AATHMA - "DUST FROM A DARK SUN" (ARDUA MUSIC 008CD, 2023

Para quienes no sepan de dónde venimos, les recuerdo que hace un par de semanas hablaba con Juan Aathma sentados sobre el añejo polvo de un Sol Muerto. No soy dado a repetirme, así que ahí os dejo muchos detalles técnicos y conceptuales del flamante Dust From a Dark Sun, la nueva obra de arte de una de las bandas quintareferenciales en lo que a sonidos oscuros se refiere. 39 minutos editados por Ardua Music en vinilo y cd, con portada de Robert Hernández que bien podría casar en cualquier escenario de Dead Space, el Survival Horror espacial por antonomasia.

Abre el disco las percusiones tribales de civilizaciones desconocidas "Cosmos", una muralla asfixiante sobre la que se abre la curtidísima ya voz limpia de Juan... imaginaos un cruce entre los Reverend Bizarre, Candlemass y Tool, con temática necro futurista y efectos de tecnología teratogénica de sintetizadores que ululan en la retaguardia. ¿Es posible tocar Traditional Doom mezclado con Space Rock setentero en el año 3.000?... yo creo que sí... ya lo hicieron los suecos KRUX. La base rítmica Chamani y Alejandro funciona como si llevara 3 eones tocando juntos, adaptándose a la perfección a los recovecos futuristas que deja el sinte de Juan en la fastuosa apertura de "Impending Fate". 

No han perdido esencia AATHMA y si sus anteriores discos hablaban de Civilizaciones Antiguas y desaparecidas, en este nuevo disco subliman ese concepto y le dan una vuelta de tuerca más (os recomiendo nuevamente leer la entrevista). La voz de Juan es el combustible de una nave que se desplaza en "Impending Fate" con acetábulos propios de los Monster Magnet pero mucho más introspectivos. Las letras, un Haiku hipnótico estelar que caracolea entre destinos perdidos, crepúsculos decrépitos y naturaleza exangüe. Un temazo tremendo que sin solución de continuidad se une a un riff de guitarra grueso como gruesa es la percusión... algo así como los Candlemass del King of the Grey Island pero con una inusitada frescura aportada por unos sutiles arreglos pseudo experimentales que se van descubriendo conforme escuchas más y más el álbum.

Desde lo más recóndito del universo, "Blood Hands" se retroalimenta en psicodelia, fuzz y zumo de cactus electrificados para esófagos a prueba de ígneos cócteles y sobrecargas de alimentación voltaica. Rock desértico de un desierto que no pertenece a esta época... un desierto cuya arena se ha sustituido por el polvo de huesos de cien humanidades extinguidas. Humedad relativa en sincopados requiebros de una guitarra setenteramente Hard que se lanza a un solo en estilete que cava en los restos polváceos buscando agua donde sólo puede manar la sangre. Plúmbeas notas de bajo que se agiganta cuando se acopla en cópula a la batería hasta que se obtiene cierto regusto Progresivo (como unos Mars Red Sky tocando un viejo tema de Aathma, no sé si me explico).

Ominoso inicio para "A Black Star" que resalta todavía más la brutal masterización de Víctor García en los Ultramarinos Mastering. A la brutalidad de la base rítmica, que roza el Thrash de Sepultura pero más estilizado, se le añade ese toque siempre rural que da la Lap Steel (Chamani), formándose un curioso contraste que desemboca en un pasaje de puro Heavy Psych (controlado y sin llegar al desfase) para volver a la melodía inicial, al pegadizo estribillo y un fade out de la lap steel. Colabora Greg Dale a la guitarra en la inmensa "Embrace the Ocean", que inevitablemente me trae a la mente a los añorados Warchetype o Great Coven. Fabulosa la voz de Juan pasada por cierto deje de Vocoder que, llamadme loco, me recuerda a Brendan Perry en el electrónico disco en solitario Ark o por qué no, a los estribillos de los renacidos Dead Can Dance en Anastasis, disco que marcó la vuelta de los Australianos y no, no se me olvida que estamos en un disco de Doom... aunque para eso ya está el cierre monumental "The End of my World" que abre todo un abanico de posibilidades con ese fantástico uso de la steel guitar y reitero, afortunadamente huyendo del Stoner pero quedándose lo mejor del género como esa mirada a las estrellas de gente sabia como los Yawning Man o toda la escena texana. 

El Doom Metal es una sensación, no una etiqueta y lo he dicho en mil ocasiones. NO ES FÁCIL tocar lento, NO ES FÁCIL cantar en estos estilos con un registro limpio a la voz, pero Aathma hacen que parezca fácil en Dust From a Dark Sun. Aathma han grabado un clásico instantáneo que te entra desde los poros y se te clava como un parásito intestinal y tratamiento no voy a darme porque me gusta estar colonizado por estos sonidos.

Uno de mis discos del año.

https://aathma.bandcamp.com/album/dust-from-a-dark-sun

https://arduamusic.bandcamp.com/album/dust-from-a-dark-sun

JAVIER MIRANDA - "EXPERIMENTS IN TERROR" (ASTRONOMY RECORDING MUSIC ARMCAS003; 2023)

Volvemos al particular y ecléctico universo musical de Javier Miranda a penas unos meses después de su anterior proyecto Einar Død. Miranda recupera su nombre para traernos una grabación intimista y honestamente Lo-Fi anclada en lo experimental y que equidista bastante de sus otras anteriores obras Doppelganger, Strange Imperfection o Mirror Games. Si anteriores álbumes discurrían por el Progresivo, la Electrónica y demás, 

Repitiendo sello con Astronomy Recording Music, Experiments in Terror se edita en una preciosa cinta de cassette color verde fosforescente y con el artwork de Iago Méndez que incluye dos pegatinas y una tarjeta tipo Magic. Información técnica (pedaleras, loops y demás) no tengo, así que me ciño a la música; una suerte de suite en tres partes mas un interludio y que en puntuales momentos puede recordar muchísimo a la hermética música grabada por el recientemente fallecido Wilburn Burchette, especialmente su obra Opens The Seven Gates Of Transcendental Consciousness de 1972, sobre todo por esa pátina de sonido a caballo entre lo psicodélico y lo místico. Otros momentos sin embargo son más difíciles de describir... desde partes que rozan los patrones de la electrónica cósmica a riffs directamente Black Metaleros.

"Part I" empieza con esos pseudo arpegios atemporales que me remiten a Burchette. Mucho silencio entre notas y música que confronta directamente con procesamiento de pedaleras hasta convertirse en un flujo electrónico casi indistinguible de un sintetizador. De alguna forma, ambos ritmos (el más sintético) y el acústico (o casi acústico) se van alternando recreando pasajes abstractos que se disfrutan muchísimo más con la profundidad de unos buenos auriculares. Las notas de la guitarra a veces crecen, otras `gotean´ y otras simplemente se limitan a contraerse y expandirse de forma atmosférica y con cierto sabor Folk.

