PYLAR - "LÍMYTE" (CAVSAS 005, 2023)

IV. ////////// Finis Est Finis, Finis Est Principium //////////

"Without the Possibility of Suicide, I Would Have Killed Myself Long Ago"

Ciorán

Tras los ecumenales Horror Cósmyco (2019) y Abysmos (2022), ambos editados por Humo Internacional, PYLAR traspasan cualquier posible acotación del espacio/tiempo llevando su propuesta hacia una ruptura intencionada ya no sólo de los dos elementos citados, sino de lo musical. Lo prometido con esta trilogía ha superado con creces mis expectativas y gozoso aunque cansado, me dispongo a recoger los escombros de mi alma para intentar volver a componerme. Ya no es sólo la tremenda curva ascendente de calidad, que no tiene visos de zozobrar en lo más mínimo, es que todo va creciendo y mejorando. Humo Internacional era un buen sello, pero es que Cavsas, subsello de Cyclic Law es, para los que amamos estos sonidos arriesgados, toda una bestia que encaja como un guante en la propuesta de Pylar. Edición de Límyte en poderoso vinilo rojo sangre (edición especial), vinilo negro y Cd digipack con vestimenta atávico pictórica del gran Gonzalo Santana, insigne traductor de grimorios, grabados y cultivador de Aspergillus Fungi. La PALABRA ESCRYTA es la obra metempsicótica de Francisco-Jota Pérez y Reza Negarestani, en riguroso blanco seminal. El resto del trabajo técnico lo podéis intuir: `Grabado, mezclado y masterizado en los ignotos territorios de los atlantes en La Mina por el Maestro Alquímico (6º miembro heresiarca) bajo las tinieblas telúricas de la luna nueva alrededor de Beltane en el vigésimo segundo año del tercer milenio de la Era Común.´

No es un disco fácil de asimilar. Los elementos rituales y la forma en la que se moldea el sonido es brutalmente plástica y abierta. Música extremadamente angular en ocasiones, que se toma todo el tiempo del universo en crear un clímax excepcionalmente contrastado entre las dos caras del vinilo... mientras que en la Cara A se nos disuelve (`solve et coagula´), en la Cara B se nos evapora pero en ambas tened por seguro que se nos convierte en lluvia cefalorraquídea que baña y riega los campos de los muertos en tormentosas lluvias de ideas, glosolalias en erupción y erupciones magmáticas de rancio abolengo. Estamos de largo ante el disco más personal y arriesgado de la banda, onírico hasta el extremo dando la sensación (tanto de sonido, producción o la misma composición) de estar desarrollándose en un plano mediúmnico paralelo a la Realidad. Sobre los elementos contextuales sobre los que se vertebran el disco podría escribiros largo y tendido pero me da la sensación de que lo vais a comprender mejor directamente de estas palabras de la banda:

`What would it mean to bring “the creation of the new” to its final horizon in metal (with a reckless, uncompromising and irresponsible tenacity)?

When you accelerate an artistic genre you get its cutting edge. PYLAR wants to speed up Metal, take it to its limits to explore them and ultimately break them in order to glimpse new limits to which to go, always towards the last frontier… Dwell outside, in the always-beyond, in beauty irrational and unknowable limit. Metal as the ultimate tool to destroy and create in an endless cycle.

There is a cartography of the absolute. What years ago was on the limit, at the extreme, is now more central. PYLAR makes irrational incursions into the furthest vortices looking for the elements that place a proposal at the limit. We seek the limit-constant, the edge of the abyss, and this new album is located there. We map to position ourselves in a non-place, since it constantly changes its location. And that place is the limit, the only space where we can crack what separates us from the next non-place, the one that has not yet been explored.´

q

Decía antes que igualmente que los polos opuestos se atraen, hay piezas que están destinadas a unirse y para nada me he extrañado de ver grabado a sangre y fuego la presencia de la leyenda patria CG SANTOS de Like Drone Razors Through Flesh Sphere, Of Darkness, Emanation o Teitanblood). Si esto fuera el patio de recreo de un psiquiátrico, me encantaría ser yo el que repartiera las pastillas; dicho lo cual, y aunque la formación varíe algo entre corte y corte la resumo un poco por aquí:

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Gamaheo: baterías, rítmica circular acefálica, anomalías métricas, devastación catastrófica, despertar subsónico, pulsación intratelúrica

Lengua de Carpa: voces, entonaciones blasfemas, hechicería xenoprimordial, degeneración vocal perpetua, blasfemia cósmica, aullido sin fin, plaga oratoria, invocación de escritos teórico-ficcionales

Lingua Aludae: violines, vectores exomelódicos, proliferación de escalas en descomposición, torbellinos de esporas alucinatorias, hordas psicóticas

Trarames: trompa, ciclones ctónicos, vientos solares

Bar-Gal: guitarra, bajo, niebla liminal, acorde Omega, búsqueda irracional, sintetizador, holocausto sónico, Ley de Salazar, abominaciones oculturales, contaminación textural

CG Santos: zanfona, síntesis modular, presencia espectral, incursión hipersticional, síntesis modular, simphonia circularis, vehemencia lineal, rotación medieval, emanación cósmica

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 V. ////////// Sicut Fucus Novaculae per Sphaeras Pylar //////////

"El sueño es la pequeña puerta escondida en el más profundo y más íntimo santuario del alma"

Jung

El sutil cambio de sonido que iba incubándose en los anteriores dos álbumes de Pylar llega aquí a toda su evolución completa uniendo sin solución de continuidad el elemento extremo y la épica ritual a través de una revisitación muy original del Metal;  para más datos, se ancla en un agrio Black Metal que parece haber sido metido en la incubadora junto a niños bastardos como los Ramleh, Skullflower, Gnaw Their Tongues o los propios Emanation pero difuminando cualquier atisbo de melodía en una pátina sonora que aunque es tocada a medio tiempo, emplea el término Avantgarde en todo su esplendor. Es relativamente fácil crear un mito, pero... ¿alguien tiene las herramientas Alquímicas para disolverlo?.

"Límite" se va a los 18 minutos de duración y nos muestra una faceta más ambiental que en álbumes previos. La experimentación con las cuerdas tocadas con arco y los vientos telúricos abrazan la siempre imponente presencia vocal de LenguaDeCarpa. Un rompedor toque estelar de la guitarra (aparece y desaparece como un metrónomo extraterreno) y una tendencia al minimalismo (el violín y mandolina o la percusión casi susurrada) conforman un telar sobre el que se van apuntalando adornos y la suma de diversas partes construyendo una melodía arrastrada y decrépita (como si estuviese fabricada con los huesos de una humanidad osteoporótica cuyos restos yacieran en playas óseas de trabéculas tostadas al sol de mil eones). Conforme avanza la intensidad, la percusión se retroalimenta de todos los instrumentos (sube la presencia del violín) y la pegada es más dura. Otro cambio que sí que se venía produciendo es la entrada de LenguaDeCarpa en registros agudos y chirriantes propios del Black (y otros más guturales) que le sientan a la perfección. Por supuesto, esos lánguidos cánticos en circular no desaparecen. No sé si por primera vez, pero el uso de un bajo aporta una `musicalidad´ distinta que me cuesta explicar con palabras.

