean una suerte de trama electrificada donde el saxo borda a placer sus incursiones (Eddy "Thunder" Ponce). Sobre otras influencias lo leeréis en la entrevista que publico un poco más abajo, que tampoco es plan de estar repitiendo cosas todo el rato. 

El siguiente "Prowler" es todo lo contrario. El bajo lleva aquí la voz cantante (anda, el bajista canta aquí, que suerte de frase más afortunada acabo de decir!!!). Un ritmo bailón a medio tiempo simple pero efectivo a la batería mientras las guitarras se dedican a labores rítmicas. Un saxo retocado un poco para parecer más guay se asoma dejando su impronta y se marcha como dándose cuenta de que el plan no le va a favorecer. Una de las cosas que más me gustan de "Triad" es que creo que con respecto al anterior las voces han mejorado bastante en los detalles, y "Angel" y sus extertores gorgoteantes podrían ser buen ejemplo de ello. Punk ralentizado y vuelve a aparecer el saxo procesado muy cercano a un Moog/Theremin dándole un aire marciano a los temas que hacen que me acuerde de (salvando las distancias) a una especie de hermano bastardo surgido del cruce de genes de CHROME y THE FALL.

"Crackpipe" es de los temas más rápidos y Crust. Un gustazo escuchar cómo sobresalen las cortantes guitarras sobre la machacona base rítmica para a continuación y al igual que al principio del disco, volverlo a hacer. Un tema rápido, otro más melódico con las voces de Cowboy Iscariot... el contraste es un acierto para mi gusto, y da un placer enorme tomar el sol en la playa radioactiva que habita en "Sunbathing", oda al tiempo que se detiene ("I´m a tedium addict") y otra vez esos fantásticos garabatos del saxo que si no rozan el Post Punk de cosas a lo THE WORK poco le falta... por cierto, maravillosos los coros en este tema. El tema más surfero y psicodélico hasta el momento de GOG Y LAS HIENAS TELEPÁTICAS. 

"Sepeliopolis" es otro guantazo punk cargado de una mala baba considerable y me reafirma en que los nuevos temas están marcados por el contraste. Sé que a ellos no les va a gustar, pero en el trasfondo de todo el disco y en la forma de atacar los instrumentos se insinúa una suerte de progresión que podría tener que ver con un (te lo dedico, Luis) VIRTUOSISMO INVERSO. Los temas suenan mucho más ácidos en esencia (digo ácidos porque la palabra psicodelia es peliaguda) y esto en "Jerusalem" se nota un montón. Si creéis que la distancia entre MOTORHEAD y cosas como LES RALLIZES DENUDES es muy larga, es que no habéis comprendido en verdadero significado de la palabra LO FI... es muy simple.

GOG Y LAS HIENAS TELEPÁTICAS ralentizan el tempo pero dejan flotando las guitarras como un sustrato eléctrico; mientras tanto, el bajo bordea una melodía hipnótica y repetitiva hasta la extenuación. "Scream", tema que cierra el disco, podría durar un minuto o 3 días... da lo mismo, porque es lo que hacía LES RALLIZES DENUDES... establecer una base sobre la que meditar y volar con la música que lejos de progresar, se mantiene siempre perpetua en su Péndulo de Foucault. Para otros esto lo hacían las bandas de Post Punk pero siempre, siempre hay alguien antes y los japos eran especialistas en esto.

Resumiendo. "Triad" es un monstruo de disco a años luz del anterior según mi tragicómica opinión, que o la tienes en cuenta o no (poesía/poema o lo que sea). Se incluyen como bonus los covers de CAVE y DESASTRE pero para saber más de ellos compra el puto disco.

:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::///////

A continuación charlo con Joao Avalanch y Cowboy Iscariot sobre algunas cosas que quizás os parezcan interesantes y que os ayudarán a comprender mejor las psiques de los músicos de mediana edad.

1. Me gustaría que pusieras en contexto a Gog. ¿Cuándo nace la banda y qué te lleva a juntarte con tipos de mediana edad tan asiduamente?. Tampoco está de más que me hables de la línea genealógica (si es que existe) de la banda para bucear un poco en grupos pasados porque sin buscar mucha información por la red me parece recordar que os conocéis de hace bastante.

JOAO AVALANCH. - Gog nace en 2011 a raíz de un ritual satánico que salió mal. Un grupo desconocido de gente oriunda del extrarradio pontevedrés trataba de invocar el espíritu de Robert Johnson y abrieron una grieta en el espacio/tiempo abisal de la que emergió Gog. Por casualidad, cierto día Joao Avalanche y Cowboy Iscariot trasegaban licores en una tasca de la costa del Morrazo cuando Gog se les apareció, trastocando sus mentes para siempre y obligándoles a montar una banda que les llevara al mayor de los fracasos conocidos, para su mayor gloria. 

Lo de juntarnos con tipos de mediana edad no lo veo. Suena algo raro. Lo que pasa es que los tres somos de esa edad que tu llamas mediana. Cuando éramos jóvenes también nos juntábamos con jóvenes. Otra cosa sería juntarnos con medianos, seres de la tierra media, panes élficos y urukhais, cosa que ya hacemos a diario.

En cuanto a la línea genealógica, procedemos de la misma estirpe que Rodolfo Lasparri que, como es sabido, pertenecía a una conocida familia. Su madre fue una célebre barítona y su padre fue el primer hombre que rellenó los macarrones con bicarbonato de sosa, lo cual causa y cura la indigestión.

COWBOY ISCARIOT. - Si abres cualquier revista de Rock&Roll y calculas las edades del personal te darás cuentas de que somos unos chavales. Y si vinieras una temporada a Pontevedra entenderías que montar una banda es un ejercicio de supervivencia plenamente justificado. No en vano, piénsalo, una gran parte de las mejores bandas de la historia vienen de lugares inhóspitos. El aburrimiento aniquilador que reina en esos lugares es la gasolina y la causa. Una banda de ese tipo es siempre una familia electiva y defensiva, aunque como todas las familias, por desgracia, es disfuncional.

2. Escuchado ya una docena de veces, “Triad” me parece un disco que tiende más a la expansión que “Choke” en el sentido de que es menos rígido y se disfruta con un grado de coherencia mayor. Los temas, sin seguir una línea idéntica, sí que son más coherentes y compactos, primando además los medios tiempos. ¿Es todo esto premeditado o sólo casualidad?. ¿Acaso ya no sois punk?...

J. A. - Te agradezco que hayas escuchado una docena de veces el disco. Quizás tengan más unión y coherencia entre sí los temas, aunque creo que “Sunbathing” y “Scream” están un poco fuera. De todas formas, siempre solemos hacer lo que nos sale, creo, y eso lleva a que a veces haya canciones muy distintas entre sí. A mí eso me gusta. A los puristas de los estilos supongo que no, lo cual no es ningún problema

C. I. - Depende de lo que se entienda por medio tiempo, depende de lo que se entienda por punk y depende de lo que se entienda por coherencia. Los dilemas dos y tres son eternos. Uno: nunca fuimos rápidos en exceso, y creo, por ejemplo, que no teníamos ninguna canción tan rápida como “Crackpipe” hasta ahora. Dos: si entendemos punk como la capacidad/necesidad para hacer lo que consideras correcto a despecho de lo que piense el personal, este es el disco más punk que hemos hecho (pero “Punk” es una palabra trampa y puede significar muchas otras cosas). Tres: Realmente creo que partiendo de ese “hacer lo que te da la gana”, de esa libertad, la coherencia se va obteniendo poco a poco. Nuestro reto es empacar de modo unificado un sonido que va en varias direcciones. Lo conseguiremos algún día de estos, y entonces seremos muy aburridos. En el proceso está la gracia.

3. Hablemos también un poco de la composición. ¿Cómo se compone un tema en GOG?... ¿sois de ensayar mucho o lo dejáis todo para el estudio?. Lo digo porque reitero que me parece un disco más trabajado en los detalles aunque sin perder la esencia de la banda. Si se me permite la osadía hasta casi que hablaría de evolución. 

J. A. - La composición, en mi caso, me viene directamente de una especie de escritura automática al rasguear la guitarra en mis turbios y frecuentes momentos de soledad. Lo grabo en plan boceto tal cual va (si no, se me olvida). Después balbuceo una línea de voz. Luego le pongo una letra o si tengo suerte, la escribe Cowboy Iscariot con su mágica pluma. El título sale en los primeros momentos por transferencia telepática directa de Gog.

Ensayar la verdad no mucho. Las canciones se van completando en ensayos y bolos. En el estudio es mejor llevarlo más o menos claro por cuestiones de pasta. Ya nos gustaría podernos pasar meses en un estudio y sacar algo de la nada sin problemas de tiempo o dinero, entregándonos al hedonismo. Supongo que nos acabarían echando a patadas.

C. I. - Creo que he compuesto la mayor parte de los temas que he aportado a Gog (y a otras bandas cuyos nombres no recuerdo) en el rato que va desde que los otros dicen “ya llegamos” y el momento en que llegan de verdad al local, que como todo el mundo sabe oscila entre diez minutos y cinco horas. Si trabajas con gente con la que te entiendes, de un embrión, de una línea, surge un tema rápidamente.

4. Pasemos ahora a la producción. En este caso en vez de La Coruña y masterización de James Plotkin tenemos grabación en Portugal y masterización de Marco Lima; qué pasa, ¿ha subido el precio el Plotkin?.

J. A. - Queríamos probar otro estudio. El primer disco lo grabamos con nuestro admirado colega Castro (5 Cobras) y luego lo mezcló y masterizó Astray. Con el material que les dimos hicieron un gran trabajo. El de Coruña (Estudios Montealto) fue realmente cojonudo y recomendable al 100%, suena muy potente. Estamos también igualmente satisfechos con el trabajo de Marco Lima (Hertzcontrol Studios). Nos dio muchas ideas de producción y arreglos. Fue hilarante verlo trabajar con Eddy "Thunder" Ponce, y finalmente nos regaló la masterización, así que prescindimos del afamado Plotkin.

5. El uso del saxo puede tener dos motivos. Viendo en las fotos el prototipo de hombres que sois, o bien lo habéis usado por sus similitudes con la palabra “sexo” o es que realmente queríais un nuevo sonido en la banda. ¿Qué opinas al respecto?

J. A. - El saxo ya lo habíamos usado en la banda que teníamos antes en Madrid con el legendario y milenario baterista Mule (Los Cavernícolas, Los Molestones), que se llamaba "Master Disaster Gang", en aquella ocasión sopló el saxo el excelso Justo Bagüeste y le dio un toque distinto a un par de canciones. En este último caso, fue Eddy "Thunder" Ponce quien insufló sabrosura cubana en cinco temas. Nos gusta el saxo para ciertas pinceladas. ¿Por qué el saxo? Supongo que porque el saxo siempre ha sido considerado como la flauta del diablo y antiguamente se decía que sus tonos bajos y seductores provocaban comportamientos inmorales. También llegamos a barajar en el anterior disco el violín y la tuba. Y en algún momento se nos puede ir la pinza y meter algún teclado.

