VOIDWARDS - "BAGULNIK" (AESTHETIC DEATH; ADCD 110, 2024)

Desde las profundidades de Moscú, debutan VOIDWARDS (por cierto, curioso que algunas partes de su sonido me traigan a la cabeza a los italianos Dolorian y su disco de culto Voidwards) con Bagulnik, una de las agrupaciones más oscuras del panorama Funeral Drone Doom en 40 densos minutos divididos en dos cortes que beben de ese pútreo caldo de cultivo de agrupaciones / proyectos a lo Crucial Blast tipo Gnaw Their Tongues, cositas como Theologian, Aghast, Skullflower o Ramleh por citar algunos nombres que me vienen de sopetón aunque puestos a afinar, por el contexto de la grabación (ahora daré detalles), no puedo olvidar uno Gulaggh de VORKUTA (Crucial Blast, 2012), uno de los discos más desasosegantes que he tenido ocasión de echarme a las orejas. Hay más, por supuesto.... esas letanías ultra densas, largas y procesionarias podrían recordar a HJARNIDAUDI (Pain:Noise:March de 2016) pero tampoco es cuestión de hacer aquí un catálogo de influencias.

Lejonis (voces, guitarra, sonidos y cello) juntoa Yury (guitarra de ocho cuerdas, fretless bass de seis cuerdas) graban en los Void Studio (Moscú). El masterizado es del grande Greg Chandler en sus Priory Recording Studios y la portada obra de Anna Bespalova. Fotos internas de la propia banda y layout de Stijn Van Cauter. La edición, digipack negro como la noche de los tiempos acompañado de libreto de 8 páginas cuidado con mimo por AESTHETIC DEATH. Por cierto, una búsqueda exhaustiva en las redes me ha llevado a un Ep previo llamado Amidst the Ocean of Fog (2022) con la misma formación aunque desconozco si el estilo era el mismo.

Bagulnik es conceptual y hace referencia a una serie de eventos ocurridos en una ciudad del norte de Rusia (imagino que Bagulnik) donde los habitantes se ven aquejados de insomnio, depresión y miedos que relacionan a una serie de pantanos de las afueras de la ciudad. En dichos pantanos crece el Ledum, planta de flores blancas que produce una neurotoxina que provoca psicosis y alteraciones neurológicas. Todo esto es recogido en el diario de Ivan Perfiliev, profesor del lugar que recoge todos estos eventos (inclusive autoagresiones tan viscerales como ciudadanos que se golpean la cabeza contra una pared para hacer desaparecer `voces´ intrusivas en sus mentes). El diario termina abruptamente con las palabras: `The May Fog is the Densest, it Callls me Forth´. 

Dicho diario es descubierto por Lejonis que usa fragmentos del diario para construir las letras de los dos temas que componen el álbum. Para más inri, la banda visita los pantanos en 2003 y fotografían el lugar (podeís ver dichas fotografías en glorioso blanco y negro dentro del libreto). Si con todo esto que parece el argumento de una película de `found footage´ no te atrae el disco, es que tienes el alma muerta. Lo primero a advertir es que esto es para gente que ame la mononolítica crudeza y extremismo del Funeral Doom de gente como Worship, Bunkur o los FinlanDIOSES Wormphlegm. 

Disonante, atonal, opresivo, disarmónico y lento, muy lento, son los 20 minutos de "Bagulnik I" que abren con una cortante muralla de guitarra eléctrica y una percusión tan antigua como la noche de los tiempos. Sonido sucio y múltiples capas de sonidos de difícil catalogación (me parecen escuchar campanas de iglesia) van rellenando un fondo que transcurre como el légamo putrefacto de una ciénaga. La voz, inhumana, alterna entre esos primeros cánticos decadentes del inicio (se va sumando el bajo a la base rítmica) y su posterior transformación en una fuerza gutural de la naturaleza. Si en vez de concentrarte en los instrumentos por separado, dejas que te arremeta toda la muralla, la sensación es muy decadente y depresiva girando el asunto hacia esa vertiente del Funeral Extremo Depresivo que bueno, tiene sus seguidores (entre ellos yo). 

Nada desdeñable es el uso de elementos propios del Dark Ambient, bien sea por los sonidos de campo o por el uso de cello que siempre aporta un toque a lo Música de Cámara o sinfonismo séptico que le va a la perfección a estos estilos. Posiblemente si ralentizas a Gnaw Their Tongues al ritmo casi de asistolia y lo mezclas con Skepticism, Evoken o una versión rural (nada de cosmicidad) de Esoteric te saldrá algo parecido. Lejos de lo que pueda parecer, la funeraria pátina de Drone tiene muchos cambios que son apreciables mejor con auriculares a modo de triposo viaje que recomiendo realizar a oscuras y alto volumen. Quien quiera ahondar un poco, os dejo un enlace a un concierto reciente aquí.

Sin solución de continuidad entran los otros 20 minutos de "Bagulnik II" que me retrotrae a ese pérfido minimalismo de The Black Void (Stijn Van Cauter) en aquella soterrada bestia de Desolate (2003). Acentuado el aire de amenaza, prosigue imperturbable con una guitarra que modula sincopadamente al son de una base rítmica reanimada en vida. Vuelve a entrar la voz desde el inframundo dentro de una maraña de asperezas, sonidos disonantes (esto es muy de Evoken) y una considerable claustrofobia que va acentuando poco a poco el ambiente apocalíptico y malsano. Se trata de un álbum `experiencial´ en el sentido de que las descripciones no hacen justicia.... tienes que enfrentarte al triposo viaje que te proponen. Tramo final donde es complejo distinguir si hay cánticos o bien son las vibraciones de una ciclópea campana aunque al fin y al cabo, da igual... el muro de guitarras te lleva de la mano hasta el centro mismo del pantano donde se capta esa decrépita luz de `cosa muerta que se pudre´ que habita en este tipo de lugares.

ULTRA RECOMENDADO PARA AMANTES DEL ESTILO.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6547

ISABELLE DUTHOIT & PROYECTO OCNOS - "CHILLAR TODO EL DÍA" (SENTENCIA RECORDS; SRCD24, 2024)

Áspero y brutalmente atonal es Chillar todo el Día de Isabelle Diuthoit & PROYECTO OCNOS, grabación / mezcla en directo el 5 de Noviembre de 2021 por Javi Mora (Espacio Turina, Sevilla) y que sale a la luz por Sentencia Records en formato digipack. Proyecto Ocnos, bajo diversas encarnaciones (aunque siempre pivotando alrededor de la primitiva molécula o prión de Gustavo A. Domínguez y Pedro Rojas), lleva ya un tiempo soterrando el subsuelo hispalense y creo que el texto de su página web es tan potente que es imposible que pueda eludir reproducirlo aquí:

`Ocnos, cuyo nombre utilizó Cernuda para su poemario sobre lugares de Sevilla, es un misterioso habitante del Hades que pasa la eternidad trenzando una cuerda de juncos que su asno devora en el acto. Símbolo de lo efímero, y de lo in-útil, la trenza de Ocnos establece una perfecta analogía con el arte, que no sirve a ningún propósito más que a sí mismo; y particularmente con la música que, como la cuerda, desaparece inmediatamente tras ser creada.´