Cuando pasan a pasajes atmosféricos coquetean con la música de cámara funesta de cosas como Univers Zero, Shub-Niggurath y similares, pero no llegando nunca al grado esquizoide de esas bandas. He escrito muchos párrafos y no me he adentrado todavía en un aspecto fundamental de Pylar y es la `Cosmicidad´. Un Huevo Cósmico rodeado en espiral por la serpiente (el tiempo) es el símbolo de las Fuerzas Creadoras en cuya materia se recogía flotante dicha simiente. Con Límyte, el cascarón se ha roto y el miedo atribulado es doble; tanto para lo que sale del Huevo como para lo que está destinado a regresar a Él. Todo está en el Límyte. La manera en la que PYLAR se lanzan en los últimos minutos a todo un repaso de Space Rock malsano y psicopómpico no tiene parangón con una zanfona vomitando flujo de orgones. Cierra la Cara B "Aniquilación", escaso minuto con Bar-Gal y LenguaDeCarpa que remite muchísimo a los inicios del proyecto (léase OrýgenesOrýgenes).

La colaboración con CG SANTOS es muy manifiesta y su forma de emulsionar el sonido está presente. Arcaico, lento y opresivo, creo que su participación ha llevado a la banda a un paso todavía más alto. "Ruptura-Afuera" lo demuestra con un plúmbeo inicio Black Metalero en cierto modo deudor de los Emanation y de la atonalidad de los Teitanblood. Con todo, es innegable que esto suena a PYLAR por los cuatro costados pero la forma de desarrollar los cortes es inédita. La guitarra de Bar Gal ha variado la afinación y bajado la velocidad; la pegada de la batería permanece incólume y el resto queda tan entretejido, trenzado y unido que tienes que quedarte con la suma de las partes o morir en el intento. Lo que parecen caídas libres del violín electrificado se confunden con sintetizadores modulares (o eso creo), indefinida protusión de sonidos de fondo habitando un ecosistema ignoto (la trompa ya derribó Jericó pero quedó petrificada en una sostenida nota `ad nauseam´) y hay que esperar a que una brutal percusión más lenta espacie el todo para distinguir las voces y los picados infectos del violín. 

Efectivamente, TODO SE HA ROTO. Estamos fuera (del Huevo, del Cosmos o de la misma Realidad). La putrefacción es el nuevo dogma y la carne muerta el nuevo Soma. Vaivenes fúnebres a mitad del tema dibujan uno de los pasajes más salvajes que recuerde de Pylar. Voces infantiles o aniñadas con coros se extienden como esporas contaminando todo lo que tocan cuando entran en contacto con las cuerdas del violín o el violento escoplo/baquetas de la percusión grabando las Nuevas Tablas de la Ley (de Salazar, del Límyte, de donde sea....). Como una caja de música metastasiada, las capas musicales se van pudriendo, despegándose del hueso madre y convirtiéndose en (cito a mi manera a Francisco J Pérez) `priones en lo cósmico´. El Universo padece de `Fiebre Central´ y se han perdido las direcciones (no hay Norte). El peristaltismo está invertido y hemos llegado al final de nuestro Viaje Campbelliano del Héroe... ese que acaba justo donde el eje de ordenadas y coordenadas marca 0.

Una particular reinvención del Funeral Doom (al menos en espíritu) cierra los últimos segundos de esta absoluta OBRA MAESTRA. Dice Jota-Pérez:

`Siquiera la imaginación nos abarca

Ante-entre-sobre el núcle físico

Arcaicopresiones nos moldean así

Marcadas por una agnosia hipnoaabsoluta

Masca la voz lo que el tacto olvida --- el

falogocentrismo cobra las distancias de la

parte ausente---- explicaciones por las que

las atrapadas nos postramos siempre emprende lo

que va siempre en marcha estanca siempre

olvida---- recurrimos al sonido de quiebre

que empobrece---- ciegas acrónicas´

https://pylar.bandcamp.com/album/l-myte

https://cavsas.bandcamp.com/album/l-myte

VAINA - "UNIO MYSTICA" (AESTHETIC DEATH; ADCD 097, 2024)

 

Tercer larga duración del extrañísimo, hermético, oscurantista proyecto finés VAINA tras el sorprendente previo álbum ✥ Futue Te Ipsum ✥ Angel with Many Faces que os diseccioné aquí hace un par de años. No me gustaría repetir demasiados datos así que os emplazo a que os leáis el anterior texto y así voy al grano aunque teniendo en cuenta el cariz críptico del asunto pocos datos voy a poder dar; quizás esta perla de su página ayude:

`Vaina was formed by siblings L&M in 2014. Lorem ipsum...blablablaa! FUCK THIS! Let's admit it. Vaina is merely a worthless amoeba, exactly like the True Mayhem or Ed Sheeran are! Who's going to remember any of this shit after a few decades? Same goes with Jesus, Buddha, Odin....and similar fuckers! Silence is meaningful. Words like these just feel a pathetic attempt to cover over the gaps.´

Unio Mystica se vuelve a editar por AESTHETIC DEATH aunque sí que es cierto que lo que parecía ser un proyecto personal pasa aquí a ser un dúo si mis datos son correctos (los integrantes responden a los sobrenombres de L.A.M. Salminen y HÄN III). Los litúrgicos, grialescos y en cierta medida simbólicos acabados del artwork son de Hessu N. mientras que la masterización ha corrido a cargo de Greg Chandler en su Centro de Sonido Junguiano, Priory Recording Studio. Reducir la música de VAINA a una etiqueta como Black Metal (es la más repetida en las redes) me parece algo casi insultante dada la capacidad camaleónica de abarcar multitud de aspectos sonoros y si bien la fiera apertura de "Tuulentavoittelijat" podríamos enmarcarla en los ambientes del Black Depresivo Avantgarde (impresionantes voces en todos los registros), las líneas melódicas de las cuerdas, cánticos cuasi monásticos y sincopados ritmos propios del Noise van haciendo acto de presencia hasta que Unio Mystica se convierte en una ciclópea obra Fulcanéllica. 

Pasajes épicos, instrumentos de viento y ligeros atisbos de los clásicos Summoning pueden servir de referencia en algunos momentos que contrastan con la sobriedad homiliesca del riff de guitarra que atraviesa "Piikkikruunun alkemia" que al poco muta en una suerte de coda sinfónica plagada de voces limpias, baterías programadas y en definitiva todo eso que hacía tan atractivos a los dioses LIMBONIC ART. Desde velocidades de vértigo a bajadas de tempo con toques al Dark e incluso al Neofolk cuando entra una flauta y desplaza todo el corpus musical de la zona de confort. La vuelta en circular hacia la melodía inicial es puro y clásico Black Metal a la austríaca (sí, ya sé que VAINA son finlandeses) y es que me recuerdan a ABIGOR y por supuesto como ya he dicho, la dupla Silenius / Protector.

