miércoles, 26 de marzo de 2025

ISABELLE DUTHOIT & PROYECTO OCNOS - "CHILLAR TODO EL DÍA" (SENTENCIA RECORDS; SRCD24, 2024)

Áspero y brutalmente atonal es Chillar todo el Día de Isabelle Diuthoit & PROYECTO OCNOS, grabación / mezcla en directo el 5 de Noviembre de 2021 por Javi Mora (Espacio Turina, Sevilla) y que sale a la luz por Sentencia Records en formato digipack. Proyecto Ocnos, bajo diversas encarnaciones (aunque siempre pivotando alrededor de la primitiva molécula o prión de Gustavo A. Domínguez y Pedro Rojas), lleva ya un tiempo soterrando el subsuelo hispalense y creo que el texto de su página web es tan potente que es imposible que pueda eludir reproducirlo aquí:

`Ocnos, cuyo nombre utilizó Cernuda para su poemario sobre lugares de Sevilla, es un misterioso habitante del Hades que pasa la eternidad trenzando una cuerda de juncos que su asno devora en el acto. Símbolo de lo efímero, y de lo in-útil, la trenza de Ocnos establece una perfecta analogía con el arte, que no sirve a ningún propósito más que a sí mismo; y particularmente con la música que, como la cuerda, desaparece inmediatamente tras ser creada.´

En esta grabación, masterizada y engalanada por Borja Díaz y Gonzalo Santana respectivamente. Portada muy a lo Evan Parker del The Topography of the Lungs (1970) mezclada visualmente con cierta sutileza de cuando Zorn tenía mala baba (sus grabaciones en DIW o las primeras cositas en Tzadik). La ilustración escogida es el impresonante grabado `Muscles of the tongue, mouth and throat, with interconnections to the nose: three figures´ de A. Bell según G. Bidloo, 1798. La formación aquí es:

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Isabelle Duthoit, cantante
Alejandro Rojas Marcos, piano
Luz Prado, violín
Marco Serrato, contrabajo
Borja Díaz, batería
Pedro Rojas-Ogáyar, guitarra eléctrica
Gustavo A. Domínguez Ojalvo, clarinetes y concepto musical
Alfonso Camacho, audiovisuales
Ana Sánchez Acevedo, dramaturgia y escenografía

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Presentar a cada músico sería tedioso, además de que much@s ya han recorrido las páginas de este blog en reseñas de conciertos o discos (desde Luz Prado a los combos jazzísticos de Borja, Serrato y Gustavo). Sí que me gustaría hacer hincapié en la excelente labor de Isabelle Duthoit, también clarinetista, y que ha colaborado con vocalista y clarinetista francesa que ha colaborado con artistas tan insignes como Joelle Leandre, Marilyn Crispell, Ingebrigt Håker Flaten, Paal Nilssen-Love, Matija Schellander o Tom Hodgkinson


Chillar Todo el Día es una obra experimental basada en un cuento de Kafka (los detalles de la trama y sus implicaciones en la música os la dejo para vuestras investigaciones) y que a nivel sonoro yo capto diversas partes bastante diferenciadas y que beben de distintas fuentes estilísticas casi todas ellas del Free o la Impro Europeas. Así pues, esta poliédrica incursión en forma de suite viene a ser una especie de reverso tenebroso entre las composiciones de Carla Bley (Escalator Over the Hill por ejemplo), las obras más crípticas del primer Free Jazz europeo de Keith Tippett con su bestialidad irrepetible de la CENTIPEDE BAND (Septober Energy, 1971), pero todo más enfocado a la Impro pura y dura de silencios casi perpetuos de unos AMMSpontaneous Music Ensemble (por supuesto, siempre guardando las distancias con los nombres casi míticos que estoy soltando aquí). Dicho de otra manera, la electroacústica (Cage o Riley) juega al parchís con la garra de juventud de Evan Parker, Guy o Lytton y haciendo diversas incursiones melódicas en aquel Free Jazz Británico primigenio donde todavía no se había perdido totalmente el fraseo melódico. 