En esta grabación, masterizada y engalanada por Borja Díaz y Gonzalo Santana respectivamente. Portada muy a lo Evan Parker del The Topography of the Lungs (1970) mezclada visualmente con cierta sutileza de cuando Zorn tenía mala baba (sus grabaciones en DIW o las primeras cositas en Tzadik). La ilustración escogida es el impresonante grabado `Muscles of the tongue, mouth and throat, with interconnections to the nose: three figures´ de A. Bell según G. Bidloo, 1798. La formación aquí es:

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Isabelle Duthoit, cantante
Alejandro Rojas Marcos, piano
Luz Prado, violín
Marco Serrato, contrabajo
Borja Díaz, batería
Pedro Rojas-Ogáyar, guitarra eléctrica
Gustavo A. Domínguez Ojalvo, clarinetes y concepto musical
Alfonso Camacho, audiovisuales
Ana Sánchez Acevedo, dramaturgia y escenografía

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Presentar a cada músico sería tedioso, además de que much@s ya han recorrido las páginas de este blog en reseñas de conciertos o discos (desde Luz Prado a los combos jazzísticos de Borja, Serrato y Gustavo). Sí que me gustaría hacer hincapié en la excelente labor de Isabelle Duthoit, también clarinetista, y que ha colaborado con vocalista y clarinetista francesa que ha colaborado con artistas tan insignes como Joelle Leandre, Marilyn Crispell, Ingebrigt Håker Flaten, Paal Nilssen-Love, Matija Schellander o Tom Hodgkinson. 

Chillar Todo el Día es una obra experimental basada en un cuento de Kafka (los detalles de la trama y sus implicaciones en la música os la dejo para vuestras investigaciones) y que a nivel sonoro yo capto diversas partes bastante diferenciadas y que beben de distintas fuentes estilísticas casi todas ellas del Free o la Impro Europeas. Así pues, esta poliédrica incursión en forma de suite viene a ser una especie de reverso tenebroso entre las composiciones de Carla Bley (Escalator Over the Hill por ejemplo), las obras más crípticas del primer Free Jazz europeo de Keith Tippett con su bestialidad irrepetible de la CENTIPEDE BAND (Septober Energy, 1971), pero todo más enfocado a la Impro pura y dura de silencios casi perpetuos de unos AMM o Spontaneous Music Ensemble (por supuesto, siempre guardando las distancias con los nombres casi míticos que estoy soltando aquí). Dicho de otra manera, la electroacústica (Cage o Riley) juega al parchís con la garra de juventud de Evan Parker, Guy o Lytton y haciendo diversas incursiones melódicas en aquel Free Jazz Británico primigenio donde todavía no se había perdido totalmente el fraseo melódico. 

Claro, luego tienes una bestia de la naturaleza que es la base rítmica Serrato-Díaz o esa impresionante cascada de clústers de piano de Rojas Marcos que tiene la fuerza de Cecil Taylor en sus mejores conciertos. Cuando pones todos estos elementos en la batidora, lo que obtienes es una trama pautada de corte insano (la voz gutural de Isabelle es apabullante), clímax atronadores que rescatan lo mejor de Hidden Forces Trio y en definitiva, una obra con una personalidad propia que no se asusta nunca de pasar de la Concrete Music a las disonancias puras y duras. Evidentemente, sobre la parte dramatúrgica y el diseño del set de Ana Sánchez Acevedo no puedo opinar más que por las fotografías que he visto que apuntan a que fue un evento trabajado hasta el último detalle.

Un excepcional gruñido hace de `fade in´ para empezar la fiesta con "Obertura". Minimalistas ejercicios donde destaca un piano nervioso que interactúa con todos los instrumentos (micro notas asordinadas del clarinete, los platillos de la batería o los tonos grávidos Noir del bajo). La voz de Isabelle se animaliza (pasa del rango de lo grave a lo agudo de forma casi imperceptible y vibrando en la misma longitud de onda que el clarinete) a la par que la Arkestra se va contorsionando sobre sí misma en ejercicios abruptos de todos los instrumentos. "La Quietud" es minimalismo basado sobre todo en la base rítmica y algunas regurgitaciones del clarinete en tonalidades muy bajas, cosa que se vuelve a repetir más adelante en el largo "Me Burlo de Vuestra Protección". Imposible no acordarse de la Spontaneous Music Ensemble.

La Música Contemporánea hace acto de presencia con las cuerdas golpeadas (no sé si de guitarra) y sonidos muy difíciles de localizar (cuesta saber si es una cuerda destensada del violín, de la guitarra o un objeto golpeando el contrabajo) pero que exuda en conjunto teatralidad y si bien no se llega al rock en ningún momento, no es baladí citar a Art Bears o Henry Cow, a cositas de Dagmar Krause y vaya usted a saber si hasta de Julie Tippets. Estamos en "Nuestra Raza no Aprecia la Música". Cuando se alcanza tal nivel de disonancia el espacio / tiempo se deforma y se entra en un trance del que nos saca Serrato allá por el minuto 2 de "En Medio del Sueño" con un maltrato evidente de las cuerdas del contrabajo (elongaciones, bondage y rasgueos con arco). La segunda parte del corte donde se suman todos los instrumentos como una muralla es de una sobria intensidad que roza el Doom jazz (si alguien sabe lo que es ese género) al margen del cariz `gutural´ que aporta la voz de Isabelle.

De mis temas favoritos "Concerto Grosso" donde se eleva el asunto a máximas cotas de intensidad. Un puño americano de ImproJazz de corto minutaje que engarza con la pieza "Interludio" de cariz mucho más Jazzístico. El triple juego de cuerdas (contrabajo, guitarra y violín) es la TTT o Trinidad de Torturas Timpánicas (se rozan, se autoagreden, copulan, rompen y reconstruyen una y otra vez en los 60 minutos del disco). Sigue "Nuestra Vida es Dura" con un ejercicio circular de Gustavo al clarinete que me trae mucho a la cabeza (cambiando a trompeta) al Don Cherry de finales de los 60. Por cierto, me encanta el sincopado ritmo de la guitarra eléctrica de Pedro Rojas, la profusión de recursos percusivos de Borja Díaz y los asfixiantes jadeos de la voz... todo dirigido a un decrescendo cinematográfico alucinante.

"¿No será un simple chillido?" juega con una oscurísima atmósfera de glosolalias abotargadas y circulares clústeres de guitarra y violín. Soberbia la explosión y giro hacia ese Free doom de agrupaciones como Dead Neanderthals. Tras la mentada arriba "Me Burlo de Vuestra Protección", toda una sábana de Jazz benzodiacepínico que va subiendo peldaños en sus últimos minutos conforme el sopor es revertido como los antídotos de los relajantes neuromusculares hasta que se desemboca en "Su Último Chillido"... diez minutos donde se destila más de todo lo anterior y se finiquita con la bienllamada "Finale".

