lunes, 12 de marzo de 2018

EL SONIDO DEL VACÍO - "EL SONIDO DEL VACÍO" (GRABACIONES AUTOBOMBO 2017)


Hay una mezcla que resulta explosiva. Una es la arqueología, y otra los lugares abandonados. La fascinación magnética que sobre mí ejercen llegan a nublarme la mente y tengo que reconocer que en alguna ocasión la adrenalina ha vencido a la sensación de peligro. La paralización de la actividad en algunos lugares no implica que la inexorable labor de los elementos "descompongan" todo y es que las leyes físicas dicen que todo tiende al polvo.

De GRABACIONES AUTOBOMBO y el proyecto de Techno Minimalista Noise asturiano YUNCLAS os he hablado ya, tanto en "Quebraes" (reseña aquí) como "A Train To Finland" (reseña aquí). En esta ocasión tenemos al mismo ente pensante pero detrás de un proyecto distinto. Bajo el contexto de una "Residencia Artística" en el Centro de Arte y Creación Industrial llamada "Sonorizando El Vacío", ADOLFO FERNÁNDEZ realiza una serie de grabaciones de campo en lugares abandonados y que así sin meterme todavía muy de lleno me recuerda enormemente a esa grandiosidad que resultó "Óxido" de JAZZ NOISE / TAIS BIELSA (que reseñé también aquí).

Grabaciones de campo y diversos efectos componen EL SONIDO DEL VACÍO, cassette editada por GRABACIONES AUTOBOMBO y que no es más que una suerte de suite industrial minimalista cargada de un poderoso y autómata gusto por el Techno en lo percusivo, y los desangelados ambientes de los lugares abandonados de difícil acceso en las partes más claustrofóbicas y Noise. El abandono como ente productor de música es a priori un ejercicio muy interesante que, siendo verdad que no se cumple en todo su rigor (es decir, si el 100% de los sonidos usados hubieran sido captados mediante grabaciones de campo), sí que resulta atractivo en su conglomerado final (como siempre en YUNCLAS, cargado de trasfondo social). ADOLFO FERNÁNDEZ usa generadores de ruido creados manualmente por gente del fanzine de Barcelona "Sonic Anarchy" y que le da ese toque Industrial al conjunto. Los temas de los que hablo no están ordenados igual en el bandcamp que en la cinta si mis orejas no me han fallado, así que quizás alguna descripción os resulta chocante e incluso contradictoria dependiento del formato que estéis escuchando.


Sonidos reamplificados hasta el infinito a través de lugares cerrados, claustrofóbicos y en decadencia adornan el inicio de "El Vacío Del Tunel", donde se construye una sinfonía casi marcial arrastrada y lenta que se despliega a lo largo de 14 minutos de duración. Sigue "Erpo (El Fuego Purifica)". Erpo fue una casa que fue quemada en un conflicto laboral en Talleres Moreda en los años 80; la noticia quedó recogida en diarios y tiro de hemeroteca para que os hagáis una idea (aquí). Violencia electrónica sudada por los cuatro costados con sabor cobrizo dulzón de sangre de estaca emponzoñada en miel, con un sonido acampanado insistente y machacón que se eleva a la máxima potencia en "Minas Solvay", título que hace referencia a la homónima mina abandonada y que como muchas otras localizaciones industriales no son más que despojos de proyectos gubernamentales que caen en desuso, con la consiguiente debacle humana y social que provocan. 

Un tempo lento, metálico y arrastrado vertebra un paisaje que tal y como dice el libreto que acompaña la cinta, está dibujado a partir de ruidos recogidos en esos enclaves industrializados donde el verdor asturiano contrasta con el marronáceo óxido que pudre el hierro. Oscurísima, bailable y jodidamente tribal, es mi tema favorito de la cinta. Por momentos parece estar grabado en una estación de tren fantasmal donde se hubiesen instalado campanas tubulares.

"El Tarronal (La Mina Asesina)", otra mina (esta vez de Mercurio) abandonada en 1974 y todavía contaminada en el presente. Fantástico símil/comparación entre el envenenamiento físico y el espiritual del trabajador asalariado que lucha para conseguir un mendrugo de pan (los había que se iban a las minas, los había que se convertían en verdugos.... lo importante era comer). La mezcla entre los sonidos maquinales y el tribalismo hacen una curiosa amalgama seudo EBM simple y directa donde el Techno se vuelve desalmado, frío y áspero. Casi parece que la tetania va a abordarte si sigues escuchando la cinta... como un cruce entre MERZBOW y DIE KRUPPS o algo así.


Sin duda lo que más me gusta de los proyectos anclados en el sello GRABACIONES AUTOBOMBO es el cariz totalmente no comercial ni lucrativo que mueve a la música y a las ediciones en sí, y esta cinta me ha volado la cabeza. Cuando un artista no depende de nada ni de nadie es cuando puede asomarse al vacío y traerse grabaciones de campo de allí. 


viernes, 9 de marzo de 2018

LA METÁFORA VENTRAL: "VOCES Y FORMAS DEL MAS ALLÁ" (EDICIONES TORACIC; ED70, 2018)


En noches de luna llena al amparo de una farola que parpadea, bajo la llovizna de un invierno que no termina de romper, y sobre los orines de un perro en sus últimos días, estoy pensativo y con la mirada fija. La mirada fija en ese astro satélite. Hasta tal punto miro fijamente que no sé si estoy viendo algo redondo y flotante, o realmente es una ilusión óptica y se trata de la entrada a un túnel. A veces las ilusiones ópticas provocan paradigmas y cambios radicales en el pensamiento y el devenir del ser humano. No todo lo que está en relieve está realmente cóncavo, y puede ser que la realidad sea más convexa de lo que aparenta... ¿No lo entiendes?... es fácil, DATE LA VUELTA.

¿Es EL SER HUMANO, habitante del Planeta Tierra, ente avanzado de la creación, o sólo es el final de un conducto intestinal de una criatura de mayor tamaño?. Quizás sólo somos el cálculo biliar o renal de un Dios o Diosa en criogenización eterna, y eso que priorizan los físicos cuánticos de que la destrucción de La Tierra será por el impacto de un meteorito, puede que no sea más que otro cálculo pétreo que chocará con el nuestro... al fin y al cabo, creo que si yo fuera Dios no me cuidaría lo más mínimo y sería un Dios cuasi muerto, pero como no puedo morir, pues sería moribundo... y lo moribundo tiene en su ecuación principal la constante del TIEMPO como eje. Qué putada, no?...

Si esto fuera así, quizás la mitocondria en su propio microsistema anhela saber qué hay en el exterior, y la cadena puede extenderse tanto por arriba como por abajo. No se me ocurre otra razón para que los pioneros de la electrónica hayan dado con ese sonido tan particular que define al Universo en sí mismo. ¿Cómo diablos pudieron urdir una forma de sonar tan característica y que todo ser antropomorfo relaciona con eso que llamamos Cosmos?. Lo hicieron los franco belgas con sus secuenciadores imposibles; lo hicieron los germanos con la Kosmische; los japoneses decidieron que el espacio sonaría más ruidista... y se creó un CANON. Todo lo que vino después es como la leyenda que se cuenta y narra al amparo de una fogata. Una copia de una copia de una copia... un eco distorsionado de algo tan puro y genuino que visto ahora con la pátina del tiempo uno diría que surgió de la nada.


