MEKIGAH - TO HOLD ONTO A HEARTLESS HEART (AESTHETIC DEATH; ADCD 102, 2024)

Por fin nuevo trabajo de los Australianos MEKIGAH, quinto en su carrera, y tercero con el sello de culto AESTHETIC DEATH. Para quien quiera irse metiendo poco a poco en su particular sonido, les recomiendo visitar primero las reseñas de Litost (2014) y Autexousious (2019) para así no repetir demasiados datos. Sobre los anteriores The Serpent´s Kiss (2010) y The Necessary Evil (2012) no os puedo contar nada porque no los tengo. Lo que sí os puedo adelantar es que al igual que los dos anteriores To Hold Onto a Heartless Heart es un triposo, caleidoscópico y ecléctico viaje en el que la palabra Doom Metal se va engalanando de dotes experimentales y Noise hasta que el oyente queda atrapado en una maraña claustrofóbica de capas y capas de sonido. Mi recomendación personal es usar auriculares y dejarse llevar por el aparente y crudo caos.

A nivel técnico compone, graban y mezclan Vis Ortis (que viene a ser el miembro principal siempre junto a colaboraciones) y Leigh Ritson en Huonville & Moonah (Tasmania) para posterior masterización por Greg Chandler (Priory Studios). Dosis de ayahuasca guitarrera adicionales por Sova Locus & Richard Ziltch además de cánticos chamánicos de Alex Pope & Con BCTW, La sierra mecánica y la musical que aparecen por ahí son de Sammy y PRT (Primal Regression Therapy) también haciendo voces. Portada y Layout son de Vis Ortis / Richard Zilch. El CD digipack sale nuevamente por AESTHETIC DEATH, por supuesto.

To Hold Onto a Heartless Heart es un álbum correoso y complejo cuando se mete por terrenos de Industrial Noise pero pérfido y maligno cuando se rodea de ese aroma Doom Metal experimental; sin duda, el acierto está en la mezcla y lo bien balanceado que está todo (desde la agresividad a los pasajes rayanos en el Dark Ambient). Conectar con este tipo de música depende de tus gustos pero imaginaos un cruce entre los Zaraza del Slavic Blasphemy, pasajes de Funeral Doom ultra cósmico que pueden recordarte a los rusos Septic Mind y por supuesto toda esa progenie de proyectos extremísimos de Stjin Van Cauter (Until Death Overtakes Me) y de sonidos parecidos como Wraith of the Ropes, Torture Wheel y similares. 

Las voces agrias, ácimas y decrépitas (ese toque Punk malsano es casi Power Electronics) hacen que me acuerde de Gnaw Their Tongues (y toda esa caterva extrema que campa por el sello Crucial Blast). Es bastante complejo discernir en ocasiones si lo que estás escuchando son sintetizadores o una sierra mecánica, un piano o una vieja melodía radiada mientras en contrapicados atonales imposibles suena una vorágine que roza el Black Metal. Lo único cierto es que la música de Mekigah se te queda clavada en el pecho como un dolor torácico de mal agüero. El tempo se elonga y se estrecha de tal suerte que los instrumentos no siempre suenan con el timbre/tono habituales pero os puedo asegurar que la suma de componentes os va a volar la cabeza.

Abren los 15 minutos de "Collapsing Under" con dueto de piano y motosierra (así como lo oís). Grabaciones de campo y electrónica abyecta van haciendo acto de presencia hasta que sobre el minuto dos eclosiona una base rítmica plúmbea con toques espaciales bordeando ese poliédrico mundo en el que habitan los Esoteric. Hay intentos de ser sinfónicos; el teclado se vuelve catedralicio / eclesiástico y por un momento casi que me creo que es Funeral Doom litúrgico pero poco a poco todo se torna teratogénico y la carne se desprende del hueso... y si no que me digan o expliquen la especie de conga tribal y circense que se forma sobre el minuto 5. Inclemente vorágine de efectos en la retaguardia difíciles de clasificar; aparecen cascabeles y la guitarra se marca un riff lisérgico mientras la percusión parece estar invocando la lluvia en pleno territorio Sioux. Dark Ambient, Industrial Doom o lo que diablos sea, es adictivo e inflamable como un supositorio de Keroseno.

Sigue la decadente y nostálgica "Broken Rhythm Pressure" que al igual que me pasaba con cosas anteriores suyas, me trae a la cabeza la última etapa electrónica de los italianos Canaan en el inicio que acaba transformándose en una algarabía mitad Alastis, mitad Impaled Nazarene al ralentí (como si los hubieran dormido con benzodiacepinas). Creo que una de las mejores virtudes de Mekigah es que son impredecibles y así lo es este temazo necro bailable con estructuras percusivas, sierras mecánicas marcando el paso e incluso Proto Techno. 

No lo he comentado pero durante todo el minutaje se mantiene una sensación de ebriedad o `estado alterado de conciencia´; como si la música transcurriera en un plano distorsionado o se estuviera soñando (¿y quién es el soñador, que diría Lynch?) quizás esa sea la razón por la que "Away Drifting From" parezca discurrir por un erróneo tempo y usar timbres / tonos no euclidianos. Cánticos sinuosos, guitarras que parecen estar deshaciéndose y férreos pulsos de Noise en lo percusivo para acabar todo fundiéndose en una crepuscular sábana de Dark Ambient. "An Infinitesimal Difference" destaca por una línea de bajo cuasi Noir en un calmo ambient cinematográfico que primero parece que va a estallar en un himno épico como si de un Peplum italiano se tratara para acabar adquiriendo una exhaustiva atonalidad indescifrable. Vuelvo a citar a la versión fiestera de Alastis y el EBM de Treponem Pal en "It Hisses So" con unas voces que ponen la carne de gallina...

El cierre es para "Eyes Glazed Over". Aromas redentores con un tema más melódico de lo habitual en Mekigah pero siguiendo en cierta medida la línea del anterior. Tras una apertura con melodía de lo que parece un órgano en la retaguardia mezclado con acoples y efectos de guitarra pasamos a unos ritmos pseudo bailables y mayestáticamente épicos. Cualquier descripción que pueda haceros palidece al lado de la experiencia de To Hold Onto a Heartless Heart. Pruébalo bajo tu propia responsabilidad.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6474

https://mekigah.bandcamp.com/

ENSEMBLE IMPROMPTU - "NANUK L´ESQUIMAL" (LÍQUEN RECORDS; LRCD026, 2023)

Nanuk el Esquimal (Nanook of the North) es un documental (casi que diría el primero de la historia) mudo rodado en 1922 por Robert J. Flaherty que se pasaría prácticamente dos años de su vida conviviendo allá por la Península de Ungava (Despeñaperros para arriba, todo recto) con Allakariallak (Nanuk) y su familia haciendo pues eso, cosas de esquimales como cazar una morsa, encender fuegos y tal. No voy a entrar en su validez como docudrama porque es un debate cinéfilo amplio y complejo con sus detractores que consideran que Flaherty reimagina `a su modo´ cómo era la vida en el Norte de Canadá pero lo cierto es que años más tarde, acaba resultando el perfecto telar de imágenes sobre el que anudar una maravillosa banda sonora que el saxofonista, compositor, escritor, editor y gestor cultural (añadiría más cosas, pero con un click accedéis a su currículum) Josep Lluís Galiana decide intervenir performáticamente para aunar música e imágenes bajo encargo del Instituto Valenciano de la Música allá por 2007.

