URZA & CALLIOPHIS - "DAWN OF A LIFELESS AGE" (AESTHETIC DEATH; ADCD 104, 2024)

Impresionante Split entre dos potentes bandas de la escena underground Death Doom alemana el que nos trae AESTHETIC DEATH; los berlineses URZA de los que no sabía nada desde 2019 en que editaron (aunque reconozco que no lo he escuchado) The Omnipresence of Loss (Solitude Productions) y los ya longevos CALLIOPHIS con tres discos a sus espaldas casualmente editados también por Solitude (Doomsday, Cor Serpentis y Liquid Darkness). Dawn of a Lifeless Age, que así se titula el Split, llama la atención por la altísima calidad del Digipack a 8 paneles desplegables con portadón a la antigua usanza de Ole Fink (actualmente si no me equivoco tocando batería con los insignes OPHIS), con el nombre de las bandas serigrafiado en brillo. Eso sí, cada banda parece repartirse sus tareas del interior y MTTHS pule la parte gráfica de Calliophis.

Aunque cada banda tenga su apartado técnico (mezcla y demás), la versión en CD hasta donde sé recibe el macerado final de Greg Chandler en sus Priory Recording Studio. Existe versión vinilo editada por Meuse Music de bélgica. Un total de unos 45 minutos divididos en dos cortes por cada banda así que podéis imaginar el grado de miseria existencial que alcanzan. 

Ni un resquicio de luz por el que respirar cuando empieza "Maunder Minimum" del actualmente quinteto de Funeral Doom URZA en un temazo de lúgubre, punzante en las guitarras y con cierto parecido a los dioses Ophis. Arrastrado y agónico gracias a una engrasada base rítmica y con riffs cícliclos que se elongan hasta el infinito, puede traerte a la cabeza tanto a los My Dying Bride más gruesos de The Wreckage of my Flesh (esos delay de la guitarra...) pero con voces muy guturales (mas algún subrayado agudo inhumano); mézclalo con la oscuridad atávica de PROFETUS, algo de Mourning Beloveth también por ahí en las partes melódicas y añade el nihilismo de los americanos LOSS. 

Con todo, siempre me sorprende este tipo de bandas que cuando están enchufadas cierta gloria épica y trascendente, cosa todavía más evidente en el segundo corte "Through Ages of Colossal Embitterment" que empieza como un auténtico cañón de Old School Death/doom plúmbeo y más rápido de lo habitual para ir luego ralentizándose en una agónica letanía a lo Mournful Congregation. Pasajes donde el tempo baja al ritmo de una asistolia, destaca la fuerza de la base rítmica y las imperturbables voces graves de Thomas, que se ve arropado por las sutiles voces limpias a cargo de Christian Maack (NORKH) imprimiendo sobre el asunto un aroma nostálgico y noventero alucinante. Muy buenos crescendos, coqueteos con el Death Metal y el doble bombo y una seriedad compositiva aplastante la de estos URZA.

CALLIOPHIS, actualmente afincados en Leipzig, tienen ya varios discos a sus espaldas y se presentan en formato cuarteto con mezcla / masterización de Role (Die Tonmeisterei). Abren "Trepak" con una atmosférica intro de teclados y sonidos espaciales que se van mezclando con la ultra lenta base rítmica y una estilizadísima guitarra que por momentos me recuerda a los Morgion de Crowned in Earth. Cuando estalla el corte se enclava en un Death / Doom tipo Officium Triste, Clouds y esa onda pegadiza, melódica y bien tocada. Destacan los mini interludios cuasi cinematográficos y minimalistas sobre los que planean susurros guturales, voces limpias y una forma de componer que debe también bastante a las bandas clásicas de los 90 (sin ir más lejos, hay pasajes muy cercanos a Katatonia) o hasta las partes góticas de aquel inconmensurable Dead Poem de los Rotting Christ (en versión Doom, se entiende).

"Endure your Depression" sigue al anterior a través de la misma capa de sonidos ambient del anterior para pasar de lo claustrofóbico y apocalíptico a un apabullante himno fúnebre al ralentí que si bien no inventa nada nuevo, es efectivo como mortaja al 100%. Producción bastante limpia y con un nivel técnico encomiable como muchísimas bandas alemanas, pocas pegas se le puede poner a su maestría en hacer que 11 minutos pasen como un suspiro y reitero, imposible no traer a colación a Officium Triste y similares aunque bien es cierto que Calliophis suenan más sombríos y tienen la suficiente identidad y madurez como banda para no necesitar comparaciones.

En definitiva, un Split de lujo para amantes del género.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6302

https://calliophis.bandcamp.com/album/dawn-of-a-lifeless-age-split-w-urza

https://urza-doom.bandcamp.com/album/dawn-of-a-lifeless-age-split-with-calliophis

RDKPL - "SAINT NOIZES" (KANAL RECORDS; 2021 // RDKPL `BANDCAMP REISSUE´, 2024)

Vamos a remontarnos a cinco minutos antes de la Pandemia. Por razones que flotan vagas en mi memoria (tengo el cerebro como una piedra pómez), tras una entrevista con Willhelm Grasslich (Blind Ruled Cursed Land y Uncle Grasha´s Flying Circus) entré en contacto mediúmnico con el prolífico RADEK KOPEL, leyenda viva desde los 90 (él dice que está vivo, e incluso me mandó un electrocardiograma para que yo pudiese comprobarlo) del ruidismo extremo de República Checa con insignes proyectos como Eine Stunde Merzbauten o Napalmed y con tantos pseudónimos como tu mente pueda imaginar. Os pongo unos cuantos para que juguéis al Industrial Scrabble y no, no es una invocación a Shub Niggurath:

`.S.O.M.A., BilHringer, Blokbuzér, Bordel Papá, Boris Feedbecker, brutESM, CocKunt, Čs-Us-Chin, Deaf Master USB Flash, Diplom A.D., Drtikolomazník, Duke C., Dušan Kovvár, Elektrakař, Finger On Tosaurus, GrindyGrandyDaDaDad, Hluchafka, HrachoLust, Hydropes, inDUSTrY Springfield, Kovárius, Kundimír Kokotěnkovič Seksoev, Le Pitch, Mameluk Pravý, MeGaDad, MG Ton, Mixs, MO Jemeno, Mrdák, Noise Masseur, NPLMD, OBR Micrute, paRytmus, Pat Vlasoun, PeeVaak, PiTomeTz, Pokora, Pro Dukcent, Ptakowina, RaKoVo, RytmiKstr, Sam Pler (2), Shuli Neck, Sillent Block, Slina Slona, SOFAcker, Sound Bankrupt, Soundý Den, Sumak, Tóna Hluchoněmec, Ultr, Uspá Watch, VoiVodovod...´

Las razones por las que el ruidismo de República Checa emulsionarion en mi cabeza fueron un cúmulo de casualidades que tampoco voy a repetir porque si vais pinchando en los enlaces que os he ido dejando conoceréis la historia completa. Pues bien, como digo quien me conoce sabe que soy un auténtico devoto de la escena underground checa y hasta allí me fuí un año a Praga y aledaños para traerme todo lo que pude de Plastic People of the Universe, DG-307, Pulnoc o Domácí Kapela y vaya si me alegré cuando pude ver que ese espíritu y esencia seguían vivos en gente como RADEK KOPEL y sus crudos y acres EINE STUNDE MERZBAUTEN (N.S.M. y nESMysl), gracias a quien obtuve copia del impresionante recopilatorio JINÁ HUBDA (Czech Experimental and Progressive Compilation) editado por Dysphoricam Audio Productions. 