En 1981, MIGUEL A. RUIZ compone música con un receptor de radio de onda larga y la titula "Voces y Formas Del Mas Allá". Cual mito histórico que se difumina con el boca a boca, la grabación yace perdida en el limbo (nada se destruye, así que tiendo a pensar que en el formato que sea, estará en algún sitio). Fue el inicio prácticamente de su carrera, y ahora en esta reedición de dos de sus primeras cassettes recupera ese maravilloso título de "Voces y Formas Del Mas Allá" que casi podría ser el preludio a un documental de SAGAN. Porque de alguna extraña forma, los inicios de la electrónica planeadora y espacial están ligados a los misterios insondables; al nacimiento de las Pseudociencias y el Realismo Fantástico franchute; a los libros de VON DANIKEN y a los OOPARTS. Tan íntimamente ligados que surgen cientos de programas de radio con sintonías evocadoras, sublimes y flotantes (hasta MICHEL HUYGEN de NEURONIUM colaboraría con JIMÉNEZ DEL OSO).

¿Estoy divagando?... seguramente sí, pero no creo que a Dios le importe lo más mínimo.

"Nebelfleck" y "Mysteries from the Inner Cloud" son las dos grabaciones, respectivamente de 1982 y 1983 que se recuperan para la ocasión en esta nueva edición de TORACIC. En "Nebelfleck" se hace uso de una radiocassette con la función de borrado suprimida y por ende suerte de rudimentario multipistas, junto a un Korg MS-10 cargado de una pléyade de delays analógicos y un Jen Synthetone SX2000. 7 cortes de un pulsátil, imaginativo caleidoscopio de todo lo que he hablado anteriormente, y que comparando con su primera edición en cassette echo a faltar el tema "Irrgarten", que imagino se habrá fundido con otro o perdido en la ciclópea muralla del tiempo dado que ninguna de estas dos ediciones tuvieron edición "oficial" o pública. En "Zeitlos" colabora a la guitarra EDUARDO DE LA CRUZ anticipando toda esa moda actual de guitarreo procesado por pedales multiefectos comprados a bajo coste en tiendas de segunda m(ano). 


En los tres temas de "Mysteries From The Inner Cloud" lo germano se hace patente con el uso de teclados, string machine y en definitiva todos los recursos de los órganos polifónicos. La conexión con SCHULZE y FROESE es más que evidente pero la música de MIGUEL A. RUIZ, lejos de ser una mera copia, vive y late por sí misma buscando salidas orgánicas mediante una fluidez personal y muy melódica, es decir, aunque haya ambientes y texturas nebulosas, los temas tienen una estructura... un Score o vértebra que los dota de cuerpo. Si bien TANGERINE DREAM pasaron de ese extrañísimo Kraut progresivo de "Electronic Meditation" a mirar directamente al abismo en cosas como "Zeit" o "Alpha Centauri", el señor RUIZ mezclaba ruidismo con electrónica espacial e industrial con una versatilidad apabullante.

Ya para terminar, vuelvo a reflexionar. Si el cosmos no es más que el fondo de un conducto o el principio de este... si somos una hernia, cálculo o piedra de un Dios Mayor... ¿acaso MIGUEL A. RUIZ no es un pionero al titular uno de sus proyectos VENTRAL METAPHOR?. Por tanto, ruego me disculpe el haber copiado su título para este pequeño texto. 

Esto ha sido todo, gracias por escuchar este nuevo episodio de: LA METÁFORA VENTRAL.

miércoles, 7 de marzo de 2018

MAUD THE MOTH - "HOME FUTILE HOME" // "THE INNER WASTELANDS" (VARIOS SELLOS; 2012 / 2015)


MAUD THE MOTH nace allá por 2010 como proyecto en solitario de la madrileña AMAYA LÓPEZ CARROMERO, que pronto empieza a arroparse de una serie de músicos, cambios de formación y colaboraciones varias. Yo conozco el proyecto a partir de su "Home Futile Home", editado en 2012 en régimen de coedición por los sellos NOOIRAX, NOMA y EXELLENT RECORDS; el fantástico artwork es de Amaya López-C & Isaac Malakkai, y la grabación nada más y nada menos que en ESTUDIO UNO de Madrid.

Esa primera formación englobaba a: AMAYA LÓPEZ (voz, piano, guitarra acústica), ROBERT GREEN (batería y guitarra), DAVID BLANCO (bajo) y varias colaboraciones de CECILIA TALLO al bajo en "50 Cent Soul" y PABLO PULIDO al e-bow en "Motel Josephine".


El disco recoge muy buenas críticas a nivel internacional y con razón. Una música con toques de Jazz, Soul, Rock en Oposición y Avantgarde con una fluidez que asusta. Fundamentalmente las composiciones se vertebran mediante el piano insistente y la versatilidad de la voz de AMAYA, portentosa donde las haya, y que a pesar de que no soy mucho de jazz vocal, aquí me ha dejado totalmente encandilado. Ciertos aires cabareteros me recuerdan a la música de ALEC K. REDFEARND AND THE EYESORES, otros a cosas como NEWS FROM BABEL o quizás ART BEARS. 

El caso es que lo progresivo se va destilando magistralmente convirtiendo el Pop en barroco; la voz permuta desde los ambientes nicotínicos de un club nocturno a la majestuosidad que se gasta por ejemplo LEE DOUGLAS con los últimos ANATHEMA. El contraste en la música lo ejerce en mi opinión el piano, que funciona como acompañamiento sublime a una base rítmica intrincada de Avant Jazz (y que se torna lírico y total protagonista del temazo "A Fox Tale") ; por encima, se desliza la voz en ocasiones Soul, otras más Pop, siendo ese contraste lo que da vida y originalidad a la propuesta de MAUD THE MOTH. Preciosidades difíciles de clasificar como la cuasi étnica "As If In The Fall Of Trust" o la píldora folk intimista de "Ford Suite" que pone los vellos de punta por su sensibilidad y delicadeza; el descenso en espiral por una carretera rural a lo MICAH P. HINSON en "The Real Nature Of..." (cerrando los ojos en la oscuridad, un temazo que podría ser banda sonora de cosas como DONNIE DARKO... probad a imaginarlo), que cuando menos te lo esperas te estalla con una melodía descarnada que resulta de alear SWING con CANTERBURY en versión desnuda.


El siguiente paso natural viene de la mano de "The Inner Wastelands", trabajo muchísimo más ambicioso editado en 2015 por ONIRIC RECORDINGS, NOOIRAX y SOTONES. La formación aquí es AMAYA LÓPEZ CARROMERO (voz, piano y percusión); HELENA SKÖLD (violín), SEBASTIAN FREY (cello), ROB COE (contrabajo) y CRISPIN ANDERSON (batería), también encargado de la grabación, mezcla y masterización en los CRISPINSOUND de GOTHENBURG. El artwork del digipack es una sesión fotográfica alucinante de WERONIKA BACHLEDA BACA junto al acabado final de la propia AMAYA, el clásico MANUEL CANTERO y TERESA ESTEPA (PROCESO NEGRO). Juntos construyen un diseño cargado de texturas y fondos lúgubres, de foresta en plena descomposición de colores violetas y cerúleos que dan un aire lúgubre y funesto al conjunto.