Contrastando, los nueve minutos amenazadores de "Part II", de aires casi Giallescos. La guitarra se torna casi en piano y marca un pulso metronómico que podría recordar (salvando las distancias) a las estructuras vertebrales del Kraut obscurantista, a ratos pastoral (Witthüser & Westrupp o Sergius Golowin) pero con vaivenes obsesivos de difícil catalogación. Aunque hay solos de guitarra y muchos efectos, es curioso como la base parece permanecer inalterable y aunque pueda parecer una estupidez, tiene algo de `motorik´. Si Frith o Ribot se reúnen en un Búnker con guitarras de saldo y ganas de tocar algo metalero, posiblemente se acercarán a la segunda parte del tema... mucha espesura Noise y el uso de elementos loopeados (creo) amasan la música hasta llevarla al punto de parecer algo tan a priori contradictorio como Clásica Contemporánea Lo-Fi aunque eso sí, al final nos vayamos directamente a un Speed Thrash ochentero. 

Con todo, me quedo con "Interlude"... circenses 49 segundos que rezuman de la insania de Jodorowsky en Santa Sangre (nunca me han gustado los circos). El resto son los variadísimos 15 minutos de "Part III" ocupando la Cara B. Se notan bastante los gustos de Miranda por el Progresivo y el Art Rock que son que sostienen en primeras instancias el corte, aunque lentamente nos dirijamos a un clímax de Old School Black Metal más primitivo que limpiarte el culo con una piedra helada de un fiordo Noruego. 

Por tanto, y resumiendo, estamos ante uno de los trabajos más extraños que llevo catados este año que si bien no pasará al status de culto o disco del mes, y es cierto que no es para todos los públicos, me ha sorprendido muchísimo básicamente porque no me esperaba la fluidez y forma de hilar la música. Si bien me esperaba una especie de Demo o Maqueta sobre la que trabajar con otros instrumentos, Experiments in Terror se sostiene en pie por sí solo y guarda más de un momento fabuloso a la guitarra como ese toque Funk setentero del último corte sobre el minuto 7, plagado de wah-wah y fuzz y rindiendo homenaje a continuación a las BSO de John Barry en James Bond. Por otro lado, el nivel de complejidad a veces es altísimo primando un encomiable uso de la técnica (un poco a lo LARVAL de Brovold).

Si me pellizcáis el huevo del centro, incluso hay Death Metal técnico por ahí pululando y que alguien me explique los escasos segundos finales de batería jazzera.

https://astronomyrecordingmusic.bandcamp.com/album/experiments-in-terror

MOMONJE - "AMANECE EN FUERTE COMANSI" (DISCOS BELAMARH BLM11, 2023)

Cada vez tengo más claro de que están haciendo un experimento sociológico conmigo y con La Muerte tenía un Blog. El objetivo es encontrar el músico/sello/ente que me mande el disco más complicado de reseñar hasta que mi psique se resetee a `modo reptiliano´.... solo así puedo entender cómo es posible que cada vez me resulte más complejo de describir las dos caras de un vinilo hasta el punto de que tengo que recurrir a extremas hipérboles linguísticas y tangenciales psico-bisagras que detallen al lector (o inscriban en su cerebro) algo de lo van a encontrar en el disco pertinente.

Lo primero que se me ocurre para empezar a definir la carrera musical de Guiller Momonje es claramente `no intentar definir la carrera musical de Guiller Momonje´ si quiero salir aunque sea ligeramente victorioso de la trampa mortal en la que me han metido porque es (de largo) imposible llegar a buen puerto con semejante eclecticismo. Eso sí, como soy perro viejo me hago la pirula y os enmarco esta fabulosa biografía que tiene colgada la gente de La Fonoteca que para eso son profesionales:

https://lafonoteca.net/grupo/guiller-momonje/

Imaginaos un cruce circense entre el aluvión visual de Santa Sangre de Jodorowsky y la mente pensante musical de Daevid Allen en cualquiera de sus etapas. Quizás así, y por acercamientos tangenciales, logres figurarte a qué diantres suena Amanece en Fuerte Comansi, nuevo disco, inmediato sucesor si no me equivoco de su Retorno a Titán (Discos Walden, 2017) que la verdad no he tenido ocasión de escuchar pero que se me ha quedada grabada a sangre y fuego su portada en las retinas por ese brutalífico estilo al más puro Cartoon años 50 de Olaf Ladousse (lo que equivale a decir que todo se ve como se vería desde el prisma óptico de un chavea iniciado por error en una ceremonia de Ayahuasca); por cierto, el LP incluye una postal dedicada por el propio artista. Así por encima comentar que el disco se compone a partir de donde el anterior queda, tal y como Momonje describe a la perfección: 

`Al poco tiempo de sacar mi elepé, Retorno a Titán, que fue una excursión por el Sistema Solar, me puse de nuevo a grabar temas, esta vez, con intenciones de raíces country y folk, sobre el lejano oeste, la vida rural y la naturaleza; hasta le puse título a la idea: "Raíces y Tubérculos". La cosa enseguida derivó hacia un western absurdo con vaqueros cobardes, paranoias rurales, indios surferos, un fuerte con soldados puestos de hongos, etc. Luego recorrí mundo, como explorador mental, recalando en sitios como La India o Polinesia, donde canté en sus lenguas gracias a los traductores de Google, sin dejar de lado lo entrañable y cotidiano como el roscón de reyes, los catarros o los caracoles que cocinaba mi madre. En este proceso de grabación utilicé otra vez un miniestudio de 4 pistas combinado con mi móvil, utilizado como grabador portátil. Bastante de lo registrado son ocurrencias sacadas de mis turras de Instagram, de ahí las piezas tan breves, a las que añadí más instrumentos. Este ha vuelto a ser un disco muy coral con colaboraciones de amigos, en ocasiones vía WhatsApp, por ejemplo, a La Estrella de David me bastó con mandarle una melodía silbada que me devolvió transformada con un montón de sintetizadores.´

Está clarísimo todo, no?... bueno, quedaría etiquetarlo pero puede resultar algo tedioso. Al fin y al cabo, ¿Cómo defines los dos primeros discos de SOFT MACHINE?. Pues eso... que tengo un recopilatorio triple de Jad Fair que no le va a la zaga en caleidoscopía a Amanece en Fuerte Comansi, trabajo coral donde los haya, suite necro crepuscular de rancio abolengo, descripciones supinas de Acid Folk de alta bizarrez junto a perlas Psych buco-dispersables y un cierto regusto a cómic erótico prohibido con olor a alcanfór y semen. A lo que iba, hay una referencia entre muchas de las que ha puesto Murky, ex de Patrullero Mancuso que la ha clavado a la perfección.... esto suena muchísimo a Peter Grudzien y su desconocidísimo álbum rescatado del ostracismo hace unos años (la anterior edición era de Radioactive y por tanto no oficial) de The Unicorn (1994)... es decir, Country para Vaqueros con estados alterados de consciencia.