¿Qué hace Galiana? Pues sabe perfectamente que la familia lo es todo y para ello busca a unos esquimales íberos concretos conocidos de Despeñaperros para Abajo como la ENSEMBLE IMPROMPTU (desconozco si quedan copias, pero os recomiendo contactar con Josep e indagar si Instinct de 2005 y  Khroma Akustikós de 2007 siguen disponibles porque son dos verdaderas joyas). David Herrington (trompeta y tuba), Jorge Gavaldá (guitarra procesada), Gregorio Jiménez (electrónica en vivo), Remigi Roca (contrabajo), Osvaldo Jorge (tabla india y percusión étnica), Galiana (composición, dirección musical y saxos) y Pep Llopis a la dirección artística son convocados de forma mediúmnica por el propio Llopis al festival L´aula d´altres Músiques en el Auditorio Carmen Alborch donde junto a la Filmoteca Valenciana proyectan la película mientras la Ensemble Impromptu `genera en puro directo bajo un andamiaje sutil preestablecido´ la música que la arropa. Años después, y para delicia del respetable oyente, LÍQUEN RECORDS edita este maravilloso CD de (efectivamente) 79 minutos que justos son los que dura el film de Flaherty.

A grandes rasgos y de forma general, Nanuk L´esquimal funciona perfectamente como álbum independiente de la imagen así que queda plenamente justificada su edición. La música aun perteneciendo al espectro de la libre improvisación es mucho más amable de lo habitual, con partes que rozan la Clásica Moderna, Cámara, la World Beat e incluso la música concreta de tal suerte de que una composición `en vivo y en directo´ mediante determinados parámetros. Por ejemplo, asignar sonidos y timbres a personajes o situaciones concretas (vale esto tanto para los seres humanos como para animales o situaciones) hace que se repitan a modo de `scores netamente cinematográficos´ algunas partes dando una sensación marcada de musicalidad o mejor dicho melodía. Lo abstracto y atonal se convierte en cotidiano y amable gracias a la disposición de una especie de guión musicalizado que acaba desembocando en un cromatismo cargado de atmósfera. Dicho de otra manera, la partitura musical deja los espacios libres adecuados para la improvisación como suele ser habitual en estos estilos pero de forma concentrada y quizás un pelín más restrictiva para que lo agreste sea eso... agreste y no salvaje o el fuego no se tranforme en incendio.

La banda sonora se divide en 12 bloques que un poco a vola pluma voy a iros describiendo. No creo que tenga sentido ser exhaustivo e ir tema por tema ya no sólo porque no tengamos la imagen correspondiente del documental sino porque puede ser algo tedioso. Como os comenté, se trata de música bastante comedida en lo agresivo y donde prima lo `descriptivo´. Partes solistas como esas cuerdas con arco de la apertura se unen a una percusión de corte muy étnico y tribal. Pausada, con mucha tabla india (muy buena en "Segona Conducció") y subrayados estratégicos de una tuba que está magnífica. Brillando sobre ese pasaje aparentemente sobrio (mejor dicho, asordinado) brilla el saxo de Galiana (por ejemplo en "Introducció") en su ejecución de corte casi New Thing (por alguna razón me recuerda a Archie Shepp). 

La electrónica se funde con el resto de instrumentos y por momentos me da la sensación de haber ralentizado `in extremis´ a Les Baxter o Esquivel sobre todo en los pasajes donde todos los instrumentos fluyen juntos. No es el caso por ejemplo del áspero discurrir de percusión y electrónica de "Primera Conducció" pero es magnífico como el procesado que se le ha dado tanto a la guitarra como a la electrónica permita la antropomorfización de los sonidos que se despliegan. No entramos en el Noise, pero os aseguro que sólo un puntito le falta y nos quedamos en la Concrete o, si me tiráis del pezón izquierdo en un momento de debilidad, os diré que el flotante Ambient del Cuarto Mundo de John Hassell exuda algo de su lisergia dentro Nanook of the North. 

Como suele suceder en todo aquello que se proyecta en blanco y negro, hay pasajes de los instrumentos de viento ("Nanuk i el Gramofón") que son Cool Noir Jazz o incluso se roza la Cartoon Music (la puntillista, silente y con mucha sordina "Nanuk va de Pesca") aunque bien es cierto que el magnífico trabajo del contrabajo de Remigi Roca lleva al conjunto a un encomiable nivel que es algo así como añadir las cuatro cuerdas de Mingus a Don Cherry y Ed Blackwell (MU). Vuelvo a insistir con el contrabajo con la sobriedad al arco (casi Música de Cámara) y eterismo electrónico mientras arremetidas controladas de la tuba luchan contra una percusión que se va abriendo en abanico en "Nanuk Navega per la Mar a la Caça" en un bello in crescendo muy británico en ejecución (no desentonaría esto dentro del catálogo de EMANEM en las mil y una rotaciones de John Stevens / Barry Guy / Paul Rutherford / Trevor Watts o los experimentos de Evan Parker en Psy). 

Como suele ocurrir con la vida de todo esquimal que se precie, los elementos Tierra, Fuego, Aire y, sobre todo este último, será el protagonista de "L´arribada de L´hivern (sons eòlics)" que es un pequeñísimo puente minimalista. A estas alturas del disco pasa prácticamente de todo; pasajes muy sinuosos y tribales o justamente lo contrario (la ausencia de lo percusivo per sé) y así transcurre desde la monolítica y percusiva "Segona Conducció" ejemplo de lo primero a su reverso tenebroso instrospectivo como muestra de lo segundo en "La Familia de Nanuk dins de L´iglú") y aprovecho para decir que Nanook of the North es un álbum de conjunto, no de individualidades; la elección de qué instrumentos son los que tocan en cada parte es muy acertada y ya no sólo qué instrumentos, sino cual se decide dejar en un segundo plano. Un diez a la dirección musical. 

Galiana despliega sus recursos técnicos en un soliloquio de saxo soprano en "De Matinada" que como adjetivo particular, está embebido de crepuscular belleza de sutileza étnica. Transcurre en segundo plano un obsesivo contrabajo al arco y alumbrantes sonidos electrónicos incluyendo (no sé si de la guitarra o qué) motivos melódicos que recuerdan a un arpa además de la sensación de que algunas notas `van hacia atrás´ contra un río musical (el resto de notas) del mismo modo que los salmones.