Pues fruto de una serie de nuevas casualidades que no voy a nombrar, un tal Syfil SemeNoise acaba mandándome el álbum Saint Noizes de su nuevo proyecto RDKPL que por supuesto lleva afiliado otro nuevo pseudónimo que es algo así como R_KKK. Por cierto que prácticamente la totalidad de sus nuevos discos están en descarga gratuita en bandcamp bajo el leit mótiv de `Everything You Always Wanted to Know About Noise But Were Afraid to Download´.

Saint Noizes se edita primero en el sello eslovaco (K)Anál Records y tras agotarse la tirada, aquí tenemos una reedición en CDr con el artwork original para incautos tímpanos necro perforados como los míos. El disco no tiene desperdicio alguno.... se graba en directo (2021) en una única toma improvisada sin efectos con tres generadores caseros autoconstruidos (Noisoaps) mas el generador de ruido japonés JMT DNVO-1. El resultado es una invocación telúrica, agria y oxidada de puro Industrial Noise a la antigua usanza, capaz de volarte la tapa de los sesos y evaporarte el líquido cefalorraquídeo de dos tacadas. En resumidas cuentas... si te gustan Whitehouse, si el Harsh Noise Wall te parece melódico, si tus compañeros de colegio fueron  Throbbing Gristle, Monte Cazazza, SPK, Boyd Rice, Cabaret Voltaire o Z'EV, amigo y amiga mía, quédate un rato conmigo.

Seis cortes que se van a más de una hora de duración con cierto parecido al Japanoise más extremo. Glitches, acoples y una atmósfera férrea analógica te pegan en la cara con violencia en la dupla "Noiz for Girls" / "Noiz for Boys", con una plétora de ondas serradas y de maquinaria industrial que bordean pero no cruzan el Harsh Noise. Uno de los grandes aciertos es que aquí no hay trampa ni cartón... sin efectos, todo lo que escuchas es el `plug and play´ de lanzar una terrorífica onda / flujo de sonido y moldearla con potenciómetros ulcerados, además de esa terrible arma de destrucción masiva que es el JMT DNVO SYNTH, capaz de crear modulaciones amplias de todo tipo (como el alcance de una bomba de neutrinos) y moverse por biliosos contrastes entre tonos graves y agudos. En resumidas cuentas, un compacto amortajador analógico que brilla por derecho propio haciendo ciclópeas gárgaras en la más taimada (atemperada) y quizás cósmica "Noiz for Hmyz" que está plagado de sinusoidales / helicoidales pasajes qie bien pudieran ser una grabación de campo realizada en un hormiguero de Ganímedes.

Llegados a la mitad del álbum, el cerebro licuado ya se sale por las fosas nasales. Sensación de alarma anti nuclear con "Noizdra Z Poudzdra", posiblemente el corte más amenazador. Industrial Noise en su pura esencia, la comparación más acertada sería estar de excursión en un Acelerador de Partículas en busca del jodido Bosón de Higgs. Texturas densas propias de una ferretería y una sobreamplificación extrema que dan paso a "Noize Pre-Pauze" donde me parece distinguir alguna voz soterrada. Repliegues cuasi futuristas no dan un respiro. La manera de improvisar de RDKPL es muy violenta, sin cabida para Dark Ambient ni similares pero como todos estos estilos salvajes, la experiencia con auriculares a altos volúmenes da como resultado un viaje astral tal y ocmo ocurre en "Noiztromos for Alienz", monstruosidad que termina por llevarte a un vórtice de antimateria que crepita como el jugo intestinal de una vieja deidad dormida. IMPRESIONANTE.

https://rdkpl.bandcamp.com/

EN FER - "LA COLLISION" (Micro Label Do It Youssef ! / Degelite; 2024)

Un placer volver a traeros tras la autoeditada cinta Gros Rock del año pasado a los canadienses (Montreal, Quebec) EN FER con su ultra triposo Space Hard Psych. La Collision, que así se llama la cassette limitada a 75 copias (y ojito, que suenan de lujo!) que hoy os presento, ha sido editada entre los sellos franceses Degelite y Micro-Label Do it Yourself!. No tengo muchos créditos de la formación pero imagino que seguirán siendo Alex Pelchat, Charles Bussières, Michel Meunier, Reuel Ordonez, Martin Sasseville (repite haciendo el collage de portada y la grabación, aunque la agresiva masterización es del ingeniero de sonido Dominic Jasmin). Eso sí, hay que apostillar que entre Gros Rock y La Collision han sacado dos Splits que os desgranaré por estas páginas en las próximas semanas.... uno con Tétano-Cutané y otro con Disensemble.

Dos brutales cortes obsesivos, mántricos e hipnóticos basados en la teoría de los años 60 (el astrofísico MM Woolfson) de la colisión entre Plutón y el Satélite Tritón de Neptuno que se plasman sonoramente en un toque bastante crudo y ritual en el sonido de En Fer que por momentos puede recordarte a un cruce entre los japoneses Les Rallizes Dénudes, los más desconocidos y clásicos Marble Sheep o primeros Acid Mothers Temple. Es curioso cómo la música Rock, o la Psicodelia y el Progresivo han ido creciendo a la par de aquellos avances tecnológicos de los años 50 en la aerodinamia, la búsqueda de vida en otros planetas y la perversa política de los Programas Espaciales. En resumidas cuentas, una vuelta de tuerca agresiva a su Gros Rock agudizando el Lo-Fi, ultraamplificándolo todo y dándole una inusitada frescura a dos temas de extensión larga de cariz monolítico. 

La Cara A es para "Devenir une planète...", temazo capitaneado por una insistente y machacona base rítmica sobre la que sobrevuela un Noise Fuzz barroco y desértico, con impronta cósmica a lo Hawkind, Blue Cheer y MC5 y perfectamente subrayada por efectos de pedaleras que casi bordean el Acid Punk. Estridentes feedbacks, punzante bajo y sobredistorsionados riffs de guitarra hacen que los minutos pasen como un suspiro. Sensación barrosa, sucia y electrificada que se acentúa en un maremágnum de Heavy Psych de los que a mí me gustan, secos, agrios y a la yugular. Dura 11 minutos pero podría durar hasta que el Universo se difuminara en el éter.

Desfase total ya con la acidez lítica de "Plus qu’une hypothèse" que ocupa los 14 minutos de la Cara B con un ritmo abotargado, lento y opiáceo. Space Rock flotante, va ganando en estructura y creciendo con una incansable base rítmica pétrea e hipnótica como un metrónomo existencial. Doble juego de guitarras, una más introspectiva y la otra afiladísima y soltando riffs en espiral muy agudos. La masterización sucia es una genialidad hasta el punto de que al igual que ocurría con Gros Rock, a veces es difícil identificar qué instrumento está tocando o cuándo entra la básica pero ciclópea cacharrería electrónica analógica de los sintes pero al fin y al cabo poco importa porque la música de En Fer es como una bala de punta hueca. No se busca la perfección, sino destruírte por dentro y por fuera... una colisión ineludible que roza la gloria en los extraños ritmos atonales del final del corte donde todo parece improvisado, los sintes hacen más daño y las notas de música parecen moverse con el caos que reina entre las partículas del universo microscópico.