En resumidas cuentas, un DISCAZO IMPRESCINDIBLE si te gustan estos estilos.

https://sentenciarecords.bandcamp.com/album/chillar-todo-el-d-a

EDU COMELLES / SERGI PALAU - "ABOUT BERLANGA" (OIGOVISIONES LABEL OV-28, 2024)

Edu Comelles (música) y Sergi Palau (visuales) son artistas quintareferenciales (tanto, que no voy a biografiarlos sino enlazaros a las líneas vitales de sus págines web) que unen fuerzas en este atonal, poliédrico planeo bicromático homenaje al gran Berlanga en la que se me antoja una de las mejores ediciones del sello OIGOVISIONES LABEL hasta la fecha. ABOUT BERLANGA, que así se llama la edición, es una suerte de banda sonora `audiovisual´cuidadísima hasta en el más mínimo detalle artesanal que a la sazón es: 

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una 4Gb SD Card (Lossless & HiQ Mp3/Live Av FullHD), con portada impresa en papel de 250gr (Materica Clay cardboard) que sustenta un insert en papel de 180gr (Materica Limestone), además de 4 preciosos fotogramas en 180gr (Materica Limestone). Todo recubierto con su funda protectora de plástico y sellado con la pegatina con el logo del sello.  

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¿Qué es lo primero que hago? Pues como ya me vais conociendo, pues quemo la música a un cd-r y lo meto dentro para tener acceso rápido y directo a los maravillosos 33 minutos que pasaremos a describir a continuación aunque he de advertir que la experiencia es audiovisual y para ello se incluye un vídeo del Festival Volumens (La Mutant, Valencia, 2022) que es de OBLIGADO VISIONADO.

Intentar abarcar todos los detalles técnicos de semejante proyecto sería tedioso, así que resumo con varias pinceladas: idea original de Antonio J. Albertos, grabación del vídeo y edición por TV2Beat / Sergi Palau, diseño de F.Ba y masterización de Rubén Suárez. El resto sería casi la lista de los créditos finales de Superman. No me gusta hacer corta y pega, pero los artistas definen a la perfección su trabajo:

`About Berlanga es un proyecto audiovisual en clave digital y contemporánea. que toma como punto de partida el universo cinematográfico de Berlanga y sus bandas sonoras. para construir una paisaje sonoro y visual crítico sobre la nostalgia, la memoria colectiva y el recuerdo. 

La pieza toma como punto de partida tres de las más icónicas bandas sonoras de Miguel Asins Arbó· Plácido, El Verdugo y Bienvenido Mr Marshall para hacer una relectura de las mismas a través de su deconstrucción musical y procesado electrónico. El conjunto presenta un paisaje sonoro en el que el ruido de cintas magnetofónicas y altavoces antiguos dialoga con ensof1aciones musicales que disparan la memoria y el recuerdo de unas melodías que, más que bandas sonoras. forman ya parte de un imaginario cultural común. 

Desde lo visual Sergi Palau despliega su imaginario seleccionando imágenes y secuencias de las mismas tres obras que, aún procesadas digitalmente. buscan crear una nueva narrativa sin separarse del mensaje social desprendido de ellas y que conjuntamente con la pieza musical, trasladan el universo Berlanga hacia una nueva y poética dimensión.´

Esto resume bastante la parte sonora y visual, pero lo que le da empaque contextual y cuerpo es la descripción casi atávica que hacen de ese hilo umbilical que une generaciones, sensaciones, vivencias, olores y nostalgias hasta el punto de que la reflexión filosófica hace acto de presencia enclavando About Berlanga en un determinado momento de nuestra historia:

`Es un viaje de ida y vuelta persiguiendo un imaginario sonoro y visual de una época pasada, donde la sátira era el instrumento para combatir la censura del régimen de Franco y dibujar una crítica feroz a un sistema atroz y perverso. Desde la óptica y escucha actuales. con la retromanía y el culto a la nostalgia es fácil que proyectos como este acaben en este cajón desastre revisionista. Sin embargo aquí, About Berlanga busca una lectura crítica sobre cierta nostalgia, especialmente cuando en el momento actual resulta tan vigente como hace 60 anos. ¿Qué ha pasado desde entonces? ¿Cómo sigue vigente una sátira y su discurso político en la actualidad? 

¿Por qué seguimos combatiendo la misma sinrazón, intolerancia y desigualdad? About Berlanga no quiere buscar respuestas, quizás plantearnos la forma en como alimentamos la nostalgia y como esta a veces no es neutra.´

Aunque voy a describir los patrones sonoros (como los sastres, con sus costuras inclusive) de Comelles, es ineludible visionar el procesado de imágenes de Palau y de cómo todo fluye en un orgánico carrusel de blancos y negros. La experiencia total es audiovisual y el punto exacto de cosmicidad se alcanza evidentemente con la todopoderosa presencia bioespectral de Pepe Isbert haciendo de Guardián del Inframundo de las Artes; o más bien de nexo de unión entre el sonido (su voz) y la imagen (su fisonomía trascendente). Y perdonad que insista en Isbert porque es algo casi Atávico y Arquetípico lo que se invoca desde las mentes creativas de Comelles-Palau. Más que un homenaje, es un estudio social de toda una épica a través del sonido y la imagen.... y creedme que eso es complicado de realizar y que llegue a tocar la fibra sensible tanto como me la ha tocado.

Decía Jacques Derrida que la Hauntología es el carácter espectral de ideologías del pasado cuya ambigüedad ontológica ronda de manera persistente en el presente bajo la forma de los fantasmas intangibles del mundo contemporáneo. Lo hauntológico bebe de lo fantasmagórico y está ineludiblemente unido al marxismo, pero como todos estos conceptos acaban abarcando un campo de estudio más amplio que en About Berlanga que puedo resumir diciendo que es un choque frontal de trenes desbocados... uno que va por un raíl desde el pasado, otro que transcurre por el presente. ¿Problema? pues que se trata del mismo tren. "Plcd" abre con multitud de glitches y motivos acampanados que se encorsetan en disruptivos tonos que parecen proceder del mismo éter donde copulan las ondas radiadas. Un minimalismo electrónico exquisito muy sosegado y meditativo, a ratos hipnótico y curiosamente aun viniendo del pasado para transmutarse en el presente, posee cualidades del futuro.

Ese lento discurrir de cintas magnetofónicas, de surcos erosionados y cierto aire a Alan Splet en sus originarios proyectos en Eraserhead. Mientras escucho la música medito en intentar descomponer en moléculas la cara de Jose Luis López Vazquez pero tras hacerlo, descubro que detrás habita el abismo y me entra la congoja así que vuelvo a mi zona de comfort. Fabuloso cómo el corte se vuelve melódico con el empleo de teclados litúrgicos espaciados en el tiempo y la sensación de que me están amortajando con algodón impregnado en colonias viejas que ya no se fabrican. Magnífico el giro que toma la música sobre el minuto 7 recreando una suerte de `nana espectral´ que pone los vellos de punta. 