Sigue en un tono más Doom (con voces casi infantiles) la alucinante "Inverted". No sé si lo he comentado pero el trabajo de los teclados tiene una bipolaridad excelsa que va de lo épico a lo sinfónico. Temas como éste vuelven a descolocarme y acordarme de los ultra extraños proyectos que camparon en Holy Records como Chaostar, Legenda (curiosamente, también fineses) o Misanthrope a la par que el rango de voces y ritmos atonales camparían a la perfección en un álbum de Thy Catafalque... y atentos a la trompeta fúnebre que finiquita el tema con unos cánticos que ponen los vellos de punta. Vuelta a primera línea de fuerza con el Heavy Black (algo así como mezclar a los Bathory con la NWOBHM) "Incinerate", con bases rítmicas plúmbeas e industriales que rozan con la última etapa de Killing Joke. 

Sigue Moribundus Sum, corto puente pastoral y circense al más puro estilo Popol Vuh (salvando las diferencias) que si le diéramos unos gramos más de azúcar se nos metería de largo en el Black Metal Diabético... nada que ver con la furiosa "Golgatan Tähti" que curiosamente recoge elementos de la anterior pero las transforma en algo Progresivo a la nórdica (como los Tusmorke pero en Black). Mención especial para la sombría forma de ir ritualizando el final con saturación de efluvios opresivos musicales, voces mántricas y recursos propios del Dark Ambient. Curioso como los primeros compases de "Unio mystica" podrían recordar a los Gloomy Grim aunque lentamente se mete en terrenos donde se mezcla el Suicidal Black de los Silencer con la industrialidad de Ramleh o Theologian. La forma en que se van desarrollando los temas no sólo entre ellos sino los pasajes dentro de las propias canciones responden a una estructura muy ritualizada, con subidas y bajadas de intensidad espiritual (coros, recitados, percusiones, letanías) y cuando se usa el Black Metal en sí (momentos puntuales) con su doble bombo clásico y demás, no hay una banda concreta con la que puedas comparar a VAINA.

Temazo descomunal "Hautakuiskaaja" con esos tonos Post Punk y góticos de Bauhaus o, curiosamente, los también finlandeses This Empty Flow. Bestial el uso de los instrumentos de cuerda (uno de los temas donde más presencia tiene el bajo en un pasaje bastante calmado en el que se acompaña de un amenazante órgano eclesiástico). Construido con medios tiempos y muy cercano en las guitarras (fantásticas) al Doom, "Viimeinen kaunis silmäys" sí que responde a parámetros musicales más fácilmente etiquetables, o al menos en algunos momentos porque los parones, silencios y cambios de ritmo que van sucediéndose en los 7 minutos tienen casi que de todo, electrónica y Trip-hop inclusive.

Muy buena continuación del magistral Futue Te Ipsum que deja el listón altísimo. Un proyecto mistérico en un mundo

https://vaina.bandcamp.com/album/unio-mystica-2 

SPITTING TONGUE XIV: DYATLOV - "INVITADOS EN NÚMERO PERTURBADOR" (LOS80PASANFACTURA, 2021)

`La primera noche, ellos se acercan

y toman una flor de nuestro jardín.

No decimos nada.

La segunda noche ya no se esconden,

pisan las flores, matan nuestro perro y no decimos nada.

Hasta que un día, el más frágil de ellos,

entra solo a nuestra casa, nos roba la luna,

y conociendo nuestro miedo,

nos arranca la voz de la garganta.

Y porque no dijimos nada,

ya no podemos decir nada.´

VLADIMIR MAYAKOVSKY

Asfixiado por un poderoso Bondage Techno Punk, Carlos y Deborah me vuelan la cabeza con su fabuloso, pegadizo y magmático Tenía la Rara Virtud de no Existir por Completo (2023). Tanto me cala aquello que mi dominatrix de la contracultura canaria Jonathan de LOS80PASANFACTURA me envía este previo Invitados en Número Perturbador, acojonante inmersión // asfixia controlada en pátinas corruptas de Synthwave, necroTechno y subrayados Industriales de raíz metalera. ¿Quiéres que te lo resuma con las letras de ellos?.... simple: `Déjame mirar dentro / del eléctrico parpadeo / entre tu piel y el hueso / es sólo, cuestión de tiempo´.

No voy a repetir conceptos con DyatloV. Herrumbre y verdín, orín y azufre. No sé qué comenté en la anterior reseña pero a todo lo citado añadiré a los míticos HOCICO. Producción limpia pero agresiva que refuerza muchísimo esas bases de eletropunk salvaje y despiadado pero con la inteligencia (letras) de un misil teledirigido, sin olvidar para nada el Dark y lo gótico pero sí despojándolos de todo su teatral emolumento para concentrarse en lo que duele. Desde los devaneos cibernéticos de "Kaos", tan agradables como copular con Tetsuo en una noche loca (y sin protección.... preparen las tiritas), con magnífico tempo abotargado e inclusión de capas Synthwave (por no mencionar la bipolaridad vocal exquisita de Deborah) a la mediúmnica y bailable "Éxodo" que para que lo entendáis, si Moisés llevó al Pueblo Elegido a salir de Egipto, evidentemente fue como DJ mientras el los israleitas gritaban: `y duele!!!´.

"Disidencia" sigue la línea anterior pero volviéndose introspectiva hacia el EBM sudororo y lúbrico, contrastando para coger algo de aire en la sincopada "Revienta" con la vértebra / estructura de latigazos sonoros. No había escuchado Invitados en Número Perturbador y ya no tengo claro cuál de sus dos álbumes me gusta más.... "Réplica" es muy Punk pero nada simple en el empleo de los sintes; más minimalista e hipnótica, misma agria bilis, pero muy mántrica.... tanto es así que cuando entra el cañonazo acelerado de "Éxodo" me pilla desprevenido. Machacona, bases duras y secas, Techno chirriante como afeitarte con un quitamiedos de una carretera rural.

¿Qué queda? Pues una dosis dual entre "La Apatía" con su tono apocalíptico / crepuscular y el electro táser timpánico de "Rayados". MUY RECOMENDABLE.

https://www.los80pasanfactura.com/store/p103/Dyatlov_%22Invitados_en_n%C3%BAmero_perturbador%22.html

GALIANA, GALLARDO, ALEMANY - "ENTARTETE IMPROVISATIONEN" (LÍQUEN RECORDS LRCD029, 2024)

Los rangos estilísticos de ENTARTETE IMPROVISATIONEN son tan amplios que difuminan por completo cualquier atisbo de encasillamiento en escuelas, estilos, atildamientos varios o clasificación académica. Cuando los vientos de Josep Lluís Galiana van zajando espacio (el aire es la carne del cosmos, y Galiana la corta como un bisturí) uno puede correr el riesgo de decir que esto es Impro pura y dura pero escasos segundos después, a la par que extremos tonos barítonos barren el polvo de vuestras casas la atención se me va a una percusión brutalmente versátil, sincopada, y con cierto regusto orientalizante que aunque esté inmersa en el exquisito caos sí que parece responder a patrones compositivos no sé si estudiados de antemano, pero posiblemente expuestos en consideración en ese telón de fondo pineal que tenemos en el frontispicio interno de la frente de nuestros entrecejos. 