MUY, MUY RECOMENDADO y podéis aprovechar que hacen bundle con las cintas!.

https://ironapproved.bandcamp.com/

https://do-it-youssef.bandcamp.com/album/la-collision

https://www.degelite.org/

MICHEL DES AIRLINES - "GEOPHONIES AMBULACRAIRES" (EDICIONES TORACIC; TD100, 2024)

Ya estaba deseando ponerme el casco de psiconauta para la experiencia inmersiva ultra cósmica de Geophonies Ambulacraires, quinto disco de Miguel A. Ruiz bajo su avatara panspérmico Michel des Airlines tras aquellos excelsos Le Voyage Cranien (2016), Orbiteur (2018), Dossiers de Cabine (2011-2014) y Vestiges Neuronaux (2023). Michel Delacroix a los teclados y sintetizadores, graba en Au Studio Syncoxis (mezcla de Renaud Cerveau) y apartado gráfico que queda de lujo por ESPACIO INTERIOR y editado en Toracic. Me flipa el texto promocional en francés del álbum en el bandcamp haciendo referencia a eso del Sistema Ambulacral de los equinodermos:

`Geofonías de sonidos carnosos y móviles, intrínsecamente ligados a un sistema vascular, que recuerdan errantemente la locomoción de erizos de mar, estrellas de mar, pepinos astrales, crinoideos y nenúfares. Utilizando generalmente equipos analógicos obsoletos, Michel nos remonta a la estructura exacta del sistema ambulacral tomando como punto de partida las cinco clases de equinodermos en su relación con la música psíquica y esférica de la que forman parte.´

Pues bien, en lo musical tenemos 50 y tantos minutos de Michel Des Airlines en estado purísimo. Sintetizadores de Neón, partes cinematográficas, secuenciadores atávicos que parecen sacados de Tomita, cascadas de sonidos maestros en los que aparecen remedos de instrumentos de viento y similares y en definitiva toda esa voragine Kosmische berlinesca tan atrayente para amantes de `aquellos otros mundos que están en este´ que se diría en la magnífica colección de culto Otros Mundos (Plaza & Janés). Por supuesto, quien no quiera oírlo está en su derecho pero el Cosmos ya fue cartografiado en los 70 por otros ilustres franceses como Jarre, Patrick Vian, Michel Magne o Igor Wakhévitch pero lo que hace grandioso a Ruíz es un enorme capacidad de inventiva. Donde otros hubieran planeado 30 minutos para un solo corte, él convierte todo en piezas con vida propia en la que pululan cantidad ingente de detalles creativos. 

Así, "Soupe Primordiale" empieza sobria y luminiscente hasta que acetábulos de lo primeros Neuronium hacen acto de presencia uniendo todo con el mismo colágeno que se estilaba a finales de los 70 y principios de los 80. El misterio y las pseudociencias no se dejan de lado nunca en los discos de Ruíz (lo que me parece un acierto tremendo); arpegios, Kosmische, percusiones sincopadas y espectrales van conformando los elementos que conforman esa sopa primordial sonora a la que se alude en el título. Me encanta el uso de ciertos tonos de teclado cuasi eclesiásticos que parecen estar tocándose dentro de una cueva a punto de inundarse de agua. Sin estancarse en nada, a ratos parece que estoy escuchando electrónica andina sobre todo en esa bellísima bajada de tempo en que suena un sinte emulando a una flauta y graznidos electrónicos de gaviota. Hay muchas etnias, pero todas están en la música de Miguel A. Ruiz.

"Panspermie Accidentelle" (porque claro, a ver quien se pone un preservativo cósmico en gravedad cero) tiene toda esa impronta experimental retro futurista casi de cómic CIMOC. Son 15 minutos engalanados de regusto acuático y olor a batracio desmelenado en los vuelcos de notas percusivas en loop, los burbujeos efervescentes que no pueden faltar y esas agudas necro-sintonías juguetonas que  parecen querer arrancarse por los 8 bits que poco a poco se van lanzando a velocidad de crucero consiguiendo darle un tono fresco bailable con amagos de croar de ranas aquí y allá (bueno, bailable pero con sistema ambulacral que más divertido). Sigue "Organismes Extrémophiles" con empleo de maquinaria algo más pesada que recuerda (sin entrar en extremismos) al Noise. Sonidos más elementales y primarios emulan una colonia de extremófilos. Ondas de sonido serradas (o en chicharra) en un conjunto más oscuro y funesto. Una colonoscopia sonora al interior de uno de estos organismos da como resultado una protusión en cascada de dopplers, sinusoidales melodías y un primitivísimo sistema neuronal.

Alucinante "Grands Fonds Marins", toda una excursión cercana al Cuarto Mundo de Hassell pero con alucinógenos usos de voz procesada y un crepuscular desarrollo que con auriculares es toda una experiencia sensorial que se diversifica, transforma y retuerce sobre sí misma una y otra vez. El estilo de Ruíz es único y fresco y no se corta en usar percusiones imposibles (minuto siete y pico) sincopadas, notas de lo que parece un órgano o más bien un mellotron fundiendo a Michel Des Airlines en una especie de bizarro ente electrónico (por etiquetar de alguna manera) o líneas de bajo acentuando regusto a Progresivo sinfónico y aprovecho para decir que los dos últimos minutos del corte me parecen de una belleza extrema.

Para finiquitar otro fascinante trabajo de Michel Des Airlines, quedan los "Évangiles Ultra-Rapides". Se juega con los tempos a lo The Orb y acaba uno pensando si no está en un remake de un corte de John Carpenter. Sencillamente glorioso.

MACHUKHA - "MOCHARI" (CONSOULING SOUNDS; SOUL0204, 2024)

Desde Berlín os presento al críptico quinteto MACHUKHA (`madrastra´ en ucraniano) y su debut Mochari, 38 minutos de ultraintenso Post Black Metal con tintes Hardcore, Dark y Punk tocados con una inusitada fiereza con letras muy personales e introspectivas (alguna como "Bezpliddya" desarrolladas a partir de una crisis emocional/psicológica de su cantante). Machukha son la ucraniana Natalia Androsova (voces), Vrohdo (bajo), M. Schütte (batería) y el doble juego de guitarras de Bláthin e Ilya Thainovich. Editado en LP y CD por CONSOULING SOUNDS, a nivel técnico graba Jan Oberg en Hidden Planet Studio para posterior mezcla y masterizado de Jack Shirley en The Atomic Garden Studios (Deafheaven, Amenra, Wiegedood). La excelente composición de portada es obra de Yozy Zhang.

Sonido crudo y apelmazado con toques de Shoegaze e incluso Doom en los pasajes más lentos e introspectivos, la verdad en mi opinión a Mochari no le sobra ni le falta un segundo. La base rítmica es una muralla cuando necesita serlo, y simplemente mece la música cuando la intensidad baja; las guitarras te abren en canal con su doble juego de riffs acerados y las voces, en ucraniano, destilan una desesperanza angustiante como pocas. Por cierto que a nivel visual se han marcado una trilogía de videoclips donde usan sus dotes en la danza (Blathin es bailarín profesional) junto a trajes típicos ucranianos adaptados por Natalia Androsova.