Ecos a una mezcla entre las Rabih Abou-Khalil y el Klezmer radical Zorniano para la monumental de 13 minutos "Nanuk arpona una Foca"). Aquí es donde confluye de forma soberbia todos los recursos manejados por Ensemble Impromptu pero girando hacia el Free Avant Jazz. 

Quedan 9 minutos pero como homenaje a Nanook, me callo. 

https://liquenrecords.com/2023/11/21/nanuk-lesquimal-banda-sonora-de-josep-lluis-galiana-ensemble-impromptu/

BOURBON - "S/T" (BORN TOO LATE; BLT003, 2024)

BOURBON pertenecen a esa estirpe de bandas sureñas que me vuelan la cabeza y sobre la que he escrito bastante tanto en el blog como (no lo recuerdo bien) en mi etapa extraña como reseñador en una revista en papel de Kiosko que me aportó una experiencia de la que quisiera ahora desprenderme y olvidar pero bueno, al fin y al cabo todo suma. ¿Es posible estar mejor sólo que acompañado? ¿es mejor estar sólo que mejor que acompañado? ¿es mejor estar sólo que mejor que mejor acompañado?. Hace tiempo que decidí tatuarme a mí mismo en todo mi cuerpo para ser dos veces yo. Lo hice por dentro y por fuera como esos dibujos que haces a lápiz y luego entintas. Soy dos en uno y así que aseguraré que si uno de mis yo me falla, el otro me de una torta y que cualquiera de los dos ponga la otra mejilla.

Volviendo a los gaditanos es como si un virus infeccioso a base de una molécula basada en (no estoy ahora hablando de provincias sino de esencias) Viaje a 800, Glaz, Lubianka o Atavismo hubiera mutado en otra cosa pero a la vez la misma (doppelgangerpsychrock) porque el estado de salud de las bandas que tocan Space Rock (que es como a mí me gusta llamarlo) y afines es cada vez más potente. Yo soy claro y directo y no puedo mentir en mis apreciaciones; todas estas bandas mejoran si actúan como un Bonsai al que podan sus partes Stoner porque inexorablemente lo que queda es lo más interesante y que demuestra cómo están madurando... la joya preciosa bajo la roca (sin ir más lejos como ejemplo pongo a RIP K.C. y todo lo que ha venido después en sus proyectos). Dicho de otra forma, una búsqueda natural, sutil y sin forzar un sonido propio. El proto Grunge Hard rockero con tintes psicodélicos de Devastación sigue ahí, pero se viste de gala acústica en prácticamente todo el minutaje y aunque todo sigue siendo guitarrero el mantra fuzz vibrátil insistente y taladrador de Fuente Vieja (o lo que es lo mismo Motorhead + Hawkwind) se deshilvana como esa maravillosa carne mechada que adorna mis bocadillos de ropavieja avinagrada.

Es encomiable el trabajo de adaptación que ha realizado (produce, graba, mezcla y masteriza) Curro Ureba en sus Estudios Trafalgar a lo largo de los años con la banda acompasándose a un estilo que en ocasiones precisaba ser más garajero, otras más eléctrico y punzante o aquí en gran parte de este homónimo Bourbon se adapta a pasajes más intimistas, directos, exquisitos y con una importantísima base vocal. Todavía no he hablado del Progresivo, elemento que en los de Sanlúcar de Barrameda siempre ha estado pero que (reitero) aparece cuando tiene que aparecer y sin ir más lejos Fuente Vieja tenía sus toques Canterburianos e incluso a lo Soft Machine. Y es que si antes hablaba de una molécula (Viaje a 800, Híbrido, Atavismo, Glaz, Mater Dronic....), Bourbon también tienen priones de Smash, Alameda, Triana o también de la parte Mescalínica de Tabletom.

Terminando el apartado técnico esta vez no se basa en dibujos de Antonio Ramírez (aunque hay un detalle en la galleta tanto del CD como del LP) y optan por fotos familiares (Bonilla Caputto / Raúl Guerrero) que, por especular un poco, creo que puede ser por el contexto mucho más intimista del disco a la vez que alejado de estridencias cósmicas a todo trapo, abstracciones lisérgicas y excursiones a Ganímedes. Bourbon es más terrenal y tangencialmente pero sin perder la identidad se asoma al Rock clásico de toda la vida. Por cierto, que siguen siendo (salvo sustituciones alienígenas o transmigraciones conspiranoicas) Raúl Guerrero a la guitarra / voces, Álvaro Guerrero a la batería / voces y Juanma Gonzálvez al bajo / voces. Los teclados mediúmnicos y efectos espaciales que asoman aquí y allá imagino que serán cosa del estudio y las pedaleras fulcanéllicas.

Un punzante bajo abre para la entrada puntillista de la guitarra en "La Espiral", posiblemente de los temas más triposos del disco tanto por letras como por cierto clima espectral y lejano que es el tipo de rock espacial que me vuelve majara. La base rítmica suena muy cercana y que se haya optado por temas más lentos ayuda a que tengas la sensación leve de directo. Es imposible eludir la influencia de Viaje a 800 y a la figura eterna y mítica de José `Pot´ Moreno que cuenta la leyenda que nació de la cópula entre un Óvulo de Amanita Muscaria y una edición limitada de esperma verde Peyote. Vibrátil y de calma tensa, Bourbon suenan preciosistas en su manera de alicatar su música y cuando entra esa maravilla de pasaje vocal (`sobre el río y el mar caminaré / sé que hay que sufrir para entender / y llegar hasta el final / alcanzar el camino a la espiral´) tengo claro que han puesto ya su huella en el pasaje de las estrellas del Prog Rock del Sur.

No sé exactamente de qué trata la letra de "Ariel" pero en mi cabeza es un homenaje y dedicatoria a algún ser querido que has cuidado en su enfermedad. Un tema corto, Pop, directo y de estructura simple que se adorna con toques de Acid Psych muy concretos. Sigue "Aguacero" con aroma redentor, con una especie de Hammond a veces pululando en la retaguardia alternando con paradas acústicas de guitarra y voz. La melodía central que engarza todo es acuosa y me recuerda a los Lagartija Nick de Los Cielos Cabizbajos por su manera (aparente) de tratar lo trágico de una forma bonita y luminiscente. Por contra, "Olvidarnos de Ti" es más oscuro y técnico con riffs más enrevesados de la guitarra aunque respeten los estribillos clásicos de toda la vida (me encanta ese equilibrio contrastado que han alcanzado aquí Bourbon). La base rítmica es igual, subraya, se gira a lo atonal y luego sube como un pistón baladesco de esos desacar un mechero y llorar como un cabrón hasta que te deshidrates y te tengan que coger un suero. Impagable la mini Jam instrumental con la que fulminan el tema hasta que llega eso de: `hijos de una sensación de culpa y miedo / partidarios del terror / enemigos de una solución sincera / camaradas del dolor´.