Quizás me he dejado llevar por la pasión y os ruego me disculpéis. Estoy hablando de un fabuloso nuevo trío (Galiana, Gallardo, Alemany) que ha editado un yunque en forma de disco (grabación y mezcla por Raúl Artana en Rockaway Studios) a través de LÍQUEN RECORDS. He empezado la casa por el tejado ya que bien pensado, si ellos no han tenido compasión con el oyente, por qué voy a tenerla yo con el lector... es más, tampoco entiendo por qué las casas tienen que tener tejados.

Conforme avanza el disco los motivos percusivos se ven todavía más reforzados con la maestría de Joan Gómez Alemany y su piano expandido y aquí parad las máquinas un momento. La pregunta no es QUÉ porque sabemos de qué trata un `piano expandido´; la clave radica en `HASTA DÓNDE lo ha expandido´ a tenor de la apabullante glosolalia de motivos melódicos que van desde espectrales y agudos golpeteos de timbres Gamelan a atonales y dismórficos usos de corcheas a lo Cage. Por otro lado tenemos la fuerza a la batería de Jesús Gallardo, de una inventiva expansiva (algo así como baquetas de punta hueca como las balas) que nos hace olvidar la ausencia de un bajo. Pica, repica, recontrapica, taladra y emulsiona a placer mientras Galiana (me remito por ejemplo al epílogo de "Entartete Improvisationen I") se suelta un larguísimo ejercicio respiratorio en circular que quita el hipo. 

Escuchado este primer corte una y otra vez, no consigo decidirme si ponerlo en ese post Coltraniano submundo ultra Free Jazz de Charles Gayle (lo primero que se me viene a la cabeza en cuanto a intensidad controlada) o en la escuela de improvisación de Jazz a la Británica de Evan Parker (intensidad de `control descontrolado´) pero sí que me doy cuenta de que quizás buscar un referente sea un craso error en el disco que hoy os presento. Es decir; si yo fuera un trazo de un lápiz en vez de un ser humano, no sería capaz de separar los términos Free, Avant, Contemporary y demás sino que preferiría hacerme el loco, no señalarme y ser por tanto tan recto y sutil como un encefalograma plano. ¿Cuál es la moraleja? que ENTARTETE IMPROVISATIONEN están curtidos y su música no tiene lo que se llama `solución de continuidad´ porque es fluída, coherente y bebe de todo y de nada a la vez.

El minimalismo de "Entartete Improvisationen XII" subyuga por sus ásperos tonos abstractos exigiendo al oyente toda su atención para separar piano de batería dentro de un microcosmos Drone asordinado con puntos en común con la tradición del Free a la británica (podéis recurrir a EMANEM del recién fallecido Martin Davidson y el bastísimo catáloco de la Spontaneous Music Ensemble). Esas cascadas de los saxos son Coltranianas a mi humilde entender y cuando emulsionan con la batería y los angulares tonos del piano (quizás Cecil Taylor es una referencia no en cuanto a estilo evidentemente, sino en cuanto a FUERZA VITAL) que a veces caen como plomiza lluvia que empapa todo el engranaje que usa Gallardo (por ejemplo en la ferretería que despliega en "Entartete Improvisationen III" o en el solo para percusión "Entartete Improvisationen VIII"). Que Galiana haya decidido moverse entre los diversos timbres posibles (soprano, tenor y barítono) refuerza y amplía la gama de tonalidades haciendo más atractivo navegar por un álbum que se va a los 80 minutos de duración. Aunque no me atreva a ponerlo a la ligera, fraseos obsesivos del saxo tenor remiten al Spiritual Jazz de Pharoah Sanders pero pasado por un filtro obsesivamente contemporáneo.

No hace falta decir que en las partes más duras se roza, se frota, se pulsa, tensa, destensa y asordina todo lo habido y por haber hasta el punto de que la confusión de lenguas de BABEL fue simplemente una anécdota sin importancia. "Entartete Improvisationen IV" es un cara a cara sin piedad entre batería y piano preparado con ausencia de vientos pero de algún modo recreando el submundo agreste de Cherry y Blackwell en MU o más acertadamente y gracias a los momentos más mistéricos de Alemany esas bellezas intransigentes con la melodía de los Helliocentric Worlds de la Sun Ra Arkestra. No todo en el disco corta y produce tetania; hay momentos para lo lírico en el piano y una excelsa batería Jazz Noir de Gallardo ("Entartete Improvisationen X") sobre la que campean introspectivos saxos baladescos y Blues (el lento tempo casi litúrgico de "Entartete Improvisationen XIV").

Exquisito Free Jazz de alta alcurnia con "Entartete Improvisationen XIII" en modo trío avasallador de inusitada ferocidad (insisto en el acierto de sustituir al bajo por un piano preparado) con cada instrumento conectado espiritualmente a los dos restantes para crear una molécula jazzística indivisible y de pesadísima masa molecular (permitidme la osadía de llamarla algo así como ENTARTETE MOLECULAREN). Los solos lejos de aburrir están perfectamente insertados en el tracklist y al anterior de Gallardo sigue un bellísimo solo al soprano de Galiana (un instrumento que me encanta) en "IX" o un fascinante despliegue de recursos de Alemany ("VII") donde ocurre esa magia del sincretismo en la que lo que son cuerdas transmutan en teclados electrónicos y recursos de toda índole se quitan la máscara para transitar desde la electroacústica a momentos cercanos al Noise (cosa que se acentúa en un atonal dúo entre saxo y piano preparado ("V"). 

Afortunadamente, tengo aquí al lado una gran cisterna de la que tiro y por la que se va todo el academicismo de rancio abolengo. Tras liberarme de mis cadenas dogmáticas, me propongo a abrazar con todo mi ser los 12 últimos minutos ("XVII" y "XVI"); saxos que resuenan como paquidermos desbocados, gárgaras magmáticas que producen un miasma esputado y que hierve en el frío metal de Gallardo, que lo monta a punto de nieve. Alemany ha sido elegido protagonista en una nueva película de Cronemberg y los clavijeros, arpas, cuerdas y apagadores lo abrazan en un Bondage percusivo que ríase usted de los Cenobitas (nota mental: preguntar a los cenobitas por la Improvisación Libre).