Tengo que reconocer que sin ser mi estilo predilecto, Mochari me parece excelente. Muy bien balanceado en sus partes más Hardcore y sus cabalgadas Black metaleras. Abre el disco "Trymatys´" donde dejan claras sus intenciones.... enchufados en modo Black alcanzando una velocidad de crucero. Desgarradora la voz de Androsova sobre una heladísima maraña de riffs de guitarra. Lenta pero inexorablemente bajan un pelín el ritmo y es cuando ya se notan más las influencias Hardcore o Screamo aunque huyendo de lo habitualmente melódico en esos estilos y centrándose más en crescendos emocionales que no acaramelados. Siempre he dicho que estos estilos acaban asemejándose algo al Death Melódico sueco de mediados de los 90 (segunda ola) y no creo que ande muy desencaminado conforme va desarrollándose "Dykhay" y sus calculados cambios de ritmo hasta que bajan abruptamente el tempo, espacial las notas y rozan el Doom de toda la vida.

Sin solución de continuidad entra "Bezpliddya" con doble juego de voces y dando toda una lección de Post Black o como se llame eso ahora. El sonido de Machukha es muy orgánico e intenso y aunque este tipo de agrupaciones se mueven más en formato trío (no lo digo yo, es que es casi que una estadística) el hecho de que sean un quinteto multiplica exponencialmente su fiereza. Sigue la introspectiva "Inodi padaye snih tak lahidno krizʹ sosnovu khvoyu", minimalista inicialmente tanto en la percusión como en las voces limpias semicantadas que oscurecen la atmósfera de manera radical en un angustioso clímax decadente.

Roza en ocasiones el Black Depresivo de Bethlehem aun girando luego hacia terrenos más ambientales que vuelven a recordar al Doom sobre todo cuando se entronca con "Tsyu tayemnytsyu duzhe vazhko berehty", evolución lógica y sonora de la anterior que acentúa la fórmula / experiencia inmersiva propias de esos géneros, inclusive el maremágnum Black que finiquita el asunto.... o más bien se continúa en "Kvit" con toda una cabalgada que qué queréis que os diga, si no es por la voz es Black Death Sueco. El colofón son los 9 minutos de "Nezrushnist'"; fabulosa entrada de percusión mínima y melodía de no sé si guitarra o teclado repetitiva y loopeada dando sensación apocalíptica al asunto (queda en la retaguardia repitiéndose durante todo el corte) y un crescendo perfecto en el que se van asomando las guitarras a este lado de la realidad para terminar acompasándose a una base rítmica de tonos tribales. La voz no entra hasta casi el minuto 6 y de ahí hasta el final, Machukha se explayan llevando géneros a priori tan estancados como el Hardcore o el Screamo a un nuevo nivel de oscuridad implementando cierto toque nihilista nada desdeñable. 

En definitiva, más que notable debut y un sobresaliente ejemplo de cómo géneros aparentemente gastados pueden todavía tocarte la fibra.

https://consouling.be/release/mochari

https://machukha.bandcamp.com/album/mochari

OPIUM/ABSINTH & LLORD - "SPLIT" (IVAR, NIHILOCUS, VIOLENCE IN THE VEINS RECORDS, 2022)

Motivo de enhorabuena cada vez que LLORD deciden volver desde la infecta alcantarilla poligonera en la que se meten y sacudirse las pútridas algas de alquitrán mucoso para traernos nuevos temas. Banda que sigo desde sus inicios con la Demo Tape ya de culto de 2013 que no es hasta seis años después y con formato reducido a dúo (Trillo / Aris Arcera) con el imponente Cumbria que no volví a saber más de ellos. Ambas ediciones marcaron la primera y segunda etapa del añorado sello Féretro Records y bueno, tras aquello o mejor dicho, entre medias, David Trillo daría a luz al excelso Prog Psych de los Lord Summerisle y luego ULLS pero todo cargadísimo de un oscurantismo, falta de presencia en redes y poca promoción que los lleva bajo mi punto de vista al estatus de banda de culto (que no maldita). 

Pues bien, 2024 y como un gas no querido escapa del esfínter de un agotado ano, se hace la magia y se materializa un Split en cassette de los barceloneses con los italianos Opium/Absinth en mi buzón tras un largo peregrinaje con pérdida incluída... pero con la sorpresa de que es de 2022 y yo sin enterarme. Cinta negrísima en diseño con portada de Rio Oka Wardana y layout de Francesco Imberti. La coedición ha sido entre los sellos Ivar y Nihilocus Records por parte de Italia y Violence in the Veins Records en la española. 

La Cara A son dos cortes de un crudísimo Sludge Noise de los de Fossano Opium/Absinth que a la sazón son Maurizio Cervella (bajo / voces) y Mattia Fenoglio (batería). Como banda desconozco cuándo se forman pero antes de esto tenían editadas en digital Our First Demo​(​ns) de 2018 y Nullified Thoughts en formato cassette Ep. En el apartado técnico Francesco Martinat hace la mezcla y masteriza Joo Bany. Abre "If you Want me to Split, I´ll Split" con un Sludge Crust Noise al ralentí potentísimo y pegadizo que si bien a estas alturas evidentemente no inventan la pólvora, conjugan a la perfección la pus que eclosiona de un grano de los Eye Hate God con las arremetidas ultraviolentas de los Today is the Day, sin olvidarnos tampoco de los dioses hispanos MOHO. 

Voz crudísima y ligeros matices tanto del Sludge de toda la vida como cositas más melódicas tipo Deathcore como los alemanes Hate Squad (su disco I.Q Zero y el ultra hit "Not My God"). Buen interludio introspectivo instrumental, voces limpias tipo Emocore (esto me convence menos) y vuelta a la correosa melodía inicial. Como base rítmica, un yunque. El siguiente es "Codeine", con una apertura cargadísima de distorsión en el bajo y una batería bien puesta en su sitio. A lo añadido metedle Crowbar y un riff quebranta cervicales con cierto cariz Stoner Doom pero con crepúsculo Noise. En resumidas cuentas, notables y a tener en cuenta.

LLORD abren la Cara B con "Soldano". Suena sampler en italiano de alguna película y luego viene el balanceo característico de Trillo / Aris. Mucho más técnicos que los italianos y con mejor producción (mezcla y masterización de David Trillo), destilan una fiereza angustiosa tanto en la cavernosa y asfixiante voz como en los riffs en espiral del bajo. La batería cambia de ritmo con muchísima fluidez lo que es un matiz que debe cumplirse en estos tipos de duetos (acordaos de la etapa de Orthodox como dúo con la impresionante pegada de Borja Díaz). 

Otro sampler y "Nico" explosiona cargado de groove en un tema más hipnótico y monolítico que el anterior. Rozando el Death a medio tiempo en algunas partes, suena todo tan primitivo que asusta (¿alguien recuerda a RIZOMA?) pero a la vez teñido de una musicalidad casi psicodélica (en su negritud) que te deja con ganas de muchísimo más. Sobre una base puramente Sludge con ligeros atisbos Stoner se aquilata todo un andamiaje manejado por una plúmbea, plomiza y asfixiante voz. 