Por cierto, los que habitan Fuerte Comansi son Joan Vich (piano eléctrico Roland Marrón con abolladura), Mar Álvarez (saxofón de plástico y Nordotrón), David Rodríguez (sintetizadores), Manuel Scattini (contrabajo y grabaciones), Juan Monje (trompeta), Javier Gancedo (batería), Pedro Vigil (timbales sinfónicos), Alicia Álvarez (locución radiofónica), Willy Cortázar (piano), Mateo Torres (guitarra acústica), Juan Carlos Capetillo (melódica), Rebecca Smith (voz, batería), Noel Álvarez (voz, microkorg), Paco y Coco (trinos y píos) y el resto para MOMONJE... lo que viene a ser voz normal con catarro y al revés, guitarra, bajo, batería, violines, percusiones, citarina, sitar, banjo, ukelele, casio, monotron Korg, piano vertical, armónica, cencerro y fuzz (lo que viene a confirmar el robo compulsivo y reiterado de instrumentos en locales y salas de ensayo).

Abre un ritmo hiperacelerado en modo himno wester ambulante en "Annie Oakley" que pronto se convierte en una melodía acústica de guitarra sobre la que transita la historia loquísima de la buena de Annie. Sigue una perla corta impagable arrastradísima en "Voz de Catarro" plagada de Lo-Fi extraterreno y una magnífica línea minimalista de saxo. "Cascabel contra Colt" recupera esa primera etapa psicodélica del Folk Psych inglés con tubulares toques de sintes mientras que "Nana para la Siesta" destila la magnificencia de los primeros Pink Floyd pero los de tu barrio.... con olor a Brummel y Barón Dandy pero igualmente señoriales con su monóculo y todo.

Acoplados riffs de guitarra con mucho fuzz embarrado ponen una mortaja de polvo a "Por el Desfiladero", donde por cierto me gustaría para un segundo, coger aire, y destacar el brutal uso psicorrágico que Momonje hace de las letras (con "!Caracoles!" te has ganado la fama, amigo!)... toda una ordalía de surrealismo dadá. Tras oxigenar, suenan banjos, ukeleles, pianos, armónicas, sitares, instrumentos de viento y yo que sé.... lo mismo hasta eructos y pedos. Lo cierto es que esta Big Band funciona y de qué manera. Tras la circunstancial "Jefe Nube Blanca" hace acto de presencia un obsesivo ritmo de banjo en la excelente "La Faja", con vibráfono, contrapicados de violín y espíritu Lounge a lo Esquivel, Les Baxter o Martin Denny pero menos estables psiquiátricamente. Que por cierto, si vamos a escribir sobre Lounge y Space Age, se lleva la palma la demencial e inconmensurable "Amor en el Tipi" que te va meciendo en ritmos hawaianos de bronceado nuclear. Impresionante y todavía queda la Cara B.

Antes de pinchar la Cara B tengo la sensación de que estoy en un capítulo de Vacaciones en el Mar pero protagonizado por El Equipo A y con cameos de Michael Landon... no sé si llego a explicarme sobre todo si os digo que dicho capítulo por alguna razón no lo estoy viendo en la TV sino en objetos diversos que me salen en sobres sorpresa de una mini feria ambulante que acaba de pasar por debajo de mi ventana (no, no llevan ningún ataúd de elefantes). "Buenos Días" que es un solo de banjo con acompañamiento de locutor y la pseudo Noir "Visita al Hombre Medicina",  exabruptos sinfónicos (el segundo sobretodo, que además tiene una base rítmica que parece aceite) que contrastan con la mucho más elaborada "Black Hills Suite" que viene a ser como la versión teratogénica de "Anónimo Veneciano". Música italiana que se despliega experimentalmente en tres mini episodios donde hay cabida casi que para todo. Desde obsesivas cuerdas y pianos a diálogos de Korg,  sintes y teclas negras masturbando a teclas blancas en un piano.

"Aloha Pehea Oe" es otro mini supositorio Western de apenas 30 segundos al que le sigue la pegadiza "Mapamundi" corte que cuenta con unos acompañamientos vocales de auténtico psiquiátrico. Flipante el espíritu sixties para "Lovebirds" y la siguiente "Karankawa Surf", con su tono Beat y Mod pero transcrito para pájaros la primera, los toques surf la segunda y con cierto derrame de Free Jazz ambas en el desfase de las bases rítmicas. Soberbio.

Los tonos orientalizantes llegan de la mano de "Saarvabhaumik Prem (Amor Universal)" con su sitar meciendo el mantra vocal de Momonje en un apretado zumo de instrumentos que llegan y se van como Los Monzones. Me encanta el uso que se hace de la electrónica de combate en cosas como "Alubia Boreal", el tema más largo del disco (se va a los dos minutos y medio)... Casio y Korg casan a la perfección con los secos toques de la guitarra sonando rasgado al estilo de esas viejas melodías de dibujos animados de la televisión... y bueno, "Roscón de Reyes" podría ser perfectamente una de esas canciones de anuncios imposibles que hemos mamado en nuestras dos cadenas televisivas. Para cerrar el asunto, épica "Amanece en Fuerte Comansi" con sus armónicas y burbujeos, ritmos militares de juguete y pasacalles de juego de mesa.

Te lo digo por si no lo has intuído. AMANECE EN FUERTE COMANSI es una jodida obra maestra de la que Daevid Allen estaría más que orgulloso (lo cito a él por equiparar neuronas afectadas).

https://belamarh.bandcamp.com/album/amanece-en-fuerte-comansi

CHARLANDO SENTADOS SOBRE EL AÑEJO POLVO DE UN SOL MUERTO: ENTREVISTA CON JUAN AATHMA

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- Saludos Juan. Es un honor entrevistar a alguien al que admiras y a quien sigues desde su primer disco pero para los recién llegados. Lo primero es daros la enhorabuena por el enorme disco que os habéis marcado pero antes de meternos en detalles actuales, ¿podrías contarnos quienes son Aathma y cuál es el contexto en el que se forman? Siempre he pensado que Aathma parten justo donde Glow lo dejaron… Qué diablos, quiero afinar un poco más. ¿Quién es Juan Aathma y qué le lleva a montar una banda Doom con toques Sludge y Stoner?

El honor es mío  y gracias a ti por interesarte por nuestro trabajo y por seguirnos desde nuestros comienzos. Se agradece que alguien con tanta pasión y entrega como tú se interese por lo que hacemos.