No voy a añadir más. DISCAZO RECOMENDADÍSIMO para gente a la que guste de perder su esmalte dental rozando dientes.

https://liquenrecords.com/2024/01/04/entartete-improvisationen-josep-lluis-galiana-%c2%b7-jesus-gallardo-%c2%b7-joan-gomez-alemany/

https://liquenrecords.bandcamp.com/album/entartete-improvisationen

SPITTING TONGUE XIII: KAWABATA MAKOTO - "WE´RE ONE-SIDED LOVER EACH OTHER" (BAM BALAM RECORDS BBCD 016CD, 2017)

El dios de la guitarra Kawabata Makoto de los Acid Mothers Temple crea en We´re One-Sided Lover Each Other una brutal suite drone construída a través de capas al más puro estilo de Fripp y Eno. Música que fluye en una cascada de arpegios y láminas microtonales ultrahipnóticas al más puro estilo del inconmensurable disco de Father Moo & The Black Sheeps. Crecer, fluctuar y morir en un Lounge Drone en el que Eros y Tánatos intercambian sus papeles en un circense baile veneciano donde se copula con el pensamiento. "We're One-Sided Lovers Each Other (Dedicated To O)" como mastodóntica y sapiencial pieza de 44 minutos que llega a rozar a la Kosmische pero sin sintetizadores... algo así como lo que hacía en su estudio con la imaginación pretérita el grandísimo Conny Plank.

Extasia y cinética en lo estático, las estrellas y planetas tienen su música aunque un acorde cósmico dure cuatro Kali Yugas. Cada cambio de la guitarra desplaza una de las 108 cuentas mántricas del Japa Mala de Dios. Sexo practicado al borde del Cosmos, justo en ese sitio donde todavía nada se ha creado, en el momento en que escribo estas palabras la realidad está siendo zurcida (urdida) en una imposible singularidad. 

"I Can't Reach Your Lips" cierra el disco con 11 minutos donde el drone se torna agrio y salvaje. La guitarra nerviosa está poseída con un apenas esbozado ente antropomórfico que nos habla a través de los ululantes trémonos fuzz oceánicos de Makoto hace exudar de su guitarra. GLORIOSO.

http://www.bambalam.com/

ENDLINGR - "TRA" (CONSOULING SOUNDS; SOUL0194, 2023)

Hace poco os traía la reseña de The Cabinet of Dr. Caligari de SLEEPBOMB, proyecto muy cinematográfico que por alguna razón se me viene una y otra vez a la cabeza cuando escucho este segundo álbum Tra (el debut From the Molten Vaults no he tenido ocasión de escucharlo) de los belgas ENDLINGR también editados por el insigne sello CONSOULING SOUNDS. Unos americanos, estos últimos belgas (Guent), lo cierto es que ambos comparten esas luminiscentes líneas de guitarras pseudoprogresivas que parecen viajar hacia hipotéticos puntos de fuga neuronales alienantes e hipnóticos. Si tuviera que definirlos de forma más musical, diría que tocan un Space Rock Psicodélico brutalmente intimista que me trae a la cabeza a los portugueses Signs of the Silhouette que traje por aquí hace ya varios años.... ese tono nocturno, de Film Noir mezclado con las guitarras crepusculares de la escena de Palm Desert y unos mistéricos

La banda la conforman Jo De Geest a la guitarra (John Ghost es otro proyecto suyo), Kris Auman al bajo (Alfredo, Belcirque, Predatory Void, Stadlander, Monkey Business) y Sylvester Vanborm a la batería (Wallace Vanborn, Future Old People are Wizards, Alex Verdi, Batsmasher...) A nivel técnico, se graba y mezcla por Koen Gisen en Studio La Patrie con masterización de Karel De Backer. El agreste artwork es obra de Joris Vanpoucke y a nivel musical el disco se estructura como la escalada ritual de una cima con tres puertos de montaña como son "Tra", "Ent" y "Crest". 

Me gusta mucho como lo define el propio sello y firmo sus palabras: 

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`Tra constitutes the physical structure of an entity. Ent is the giant root. The beginning of a cycle that connects everything and everyone. It also reveals the circular nature and pitfalls of the human condition. It is a trifecta of sound design, evil spirit riffs and movie scene madness in which you lose yourself and forget about all that was or is to be.

The trip takes you along a heavy and groovy but also calm and trippy rollercoaster of a harmonic ride. It is a journey that leads you to a place somewhere between the desert stretches of a forgotten dimension and the day-to-day city ant hill in which we all subside.´

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Tra es un álbum que no se nos revela en todo su esplendor si no hacemos un acto de escucha atenta. Es fácil perderse en este tipo de discos instrumentales si no nos ponemos auriculares y pausamos nuestro metabolismo al mínimo; es entonces cuando se nos abre todo un abanico de detalles pulcros. Abre "Crest" con una calmosa base rítmica muy a lo Yawning Man. Brisa musical que se va enrevesando y que se construye a través de acordes muy espaciados de la guitarra, minimalista y con adornos muy sutiles de lo que parecen efectos de pedales además de voces radiadas que se sitúan en un plano lejanísimo. Glorioso parón sobre el minuto 4 y cambio de ritmo hacia una psicodelia progresiva bastante oscura (algo así como los primeros Crippled Black Phoenix) y a partir de ahí lo lisérgico se adueña de todo con muchos riffs atonales y la base rítmica perfectamente sincronizada.

De forma sutil y sin exabruptos sigue "Ent" con un bajo descomunal (muy a lo Bill Laswell), subrayando una moderada esencia jazzera y a un pasito del Dub. Pátinas atmosféricas, capas de guitarras, mucho hincapié de platillos en la percusión y el bajo que no descansa, afinado en un subsónico y penentrante tono. De forma curiosa, el tema parece melódico pero no lo es, o lo es pero en determinados momentos; algo así como si estuvieras girando un cubo rubik musical constantemente y la música esbozara melodías pero no se manifiestan de forma completa hasta que coinciden al menos dos de las caras del cubo.

A estas alturas está claro de que estamos sumergidos en un triposo viaje anímico. Sobre el minuto 8 bajan las revoluciones y los herzios a sonoridades acuosas y subsónicas rozando el Ambient. Un loop sostenido como una sábana kilométrica de musgo adherido a la roca va dejando paso a una procesionaria línea de la batería que parece sacada de esas bandas de Doom Jazz a la holandesa (The Mountfuji Doomjazz Corporation, The Lovecraft Sextet o los alemanes Bohren & Der Club of Gore) o como los Yawning Man metidos dentro de una garrafa de benzodiacepinas reconcentradas. Lejos de acabar, se reinventan y acaban sumergidos en una serie de vaivenes que se van casi a los 30 minutos de duración. Cortan, se abren y cierran.... como las líneas argumentales de un film de Lynch.

Cierra la homónima "Tra" que es un destilado de todo lo escuchado antes y del que destaco un magnífico interludio donde con bajan el tempo al ralentí en una calma casi opresiva. Más oscuro que todo lo anterior y con una acidez más estilizada, te dejan con la sensación de haber asistido a una película construída a base de fotogramas de serotonina y sinapsis musicales expresionistas.

MUY RECOMENDADO.

https://consouling.be/release/tra

A. L. GUILLÉN - "ISLAS DE CIELO" (LÍQUEN RECORDS LRCD28, 2024)

`Los verbos desconocen ese tiempo

que es anterior y posterior a todo.

Tiempo en que tú naciste sin nacer,

cuando el agua y el cielo de tan cerca

tenían en proyecto el horizonte.