Si hay salida la han tapiado porque yo estoy rodeado ahora mismo de oscuridad. Llord, por derecho propio y junto a entes como Dispain, Rizoma, Moho, Adrift y Lords of Bukkakke (cada uno con su peor o mejor acabado) forman parte de mi culto de Sludge cañí.

https://www.facebook.com/ivarrecords/

https://nihilocusrecords.bandcamp.com/

https://violenceintheveins.bandcamp.com/album/split-w-opium-absinth-llord

MEKIGAH - TO HOLD ONTO A HEARTLESS HEART (AESTHETIC DEATH; ADCD 102, 2024)

Por fin nuevo trabajo de los Australianos MEKIGAH, quinto en su carrera, y tercero con el sello de culto AESTHETIC DEATH. Para quien quiera irse metiendo poco a poco en su particular sonido, les recomiendo visitar primero las reseñas de Litost (2014) y Autexousious (2019) para así no repetir demasiados datos. Sobre los anteriores The Serpent´s Kiss (2010) y The Necessary Evil (2012) no os puedo contar nada porque no los tengo. Lo que sí os puedo adelantar es que al igual que los dos anteriores To Hold Onto a Heartless Heart es un triposo, caleidoscópico y ecléctico viaje en el que la palabra Doom Metal se va engalanando de dotes experimentales y Noise hasta que el oyente queda atrapado en una maraña claustrofóbica de capas y capas de sonido. Mi recomendación personal es usar auriculares y dejarse llevar por el aparente y crudo caos.

A nivel técnico compone, graban y mezclan Vis Ortis (que viene a ser el miembro principal siempre junto a colaboraciones) y Leigh Ritson en Huonville & Moonah (Tasmania) para posterior masterización por Greg Chandler (Priory Studios). Dosis de ayahuasca guitarrera adicionales por Sova Locus & Richard Ziltch además de cánticos chamánicos de Alex Pope & Con BCTW, La sierra mecánica y la musical que aparecen por ahí son de Sammy y PRT (Primal Regression Therapy) también haciendo voces. Portada y Layout son de Vis Ortis / Richard Zilch. El CD digipack sale nuevamente por AESTHETIC DEATH, por supuesto.

To Hold Onto a Heartless Heart es un álbum correoso y complejo cuando se mete por terrenos de Industrial Noise pero pérfido y maligno cuando se rodea de ese aroma Doom Metal experimental; sin duda, el acierto está en la mezcla y lo bien balanceado que está todo (desde la agresividad a los pasajes rayanos en el Dark Ambient). Conectar con este tipo de música depende de tus gustos pero imaginaos un cruce entre los Zaraza del Slavic Blasphemy, pasajes de Funeral Doom ultra cósmico que pueden recordarte a los rusos Septic Mind y por supuesto toda esa progenie de proyectos extremísimos de Stjin Van Cauter (Until Death Overtakes Me) y de sonidos parecidos como Wraith of the Ropes, Torture Wheel y similares. 

Las voces agrias, ácimas y decrépitas (ese toque Punk malsano es casi Power Electronics) hacen que me acuerde de Gnaw Their Tongues (y toda esa caterva extrema que campa por el sello Crucial Blast). Es bastante complejo discernir en ocasiones si lo que estás escuchando son sintetizadores o una sierra mecánica, un piano o una vieja melodía radiada mientras en contrapicados atonales imposibles suena una vorágine que roza el Black Metal. Lo único cierto es que la música de Mekigah se te queda clavada en el pecho como un dolor torácico de mal agüero. El tempo se elonga y se estrecha de tal suerte que los instrumentos no siempre suenan con el timbre/tono habituales pero os puedo asegurar que la suma de componentes os va a volar la cabeza.

Abren los 15 minutos de "Collapsing Under" con dueto de piano y motosierra (así como lo oís). Grabaciones de campo y electrónica abyecta van haciendo acto de presencia hasta que sobre el minuto dos eclosiona una base rítmica plúmbea con toques espaciales bordeando ese poliédrico mundo en el que habitan los Esoteric. Hay intentos de ser sinfónicos; el teclado se vuelve catedralicio / eclesiástico y por un momento casi que me creo que es Funeral Doom litúrgico pero poco a poco todo se torna teratogénico y la carne se desprende del hueso... y si no que me digan o expliquen la especie de conga tribal y circense que se forma sobre el minuto 5. Inclemente vorágine de efectos en la retaguardia difíciles de clasificar; aparecen cascabeles y la guitarra se marca un riff lisérgico mientras la percusión parece estar invocando la lluvia en pleno territorio Sioux. Dark Ambient, Industrial Doom o lo que diablos sea, es adictivo e inflamable como un supositorio de Keroseno.

Sigue la decadente y nostálgica "Broken Rhythm Pressure" que al igual que me pasaba con cosas anteriores suyas, me trae a la cabeza la última etapa electrónica de los italianos Canaan en el inicio que acaba transformándose en una algarabía mitad Alastis, mitad Impaled Nazarene al ralentí (como si los hubieran dormido con benzodiacepinas). Creo que una de las mejores virtudes de Mekigah es que son impredecibles y así lo es este temazo necro bailable con estructuras percusivas, sierras mecánicas marcando el paso e incluso Proto Techno. 

No lo he comentado pero durante todo el minutaje se mantiene una sensación de ebriedad o `estado alterado de conciencia´; como si la música transcurriera en un plano distorsionado o se estuviera soñando (¿y quién es el soñador, que diría Lynch?) quizás esa sea la razón por la que "Away Drifting From" parezca discurrir por un erróneo tempo y usar timbres / tonos no euclidianos. Cánticos sinuosos, guitarras que parecen estar deshaciéndose y férreos pulsos de Noise en lo percusivo para acabar todo fundiéndose en una crepuscular sábana de Dark Ambient. "An Infinitesimal Difference" destaca por una línea de bajo cuasi Noir en un calmo ambient cinematográfico que primero parece que va a estallar en un himno épico como si de un Peplum italiano se tratara para acabar adquiriendo una exhaustiva atonalidad indescifrable. Vuelvo a citar a la versión fiestera de Alastis y el EBM de Treponem Pal en "It Hisses So" con unas voces que ponen la carne de gallina...