Claro, luego tienes una bestia de la naturaleza que es la base rítmica Serrato-Díaz o esa impresionante cascada de clústers de piano de Rojas Marcos que tiene la fuerza de Cecil Taylor en sus mejores conciertos. Cuando pones todos estos elementos en la batidora, lo que obtienes es una trama pautada de corte insano (la voz gutural de Isabelle es apabullante), clímax atronadores que rescatan lo mejor de Hidden Forces Trio y en definitiva, una obra con una personalidad propia que no se asusta nunca de pasar de la Concrete Music a las disonancias puras y duras. Evidentemente, sobre la parte dramatúrgica y el diseño del set de Ana Sánchez Acevedo no puedo opinar más que por las fotografías que he visto que apuntan a que fue un evento trabajado hasta el último detalle.


Un excepcional gruñido hace de `fade in´ para empezar la fiesta con "Obertura". Minimalistas ejercicios donde destaca un piano nervioso que interactúa con todos los instrumentos (micro notas asordinadas del clarinete, los platillos de la batería o los tonos grávidos Noir del bajo). La voz de Isabelle se animaliza (pasa del rango de lo grave a lo agudo de forma casi imperceptible y vibrando en la misma longitud de onda que el clarinete) a la par que la Arkestra se va contorsionando sobre sí misma en ejercicios abruptos de todos los instrumentos. "La Quietud" es minimalismo basado sobre todo en la base rítmica y algunas regurgitaciones del clarinete en tonalidades muy bajas, cosa que se vuelve a repetir más adelante en el largo "Me Burlo de Vuestra Protección". Imposible no acordarse de la Spontaneous Music Ensemble.

La Música Contemporánea hace acto de presencia con las cuerdas golpeadas (no sé si de guitarra) y sonidos muy difíciles de localizar (cuesta saber si es una cuerda destensada del violín, de la guitarra o un objeto golpeando el contrabajo) pero que exuda en conjunto teatralidad y si bien no se llega al rock en ningún momento, no es baladí citar a Art Bears o Henry Cow, a cositas de Dagmar Krause y vaya usted a saber si hasta de Julie Tippets. Estamos en "Nuestra Raza no Aprecia la Música". Cuando se alcanza tal nivel de disonancia el espacio / tiempo se deforma y se entra en un trance del que nos saca Serrato allá por el minuto 2 de "En Medio del Sueño" con un maltrato evidente de las cuerdas del contrabajo (elongaciones, bondage y rasgueos con arco). La segunda parte del corte donde se suman todos los instrumentos como una muralla es de una sobria intensidad que roza el Doom jazz (si alguien sabe lo que es ese género) al margen del cariz `gutural´ que aporta la voz de Isabelle.


De mis temas favoritos "Concerto Grosso" donde se eleva el asunto a máximas cotas de intensidad. Un puño americano de ImproJazz de corto minutaje que engarza con la pieza "Interludio" de cariz mucho más Jazzístico. El triple juego de cuerdas (contrabajo, guitarra y violín) es la TTT o Trinidad de Torturas Timpánicas (se rozan, se autoagreden, copulan, rompen y reconstruyen una y otra vez en los 60 minutos del disco). Sigue "Nuestra Vida es Dura" con un ejercicio circular de Gustavo al clarinete que me trae mucho a la cabeza (cambiando a trompeta) al Don Cherry de finales de los 60. Por cierto, me encanta el sincopado ritmo de la guitarra eléctrica de Pedro Rojas, la profusión de recursos percusivos de Borja Díaz y los asfixiantes jadeos de la voz... todo dirigido a un decrescendo cinematográfico alucinante.

"¿No será un simple chillido?" juega con una oscurísima atmósfera de glosolalias abotargadas y circulares clústeres de guitarra y violín. Soberbia la explosión y giro hacia ese Free doom de agrupaciones como Dead Neanderthals. Tras la mentada arriba "Me Burlo de Vuestra Protección", toda una sábana de Jazz benzodiacepínico que va subiendo peldaños en sus últimos minutos conforme el sopor es revertido como los antídotos de los relajantes neuromusculares hasta que se desemboca en "Su Último Chillido"... diez minutos donde se destila más de todo lo anterior y se finiquita con la bienllamada "Finale".