C. I. - No sé cuál es ese prototipo del que hablas. Somos seres de la gran hendidura provincial, también conocida como “Abismo de Gel”, que es un lugar donde el sexo no existe (al menos no en la manera en que Gog lo creó en los años 80, que es cuando crecimos). Aquí sólo hay nacimiento, escuela, trabajo y muerte, como bien avisaron los Godfathers. El saxo de “Thunder” Ponce fue casualidad, en realidad; lo propuso nuestro batería y nos decidimos a probar, un poco sobre la marcha. Al contrario que tú, pienso que el saxo añadido en bandas que no lo usan normalmente suele terminar en desastre, sobre todo porque la mayor parte de los saxofonistas no saben cuándo tienen que callarse. Así que era más bien un flirteo con el desastre. Creo que no nos desbarrancamos de milagro, pero que al final ha quedado interesante. 

Algunos pensarán en los Stooges, otros en “Vacaciones en el Mar”. Todos se equivocarán y al tiempo acertarán. A unos les encantará, otros lo odiarán. Nos da igual, es el riesgo que hay siempre. En todo caso, el saxo es por definición un instrumento invasivo que hay que dosificar con cuidado. Te pongo un ejemplo para amantes del pop inglés: sin saxo “Sunbathing” recordaba bastante a Jesus and Mary Chain, con él, en cambio, parece casi un tema de The Jazz Butcher (circa Fishcoteque).

6. Me resulta muy curioso que temas como “Sunbathing” en el que cantas tú contraste tanto con otros como “Angel”. Dicho de otra forma, a veces parecéis dos bandas en una con dos estilos totalmente distintos hasta el punto de que este “Sunbathing” podría haber entrado perfectamente en tu otro proyecto BROKE LORD.

J.A. - Supongo que será porque en "Sunbathing" canta Cowboy Iscariot y en "Angel", Joao Avalanche. A veces se puede notar más de donde viene cada canción, aunque, sea de quien sea, siempre se transforma en lo que finalmente es al tocarla en conjunto y darle cada uno sus matices.

C.I. - Estamos madurando en direcciones opuestas. Es parte del encanto de todas las bandas que tienen dos compositores. Pensemos, por ejemplo, en mis queridos Hart / Mould. 

7. Soléis cuidar mucho el artwork en vuestras ediciones lo cual me parece bastante curioso sobre todo porque bandas de vuestro estilo tienden a tirar de cosas cutres y la portada de “Triad” me parece maravillosa. ¿Qué grado de importancia le dais al diseño?.

J. A. - Gracias por los halagos ya que esta última portada y artwork fue totalmente ejecutada por nosotros. En los otros discos tuvimos la suerte de que la portada la hiciesen dos grandes artistas: la de Gloat es un magistral cuadro -según ella inacabado, para nosotros no- de Constanza Boullosa. La de Choke/Drown (incluida la contraportada) es de la grandiosa Alba Fernández. En el caso de Triad, teníamos prisa y tiramos para adelante nosotros mismos. Otra de las paranoias que te puedo contar es que nuestros álbumes siempre tienen palabras de cinco letras en el título, en una especie de homenaje velado a uno de nuestros grupos de referencia, The Jesus Lizard, que siempre usaban palabras de cuatro letras en sus títulos.  

C. I. - ¿Cuál es nuestro estilo? Me gustaría saberlo. Existe, pero creo que la tarea de definirlo en palabras es tuya. Si pienso en bandas que me gustan no encuentro ni una que no haya cuidado las portadas y la “estética”, que al final, es una parte del mensaje, y una parte muy divertida de hacer. La estética es siempre parte de la “ética”. Por ponerte un ejemplo, todo el hardcore americano de principios de los ochenta cuidaba extraordinariamente los “envoltorios”, aunque fuera a su manera feísta, en ciertos casos, eran indudablemente parte del mensaje. El post punk y el ala siniestra, que algo tiene que ver con nosotros aunque sea lateralmente, también lo hizo siempre. El anarcopunk y aledaños (Los Peni, Crass, etc) tenían conceptos estéticos poderosos y muy definidos. No se me ocurre una sola banda decente que no haya tenido un concepto de la imagen que quería proyectar. Incluso considero que elegir “cosas cutres” a propósito puede ser una elección hasta cierto punto refinada, igual que puede serlo el sonar voluntariamente “mal”. El Black metal es un buen ejemplo de eso.

8. Vuelvo al sonido. Te lo he dicho en unas cuantas ocasiones ya y sé que probablemente no estarás de acuerdo, pero capto ciertos atisbos de psicodelia lo-fi (algo así como en WAVVES pero sin surf, que la osteoporosis no perdona). ¿Os estáis volviendo virtuosos de vuestros instrumentos? (no sé si eso sería bueno o malo para GOG). 

J. A. - Creo que virtuosos no encontrarás aquí, al menos en lo que a mí se refiere (aunque hay que decir que Noli “Big Papi” González tiene una gran técnica y bagaje como baterista y músico, y que Cowboy Iscariot tiene un idilio permanente con las musas de las letras). Yo apenas sé ejecutar una especie de punteos y soy bastante mediocre como guitarrista.

El sonido está más hilado, en el caso de la guitarra, fundamentalmente porque le metí tríadas y acordes traspuestos como colchón y algunos rasgueos adicionales sugeridos por Marco Lima en algunos temas.

C. I. - No conozco a ningún virtuoso, aunque conozco mucha gente que toca muy bien. Con los años aprendes a eliminar las cosas que no sabes hacer, supongo. Eso es todo, en mi caso. Por otro lado, aprendes a cargar el peso en las canciones. Para una banda como nosotros ejecutar es importante, pero lo esencial es componer temas que sean buenos y estén dentro de nuestras posibilidades. Dicho esto, es cierto que somos capaces de hacer cosas que hace años ni hubiésemos imaginado, pero más a nivel de concepto que a nivel técnico. La progresión puede no ser muy evidente: seguimos facturando temas de dos, tres o cuatro minutos bastante cañeros, igual que hace quince años (con otras bandas que compartíamos), lo que pasa es que ahora son mucho mejores.

9. Titular un tema “Sepeliopolis” me lleva a “Funeralopolis” de ELECTRIC WIZARD. ¿Estoy decayendo como entrevistador o algo hay de paralelismos entre los títulos?.

J. A. - Me fascina que alguien se de cuenta de estas cosas. En efecto, Sepeliópolis está ligado en su nombre a Funeralópolis de Electric Wizard, que es una canción hecha para sonar cuando alguien entra en el infierno. La nuestra es más de rutas suicidas por carreteras del inframundo.

10. El uso de tempos más lentos podría acercaros a una suerte de Post Punk como en el maravilloso tema “Scream”, que cierra el disco con afiladas guitarras flotantes y una base rítmica muy a lo LES RALLIZES DENUDES (vuelvo a eso de la psicodelia lo-fi). Aprovechando esta mierda de reflexión que acabo de hacer, reitero… ¿Ha cambiado el sonido de GOG?. Y anda, estírate y háblame de qué grupos, sonidos e influencias tenéis.

J. A. - El sonido de Gog puede cambiar en todo momento. Así es como nos gusta, aunque siempre con el concepto claro de abollar la cabeza, ya sea con temas más oscuros, agresivos, melódicos, expansivos, absurdos o lo que salga y nos guste.

Influencias de hoy, de ayer y de siempre, muchas: Jesus Lizard, Unsane, Poison Idea, Stooges, Edgar Broughton Band, Dylan, Young, Hüsker Dü, The Minutemen, Orthodox, Motorhead, Propagandhi, Suicidal Tendencies, Rafa Berrio, Seminal Rats, New Christs, Ben Salter, Antiseen, Andrew Jackson Jihad, New Bomb Turks, The Pogues, Rudimentary Peni, The Cure, Rites of Spring, Swans, Suicide, Dinosaur Jr., Bad Brains, Royal Trux, Body Count, José Alfredo Jiménez, Hank Williams III, Howe Gelb, High on Fire...

C. I. - Post punk… ¿por qué no? Psicodelia… De aquella manera, podría ser… Etimológicamente, parece, “psicodélia” viene a significar “manifestación del alma”, así que gran parte de la música y las demás artes son finalmente psicodélicas. En lo musical, por otro lado, la adición del saxo provoca un nivel de saturación informativa que puede confundirse con lo que algunos llaman “psicodélico”. En cuanto a la idea de “lo-fi”, personalmente me gusta como oyente, y la entiendo como creador, pero cuando se generaliza y se convierte en un canon, me carga.

Entiendo que la cultura pop desafía a una cultura anterior, que gustaba de las cosas perfectamente acabadas; y también entiendo que pertenecemos a un mundo de información múltiple y fragmentada. Así que, por lógica las expresiones de los últimos veinte/treinta años han tendido en muchos casos -tanto por reacción como por ósmosis cultural- a lo casero, lo fragmentado, lo feista y el collage. Nosotros hemos superado todo eso, o quizá es que somos de otra época. En lo que se refiere a crear música, somos más de la canción que de la divagación. 

En este proyecto (en otros quizá no tanto) somos más de Poison Idea que de Pere Ubu, si lo quieres ver así. Más de Dr. Feelgood que de Liars. Eso probablemente se considerará “viejo”, mientras las bandas que plagian a Stooges o a Suicide malamente siguen considerándose innovadoras. Hay un debate interesante ahí, para ti que eres periodista. 

En cuanto a influencias, me valen todas las que cita Joao. Podría añadir otras tantas, pero no hace falta: “Abre los ojos y serás influido”, decía Dylan. 

11.  Bueno, este es vuestro espacio. Os podéis despedir (o no) como os apetezca mientras no me dejés la habitación llena de basura, que la aleación músico/periodista suele traer consigo arranques de violencia telepática.

Un rasgo de Gog que se podrá analizar cuando ya no existamos (pero para eso falta mucho y no sé si alguien se molestará en hacerlo) es que hemos funcionado siempre al margen de escenas, modas y grupúsculos. De algún modo, sencillos como somos, parece que nadie tiene ni el interés ni la capacidad de entender lo que hacemos, excepto gente concreta, aquí y allá, que a su vez no está “alineada”. Unos piensan, creo, que somos demasiado brutos, poco “cool”. Otros, quizá, que somos demasiado ambiciosos y pretenciosos. El clásico “síndrome Motörhead” actualizado al rural galaico.