(FOTO: Caoba Art)

La breve "Noctuario" pone el pie en el acelerador motorik, suelta una petazética homilía cósmica breve y directa a lo Hawkwind y da paso a "La Mujer del Pelo Blanco" con más distorsión de la guitarra. La voz, sobre la que he dicho poco hasta ahora, es de esas que me encanta porque no busca lo virtuoso sino que mantiene la pátina Lo-Fi del rock espacial que me gusta. A nivel musical y dentro de una forma compositiva a base de cambios de ritmo se escucha algún requiebro Trianesco sutil (que se acentúa en la posterior "Llorarás") pero en suma rememora discos anteriores; tiene mucha fuerza y bucea en la piscina amniótica del Progresivo. Sigue "Llorarás" que tirando de ella como si de una planta se tratara puedes arrancar la tierra y traerte toda España y su acervo musical esparcido en épocas de rock andaluz así que podéis adivinar por dónde van los tiros de esta exquisitez fuzzera.

Punto y final con los casi 9 minutos de "Eco" que destila todo lo que he dicho hasta ahora y pone a Bourbon en un pico creativo altísimo. He dicho 9 minutos pero en realidad no es así. Hay sorpresa escondida y os toca descubrirla a vosotr@s. Sólo digo que se apagó la luz no veo el mar

tan solo el                refle j       o   en la ciu da   d                           

el silencio en esta oscuridad nos envuelve y nos hace esca

https://bourbon1.bandcamp.com/album/bourbon

HIEMIS + ARANDOJO - "LA GENESÍAS DEL OJO IMBERBE" (LAFARIUM, 2023)

..."En el principio, el Ojo Imberbe nació. Una ráfaga de fuego se formó en sus extensiones, y le protegió de los malignos vientos y de la luz rojiza de los soles aun vírgenes. Entonces, el Ojo Imberbe leyó la mente de las estrellas del firmamento, diciendo:

-Vger, Alloc, Vger. Ahora que he nacido, tú, hembra estrella del norte, serás mi elegida para dormitar mis movimientos.´

En edición de LAFARIUM, hermética revista difusora de contenidos artísticos multimedia de Argentina (para no extender demasiado este texto, podéis visitar su web aquí), el doblemente mistérico Diego Arandojo (escritor, guionista, director de la propia Lafarium y mil cosas más) ofrece como dádiva al mundo un Cd Cardboard donde nada más y nada menos que HIEMIS musicaliza un teratogénico texto de Arandojo titulado La Genesías del Ojo Imberbe. Lo primero a destacar es que me he tenido que mover un poquito para que tengáis este trabajo colgado en internet y con posibilidad de adquirir copia porque estaba pensado para que fuera una edición física a todos los niveles (vaya, que no encontraba ni la portada). Tras diversas gestiones, ya podéis disfrutarlo en el bandcamp de HIEMIS al que enlazo al final del texto que además han tenido la deferencia de ponerlo en descarga gratuita aunque invito a que contactéis para copia física en lafarium@gmail.com.

Lo primero es que para mí se trata de una joya a todos los niveles. Desde el fabuloso diseño basado en ilustraciones del dibujante / ilustrador argentino Fabián Arnaldi al sacro-éxtasis que se alcanza con el surrealista, onírico y meditativo texto que en clave de Spoken Word se va deslizando por los siempre atrayentes soundscapes del prolífico Hiemis, artista sobre el que os he hablado largo y tendido pero que resumo rápidamente y sin ningún orden en particular por si hay alguien despistado: La Chose (2021), Hyperborea (2019), Radix (2020), Thule (2019), Zothique (2021), Yggdrasil (2023), Malleus Malleficarum (2023) y en el fabuloso recopilatorio Rituals from Ancient Europe (2024). 

(Arandojo)

El conjunto bivalente música/texto es por tanto una obra de cariz germinativo en la que se relatan una suerte de mitos de creación pero siempre dentro de un cuadro ontológico de corte psicotrópico. A ratos amenazante, otras mántrico, música y voz avanzan en una exégesis poética extremadamente original que casi parece una emisión radiada en clave, encriptada y prohibida desde un dial de Buenos Aires un poco al estilo de esa maravilla (si se me permete la equivalencia tangencial audiovisual) con el film Historia de lo Oculto (Cristian Ponce, 2020).

`Y aquella lúgubre estrella, fue llamada la "Guier Moratush", la que servirá de guía al Ojo Imberbe. Pues, está escrito, que el Ojo Imberbe caminó sobre las lluvias de un mundo sin nombre, y en aquellos rayos de un sol virgen, le sirvieron de cama. Y tuvo Cuatro sueños y Una pesadilla.

El primer sueño contó la historia del nacimiento del Ojo Imberbe. Y de aquel, las creaturas inmundas lloraron.´

(Fabián Arnaldi)

Sobre un crujiente telar de Dark Ambient Noise se abre en flor "Primera Genesía del Ojo Imberbe" deshilvanando una primera parte del relato onírico de Diego Arandojo que en modo ultratriposo relata toda una cosmogonía hipnagógica. Imagínate un cruce entre un guión bastardo del chileno Jodorowsky, Lynch y el sustrato fantaterrorífico hispanohablante más abstracto (desde Cronos a La Montaña Sagrada o la ya citada Historia de lo Oculto por la atmósfera conseguida). La música tiene un toque Kosmische bastante acentuado y sin exabruptos aunque pasado por un Ambient sosegado; acompaña perfectamente al texto en subidas y bajadas tenues de intensidad pero nunca se tapa la excelsa voz de Arandojo que se ve apoyado en algunos soliloquios por apabullantes y amplificados ecos. En "Segunda Genesía del Ojo Imberbe" y si mis tímpanos no están imberbes, La Mujer (a priori muerta ya, pero activada por el hálito del Ojo Imberbe) es la que aparece primero en el Cosmos (Genesía); el hombre aparece después y se da paso a la idolatría del Búho, las guerras y los cultos.

`El segundo sueño contó sobre las rocas, y su poder benéfico. El tercer sueño mostró al Ojo Imberbe la capacidad de dominio sobre el fuego. Y de cómo utilizarlo para el beneficio individual. Y el último sueño, mostró al Santush Ojo, cómo crear al Ser Humano.

Cuando el Ojo intentó despertar, la Gran pesadilla se lo impidió...´

(HIEMIS)

Narrado como los Mitos de Creación e las sociedades agrícolas pastorales pre helenísticas (por estructura) que cita una y otra vez Eliade en sus libros y subrayado por abigarrado Drone, estamos ante una obra inclasificable que se sitúa en el punto medio exacto en el que estaría la narración mítica de la caza del venado en la búsqueda del peyote de los Tarahumara y una Space Opera espacial intimista (el Dune de Lynch). Pseudomonásticos repuntes de la música rodean de espiritualidad / clasicismo al relato e incluso se rozan momentos álgidos bellísimos en la parte final donde todo (música y voz) se asoman a lo homiliesco. Sigue la mas corta (para mí deudora de CIMOC) "Ornik" con electrónica cósmica ultralatente al más puro estilo de Vangelis en Blade Runner. 