En resumidas cuentas, un DISCAZO IMPRESCINDIBLE si te gustan estos estilos.




martes, 18 de marzo de 2025

EDU COMELLES / SERGI PALAU - "ABOUT BERLANGA" (OIGOVISIONES LABEL OV-28, 2024)

Edu Comelles (música) y Sergi Palau (visuales) son artistas quintareferenciales (tanto, que no voy a biografiarlos sino enlazaros a las líneas vitales de sus págines web) que unen fuerzas en este atonal, poliédrico planeo bicromático homenaje al gran Berlanga en la que se me antoja una de las mejores ediciones del sello OIGOVISIONES LABEL hasta la fecha. ABOUT BERLANGA, que así se llama la edición, es una suerte de banda sonora `audiovisual´cuidadísima hasta en el más mínimo detalle artesanal que a la sazón es: 

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una 4Gb SD Card (Lossless & HiQ Mp3/Live Av FullHD), con portada impresa en papel de 250gr (Materica Clay cardboard) que sustenta un insert en papel de 180gr (Materica Limestone), además de 4 preciosos fotogramas en 180gr (Materica Limestone). Todo recubierto con su funda protectora de plástico y sellado con la pegatina con el logo del sello.  

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¿Qué es lo primero que hago? Pues como ya me vais conociendo, pues quemo la música a un cd-r y lo meto dentro para tener acceso rápido y directo a los maravillosos 33 minutos que pasaremos a describir a continuación aunque he de advertir que la experiencia es audiovisual y para ello se incluye un vídeo del Festival Volumens (La Mutant, Valencia, 2022) que es de OBLIGADO VISIONADO.

Intentar abarcar todos los detalles técnicos de semejante proyecto sería tedioso, así que resumo con varias pinceladas: idea original de Antonio J. Albertos, grabación del vídeo y edición por TV2Beat / Sergi Palau, diseño de F.Ba y masterización de Rubén Suárez. El resto sería casi la lista de los créditos finales de Superman. No me gusta hacer corta y pega, pero los artistas definen a la perfección su trabajo:

`About Berlanga es un proyecto audiovisual en clave digital y contemporánea. que toma como punto de partida el universo cinematográfico de Berlanga y sus bandas sonoras. para construir una paisaje sonoro y visual crítico sobre la nostalgia, la memoria colectiva y el recuerdo. 

La pieza toma como punto de partida tres de las más icónicas bandas sonoras de Miguel Asins Arbó· Plácido, El Verdugo y Bienvenido Mr Marshall para hacer una relectura de las mismas a través de su deconstrucción musical y procesado electrónico. El conjunto presenta un paisaje sonoro en el que el ruido de cintas magnetofónicas y altavoces antiguos dialoga con ensof1aciones musicales que disparan la memoria y el recuerdo de unas melodías que, más que bandas sonoras. forman ya parte de un imaginario cultural común. 

Desde lo visual Sergi Palau despliega su imaginario seleccionando imágenes y secuencias de las mismas tres obras que, aún procesadas digitalmente. buscan crear una nueva narrativa sin separarse del mensaje social desprendido de ellas y que conjuntamente con la pieza musical, trasladan el universo Berlanga hacia una nueva y poética dimensión.´

Esto resume bastante la parte sonora y visual, pero lo que le da empaque contextual y cuerpo es la descripción casi atávica que hacen de ese hilo umbilical que une generaciones, sensaciones, vivencias, olores y nostalgias hasta el punto de que la reflexión filosófica hace acto de presencia enclavando About Berlanga en un determinado momento de nuestra historia:

`Es un viaje de ida y vuelta persiguiendo un imaginario sonoro y visual de una época pasada, donde la sátira era el instrumento para combatir la censura del régimen de Franco y dibujar una crítica feroz a un sistema atroz y perverso. Desde la óptica y escucha actuales. con la retromanía y el culto a la nostalgia es fácil que proyectos como este acaben en este cajón desastre revisionista. Sin embargo aquí, About Berlanga busca una lectura crítica sobre cierta nostalgia, especialmente cuando en el momento actual resulta tan vigente como hace 60 anos. ¿Qué ha pasado desde entonces? ¿Cómo sigue vigente una sátira y su discurso político en la actualidad? 