Por un lado, esa indiferencia o incomprensión (o ambas) hace el trabajo más difícil, porque aquí todo funciona por “padrinos”, desde la trama Gürtel al patio del parvulario. Por otro lado está muy bien, es casi un honor. Sin desearlo –pero sin rechazarlo, es como es- nos hemos convertido en la típica pandilla que va por libre, al margen. En consecuencia, nos es más fácil aún hacer lo que nos da la santa gana. Por suerte o por desgracia, somos una banda marginal para gente marginal, y hacemos Rock&Roll. 

***

NACHO JAULA - "LA VIOLENCIA DE LAS FLORES" (EMR STRANDED; EMRS003, 2017)

Bajo el auspicio EMR STRANDED, subsello de EL MUELLE RECORDS, se edita uno de los trabajos de electrónica más acojonante que me he topado en mucho tiempo. La virtud camaleónica ya conocida de NACHO JAULA es uno de los atributos que para mi gusto lo convierten en figura destacada del movimiento avantgarde electrónico de este país... sus discos están perfectamente medidos y ajustados. Si tiene que durar una hora dura una hora, pero si el motivo a expresar requiere de 3 segundos, Nacho usará 3 segundos. Ni trampa ni cartón, máxime cuando lo he visto tocar en directo en multitud de ocasiones bajo varios proyectos.

Guitarra acústica, grabaciones de campo y procesos son la tríada constructora que graba durante el mes de Septiembre de 2017, masterizando Pepo Galán. La flor en sí son el maravilloso artwork a base de un collage del propio Nacho Jaula adornando de forma sublime el digipack en cuestión. 

En "La Violencia De Las Flores" hace toda una coda sonora a la Flor Simbólica, que acaba convirtiéndose en suerte de espejo grotesco sensorial (me atrevo a decir autobiográfico) del propio Jaula. Si la estructura morfológica de la flor parece emular simétricos estratos olvidados y existen en la naturaleza flores que no parecen seguir estas características, la mayoría sí repiten motivos tanto radiales (cada trozo de la flor imita al trozo grande del que proviene) o bien bilaterales (una mitad es igual a la otra).

Las hay radiadas, polisimétricas, monosimétricas y hasta dorsiventrales... el caso es que si pudiera cortar en trozos iguales y reunir las piezas de este disco, de seguro el resultado serían piezas musicales distintas pero en cierta medida seguirían conservando la estructura de la base original. Pero siento ser tan críptico y no explicarme bien. JOËL FAJERMAN compuso aquel maravilloso "La Aventura de las Plantas" en 1979 sirviendo de melodía para la serie documental "L'aventure des plantes" de sonido a lo JARRE pero dándole un toque someramente bucólico.

Sin embargo JAULA planta un jardín simbólico y cría sus bulbos sónicos con la hiel devastadora del Noise electroacústico para contarnos relatos cotidianos que si tuviésemos la oportunidad de vivirlos sin vista, gusto, olfato y tacto... sólo sonido, pues quizás se acercarían bastante a "La Violencia De Las Flores". Es cierto que el luminoso "29 De Agosto" abriendo el disco podría caber en ese tipo de electrónica a la francesa a base de sus soundscapes abrasados por un sol de justicia. Toques a la Kosmische de escuela Berlinesa tornándose más agria en el homónimo "La Violencia De Las Flores" merced a un un grandioso uso de la guitarra acústica tanto de forma tradicional como procesando sus resultados hasta conseguir acercarse y copular con el Folk Drone de experimentos a lo BLOOD AND TIME o los inclasificables y recomendadísimos FURSAXA.

El minimalismo acuoso de "La Hoja Dormida" se construye con un pulso mistérico y parece en sí misma una melodía hidrosoluble disolviéndose en la nada de la lluvia, cualidad mucho más acentuada en la abstracta "Danza De Las Espigas", corte inclasificable que recuerda a una canción ancestral (verdiales noise?) procesada hasta el infinito mientras la atraviesan grabaciones de campo de regusto rural. Sigue una vieja tonadilla de xilófono emulando una caja de música en "Una Sirena Tatuada", que nos llega lejana y oscura como un trozo de astilla de madera que se nos hubiera podrido en el alma. Corta pero intensa, sirve de puente a "Donde Nacen Los Geranios" que usa nuevamente una suerte de percusión acampanada arropada por idas y venidas de pianos ensoñadores. Difícil que no se te pongan los vellos de punta.

"La Lluvia Descalza" es de una belleza difícil de describir con palabras. Aquí prima el ambient y la melodía y me gustaría darles una hostia con un guante de espinas de rosa a todos los críticos que dicen que esta música es ruido. Acariciarles los genitales con mi guante para aunar placer y dolor, que al fin y al cabo es lo que construye la música de alguien como NACHO JAULA. Si tenéis los oídos afilados os costará no captar toques pastorales y folk (de cadencia pseudo orientalizante) a lo POPOL VUH o WITTHUSER AND WESTRUPP pero tapizados en musgo hasta la asfixia gracias a un órgano catedralicio cerrando el tema de modo sublime.

"El Balanceo De La Ropa Tendida" cierra el disco con casi un cuarto de hora de música meditacional al modo de las Shruti Box, tamburas y harmonio en las Slokas hindúes. Psicodelia folk neblinosa induciendo induce al trance.

Otra obra maestra de NACHO JAULA, y ya van unas cuantas:

"Herido por los claveles de la mañana, 

me sané con el veneno de la noche".

https://emrstranded.bandcamp.com/album/la-violencia-de-las-flores

PYLAR + GRAJO en Sevilla (SALA X, ‎Pabellón Sølar)

La espiral puede que no tenga principio ni final, pero os puedo asegurar que uno de sus ramales pasó ayer por Sevilla, donde los amigos de Pabellón Sølar organizaron un cartel grandioso. PYLAR con su "A Ella Te Conduce La Sagrada Espyral" bajo el brazo y GRAJO con temas nuevos de su inminente "Slowgod II". El caso es que no puedo ser objetivo cuando algo me gusta, ni suele gustarme serlo, no en vano, no hablo nunca de cosas que no me gustan. 

Llegar a Sevilla y encontrarte con tanta gente conocida y admirada, ponerle cara a otras tantas que conocías de las redes... bueno, eso no tiene precio. Llegada surrealista a las cercanías de la sala donde pedimos un montadito más grande que un trailer y dejamos en el guardarropa un recipiente de esos de pollo asado lleno de patatas fritas que luego olvidamos recoger (ruego a la organización nos perdone); en el bar un sujeto nos interpela diciendo que era amigo de los MOJINOS ESCOZÍOS y que nos conocía de algo (será porque somos tan guapos que meamos colonia), y casi que PYLAR empezando cuando la Sala X nos acoge por ósmosis.

Una pieza introductoria en clave de Kyrie Eleison plagada de una cualidad reverberante que rozaba el drone da comienzo al espectáculo de la creación. Una tema del Renacimiento con ecos extraños a la música oriental (no soy un experto, pero su origen parece ser las liturgias sirio-bizantinas y a poco que se escarbe, como todo en la doctrina cristiana, parece robado/permutado de otros ritos musicales mucho más antiguos y remotos) mientras los integrantes se van subiendo al escenario y cabalgan la estática... es decir, mantienen su férrea inmovilidad como símil del primer instante de la creación, que lejos de lo que te digan, yo estuve allí y te puedo asegurar que el comienzo de todo fue de esa forma... primero nada se movía, luego ya se movía todo. Así de simple.

Lingua Alaudae con golpes mecánicos y robóticos va creando una base envolvente brutal ayudado por la trompa de Trarames. Un sutil fondo de teclados y es difícil no acordarse de joyas ocultas como ORGANISATION, aquel combo de locos pre-KRAFTWERK donde en "Tone Float" hacían uso del apareamiento entre electrónica y rock y que flotaba en el aire gracias a esa sutil mezcla entre instrumentos de viento y cuerda huyendo del canon de la música popular alemana (Schlager) y del aséptico virtuosismo del progresivo. Esos que citan a PYLAR como ProtoKraut me imagino que se referirán a algo así, a no ser que usen el término a las bravas, lo cual no creo porque de buena fe os digo que todavía amo al ser humano... Florian Schneider con su violín y flauta eléctrica mientras un collage de cosas van pasando alrededor podría ser un perfecto símil de Lingua Alaudae y Trarames, aunque también podrían meterse por ahí toques al rocambolesco mundo de FAUST. ¿Sabéis por qué todo el mundo da palos de ciego para definir el sonido de PYLAR?... pues porque las fuerzas de la naturaleza son difíciles de definir. Explíqueme usted qué es el viento o el fuego despojándolo de la definición científica y haciendo hincapié solo en el aspecto sensorial.

Cuando arranca la guitarra de Bar-Gal sabes ya que MANOWAR lo dijeron simple y efectivamente ("In The Beginning There Was Silence And Darkness / All Across The Earth /Then Came The Wind") y esa forma de mantener el pulso eléctrico en el aire será lo que los periodistas ultraespecializados de la Spanish Harvard School of Ultra Academic Rock Letters llaman "ecos a SWANS". Yo prefiero definirlo de otra forma. Creo que si DEAD CAN DANCE hubieran dedicado su carrera al metal habrían llegado a lo que hoy día están haciendo PYLAR... así de simple. Por cierto, hoy no voy a irme por las ramas porque me he propuesto hablar sólo de música hoy y si alguien echa de menos lo mitológico/ancestral todavía puede consultar la No Reseña/No Entrevista que hice de su último disco. Hay gente que me reconocen (gracias por la sinceridad) que ni han podido terminar de leerla (búsquese en la Rae la palabra "coñazo"):

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2017/11/pylar-ella-te-conduce-la-sagrada.html

Lo que me gusta de la guitarra en PYLAR es que está ahí siempre; mantenida, pulsátil y vibrante como en EARTH pero gracias a los cielos huyendo de ser algo así como solista y si asoma algo parecido a un solo, siempre es con la complacencia del resto de miembros... es decir, en PYLAR todo se hace en una inmensa hormigonera que crea un cemento sonoro donde todas y cada una de las partes de tiene la misma importancia y si me apuráis, el instrumento más salvaje en el grupo es la batería de Gamaheo, que ayer para la ocasión y mediante el uso de ritos prohibidos se transformó en sombra de humo negro (quien estuvo allí sabe a lo que me refiero).

Una percusión seca, dura, pétrea... tanto que venga, me voy a inventar una etiqueta a ver si algún día me la encuentro por ahí: PYLAR tocan "DOOM NABATEO".

Todavía no he hablado de las voces de Lengua de Carpa. Sus "glosolalias", "ecolalias" o como queráis llamarlas vuelven a ponerme en mis trece. La señora LISA GERRARD probablemente enfundada en sus sobrios ropajes y de haber asistido ayer, habría acabado revolcándose desnuda en el escenario tocando sus partes bajas para lúbrica y gozo del público asistente. Una forma de cantar que viene más de la intuición y la rítmica del Sur del Bronx y lo afroamericano que otras cosas que puedas pensar... y si me ponéis una navaja bajo el cuello, sigo en África con el Griot, suerte de bardo narrador de historias (tradición oral) tan característico de Senegal o Gambia. El caso es que también le da al throathsinging en algunos tramos con excelentes resultados y canaliza su fuerza vocal pseudo-improvisada convirtiendo su voz en un instrumento más.