Ya en los primeros compases se nota una evolución de la voz de AMAYA hacia la experimentación en "Good Morning Blackbird"; la voz se dobla a sí misma, en susurros o en agudos y huyendo un poco del marcado acento jazzístico del primer trabajo. La fanfarria balcánica "Turpentine" es un puente instrumental hacia "Empires", otro punto álgido poliédrico y de difícil encasillamiento. Toques al nuevo folk con una voz llevada a tonos más extremos (a lo FURSAXA pero sin el tono claustrofóbico y Drone) y un gran acierto fundir el tema en una ordalía marcial de violín, percusiones y contrabajo.



El universo casi a lo TIM BURTON construido por MAUD THE MOTH es sublimado en esta obra maestra que es "The Inner Wastelands", para mi gusto a años luz de su debut como lo demuestra la intensa "Crossbows" (preciosa la base rítmica que adquiere aires de himno). El Cello introduce la música de cámara en todo su esplendor, pero huyendo de la sobriedad y melancolía de cosas como PRESENT o UNIVERS ZERO para hacer algo de raigambre más pop. "Boards & Gasoline" o la pieza de orfebrería de "Eleven" son una muestra de cómo ha evolucionado/crecido el sonido, acercando su propuesta por momentos "en alma" a algunos momentos de algo tan a priori distinto como son THE GATHERING en su etapa con ANNEKE VAN GIERSBERGEN, y si no apagad las luces y enfrentaos a la oscuridad de "Ignis Fatuus" y me contáis. Sublime y épico Folk de Cámara. Lo que hace grande a este disco son sin duda los trabajados arreglos instrumentales, minimalistas y que se abren en abanico conforme uno va aumentando las escuchas. 

Poco puedo aportar ya a los ríos de tinta que se han escrito sobre MAUD THE MOTH, pero a experimentación en "Maud The Deer Tamer" tiene algo de esa impronta popera azulada de los países nórdicos, donde la misma palabra Pop adquiere tintes mucho más prestigiosos que la chabacanería del estilo a la hispana. No digo que esto suene a SIGUR RÓS o BJÖRK, pero ni falta que le hace.

"All Over", y me voy a jugar el pescuezo ahora mismo, creo que gustará a aquellos familiarizados con la belleza de "Painting On Glass" o "In This Room" de los noruegos THE THIRD AND THE MORTAL. Finaliza "Turpentine" con unos sincopados golpes percusivos de sístole/diástole que son cuasi electrónicos que hace preguntarme si el próximo camino de MAUD THE MOTH no será ese, unir lo orgánico con la electrónica y llevar el sonido a otro nivel.

¿Y el presente?... bueno, el presente es el directo "Live At The Reid Hall" publicado el año pasado. Ansioso de ver la evolución del sonido, de momento extingo todas las luces porque las polillas van hacia la luz y no tengo claro si el mensaje que quieren darme es de Muerte o de Vida.

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domingo, 4 de marzo de 2018

TAIGA - "COSMOS" (SYMBOL OF DOMINATION/FINAL GATE RECORDS; 2017)


La escena metalera en Rusia es bastante potente tanto a nivel de sellos como de bandas. Sin ir más lejos, algunos grupos de aquí han visto sus trabajos editados por discográficas rusas. El disco del que os voy a hablar es el cuarto en la discografía particular de la banda de Tomsk (Siberia) llamada TAIGA. Formados en 2013, y técnicamente un dúo con diversos cambios de formación que en 2016 queda establecido por NIKOLAY SEREDOV y ALEXEY KOROLEV, mente tras el sello SATANATH RECORDS (que si no me equivoco editaron en coedición el discazo "Worms" de los doomsters hispanos BARBARIAN SWORDS y que reseñé en la revista ROCK ESTATAL). 

Hubo un tiempo en que estuve bastante al día con respecto a ediciones de este palo en Rusia sobre todo a través del sello SOLITUDE PRODUCTIONS. Bandas como VO SKORBYAH (Во Скорбях), SEPTIC MIND o S.C.A.L.P. se cuentan entre mis favoritas dentro del palo Doom, aunque la propuesta de TAIGA es significativamente distinta. Un Black metal de corte atmosférico que abarca tanto los medios tiempos como larguísimas cabalgadas épicas a lo LIMBONIC ART que quitan el hipo. 

La clave fundamental de la banda es mantener la velocidad mientras unos teclados atmosféricos y lentos marcan melodías en un tempo mucho más lento para crear ese contraste tan característico del Black depresivo. Las voces, ultra chillonas y lejanas en algunos tramos, recitadas en otros... y riffs de guitarra que rozan el Black doom son las principales características de este "Cosmos". No soy muy de comparar el sonido de las bandas con cosas nuevas, no sé si porque ando algo desconectado ya del black, o simplemente porque todo esto ya se ha hecho antes... el caso es que me vienen a la mente ABIGOR, los primerísimos IN THE WOODS de la etapa de su primera demo "Isle Of Men", mezclado con la insania de la negrura extremista a lo DEINONYCHUS o sobre todo FORGOTTEN TOMB.


La forma de arrancar algunos temas como el cuarto "Ты" es puramente SUMMONING, lo que me hace reafirmarme en que suena muchísimo al Black austríaco de los dioses ABIGOR por mucho que se citen otro tipo de bandas más modernas en la bio. Lo que sí es cierto es que rezuma cierto sustrato Shoegazing en el conglomerado final, lo cual hace que en algunos pasajes mas acústicos asomen ciertos ramalazos de Post Rock, aunque la batería estoy casi seguro que es programada (al menos en los temas más lentos, porque en los rápidos se nota menos y los toques sinfónicos a lo EMPEROR lo tapan un poco).

"Cosmos" viene con un impresionante artwork de VLADIMIR PROKOFIEV y se edita en coedición de los sellos SYMBOL OF DOMINATION y FINAL GATE RECORDS, incluyéndose un Obi tanto en inglés como en ruso. 