¿Por qué seguimos combatiendo la misma sinrazón, intolerancia y desigualdad? About Berlanga no quiere buscar respuestas, quizás plantearnos la forma en como alimentamos la nostalgia y como esta a veces no es neutra.´

Aunque voy a describir los patrones sonoros (como los sastres, con sus costuras inclusive) de Comelles, es ineludible visionar el procesado de imágenes de Palau y de cómo todo fluye en un orgánico carrusel de blancos y negros. La experiencia total es audiovisual y el punto exacto de cosmicidad se alcanza evidentemente con la todopoderosa presencia bioespectral de Pepe Isbert haciendo de Guardián del Inframundo de las Artes; o más bien de nexo de unión entre el sonido (su voz) y la imagen (su fisonomía trascendente). Y perdonad que insista en Isbert porque es algo casi Atávico y Arquetípico lo que se invoca desde las mentes creativas de Comelles-Palau. Más que un homenaje, es un estudio social de toda una épica a través del sonido y la imagen.... y creedme que eso es complicado de realizar y que llegue a tocar la fibra sensible tanto como me la ha tocado.

Decía Jacques Derrida que la Hauntología es el carácter espectral de ideologías del pasado cuya ambigüedad ontológica ronda de manera persistente en el presente bajo la forma de los fantasmas intangibles del mundo contemporáneo. Lo hauntológico bebe de lo fantasmagórico y está ineludiblemente unido al marxismo, pero como todos estos conceptos acaban abarcando un campo de estudio más amplio que en About Berlanga que puedo resumir diciendo que es un choque frontal de trenes desbocados... uno que va por un raíl desde el pasado, otro que transcurre por el presente. ¿Problema? pues que se trata del mismo tren. "Plcd" abre con multitud de glitches y motivos acampanados que se encorsetan en disruptivos tonos que parecen proceder del mismo éter donde copulan las ondas radiadas. Un minimalismo electrónico exquisito muy sosegado y meditativo, a ratos hipnótico y curiosamente aun viniendo del pasado para transmutarse en el presente, posee cualidades del futuro.

Ese lento discurrir de cintas magnetofónicas, de surcos erosionados y cierto aire a Alan Splet en sus originarios proyectos en Eraserhead. Mientras escucho la música medito en intentar descomponer en moléculas la cara de Jose Luis López Vazquez pero tras hacerlo, descubro que detrás habita el abismo y me entra la congoja así que vuelvo a mi zona de comfort. Fabuloso cómo el corte se vuelve melódico con el empleo de teclados litúrgicos espaciados en el tiempo y la sensación de que me están amortajando con algodón impregnado en colonias viejas que ya no se fabrican. Magnífico el giro que toma la música sobre el minuto 7 recreando una suerte de `nana espectral´ que pone los vellos de punta. 


Crepitantes puertas y pasos en "Vrdg" se abren a espaciadas y letárgicas notas pellizcadas, vaivenes pulsátiles cuasi vibrafónicos crean una bella trama electroacústica que bien podría representar la caleidoscópica mente del Verdugo tras sumirse en litros de alcohol esperando que pase la aciaga noche en la que tendrá que desmotar las herramientas de su maletín... como igualmente pueden reflejar esos instantes de belleza pre mortem del que se sabe ajusticiado en los primeros albores de la mañana. Magnífica la habilidad constructiva de Comelles creando capas y subcapas. Pero insisto que esto sólo es la mitad de la experiencia porque Palau despliega toda una vorágine de efectos visuales aplicados a unas ya de por sí icónicas imágenes. El tema que cierra el álbum, "MrMrshll", es una delicia de guitarra procesada y drones loopeados mediante magnetófonos que con las alteraciones en cascada de los fotogramas alteran los estados de consciencia (os invito a que al menos veáis el teaser). 

Desconozco el grueso de recursos que se han empleado, pero entre la guitarra acústica y la electrónica de fondo, mi cabeza porosa me retrotrae al primer Florian Fricke y sus Popol Vuh... a la Kosmische pastoral y Khrisna Von Goloka. No voy a añadir mucho más de lo que se me antoja una referencia (limitada a 50 copias) de adquisición OBLIGADA; una experiencia ciertamente lisérgica (curioso porque los colores predominantes siempre son el blanco y negro) y que induce a un trance nostálgico, meditabundo y con olor a naftalina.


jueves, 13 de marzo de 2025

JAVIER ARNAL - "BARAÚNDA" (WD RECORDS; WDR015, 2024)