En cuanto a lo que comentas sobre si Aathma surge como una continuación de Glow la verdad es que nunca lo he visto como algo así. Yo soy gallego y tocaba en Pontevedra  en una banda que se llamaba Akkgowdown y cuando me vine a vivir a Madrid no tenía ningún proyecto. Mi cuñado que curraba en una sala muy conocida de Madrid y que a su vez tenía locales de ensayo, llamada Ritmo & Compás, me comentó que había una banda que estaba buscando guitarrista. Hice una prueba y me pillaron. Esa banda era Glow y estuve con ellos durante algo menos de un año. 

Después tuve que volver a Galicia y ahí es cuando dejé la banda. Al dejarlo entró otro guitarra que también se llamaba Juan y creo que mucha gente se cree que éramos la misma persona, jaja. Pero mi estancia en Glow no creo que durara más de unos 8 ó 9 meses. Después de pasar un año en Galicia pude volver a Madrid de nuevo y fue ahí cuando ya me establecí aquí definitivamente. Fue entonces cuando sentí la necesidad de formar mi propia banda y así es como surgió Aathma.

(Foto: Sergio Albert Avilés)

- Siguiendo por terrenos viejunos, ¿qué puedes contarme de esa escena (si es que la hubo) de bandas madrileñas de Doom como los Autumnal, As Light Dies o Heavenshore y cómo acaban conectándose algunos miembros con Aathma? No me refiero estrictamente a conexiones pero sí que parece haber cierto árbol genealógico pseudo apócrifo por ahí campando.

Claro, por supuesto que hay una conexión con esas bandas que citas, especialmente con Autumnal. Como te comentaba cuando Aathma surgió yo tenía unos cuantos temas pero no tenía a nadie con quien tocar y la primera persona en quien pensé fue en Ricky, batería de Glow y que además era batería de Autumnal. Con él le dimos forma a esas canciones y grabamos una demo. Como no teníamos bajista, el bajo lo grabó Miguel que era el bajista tanto de Glow como Autumnal así que por ello la conexión con Autumnal en esos inicios es más que evidente. 

A partir de ahí compartimos escenario con ellos muchas veces y siempre han sido una banda de referencia para nosotros. No obstante, más allá de esa conexión y de conciertos que compartimos y algunos viajes que hicimos juntos creo que luego cada cada banda busca su propio su camino. Nunca hemos intentado meternos dentro del saco del Doom, por así decirlo, porque nunca nos ha gustado limitarnos a un solo estilo. Quizás todo lo que hacemos se pueda calificar como Doom, pero siempre intentamos que cada disco sea diferente del anterior.

- Cuarto disco en prácticamente 16 años de existencia, estamos ante una de las bandas de referencia en cuanto a Doom Metal se refiere. No puedo dejar de preguntaros por este largo paréntesis desde el anterior `Avesta´ de 2017. ¿Qué transcurre en el seno de la banda hasta el recién editado `Dust from a Dark Sun? 

Como bien dices, han pasado seis años desde nuestro anterior disco Avesta pero realmente nosotros no lo hemos vivido como un parón. Con su publicación en enero de 2017 intentamos tocar bastante pero justo después de publicarlo, y con varias fechas aún pendientes de realizar, nuestro bajista Mario dejó la banda porque no podía compaginar el grupo con el nuevo trabajo que tenía y no volvimos a tocar hasta 2018 cuando entró nuestro actual bajista Chamani; a partir de ahí tocamos en el Resurrection Fest y algunos festivales más. 

Después de eso vino el segundo disco de OTUS en 2019  y empecé a tocar tanto en solitario como con banda, con mis amigos de Le Temps Du Loup; justo cuando estábamos tocando y presentando el disco de OTUS en directo llegó la pandemia y a partir de ahí nos ha pasado lo que al 99% de los grupos que conozco... no pudimos ensayar juntos durante casi dos años. Así que este disco, excepto un par de temas que estábamos componiendo en el local antes de la pandemia, se ha compuesto casi en su totalidad en casa.  Y así es como surge 'Dust From A Dark Sun', lo grabamos ya hace un año pero la  edición ha sido un proceso muy largo; hemos invertido mucho dinero en la creación de este disco y queríamos esperar hasta encontrar un sello con la garantías de Ardua Music. Por eso han pasado seis años que realmente para nosotros es como si fueran dos. 

- ¿Cómo ha sido el proceso de composición del álbum? Me intriga bastante el concepto que pueda haber tras las letras y teniendo en cuenta las referencias hindúes a `The Call of Shivá´ (2009), los detalles Zoroastrianos en `Decline… Towers of Silence´ (2011) y el contexto persa con `Avesta´ (2017), a sabiendas de que cuidáis bastante los detalles contextuales, ¿qué trama o hilo umbilical hay en las letras de `Dust from a Dark Sun y por qué parece que habéis sustituido el pasado por una suerte de futuro apocalíptico?

La idea era cerrar una especie de trilogía sobre religiones y culturas ancestrales con Avesta y abrir ahora una nueva etapa explorando otras temáticas más relacionadas con nuestra especie, el resto de seres sintientes y nuestro lugar en el universo.

Este disco versa sobre nuestra relación con el cosmos a partir de nuestra interacción con la naturaleza. Cada pequeño acto que hagamos realmente cuenta y nos posiciona en el universo. Creo que debemos ser conscientes de lo que hacemos, comemos, explotamos y utilizamos cada día; lo que hagamos hoy nos definirá como especie en el futuro y probablemente nos cueste la extinción antes de tiempo. Tan solo depende de nosotros y de lo que hagamos en nuestro día a día el acabar convirtiéndonos en luz o en oscuridad eterna.

- Habéis dado un salto cualitativo (incluso diría que internacional) importante fichando por Ardua Music, sello especializado en Doom que maneja bandas de gran calibre como Clouds, Pantheist, Counting Hours y demás… ¿cómo fue el contacto con el sello?

Estamos orgullosos de haber trabajado con cada uno de los sellos que lo hemos hecho hasta ahora, pero sí que es cierto que Ardua Music es un sello dedicado al 100% a esto y con un catálogo impresionante. Tuvimos la suerte de que un gran amigo nuestro como es Daniel Maganto le pasó nuestro disco a David de Ardua Music. A David le gustó mucho el disco, se puso en contacto con nosotros y el resto es historia. 

Lo cierto es que para nosotros es un auténtico lujazo trabajar con Ardua Music. Aparte de la gran profesionalidad del sello, hemos podido hacer todo tal y como hemos querido y estamos tremendamente contentos con el resultado final.

- Dani (Voul, Adrift…), y Mario (bajo) se caen de la formación (entra Chamani en 2018)  junto a la batería de Ricky. Tras un breve paso del todoterreno Jaime García Escalona entra Álex (2013). ¿Qué motivos llevan a esa debacle de una formación tan estable como la que tenía Aathma? 

La vida. Al final son las circunstancias personales de cada músico las que les han llevado a dejar Aathma en un momento dado. Nunca ha habido malos rollos y todo el que se ha ido de Aathma lo ha hecho por decisión propia. Simplemente, en todos los casos, ha sido imposible compaginar otros proyectos/trabajos/familia con la banda y han decidido dejarlo; en el caso de Jaime, somos grandes amigos y nos echó una mano en un concierto con GODFLESH, justo cuando se acababa de ir Ricky, pero no formó parte de la banda como tal. 