¿Quién hacía esto a la perfección?... pues vuelvo a Alemania con el japonés DAMO SUZUKI que acabaría recalando en CAN y formando parte de la historia. El concierto se va desarrollando inexorablemente sin ángulos. Todo es curvo en la música de la banda y cuando te quieres dar cuenta se van disolviendo en un inmenso alambique que te deja en la boca el regusto de un embriagador licor destilado que lo mismo podría ser SOMA que un puto CARAJILLO.

Casi sin darme tiempo a recuperarme de la experiencia que acabo de vivir salen a escena GRAJO, que vi en Málaga en la Sala Velvet (los cortaron en pleno apogeo sin causa aparente). Afortunadamente aquí se los deja explayarse y vaya que si se lo merecen. Creo recordar que comenté que les faltaba un pelín de escenario y puesta en escena en su día, cosa que los de Córdoba sabiamente han sabido ir trabajando. Fantástica introducción con los espaciales toques simples pero efectivos al theremin (digital), algún que otro momento teatralizado como las velas y las flores y el buen juego de luces le dan otro nivel a su música que gana muchos enteros cuando uno se mete "dentro de la historia". Han cortado mucho en el tema de la interactuación con el público con respecto a la última vez que los vi y creo que es todo un acierto... dejar hablar a la música y que sea la putrescente masa oleosa de riffs heavies los que se presenten por sí mismos.

Liz completamente enfundada de negro (como debe de ser) y desarrollando sus virtuosas liturgias que rezuman tanto del Occult Rock de los JEX THOTH o BLOOD CEREMONY, pasando por cositas de Svart Records como SABBATH ASSEMBLY. Pero ojo, no me entendáis mal... los riffs de guitarra a cargo de Josef y la base rítmica Pistolo/Félix pueden recordarte en ocasiones tanto a las cabalgadas paquidérmicas de REVEREND BIZARRE como a CANDLEMASS y el retro Doom o como se llame es un término algo ambiguo. Es curioso como sigue sonando fresco algo que ya lleva tanto tiempo en el candelero y si no que se lo digan a los BLACK SABBATH. GRAJO son básicamente una banda de thrash lento que se han liado un inmenso canuto con "Planet Caravan" y algo de los ELECTRIC WIZARD menos distorsionados para acabar copulando en el espacio exterior un grandioso Heavy Psych que tiende a la expansión.

Os dejo un enlace a la reseña que hice de su primer disco por si todavía no lo tenéis claro y un puñado de fotos para que os hagáis una idea de su directo:

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2017/02/grajo-grajo-varios-sellos-2016.html

Y sutilmente y sin darme cuenta mis compañeros de viaje me arrastran al exterior de la sala mientras me despedía de la gente de ABUSIVE NOISE TAPES y Pedro de ‎Pabellón Sølar (para cuándo el flexi perdido de MONKEYPRIEST?) que me recomendaron un par de cintas que les pillé. Tanta prisa para acabar dejando las patatas fritas en el guardarropa...

DOSSIER GRUPPO UNGIDO (DIRECTOR´S CUT)

GRUPPO UNGIDO

“Luego tomarás el aceite de la unción, y lo derramarás sobre su cabeza, y le ungirás” (Éxodo 29:7)

"..tras el perfume de tus ungüentos" (Cantar de los cantares 1,3)

I.                    EL ACEITE SE REVELA COMO SALVACIÓN DEL NAVEGANTE (… o como no volverse majara separando tus neuronas en grupos de a tres).

No recuerdo exactamente el instante en el que quedé Ungido, pero sí recuerdo que por aquel entonces algo estaba rumiándose en los recovecos inconscientes de mi cerebro primitivo. Influido por la publicación de “La Ciudad Secreta; Sonidos Experimentales en la Barcelona Preolímpica 1971-1991” (Jaime Gonzalo) en MUNSTER, andaba  yo a la caza de todo aquello que oliese a experimentación musical, y que tuviese la impronta y el marchamo de lo cercano en el sentido de producción musical geográficamente instaurada en nuestras fronteras.

Cuando te encuentras en situación de rastreo exhaustivo del underground patrio, obsesionado al límite de la locura con mil y una anécdotas del pasado reciente, cualquier cosa puede ocurrir, y seguramente nada de todo ello sea casualidad. Acababa de escribir al sello independiente LA OLLA EXPRÉSS para hacerme con una copia de la reedición de PELAYO y MOISÉS MOISÉS, y quizás esa energía o predisposición de búsqueda es la que hace que las casualidades no existan, y sea la razón de que determinados nombres, grupos y sellos de repente se vieran resucitados en el presente. 

Rescatando viejos discos de MACROMASSA, escuchándome a altas horas de la madrugada los primeros discos de ESPLENDOR GEOMÉTRICO y ahondando el las biografías espirituales de gente como VÍCTOR NUBLA (y dudando de mi cordura, todo hay que decirlo), un nombre me conectaba con todas esas historias repitiéndose insistentemente en las búsquedas y barridos que hacía; GRUPPO UNGIDO.

No sólo la Barcelona Experimental (la escena Layetana a finales de los 70, con ORIOL PERUCHO dando guerra en sus coqueteos con el Free Jazz, la electrónica subterránea y el primer rock industrial o la histórica SALA ZELESTE) invadía mis sueños, sino también el ruidismo añejo y Free Jazz de formaciones madrileñas como ORGON, CLÓNICOS o el  JOSE A. GALICIA SEXTET. Además, todo ello poseía la aureola mística de lo desconocido, y los amantes de la música sabrán a lo que me refiero. No hay nada más sugerente que un nombre olvidado en el tiempo, y si a ello le sumas un disco descatalogado por ahí o una demo imposible de encontrar, pues ya tenemos la fiesta a punto.

Conocía otros Netlabels y reductos de cultura más contemporáneos como “CHIENNOIR LABEL” de los kraut TRAUMMASCHINE o DISCORDIAN RECORDS de El Pricto (“Filthy Habits Ensemble”), y casualmente en el mismo momento en que se me revelaba la publicación del recopilatorio “Tensión: Spanish Experimental Underground 1980-1985” (Munster, 2012), la palabra Almayate iba a cobrar en mí el carácter mistérico que el aceite tenía en los Tiempos Bíblicos.

En ALMAYATE  muchos de esos músicos estaban ahí (Markus Breuss, Justo Bagüeste y Pelayo Arrizabalaga), y se mezclaban con una nueva hornada de gente experimentadora con base de operaciones establecidas en Almería y paradas de Vía Crucis en Granada. El magma primigenio de Clónicos, Klamm u Orgon está más presente que nunca, y la migración de una serie de artistas visionarios al sur de la Península quizás sería el paso sociológico previo a lo que conocemos como Gruppo Ungido.

GRUPPO UNGIDO está guiado por la batuta de A.L.Guillén. Músico inquieto con infinidad de proyectos, desde el Pop en oposición de SEFRONIA a los devaneos mántricos de ALONDRA SATORI, con parada en los inclasificables LES RAUCHEN VERBOTEN, Guillén es el encargado de coordinar las OBLEAS (registros sonoros tanto en descarga gratuita como edición limitadísima en diversos formatos). Asociación de artistas, comuna mistérica de músicos en simbiosis experimental o directamente una manada de locos que mutan y permutan en diferentes caras de una misma moneda. Eso y más es GRUPPO UNGIDO, movimiento con su propia inercia y energía que se retroalimenta una y otra vez, y que se  reúnen esporádicamente en celebraciones audiovisuales que se registran en distintos formatos. Su moneda de cambio es la OBLEA, o registro audiovisual musical y vibratorio que son grabados, mezclados y masterizados (en ocasiones grabados en distintos lugares) en el estudio LA ANTENA NOÉTICA en Almería.

El sujeto ungido es por tanto un iniciado, un asceta del sonido que en ocasiones puntuales se reúne en comunión (espiritual si es un proyecto en solitario) con otros ungidos y que por medio de una tercera fuerza en discordia (llámesela como se quiera), dan lugar a dichas obras cuyo punto de conexión entre todas ellas es el eclecticismo.

Y es precisamente una de estas Obleas, ALMAYATE – “Freegiliana” la que me lleva a un paroxismo mental tal, que le escribo a Guillén para pedirle el disco. Freegiliana es una maravillosa improvisación en vivo del 2 de Febrero de 2012 en la que campan a sus anchas los inquietos espíritus cósmicos de Sun Ra, Coleman, Albert Ayler o la Art Ensemble of Chicago. Desde el Jazz Británico de Evan Parker o Paul Dunmall a la New Thing de Coltrane, Archie Shepp o Don Cherry… todo ello capitaneado por la efervescente guitarra de Antonio Guillén cual péndulo de Foucault alrededor de cuyo son bailasen el resto de instrumentos.

Hagamos un paréntesis para hablar profundamente sobre ALMAYATE y quizás los conceptos se vayan aclarando:

II.                  FREEGILIANA (… o hacer llorar a la Madre Tierra con tus instrumentos).

ALMAYATE - "FREEGILIANA" (OU#2cu1) Octubre de 2012

En el Cerrillo del Tejar o Cerrillo de las Sombras, a las afueras de Frigiliana, se encuentra una necrópolis de probable raigambre fenicia (o eso dicen los que se encargan de encasillar al pasado) donde se encontró ajuar funerario; en las cercanías del río Higuerón existen Cuevas donde se ha dado fe de vida y muerte desde el Neolítico… y qué entorno más propicio entonces para celebrar un culto a la Madre Tierra en forma de Free Jazz Espiritual el elegido por el Ungido quinteto mistérico ALMAYATE.

El 2 de Febrero de 2012 en una sesión improvisatoria en vivo, MARKUS BREUS a la trompeta y fliscorno, ANTONIO DELGADO a la percusión y PELAYO F. ARRIZABALAGA al saxo, stylófono y cracklebox (tres músicos que en los años 80 revolucionaron el panorama del Free Jazz patrio con el grupo ORGÓN y que llegaron a compartir escenario con la ART ENSEMBLE OF CHICAGO) se unen a VÍCTOR V. VÁZQUEZ a los cuencos tibetanos.

Grabado en Frigiliana (Málaga) y producido por el propio Guillén en LA ANTENA NOÉTICA, y con una maravillosa portada a cargo de Pelayo Arrizabalaga, FREEGILIANA forma parte de la serie OBLEAS UNGIDAS.

Víctor junto con Markus y Pelayo anteriormente formarían parte de los inclasificables CLÓNICOS. A estos músicos se une ANTONIO L. GUILLÉN (guitarra y electrónica) procedente de la escena pop-rock experimental con grupos como SEFRONIA, ALONDRA SATORI o el trío almeriense LES RAUCHEN VERBOTEN. 