A mí me ha sorprendido muchísimo y la verdad es que estoy enganchadísimo. Disco muy recomendado para los que gusten del Black Depresivo.


viernes, 2 de marzo de 2018

GRAJO - "SLOWGOD II" (UNDERGROUND LEGENDS / SPINDA RECORDS / D.H.U. RECORDS; 2018)


Ayer tuve un sueño. Mi cuerpo estaba medio enterrado en la maleza, muerto evidentemente, y con claros signos de putrefacción que hacían que la línea divisoria entre cuerpo y suelo se difuminara hasta casi ser indistinguibles. Mis ojos, sin embargo, dos bolas cristalinas duras como si siempre hubiese estado cegado a pesar de ver. De repente, un Grajo se posa en el centro de mi pecho y con un suave, lánguido movimiento arranca uno de los ojos de la cuenca. El insondable pozo que se revela dentro del hueco no da al interior de mi cráneo, sino a un universo extraño, perverso, y plagado de constelaciones que a priori no debieran estar ahí en este tiempo. Pirámides construidas a lo largo de la estela de Thuban sobre un suelo tan rojo que bien pudiera ser Marte. Me despierto, me toco los ojos y son blandos. ¿Acaso soy ciego y veo?. Tengo un cútter cerca y quiero derribar la patraña de la realidad que ejerce su impertérrito cortinaje sobre mis párpados. Voy a destapar una inmensa, cósmica fosa séptica que servirá de puerta de entrada a algo posiblemente distinto. Hola, soy C. DOUGLAS MORTIMER y este es mi comunicado a la humanidad. 

Los cordobeses GRAJO han irrumpido en la escena doom metalera íbera como un ciclón y creo que la clave de todo, al igual que los alicantinos HELA, es una apuesta a contracorriente de la gran mayoría de bandas que dicen estar tocando doom a día de hoy. Ya desaparecieron hace mucho WARCHETYPE o GREAT COVEN... quizás nadie recuerde a ÄTMAN ACRON o EIGHT HANDS FOR KALI, pero yo nunca olvido, es mi principal defecto. Dicha apuesta (ganadora o no, dependerá del oyente) es la melodía y el formato canción con base muy clásica pero si resultar añeja. 

Es por eso que lo primero que me salta a la cabeza son CANDLEMASS a lo largo de toda su trayectoria, y si se quiere afinar un poco más, LEIF EDLING daría una maravillosa vuelta de tuerca al género con su proyecto KRUX o su disco "Songs Of Torment, Songs Of Joy". A partir de ahí, uno puede buscar agua en los pozos subterráneos que más le convenga.

Su debut homónimo (reseñado aquí) era jodidamente bueno, pero creo que "SlowGod II" es bastante superior en cuanto a acabado y sobre todo producción final (qué diablos, cómo no... RAÚL PÉREZ en LA MINA y masterización de MARIO ALBERNIZ en los KADIFORNIA ESTUDIOS). Los elementos son los mismos, pero para que os hagáis una idea, lo que en el otro sonaba afilado aquí es romo y oxidado, y si en el primero primaba una atmósfera decadente y perversa, aquí directamente se ha eliminado cualquier atisbo de oxígeno. Repite el artwork ANTONIO RAMÍREZ con su sello habitual que se disfrutará en su máximo esplendor en el vinilo. Los sellos implicados en la edición son UNDERGROUND LEGENDS para el Cd, SPINDA RECORDS para la cassette y nuevamente D.H.U. para el vinilo.


Un vacío de proporciones abisales cuyo símil más acertado sería bucear en aceite. "Altares" que abre el disco es un ejemplo perfecto donde capto ese gusto de la banda por no estancarse en ningún estilo. Si bien es cierto que puedes captar trazas de Sludge primitivo a lo primeros ANCESTORS cuando se ralentizan lo que prima es el Occult Rock guiado por la batuta de una sorprendente vocalista que (quieran o no) me cuesta creer que no sea JEX THOTH. Hay espacio para el bajo, se escuchan crujidos espaciales de theremines y sintes (RAÚL PÉREZ) que emulan a grajos/cuervos de otra dimensión y el arrastradísimo ritmo de las guitarras ya marca de la casa escupe riffs a lo PALLBEARER, NAAM y otros dioses del género. 

Absolutamente devastador es el mántrico clímax final de notas sostenidas y una batería que se va disolviendo en éter. Como contraste, arranca el ciclón de "Queen Cobra", corte más lisérgico que bebe del hard rock más oscurantista de los 70 (véanse BLACK WIDOW, BLUE CHEER en versión funesta y demás derivados). Cuentan que LEE DORRIAN se masturbó un par de veces con este tema y en vez de semen soltó una mandrágora (todavía sangra el pobre), y como él no es de romper tradiciones, a continuación se ahorcó. Ah, perdonad... me dicen por el pinganillo que es leyenda urbana.

Uno de los puntos álgidos del disco es sin duda "Malmuerta" donde las raíces andaluzas de la banda te estallan como unas castañuelas fabricadas con granadas. Un bizarro cruce entre doom y ATAVISMO que no sólo funciona, sino que es sublime. Resalta una interpretación vocal de LIZ que pone los vellos de punta; la base rítmica aflamencada recuerda enormemente a VIAJE A 800 y los riffs de guitarra tienen ese toque alucinante que surge de mezclar lo andaluz con lo progresivo y el space rock. No siempre se hace bien, pero GRAJO lo han clavado. 

La etapa intermedia de MY DYING BRIDE sale a relucir en "Ǝr". Si hacéis un ejercicio mental, eliminad las voces y escuchad la música. Si no os suena a los ingleses hay dos opciones. O estoy equivocado, o no tenéis cultura musical; cualquiera de las dos opciones es válida... la Tierra va a seguir girando pase lo que pase. Vuelvo a insistir. La clave de que GRAJO hayan pegado este pelotazo es que las canciones son buenas, muy buenas y no hay un sólo minuto de relleno en todo el disco. "Horror & Pleasure" sigue con la línea más rockera recordándome un poco a la escena italiana de Occult Rock que subyace tras el sello BLACK WIDOW a lo PRESENCE, IL SEGNO DEL COMMANDO, algo de PAUL CHAIN... pero eliminando los toques sinfónico-progresivos que resaltan en esas bandas (oscuras como ellas solas, por cierto).


Para cerrar el disco nada como "Maelstrom" donde vuelve a repetir RAÚL PÉREZ a los teclados dando un toque todavía más épico al asunto. Si en anteriores temas se usaban los teclados/theremines como un toque lejano pero atmosférico, aquí pasan a un primer plano en una larga introducción espacial vibrátil y con regusto a YOB. Cuando se van reforzando los puntales con la guitarra y la base rítmica la cosa ha adquirido proporciones de rito ancestral... de hipnótico enterramiento estelar en gravedad cero... de máquinas de movimiento perpetuo. Los músicos paran, pero la esencia continúa y sigue sintiéndose en los huesos. No sé si es curativo o todo lo contrario, pero la elección de semejante temazo instrumental para cerrar el disco es de lo mejor que he escuchado en estos estilos desde hace mucho.

Ayer tuve un sueño. Soñé que era ayer y que mi cuerpo estaba enterrado en la maleza. Yo me veía desde fuera y contemplaba mi cuerpo. De repente, mi ojo estalla y por dentro de la cuenca asoma el pico de un GRAJO. 

¿Estoy dentro o fuera?.

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* Saludos. Lo primero daros la enhorabuena por el tremendo disco que os habéis marcado. Hagamos un poco de memoria. Os formáis en 2015 como dúo y Liz colabora en las voces en un primerizo single. ¿Podéis contar con vuestras palabras cómo surge GRAJO? ¿Tocábais en bandas previas o es vuestra primera experiencia como banda?.