Crepitantes puertas y pasos en "Vrdg" se abren a espaciadas y letárgicas notas pellizcadas, vaivenes pulsátiles cuasi vibrafónicos crean una bella trama electroacústica que bien podría representar la caleidoscópica mente del Verdugo tras sumirse en litros de alcohol esperando que pase la aciaga noche en la que tendrá que desmotar las herramientas de su maletín... como igualmente pueden reflejar esos instantes de belleza pre mortem del que se sabe ajusticiado en los primeros albores de la mañana. Magnífica la habilidad constructiva de Comelles creando capas y subcapas. Pero insisto que esto sólo es la mitad de la experiencia porque Palau despliega toda una vorágine de efectos visuales aplicados a unas ya de por sí icónicas imágenes. El tema que cierra el álbum, "MrMrshll", es una delicia de guitarra procesada y drones loopeados mediante magnetófonos que con las alteraciones en cascada de los fotogramas alteran los estados de consciencia (os invito a que al menos veáis el teaser). 

Desconozco el grueso de recursos que se han empleado, pero entre la guitarra acústica y la electrónica de fondo, mi cabeza porosa me retrotrae al primer Florian Fricke y sus Popol Vuh... a la Kosmische pastoral y Khrisna Von Goloka. No voy a añadir mucho más de lo que se me antoja una referencia (limitada a 50 copias) de adquisición OBLIGADA; una experiencia ciertamente lisérgica (curioso porque los colores predominantes siempre son el blanco y negro) y que induce a un trance nostálgico, meditabundo y con olor a naftalina.

https://oigovisioneslabel.com/tienda/ov%c2%b728-edu-comelles-sergi-palau-about-berlanga

https://oigovisioneslabel.bandcamp.com/album/about-berlanga

JAVIER ARNAL - "BARAÚNDA" (WD RECORDS; WDR015, 2024)

Si me llegan a decir hace unos años de Javier Arnal iba a desestructurar molecularmente su música desértica y crepuscular en necro industriales Bosones de Higgs ruidistas pues posiblemente hubiera pellizcado mi pezón izquierdo hasta necrosarlo. La cosa no queda ahí porque el sello detrás de algo así es WDRECORDS que lo capitanea Josep Maria Soler (aka Stahlfabrik) que pocas presentaciones necesita. Leyenda de underground que poco voy yo aquí a aportar que no hicieran mil veces mejor desde la Revista Procedimentum donde se abre en cuerpo, alma, espíritu y ano (enlace aquí). Baraúnda, que así se llama el disco, se edita en formato digifile limiatdo a 100 copias que masteriza Dal Verme (otro que da para artículo) tras la grabación / mezcla del propio Arnal. Del trabajo gráfico se encargan Alicia Salvador junto al propio Soler.

Dice Arnal (o alguien) de Baraúnda que `es un intento de desmontar el orden sonoro de algunas de mis composiciones anteriores llevándolas a su descomposición orgánica donde apisona el retumbo de dulces melodías´... cosa que yo no comparto y que prefiero reestructurar como que `es un orden sonoro de algunos de mis intentos de composiciones apisonadas llevándolas a su descomposición de dulces melodías orgánicas en retumbe´. Puede parecer similar, pero si lo meditas, verás que no y que entre palabra y palabra se abre todo un universo de posibilidades... y es que no es lo mismo eyacular fuera de un cactus que dentro del mismo.

La preciosa palabra Baraúnda hace referencia al desorden, al ruido y al tumulto, y esas tres posibilidades estructurales son las que se han usado para descomponer material de temas previos de melódica pólvora en arrope (aunque se grabe en directo en LA CASITA ROSA ESTUDIO) como Canciones Defectuosas, Tus Besos, El Impostor o The Liars en una pegadiza pátina mortuoria de abyecta electroforesis musical... algo así como echarle el aliento a un espejo y oler a muerto porque estás muerto, no porque tengas halitosis. Ignoro cómo ha sido el proceso de mezcla pero conociendo a Javier de habérmelo follado literariamente, posiblemente ha metido cada uno de sus discos en un hueco de un revólver y girado el tambor hasta poner la música a punto de clara de huevo. El resultado funciona... y no sólo es que funcione, sino que es de una calidad que quita el hipo. Poneros vuestro traje de psiconautas que nos vamos a adentrar dentro del propio Javier.... me da igual si entras por la boca o por el culo, pero nos vemos en el centro del corazón (Anahata Chakra de color verde cadáver).

El disco se abre con "Baraúnda Prólogo", planeadora melodía de guitarra ultra procesada donde yacen incrustadas las voces tipo Spoken Word de Javier. Todo muy mistérico y dental (la voz enterrada como una muela infectada rodeada de su gordo flemón), sibilante y sibilino creando atmósfera introductoria con la que dar paso a "Baraúnda Primera", a la sazón siete minutos de Dark Ambient que como sanitario me suena a la válvula espiratoria del Ventilador Mecánico (o Pulmón de Acero) que Asiste a Dios Todopoderoso. Cósmico sin llegar a Kosmische, Industrial sin abrazar el ruidismo pero lo suficientemente metálico para que necesites de vacuna ótica. Vaporosas olas con elementos disruptivos campaniformes, glitches y chirridos (cuesta a veces reconocer la procedencia del sonido) y un perfecto giro hacia el oscurantismo abisal y claustrofóbico. Flipante la profusión de capas in crescendo que hace que el conjunto (con sus deformadas voces de fondo) suene a una especie de Cuarto Mundo de John Hassell pero que hubiera sido compuesto desde cualquier apócrifo hospital psiquiátrico. Capto vientos asordinados y olor metálico (sangre).

Sigue "Baraúnda Segunda" que recuerda bastante a los experimentos de Miguel A. Ruiz en cualquiera de sus facetas o las descomposiciones sonoras de Quiroga en los excelsos canarios DUE... pero esto es sólo al principio porque luego la guitarra de Javier va desplazando todo lo anterior dando al conjunto (ahora sí) todo el empaque planeador de la Kosmische (o al menos así lo escucho yo). Para los puristas, quizás mejor emplear la electrónica francesa de Michel Magne o Patrick Vian, cosas que me permito soltar aquí sin tapujos porque tampoco le debo nada a nadie. El que escucha es un escuchador. 

Sigue la más electroacústica, acuosa y humectante "Baraúnda Tercera", suerte de himno obsesivo que sigue la misma estructura que la anterior. Tras la intro, vuelve a hacer acto de presencia la guitarra procesadísima pero esta vez empapándose totalmente de todo lo que la rodea, e igualmente recordándome a la más oscurantista escena Kraut pastoral como primeros Popol Vuh o la versión batrácica de Witthüser & Westrupp. No soy Pauline Oliveros pero me puedo permitir darte un consejo / guía de escucha: olvídate de todos los elementos y céntrate en la sutil mini melodía de fondo que son tres notas que se repiten `ad nauseam´. Cuando te quieras dar cuenta, estás volando.