Un culto sonoro multicultural donde la raíz Free afroamericana se une a la improvisación europea e incluso a la clásica contemporánea, creándose un brutal compost espiritual en el que palabras como ALQUIMIA SONORA cobran un significado revelador; todo eso y más es lo que encontraremos en esta particular grabación.

Desde SUN RA a la ART ENSEMBLE OF CHICAGO y todo el germen de músicos alrededor de la AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians); BRAXTON, PETER BRÖTZMANN o el jazz británico de corte más free de EVAN PARKER, BARRY GUY o PAUL DUNMALL son influencia clara y directa de ALMAYATE.

Pero vayamos por partes. FREEGILIANA es difícil de reseñar con palabras o hacer alusión a algún tema en concreto, básicamente porque funciona como una unidad deificadora difícilmente reductible de la abstracción a la simple palabra escrita. Es puro sentimiento arcaico donde la etapa más tribal de Sun Ra (véase por ejemplo THE HELIOCENTRIC WORLDS) convive con la belleza de CODONA de Don Cherry. Del ruidismo caótico de algunos temas que podrían perfectamente encuadrarse en los más duros momentos de FRED FRITH y similares a la solemnidad de un enterramiento celeste tibetano… todo ello impregnado del introspectivo y penitente ambiente del MILES eléctrico que tan brutalmente se captó en directos como DARK MAGUS.

Largas Jams arenosas, los discos más primitivos y antiguos de ROSCOE MITCHELL, MAURICE MCINTYRE o MUHAL RICHARD ABRAMS; percusiones interminables arropadas de vientos mántricos e hipnóticos… y la guitarra plenamente desbocada de Guillén y los toques electrónicos (vuelvo a los experimentos de Sun Ra en los discos ATLANTIS, THE CITY, ART FORMS OF DIMENSIONS TOMORROW o COSMIC TONES FOR MENTAL THERAPY).

En la música de ALMAYATE hay violencia y desenfreno, pero siempre un caos controlado dirigido hacia un objetivo concreto; tal y como el Derviche Sufí da vueltas sobre un mismo lugar con una mano dirigida a la tierra y otra al cielo, estos músicos entablan un diálogo con primitivos dioses. Momentos más meditabundos bañados en cuencos tibetanos y vientos lánguidos de trompetas, saxos y fondos drónicos que tienen el deje espiritual de la tamboura o un harmonium hindú nos recuerdan que la propuesta de este quinteto trasciende razas, culturas y credos.

III.                SABER ES ÉXTASIS (… o como creerte periodista musical cuando en realidad eres un mierda).

La aparición de determinados grupos o colectivos musicales a lo largo de la historia generalmente ha ido acompañado de movimientos sociológicos, rupturas políticas y brechas en la forma de pensar y asimilar la cultura por el oyente.

Casos como la lucha por la igualdad racial y la New Thing (tomando quizás como punto de inflexión y comienzo el disco FREE JAZZ de ORNETTE COLEMAN grabado en 1960 y lanzado a la palestra en 1961), o la forma de defender los intereses culturales de los músicos en la AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians, creada en Chicago en 1965 y con conexiones con los míticos sellos DELMARK y NESSA RECORDS) dentro del jazz tienen su proyección similar en otros grupúsculos como la asociación cultural juvenil que surgió en Eslovenia (Trbovje) alrededor de LAIBACH (circa 1980) y provocando una auténtica ruptura ideológica. El polémico “NEUE SLOWENISCHE KUNST” (Nuevo Arte Esloveno, en alemán) y su carácter provocador mete el dedo en la llaga de las relaciones turbulentas entre Eslovenos y Alemanes allá por 1984, aglutinando los controvertidos proyectos visuales IRWIN, SCIPION NASICE SISTERS THEATRE (o RED PILOT y COSMOKINETIC THEATRE NOORDUNG), RETROVISION... muchas veces cabalgando la fina línea entre la rigurosidad histórica y la pura leyenda.

Tenemos muchísimos más ejemplos, como los de la PLASTIC PEOPLE OF THE UNIVERSE en la República Checa, liderando todo un movimiento underground desde 1968 a 1989  también en una época convulsa donde nuevamente política y artes se dan la mano. La aparición de un grupo de avantgarde en pleno comunismo llevaría a arrestos y mil historias; prohibidos por el régimen comunista Checoslovaco, la Plastic People of the Universe fueron fenómeno de culto convirtiendo en bandera sus influencias Zappianas y de la Velvet Underground.

Otro movimiento transgresor que tendría ecos en la música es el Dadaísmo (circa 1916) alrededor del Cabaret Voltaire y que se transformaría en movimiento cuasi político en Alemania. Muy de pasada, este movimiento cultural unido al hastío de la juventud Berlinesa influirían en el submovimiento DER GENIALE DILLENTANTEN, donde unos nacientes EINSTURZENDE NEUBAUTEN a finales de los 70 llevarían la electrónica y la música industrial a un nuevo nivel, revolucionando completamente la escena y creando un germen que influiría a posteriori en toda una generación de artistas e improvisadores.

De finales de los 70 y hasta 1976, el grupo teatral y de performance británico COUM Transmissions derivaría en los controvertidos THROBBING GRISTLE, coexistiendo ambos durante un tiempo. Pioneros en el uso de samples y de la música industrial más oscura y nihilista y auténticas máquinas de provocación y de perturbación psico-espiritual, su influencia y legado se deja sentir en el presente.

Pero no sólo la política o lo social crea el sustrato que amamanta a colectivos como GRUPPO UNGIDO.

Vayámonos a pleno verano del amor y visitemos la comuna de FATHER YOD, nombre espiritual de James Edward Baker, ganador de la Silver Star de los Marines de los EEUU por su participación en la Segunda Guerra Mundial. Experto en artes marciales y fundador del restaurante de comida orgánica de moda en Sunset Strip (Los Ángeles), Father Yod crea THE SOURCE FAMILY, movimiento sectario alrededor del cual surge Ya Ho Wa 13 que es quizás uno de los capítulos más delirantes de la historia de la improvisación y la psicodelia.

Las After Hours Meditations ocurrían entre las 3 y las 6 de la mañana en un garaje de la comuna y luego se prensaban vinilos que se vendían a 10 dólares en el restaurante de la secta. Un voluminoso legado del que todavía sólo hemos visto la superficie (se dice que grabaron más de 65 álbumes) nos dejó el Señor Baker tras su muerte en un accidente de ala delta.

Así pues, cada cosa tiene su pasado y las semillas germinan y dan sus frutos.

Movimientos del pasado influyen en el presente cual Chernobyl Sónico que destilase un feedback temporal inacabable y subversivo; GRUPPO UNGIDO recoge el testigo de movimientos como la Barcelona Industrial y la tapiza de Zappismo para a posteriori deconstruirlo todo en un flujo denso de Rock en oposición a lo Henry Cow bañado en una electrónica violenta y cortante. O lo que es lo mismo, música sin complejos.

Lo ZORNIANO (junto con el mítico local KNITTING FACTORY, alrededor del cual se crearía la brutal escena del Downtown Neoyorkino a principios de los 90) y lo CRIMSONIANO se aparean en una increíble gesta donde los orgasmos sonoros están servidos, siendo padres putativos de GRUPPO UNGIDO por derecho propio… aunque quizás ya esté especulando demasiado.

A propósito de la electrónica en GRUPPO UNGIDO, volvamos a realizar otra parada para coger aire y metámonos de lleno en otra OBLEA UNGIDA radicalmente distinta.

IV.                ANALOGÍA DIGITAL (… o cómo manejar potenciómetros sin que te dé calambre).

DAL VERME - "GUÍA BACTERIOLÓGICA ILUSTRADA" OBLEA UNGIDA (OU#12mu5)

Existe una Granada turística, una Granada mistérica… y sin duda, una Granada microscópica.

En la Granada microscópica hay Bacterias… BACTERIAS y RUIDO, pulsos electrónicos que nos llegan como olas que colonizan nuestro interior. Y como maestro de ceremonias, la bacteria madre DAL VERME genera el sonido que alimenta las membranas, los peptoglicanos que las conforman y las ondas que precisan para propagarse y anidar en ti.

Existe sin duda un sonido del MACROUNIVERSO. Ya hay músicos que se han inspirado en los planetas e incluso sonidos del movimiento del Universo.

Pues bien, ese sonido se refleja en lo MICROSCÓPICO, porque lo pequeño no es más que un reflejo del universo, de la memoria atávica que por pequeña que parezca habita en cada ser vivo de esta realidad. Es por eso que la música de DAL VERME me retrotrae al Cosmos, pero pasando por la lente acústica de un microscópico electrónico.

GUÍA BACTERIOLÓGICA ILUSTRADA es la OBLEA UNGIDA #12, disponible en cd digipack y en descarga química de DAL VERME, músico activo desde mediados de los 90 en diferentes proyectos de toda índole (colaboraciones con SEFRONIA, LUNATIC FRINGE…) y en solitario, haciendo crecer en laboratorios sónicos engendros experimentales como esta GUÍA BACTERIOLÓGICA ILUSTRADA, toda una oda a los verdaderos jueces de nuestra existencia; organizaciones moleculares que conspiran y que pueden ser amigables o brutalmente despiadadas. Pueden dormir el sueño de los justos durante eones y despertarse con una simple brizna de oxígeno...

Procarióticos impulsos que se expanden como flagelos sonoros estableciéndose en cada hábitat terrestre… ya AVICENA lo intuyó, y ahora músicos como DAL VERME le ponen sonido a la imagen e instantánea de 40 diferentes FILAMENTOS, COCOS, VIBRIOS y ESPIRILOS.

GUÍA BACTERIOLÓGICA ILUSTRADA es una obra imprescindible para seguidores de la música de THROBBING GRISTLE, los meditabundos drones de BRIAN ENO, las nocivas capas noise de ESPLENDOR GEOMÉTRICO o la aleatoriedad ZEN de JOHN CAGE.

V.                  CARA A CARA (… o las directrices de lo que nunca haría JESÚS QUINTERO).

Utilicemos pues la ciencia de lo Noético y hablemos con A.L.Guillén y sus motivaciones personales. Quizás la época del terrorismo sonoro y los atentados culturales ya pasaron, y es cierto que el extremismo de los grupos y movimientos citados anteriormente convierten sus nombres en casi leyenda… pero no menos cierto es que no sabemos el alcance de algo hasta que fenece y la pátina del tiempo erosiona las aristas.

GRUPPO UNGIDO suena a mucho de lo anteriormente descrito, y su trasfondo espiritual visto desde mi humilde prisma hace que pueda conectarse con esta y mil historias.