Ten en cuenta que esta banda nunca ha buscado repetir una fórmula para vender discos ni hemos pagado por hacer giras ni para salir en revistas ni medios musicales. Nuestra única motivación es crear música, lo más honesta y original posible dentro de lo que nos gusta y siempre buscando una satisfacción y realización personal. Quizás eso no cuadra con la “industria musical” pero realmente, me importa poco. Lo único que me importa es que al hacer música no estamos pensando en nada más que en hacer el mejor disco posible, dentro de nuestras posibilidades. Por eso es necesario compaginarlo con otras fuentes de ingreso y no siempre se puede consiguir eso. 

- Ya que estamos hablando de músicos, ¿qué puedes contarme de la colaboración con Greg Dale en `Embrace the Ocean´?

Pues ha sido una bonita experiencia. Para mi, personalmente, ha sido muy reconfortante. La historia se remonta a hace unos cuantos años, cuando tuve la suerte de abrir para SCOTT KELLY & THE ROAD HOME en Madrid y Barcelona, con mi proyecto en solitario, OTUS. A Scott Kelly le acompañaban Noah Landis, de NEUROSIS y Greg Dale, tocando el Lap Steel y Slide guitar, a quien yo no conocía. 

Aunque cuando toco con alguien que me mola mucho suelo guardar las distancias porque no me gusta molestar a nadie, en la primera fecha en Madrid les pasé algunos CDs de Aathma a los tres. Poco después vino Greg y me regaló un CD suyo en solitario. Al día siguiente tocábamos en Barcelona e hice el viaje en coche con mi mujer hasta Barna y recuerdo que nos pasamos todo el viaje escuchando su disco en bucle. Lo curioso es que al llegar a Barcelona y vernos allí, Greg me dijo que había estado escuchando Aathma y que le había gustado mucho. 

 Es un músico que realmente me sorprendió al verlo tocar en directo, crea unas atmósferas increíbles y además su música en solitario es de una belleza estremecedora. Desde ese momento hemos mantenido el contacto por mensaje o vídeo llamada así que a la hora de grabar este disco le pregunté si le gustaría meter alguna guitarra en un tema nuestro y me dijo que sí al momento, lo cual me hizo muy feliz.  Grabó su parte en su estudio de Ohio y el resultado final ha sido una pasada, en mi opinión.

- En resumidas cuentas, Aathma pasa a Power Trío contigo como miembro más antiguo pero no se pierde un ápice la esencia de la banda. ¿Puedes contarme algo sobre el proceso compositivo? Dadas las similitudes relativas con tu proyecto personal OTUS, ¿tienes claro cuando compones qué tema va para una u otra banda?

La composición suele surgir de una idea de guitarra. A veces sólo tengo un riff y lo llevo al local y lo vamos desarrollando entre todos... otras veces hago el tema completo en mi home studio y luego en el local cada uno hace su parte o aporta lo que quiere a cada tema en concreto. Pero en general, todo surge a partir de riffs o pasajes de guitarra y los temas crecen luego en el local de ensayo, cuando todo el mundo aporta. 

En cuanto a la diferencia con OTUS, suelo tener claro cuando un tema es para uno u otro proyecto. Aunque parezca una obviedad, los temas de Aathma suelen surgir de guitarras eléctricas y distorsión y los de OTUS surgen de la guitarra acústica o de sintes, generalmente.  Así que, dependiendo del instrumento que coja ese día puede salir una cosa u otra.

- Me llama mucho la atención que cada disco tenga un masterizado distinto… desde los Finnvox a Plotkin y ahora Víctor García de Ultramarinos Mastering por ejemplo. ¿Teníais claro cómo sonar o ha sido algo fortuito? Por cierto que el sonido del vinilo es sencillamente espectacular y quisiera felicitaros en ese sentido porque cuesta a día de hoy obtener esa calidad en un tipo de formato que cada vez tiene más de postureo.

Sí,  queríamos que este disco tuviera mucha dinámica, evitar los sonidos comprimidos y que todo sonara lo más abierto y orgánico posible. Esas fueron las pautas tanto para la grabación y mezcla como para la masterización. En este caso optamos por Víctor García porque está trabajando mucho últimamente con Carlos Santos, con quien grabamos y nos fiamos totalmente de su criterio. Además creemos que es bueno apostar por la gente de aquí que está haciendo buenos trabajos así que Víctor fue nuestra elección desde el primer momento. 

Por supuesto,  hicimos mastering para vinilo y para CD independientes lo cual también es importante. Y si a eso sumanos que Ardua Music trabaja con una fábrica que obtienen una calidad increíble, el resultado final es una pasada, la verdad.

(Foto: Sergio Albert Avilés)

- Analizando exhaustivamente `Dust from a Dark Sun´ y si bien es cierto que no perdéis las raíces, creo que habéis dado una sutil vuelta de tuerca al sonido con un mayor empaque de oscuridad y dado un mayor énfasis a lo atmosférico. Por otro lado, detecto también ciertos detalles lisérgicos y cósmicos. ¿Qué tienen los Aathma actuales que no tenían los anteriores? Además, hay cierto sustrato a cosas del sello 4AD y similares pero de forma sutil, sobre todo en la forma de usar los teclados… no sé, no me atrevo a soltar así por las buenas que suena con algo de Post Punk pero cierto toque inglés oscurantista sí que le noto o quizás sea algo así como que el sonido de OTUS ha impregnado algo a los Aathma (quizás por esos toques en la Cara B de la acústica casi Folkies).

Simplemente es una evolución.  Es muy aburrido hacer siempre lo mismo y repetir una y otra vez el mismo disco. Como músico no le veo ningún sentido a hacer eso aunque entiendo que haya gente que lo haga para ganarse la vida y que crean que repitiendo una fórmula una y otra vez van a mantener la misma base de seguidores que les dan de comer. Pero en nuestro caso no buscamos eso, por lo que hacemos totalmente lo que nos apetece. 

Cada disco nuestro se ha hecho en su momento siguiendo esta misma filosofía, por lo que no creo que tengamos nada que no teníamos antes, sencillamente estamos en otro momento vital y eso queda reflejado en cada album.

Si te soy sincero, no estoy muy familiarizado con el sello citas, así que imagino que la conexión es meramente casual, en ese sentido. Lógicamente, Aathma y Otus pueden tener similitudes ya que hay una persona en común en ambos proyectos, pero lo veo como algo natural. No siento la necesidad de intentar separar ambos proyectos de una forma premeditada. En cuanto a los sintes y las guitarras acústicas, con Aathma me gusta usarlos para dar diferentes texturas y hacer arreglos, mientras que en OTUS la acústica es la columna vertebral, sin duda.  Para mi cada proyecto tiene su personalidad propia.