Si me llegan a decir hace unos años de Javier Arnal iba a desestructurar molecularmente su música desértica y crepuscular en necro industriales Bosones de Higgs ruidistas pues posiblemente hubiera pellizcado mi pezón izquierdo hasta necrosarlo. La cosa no queda ahí porque el sello detrás de algo así es WDRECORDS que lo capitanea Josep Maria Soler (aka Stahlfabrik) que pocas presentaciones necesita. Leyenda de underground que poco voy yo aquí a aportar que no hicieran mil veces mejor desde la Revista Procedimentum donde se abre en cuerpo, alma, espíritu y ano (enlace aquí). Baraúnda, que así se llama el disco, se edita en formato digifile limiatdo a 100 copias que masteriza Dal Verme (otro que da para artículo) tras la grabación / mezcla del propio Arnal. Del trabajo gráfico se encargan Alicia Salvador junto al propio Soler.

Dice Arnal (o alguien) de Baraúnda que `es un intento de desmontar el orden sonoro de algunas de mis composiciones anteriores llevándolas a su descomposición orgánica donde apisona el retumbo de dulces melodías´... cosa que yo no comparto y que prefiero reestructurar como que `es un orden sonoro de algunos de mis intentos de composiciones apisonadas llevándolas a su descomposición de dulces melodías orgánicas en retumbe´. Puede parecer similar, pero si lo meditas, verás que no y que entre palabra y palabra se abre todo un universo de posibilidades... y es que no es lo mismo eyacular fuera de un cactus que dentro del mismo.

La preciosa palabra Baraúnda hace referencia al desorden, al ruido y al tumulto, y esas tres posibilidades estructurales son las que se han usado para descomponer material de temas previos de melódica pólvora en arrope (aunque se grabe en directo en LA CASITA ROSA ESTUDIO) como Canciones Defectuosas, Tus Besos, El Impostor o The Liars en una pegadiza pátina mortuoria de abyecta electroforesis musical... algo así como echarle el aliento a un espejo y oler a muerto porque estás muerto, no porque tengas halitosis. Ignoro cómo ha sido el proceso de mezcla pero conociendo a Javier de habérmelo follado literariamente, posiblemente ha metido cada uno de sus discos en un hueco de un revólver y girado el tambor hasta poner la música a punto de clara de huevo. El resultado funciona... y no sólo es que funcione, sino que es de una calidad que quita el hipo. Poneros vuestro traje de psiconautas que nos vamos a adentrar dentro del propio Javier.... me da igual si entras por la boca o por el culo, pero nos vemos en el centro del corazón (Anahata Chakra de color verde cadáver).

El disco se abre con "Baraúnda Prólogo", planeadora melodía de guitarra ultra procesada donde yacen incrustadas las voces tipo Spoken Word de Javier. Todo muy mistérico y dental (la voz enterrada como una muela infectada rodeada de su gordo flemón), sibilante y sibilino creando atmósfera introductoria con la que dar paso a "Baraúnda Primera", a la sazón siete minutos de Dark Ambient que como sanitario me suena a la válvula espiratoria del Ventilador Mecánico (o Pulmón de Acero) que Asiste a Dios Todopoderoso. Cósmico sin llegar a Kosmische, Industrial sin abrazar el ruidismo pero lo suficientemente metálico para que necesites de vacuna ótica. Vaporosas olas con elementos disruptivos campaniformes, glitches y chirridos (cuesta a veces reconocer la procedencia del sonido) y un perfecto giro hacia el oscurantismo abisal y claustrofóbico. Flipante la profusión de capas in crescendo que hace que el conjunto (con sus deformadas voces de fondo) suene a una especie de Cuarto Mundo de John Hassell pero que hubiera sido compuesto desde cualquier apócrifo hospital psiquiátrico. Capto vientos asordinados y olor metálico (sangre).

Sigue "Baraúnda Segunda" que recuerda bastante a los experimentos de Miguel A. Ruiz en cualquiera de sus facetas o las descomposiciones sonoras de Quiroga en los excelsos canarios DUE... pero esto es sólo al principio porque luego la guitarra de Javier va desplazando todo lo anterior dando al conjunto (ahora sí) todo el empaque planeador de la Kosmische (o al menos así lo escucho yo). Para los puristas, quizás mejor emplear la electrónica francesa de Michel Magne o Patrick Vian, cosas que me permito soltar aquí sin tapujos porque tampoco le debo nada a nadie. El que escucha es un escuchador. 