***

·         Me gustaría empezar por el principio, así que déjame que te haga una pregunta quizás demasiado personal. De existir una fuerza superiora, Dios o como queramos llamarle, posiblemente haríamos bien en nombrarle El Primer Improvisador, porque al menos conmigo improvisó bastante... ¿qué es lo Noético en GRUPPO UNGIDO?.

GUILLÉN: El misterio del azar (o el proceso generador de lo indeterminado) que lleva finalmente a sistemas vivos con emoción y autoconciencia, con sensación de experiencia integral con la Realidad (la fusión en el Sonido desde la confusión). Un proceso mágico. La creación, el siguiente paso filogenético, sólo puede suceder por la oportunidad del error.

Nuestro interés es ocultar o destruir su mecánica. Esconder su explicación racional. No podemos aceptar una “persona” demiúrgica en la que esperar. Nuestra Noesis sólo dispone lo mejor posible la situación para que se manifieste (impactar contra esa Meca, sin objetivo; sin programa).

·         ¿Qué te mueve a crear algo como GRUPPO UNGIDO y (corrígeme si me equivoco), cuál es el nexo de unión que une a Guillén con gente como Arrizabalaga, Breuss o Bagüeste?. Existe un salto generacional pero sin embargo escuchando las grabaciones y Obleas parece que llevaseis juntos toda la vida…

GUILLÉN: Gruppo Ungido se fundó como un espacio pequeño infinito donde experimentar la emoción más profunda y sincera con el Sonido, con la Música, con el fenómeno humano. Un espacio terapéutico cuyo corazón es la celebración de Obeahs (Misterios Ungidos,  de comunicación boca o boca, celebrados en espacios sagrados o sacralizados por la acción ungida). 

De modo que las Obleas (el registro, la netlabel, los CDs,  pretenden dar la posibilidad en el receptor de ese momento mistérico eterno, en cualquier lugar, desde cualquier meseta de la red). Más que una relación generacional, o estética, todos los ungidos tienen en común el estado consciente del límite entre Oriente y Occidente que es el sur de la Península, que posibilita la fusión del reloj con la salida del tiempo.

Por último, este propósito sólo es posible mediante una economía política específica de la música, que rechaza específicamente la jerarquía institucional, la relación profesionalista entre músicos y no músicos. Pretende generar una Interzona, en las grietas del capitalismo caníbal, o,  como mínimo, un grupo afín de intención anartista. Y así pretende establecer sus relaciones humanas.

·         Ya te he comentado en diversas ocasiones que mi primer contacto con GU fue a través del proyecto Almayate. En esta grabación no puedo dejar de acordarme de la New Thing o de los improvisadores de la AACM de Chicago. ¿Podrías contarme algo de la mágica sesión que dio lugar a Freegiliana? ¿cómo surge un proyecto semejante?. ¿podría tener continuidad algo como Almayate o es sólo fruto de un momento y un lugar especiales?.

GUILLÉN: Almayate reunió a 5 personas afines. Realmente 3 propusieron la sesión (Pelayo Arrizabalaga, Markus Breuss y yo) y el azar-el “pasaban por allí”-unió a Víctor Vázquez y Antonio Delgado. Sí.  Todos nos sentimos muy conectados el Free Espiritual (también en su sentido político, que no se puede separar de su espíritu), pero esa tarde apareció el Sonido en toda su profundidad; algo así ocurre cimentado en tu tradición, tu influencia, pero va mucho más allá …destruye tus pocos pilares, y asciendes al Abismo. Ya no eres tú, ni tu influencia, sino El, el Sonido . 

El registro del suceso ayuda a resucitar tal profundidad. Así mismo, Almayate puede resucitar en cualquier momento en que nosotros cinco nos reunamos alrededor de la hoguera del Sonido. Resucitó en el festival Hurta Cordel (grabación de la que preparo una próxima edición), y puede resucitar mañana o dentro de un siglo.

·         Personalmente creo que en la creación de GRUPPO UNGIDO se dan diversos factores detonantes y la presencia en el Sur de una serie de músicos que en su día fueron parte de escenas underground y experimentales es un dato sumamente interesante a la hora de hablar de este. Si tomamos como cierta la información de la web, GRUPPO UNGIDO entra más o menos en vigor en 2012. ¿Qué existía antes de su creación?.

GUILLÉN: EMFA fue un primer intento de reunir en una misma asociación un grupo amplio de músicos insurgentes en Andalucía. No terminó de cuajar por diversos factores. Históricamente existe esta corriente subterránea en Andalucía, desde la escena sevillana de la Era de Acuario, a Auxilio de Cientos en Granada, el Festival Internacional de Improvisación de Málaga con varias ediciones, los proyectos musicales varios que se han desarrollado en Almería...

·         ¿Podemos hablar de una suerte de Trashumancia Artístico Sonora, que se iniciaría en los 80 en Barcelona o Madrid y acabaría en cierto modo renaciendo en Granada y Almería bajo el nexo de unión de GRUPPO UNGIDO?... ¿o quizás es todo un delirio persecutorio que me he montado en mi mente?. ¿Cómo entras en contacto con gente como Arrizabalaga, Breuss o Bagüeste?.

GUILLÉN: Gruppo Ungido nació como afirmación supraconsciente de la Periferia de la Periferia en las músicas insurgentes, es decir , su núcleo fundamental está conformado por músicos que han trabajado en estas músicas en Andalucía, como Antonio Murga y Ernesto Ojeda en Sevilla, Dal Verme o JCR en Granada, o los diferentes proyectos que yo he desarrollado en Almería.

En realidad , el límite cognitivo que supone el Sur, la manera particular de crear música en la frontera Occidente-Oriente que es Andalucía, su sentido del humor y su transcendencia, por ejemplo, magnetiza a músicos de generaciones anteriores (Clónicos en Madrid, o Stahlfabrik v.g., que está relacionado con la escena de Barcelona).

Es decir, Gruppo Ungido no es una netlabel o sello con continúa con cierta estética “experimental” urbana megapolínea (aunque, lógicamente, conozca estos laboratorios occidentales o no occidentales del sonido y el anarte) .

Gruppo Ungido está marcado por el terreno, el cielo, la tierra y la voz ancestral donde germina, y la relación entre los ungidos va más allá de una cruzada estética: es una relación propiamente fraternal.

·         Me ha gustado mucho tu descripción sobre la conexión espiritual en Almayate, y por eso me parece acertado que nos hablaras de los proyectos ABBA (grabaciones de música improvisada a dúo en el Desierto de Tabernas de Almería) y El Nacimiento Ritual (sesiones bianuales de improvisación colectiva fraterna en Alamedilla, Granada).

GUILLÉN: Los dos proyectos Sin Fin que citas exploran el carácter sanador de la Improvisación. Con ABBA llevo invitando a improvisar a dúo en el Desierto de Tabernas a multitud de músicos desde hace años. El corazón de ABBA es el diálogo del eremita con su otro yo: en este lugar, en este silencio, muchos músicos se han “oído a sí mismos” por primera vez. Supone un renacer en el Silencio del acto improvisador., en localizaciones, por lo demás, estremecedoras que he ido conociendo a lo largo de años de caminar, y contemplar, el Desierto de Tabernas.

El Nacimiento Ritual es una fiesta fraternal de Improvisación Colectiva  que se desarrolla en 24h seguidas en un lugar ignoto  y hermosísimo de la región de los Montes de Granada: en Alamedilla. A partir de cierta ordenación simbólica cósmica en la disposición de los instrumentos, la improvisación (en la que participan músicos y “no músicos”) se desarrolla en relación con cualquier fenómeno de la vida, los instrumentos son tomados por cualquiera: se producen fugas espontáneas que entran y salen de los arquetipos cósmicos fijados. Ambos procesos Sin Fín, quizá tengan reflejo petrificado en algún documento sonoro o visual próximamente en Gruppo Ungido, aunque son, ante todo, válidos como experiencia vital.

·         Alrededor del colectivo de GRUPPO UNGIDO hay artistas plásticos, visuales, fotógrafos o poetas… incluso un programa de radio que aborda la experimentación desde una óptica interesantísima. Creo que todo esto estaría incompleto si no hablásemos de MORADA SÓNICA o RADIO CANDIL… ¿podrías contarnos algo de estos proyectos?.

GUILLÉN: El colectivo Morada Sónica nació a partir del inolvidable festival Moradas, que organizamos en la Alcazaba de Almería hace 2 años. Surgió la posibilidad de desarrollar un ciclo dedicado las Otras Músicas en el espacio autogestionado La Oficina Cultural de Almería. Tras 2 años de trabajo, nos abruma ver cómo la Morada Sónica ha crecido, con presencia de nombres muy importantes de la escena nacional (como Javier Piñango, Juan Antonio Nieto, Galiana-Saavedra y un largo etc...). 

Es un espacio abierto, preocupado por la difusión y la cercanía, sin ánimo elitista; hoy ya está situado y considerado plenamente en la pequeña red de espacios que se preocupan de la exploración musical y artística. La versión en la ondas de la Morada Sónica (que realizo con Josep María Soler) mantiene el mismo ánimo divulgador y didáctico, en forma de monográficos dedicados a la periferia de la periferia de estas músicas, es decir, el eje no anglosajón, con especial atención a los pioneros españoles y los lanzamientos de Gruppo Ungido, y con una perspectica muy ecléctica.

·         Más o menos a estas alturas voy teniendo claro qué es GRUPPO UNGIDO, de donde surge y a donde va, pero, ¿cuáles es el pasado de Guillén como músico?... me imagino que artistas como Fred Frith, Zappa o Zorn o Henry Cow  formarán parte de tu modus vivendi, pero me niego a creer que ese sea el germen de tus inquietudes musicales. Dicho de otro modo, ¿qué existía antes de la experimentación?.

GUILLÉN: Mis raíces están en el rock, duro concretamente. Recorrí el camino de profundización en tierra hacía la música negra, el jazz, y el blues rural, por una parte (fué mi primera escuela). De otra parte, hacia su expansión celeste , con el rock progresivo, la psicodelia, el sunshine pop... y de ahí a la música contemporánea y la electrónica (siguiendo con devoción el sello WARP en los 90s).

Hoy disfruto especialmente con aquellos músicos que rompen de manera heterodoxa los límites de lo académico y lo “popular”, la electrónica primitiva previa a los 60s, y, sobre todo, la frondosa selva de las músicas de tradición oral. Ese es el resumen hiperesquemático de mi enfermedad musical. Me gusta mucho investigar en la historia no contada de la música... tengo un hábito muy investigador, casi sistemático, con la historia de la música...

·         Y  por otro lado me gustaría que me hablases de lo literario. ¿Qué es un APOTEGMA UNGIDO y qué literatura rodea la vida de los UNGIDOS?.