El cierre es para "Eyes Glazed Over". Aromas redentores con un tema más melódico de lo habitual en Mekigah pero siguiendo en cierta medida la línea del anterior. Tras una apertura con melodía de lo que parece un órgano en la retaguardia mezclado con acoples y efectos de guitarra pasamos a unos ritmos pseudo bailables y mayestáticamente épicos. Cualquier descripción que pueda haceros palidece al lado de la experiencia de To Hold Onto a Heartless Heart. Pruébalo bajo tu propia responsabilidad.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6474

https://mekigah.bandcamp.com/

ENSEMBLE IMPROMPTU - "NANUK L´ESQUIMAL" (LÍQUEN RECORDS; LRCD026, 2023)

Nanuk el Esquimal (Nanook of the North) es un documental (casi que diría el primero de la historia) mudo rodado en 1922 por Robert J. Flaherty que se pasaría prácticamente dos años de su vida conviviendo allá por la Península de Ungava (Despeñaperros para arriba, todo recto) con Allakariallak (Nanuk) y su familia haciendo pues eso, cosas de esquimales como cazar una morsa, encender fuegos y tal. No voy a entrar en su validez como docudrama porque es un debate cinéfilo amplio y complejo con sus detractores que consideran que Flaherty reimagina `a su modo´ cómo era la vida en el Norte de Canadá pero lo cierto es que años más tarde, acaba resultando el perfecto telar de imágenes sobre el que anudar una maravillosa banda sonora que el saxofonista, compositor, escritor, editor y gestor cultural (añadiría más cosas, pero con un click accedéis a su currículum) Josep Lluís Galiana decide intervenir performáticamente para aunar música e imágenes bajo encargo del Instituto Valenciano de la Música allá por 2007.

¿Qué hace Galiana? Pues sabe perfectamente que la familia lo es todo y para ello busca a unos esquimales íberos concretos conocidos de Despeñaperros para Abajo como la ENSEMBLE IMPROMPTU (desconozco si quedan copias, pero os recomiendo contactar con Josep e indagar si Instinct de 2005 y  Khroma Akustikós de 2007 siguen disponibles porque son dos verdaderas joyas). David Herrington (trompeta y tuba), Jorge Gavaldá (guitarra procesada), Gregorio Jiménez (electrónica en vivo), Remigi Roca (contrabajo), Osvaldo Jorge (tabla india y percusión étnica), Galiana (composición, dirección musical y saxos) y Pep Llopis a la dirección artística son convocados de forma mediúmnica por el propio Llopis al festival L´aula d´altres Músiques en el Auditorio Carmen Alborch donde junto a la Filmoteca Valenciana proyectan la película mientras la Ensemble Impromptu `genera en puro directo bajo un andamiaje sutil preestablecido´ la música que la arropa. Años después, y para delicia del respetable oyente, LÍQUEN RECORDS edita este maravilloso CD de (efectivamente) 79 minutos que justos son los que dura el film de Flaherty.

A grandes rasgos y de forma general, Nanuk L´esquimal funciona perfectamente como álbum independiente de la imagen así que queda plenamente justificada su edición. La música aun perteneciendo al espectro de la libre improvisación es mucho más amable de lo habitual, con partes que rozan la Clásica Moderna, Cámara, la World Beat e incluso la música concreta de tal suerte de que una composición `en vivo y en directo´ mediante determinados parámetros. Por ejemplo, asignar sonidos y timbres a personajes o situaciones concretas (vale esto tanto para los seres humanos como para animales o situaciones) hace que se repitan a modo de `scores netamente cinematográficos´ algunas partes dando una sensación marcada de musicalidad o mejor dicho melodía. Lo abstracto y atonal se convierte en cotidiano y amable gracias a la disposición de una especie de guión musicalizado que acaba desembocando en un cromatismo cargado de atmósfera. Dicho de otra manera, la partitura musical deja los espacios libres adecuados para la improvisación como suele ser habitual en estos estilos pero de forma concentrada y quizás un pelín más restrictiva para que lo agreste sea eso... agreste y no salvaje o el fuego no se tranforme en incendio.

La banda sonora se divide en 12 bloques que un poco a vola pluma voy a iros describiendo. No creo que tenga sentido ser exhaustivo e ir tema por tema ya no sólo porque no tengamos la imagen correspondiente del documental sino porque puede ser algo tedioso. Como os comenté, se trata de música bastante comedida en lo agresivo y donde prima lo `descriptivo´. Partes solistas como esas cuerdas con arco de la apertura se unen a una percusión de corte muy étnico y tribal. Pausada, con mucha tabla india (muy buena en "Segona Conducció") y subrayados estratégicos de una tuba que está magnífica. Brillando sobre ese pasaje aparentemente sobrio (mejor dicho, asordinado) brilla el saxo de Galiana (por ejemplo en "Introducció") en su ejecución de corte casi New Thing (por alguna razón me recuerda a Archie Shepp). 

La electrónica se funde con el resto de instrumentos y por momentos me da la sensación de haber ralentizado `in extremis´ a Les Baxter o Esquivel sobre todo en los pasajes donde todos los instrumentos fluyen juntos. No es el caso por ejemplo del áspero discurrir de percusión y electrónica de "Primera Conducció" pero es magnífico como el procesado que se le ha dado tanto a la guitarra como a la electrónica permita la antropomorfización de los sonidos que se despliegan. No entramos en el Noise, pero os aseguro que sólo un puntito le falta y nos quedamos en la Concrete o, si me tiráis del pezón izquierdo en un momento de debilidad, os diré que el flotante Ambient del Cuarto Mundo de John Hassell exuda algo de su lisergia dentro Nanook of the North. 

Como suele suceder en todo aquello que se proyecta en blanco y negro, hay pasajes de los instrumentos de viento ("Nanuk i el Gramofón") que son Cool Noir Jazz o incluso se roza la Cartoon Music (la puntillista, silente y con mucha sordina "Nanuk va de Pesca") aunque bien es cierto que el magnífico trabajo del contrabajo de Remigi Roca lleva al conjunto a un encomiable nivel que es algo así como añadir las cuatro cuerdas de Mingus a Don Cherry y Ed Blackwell (MU). Vuelvo a insistir con el contrabajo con la sobriedad al arco (casi Música de Cámara) y eterismo electrónico mientras arremetidas controladas de la tuba luchan contra una percusión que se va abriendo en abanico en "Nanuk Navega per la Mar a la Caça" en un bello in crescendo muy británico en ejecución (no desentonaría esto dentro del catálogo de EMANEM en las mil y una rotaciones de John Stevens / Barry Guy / Paul Rutherford / Trevor Watts o los experimentos de Evan Parker en Psy). 

Como suele ocurrir con la vida de todo esquimal que se precie, los elementos Tierra, Fuego, Aire y, sobre todo este último, será el protagonista de "L´arribada de L´hivern (sons eòlics)" que es un pequeñísimo puente minimalista. A estas alturas del disco pasa prácticamente de todo; pasajes muy sinuosos y tribales o justamente lo contrario (la ausencia de lo percusivo per sé) y así transcurre desde la monolítica y percusiva "Segona Conducció" ejemplo de lo primero a su reverso tenebroso instrospectivo como muestra de lo segundo en "La Familia de Nanuk dins de L´iglú") y aprovecho para decir que Nanook of the North es un álbum de conjunto, no de individualidades; la elección de qué instrumentos son los que tocan en cada parte es muy acertada y ya no sólo qué instrumentos, sino cual se decide dejar en un segundo plano. Un diez a la dirección musical. 

Galiana despliega sus recursos técnicos en un soliloquio de saxo soprano en "De Matinada" que como adjetivo particular, está embebido de crepuscular belleza de sutileza étnica. Transcurre en segundo plano un obsesivo contrabajo al arco y alumbrantes sonidos electrónicos incluyendo (no sé si de la guitarra o qué) motivos melódicos que recuerdan a un arpa además de la sensación de que algunas notas `van hacia atrás´ contra un río musical (el resto de notas) del mismo modo que los salmones.