Josef: ¡Muchas gracias Antonio! Bueno, Grajo se formó a finales de 2013 mas o menos, pero de aquella primera etapa solo quedo yo. Todos fueron abandonando poco a poco, Pistolo entró en sustitución del antiguo bajista y después de la salida de nuestro anterior batería y de su sustituto nos quedamos los dos solos. Nosotros siempre decimos que nos formamos en 2015 porque es cuando nos lo tomamos más en serio y decidimos hacer algo.  Casi siempre he andado en bandas, pero nada reseñable la verdad. Félix si, es batería de Absenta, Maribel andaba con proyectos y cantaba en una banda llamada Orbita que desapareció poco después de su salida del grupo.

* Sigamos un poco con la historia de la banda. Yo os conocí con el Split 7” con ATAVISMO. ¿Cómo surge la posibilidad de realizar ese compartido?. Lo digo sobre todo porque creo que vuestro sonido en cierto sentido casa a la perfección con el de la banda algecireña; incluso en vuestro nuevo “Slowgod II” tenéis un tema con raíces andalusíes…

Josef: Siempre he sido un gran admirador de Viaje a 800, no se cuantas veces pude verlos en directo, bastantes, también de Atavismo y teníamos claro lo de sacar “Feeding our Demons” en un 7" con alguna banda andaluza, ¿quien mejor que ellos? Les hablamos sobre el proyecto y accedieron encantados. Es posible que haya algo de conexión, no lo se, no se si en el sonido exactamente, la tierra tira y al final se deja ver supongo que es eso. En el primer Lp también había algo“andalusí” aunque quizás menos evidente.

* Una de las cosas que más me sorprende es que véis editado vuestro homónimo debut nada más y nada menos que en los tres canónicos formatos. Cd, vinilo y cassette. La cinta la saca Abusive Noise Tapes y el Cd si no recuerdo mal Nooirax… ¿cómo acaba una banda como GRAJO sacando vinilo con los holandeses D.H.U.?.

Pistolo: Fue Robert, el dueño del sello, el que se puso en contacto con nosotros porque escuchó nuestros primeros trabajos y le gustaron  y decidimos sacar el primer LP con él porque es un sello internacional y un tío muy apañao, siempre nos ha tratado con mucho cariño y nos ha dado muchas facilidades. Sin duda es un gustazo trabajar con él.

Josef: Bueno, eso y que nos gusta mucho lo meticuloso que es con todo, pone mucho cuidado y esmero y la comunicación es bastante buena, nos aconseja en muchas cosas, en fin, estamos encantados de verdad, también lo estamos con Nooirax y Underground Legends, Abusive lo lleva mi hermano, con él si me puedo pelear jaja.

* Quisiera que me contárais un poco como es el ambiente y una jornada de grabación en LA MINA de Raúl Pérez. Me parece uno de los mejores sitios de grabación aquí en el sur, y los KADIFORNIA para la masterización de Mario G. Alberni es calidad garantizada. Es más, creo que el sonido de vuestro último disco supera con creces el del anterior. Me resulta más denso y opresivo y creo que los detalles del theremin están muy cuidados, entrando donde tienen que entrar y sin abusar (además de los sintes extras que se ha marcado el amigo Raúl que me parecen tremendos).

Pistolo: Grabar en La Mina es otro gustazo. Es como ir unos días de vacaciones, y ya que estás, pues te grabas un disco (risas enlatadas). Raúl es un profesional y sabe como tiene que ir todo, el tío es un reloj, así que de momento hemos grabado solo ahí y seguiremos haciéndolo de momento. 

Josef: Joder, te levantas, y estas rodeado de cacharros, aparatos y de instrumentos y con tus colegas para hacer lo que más te gusta, vas grabando por pistas y ves como los temas van pillando forma, no sé, es mágico y hay muy bien ambiente siempre y es verdad que es como unas vacaciones para nosotros. Sin duda es uno de los mejores estudios del sur, es algo que tenemos claro al igual que Kadifornia. Estuvimos muy tentados con la idea de masterizar fuera pero joder, ¿porque sonar como el resto? ¿Acaso no hay calidad suficiente aquí? ¿O pensamos que por ser el guiri de moda va a hacer milagros con nuestra música? Pues no, todo “Made in Andalucía” y orgullosos de ello.

* Hablando de Theremines. ¿Componéis con uno real o es la tablet que saca Liz en los conciertos?. En los créditos del disco sin embargo es Josef el que los toca pero en directo es ella, me imagino que por cuestiones de comodidad...

Pistolo: Ese tema es un secreto profesional.

Josef: jajaja, componemos con la tablet también. En los directos me sería imposible usarlo y Liz tiene ambas manos sueltas. Hemos pensado mucho en llevar uno real a los directos, más que nada por el rollo visual, aunque la tablet es mucho más cómoda ya que llevas todos los efectos necesarios para el theremin en la misma aplicación.

* Voy a contar un pequeño secreto. Si no recuerdo mal (puede ser que la memoria me falle), el propio ANTONIO RAMÍREZ me enseñó ese dibujo en sus primeros estadíos cuando aún no sabía que hacer con él, y por lo que veo acabó ilustrando maravillosamente vuestro primer álbum. Desde el principio os acompaña ANTONIO RAMÍREZ en el artwork. ¿Teníais claro el diseño de vuestros discos desde el principio o es algo que surgió a posteriori?.

Josef: A decir verdad no teníamos claro ningún diseño en ninguno de los trabajos, Antonio siempre hace lo que quiere, que por otro lado me parece lo ideal porque creo que está mas enfermo que nosotros jajaja. En serio, creo que es el envoltorio ideal para nuestra música, satisfechos siempre al 100%.

Pistolo: Nos gustó mucho el trabajo que Antonio hizo para el split con Atavismo así que hablamos con él para que nos hiciera el artwork de nuestro primer LP, y del split con Orthodox... y el segundo LP... ¡Otro tío que es más apañao y más salao!. Estamos muy contentos de poder contar con él.

* La escena doom íbera es más dada al Sludge, siendo el Occult Doom, Doom Sabbathiano o como queráis llamarlo (a mí me gusta Heavy Doom) un estilo algo menos trabajado. Sin ir más lejos, creo que las bandas que conozco son pocas… los extintos GREAT COVEN, WARCHETYPE, TREITUM o combos actuales como MISTY GREY o SIMÓN DEL DESIERTO. ¿Cómo definiríais vuestro sonido?. En mi humilde opinión, además de tener como referencia a esas bandas, los toques de psicodelia os encumbra a un escalafón superior recordándome a bandas como JEX THOTH o BLOOD CEREMONY (sin las flautas, claro).

Josef: Es un halago que nos comparen con bandas como Jex Thoth o Blood Ceremony, nos lo han comentado mas de una vez.  Por ponerle una etiqueta... Heavy Doom o Doom Rock si, es muy difícil definir todos los matices con una etiqueta. Marco Serrato por ejemplo dice que hacemos Doom Pop, que también, todo nos parece bien en verdad.

Pistolo: Bueno, no nos gusta mucho ponernos etiquetas. Estamos de acuerdo en que hay que definir las cosas de alguna manera, pero mejor escuchádnos y ya sacáis conclusiones vosotros. 