Cuando el silencio va a romper en grito

sin dejar de ser grito y ser silencio.

Y el ala es ala ya y aún no vuela.

Y el mar, siendo ya mar, no ha comenzado

a mover el diafragma de los aires.

En ese instante de equilibrio puro,

tú, isla, soledad, pájaro mío.´

Pedro García Cabrera (Como es tu Gozo)

Una Isla. La Isla. Lugar Hermético (Hermes) y cerrado, utópico y de difícil acceso. La perfección a veces alambicada a un pensamiento futuro Junguiano o ideación de la Morada Última. Bastión mecido por el Amnios en una red neuronal pétrea que en la antigua Grecia es habitáculo de los elegidos por los dioses y a la vez, Isla es símbolo de la huída y el aislamiento. Estaba el movimiento surrealista en pleno apogeo cuando el pintor Óscar Domínguez invita a André Breton, Benjamin Péret y Jacqueline Lamba a visitar Canarias. En la orilla, desnudos y cargados de ideas angulares, Agustín Espinosa, Pedro García Cabrera, Domingo López Torres y Emeterio Gutiérrez Albelo. Suceden cosas, manifiestos, poemas, exilios,  Guerra Civil y Segunda Guerra Mundial... pero los espigones de las islas ya guardan grabados los poemas escritos por la erosión del agua, poemas que son leídos por los Ciegos Dioses (también exiliados por la represión franquista) como Braille prohibido.

He escrito tanto sobre A.L.Guillén que posiblemente soy el equivalente en palabras a un Flanneur parisino. Podría dividir su carrera en etapas, estilos, giros e incluso hilar tan fino como la sutura de un tendón pero nada de eso sería justo (ni necesario realmente) para describir el magnificente Islas de Cielo, nuevo álbum de Guillén tras una serie de álbumes algo más personales e intimistas. Que lo acoja el sello LÍQUEN RECORDS de Josep Lluís Galiana ya es signo identificativo de la brutal calidad del disco que tras una serie de primeras escuchas se me antoja una suerte de sonoro Poema-Río sobre el Aislamiento y esa palabra que viene rodeando al artista Granaínoalmeriense que es la `INSURGENCIA´. 

Él lo cuenta mejor que yo en unas palabras de presentación que van de mis ojos a la lengua como soma. Siento que me están follando. Aisladamente, por supuesto:

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`En nuestro crepúsculo, donde el campo de concentración es ya el mismo mundo, ¿no es el valle hermoso del silencio de todo lo perdido el momento en el que todo puede sonar Nuevo de Nuevo? Eterno el Sí desde el No de nuestro Surrealismo. Aislados. Pero hacia el mismo cielo. [...] Como aislados nos quieren Nosotros ya somos la aislada insurgencia. Ser afirmación periférica de surrealidad. Habitar el claro que nos conecta como islas al Cielo Común. Viajé hacia la piedra sonora antigua atlante que nos unía. Antes, la única isla, isla de lo perdido. Y pude acelerar la transmutación de la piedra en mar desde el poeta surrealista canario que olvidó su historia. Transmutar el descenso de su palabra hacia el núcleo ígneo de la piedra. Acelerar su aparición con-fundiendo. Aislado.

Aislado comprendí que si no nos queda más que el silencio, tenemos todo el cosmos por sonar.´

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Al contrario de lo que pueda presuponerse, Islas de Cielo es un disco donde para mi gusto la improvisación ha dado paso a la composición (otra cosa es que a veces ambas puedan ir de la mano y compartir cordón umbilical). Construído en cuatro bloques (poemas sonoros) hilados a la perfección, se pasa de lo experimental al Ambient, el Free Jazz y lo Avantgarde; lástima que dichas palabras a día de hoy de tanto usarlas nos suenen inocuas y descargadas de su antigo poder. Sin embargo os puedo asegurar que si les buscáis el protopuerto USB que llevan y las recargáis de energía telúrica, conseguiréis que vuelvan a poseer la fuerza atávica, pila alcalina musical, que tanto animó a los juguetes Cassiber, Henry Cow, Marc Bolan, Frith, Arto Lindsay, The Lounge Lizars o añadir lo que os venga en gana según vuestro acervo musical. Flota en el ambiente cierto aire fúnebre y onírico que homenajea a los fallecidos poetas vanguardistas canarios y los efluvios de la absenta/ausente ya de sus coetános franceses.

Sobre todo este contexto me ha ayudado mucho una entrada en Facebook del poeta canario Sebensuí A. Sánchez que aunque pueda parecer algo extenso, quiero dejarlo aquí en todo su esplendor:

(Óscar Domínguez)

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`Es un disco centrado en textos de la Facción Surrealista Canaria, y a mí, como canario, amante de la poesía, y más aún del surrealismo, uno de mis movimientos artísticos favoritos (o puede que al que más cariño tenga), ya que engloba una gran parte de mis pasiones personales como son lo Oniroide, el Arte y la Revolución....pues me llega muy, muy hondo.

Como bien me comentó Antonio, es un disco de Justicia Poética, porque realmente nunca se había hecho un disco de estas características, ni de ningunas parecidas, debido a la profundidad instrumental y artística del disco, que luego detallaré, enumerando los extraños artilugios que en él aparecen, y que lo hace algo único, con cuatro cortes largos de sonoridades inaprensibles e inefables.

Es tremendo, que nunca se hubiera hecho un disco sobre los surrealistas canarios, (o al menos que yo sepa), siendo, como fue, el punto de inflexión, de la conexión surrealista en el mundo hispanoparlante, de los años 20, de París, curiosamente no se estableció con España, sino con las Islas Canarias, llegando incluso a visitarlas Breton y cía; este empequeñecimiento de reconocimientos, es siempre debido a las antípodas geográficas de las islas, e incluso a componentes ideológicos y políticos, en los que se incluyeron asesinatos, por parte de esa fuerza demoníaca llamada Fascismo, y a otros "cambios de chaqueta", de los propios surrealistas canarios, la reivindicación de este grupo, siempre quedó entre aguas turbulentas, aunque por suerte, para nosotros, uno de los protagonistas del Movimiento, como fue, Domingo Pérez Minik, en 1975, y ya muerto el dictador, publicó el libro llamado "Facción Surrealista de Tenerife", en el que cuenta maravillosamente, todos los pormenores y pormayores de este colectivo único. 

(Agustín Espinosa)

Uno de los motivos, como decía, es la fatalidad del aislamiento de las islas, y que los artistas de por aquel entonces no salieran de su tierra, exceptuando a Oscar Domínguez, el más conocido de todos, justo por ello, porque se fue a París, y porque tuvo una relación intensa con otra grandísima pintora como fue, Remedios Varo, llegando a confeccionar juntos algún 'Cadavre Exquis' con imágenes. 