Ecos a una mezcla entre las Rabih Abou-Khalil y el Klezmer radical Zorniano para la monumental de 13 minutos "Nanuk arpona una Foca"). Aquí es donde confluye de forma soberbia todos los recursos manejados por Ensemble Impromptu pero girando hacia el Free Avant Jazz. 

Quedan 9 minutos pero como homenaje a Nanook, me callo. 

https://liquenrecords.com/2023/11/21/nanuk-lesquimal-banda-sonora-de-josep-lluis-galiana-ensemble-impromptu/

BOURBON - "S/T" (BORN TOO LATE; BLT003, 2024)

BOURBON pertenecen a esa estirpe de bandas sureñas que me vuelan la cabeza y sobre la que he escrito bastante tanto en el blog como (no lo recuerdo bien) en mi etapa extraña como reseñador en una revista en papel de Kiosko que me aportó una experiencia de la que quisiera ahora desprenderme y olvidar pero bueno, al fin y al cabo todo suma. ¿Es posible estar mejor sólo que acompañado? ¿es mejor estar sólo que mejor que acompañado? ¿es mejor estar sólo que mejor que mejor acompañado?. Hace tiempo que decidí tatuarme a mí mismo en todo mi cuerpo para ser dos veces yo. Lo hice por dentro y por fuera como esos dibujos que haces a lápiz y luego entintas. Soy dos en uno y así que aseguraré que si uno de mis yo me falla, el otro me de una torta y que cualquiera de los dos ponga la otra mejilla.

Volviendo a los gaditanos es como si un virus infeccioso a base de una molécula basada en (no estoy ahora hablando de provincias sino de esencias) Viaje a 800, Glaz, Lubianka o Atavismo hubiera mutado en otra cosa pero a la vez la misma (doppelgangerpsychrock) porque el estado de salud de las bandas que tocan Space Rock (que es como a mí me gusta llamarlo) y afines es cada vez más potente. Yo soy claro y directo y no puedo mentir en mis apreciaciones; todas estas bandas mejoran si actúan como un Bonsai al que podan sus partes Stoner porque inexorablemente lo que queda es lo más interesante y que demuestra cómo están madurando... la joya preciosa bajo la roca (sin ir más lejos como ejemplo pongo a RIP K.C. y todo lo que ha venido después en sus proyectos). Dicho de otra forma, una búsqueda natural, sutil y sin forzar un sonido propio. El proto Grunge Hard rockero con tintes psicodélicos de Devastación sigue ahí, pero se viste de gala acústica en prácticamente todo el minutaje y aunque todo sigue siendo guitarrero el mantra fuzz vibrátil insistente y taladrador de Fuente Vieja (o lo que es lo mismo Motorhead + Hawkwind) se deshilvana como esa maravillosa carne mechada que adorna mis bocadillos de ropavieja avinagrada.

Es encomiable el trabajo de adaptación que ha realizado (produce, graba, mezcla y masteriza) Curro Ureba en sus Estudios Trafalgar a lo largo de los años con la banda acompasándose a un estilo que en ocasiones precisaba ser más garajero, otras más eléctrico y punzante o aquí en gran parte de este homónimo Bourbon se adapta a pasajes más intimistas, directos, exquisitos y con una importantísima base vocal. Todavía no he hablado del Progresivo, elemento que en los de Sanlúcar de Barrameda siempre ha estado pero que (reitero) aparece cuando tiene que aparecer y sin ir más lejos Fuente Vieja tenía sus toques Canterburianos e incluso a lo Soft Machine. Y es que si antes hablaba de una molécula (Viaje a 800, Híbrido, Atavismo, Glaz, Mater Dronic....), Bourbon también tienen priones de Smash, Alameda, Triana o también de la parte Mescalínica de Tabletom.

Terminando el apartado técnico esta vez no se basa en dibujos de Antonio Ramírez (aunque hay un detalle en la galleta tanto del CD como del LP) y optan por fotos familiares (Bonilla Caputto / Raúl Guerrero) que, por especular un poco, creo que puede ser por el contexto mucho más intimista del disco a la vez que alejado de estridencias cósmicas a todo trapo, abstracciones lisérgicas y excursiones a Ganímedes. Bourbon es más terrenal y tangencialmente pero sin perder la identidad se asoma al Rock clásico de toda la vida. Por cierto, que siguen siendo (salvo sustituciones alienígenas o transmigraciones conspiranoicas) Raúl Guerrero a la guitarra / voces, Álvaro Guerrero a la batería / voces y Juanma Gonzálvez al bajo / voces. Los teclados mediúmnicos y efectos espaciales que asoman aquí y allá imagino que serán cosa del estudio y las pedaleras fulcanéllicas.

Un punzante bajo abre para la entrada puntillista de la guitarra en "La Espiral", posiblemente de los temas más triposos del disco tanto por letras como por cierto clima espectral y lejano que es el tipo de rock espacial que me vuelve majara. La base rítmica suena muy cercana y que se haya optado por temas más lentos ayuda a que tengas la sensación leve de directo. Es imposible eludir la influencia de Viaje a 800 y a la figura eterna y mítica de José `Pot´ Moreno que cuenta la leyenda que nació de la cópula entre un Óvulo de Amanita Muscaria y una edición limitada de esperma verde Peyote. Vibrátil y de calma tensa, Bourbon suenan preciosistas en su manera de alicatar su música y cuando entra esa maravilla de pasaje vocal (`sobre el río y el mar caminaré / sé que hay que sufrir para entender / y llegar hasta el final / alcanzar el camino a la espiral´) tengo claro que han puesto ya su huella en el pasaje de las estrellas del Prog Rock del Sur.

No sé exactamente de qué trata la letra de "Ariel" pero en mi cabeza es un homenaje y dedicatoria a algún ser querido que has cuidado en su enfermedad. Un tema corto, Pop, directo y de estructura simple que se adorna con toques de Acid Psych muy concretos. Sigue "Aguacero" con aroma redentor, con una especie de Hammond a veces pululando en la retaguardia alternando con paradas acústicas de guitarra y voz. La melodía central que engarza todo es acuosa y me recuerda a los Lagartija Nick de Los Cielos Cabizbajos por su manera (aparente) de tratar lo trágico de una forma bonita y luminiscente. Por contra, "Olvidarnos de Ti" es más oscuro y técnico con riffs más enrevesados de la guitarra aunque respeten los estribillos clásicos de toda la vida (me encanta ese equilibrio contrastado que han alcanzado aquí Bourbon). La base rítmica es igual, subraya, se gira a lo atonal y luego sube como un pistón baladesco de esos desacar un mechero y llorar como un cabrón hasta que te deshidrates y te tengan que coger un suero. Impagable la mini Jam instrumental con la que fulminan el tema hasta que llega eso de: `hijos de una sensación de culpa y miedo / partidarios del terror / enemigos de una solución sincera / camaradas del dolor´.