"Tercera Genesía del Ojo Imberbe" fulmina el relato (vuelvo a usar las mismas palabras) excelso e inclasificable, sobre música mayestática de HIEMIS, y que recomiendo encarecidamente. Podría estar hablando de este trabajo hasta mañana, pero sin duda se trata de una experiencia inmersiva que tienes que catar por tí mism@.

https://hiemismusic.bandcamp.com/album/las-genes-as-del-ojo-imberbe

http://www.lafarium.com.ar/

SPITTING TONGUE XX: EXHUMATION - "TWILIGHT OF THE FUNEBRE NIGHT" (ADIRONDACK BLACK MASS; ABM20 + PESTA NEGRA, 2022)

Ultra decrépito y abyecto Funeral Death/Doom a la antigua usanza a cargo del proyecto EXHUMATION de Barcelona formado por el prolífico Lord Mortuorum (Marc Rodríguez) de Calderum, Cauterized Torso, Crucification, Osmazome, Sanctuarium, Stygian Storm, Trollcave, Ered Guldur, Verminous Tyrant.... que tengo que reconocer que estoy muy poco puesto en ellas. La cosa es que Twilight of the Funebre Night (Ep) se edita en cassette por Pesta Negra Records y en Cd por Adirondack Black Mass con logo, artwork y diseño a la antigua usanza por el propio artista (necrohelm); el resto, sonido esfacelado al más puro estilo Thergothon, primeros Morgion, Evoken o los Skepticism. 

Técnicamente y si no me equivoco Chants of Impiety and Misery (2022) es su posterior debut  (digital por el momento), y su más reciente edición que a ver si ahorro algunos euros para pillarla porque tiene una pinta bestial; el recien salido del horno Tributum Animarum Lapsus (LP y cassette por Pesta Negra Records) . El Ep que os traigo son 30 minutos divididos en 3 infecciosos, putrefactos cortes muy bien acabados, buena base rítmica, toques espectrales de teclados (nada de virtuosismo sino apoyo atmosférico como mandan los cánones), voces que van desde los estrictamente gutural a cánticos fúnebres y procesionarios y en definitiva una atmósfera que tira de espaldas.

Desde la hímnica apertura en tempos letánicos de Funeral Doom de "Procession to the Abyss" con insistentes notas de teclado sobre la que se desarrolla una guitarra al más puro estilo Evoken (Quietus) a la aplastante y efectiva base rítmica (si no me equivoco, totalmente batería natural ya que Lord Mortuorum es batería en bastantes proyectos). Voces agrias como un vómito bilioso contrastan con parones en los que asoma una melódica línea de guitarra a lo Morgion. Hacen acto de presencia las voces monásticas de ultratumba y un soniquete de sinte eclesiástico que es una absoluta delicia. Lejos de parecer un proyecto enclavado en el Death / Doom simple, los cortes mantienen una estructura muy trabajada. Sigue la apertura de teclados en "Funeral Emanation" que junto a los cánticos pone los vellos de punta... una especie de mezcla entre los primeros Funeral Moth y Thergothon. ¿Es perfecto? por supuesto, y gracias a la divinidad, NO... y eso es lo que hace que "Tears in the Burial Ground" cerrando el Ep sea especial.

Un supurante descenso a esa zona de la tierra donde todo se disuelve, arterias y venas se convierten en extensiones de las raíces de los árboles y los tegumentos son el tejido conectivo que vertebra y ejerce de andamiaje al inframundo.

MUY, MUY RECOMENDADO.

https://exhumationfuneral.bandcamp.com/album/chants-of-impiety-and-misery

https://pestanegrarecords.bandcamp.com/music

https://adirondackblackmass.bandcamp.com/album/twilight-of-the-funebre-night

GALG - "TELOORGANG" (CONSOULING SOUNDS; SOUL0190, 2024)

Pues tenía que ser de justicia divina que retomara las andadas literarias con el proyecto neerlandés GALG (formados en 2013) tras los impresionantes trabajos de SOLAR TEMPLE que os traje antes de verano. Por un lado el monolítico Embers Beget the Divine junto a los DEAD NEANDERTHALS y por otro el ultra Kosmische experimental A Gift That Should Have Been Reserved For The Great Lights, todo ello cortesía del mítico sello Consouling Sounds. El nexo de unión entre ambos proyectos es la molécula bivalente (no voy a entrar en algún que otro cambio de formación) entre Omar Kleiss a la guitarra y voces (Empyrean Grace, Solar Temple, Imperial Cult, Iskandr, Lubbert Das, Nusquama, Turia, Fluisteraars...) y Mink Koops a la batería (Fluisteraars, Iskandr, Knoest, Nusquama, Solar Temple, Bong Breaker); completando la formación, un tal `T´ que se encarga de guitarra y voces. 

Bien, Teloorgang es el disco que hoy os presento y tiene la particularidad de haber sido grabado hace nada más y nada menos que 10 años en los RPM Studios aunque tras la mezcla de la propia banda y Asher de Vries (que tocara el bajo con los Flusteraars), Beau Eckhard, Thomas Chochrane and Galg para posterior masterización maestra y alquímica por Greg Chandler en los Priory Recording Studios. Completa el apartado técnico (edición en CD y LP) el minimalista artwork fotográfico de Theo Naessens and Tess Post. Apostillar que sí que tenían dos EPS y una Demo previas.

Atonal, a ratos ruidista, hipnóticos, densos y en ocasiones con pasajes deudores incluso de Swans, GALG pueden recordarte sin duda a la mala hostia que manejan The Body o incluso algún toque de la insania electrónica de Oxbow. La repetición `ad nauseam´ en estos casi 50 minutos divididos en cuatro cortes sin duda lleva al oyente a un estado meditativo de un Drone Doom que bebe igualmente muchísimo de la escena alienante y depresiva Black metalera. 

Abre "Hemeltergend" con la sensación de estar escalando el sacro Monte Meru... despegue con la distorsión de guitarra y una percusión que va creciendo enteros; muy buen juego de doble guitarras que permite toda clase de recursos atmosféricos (por alguna razón, esos crescendos tímbricos agudos que flotan en el aire y nunca se desvanecen me recuerdan enormemente a los últimos SWANS); recursos que se repiten en modo loop con escasos pero efectivos cambios y la entrada de una voz lejana, agónica y malsana como mandan los cánones. 