Me llena de ternura, el respeto conque Antonio, se ha acercado a la cultura canaria, con mucho tacto, introduciéndose como un antropólogo en el sentir, la filosofía y la cultura indígena guanche, sabiendo la peculiar situación cultural canaria de "pueblo sin rostro", y reivindicando sus orígenes ancestrales cuasiborrados, por un atroz genocidio.´

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En el apartado técnico el álbum sale en un precioso digipack de tres cuerpos con diseño de Mara B. Stones. Se masteriza por Jorge Marredo y cuenta con colaboraciones de lujo como Sebensuí A. Sanchez y la propia Mara B. Stones (recitados), el saxo del grandioso Pelayo Arrizabalaga y las voces de Virginia Pedrosa. Como datos adicionales, vuelvo al facebook de Sebensuí A. Sánchez a propósito de la grabación:

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`Grabado durante cuatro años, alrededor de varias islas con grabaciones de campo, en piscinas naturales de Garachico, en Sta Cruz de Tenerife, en un caserío de Las Hayas de San Sebastián de La Gomera, en el Parque de Garajonay, lugar este, de leyendas románticas guanches, además de Reserva de la Biosfera como Patrimonio de la Humanidad, grabado también, sobre rocas de la Caldera de Teide, la montaña más grande de España con 3.718 metros, donde en su cima se esconde una violeta, la famosa Violeta del Teide, única en su especie, que se conserva a temperaturas casi gélidas. 

Además hay algunas grabaciones, en una isla muy marciana, debido a su aspecto rocoso - lunar, de hecho se ha grabado alguna película de ciencia - ficción allí, por su orografía completamente volcánica, hablo de la isla de Lanzarote, e incluso hay algunos sonidos de lancha ferry entre Lanzarote y el islote de La Graciosa.´

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Como llegado de otro tiempo y lugar, un agudo pitido hace de `fade in´ a "Valle Hermoso del Silencio" que abre el disco y con letras basadas en `Como es tu Gozo´ de Pedro García Cabrera. Entra un trémolo de cuerdas afinadas muy alto y con cierto regusto soterrado a lo que me gusta llamar Guanche Surf o lo que es lo mismo, las cinco `eses´ (Sal, Sol, Sonido, Sierra y Susurro). Las voces de Guillén irrumpen de forma casi alegórica/invocada mezclándose con toda una maraña de grabaciones de campo que describen en sonido ese microscópico momento perpetuo foucaltiano del agua golpeando la piedra, quizás la más antigua de las percusiones que existan. Se va desarrollando todo en un in crescendo cuasi tribal con regusto a Drone. Tres minutos y ya estoy en trance.

Entra la batería y desplaza a todo lo anterior (atonal y áspero versus curvilíneo terciopelo). La guitarra se vuelve melódica e intimista, lúbrica y nostálgica al más puro estilo de (siempre a reivindicar) Sefronia lo cual es totalmente lógico. La poesía y Guillén están unidos tan holísticamente que son virtualmente inseparables. Sigue "Wa-Yewta" (basado en el crudísimo `Luna de Miel´ de Agustín Espinosa). El mal o la malignidad que los guanches reflejaban en Guayota / Guaiota, deidad mitológica maligna de Canarias que presumiblemente habitaba la Caldera del Teide y donde precisamente se han realizado las grabaciones de campo (intervenciones sobre las rocas). Precioso y evocador el recitado de Sebensuí A. Sánchez sobre campanas litúrgicas. Se da paso a la experimentación pura y dura con algo parecido a frotamientos y cópulas entre piedras... un drone áspero que va y viene con la voz de Guillén, acompañada por lo que creo que es un piano aunque luego hay láminas de un catedralicio sintetizador. 

La sensación es algo así como de claustrofóbico dadaísmo Industrial vertebrado con capas de sonido mastrioskal que aunque nunca se vuelque al Noise, sí que tiene la mala hostia de su andamiaje. Improvisación pura de cuerdas destensadas sobre un fondo apelmazado parecido a hacer gárgaras con esquirlas de piedra volcánica que lenta pero inexorablemente se transforma en avalancha pétrea o batalla cósmica en la ladera de una montaña. Decía Sabas Martín en `Ritos y Leyendas Guanches´ (Miraguano, 1985) que Guayota y el Dios Supremo Achaman (el Cielo para los guanches): `Guayota había encerrado al dios del sol Magec en el interior del Teide, sumiendo a todo el mundo en la oscuridad. Los guanches pidieron clemencia a Achamán, quien tras una encarnizada lucha consiguió derrotar a Guayota, liberar a Magec y taponar el cráter con Guayota en su interior.

La leyenda cuenta que el tapón que puso Achamán es el llamado Pan de Azúcar, el último cono, de color blanquecino, que corona el Teide. Cuando el Teide entraba en erupción, era costumbre que los guanches encendieran hogueras con el fin de espantar a Guayota o bien, según otra versión, para que si Guayota lograba salir del Teide, creyera que seguía en el infierno y pasase de largo ´.

(Emeterio Gutiérrez Albelo)

Guitarras acústicas, fondos de cuencos tibetanos, un precioso recitado de Mara B. Stones y un fundido a crimen de ataudes salados y cruces oblongas finiquitan los casi 13 minutos que dura esta maravilla. 

"Ycodex" comienza en modo collage sonoro y cuenta con la colaboración a las voces de Virginia Pedrosa. Esos abruptos tonos de la eléctrica de Guillén son puro Rock en Oposición, Frith, Zorn y la calculadísima orfebrería sonora de Cassiber o Derek Bailey. Los sonidos de fondo son del Mercado de Teguise (Lanzarote) y las letras se basan en `El Enigma del Invitado´ de Emeterio Gutiérrez Albelo. Puro Guilleanismo, aceleración y desaceleración tanto de la música como de ese característico timbre de la voz que parece poseída en un falsete de cuerdas vocales esfaceladas. Me encanta eso de `Polifonía Babilónica´ porque lo define a la perfección; aunque la guitarra sea el instrumento principal da la sensación de que tiene mil doscientas cuerdas y abarca todas las escalas posibles, ya sean pentatónicas, zaratustrianas o evangelistas. Todo adquiere una dimensión superior cuando el saxo de Pelayo Arrizabalaga se permea en un desbocado Free Jazz que sí que recuerda (cómo no) a una mezcla entre The Lounge Lizards y los propios Les Rauchen Verboten.

(Dibujos de Luis Ortíz Rosales)

 

Este antropológico, social y a ratos espiritual viaje lo culminan los 12 minutos de "Sacer" que si mis datos son correctos es un término que viene de la Antigua Roma y que juega con una ambivalencia extraña dado que se podía aplicar tanto a lo sacro y divino como a lo abyecto. Se basa en el poemario `Lo Imprevisto´ de Domingo López Torres escrito desde la desalmada penitenciaría / campo de concentración de Fyffes (Santa Cruz de Tenerife) donde es encerrado y asesinado por falangistas en una de las peores muertes imaginadas; arrojado al mar dentro de un saco junto a otros prisioneros; hago un inciso para comentar en este punto de que el tema tiene grabaciones de campo realizadas en la lancha ferry que va de Lanzarote a La Graciosa (atad vuestros cabos). El libro contó con unos alucinantes dibujos de Luis Ortiz Rosales. 