(FOTO: Caoba Art)

La breve "Noctuario" pone el pie en el acelerador motorik, suelta una petazética homilía cósmica breve y directa a lo Hawkwind y da paso a "La Mujer del Pelo Blanco" con más distorsión de la guitarra. La voz, sobre la que he dicho poco hasta ahora, es de esas que me encanta porque no busca lo virtuoso sino que mantiene la pátina Lo-Fi del rock espacial que me gusta. A nivel musical y dentro de una forma compositiva a base de cambios de ritmo se escucha algún requiebro Trianesco sutil (que se acentúa en la posterior "Llorarás") pero en suma rememora discos anteriores; tiene mucha fuerza y bucea en la piscina amniótica del Progresivo. Sigue "Llorarás" que tirando de ella como si de una planta se tratara puedes arrancar la tierra y traerte toda España y su acervo musical esparcido en épocas de rock andaluz así que podéis adivinar por dónde van los tiros de esta exquisitez fuzzera.

Punto y final con los casi 9 minutos de "Eco" que destila todo lo que he dicho hasta ahora y pone a Bourbon en un pico creativo altísimo. He dicho 9 minutos pero en realidad no es así. Hay sorpresa escondida y os toca descubrirla a vosotr@s. Sólo digo que se apagó la luz no veo el mar

tan solo el                refle j       o   en la ciu da   d                           

el silencio en esta oscuridad nos envuelve y nos hace esca

https://bourbon1.bandcamp.com/album/bourbon

HIEMIS + ARANDOJO - "LA GENESÍAS DEL OJO IMBERBE" (LAFARIUM, 2023)

..."En el principio, el Ojo Imberbe nació. Una ráfaga de fuego se formó en sus extensiones, y le protegió de los malignos vientos y de la luz rojiza de los soles aun vírgenes. Entonces, el Ojo Imberbe leyó la mente de las estrellas del firmamento, diciendo:

-Vger, Alloc, Vger. Ahora que he nacido, tú, hembra estrella del norte, serás mi elegida para dormitar mis movimientos.´

En edición de LAFARIUM, hermética revista difusora de contenidos artísticos multimedia de Argentina (para no extender demasiado este texto, podéis visitar su web aquí), el doblemente mistérico Diego Arandojo (escritor, guionista, director de la propia Lafarium y mil cosas más) ofrece como dádiva al mundo un Cd Cardboard donde nada más y nada menos que HIEMIS musicaliza un teratogénico texto de Arandojo titulado La Genesías del Ojo Imberbe. Lo primero a destacar es que me he tenido que mover un poquito para que tengáis este trabajo colgado en internet y con posibilidad de adquirir copia porque estaba pensado para que fuera una edición física a todos los niveles (vaya, que no encontraba ni la portada). Tras diversas gestiones, ya podéis disfrutarlo en el bandcamp de HIEMIS al que enlazo al final del texto que además han tenido la deferencia de ponerlo en descarga gratuita aunque invito a que contactéis para copia física en lafarium@gmail.com.

Lo primero es que para mí se trata de una joya a todos los niveles. Desde el fabuloso diseño basado en ilustraciones del dibujante / ilustrador argentino Fabián Arnaldi al sacro-éxtasis que se alcanza con el surrealista, onírico y meditativo texto que en clave de Spoken Word se va deslizando por los siempre atrayentes soundscapes del prolífico Hiemis, artista sobre el que os he hablado largo y tendido pero que resumo rápidamente y sin ningún orden en particular por si hay alguien despistado: La Chose (2021), Hyperborea (2019), Radix (2020), Thule (2019), Zothique (2021), Yggdrasil (2023), Malleus Malleficarum (2023) y en el fabuloso recopilatorio Rituals from Ancient Europe (2024). 

(Arandojo)

El conjunto bivalente música/texto es por tanto una obra de cariz germinativo en la que se relatan una suerte de mitos de creación pero siempre dentro de un cuadro ontológico de corte psicotrópico. A ratos amenazante, otras mántrico, música y voz avanzan en una exégesis poética extremadamente original que casi parece una emisión radiada en clave, encriptada y prohibida desde un dial de Buenos Aires un poco al estilo de esa maravilla (si se me permete la equivalencia tangencial audiovisual) con el film Historia de lo Oculto (Cristian Ponce, 2020).

`Y aquella lúgubre estrella, fue llamada la "Guier Moratush", la que servirá de guía al Ojo Imberbe. Pues, está escrito, que el Ojo Imberbe caminó sobre las lluvias de un mundo sin nombre, y en aquellos rayos de un sol virgen, le sirvieron de cama. Y tuvo Cuatro sueños y Una pesadilla.

El primer sueño contó la historia del nacimiento del Ojo Imberbe. Y de aquel, las creaturas inmundas lloraron.´

(Fabián Arnaldi)

Sobre un crujiente telar de Dark Ambient Noise se abre en flor "Primera Genesía del Ojo Imberbe" deshilvanando una primera parte del relato onírico de Diego Arandojo que en modo ultratriposo relata toda una cosmogonía hipnagógica. Imagínate un cruce entre un guión bastardo del chileno Jodorowsky, Lynch y el sustrato fantaterrorífico hispanohablante más abstracto (desde Cronos a La Montaña Sagrada o la ya citada Historia de lo Oculto por la atmósfera conseguida). La música tiene un toque Kosmische bastante acentuado y sin exabruptos aunque pasado por un Ambient sosegado; acompaña perfectamente al texto en subidas y bajadas tenues de intensidad pero nunca se tapa la excelsa voz de Arandojo que se ve apoyado en algunos soliloquios por apabullantes y amplificados ecos. En "Segunda Genesía del Ojo Imberbe" y si mis tímpanos no están imberbes, La Mujer (a priori muerta ya, pero activada por el hálito del Ojo Imberbe) es la que aparece primero en el Cosmos (Genesía); el hombre aparece después y se da paso a la idolatría del Búho, las guerras y los cultos.

`El segundo sueño contó sobre las rocas, y su poder benéfico. El tercer sueño mostró al Ojo Imberbe la capacidad de dominio sobre el fuego. Y de cómo utilizarlo para el beneficio individual. Y el último sueño, mostró al Santush Ojo, cómo crear al Ser Humano.

Cuando el Ojo intentó despertar, la Gran pesadilla se lo impidió...´

(HIEMIS)

Narrado como los Mitos de Creación e las sociedades agrícolas pastorales pre helenísticas (por estructura) que cita una y otra vez Eliade en sus libros y subrayado por abigarrado Drone, estamos ante una obra inclasificable que se sitúa en el punto medio exacto en el que estaría la narración mítica de la caza del venado en la búsqueda del peyote de los Tarahumara y una Space Opera espacial intimista (el Dune de Lynch). Pseudomonásticos repuntes de la música rodean de espiritualidad / clasicismo al relato e incluso se rozan momentos álgidos bellísimos en la parte final donde todo (música y voz) se asoman a lo homiliesco. Sigue la mas corta (para mí deudora de CIMOC) "Ornik" con electrónica cósmica ultralatente al más puro estilo de Vangelis en Blade Runner. 

"Tercera Genesía del Ojo Imberbe" fulmina el relato (vuelvo a usar las mismas palabras) excelso e inclasificable, sobre música mayestática de HIEMIS, y que recomiendo encarecidamente. Podría estar hablando de este trabajo hasta mañana, pero sin duda se trata de una experiencia inmersiva que tienes que catar por tí mism@.

https://hiemismusic.bandcamp.com/album/las-genes-as-del-ojo-imberbe

http://www.lafarium.com.ar/