- Cada corte suena a un himno y tu voz ha madurado en barrica de roble hasta el punto de que te diría que este disco no funcionaría igual sin tu voz (es un instrumento más). Las guitarras están inflamadas por un Space Rock meditabundo de alto octanaje. Por otro lado, a pesar de ser un trío el abanico amurallado que se abre con la poderosa base rítmica y la guitarra son algo así como los Mars Red Sky tocando Doom Metal. ¿Sois conscientes de que hay pocas bandas ahora mismo al nivel en el que estáis y con semejante trayectoria?

Muchas gracias por tus palabras. La verdad es que nos emociona que después de todo el esfuerzo que ha supuesto este album haya gente como tú que lo valore y sobre todo, a quien le haga sentir algo. En cuanto al nivel, pues no lo sé.  Esta banda lleva ya muchos años y hemos tocado en todo tipo de sitios y con todo tipo de bandas y supongo que eso te da una experiencia que es difícil tener cuando eres más joven. En nuestro caso, nos sentimos muy a gusto tocando en un escenario y eso creo que el público lo percibe de una forma u otra.

(Primerísima formación de Aathma, año 2009)

- Hablando de bandas, ¿qué bandas han sido de alguna forma influencia para Aathma y ya que estamos… si tuvieras que grabar un Split con una banda española, cuál sería? 

Seguramente la primera influencia cuando empezamos serían NEUROSIS, porque era la banda que unificaba los gustos personales de los tres en aquel momento aunque citaría muchas más como TYPE O NEGATIVE, DANZIG, ALICE IN CHAINS, etc. A día de hoy, me encantaría grabar un split con Bones of Minerva, Le Temps Du Loup, Adrift, Autumnal, The Holeum, Ikarie… Son muchísimas las bandas nacionales que me molan, es injusto quedarse solo con un puñado.

- Para ir terminando, ¿qué planes de futuro tienes con Aathma y si puedes adelantarme, volverá Otus con un tercer álbum?

Nuestros planes son presentar el disco en directo después de verano y seguir tocando en directo durante 2024. Eso sí, estamos en un momento en que preferimos hacer menos conciertos pero con mejores condiciones. Pero seguiremos adelante ojalá que por muchos años. En cuanto a OTUS, por supuesto,  habrá tercer disco. Creo que tengo la idea principal, pero ahora falta encontrar el tiempo necesario para darle forma.

- Pues hemos llegado al final de la entrevista. Este es tu espacio y puedes despedirte como quieras… ha sido un auténtico honor y placer.

El honor y el placer ha sido mío.  Sólo quería darte las gracias en nombre de Aathma por tu apoyo durante todos estos años y gracias también a tus lectores y a todos lo que nos ayudan de una u otra manera. ¡Nos vemos pronto!

https://aathma.bandcamp.com/

https://arduamusic.bandcamp.com/album/dust-from-a-dark-sun

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THE SLUMBERING - "WHEN WE FORGET IT REPEATS" (AESTHETIC DEATH ADCD 092 / TREPANATION RECORDINGS, 2023)

Visitar terrenos oxidados conocidos es lo que siento cuando reseño esa senda oscurantista y a contra corriente a la que me tiene acostumbrado AESTHETIC DEATH. Esa veta impresionante de electrónica pútrea se manifiesta en múltiples proyectos a los que lleva dando salida desde hace más de 30 años y bueno, hoy me complace volver a clavarme las jeringuillas usadas de THE SLUMBERING en su nuevo When We Forget It Repeats.

Para no repetirme, os enlazo a la reseña de su anterior Looking for Sorrow Within One´s Fear donde ya os presenté al texano Clint Listing (voces, sintetizadores, efectos, guitarras, bajo y percusión), además de su Split compartido Kadaver / Listing. Os recomiendo visitar estos dos enlaces para no repetirme en biografías. En cuanto a detalles técnicos Listing graba en Phoenix AZ / St Cloud FL para luego editarse en excelso digipack por Aesthetic Death y en Cassette por Trepanation Recordings, siendo los clásicos de la casa Stjin Van Cauter y Greg Chandler los encargados de artwork y masterización respectivamente (garantía de seguridad de acabado y brutalífico sonido).

Un Harsh Noise comedido con tintes de Dark Ambient e Industrial Noise irrumpe con "Be Afraid if God Was Really Watching". Ululante y plagado de voces susurradas, el corte es el equivalente a frotarte los dientes con las vías de un tren... efectos casi cinematográficos en cascadas opresivas ultra distorsionadas recuerdan a una suerte de Penderecki electrónico, sobre todo con esos contrapuntos que creo están obtenidos de la guitarra y pedaleras (algo así como la banda sonora de The Shining pasada por un filtro Cyberpunk). Se recrudece todavía más el asunto en "Special Doesn't Mean You're Special", donde es imposible no acordarse de Whitehouse, Sutcliffe Jugend, Controlled Bleeding o ánimas cándidas como CON-DOM aunque bien es cierto que los acoples de la guitarra te llevan de la mano a la etapa en Coldspring de los SKULLFLOWER. El uso de voces agónicas a caballo entre lo gutural (sobre todo en extrañísimos loops muy procesados) y simples notas sostenidas susurradas que la convierten en un instrumento más en el siempre desafiante universo del Doom Noise extremo.

Flipante el contraste con la procesionaria y al ralentí (parece ir hacia atrás) "Battle Within", con uso obsesivo de efectos percusivos cuasi tribales (al estilo de los primeros discos de Controlled Bleeding) tipo cascabeles. Lo que hace Greg Chandler con el sonido es simplemente genial... una auténtica muralla sónica de Jericó que me recuerda a viejos proyectos como Hlidolf, Torture Wheel o la parte menos sinfónica de Stjin Van Cauter (Fall of The Grey Winged Ones o Dreams of Dying Stars) o si me apretáis el testículo derecho, los olvidados Uncertainty Principle. Espacial, cósmico y decadente Drone Doom en gravedad cero en "Corporal Travels" donde bajo toda la plétora de ruido flota una melodía de fondo que viene y va sutilmente para nunca materializarse (como debe de ser) del todo.

Vuelven las percusiones en la hímnica "Painful Regression" que además cuenta con unos riffs asordinados de guitarra cuasi Black Metal en la retaguardia... algo así como Dungeon Synth mezclado con Martial e Industrial. De mis temas favoritos sin duda. Parecía difícil superar su anterior disco pero tengo que reconocer que When We Forget It Repeats me tiene encandilado. Sin bajar el nivel de calidad se suceden las más metaleras e intensas "Suffocation of the Inner Love" o "Fractured Mental Whispers", ambas vertebradas a partir de guitarra eléctrica pero deformadas y recubiertas de detritus electrónico. Especialmente la segunda destaca por su repetitiva melodía que te va taladrando la barrera hematoencefálica... cambios hay pero son tan sutiles que se te pasa como un suspiro.