A partir de aquí se suceden 20 minutazos repartidos entre "Baraúnda Cuarta" y "Baraúnda Quinta" en las que Arnal da rienda suelta a toda una serie de recursos experimentales; el primero con deformación litúrgica de la voz, guitarrazos cercanos al Drone doom en una estructura procesionaria metalera cuasi homiliesca y quizás, de todo el disco, la parte más hipnótica, minimalista y jodidamente repetitiva. Prefiero explicar poco y que subas el volumen. El otro, letanía apocalíptica radiada desde una estación de radio ilegal de una secta destructiva... la versión onírica (reverso tenebroso) del disco de los Niños de Dios que siempre quisiste tener y que suena industriosamente industrial.

Realmente, no entiendo como propuestas de esta calidad no revientan los circuitos periodísticos. Quedan "Baraúnda Sexta" y "Baraúnda Fin" que te las dejo a tí, querid@ oyente.

Ultrarecomendado:

https://javierarnal.bandcamp.com/album/bara-nda

https://wdrecords.com/baraunda/

UNTIL DEATH OVERTAKES ME - "DIAGENESIS" (AESTHETIC DEATH; ADCD107, 2024)

`Bereavement ravages the mind, and time promises to blunt its strength. A pale wasteland may recover one day, but the guilt that comes with fading memories takes root instead. And here, time only strengthens it. As clear images become abstract dreams, guilt bears down with its growing, crippling mass.The only ones to understand, who could ever forgive, have already gone ahead, and are those same ones fading out of view.

And when they're truly gone, only death may forgive.´

   (new Van Cauter)                                               (old Van Cauter)

Aunque he citado muchísimas veces al belga Sjin Van Cauter en este blog como influencia de otros discos y artistas, es la primera vez que reseño un álbum suyo, y eso que parece que fue ayer cuando mediante catálogos en papel conseguí mi copia del flamante Prelude To Monolith (Firebox, 2003) y pasaron algunos añitos hasta que otra edición física cayó en mis manos: Days Without Hope (Marche Funebre Productions, 2009). Entre medias conseguí un buen puñado de material descargado de la por entonces ineludible Doom Metal.Com donde iban cayendo inexorablemente sus primeros Absence of Life (2001) y Deep Dark Red (2001), que si mal no recuerdo se editaban físico por el sello The Nulll Records del propio artista que entre unas cosas y otras lleva en activo desde más o menos 1999. 

La formación inicial de UDOM incluía a Pamela Durrell (flauta), Elke de Smeldt (guitarra acústica y teclados) y Jo Rennette (guitarra, bajo y teclados) aunque ignoro si existe algo grabado bajo esta formación y las razones por las que se transforma en un proyecto en solitario; lo que sí se es que todo data del periodo comprendido entre 1997 y 1999 donde se hacían llamar MACABRE DESTINY y se coqueteaba con el Folk. La siguiente fotografía que dejo me indica dos cosas... una, que tocaban en directo y la segunda, que efectivamente había flauta:

Lo cierto es que gracias a Stjin y su música me adentré en el Funeral Doom de corte Extremo / Ambient que se extendía además a sus otros proyectos en solitario como Beyond Black Void y The Ethereal (ambos en físico por Marche Funebre), The Sad Sun o vueltas de tuerca ultra retorcidas hacia el Noise o Drone como Fall of the Grey-Winged One, Cold Aeon, Dreams of Dying Stars, I Dream No More... y muchos más. Luego estaba su participación en bandas como los ultrapoliédricos The Nulll Collective, In Somnis, Solicide (llevo buscando su disco en físico una eternidad) o aquel impresionante debut de Wijlen Wij. Tras toda aquella vorágine de primeros del 2000 hasta 2009 o así la producción era impresionante, hasta que vino el silencio y su posterior vuelta la escena con Until Death Overtakes Me con una serie de discos editados por la discográfica italiana Dusktone (AnteMortem y Missing, 2016 y 2018 respectivamente).

Precisamente Wijlen Wij, The Nulll Collective y los espaciales Arcane Voidsplitter son los tres proyectos que acaban editando con el insigne sello AESTHETIC DEATH, además de cerrarse (o abrirse) de alguna manera el círculo (Van Cauter es asiduo colaborador del sello inglés sobre todo en el apartado gráfico y de layout) con este nuevo Diagenesis de UNTIL DEATH OVERTAKES ME que sale en formato Digipack a 6 paneles con el siempre reconocible estilo espacial de artwork de Stijn. El término diagenesis proviene del griego y hace referencia al término geológico de formación de una roca sedimentaria así que imagino que a nivel abstracto conectará con la psique como así atestiguan las letras siempre minimalistas que siempre me han recordado a una especie de vuelta de tuerca (fúnebre) de los Haikus Japoneses. Cuatro temas en 60 minutos sólo apto para iniciados en ese pétreo, monolítico, apelmazado y ultra lento devenir de la música de Stjin.

"Ascension" recupera los efluvios ambientales y sinfónicos de sus primeros discos con una apertura clásica en la que está siempre omnipresente un teclado que te subyugando, una percusión mínima y voz ultragrave al más puro estilo Skepticism. Basado en un tempo tan lento como el devenir de un Kali Yuga, la guitarra plúmbea y ultradistorsionada se acompasa a los platillos de la batería para crear un efeccto irreal / onírico que se acentúa con esas letras ultracósmicas marca de la casa: `I have begun... my eternal sleep / my mind has... been made undone / the self shattered... freely surrendered / to persist only... within memories / and so i may enter... a new existence / one where i am... made of dreams´. Pasajes instrumentales donde se acentúa ese decrépito y necrosado Ambient que contrasta con unas guitarras tan extremas que dan la sensación de ser estallidos de electricidad en el silencio del Cosmos;  puro y genuino Funeral Doom meditativo que induce al trance y que recomiendo escuchar con auriculares a altas horas de la madrugada.

Siguen los 16 minutos de "End's Lure" con unos fabulosos teclados orquestales de cuerdas y ecos al romanticismo de Chopin. La brusca entrada de la guitarra es casi un cañón (la forma insana de tocar la guitarra ha permanecido incólume en cerca de 25 años) y esa percusión bombástica con tambores que imprima al conjunto de un aroma épico decadente. Un cruce entre Skepticism y sus monásticas capas de teclados y los Elend más ambientales. Al igual que su música que tiende a disolverse en el éter espacial, las letras adquieren connotaciones de un pesimismo existencialista considerable: `a return to before / a return to nothing / and all pain will be forgotten / all pain forgotten´. Mi mejor consejo, dejarte llevar...