A mitad de tema, entra el saxo estelar de Otto Kokke (como no, de los Dead Neanderthals) en una sábana espiritual a lo Sonny Simmons junto a los Moksha Sannyasin en aquel fabuloso Nomadic (Svart, 2014) que se marcó el tipo con 82 añitos. Conforme avanza el tema todo confluye a un flujo de metal y vientos absolutamente expectacular (sobre todo cuando el saxo se agudiza hasta extremos punzantes agudísimos). Con un riff a lo SunnO))) se abre "Verzoeking", auténtico mamotreto devastador de 15 minutos de duración que te saca el alma por las fosas nasales como si de un amortajamiento egipcio se tratara. Voces monásticas en un entorno Drone aclimatándose en una psicopómpica nana que se torna agria y séptica. Mientra una de las guitarras mantiene la muralla eléctrica de fondo, la otra te balancea en un cabeceo mántrico imperturbable.

Aun no teniendo bajo, hay partes en que la afinación de una de las guitarras adquiere tonos lúgubres y densos hermanándose y haciendo de base rítmica en un pulsátil, largo y exhaustivo `fade out´ que hunde sus raíces de lleno en el Black Noise (hispanohablantes, atentos al sampler vocal final que no tiene desperdicio). Sigue "Het Mes" con arranque al más puro estilo YOB pero bastante más estilizado en su puntillista uso de las guitarras sobre muro Drone; la voz, totalmente despojada de cualquier atisbo de humanidad, se desgañita hasta trenzar tripas con cuerdas vocales en un soliloquio sacado de cualquier pabellón psiquiátrico infecto-contagioso. Entra la batería procesionaria en un percutor pasaje Doom mezclado con elementos ruidistas que roza el Funeral de tal suerte que entre una cosa y otra tras un parón existencial sobre el minuto siete, todo vuelve a arrancar con más melodía y groove para que Galg se marquen todo un himno a la podredumbre existencial. 

Cierra el disco la apocalíptica "Doorn in Het Oog" cuya batería adquiere tintes motorik, tribales y Space Rock hasta el punto de que parece que los Hawkwind se hubieran transmutado en una banda extrema. Un tema directo, crudo y a la yugular. Puedo explicarlo más, pero lo mejor es que lo escuches tú. 

DISCAZO

https://consouling.be/release/teloorgang

https://galg.bandcamp.com/album/teloorgang

SOLAR TEMPLE - "A GIFT THAT SHOULD HAVE BEEN RESERVED FOR THE GREAT LIGHTS" (CONSOULING SOUNDS SOUL0191, 2024)

A Gift That Should Have Been Reserved for the Great Lights es el nuevo trabajo de los belgas SOLAR TEMPLE, cuya colaboración con Dead Neanderthals (Embers Beget the Divine) os traje hace muy poquito. Un relato mitopoyético y cosmogónico en 36 minutos de triposa inmersión sonora en otro ejemplo más de lo bien que se están llevando los músicos provenientes del metal extremo con los recursos setenteros de la vieja Kosmische. Mirándolo bien, es el Mito del Eterno Retorno de Eliade aplicado a la música; cómo la vieja experimentación vuelve en pleno Kali Yuga para empapar de sustancia y evolución a un género en las postrimerías de la muerte y estancamiento. Eso sí, quienes busquen emparentamiento cercano (y digo cercano con todo el amplio uso del término) con el Black Atmosférico base que entronizaba al canónico debut Fertile Descent (2018) se va a quedar posiblemente patidifuso.

Se trata éste de un álbum contado como las grandes sagas míticas (también los conceptuales álbumes progresivos de los 70), grabado en una serie de sesiones que van de 2020 a 2022 usando viejas formas de composición que recuerdan mucho al casero proceder del alemán Conny Plank con viejos sintes analógicos, procesamientos/ collage de cinta de cassette y un uso mayestático de la percusión (no sé, pero imaginaos a los Pink Floyd de la etapa del directo de Pompeya mezclados con los sobrios ambientes espirituales de Popol Vuh). 

Tres temas / movimientos vertebran una suite sobre eyaculaciones y panspermias cósmicas que hubiera hecho las delicias en sus buenos tiempos a gente tan denostada como Ërich Von Daniken (mezclado eso sí, con las desérticas procesiones letrísticas del Dopesmoker de Sleep o los mántricos devaneos de Bong):

`[...] The high priests of primordial earth commissioned an expedition to travel to the inner sanctum of this gaping maw of antilight. A huge ceremony celebrated the launch of this expeditionary raft. After passing the multiple gravitational orbits of the earth and the planets, the vessel drifted through outer space to eventually get pulled into thehole. The collective consciousness of the travelers deconstructed and reconstituted as gods in a higher plane, whose deep historical memory was passed down unto ancient man in the form of the great religions of this world. [...] Starting with the great ritual of ascendancy, accompanied by an incantation of a priest, the launch and subsequent launch and breaking through the gravitational barrier of earth. In the second movement,we experience the passing of the great planets and the push and pull of their gravitational forces. The third movement narrates the experience of travelling through deep space, when after a while the sublime terror of the great black hole begins to draw the vessel towards its great void. After the great torrent of deconstructing dimensions, we enter a plane of cosmic bliss and elevated being.´

A Gift That Should Have Been Reserved for the Great Lights se edita nuevamente (CD y LP) bajo el auspicio estoico de la insigne nave nodriza CONSOULING SOUNDS, siendo el equivalente en 2024 a las colonoscópicas sondas sonoras Avantgarde de Vangelis, Jarre, Patrick Vian, Michel Magne, Goblin, Faust, Can, Tangerine Dream, Igor Wakhévitch y en definitiva, toda una pléyade de locos lunáticos que transmutaron la electricidad y la onda sinusoidal en puro Oro Alquímico. A nivel de formación, SOLAR TEMPLE son O. Iskandr (Fluisteraars, Galg, Iskandr, Knoest, Nusquama, Bong Breaker) y M. Koops. (Empyrean Grace, Galg, Imperial Cult, Iskandr, Lubbert Das, Nusquama, Turia, Dool...) los encargados de fraguar (ojo a la etimología de `fragua´) esta inhóspita saga plagada de capas sonoras que se van apelmazando tanto que los 36 minutos que dura el disco tienen el equivalente en Masa Atómica a un zumo de Uranio.

 "Eyaculation" abre el disco con un muro monumental de teclado analógico e(n)volvente que va acompañándose de minimalismo hasta que se abre del todo en flor y acompaña con un catedralicio muro de órgano, mantra vocal estomacal y la sensación de que vamos viajando montados en pelotas en un anti peristáltico flujo de partículas. El órgano tipo Hammond viene a ser como si a los Vanilla Fudge los hubiéramos sedoanalgesiado al nivel de que hubieran tocado una Jam Session en los aledaños de La Ascensión al Empíreo de Hyeronimus Bosch. Acoples de drone psiconauta dan la sensación de levitación necesaria para estar hablando de algo cercano a la Kosmische aunque la entrada a partir del minuto 5 de una percusión a lo Simonetti (Goblin) rayana en el Italo Disco te lleva a pensar en una apócrifa BSO de Lamberto Bava en clave Horror Funk o lo que es lo mismo, como mezclar en un mismo disco a MECO con SUNNO))). Escuchada con auriculares, la onda expansiva tiende al vórtice.... todo se va acelerando mientras se mezcla con percusión tribal para morir en un fade out opresivamente espacial.