GUILLÉN:  La relación de Gruppo Ungido con la literatura es ambigua...el propósito de nuestra sociedad es diametralmente opuesto a la cosificación , la utilización disecante, que perpetra la literatura sobre la palabra. Palabra que los ungidos pronuncian profética, en su fonema y en su poliédrica fuente  de significados: en su selva cabalística.

El apotegma es siempre una pequeña semilla que acepta la complejidad… un hilo a partir del cual el ungido puede tirar para fugarse de la convención (incluida la literaria): para actuar en el mundo, no para leerlo o interpretarlo de manera unívoca.

·         En tu proyecto de SEFRONIA que compartes con Angelina tocas prácticamente todo lo que se te pone a mano, y la idiosincrasia de dicho proyecto me trae a la mente al grupo de Avant-Rock CASSIBER, que casualmente también conocí más o menos por el mismo tiempo que entré en contacto con GRUPPO UNGIDO. ¿Qué opinión te merece esa forma tan particular de entender la música de gente como HENRY COW, ZAPPA o CASSIBER?.

GUILLÉN: Sefronia es el corazón de mi  obra músical, sobre todo por compartir mi vida con Angelina, es nuestra ofrenda al mundo. Un corazón micropolítico que pretendemos muy sincero, donde lo pequeño puede ser hermoso y revolucionario. En ese sentido, no nos satisface totalmente hoy por hoy un enfoque sistemáticamente cínico como , v.g., el de Zappa, aun influyente, puesto que el  carácter emancipador de la experiencia mística está en el centro de nuestro discurso.

Me siento cómodo con tu identificación de Sefronia con el RIO, también a nivel de independencia política y musical.  Es muy hermoso el apoyo que han prestado Bob Drake y Chris Cutler a nuestro pequeño proyecto. Aun cercanos a esta tradición, nos preocupa, ante todo, que la complejidad musical se manifieste de modo sutil e inadvertido, y siempre sea dominado por la Meca de la Canción eterna, la que pueda germinar con mil caras distintas. No caer en el solipsismo o la ilegibilidad, sin perder riqueza. En ello estamos.

·         Ahora que tocamos el tema de SEFRONIA, ¿cómo surge ese apoyo y contacto con gente como CHRIS CUTLER o BOB DRAKE? O dicho de otra forma, vuestro disco TRES se publica en ReR MEGACORP y me imagino que habrá algo interesante detrás de esto que puedas contarnos.

GUILLÉN: Tan sencillo como enviar un mail con nuestra música, y contestarnos Bob Drake que quería masterizar el disco; fue una cuestión puramente musical, y Bob Drake realizó un gran trabajo, prácticamente por amor al arte. El fué el que dió a conocer nuestro trabajo a Chris Cutler, que decidió introducir el álbum en el catálogo ReR.

Es básicamente la historia de un apoyo puramente musical y artístico, desde la humildad y la sinceridad... nos llena de orgullo, pues es poco habitual bandas españolas en el sello, y menos con orientación pop, como Sefronia. ReR es un referente absoluto para nosotros.

·         Aprovechando una conversación que tuvimos hace tiempo, creo recordar que la prensa “oficial” escrita, los críticos musicales supuestamente especializados y otra diversa fauna musicológica no son demasiado santo de tu devoción. ¿Puedes explicarnos algo de esto? ¿Cómo ves el panorama musical a nivel estatal?.

GUILLÉN: Sencillamente no existe una tradición crítica en España lo suficientemente abierta como para comprender en toda su amplitud el movimiento musical insurgente que hay en este país hoy por hoy, con honrosas excepciones.

Sigue existiendo una excisión , sutil o no tan sutil, entre “vanguardias” académicas , y no académicas; fuera de eso, el funcionamiento de la música “independiente” es idéntico al peor amiguismo corporativo de lo “no independiente”, y las carencias críticas de las que hablo, ocasionan que nuestra música sea deficientemente criticada en esos ámbitos, o directamente no criticada, generalmente.

Se me hace evidente que es el momento más rico de la música experimental de este país en mucho tiempo, sobre todo en el campo del arte sonoro y la improvisación , con un eje psicogeográfico que recorre la costa mediterránea,  en concreto; sin embargo,  la repercusión es la de una gran familia que conspira a la sombra. Las redes sociales han agilizado muchísimo nuestra capacidad de conspirar, y fabricar una forma de trabajar al margen de los canales habituales.

Esto sucede hoy con gran vitalidad,  sin duda, sin que tengan ni idea de que sucede la mayoría. Pero nuestra interzona es más ágil y creativa que nunca.

·         Todos esos movimientos culturales y musicales que hemos citado en el principio han ido acompañados de una prensa musical, o de al menos unos cuantos locos que se atrevían a difundir contracorriente información casi “clasificada”. AMIRI BARAKA (LEROI JONES) fue uno de ellos; en libros tan interesantes como BLACK MUSIC el autor arremetía contra la prensa y críticos blancos creando una amalgama social, política y musical tan genuina como quizás impensable en nuestros días.

Puede que me equivoque pero veo cierta actitud acomodaticia en los medios musicales, dejándose la vanguardia prácticamente al submundo del Fanzine y otras publicaciones de esa índole. ¿Qué cobertura le han dado los medios nacionales a GRUPPO UNGIDO, LES RAUCHEN VERBOTEN, SEFRONIA o ALONDRA SATORI?.

GUILLÉN: La cobertura es escasa. La situación actual es de ruido informativo exponencial, y, desgraciadamente, la impresión que tengo es que es bastante general atender a la difusión de una a otra propuesta bajo criterios bastante alejados de lo estrictamente musical.

El ruido ha provocado una sordera y una vagancia importante en los responsables de “seleccionar” grano entre paja. Te lo resumo: no acostumbro a mantener una actitud hipócrita con los medios para trepar, ni pago a managers que alternen con críticos de los supuestos medios “influyentes”. Sencillamente hago exactamente lo que quiero hacer sin esperar nada, y tengo el defecto de decir también lo que pienso. Y eso se paga con la exclusión cuando una estructura es corrupta y vulgar.

Respeto profundamente la música como tal. Verdaderamente es secundario lo demás, incluyendo la repercusión mayor o menor.

·         Volviendo un poco a GRUPPO UNGIDO, hablemos un poco más de las OBLEAS UNGIDAS. El formato digital y el físico conviven en las obleas que se van publicando. ¿Hay algún criterio especial que sigas para decidirte por uno u otro formato para cada una de ellas?...

GUILLÉN: Las obleas son objetos, que tratamos de cuidar cada día más, pequeños regalos entre ungidos y paraungidos donde poder germinar. Un recuerdo eterno, fabricado para no costear la tirada sino en semillas extásicas.

El hecho de que una oblea celeste solidifique en piedra en forma de cd o dvd, se relaciona con una intuición personal y humana entre ungidos...la intuición de que deba ser palpada: que merezca esa transformación alquímica: ella nos lo grita; obedecemos a un mecanismo totalmente irracional y no relacionado con criterios de “calidad estética-nivel”, etc... el factor de corrección es tener la posibilidad económica de editarlo en ese momento.

Preparamos para este otoño la edición  de la película “ÓXIDO”, de Jazznoize y Thais Bielsa para en DVD con empaquetado especial,  lo que supondrá un objeto desértico rojo mediante este proceder alquímico. Un paso adelante y profundo en la maceración de Obleas físicas.

·         El logotipo que define a GRUPPO UNGIDO son dos triángulos con dos ojos dentro. El triángulo y el ojo, también conocido como OJO DE LA PROVIDENCIA o DELTA LUMINOSO, o el más común OJO QUE TODO LO VE, ha sido desde siempre imagen potente de determinados grupúsculos o de la misma Religión.

Sin embargo, aquí se representan dos ojos estrábicos… o sea, o la Divinidad empina el codo, o el humor en Gruppo Ungido está imbuido de una cierta sátira y crítica. ¿Puedes contarme algo al respecto?.

GUILLÉN: El dios en que (no) esperamos aparece vaciándonos de la idea de Dios; el símbolo de Gruppo Ungido es una semilla Ateísta de profunda religiosidad patagnóstica. El nanosegundo en que estalla la risa-satori.

·         Una de las últimas Obleas publicadas es una improvisación a tres bandas con Guillén, Arrizabalaga y Jesús Alonso, dentro de la serie trifonémica (o sea, improvisaciones en formato trío). El grado de comunión artística que alcanzas en este trabajo es encomiable, y una de las cosas que más me preocupan es que discazos como este queden en el olvido por falta de promoción. ¿Es que no hay nadie en este jodido país interesado en estos temas?... cuéntame algo de AAG!!!.

GUILLÉN: AAG es el resultado de una situación dada en un estudio de grabación. Tan sencilla como acabar de grabar arreglos para un trabajo de Les Rauchen Verboten, por parte de Pelayo Arrizabalaga, y proponer  técnico (Jonathan Leandro) una vez terminada la sesión, comenzar a grabar improvisación.

Con un equipo espartano, que allí teníamos...de modo que la imaginación se las tuvo que ingeniar para crear con mínimos elementos, y la unión de los tres en el Sonido, bajo esta ascética, la atención, tuvo resultados muy especiales. Esa es la historia de AAG. Una historia de una magia muy sencilla.

·         Mirando en el impresionante catálogo de Obleas publicadas  ya bajo Gruppo Ungido, se nota que la electrónica primitiva es algo fundamental para vosotros. Ya hablabas del sello WARP al principio de la entrevista y está claro de que no estamos ante una electrónica “amable”, sino ante algo que bordea el terrorismo decibélico. STAHLFABRIK, DAL VERME o ANTONIO MURGA son auténticas máquinas del chirrio, el chasquido y el drone. ¿Tenías planeado desde un principio dar cabida a este tipo de música?.

GUILLÉN: La gnosis electrónica analógica te zambulle en una experiencia sonora abisal, física, de obscuridad luminosa...sin duda esta manifestación musical tiene gran cabida en nuestro sello: un punto de vista de la electrónica con el (sin)  propósito esperar luz en la obscuridad extrema.

Es una ascética muy ligada a la primera electrónica: meditación al quedar anodadado en la obscuridad eléctrica.

·         Bueno, nos vamos acercando al final. Háblame un poco de proyectos de futuro tanto de Gruppo Ungido como de Guillén. Me imagino que tendrás cuerda para rato.

GUILLÉN: Gruppo Ungido prepara lanzamientos como el ya citado DVD de Jazznoize y Tais Bielsa y trabajos de  Aki PO (saxofonista de Skullfuck), JCR,... yo me traigo entre manos varios proyectos en solitario bastante especiales, explorando campos que no había tocado nunca, y estamos preparando también la resurrección de Sefronia; así mismo, Les Rauchen Verboten vuelven a escena en la fiesta de reunión de Mar Otra Vez como invitados, y la idea es volver al escenario. Aparentemente el estajanovismo sonoro no va a parar.