"White Light" es todo un monolito fúnebre que me recuerda nuevamente a Wijlen Wij. Todos los instrumentos unidos en un hilo umbilical que adquiere cotas mayestáticas con un giro más inmediato que en los anteriores temas. Cuando entra la voz, es otro elemento más en ese imperturbable flujo espacial que se refleja otra vez en las letras y su tono circular, hipnótico, devocional y cíclico:

`tonight we'll dream of the dead stars from where we came

and in dead stars, fragments of us will meet again - again - we must

tonight we'll dream of the dead stars which we will be

tonight we'll dream of the black voids which will take us away

and in time of dead stars, the whole of us undone - undone - undone´

Es impresionante cómo de adictivo suena UDOM a pesar de no variar prácticamente la propuesta en dos décadas. A nivel sonoro, el equivalente al movimiento de los planetas con su magnificencia y letárgica lentitud procesionaria. Diagenesis se cierra recuperando el corte instrumental "For" que si mal no recuerdo es de 2009, año en que se editó en single aunque su versión primitiva es más antigua. Puro y genuino Ambient Funeral Doom que o lo amas o lo odias... no creo que haya medias tintas.

Está claro a estas alturas que yo lo amo.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6545

https://udom.bandcamp.com/

AMSIA - "ESTRATEGIAS PARA EL BAILE" (DISCORDIAN RECORDS, 2024)

Hace tres años que os traje por aquí  KUKUHERRI, editado por Zona Watusa en 2021 y que fuera uno de mis primeros contactos con el trabajo de AMSIA, al que siguiera el excelente Street of Crocodiles (2023). Estrategias para el Baile, que así se llama su nuevo álbum, es otro impresionante collage sonoro donde se usan montañas de Midis, sonidos de librerías, (osteo)síntesis modular, glitches y un sin fín más de trucos electrónicos; para no repetirme, os remito a ambos textos donde incluso encontraréis una entrevista. Volviendo al tema, su nuevo disco es editado en Discordian Records en formato digital y luego el propio artista saca en tirada ultralimitada en formato CD diy, la grabación es en Azkoitia y la masterización obra de Estanis Elorza (Doctor Master). Artwork y diseño es de PRCT y el diseño de la contraportada de Aorita. Nada más pulsamos play te viene un bofetón de texturas que han sido pergeñadas mediante:

Eurorack modular synthesizer, turntables and various sound modules and samplers (Clavia Nord Micromodular, Ketron SD2, Yamaha QY70, Korg M1r, Korg MS2000r, Kurzweil Micro Ensemble, E-MU Orbit3, E-MU Morpheus, E-MU Carnaval, E-MU Planet Phatt, E-MU Proteus 2000, E-MU 5000 Ultra, E-MU Esi4000, AKAI Z8, AKAI S1000, AKAI S5000, AKAI MPC1000, Roland JV-1010, Roland JV-1080, Roland Fantom XR, Roland M-OC1, Roland VariOS, Roland SRV-3030, Alesis MIDIVERB II, Elektron Analog RYTM, Kawai K4r, Kawai K5m, Pioneer EFX 500).

Dicho lo cual, nos adentramos en los 11 minutos del homónimo "Estrategias para el Baile" donde la Electrónica y el Jazz juguetean en mini ecosistemas cortos al estilo de la Toy Music de John Zorn o algunos experimentos de Jad Fair. Es tan densa la maraña de sonidos que la estructura / vértebra misma parece beber de la Impro y el Free, aun teniendo todo ese andamiaje electrónico detrás. Imposible no acordarse de una versión menos rockera de los CASSIBER con sus corta y pega de cintas magnetofónicas y un cierto aire selvático-cibernético que planea por ese Cuarto Mundo de Hassell o los retablos Ambient de Brian Eno. La angularidad es tan extrema que se deforma el sonido hasta producir momentos que a priori pudieran parecer errores acaban conformando todo un bastión de Avantgarde Jazz electrocontacioso y brutalmente experimental que roza el Noise en momentos puntuales. Si el Jazz fuera un ente antropomorfo esto sería el equivalente a la descomposición del cuerpo (ElectroJazzRot).

A un pasito de la Electroacústica y la Clásica Moderna con la breve pieza de cuerdas poliédricas "Matando al Minotauro", que contrasta con la muy enrevesada "Laboratorio de Tizas", dadaísta (des)composición donde los vientos y efectos procesados desafían al oyente hasta dejarlo totalmente exhausto y es que Estrategias para el Baile es muchísimo más enrevesado que Street of Crocodiles, al menos en mi opinión. Es apabullante cómo Amsia juega con los recursos propios del Free y los trasloca a la electrónica y me explico... "Nocturna Discordia" y sus sincopados cambios, giros y derrapes están pasados por una sordina parecida a la que se usa con los instrumentos de viento dando al conjunto final un tono retrofuturista Noir y cuasi Ciberpunk que finiquitan una primera parte del álbum bastante salvaje en lo sonoro.

"El Impulso Heroico y la Dimensión Insondable" es extenso (13 minutos) y juega en tempos más lentos, bombásticos y de cariz épico (algo así como la banda sonora de un Peplum hispanoitaliano experimental apócrifo). Percusiones Gamelan se mezclan con sinfonismo de ferretería, golpes histriónicos de superficies metálicas, bamboleos ululantes, glitches, harsh noise autolimitado y ráfagas de vientos en un score mistérico muy cinematográfico, plagado de funambulismo electroacústico y todo eso que responde al nombre genérico de SoundArt. Es tan amplio el espectro / abanico de sonidos entrelazados que desentrañarlos es el equivalente a despellejar en vida a un ser humano. Cuesta dentro de semejante abstracción hablar de crescendos porque la sensación es la de una película que se te está contando no de forma lineal, sino como si todos los fotogramas fueran una línea horizontal que pudiera abarcarse con la vista y transcurrieran en el mismo momento. 

Sigue "Tokiorainbowpikachucorporation", punkarra efervescencia de neón con muchas percusiones y ritmos que se cortan tan abruptamente como el tajo de un cútter, hasta que todo se va desvaneciendo hacia la oscura sala de interrogatorios de una cárcel de Pikachus convictos que son torturados mediante el suplicio de no ser capaces nunca de terminar una melodía (por lo visto, eso mata a los Pikachus). Mismo estilo pero más cool (jazz incluso) es "Inork Ezaitu Horrela Ikushi Nahi" que vuela hacia un cruce entre Naked City y los discos más australes de Ikue Mori que además se permite un fade out luminiscente, melódico y cercano a la New Age.

Fulmina el disco la muy oscura "Malakula Chief Nakamal", con apertura inusual de Dark Ambient y algo de lisergia espacial necrosada. Me encanta esta faceta `lenta´ que permite pasear entre densas columnas sonoras y admirar todo un paisaje de catedrales construídas con potenciómetros, leds y ristras interminables de librerías sonoras. Es el nuevo Golem que haría palidecer a Meyrink y donde Amsia ejerce de Cabalista Sonoro que cambia la arcilla por ondas sinusoidales que perfilan submundos y otredades cósmicas, singularidades insospechadas y un pulsátil drone adimensional tan ciclópeo como la misma Polinesia. Muy recomendable el tema escondido.... toda una rendición a la Kosmische.

https://discordianrecords.bandcamp.com/album/estrategias-para-el-baile

Para copia física, escribir al artista a sus redes sociales.