Sigue la más electroacústica, acuosa y humectante "Baraúnda Tercera", suerte de himno obsesivo que sigue la misma estructura que la anterior. Tras la intro, vuelve a hacer acto de presencia la guitarra procesadísima pero esta vez empapándose totalmente de todo lo que la rodea, e igualmente recordándome a la más oscurantista escena Kraut pastoral como primeros Popol Vuh o la versión batrácica de Witthüser & Westrupp. No soy Pauline Oliveros pero me puedo permitir darte un consejo / guía de escucha: olvídate de todos los elementos y céntrate en la sutil mini melodía de fondo que son tres notas que se repiten `ad nauseam´. Cuando te quieras dar cuenta, estás volando.


A partir de aquí se suceden 20 minutazos repartidos entre "Baraúnda Cuarta" y "Baraúnda Quinta" en las que Arnal da rienda suelta a toda una serie de recursos experimentales; el primero con deformación litúrgica de la voz, guitarrazos cercanos al Drone doom en una estructura procesionaria metalera cuasi homiliesca y quizás, de todo el disco, la parte más hipnótica, minimalista y jodidamente repetitiva. Prefiero explicar poco y que subas el volumen. El otro, letanía apocalíptica radiada desde una estación de radio ilegal de una secta destructiva... la versión onírica (reverso tenebroso) del disco de los Niños de Dios que siempre quisiste tener y que suena industriosamente industrial.

Realmente, no entiendo como propuestas de esta calidad no revientan los circuitos periodísticos. Quedan "Baraúnda Sexta" y "Baraúnda Fin" que te las dejo a tí, querid@ oyente.

Ultrarecomendado:

https://javierarnal.bandcamp.com/album/bara-nda

https://wdrecords.com/baraunda/

lunes, 3 de marzo de 2025

UNTIL DEATH OVERTAKES ME - "DIAGENESIS" (AESTHETIC DEATH; ADCD107, 2024)


`Bereavement ravages the mind, and time promises to blunt its strength. A pale wasteland may recover one day, but the guilt that comes with fading memories takes root instead. And here, time only strengthens it. As clear images become abstract dreams, guilt bears down with its growing, crippling mass.The only ones to understand, who could ever forgive, have already gone ahead, and are those same ones fading out of view.

And when they're truly gone, only death may forgive.´

   (new Van Cauter)                                               (old Van Cauter)

Aunque he citado muchísimas veces al belga Sjin Van Cauter en este blog como influencia de otros discos y artistas, es la primera vez que reseño un álbum suyo, y eso que parece que fue ayer cuando mediante catálogos en papel conseguí mi copia del flamante Prelude To Monolith (Firebox, 2003) y pasaron algunos añitos hasta que otra edición física cayó en mis manos: Days Without Hope (Marche Funebre Productions, 2009). Entre medias conseguí un buen puñado de material descargado de la por entonces ineludible Doom Metal.Com donde iban cayendo inexorablemente sus primeros Absence of Life (2001) y Deep Dark Red (2001), que si mal no recuerdo se editaban físico por el sello The Nulll Records del propio artista que entre unas cosas y otras lleva en activo desde más o menos 1999. 

La formación inicial de UDOM incluía a Pamela Durrell (flauta), Elke de Smeldt (guitarra acústica y teclados) y Jo Rennette (guitarra, bajo y teclados) aunque ignoro si existe algo grabado bajo esta formación y las razones por las que se transforma en un proyecto en solitario; lo que sí se es que todo data del periodo comprendido entre 1997 y 1999 donde se hacían llamar MACABRE DESTINY y se coqueteaba con el Folk. La siguiente fotografía que dejo me indica dos cosas... una, que tocaban en directo y la segunda, que efectivamente había flauta:

Lo cierto es que gracias a Stjin y su música me adentré en el Funeral Doom de corte Extremo / Ambient que se extendía además a sus otros proyectos en solitario como Beyond Black Void y The Ethereal (ambos en físico por Marche Funebre), The Sad Sun o vueltas de tuerca ultra retorcidas hacia el Noise o Drone como Fall of the Grey-Winged One, Cold Aeon, Dreams of Dying Stars, I Dream No More... y muchos más. Luego estaba su participación en bandas como los ultrapoliédricos The Nulll Collective, In Somnis, Solicide (llevo buscando su disco en físico una eternidad) o aquel impresionante debut de Wijlen Wij. Tras toda aquella vorágine de primeros del 2000 hasta 2009 o así la producción era impresionante, hasta que vino el silencio y su posterior vuelta la escena con Until Death Overtakes Me con una serie de discos editados por la discográfica italiana Dusktone (AnteMortem y Missing, 2016 y 2018 respectivamente).