El tramo final pasa por la mastodóntica y de 9 minutos "From What I Lost", con base rítmica al completo y un tempo lento rozando el Funeral Doom; aunque es cierto que puede ser un hándicap las percusiones tan sintéticas, acaba resultando con los efectos de campanas y lo minimalista que resulta todo aunque sinceramente en THE SLUMBERING prefiero el maremágnum del epitafio final "We Are Betrayed", un destilado de todo lo anterior que redondea un trabajo sobresaliente, desangelado y que hará las delicias de los seguidores de ese extraño mundo que une el Harsh Noise con el Doom.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=5800

https://theslumbering.bandcamp.com/

DJ AMSIA - "STREET OF CROCODILES" (SERIES NEGRAS, 2023)

No es la primera vez que os traigo a DJ AMSIA por estos lares; si la memoria no me falla fue con Kukuherri (Discos Watusa, 2021) pero como suele ocurrir con músicos de currículum tan extensos, prefiero someterlos a un pequeño cuestionario con el que atinar mejor sobre sus idiosincracias, miasmas, defectos y virtudes. Releyendo el texto y reescuchando Kukuherri, sigue pareciéndome profundamente metido dentro de ese cruce abyecto entre el Downtown juguetón de Ikue Mori (Toy Music), los experimentos Dadá / Fluxus y los trabajos más herméticos de Nurse With Wound... todo ello sin olvidar ese fabuloso uso del Sampling cercano a los dioses CASSIBER y sus cintas magnéticas.

Amsia recupera la mejor tradición del underground vasco con teratogénicas orquestas compuestas por infinitos MIDIS, que se pegan y despegan en un collage abrumador donde hay espacio para casi que de todo. Es música clásica para cocodrilos. Prefiero por tanto un careo con DJ AMSIA antes de meternos de lleno con su nuevo Street of Crocodiles.

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* Bien, creo que no charlábamos desde la magnífica cinta Kukuherri que reseñé en el blog y me dejó encantado. Adentrarme en tu figura y tu currículum no es fácil así que lo primero que me gustaría es que te presentaras a tí mismo. ¿Quién diablos eres?

Me gusta definirme como un músico electrónico, que trabaja ambas facetas (música y electrónica) tanto conjuntamente como por separado, por un lado esta toda la parte sonoro-musical y sus diferentes variantes y disciplinas, he trabajado musicalizando teatro, performances, audio-visual, cortos de animación, recreando bandas sonoras para películas de cine mudo, la noche y la discoteca […] Y desde hace bastantes años, desarrollando y plasmando mis visiones sonoras en “discos” que intento defender en directo como AMSIA, alter-ego con el cual discuto muy a menudo, pero que me ha permitido conocer gentes, relacionarme y viajar a infinidad de festivales y raros lugares.

Por otro lado, está la parte de electrónica y todo lo referente al hardware musical y la construcción de instrumentos electrónicos, tarea a la cual me he dedicado profesionalmente en los últimos años y que culmino fundando 333modules, una linea de módulos en formato eurorack, en un principio concebidos y creados para mis pretensiones sonoro-musicales pero que termino de alguna forma comercializando.

* Street of Crocodiles, tu nuevo disco editado bajo tu sello SERIES NEGRAS es todo un desafío al oyente... electroacústica, arte sonoro, dadaísmo y vanguardia en estado puro. ¿Cómo sido el trabajo de composición del disco?.

  Series negras es un pequeño sello que llevamos conjuntamente entre Tzesne y Amsia. básicamente es un contenedor donde auto-publicamos nuestros trabajos sonoros ademas de otros proyectos de artistas y músicos que nos parecen interesantes o cercanos, nos gusta definirlo como un micro-label entregado a la introspección y a la abstracción sonoro-musical.

Street of crocodiles es una consecución de la linea musical en la que llevo trabajando desde hace tiempo, donde el sonido y la forma des-estructurada cobran protagonismo, básica y principalmente, por la metodología usada para la creación sonora, en un principio basadas en improvisación y experimentación dentro de un marco de aleatoriedad controlada, y en una posterior fase, dando paso al montaje, ensamblaje, composición y mezcla de la misma, dotándola de hilo narrativo y parajes sonoros a modo de collage, todo de forma intuitiva, donde el azar y las sensaciones tienen un importante papel.

* Hablando de técnologías, sé que has usado librerías, midi, samplers... ¿has tocado en Street of Crocodiles sintes modulares?. Casi todos los artistas sonoros que conozco dentro de tu campo construyen sus instrumentos y si el ser humano es un 80% agua, yo creo que vosotros sois un 80% cables....

Suelo usar sistemas modulares, pero solo en parte, me gusta experimentar con diferentes fuentes sonoras, una de mis herramientas favoritas es el sampler y todas sus variantes, soy bastante fanático de toda la época dorada del sampling, la cual he vivido, allá por finales de los noventa, me sigue fascinando todo ese mundo de TRACKERS y samplers hardware EMU, AKAI, YAMAHA... aunque no me limito y utilizo hardware musical de todo tipo, me interesa la forma artesanal de trabajar, crear y modificar el sonido, y muchas veces el interface o la forma de relacionarse con los instrumentos electrónicos es mas importante que el instrumento mismo, ¿cuantas formas hay de tocar una guitarra?

Por otro lado, pertenezco a la comunidad DIY del Eurorack, y me parece muy interesante el desarrollo del formato, personalmente ha sido mi puerta de entrada al mundo de la ingeniería electrónica, hasta el limite de diseñar y construir mi propia linea de módulos (333modules.com/), la idea de poder construir una maquina sonora por partes y a medida es algo mas que interesante, aunque paradójicamente, aveces encuentro mas inspiración en maquinas devaluadas de segunda mano.

* Ya te relacioné en la reseña con la escena de Azkoitia pero me gustaría saber si tienes relación con el Matadero y cómo es todo aquel movimiento.

  El matadero de Azkoitia cumple 27 años en activo, y es muy difícil recapitular tantos sucesos, gentes y actividades, pero en pocas palabras podríamos resumir y presumir de que Matadeixe pertenece a la escena de las artes escénicas del país vasco, que continua en activo con una programación mas o menos regular he intenta mantener su forma y filosofía primigenia basada en un espacio creado y gestionado por músicos y artistas para el desarrollo de las artes escénicas […] Pero hablar de cultura en Azkoitia es hablar de social democracia cristiana en su forma mas tradicional y conservadora, y dentro de todo esto, el Matadero se ve como algo exótico y extravagante, tampoco existe otro local o sala dedicada a las artes escénicas de pequeño formato y con programación continua, digamos que no es una prioridad cultural en el pueblo y carece de interés tanto su programación como su actividad en general, salvo contadas ocasiones, por tanto, hablar de una escena en Azkoitia es ciencia-ficción, curiosamente, el matadero es mucho mas valorado y apreciado fuera.