TÉTANO-CUTANÉ / EN FER - "SPLIT" (AUTOEDICIÓN, 2024)

Hay círculos que precisan cerrarse y dentaduras melladas que precisan adecentarse así que en toda su gloria espacial, os traigo la reseña del Split de los Canadienses EN FER con TÈTANO-CUTANÉ también de Montreal (Quebec). Bien.... la cosa es que quien suela salir a orinar al espacio sabrá que por aquí ya os traje reseñas de su excelente debut autoeditado Gros Rock (2023), al que siguieran los brutales La Collision (2024) y el compartido junto a DISEMSEMBLE (2024). Todo ello un aliño en salmuera ácima de Space Rock y Noise Lo fi equivalente a darle forma redondeada a un detritus espacial con los empastes de amalgama de mercurio que ponían en los dientes en mi infancia. ¿Por qué se graba este Split?.... pues Martin Sasseville lo explica a la perfección:

`We discussed with Tétano-Cutané’s Vincent Latulippe to do a split with us a while ago. We are big fans of his works and he is a very friendly person we love to work with. It took a while for many reasons, nearly a year since the initial release planned date, but here it is.

The main thing that we love in Vincent’s works is that he is a true pure musical artist with a very creative attitude. Sounds cliché, but you don’t get across that kind of person often, we can name just a few. He builds his own guitars, hack the other instruments at his own will, record most of his stuff, do all the arts, self-release most of his stuff, often plays live alone (though, sometimes accompanied by a drummer sometimes), etc. A total DIY artist´.

Pues dicho y hecho. Dos temas de 10 minutos, uno por cada cara de la cassette que esta vez el artwork alía tanto a Martin Sasseville haciendo el collage habitual en sus ediciones como al propio Latulippe pintando encima de dichos collages. La Cara A es para EN FER que vuelven a ser Alex Pelchat, Michel Meunier, Charly Buss, Reüel Ordoñez (encargado también de grabación / mezcla en Studio SYP, Montréal) y Martin Sasseville. "Riviere A" es un tema bastante sutil, y calmado comparado con otras erupciones previas que os he traído de ellos anteriormente que pertenece a las sesiones descartadas de Gros Rock cuando se estaba gestando en 2022. Cadencia mediúmnica con teclados y efectos vibrando en la misma longitud de onda que una shruti box, acoples drónicos y wah wah eterno sobre base rítmica opiácea son los ingredientes sobre los que se construye ese Space Rock sucio y cuasi atonal que tanto me gusta. La sensación no es de despegue sino de mantenimiento de la estabilidad aunque sí que hay peligro de perder los remaches de la nave con esos apelmazados riffs de guitarra que aquí EN FER han decidido sumergir en un tempo lento y cuasi Doom sobre todo en una parte central que se aboca lenta pero inexorablemente a una taimada pero efectiva, psicodélica y necrótica Jam crujiente.

La Cara B es para la extrañísima Jam Psych Session "Tétano-Cutané - 2036" que suena brutalmente atonal y Kosmische en su primera parte con un abanico de guitarras y percusiones que remiten a esa oscuridad metempsicótica del más oscurísimo Kraut. Lo que a priori parece un corte circense aleatoriamente Dadá, acaba conviertiéndose en una matemática pieza con la entrada allá por el minuto 3 de una estructura mucho más rockera que te va escarbando la psique como un abceso mental; brutal delirio Noise con pleitesía hacia el Avantgarde guitarrero a lo Frith que va añadiendo capas como un andamio sonoro pero sin perder el cariz crudo y Lo fi que emana de este tipo de proyectos. Allá por el minuto seis y pico estalla en un mántrico delirio cacharril que emula a instrumentos de vientos y lo que parecen voces metálicas eructadas por el esófago de Dios. Una especie de cruce entre Jad Fair y Buckethead.... o eso me ha parecido a mí.

Por supuesto, te deja ganas de muchísimo más. Podéis adquirir la cinta junto a otras en cómodos bundles a través de:

https://ironapproved.bandcamp.com/merch

https://tetanosband.bandcamp.com/music

AVELINO SAAVEDRA, OBRA PLÁSTICA (EDITORALIA EDICIONES, 2025)

 

Vamos por partes.

Gracias por las 900.000 visitas a La Muerte Tenía Un Blog. Saliendo de mi zona de comfort desde 2010.

Un saludo a los que no me soportan, a los que me han insultado a lo largo de estos años por mantenerme firme en mis obsesiones, a los que me mandan enlaces digitales y sobre todo, a los que no saben que antes de que llegueran yo ya estuve allí.

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En otro orden de cosas, EdictOràlia Llibres i Publicacions ha editado la obra plástica de Avelino Saavedra en un voluminoso, cuidado, apabullante libraco a todo color donde he tenido en inmenso honor de poder poner unas letras que bueno, Avelino Saavedra y Josep Lluís Galiana han tenido a bien de juzgar pertinentes a pesar de su cariz ultraterreno y mediúmnico. Si alguien no entiende algo del texto, le recomiendo pase directamente a la página 19 donde:

Joan Gómez Alemany despieza con precisión de cirujano y ya con buen hacer literario, académico y profundo el amplio abanico estilístico de Saavedra. Avanza pors secciones y aparecen por ahí mi amigo en la distante cercanía A.L. Guillén, personas más completas celularmente que yo amartillando fabulosas reflexiones como Bartolomé Ferrando, Fuencisla Francés, Álvaro Terrones y el grandioso hijo de KORG, Javier Piñango. Tiene a bien dinamitar esta fabulosa edición Josep Lluís Galiana en un impagable texto final donde adorna en su hermanamiento de música y amistad con Saavedra.

¿Qué más decir?........... Pues que cuando abres el libro y ves la pureza del arte de Avelino Saavedra el aliento se corta.

IMPRESCINDIBLE EDICIÓN que me está poniendo tontorrona la zona del Muladara Chakra.

https://www.edictoralia.com/avelino-saavedra-obra-plastica-y-mas/

ROT COVEN - "NIGHTMARES DEVOUR THE WAKING WORLD" (AESTHETIC DEATH; ADCD 105, 2024)

Desde las pútridas ciénagas necro verdosas del sureste de Pensilvania nos llega uno de esos proyectos que se instalan en tu psique como un parásito hasta que te acaban colonizando por entero... ROT COVEN, duo de apabullante Noise Industrial Doom ultra extremo formado en 2020 pero que cuenta con dos miembros que vienen ya colaborando desde hace prácticamente dos décadas. Su cariz experimental y eclecticismo da para bastante pero así de sopetón, así que imaginad una mezcla entre algunos discos de los SPK, Khanate, Skullflower, Ramleh y la pulsatilidad de Throbbing Gristle, SWANS o Einstürzende Neubauten mezclada con los discos más EBM de Controlled Bleeding. Cuando sumes estos ingredientes te darás cuenta primero de que te vas a quedar corto, y que es mejor simplificar resumiendo con que el tremebundo doble disco, Nightmares Devour the Waking World es en resumidas cuentas un desafío séptico al oyente que equilata a la perfección la aspereza del Harsh Noise con un Doom de corte experimental y avantgarde que podría recordar a los siempre olvidados Zaraza. Algo así como si una cósmica Deidad Perdida te lanzara una pedrada con un tirachinas existencial.