Fabulosos devaneos mitad Florian Fricke, mitad Tangerine Dream (Electronic Meditation, Alpha Centauri o Zeit) subrayan los prolegómenos cuasi Harsh Noise de "Celestial Kingdom". Efectos de sonido crudos copulan con percusión, ecos y delays manejados mediante insanos potenciómetros en una versión mucho más versátil y ecléctica que otros ejemplos parecidos como el Timewave Zero de los Blood Incantation. No hay espacio para la melodía en poliédricos giros y ecuaciones o al menos eso ocurre hasta que una obsesiva pauta melódica de piano de juguete da paso a un sobrio pasaje que recuerda a la música de cámara en la extensa coda de 16 minutos "A Life Before Life". 

Mistéricos tonos órficos y eleusinos me recuerdan a Eduard Artemyev en las bandas sonoras de Tarkovsky (salvando las diferencias, evidentemente). Lento, pausado y abotargado aceite de nave estelar en chapapote a la deriva gravitacional con toques melódicos de terror italiano que se acentúa cuando entra la batería a lo Jacula o Goblin. Monolítica, repetitiva `ad nauseam´ y con aromas de Prog Sinfónico, terror ochentero y Dungeon Synth de 8 bits, "A Life Before Life" se aboca a un malsano clímax de Sci Fi en un segundo tramo y percusión monocromática de doble bombo al ralentí que va diluyendo al oyente que inundado de olas de teclados ásperos, ya no sabe si está dentro de un disco de Black Metal atmosférico o en una extensión de Cosmic Tones for Mental Therapy o Atlantis de SUN RA. 

Como si de un segundo nacimiento se tratara, o un rito iniciático, sube la intensidad hasta que parece que atravesemos una Vagina Turbina espacial y al otro lado, fabulosa mezcla entre la densidad que otorga el órgano, lo mayestático de los mantras vocales y capas y capas de detalles lisérgicos pastorales a lo Popol Vuh.

Dissolve et Copula 

https://consouling.be/release/a-gift-that-should-have-been-reserved-for-the-great-lights

https://solartemplehn.bandcamp.com/album/a-gift-that-should-have-been-reserved-for-the-great-lights-2

ULLS - "CRIPTA NAU" (PARE HUARG PH02, 2024)

De piedra me he quedado con el nuevo trabajo de ULLS tras aquella bestialidad de Anoia S´apodera de hace cinco años y es que el listón lo habían dejado muy pero que muy alto. Varias veces dado por muerto, (musicalmente hablando) David Trillo tiene más vidas que The Undertaker y flamantísimo acabo de recibir su nuevo vinilo Cripta Nau con un acabado y una calidad musical / compositiva que no termino de entender cómo esto no está pegando el pelotazo entre el respetable. Demo I prometía, Anoia S´apodera eclosionó y Cripta Nau los establece como uno de los mejores proyectos de Rock Progresivo y Psicodelia en nuestro País fusionando con una facilidad pasmosa Zeuhl, Canterbury y Acidez setentera; a ratos ULLS pasa por parajes abstractos y alquímicamente fulcanéllicos para mutar con facilidad en capas a lo Marc Bolan, vertebrar sus temas musicalmente en el Prog italiano tipo Goblin o el sinfonismo de Banco del Mutuo Soccorso pero sin dejar nunca de lado cierto tono Doom que remite a olvidadísimos grupos de la NWOBHM, el Occult Doom o todo ese inabarcable fondo de catálogo de Black Widow Records. 

Ulls, que podemos traducir si no me equivoco por `ojos´, es David Trillo en solitario aunque en Cripta Nau las voces son de Adrià Boluda (no estoy del todo seguro pero creo tiene un proyecto de Doom Tradicional que desconocía junto a Joan de Evilhorse llamado UDOL y que tendré que investigar). Como todo lo que rodea a Trillo es bastante críptico, tengo pocos datos pero imagino que seguirá valiendo aquello que decía en su anterior disco de `Anoia s’apodera is Ulls first LP, and the first of a series of albums depicting the story of a self-induced posthumous trip´. No estaremos muy errados si Cripta Nau se traduce como Nave Cripta y la sensación que transmite la música es la de estar montados en un  en un triposo viaje hematoencefálico transitando el punto de fuga del bulbo raquídeo del mismísimo Cosmos. Asunto aparte es el nuevamente excelso artwork / diseño de Branca Studio que borda (hay que tocarlo, olerlo y tenerlo) esta edición en vinilo a cargo de PARE HUARG. Albert Guitart (ALB Estudi) se encarga de masterizar la música compuesta, grabada y mezclada por el propio Trillo.

"Cap de Llop, Cos de Serp" abre la Cara A con ocho minutos y pico de despliegue de una base rítmica pesada y Doom sobre un órgano tipo Hammond que junta el Psych con el Rock en Oposición. Las voces etéreas y cargadas de eco van llegando como transmisiones procedentes de un planeta lejano; es curioso pero flota algo en el ambiente que no sé si es la manera de abordar los teclados o el empleo de algunas escalas orientales de la guitarra que me trae a la cabeza tanto al rock progresivo andaluz (desde Triana a Viaje a 800) como a lo que se está haciendo en el norte tipo Moura. Un largo pasaje instrumental demuestra la impresionante calidad de Ulls que no decae un instante, con todo tipo de tonalidades que permean a Soft Machine con Univers Zero. Unas notas de bajo y las voces esta vez más cercanas al Rock Catalán Progresivo más Folk dan paso al fabuloso "Cripta Nau", con guitarra meditabunda minimalista y tempo sinusoidal, aunque no sé si es por la entonación que el corte va adquiriendo ciertas influencias de unos Magma no tan angulares y pasados de diazepam. 

El órgano, uno de los elementos principales aun estando en la retaguardia durante todo el tema, es el encargado de  dar paso a la nerviosa, esquizofréncia y potentísima "Clapits a L'alba" con estructura de himno que hunde raíces y vertebra al más puro estilo Biglietto per L´inferno. La guitarra, oscura pero que no suelta el tono casi circense, explota a la vez que vuelve a entrar las voces de Adriá esta vez en unas tesituras mucho más cerca del Traditional Doom, sobre todo en el impactante y casi monástico tramo final. 