De inicio calmo de voz y guitarra, va creciendo con la entrada de la base rítmica. Una estructura semi circular va llevándolo todo hacia un terrorífico clímax de ruidismo acuático, helicoidales sonidos de hélices amplificadas que se desplazan hacia un subsónico drone que enroca con silencio y unas líneas de guitarra a modo de arpa mediúmnica procedente de ese más allá donde habitan los más de 1.000 desaparecidos en 1937 en Fyffes. Cierra el círculo en mismo agudo pitido que abría Islas de Cielo y vuelvo a poner el disco de nuevo.

Estamos ante una absoluta obra maestra. Estoy exhausto.

https://liquenrecords.com/2024/01/03/a-l-guillen-islas-de-cielo/

https://liquenrecords.bandcamp.com/album/islas-de-cielo

https://alguillen.bandcamp.com/

MOURNING DAWN - "THE FOAM OF DESPAIR" (AESTHETIC DEATH ADCD 098, 2024)

`Tomber du temps

des instants qui proclament

mon isolement ma défaite´

Sobre los longevos franceses MOURNING DAWN ya os he hablado en un par de ocasiones así que os recomiendo leeros antes las reseñas de Waste (2017) y Dead End Euphoria (2021) para no tener que repetir demasiados datos. El nuevo disco, sexto ya, se titula The Foam of Despair y es tan correoso como desenterrar algo muerto para el bocadillo de la merienda. Tras grabarse en diferentes lugares, la mezcla y masterización corre a cargo de Déhà (Opus Magnum Studios). La portada es obra de Laurent (mas fotografías de Tiphaine Zanutto y Pierre Senecal) y la edición tanto en fastuoso digipack como en vinilo (co-edición junto a Tragedy Productions), corre a cargo nuevamente de Aesthetic Death. Para los amantes del cassette, me consta que hay edición limitada a 66 copias de los ucranianos Depressive Illusion Records.

En cuanto a la formación actual, evidentemente sigue Laurent (guitarra, bajo, teclados y voces), Vincent (bajo), Fréderic (guitarras) y Nicolas (batería). Tirando de hemeroteca, entre miembros que ya no están y los que forman parte ahora de la formación tenemos hasta tres integrantes que han llegado a tocar en los Funeralium así que bueno, podéis intuir un poquito que esa mala hostia (o de los Ataraxie) está aquí presente pero si se me permite el inciso, diría que más estilizada. Exanguinados y curados en sal con los años, Mourning Dawn han integrado ese Black Doom de tonos depresivos (a lo Deynonichus) con partes melódicas que recuerdan a los primeros Katatonia además de elevar muchísimo la calidad compositiva hasta el punto de que este The Foam of Despair es para mí su mejor disco hasta la fecha. 

52 minutos del mejor Death / Doom de corte depresivo que te puedes echar a los oídos en los tiempos que corren y donde destacan unas cortantes y heladas guitarras, pasajes de experimentación al más puro estilo Dark Metal de los Bethlehem y similares y en definitiva una intensidad que alcanza cotas tan altas que a penas te deja un segundo para respirar. 

La apertura del disco es espectacular. "Tomber Du Temps" se desarrolla con la tensión de un tendón seco estirándose hasta que se rompe; tras un sampler de voces entra la base rítmica arrastrada, estalla la guitarra y la voz agria se eleva sobre una maraña ultra decrépita. La entonación (está cantado en francés) y el ritmo hacen que todo adquiera una cadencia procesionaria y sin perder en ningún momento la melodía (bestial el riff de guitarra a lo Katatonia en segundo plano). Impresionantes los parones y el mini pasaje instrumental que parte el tema por la mitad con solo de guitarra incluído y unas letras desangeladas (`L´enfer / Le présent / eternité renversée / consolation d´une attente / fut elle funèbre´) aunque lo que me ha dejado tocado es el magnético clímax que adquiere todo cuando entra el saxofón de Adrien Harmois... algo así como mezclar The Mount Fuji Doomjazz Corporation con Death / Doom.... sencillamente genial. Sigue la ultra pegadiza melodía de "Blue Pain" (con el mítico Déhà / Olmo Lipani colaborando a las voces) a caballo entre los Bethlehem tardíos, los nuevos Canaan y por Katatonia por supuesto. El Dark Metal le sienta muy bien a Mourning Dawn y añade un elemento depresivo y nihilista muy marcado que hace que las guitaras fluyan de forma muy orgánica. Hacía mucho, pero que mucho tiempo que no escuchaba un disco tan inspirado.

Vuelve los ritmos más atonales y los acoples en "Borrowed Skin", otra vez con acertadas cuñas de samplers de Spoken Word de corte existencialista y bases simples pero efectivas de teclados que ayudan a subir muchísimos enteros la atmósfera. Por cierto la batería está descomunal a lo largo de los 11 minutos. Las letras, otra vez geniales (`We will vibrate your loss / we will weave your cloth / we will vibrate your loss / I am not in my body / I am just a color / in borrowed skin´). Por cierto, se hacen uso de percusiones casi electrónicas (otra vez me recuerdan a los italianos Canaan) que, para los que tengan ya cierta edad les puede traer a la mente a los olvidadísimos Eterne ingleses que coqueteaban con la Darkwave. De forma bastante orgánica entra "Apex" con un tono muy Old School aunque sin perder una base muy dura, compacta y en cierto modo abstracta muy propia del Black doom depresivo francés; las voces de Laurent son descomunales desarrollándose de forma sinuosa y mezclándose otra vez con la batería descomunal de Nicolas.

"Suzerain" es muy distinta. Ahonda mucho más en el Dark Doom de corte electrónico a través de las baterías programadas de A.K. además de la guitarra de Fabien Longeot. Las letras están sacadas de Suzerain del poeta y miembro de la resistencia francesa René Char (L'Isle-sur-la-Sorgue, Vaucluse, 14 de junio de 1907, París - 19 de febrero de 1988) y con una biografía apasionante. Creando un contraste muy marcado, "The Color of Waves" abre de forma sobria y cuasi cinematográfica para ir dejando paso a un marcado acento fúnebre en la forma sincopada de ir desarrollando sinuosamente las melodías y volviendo a la agónica letanía del inicio del álbum. Un tema descomunal plagado de contrastes, ritmos pausados casi góticos y un manejo de la intensidad estudiado a la perfección para conducir al oyente por todo un carrousel de emociones que tiene su punto álgido en "Midnight Sun" cerrando The Foam of Despair por todo lo alto. Desde la manera de abrir el disco mezclando Industrial y Techno en las bases a las atmosféricas caídas en barrenas que rozan el minimalismo, "Midnight Sun" juega con el electro y explosivos arranques de un Black Doom Noise excelente que no vienen más que a confirmar que MOURNING DAWN han grabado un disco que entra en mi top ten de este año.

IMPRESCINDIBLE.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6035

https://mourningdawn.bandcamp.com/album/the-foam-of-despair