Evidentemente, estos sonidos sólo pueden salir de la siempre acertada apuesta de AESTHETIC DEATH que se marca un fabuloso doble digipack que incluye por un lado en el CD 1 el disco Nightmare Devour the Waking World (subtitulado como Phase I y que se editó en digital en 2023 y aquí masterizada para la ocasión), y un álbum nuevo en el CD 2 llamado Phase II que es de 2024. El resto de los créditos se va para el artwork / logo de vieja escuela de Nate Vaught (Brainvault Studio) y masterizado de Tom Waltz (Waltz Audio Mastering) tras grabación que se realiza en In the Murder Shed (2023/2024).

La críptica formación se compone de miembros que han estado o están en Sun Wound, Celestial Furnace, Six Billion Light Years, Teeth Engraved With The Names Of The Dead y más proyectos que ahora no logro identificar. Aquí, y en la esquina orinada del meteorito que subyace detrás de Orión, Rot Coven son:

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MZ - Drums/ Vocals/ Noise/ Scrap Metal/ Bass/ Amplified Coil Spring/ Synth/ Shortwave Radio

DD - Baritone Guitar/ Vocals/ Drums/ Noise/ Synth/ E-Bow

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El CD 1 (Nightmares Devour the Waking World, Phase I) se abre cortándote el aliento. "Blood Pours Out of the Sun" es un crescendo que va desde el puro Dark Ambient cuasi cinematográfico a un sincopado ritmo marcial con percusiones épicas que se mezclan a la perfección con el Noise en una densa subtrama que va a caballo entre el Industrial Noise tipo SPK o Ramleh a proyectos espaciales tan denostados como los Funeral Doom rusos Septic Mind. Se hace mucho hincapié en la melodía hasta el punto de que puede recordarte también (por citar cosas más contemporáneas) a Pharmakon o Trepaneringsritualen aunque realmente cuando todo estalla es a MZ412 a quien tengo en mente. Aunque se cite por ahí en otros medios al Sludge (quizás por la suciedad del sonido), no es algo que yo realmente comparta; para mí esto es muy más abyecto, crudo y visceral, especialmente en el ecléctico uso de las voces que aunque por lo general se centran en algo cercano al Power Electronics, van desde lo rasgado a lo cuasi imperceptible, pasando por cánticos procesados y acercamientos al Black doom. 

Por cierto, vuelvo a romper una lanza por Uncertainty Principle, Zaraza, The Nulll Collective, Torture Wheel, Hlidolf y en general, todo ese sustrato ultra underground que me curtió en salmuera sónica. La sensación de irrealidad o mejor dicho, realidad anómala que me transmitían esos grupos sale a relucir en Rot Coven como un exudado post mortem en "Feast Of The Rotted Mother" donde las guitarras se cargan de la electricidad estática producto del telurismo que lleva nuestra Galaxia a un punto indeterminado de fuga en el centro del puto cosmos. Sobre una base ruidista se abre inexorable una lenta melodía fúnebre de guitarra que se va apelmazando con una base rítmica sincopada y procesionaria. Si esto no es Doom, que venga Dios y me amortaje. Fabuloso cuando todo estalla en una inconmensurable rabia Black donde no queda ni un resquicio por el que respirar y sin duda con mucha vértebra atonal / caleidoscópica de los dioses ESOTERIC.

Impresionante abanico de Death Industrial cósmico que pasa por fases contemplativas como ese inicio abisal de "Antimatter Halo" cargado de minimalismo arrastrado, profundidad Doom y que se va creciendo en sus 11 minutos de extensión en una molécula bivalente y cíclica entre Godflesh y Coffins. Si los dos anteriores cortes eran buenos, este me parece perfecto. Tempos bien medidos, guitarras que entran aceradas en buenos solos que contrastan con las partes más ruidistas y una profundísima sensación de `disociación mental´ que suelo alcanzar con este tipo de discos. 

Siguen los 4 minutos de respiro ambiental y Harsh Noise de "Queen of the Void", preludio perfecto para el cierre monolítico de "Those Who Worship Fallen Stars", con inicio basado en sintetizadores espaciales, cánticos etéretos y cierto halo mistérico a la Kosmische tipo Tangerine Dream o como si a los Popol Vuh les hubiera dado por el Metal. Sin prisa por arrancar, se van añadiendo elementos que junto a la guitarra se enclavan en un Funeral Doom de libro, pegadizo como una meningitis espongiforme y por momentos recordándome al más acústico Transience (2016) de los japoneses Funeral Moth. Si existe algo parecido al Doomgaze es esto. 

El CD 2 es su nuevo álbum, creo que llamado simplemente Phase II y que consta de 3 cortes en 44 minutos. Mismos protagonistas, misma asfixia. "Inverted Chasm" roza los 20 minutos y vuelve a traer esa oxidada pátina mortuoria del Industrial Doom (género que o amas u odias). A ritmo sincopado, la base rítmica te lleva de la mano a un viaje de no retorno al inframundo que por cierto, recomiendo escuchar con auriculares para captar toda la plétora de sonidos que arropan un doble juego de voces (gutural y otro algo más chillón) descomunal. Golpeo de metales, roces y glitches en el reverso tenebroso de unos Einstürzende Neubauten o ese olvidadísimo primer disco Stahlwerksinfonie (1981) de Die Krupps. Pasajes de guitarras en general un álbum más estructurado y menos caótico que el anterior en el sentido de que está más depurado (pero sólo un poquito más porque la tetania decrépita sigue acechando). 

Sobre el minuto 10 se vuelve a la sobriedad cósmica del inicio en una insania loopeada tipo Abruptum (última etapa, se entiende) y con voces cercanas al Suicidal Black. Nuevo inicio pues para un mismo tema pero esta vez desde una óptica todavía más apesadumbrada y plúmbea donde la organicidad de la percusión ha mejorado muchísimo con respecto al otro disco y eso imbuye al conjunto de cierto aire retro a pesar de lo Avantgarde del asunto (ojito a los insertos futuristas tipo Esoteric) hasta el punto de que asoma un aroma tribal lejano (eso sí, no sé si la tribu en cuestión es de aquí o de Ganímedes).

"Psychological Contamination Zone" es casi un score de un Survival Horror, pura moozak atmosférico para preludiar "Accretion Disk Necropolis" que se yergue por derecho propio como el digno colofón que es... una excelsa incursión en el lado oscuro de la psique muy cercano a Ramleh, Theologian, Ramleh e incluso Gnaw Their Tongues.... serpenteante, maligna, oscura y hermética escalera `escheriana´ que te destila lo anteriormente descrito en una pasta alquitranada tan oscura y densa con la que amortajarte en vida en un poliédrico sudario cargado de dádivas para atravesar el río Styx.

Otro de mis discos del año. SOBERBIO.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6475

https://rusteater.bandcamp.com/