La Cara B, de apertura pastoral con guitarra acústica sobre meloso fondo de teclados, son 15 minutos titulados "El Descens". Magnética y retorcida, va avanzando como un bloque de hielo derritiéndose en una rampa descendente en la que brilla una guitarra inquieta sobre telar oscuro y con reminiscencias al progresivo italiano más teatral y claustrofóbico sin olvidar esas esquinas oxidadas del Zeuhl francés a lo Weidorje o Zao. Sobre el minuto 4 hay un parón estratégico; aparecen atisbos de electrónica modular, acoples atonales y posterior arranque ominoso con todos esos efectos asfixiantes propios de olvidadas bandas como los citados Biglietto per L´inferno, Universal Totem Orchestra o los grandiosos Il Segno del Comando. A los más viejos se les pondrá una sonrisa en la cara con la incursión de Trillo en el submundo olvidado de la New Wave of British Heavy Metal que se va entrelazando con la potencia a la base rítmica propia de unos Reverend Bizarre. En definitiva, ULLS han creado otra obra maestra sin hacer ruido en las redes alimentando una leyenda que se cuenta de boca en boca y que no aparece en tus redes de postín. Olvida los nombres y etiquetas y hazme caso cuando digo que todo suena de una frescura que asusta.

Cripta Nau, un ácido y ácimo supositorio de hueso viajando a la deriva anti peristáltica del culo de Dios. Un Space Rock estilizado en las percusiones que zozobran allá por el minuto 12 y pico cuando la guitarra se engalana de Fuzz y Wah Wah. Cripta Nau.... IMPRESCINDIBLE.

https://ulls.bandcamp.com/album/cripta-nau

SPITTING TONGUE XIX: LA MASACRE - "AMUSIA" (LOS 80 PASAN FACTURA, 2021)

Amusia, nuevo disco de 2021 de los tremendos La Masacre desde Canarias. Os remito para poneros en contexto a la reseña de su anterior Acetona de 2018 y así no tengo que repetir demasiado aunque algún cambio de formación (no sé cual exactamente) creo que ha habido. El disco se vuelve a editar en Los 80 Pasan Factura en Jewel Case CD con libreto muy trabajado con cubiertas de papel cebolla. Se graba en Pnumbra excepto baterías (Guamasa Estudios) mientras que la mezcla y masterizado es en Pnumbra. El sonido ha girado un pelín hacia algo más metalero, con toques ocasionales a Sonic Youth pero manteniendo los dejes a Desechables y similares. Más maduros y con un acervo musical más amplio, los temas están más trabajados en lo instrumental (el bajo ha pasado a un primerísimo plano) y lo mejor de todo es que la energía permanece intacta.

Abre la declaración de intenciones cuasi Industrial de "¿Quién Eres?" con Déborah en estado de gracia. Distorsión y mala baba. Siguen los sincopados y angulares ritmos que pasan tanto por el Hardcore Punk (la voz cada vez más desgarrada y cercana a lo gutural) con ponzoñosos acoples de guitarra en "Monstruo" , "Lo Tienes Fuera"  e "Irreversible" (fabulosa la batería aquí) como al Post Punk de unos Killing Joke en la más estilizada / machacona "Sé" o en "La Fe" que adquiere una atmósfera muy claustrofóbica cargada de tintes obsesivos y siniestros o esos medios tiempos cargados de coros en "El Cielo Arder". La Masacre logra unir estilos ya transitados volcándolos en algo mucho más personal con letras imperativas, violentas en lo que sugieren, y declamadas con la fuerza de una cantante excepcional. 

Tras algún himno Hardcore Punk como "Haz lo que Quieras", o la más sencilla (casi Dark) "El Espejo" y "Cucarachas", se cierra el disco con la apocalíptica y demencial "Yodo", con cierto toque a la música oscura patria de los años 90 pero mezclada con eso que están haciendo actualmente a nivel electrónico los Dyatlov. Por cierto que no puedo quitarme de la cabeza la manera de deslizar los riffs que tenían Ktulu pero eso ya serán cosas mías.

Muy recomendado si te gustan estos estilos.

https://www.los80pasanfactura.com/store/p109/La_Masacre_%22Amusia%22.html

SPITTING TONGUE XVIII: LA MASACRE - "ACETONA" (LOS 80 PASAN FACTURA, 2018)

Punk, Rock, gotas de Metal y algo de energía eléctrica Noise. Déborah (voz) y Carlos (guitarra) dejan el proyecto conjunto que tenían con Silver y Pistol de los míticos Ataúd Vacante y Familia Real. La base rítmica sufre un revés tras doble recambio de formación y los que acaban asentándose son Keko (Diplomáticos del Sur, Venus en Surf) y Dani (Perro Cruz) siendo en este justo momento donde empiezan a llamarse LA MASACRE inspirándose en `Thrashin’ (La Masacre de L.A.)´ (1986) de David Winter. Por cierto, a los que seguís el blog, Débora y Carlos tocan también en DyatloV, de los que os he hablado hace no muy poco en Tenía la Virtud de no Existir por Completo e Invitados en Número Perturbador pero bueno, eso es otra historia. Sigamos.

Empiezan andadura musical con La Masacre (Autoedición, 2015) e Inarticulado (Autoedición, 2016) para volver a sufrir un cambio de formación (se va Dani y entra Tato de Guerrilla Urbana y Korrosión) y se van a grabar su nuevo disco Acetona en los Guamasa Estudios de Ayoze que es el álbum que yo os traigo hoy. Editado en Cd Jewel Case por Los 80 Pasan Factura, secta miasmática donde acaba todo el Punk insurrecto isleño, lo primero que destaca es un espectacular diseño retro con fotografías de una Promoción de Enfermeras (desconozco más datos) sobre fondos rojos. 

En lo musical es un álbum crudo, con trazas de Hardcore malsano como esa apertura vertiginosa de guitarras nerviosas de "Nunca Debo Estar", sugerente y con un ligero toque a unos DESECHABLES más girados hacia el metal (también en "Cortes"). Impresionante Déborah a los micros en la lánguidamente Punk Rock "Muñeca Sensorial" cuya base rítmica y estructura se va construyendo cada vez más pétrea para rozar lo Industrial (no en vano, colabora Fafe de Brutalizzed Kids y Ataúd Vacante). 

Letras espásticas, violentas y duras como en "El Perfume" (algunos tramos me recuerdan a la forma de desarrollar las melodías en el Post Punk, especialmente Killing Joke). Atisbos necroGrunge tipo L7 o Mudhoney para la pseudorapeada "Mierdas" o la flamígera y salvaje "La Bestia". Sigue la Hard Rockera crepuscular y desértica "Sissy Spacek" con algo de teratogénico en sus acoples fuzzeros y cierra el asunto "Elektra" con percusión tribal salvaje y ruidismo infecto contagioso. Mucho, mucho más que Punk.

https://www.los80pasanfactura.com/store/p73/Acetona_-_La_Masacre_.html