Precisamente Wijlen Wij, The Nulll Collective y los espaciales Arcane Voidsplitter son los tres proyectos que acaban editando con el insigne sello AESTHETIC DEATH, además de cerrarse (o abrirse) de alguna manera el círculo (Van Cauter es asiduo colaborador del sello inglés sobre todo en el apartado gráfico y de layout) con este nuevo Diagenesis de UNTIL DEATH OVERTAKES ME que sale en formato Digipack a 6 paneles con el siempre reconocible estilo espacial de artwork de Stijn. El término diagenesis proviene del griego y hace referencia al término geológico de formación de una roca sedimentaria así que imagino que a nivel abstracto conectará con la psique como así atestiguan las letras siempre minimalistas que siempre me han recordado a una especie de vuelta de tuerca (fúnebre) de los Haikus Japoneses. Cuatro temas en 60 minutos sólo apto para iniciados en ese pétreo, monolítico, apelmazado y ultra lento devenir de la música de Stjin.

"Ascension" recupera los efluvios ambientales y sinfónicos de sus primeros discos con una apertura clásica en la que está siempre omnipresente un teclado que te subyugando, una percusión mínima y voz ultragrave al más puro estilo Skepticism. Basado en un tempo tan lento como el devenir de un Kali Yuga, la guitarra plúmbea y ultradistorsionada se acompasa a los platillos de la batería para crear un efeccto irreal / onírico que se acentúa con esas letras ultracósmicas marca de la casa: `I have begun... my eternal sleep / my mind has... been made undone / the self shattered... freely surrendered / to persist only... within memories / and so i may enter... a new existence / one where i am... made of dreams´. Pasajes instrumentales donde se acentúa ese decrépito y necrosado Ambient que contrasta con unas guitarras tan extremas que dan la sensación de ser estallidos de electricidad en el silencio del Cosmos;  puro y genuino Funeral Doom meditativo que induce al trance y que recomiendo escuchar con auriculares a altas horas de la madrugada.

Siguen los 16 minutos de "End's Lure" con unos fabulosos teclados orquestales de cuerdas y ecos al romanticismo de Chopin. La brusca entrada de la guitarra es casi un cañón (la forma insana de tocar la guitarra ha permanecido incólume en cerca de 25 años) y esa percusión bombástica con tambores que imprima al conjunto de un aroma épico decadente. Un cruce entre Skepticism y sus monásticas capas de teclados y los Elend más ambientales. Al igual que su música que tiende a disolverse en el éter espacial, las letras adquieren connotaciones de un pesimismo existencialista considerable: `a return to before / a return to nothing / and all pain will be forgotten / all pain forgotten´. Mi mejor consejo, dejarte llevar...


"White Light" es todo un monolito fúnebre que me recuerda nuevamente a Wijlen Wij. Todos los instrumentos unidos en un hilo umbilical que adquiere cotas mayestáticas con un giro más inmediato que en los anteriores temas. Cuando entra la voz, es otro elemento más en ese imperturbable flujo espacial que se refleja otra vez en las letras y su tono circular, hipnótico, devocional y cíclico:

`tonight we'll dream of the dead stars from where we came
and in dead stars, fragments of us will meet again - again - we must
tonight we'll dream of the dead stars which we will be
tonight we'll dream of the black voids which will take us away
and in time of dead stars, the whole of us undone - undone - undone´

Es impresionante cómo de adictivo suena UDOM a pesar de no variar prácticamente la propuesta en dos décadas. A nivel sonoro, el equivalente al movimiento de los planetas con su magnificencia y letárgica lentitud procesionaria. Diagenesis se cierra recuperando el corte instrumental "For" que si mal no recuerdo es de 2009, año en que se editó en single aunque su versión primitiva es más antigua. Puro y genuino Ambient Funeral Doom que o lo amas o lo odias... no creo que haya medias tintas.

Está claro a estas alturas que yo lo amo.