* ¿Cómo surge un tema de GRAJO a nivel compositivo?. ¿Aportáis todos o es trabajo de uno sólo?.

Pistolo: Yo compongo todo y luego les digo como tiene que tocarlo cada uno ya que no saben tocar muy bien jajajaja.

Josef: Aportamos todos aunque el grueso de los temas lo hago yo en casa. Esa ha sido la forma habitual de trabajar de la banda, también debido al poco tiempo que tenemos para juntarnos a ensayar, se llevan los temas terminados y una vez listos se hacen los cambios pertinentes, resulta más sencillo y rápido. De las melodías vocales y letras se encarga Liz.

* Otra de las cosas que me han llamado la atención de vuestro nuevo disco es que en ocasiones la base rítmica y los riffs de guitarra parecen casi querer meterse en el terreno del doom inglés de MY DYING BRIDE por ejemplo, pero sin embargo en un mismo tema también encuentro trazas de REVEREND BIZARRE. ¿Es esto algo natural o fruto de vuestras influencias?. Y ya que estamos… ¿en qué bandas os inspiráis o rendís tributo?.

Josef: A mí personalmente me encantan los primeros lps de My Dying Bride, Paradise Lost o Anathema por mencionar algunos, en su momento seguí mucho ese tipo de bandas de modo que es mas que posible que asome esa influencia, la oscuridad o ese toque melancólico, aunque me gusta pensar que también tenemos un toque espacial y por otro lado pues somos muy fans de Black Sabbath y sonidos mas rockeros, áridos y psicodélicos. De todas formas y aunque suene a tópico no pensamos en ninguna banda a la hora de componer, sería terriblemente difícil para nosotros, consumimos muchísima música.

* Recuerdo comentar en una reseña que os hice de un directo que os faltaba algo de puesta en escena a nivel teatral. Creo que el Doom Tradicional lo requiere y se retroalimenta cuando uno se trabaja el show a nivel no musical. Cuando os volví a ver en Sevilla con PYLAR me llevé una sorpresa porque habíais mejorado bastante ese aspecto. ¿Consideráis necesario ahondar en esa línea u os parece algo superfluo?.

Josef: La puesta en escena es un tema que nos preocupa pero no nos quita el sueño, aunque somos conscientes de que elevaría bastante el espectáculo, llevamos tiempo pensando que hacer sobre ese tema y quizás el truco esté en las luces, lo estudiaremos. Lo que buscamos en los directos es sacarte de viaje.

Pistolo: Está claro que tienes que ofrecer algo de espectáculo en directo para que sea algo especial, pero nosotros tampoco queremos montar un show al estilo de Pylar (que nos encantan), por poner un ejemplo. Nuestros pilares en el escenario son la muralla de sonido y el tiempo.

* Esta pregunta va para Liz. Su voz es muy talentosa en todos los registros y bueno, no puedo evitar acordarme como digo de JEX THOTH. ¿Tienes alguna experiencia previa cantando en otros grupos,  coros, etc.?. 

Liz: ¡Gracias! No estoy muy familiarizada con Jex Thoth. Si, he cantado en bandas, en coros etc... pero de lo que mas he disfrutado es de cantar yo sola con mi guitarra. Con Grajo puedo cantar lo que siempre me ha gustado pero con una base muy dura y es curioso como son los temas antes y después de meter las voces.

* En apenas dos años habéis dado un pelotazo considerable. ¿Estáis sorprendidos con las críticas tan positivas y el feedback que estáis recibiendo?.

Pistolo: Pues si la verdad. Estamos muy contentos con lo que hemos conseguido en tan poco tiempo, ahora toca lo bueno, tocar!.

Josef: Si, estamos muy muy contentos con como va todo y con las pilas a tope para la gira y para  empezar a trabajar ya en el próximo Lp.

* Creo que sois un rayo de esperanza entre tanta obsesión por el Sludge por un lado, y el manido Stoner por otro, y para mí esa es la clave. Para ir terminando despedíos como queráis. Este es vuestro espacio.

Pistolo: Muchas gracias por entrevistarnos y muchas gracias a nuestros fans que nos apoyan viniendo a nuestros conciertos y comprando nuestra música. ¿Os queremos a todas y a todos guapos!.

Liz: ¡Muchísimas gracias a todos y nos vemos muy muy pronto!

Josef: Muchas gracias Antonio, por tuspalabras y por este espacio y muchas gracias a toda la gente que nos sigue y apoya de una u otra forma, ¡abrazos!


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lunes, 26 de febrero de 2018

SUERO - "MESOHIGH" (EL MUELLE RECORDS EMR032; 2018)


Voy a empezar este texto por lo negativo. Lo siento pero esta vez no. El diseño que adorna "Mesohigh" de SUERO no está a la altura del contenido y no por lo parco, sino por los aires reciclados que rezuman. Es como pillar un número indeterminado de cajas blancas y pegarle 3 pegatinas, y bueno... teniendo en cuenta que me parece un discazo, empiezo bastante cabreado la reseña; no sé de quien es el diseño o la idea, pero si al consumidor se le da un producto que para más inri es un cd-r, en mi humilde opinión hay que cuidar más los detalles. Pero ojo, para gustos los colores y esto no deja de ser una crítica constructiva. Por cierto que técnicamente es el segundo disco de SUERO para EL MUELLE RECORDS y su anterior "Ex Luna, Scientia" ya reseñé por aquí:



"Mesohigh" se graba con dos particularidades. Una de ellas los "bpm" o beats por minuto, que permanecen constantes en todos los cortes, y otra los acordes, que en teoría, también se repiten en todos los temas a modo de Score orgánico e hipnótico. El conjunto viene a ser una versión espacial, techno futurista y SynthWave de la música de CARPENTER. Así pues, quitando la parte conceptual metafórica y atmosférica sobre la que se mueve el disco, lo que nos queda es una oscurísima EMB/Cold Wave que ejerce todo su poderío bailable en gravedad cero y que entronca superlativamente con los aspectos retro futuristas del cine ochentero que tan de moda se está poniendo otra vez. 

Tal y como dije en la reseña de INTERSIGNO, uno de los aspectos más definitorios de estos estilos es la sensación de "Amenaza constante". Pero ojo, aunque haya una amenaza y venga del espacio o de una puñetera nube encabronada, no se para de bailar durante los 70 minutazos de este discazo que se aleja bastante de la oscuridad manifiesta de "Ex Luna, Scientia". El hecho de seguir una serie de patrones hace que las variaciones sean pocas, pero por destacar un tema, la potencia del arranque en "Avalanche" es brutal. Old School Techno cruzado con SynthWave lento y machacón que poco a poco se va recrudeciendo como una Rave en la Nave Nostromo de Alien... para qué pelear, si puedes bailar. 