* Para terminar y como curiosidad, ¿Puedes contarme cómo surgió en tu caso (el contexto lo sé porque me pilla de cerca) homenajear a CARLOS DESASTRE con "Un Beso en el Desierto" de Atardecenaranjainfierno? A propósito y siendo tan admirador de Carlos, me gustaría saber si has tenido trato personal con él (si me cuentas alguna anécdota sería fantástico).

Conocí a Carlos Desastre allí por el 1998, para entonces, Carlos ya vivía en Azkoitia y vino a verme a un concierto, después, estuvimos hablando largo y tendido y fue el principio de una gran relación de amistad que todavía perdura hasta el día de hoy, aunque nos separen miles de kilómetros de distancia, “el tito Carlos” es influencia y padrino musical, me bautizo como AMSIA, y acto seguido, me llevo de gira, en aquel entonces con Después de Nunca, grupo que compartían Carlos Desastre y Emilio Salvatierra (ex 713avo amor), colabore con ellos en varias giras y múltiples escenarios de la geografía nacional, Málaga, Castellón, Zaragoza, Barcelona...

Por aquel entonces yo era un joven pimpollo de veinte y pocos años, y fueron momentos excitantes y locos, supongo que vivíamos todo lo relacionado con la música de manera mas intensa, intuitiva y creativa, eramos jornaleros del ruido, así lo sentíamos y así lo trabajábamos.

Carlos y yo, compartimos estrechamente muchos años el proyecto Corsal Desastre, publicamos el disco-libro “Radio ensueño” donde hice labores de grabación, composición, mezcla, etc... Lo presentamos en directo en un montonazo de sitios, todavía la idea del disco y presentación en directo parecía tener sentido, nadie nos hacia ni puto caso, no molábamos, no hacíamos música guay, eramos incomodos he incisivos, tenaces, hablábamos, narrábamos, tocábamos jodidamente sin tapujos y nunca seguimos ninguna moda o tendencia de mierda, fuimos “viejos prototipos olvidados por la razón mercantilista.”

Respecto al disco homenaje a Carlos Desastre, fue Edgar Luján desde Mexico quien me propuso participar en Atardecenarajainfierno, como curiosidad, recupere la pista de voz de un beso en el desierto desde la grabación original, aun conservo algún backup de aquellas sesiones (en una VS1680), este tema en concreto es perteneciente al disco “Canciones De Amor Bajo La Lluvia” que fue editado por “compañía de sueños ilimitados”. De todas maneras, he de decir, que no soy muy amigo de los homenajes, aunque siempre me ha interesado el tema de las remezclas.

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Ahora que ya tenemos el mapa corporal (fronteras incluídas) de AMSIA, vamos a adentrarnos en un hermético pero apasionante Street of Crocodiles, álbum que se mueve a caballo entre el Sound Art (electroacústica inclusive), lo netamente Industrial y otras lindeces como son (este término es de mi cosecha) `Tetsuo Lounge Music´. Un sonido vanguardista brutalmente atonal, poliédrico y cambiante de muy difícil etiquetado ultra barrocos (por la cantidad ingente de capas y capas de sonido) que evocan un extraño ecosistema habitado por `cosas que suenan, se retuercen, vuelan y aterrizan´. Un terrorífico compost en cascada de sonidos que mutan y permutan, enrocándose con otros y creando una suerte de espíritu sinfónico ambiental.

Abre "Fuerza Mayor" con percusiones inhumanas procesadas con sonidos que se elongan hasta rozar el punto de ruptura. Entre los espacios pequeños brilla un sutil Harsh Noise como hilo conductor o pegamento sobre el que ir poniendo nuestras pegatinas de Industrial Noise como si de un álbum de cromos se tratara. Desasosegante y con cierto espíritu a compositores como Penderecki pasan por delante de nuestras orejas pequeños motivos melódicos atonales de piano (o similar); con sintetizadores parece que estamos escuchando esos devaneos arrolladores y afilados del compositor polaco que a veces parecen Stukas alemanes lanzados en caída libre. Flipante la cantidad de recursos pero no es para nada un disco de fácil escucha. "Mechanics’ Magazine vs Electronotes" comparte un espíritu bastante similar.

Sigue el homónimo "Street of Crocodiles" donde no puedo evitar acordarme del Zorn más abyecto de los inicios con Cobra o Hemophiliac. Sin compasión para el oyente, y con toques futuristas, AMSIA pone sonidos en su torno híbrido y con oxidados repliegues incesantes de sonido que vienen a ser como el lado oscuro del Cuarto Mundo de John Hassell. Minimalista y juguetón a ratos al igual que en otros cortes posteriores como "Pantano en un Bosque al Anochecer", contrastando con arremetidas industriales y vuelvo a repetir, dadaísmo electroacústico con retazos teatrales pero para oyentes con trastorno mental severo (que al fin y al cabo somos casi todos). "El baile de las plantas carnívoras" es jazzero a la manera en que compondría Esquivel o Lex Baxter con una pastillita de LSD bajo la lengua. Emulaciones de vientos con sordinas para prepararnos para el descomunal "Electrolytics lifestyle"... 11 minutazos de Drone Ambient Noise muy imaginativo en sus toques acuáticos, magnéticos y juguetones que me recuerda muchísimo a los padres de la electrónica en este país como Miguel A. Ruíz, Diseño Corbussier o los más extraños Quaxar / DUE. 

A destacar el clímax que se crea allá por el minuto 6 con un aluvión de Noise e Industrial adornado con toques vanguardistas sinfónicos que te obtura las fosas nasales como vapor de agua bañado en Napalm. Como llega se va y entra piano y flautas (o similar) en un circense fin de fiesta. La dupla "Breve comparación sobre el atractivo II" y "Breve comparación sobre el atractivo I" es enigmática.... la primera algo así como la banda sonora de un Giallo que se desarrollara en una nave espacial rumbo a Ganímedes en Primera Clase o los experimentos de los Mad Doctors en las películas de la Hammer. Imposible de encasillar mientras que la segunda es su reverso tenebroso.

Uno de mis cortes preferidos es "Suzko Erroberak" por su genial contraste entre voracidad electrónica y detalles de flautas, burbujeos de mercurio en efervescencia y lo que parece música de un Arcade de 8bits. Voces que imitan instrumentos e instrumentos que imitan voces mientras de fondo surge una poderosa y épica marcha mantenida de corte fúnebre. Para remachar este impresionante trabajo, los vibrafónicos compases de "Gibelurdinak" terminan por destruirte la psique con su atonal ambiente noir que por momento parece que va a girar hacia el Dark Ambient.

Lo dicho, todo un ejercicio para los oídos y los sentidos.

https://seriesnegras.bandcamp.com/album/street-of-crocodiles