·         Y nada más, Antonio… agradecerte la paciencia y la amabilidad y dejarte este espacio para ti, para que te despidas, confieses o pongas tus miserias.

GUILLÉN: Gracias profundas a tí por la atención y el cuidado que pones en difundir todos nuestros proyectos. Es un honor estar en un proyecto editorial tan fresco como Karate Press. ”Os quiero y trabajo por vosotros”.

VI.                ANEXO: OTROS MUNDOS, OTROS SONIDOS (… o como alargar hasta el infinito un artículo de mierda).

ARRIZABALAGA/ALONSO/GUILLÉN-"AAG!!!" (OBLEA UNGIDA 22; OU#22lst2)

La siguiente OBLEA UNGIDA es la número 22 y segunda de la Serie Trifonémica (para más datos, decir que son colaboraciones en formato trío de músicos pertenecientes al GRUPPO UNGIDO). El triunvirato compuesto por ARRIZABALAGA (al trozo de metal alto y que se sopla y al cacho de metal más pequeño y que también se sopla), ALONSO (al golpeo enfadado de cosas sólidas que suenan) y GUILLÉN (a las matemáticas de la cuerda que se enchufa) son los músicos elegidos para dar forma a "AAG!!!".

Música improvisada y registrada en  ROCKANROLLA ESTUDIO de Almería por JONATHAN LEANDRO y posteriormente aliñada por A.L.GUILLÉN en LA ANTENA NOÉTICA. La edición en cd es limitada, aunque puede también descargarse en la página web de GU. El artwork lo conforma un sobre grande y verde con el logotipo de Gruppo Ungido y dentro un riguroso sobre negro con la música y dos postales. Una con la imagen de "HARMOLODISCHE COMPOSITION" del propio PELAYO ARRIZABALAGA y la portada en sí que parece una imagen icónica de las iglesias Ortodoxas del Cristianismo Bizantino.... todo ello con un filtro verde oscuro que me parece muy acertado. Curiosa la elección de la portada... que podría representar a los tres músicos inspirados por algo superior a ellos.

De ARRIZABALAGA ya he hablado en otras ocasiones; músico con un currículum espectacular (CLÓNICOS, ORGÓN...) y que le da una cualidad a su saxo alto y al clarinete muy carismática. Capaz de arremeter con impulsos Free y al rato lanzarse con una melodía de puro Jazz-Rock. Desde las melodías más contemplativas a la pura energía desbocada. A JESÚS ALONSO (entre ellos LES RAUCHEN VERBOTEN o ALONDRA SATORI, grupo que todavía tengo pendiente de meterme de lleno en él) lo vi hace muy poquito en directo con la banda que acompañaba a CORCOBADO y bueno... sencillamente espectacular en todos los registros.

DIVINO PERISTALMO abre el disco. Las guitarras casi percusivas y la batería contemplativa de Alonso dan paso al juguetón saxo de Arrizabalaga estableciendo un diálogo espectacular. Cuando escucho la forma de tocar la guitarra de Guillén en ocasiones se me viene a la mente MARC RIBOT sencillamente por esa cualidad desértica y el uso de los silencios. Conforme va arrancando el tema no puedo quitarme de la cabeza a ZORN por esa forma tan angulosa de las notas y los ritmos entrecortados pero expresivos que van enrevesándose llevados de la mano por la poderosísima batería de Alonso.

En SO DIZZY el trío hace su particular homenaje de SALT PEANUTS, todo un icono del BeBop. Sencillamente espectacular. El clarinete bajo teje una sinuosa melodía con mucho swing y que lejos de sonar añeja, se torna fresquísima bajo el prisma Guillén/Alonso. 13 minutos que se pasan como un suspiro y con un poderoso clímax final. OVALADA es un pulso sonoro lleno de texturas y capas. Sinuoso como el frotar de los platillos y las mínimas percusiones de Alonso, la drónica guitarra de Guillén y los soplos mantenidos al clarinete de Arrizabalaga. Es increíble como un tema tan sutil puede generar tantas sensaciones y la ausencia de melodía transformarse en todo un cúmulo de ellas... simplemente tienes que dejarte llevar por los Pranayamas Sónicos notarás como vas desconectando de lo que te rodea. Cuidado, en la soledad de la noche y lo profundo de la madrugada puede general Viajes Astrales sin billete de vuelta.

A continuación se encadenan dos temas cortos, MOVIMENTANDO ME-NA VOSSA y SEELENSTOFF; el primero de aires africanos con el saxo en plan AYLER, COLTRANE o SHEPP y guitarra y batería que suenan a NEW THING mientras que el segundo es pequeño interludio de guitarra que da paso al último tema del disco.

AAG!!! es todo lo anterior y más. Pura improvisación y diálogo entre los instrumentos que mutan, hablan, se retuercen y se hacen cosquillas entre ellos. Improvisadores en un altísimo estado de gracia, iluminados y conectados al Cementerio Cósmico donde yacen todos los sonidos imaginables... ellos no inventan nada, simplemente son médiums de sus instrumentos que los poseen y vierten su rico lenguaje en vómitos de arte, desinhibición y pura libertad.

Pura orgía de sonidos, FOLLAMENTUM SONORE ET TIMPANI DOLORI.

ANTONIO MURGA - "BASSECTOMY" GRUPPO UNGIDO; OU#11muCD (2013)

BASSECTOMY del Sevillano ANTONIO MURGA es un viaje al oscuro mundo de las parafilias sexuales desde una óptica tan neutra como podría serlo ponerle música al manual DSM IV para la etiquetación de los trastornos mentales. Poeta, músico, video-artista, creador multidisciplinar con una fuerte base contestatario/denuncia no exenta de ironía y ácida bilis. Vaya, como coger un periódico local y batirlo con un poco de agua e ingerirlo fresco antes de que perdiese la vigencia (ya se sabe el brutal ritmo que lleva la información a día de hoy).

Inmerso en la cultura de la creación desde mediados de los 80 con múltiples proyectos (tantas cosas e historias que probablemente agotaría la tinta digital), ANTONIO MURGA es en realidad un extraño personaje que aparece y desaparece como las Leyendas Urbanas; ocupado en tantísimas historias que para establecer símiles tendríamos que etiquetarlo como un cruce entre JOHN ZORN, los más oscuros proyectos de FRED FRITH, la impulsividad de ZAPPA y en definitiva todo el brutal conglomerado de artistas definidos con la inútil etiqueta de ART ROCK o ROCK EXPERIMENTAL o váyase usted a saber que más.

BASSECTOMY bebe mucho del Noise y las músicas más arriesgadas como el Free Jazz, la improvisación libre o la música concreta, pero no desdeña empaparse de músicas más calientes como el Tango, el Reggae, los ambientes Groove del Funk y en definitiva todo aquello que se le pudiera pasar a uno por la cabeza. A pesar de todo ello, BASSECTOMY no resulta deslavazado sino que hay un hilo que mantiene unidos los ingredientes sin que el collage (que realmente no es tal) se desmorone. Tampoco puedo dejar de mencionar su acercamiento al Lo-Fi y artistas como JAD FAIR, otro artista realmente inquieto que comparte bastantes similitudes con MURGA, o el ruidismo anárquico contestatario de ESPLENDOR GEOMÉTRICO.

BASSECTOMY son 20 píldoras en 64 minutos donde este prolífico y genial músico toca bajos, guitarras, teclados, la harmónica, todo tipo de programaciones... y en definitiva eso, TODO. Desde el fantástico collage de la portada  a las voces que se escuchan en el álbum, que por cierto fué eyaculado en estudio entre 2007 y 2012 bajo producción de TYRYTA. El collage radiofónico de HINTHRO introduce brevemente el asunto para pasar a un corte cuyo nombre lo define perfectamente, TANGO REGGAE. Ritmo obsesivo de bajo como colchón al reggae más robotizado e infecto que te puedas echar a la cara, y encima tapizado de PIAZOLLA puesto de peyote. Magnífica la guitarra con aires psicodélicos que adorna el tema.

BRITH MILA es un tema Morriconiano con aires polacos, harmónica, melodías balcánicas y percusiones chill-out... con dos cojones. Algo así como los DISSIDENTEN pero acelerados y con aires Country... o como los ASIA DUB FOUNDATION pero trasnochados y en bucle. Seguimos con BASSECTOMY (X 4 BASSES), tema construido a base de percusiones programadas y electrónica minimalista que me trae a la cabeza a TALVIN SINGH en su tremebundo y electrónico disco OK.

HARD SEX (FIRST LESSON) podría haber sido la banda sonora para LA BOLA DE CRISTAL en versión porno. Ochentera, bailable y tremendamente sórdida. No menos enfermiza resulta CORRUPTION con la guitarra callejera de Antonio... y si hablamos de bandas sonoras, pues este tema podría perfectamente encuadrarse en una película inédita de la CANNON FILMS que hubiese sido prohibida por sus altas dosis de erotismo y violencia. Algo así como si mezclásemos las bandas sonoras de JOHN CARPENTER con música Ácida, House y Dub. CAMBIO DE SEXO roza el tecno con los aires caribeños y los mojitos con las barras luminiscentes... tecnopollas, tecnocoños, tecnopollacoños y tecnocoñopollas. Como los NEU! pero sin Punk. GALLINAS "LA MARCA" sigue la tónica anterior pero más Country y Folk (harmónica incluida). KAMASUTRA es de estructura más rockera, con bajo, batería y guitarra construyendo una extraña procesión de sexo y lujuria donde a cada segundo y cual cubo rubik de la lascivia se permutasen orificios, personas y fluidos.

Las melodías de este álbum son obsesivas, retorcidas y parecen recorrer una extraña espiral; y es que cada corte de los 20 que incluye el disco podría durar eternamente y no cansarnos... como es el caso de la angular DOGGIN TEMPLE (con ecos a CASSIBER sin vientos) o la psicotrónica, lisérgica y cinematográfica SNAKEFINGER. Vuelven los ritmos tropicales con SEXUAL TOURIST (¿a que este tema pega también como banda sonora de un remake de HOLOCAUSTO CANÍBAL sin RIZ ORTOLANI?), la psicodelia Kraut polvorienta de GARGANTA PROFUNDA y el Noise Lo-Fi de VELVET CORE o la electrónica sudorosa de CHACAL.

Nos adentramos en el tramo final con el perturbador sampler de RITA MILLAS que da paso a ANAL CONSPIRACY, tema construido con voces orgásmicas, cantos de posible procedencia indo-arábiga y experimentación analógica. La guitarra de Murga derrapa a ritmo desenfrenado puesta de Dios sabe qué. Buenísimo. VERTICAL SUNRISES es Retro porno sonoro xilofónico con ritmos de Tropicalia, Samba electrónica y guateque de los 70 y nos vamos despidiendo con las vibraciones consolatricias del bajo en CHOLO CHOCO y el sampler TV-WORLD FORNICATOR.

Salud, y mierda para todos!!!.