Al fin y al cabo, hijos e hijas de puta los hay en todas las razas, sean de aquí, sean alienígenas.


domingo, 25 de febrero de 2018

DAVID MATA - "ROUGH GRASSLAND" (EL MUELLE RECORDS EMR031; 2018)


A pesar de que DAVID MATA es baluarte de las nuevas tecnologías, en este "Rough Grassland" me hace un grandísimo favor grabando toda una ordalía de sonidos acústicos a base de vete dios a saber qué cacharros. Conocido por su proyecto ERISSOMA y con un prestigio y reconocimiento a nivel internacional, aquí sin embargo hace hincapié en un ambient electrónico pausado y muy armónico... tanto que diríase que roza lo ZEN. La agresividad de la electrónica de combate o los a veces soporíferos e interminables soundscapes a lo BRIAN ENO que son moda hoy día son sustituidos por adictivos pulsos vibrátiles en constante movimiento, resultando de todo este compost un flujo abstracto pero reconocible (y casi que diría que por momentos toca la World Music). 


La guitarra acústica en "Plunged" se aparea con electricidad estática. Subidas y bajadas de tensión y voltaje; aroma que se quiere tornar en oriental pero que al final no lo hace y de repente estamos en la compleja "Displacement" que suena amenazante. Como si estuviera construida a base de afiladas notas oxidadas y la tetania estuviese a la vuelta de la esquina. Rasgueos de cuerdas en una rueca dialogan con un piano teratogénico, mal formado, y que emitiese melodías incompletas. 

En resumen, un potente ejercicio de inventiva donde el hombre domina a la máquina. Una árida paleta de verde óxido que se transmuta en naturaleza pura en una suerte de paisajes personales e intransferibles que mutan dependiendo del oyente. Discazo.


MIGUEL OTERO - "PEQUEÑOS CÍRCULOS" (EL MUELLE RECORDS EMR028; 2017)



MIGUEL OTERO en "Pequeños Círculos", editado por EL MUELLE RECORDS el pasado año, nos da una fantástica muestra de elegancia y sobriedad en un disco cargado de minimalismo ambient de carácter conceptual. La reflexión personal de OTERO en su tribulación emigratoria hasta Cambridge (Reino Unido) es plasmada a lo largo de seis cortes donde (y usando sus palabras) las vivencias van siendo reducidas cada vez a círculos más pequeños. Me encanta esta reflexión del artista por lo que implica, y con su permiso la voy a exprimir un poco más. En situaciones de crisis, de cambio, de penurias, los círculos se estrechan; se hacen opresivos y claustrofóbicos. En la plenitud de la vida, cuando uno no tiene responsabilidades y el horizonte casi se desdibuja, el círculo es tan grande como la imaginación quiera que sea.


Por cierto, hace no demasiado también os hablaba aquí de este mini álbum de OTERO junto a CARLOS ALCÁNTARA:


De reminiscencias acuáticas, "Pequeños círculos" es como el conjunto de ondas que se esparcen cuando uno tira un guijarro a la superficie de un charco. El tono general del sonido es meditabundo, con lánguidos pianos procesados que parecen metrónomos. Momentos para la oscuridad (posiblemente el círculo más pequeño, el primero que se crea al entrar la piedra en el agua) en "Abandonar El Nido Una Mañana Volando", aunque como digo lo que prima son las cadencias espectrales. Fotografía de portada de JUAN MANUEL DÍAZ BURGOS y masterizado por RAFAEL ANTON IRISARRI en BLACK KNOLL STUDIOS (Nueva York); el resto, obra y gracia del artista en sus MADCAP STUDIOS de Cambridge. No se trata en suma de un disco para valorar a la ligera; es más, creo que las primeras escuchas no serán fructíferas y no te dirá demasiado... para adentrarte en "Pequeños Círculos" necesitas auriculares, oscuridad y el ritmo mántrico del disco en bucle. 

Ahí es donde el artefacto alcanza todo su poderío.




miércoles, 21 de febrero de 2018

RAINBOW GRAVE / ORTHODOX - "SPLIT 7" (GOD UNKNOWN RECORDS; GOD034, 2018)


Permitidme que deje a RAINBOW GRAVE en un segundo plano y os hable primero de ORTHODOX aunque ahí militen músicos de tal calibre que me quemen por hereje por dejarlos atrás y me juegue el poco prestigio que pueda quedarme. 

Los sevillanos, desde que pasaron a ser un ente bivalvo han transformado su sonido en algo tan primigenio que cuesta mucho hacerse una idea de a qué diablos sonaban antes de todo esto. Existe una modalidad de infección que es la Simbiosis, en la que dos entes conviven para ayudarse e incluso realizar tareas conjuntas, de tal suerte que se aleja de las connotaciones negativas del Parasitismo, más dado a anular y esclavizar al otro con el objetivo de sobrevivir. 

Más una plúmbea base rítmica que una sustancia en sí, funcionan como una molécula que para dividirla probablemente precisaríamos de fisión nuclear o la colisión directa de un meteorito, pero que para mi gusto, cuando mejor suenan, o cuando sus cualidades más resaltan, es cuando se unen en Simbiosis a otros entes musicales o incluso moléculas de dos, tres o más valencias. Dicho de otro modo, la unión hace la fuerza, aunque la fuerza ya de por sí es considerable y de proporciones gigantescas. Se ha demostrado que los vientos sientan a la perfección a la banda, ya sea el meditabundo clarinete de GUSTAVO DOMÍNGUEZ o los fieros saxos de COLIN WEBSTER y RICARDO TEJERO, para acabar recalando en el malsano nihilismo "high pitch tone" de AXILLEAS POLYCHRONIDIS. 


En esta preciosa nueva edición del Volumen 3 de Singles de GOD UNKNOWN RECORDS (Reino Unido) se aprovecha un corte inédito de las sesiones de grabación de "Spain Is The Place" junto a RICARDO TEJERO y COLIN WEBSTER que técnicamente no era un tema de ORTHODOX en sí, aunque como he comentado más arriba, la molécula es la misma, así que el producto final sí que es de la misma especie. 

Como objeto es una preciosidad. Single troquelado con inserto espectacular haciendo un contraste de colores entre el blanco, el rojo y el verde que le sienta como un traje de gala al contenido, lo que es de agradecer (máxime cuando el precio del Single no es precisamente barato). El corte se titula cómo no "Spain Is The Place", ocupando la cara B del plástico. Una fiera reconversión de COLEMAN o COLTRANE en el metal sublimado de una base rítmica de intrincada percusión salvaje y un bajo eléctrico claustrofóbico tocado con cuerdas tan gordas que diríanse inflamadas. Los saxos escupen saliva mezclada con Napalm abrasando todo lo que se pone por delante. Fantástico interludio del bajo dialogando con una pistónica batería que más que golpear parece que estuviera remachando clavos de metal en la Forja del Día Final. 


Por su parte, la banda de Birgmingam RAINBOW GRAVE hunde sus raíces en combos del calibre de NAPALM DEATH, SCORN o DOOM y como no podía ser de otra forma, tocan en "Death Pyramid" un ralentizado, agrio y nihilista cruce entre los dioses NEGATIVE REACTION y unos primeros CATHEDRAL, con detalles de lisergia anómala a lo SYLVESTER ANFANG II. Lentos, crudos y difamatorios, los ingleses son pura vieja escuela y nada negativo puedo decir de ellos; cuando usas esos ingredientes el cóctel sale perfecto.

Como si te cayera encima una tonelada de mierda radioactiva, emponzoñados con las cadencias dementes de BURNING WITCH y afortunadamente huyendo del Sludge ya manido de los EYE HATE GOD. Ustedes me van a perdonar, pero este que escribe se queda con esa primera ola de Grind Doom europeísta en detrimento de la escena sureña norteamericana, que no es que no me guste, al contrario, pero que está más explotada que un grano sobreinfectado.


martes, 20 de febrero de 2018

MAMÍFERO - "MAPA" (EL MUELLE RECORDS EMR033; 2018)


Desde la cartografía básica en dos dimensiones a las nuevas tecnologías de la fotografía aérea, podríamos decir que seríamos incluso capaces de encontrar un determinada vellosidad intestinal si a poco que nos ponemos le sacamos jugo al GPS. MAPA es el nuevo trabajo de MAMÍFERO, la encarnación más salvaje y reptiliana del artista malagueño NACHO JAULA que bajo mi punto de vista (y oído). es sin dudarlo el músico que más está transformando el anquilosado género de la electrónica industrial y similares. La forma personal en la que JAULA aborda sus trabajos trasciende el añejo concepto de (permitidme la redundancia) "disco conceptual". 

Un acojonante "yo me lo guiso yo me lo como"  lógico porque para qué buscar el toque mágico final en otros cuando realmente el mago eres tú. Sin embargo, en esta ocasión él no masteriza y lo deja a JULIO SENMOVE que hace una estupenda labor añadiendo un toque de crudeza agria que atemporiza el disco en la dureza intermedia entre MERZBOW  o SUNNO))) y la acritud beligerante de los primeros ruidistas como MIGUEL A. RUIZ o RAFAEL FLORES.

Tengo el placer de conocer personalmente a JAULA y haberlo visto tocar ya unas cuantas veces, y por tanto me puedo permitir el lujo de decir que su concepto/visión multidisciplinar de la música le pega siete vueltas a todo lo que se está haciendo ahora en estos ámbitos. 

Cada nueva obra suya vive y respira por sí misma, ya sea en solitario o con otros proyectos compartidos (véase FORCEPS o VERANO), y para lo que otros necesitan un arsenal de cachivaches, Nacho sustituye con una poderosa inventiva. Da igual si de seis cuerdas de la guitarra le quedan tres o si en el último momento le falla un pedal, porque el músico que sabe lo que está haciendo construye su castillo de notas desde su psique, no desde la técnica del manuel de instrucciones del potenciómetro de rigor. 


MAPA es un disco muy personal de una persona altamente sensible así que decir que se limita a cambios personales, miedo al vuelo y esas cosas se me antoja vacuo. Basta fijarse en la forma en que está trabajado a mano uno por uno los digipacks (editados por EL MUELLE RECORDS en su edición 033 pero con un cierto aire de independencia). Corcho que se asemeja a la tierra... por encima un sobre que contiene el cd, pero con la particularidad de que el sobre está hecho con un mapa de esos que teníamos en los colegios. Por encima, haciendo de carcasa que todo lo bordea, una gomaespuma blanca como las nubes, de textura algodonosa, y con forma de ondas que también recuerdan a olas. Todo está parido con dolor e interrogantes y la sugerente fotografía que adorna el interior y la mirada de Nacho son comunicación no verbal en estado puro. 

Una pieza orgánica de 33 minutos de duración a base de guitarras, Casiotone, grabaciones de campo y ambientes y el aliño particular de los juguetes acústicos que suele desplegar JAULA en sus discos. Un pulso drone netamente industrial nos indica que nuestro viaje comienza en una maldita ferretería o en el corazón deshumanizado de una fábrica metalúrgica. Sobre esa base crujiente de chasquidos y vibración física (porque se siente en el cuerpo a determinado volumen), se deslizan notas melódicas separadas entre sí el tiempo suficiente como para permitirme decir que el disco es de tempo lento, y eso para el que me conoce sabe que me puede. 


Interferencias de lo que parecen ser ondas de radio o una vieja radio militar retransmitiendo desde hace décadas desde un submarino hundido en la Segunda Guerra Mundial arropan unas subidas y bajadas agudísimas que podrían corresponderse a corrupciones/perversiones en un arco voltaico manipulado por energías telúricas. Aquí es donde la maestría de JAULA se revela en todo su esplendor; la capacidad de hacerte sentir la electrónica en el tuétano y gracias a los cielos ridiculizando eso que llaman LoFi que tanto se lleva  ahora pero que sólo es una escusa para enmascarar la falta de talento. Aquí todo se nota y siente con una nitidez arcaica y primitiva (vuelvo a destacar la masterización de SENMOVE) y si uno se va al minuto 11 se queda con el culo pegado al asiento; una melodía de juguete industrial obsesiva y siniestra te agarrota los dientes con un loop simple pero urdido con una mala leche bestial que deja a la altura del betún a la gran mayoría de majaraderías electrónicas que se hacen hoy día. NACHO JAULA es  "l'enfant terrible" en su género y se nota en muchos aspectos.

Capas y capas que conforman una Suite oxidada que lleva el ritmo percusivo de una sierra de calar mellada cortando un hueso denso. Si tengo que definir el miedo en estado puro con la música, los siguientes cinco minutos lo clavan a la perfección. Sobre todo ese sustrato corrompido se va haciendo hueco una luminiscente pista de aterrizaje que se acaba de mimetizar cuando todos los sonidos se disuelven y funden en la misma fragua. 

Baja el nivel de ruido y aterrizamos en una ordalía electroacústica marca de la casa (estamos en el minuto 20) con la insistencia de un timbre de un viejo teléfono que suena en una casa en la que sus habitantes murieron hace décadas. No me dan miedo los muertos, sino el no conocer quién es el que llama; qué noticia tiene que comunicar en un entorno que hace tiempo se paró en el polvo. Un polvo que se solidifica en estalagmitas de sonido cuya luz es capaz de atravesar creando sombras chinescas, abstractas... la sombra del cambio. Nada es como la mente te hace ver, pero desgraciadamente el condicionamiento es el juguete que empala nuestra existencia desde el primer llanto a la última exhalación. Esa disolución del ego se mantiene hasta que finaliza la obra, dejándote exhausto y con un Jet Lag tan acusado como viajar entre KALI YUGAS.


Dice JAULA: "bucearé por los mapas hasta llegar a tí". Creo que todos y todas tendríamos que salir a su encuentro para no agotar su oxígeno. No es solo que se lo merezca, sino que tú como oyente te haces un favor entrando en su universo. Píllatelo o no te lo pilles. A mí me importa un comino y estoy seguro de que a Nacho también. Su música no busca el podio de la comercialidad y el reconocimiento (aunque lo merezca con creces) porque al fin y al cabo las personas como JAULA precisan cauterizar sus heridas con el arte, y si el arte se enquista y no sale a la luz mueren... y esa es la causa última que les mueve. Su medicina catártica personal no busca el beneplácito del oyente sino la sana mansedumbre del periodo meseta en una crisis de ansiedad.