RICKY DIAMOND - "MORPHINE LIPS" (ROCK+CD RECORDS, 2017)

Ni siquiera necesitan 30 minutos los alicantinos RICKY DIAMOND para llevarte 3 toneladas de desierto a tu estéreo. Por alguna extraña razón, cuando pienso muchas veces repetidas en el nombre que se han puesto se me vienen hebillas de hierro a la cabeza... no sé que querrá decir esto, pero mi diccionario Jungiano-Español se perdió hace bastante tiempo. Una prueba más de que las etiquetas sólo valen para limpiarse el culo con ellas es que Stoner no define para nada su sonido; o mejor dicho, sí que lo define, pero equivocadamente, que al caso no es lo mismo. A veces me gustaría mojarme el culo y a continuación apoyarlo en una duna hirviendo... simplemente por ver cómo me sentarían esos calzoncillos desérticos. Perdón, quizás estoy divagando demasiado.

RICKY DIAMOND en formato power trío que tras diversos cambios de formación queda establecido en ARIKAT al mástil con 6 espinas de cactus y gargarismos con arena; MAX a las yescas e IBAN a los ecos vocales del Cañón del Colorado y mástil de 4 espinas gruesas. Graban este artefacto en forma de Ep en los DELTA ESTUDIO (Diastro, Alicante) por JUAN BALLESTER, mientras que STREAMLINE MASTERINE pasa el sonido por el tamiz para buscar oro. Adornando el asunto ALEX STONER (LePig ART).... ah, y fabrica ROCK+CD, que no es por nada, pero hace las cosas más que bien.

Lo primero que destaca es la potencia del sonido conseguido en la base rítmica en la potentísima "Love & Pain", mientras la guitarra te abrasa como un lanzallamas sin piedad cargado de Fuzzz (me permito añadir una Z más para no parecerme a todo el mundo); lo curioso es que si uno agudiza un poco el oído captará en las entonaciones del vocalista cierto regusto a lo James Hetfield (sí, John García también, pero más sutil). Incluso se permiten ralentizar el tema en un Doom pantanoso y lisérgico de esos arrastrados para lucimiento de los instrumentos (una de las cosas que odio en el Stoner es cuando los cantantes no callan un segundo, y aquí afortunadamente eso no pasa). 

Si fuera matemático, me habría hecho rico descubriendo una fórmula que indicase la probabilidad de aparición de nuevas bandas de Stoner en el país, pero dicha fórmula no serviría para indicar qué grupos merecen realmente la pena, y puedo asegurar que RICKY DIAMOND me han sorprendido muchísimo. Lejos de sablear Palm Desert, los de Torrevieja se marcan un constante groove rockandrollero con trazas psicodélicas que bien podrían recordarte a los últimos MONSTER MAGNET por ejemplo. A bote pronto recuerdo ELECTRIC BELT, ELECTRIC VALLEY, WET CACTUS, ELEPHANT RIDERS.... 

El magnético "Morphine Lips" demuestra a la perfección las tablas de la banda, que hace una aleación perfecta entre Stoner y Hard Rock hipervitaminado con múltitud de detalles (coros, cambios de ritmo y en suma muchísima energía) auqnue si he de elegir, prefiero revolcarme con mi flotador en la charca a lo DOWN de "New Old Dreams", que siempre es bueno relajarse entre nenúfares radioactivos. Lo cierto es que temas como "The Same Fuckin´Song" suenan gratamente Hard Rock, de estribillo ultra pegadizo y con algo de unos AEROSMITH recrudecidos pasados por harina grunge y coros que ríase usted del rock americano de los DEF LEPPARD, así que en conjunto el sonido de la banda se aleja bastante del Stoner tradicional que nos inunda por doquier... pero ojo, no me entendáis mal, RICKY DIAMOND no practican la originalidad pero sí el buen gusto y con "Morphine Lips" han parido un grandioso Ep donde al fin y al cabo lo que importa es la calidad de los temas y la ejecución y en ese sentido sobresalen con creces.

Cierra "Witches Hole" expandiendo el sonido a horizontes de calima Psych que me gustaría ver explotados en un próximo larga duración. Algo tienen los grupos alicantinos que los hace tender al espacio, y si no, tiempo al tiempo.

https://rickydiamond.bandcamp.com/releases

GIRON - "CLOUDS" (MUSIC2DREAM; 2017)

Ya lo decía DAVID STUBBS de forma magistral en su recomendadísimo libro "Future Days". Algo tiene el Krautrock y la Kosmische Music que vuelven una y otra vez. Lo explica de forma sublime y no es mi intención usar sus reflexiones pero no puedo ni por asomo obviar que mientras géneros como el progresivo sinfónico a la inglesa han caído en un ostracismo anquilosador producto de su propia idiosincracia anticonstructivista y sectaria (como símil, casi que el progresivo en sí hace décadas que es igual de rígido que el Heavy Metal), el siempre mal llamado Krautrock funciona como una especie de bálsamo/fórmula magistral de la que beber constantemente y a la que todo aquel que luce la etiqueta de avangarde recurre en alguna que otra ocasión... sea cual sea el estilo que practiques. Desde el metal extremo al pop electrónico de hoy día.

El músico alemán occidental experimental medio se rebeló contra los estilos de la inocua canción popular alemana (Schlager) rebelándose contra el preciosismo virtuoso de los músicos foráneos o las radio fórmulas a lo THE BEATLES y similares para abordar un sonido que ya venía urdiéndose gracias a las particularidades sociales/humanas del fin de la guerra en Alemania. Hasta el mismísimo BRIAN ENO se iría a Alemania a colaborar con los HARMONIA; el llorado BOWIE en su etapa Berlinesa a modo de gurú recabaría allí tras quitarse su ambiguo traje Glam y de seguro la actual escena electrónica/techno no se concibe si no se hubiese dado la escena de Berlín tal y como la conocemos hoy día (no entro en corrientes como la de Dusseldorf  porque sería interminable o la música industrial con claros referentes Pre-EINSTURZENDE NEUBAUTEN como son los FAUST).

El Krautrock fue denostado, risible y puteado en su propio país. Ninguneado al extremo, hoy se sostiene impertérrito y atemporal y son muchos los que bucean en sus parece que inacabables arcas de oscuras joyas aunque el ritmo motorik haya sido usado hasta la saciedad y la fina línea que divide a hombre y máquina esté difuminándose.

Pero ojo, que quizás esté divagando en una dirección errónea, porque la escena electrónica francesa con músicos del calibre de JARRE, MICHEL MAGNE o PATRICK VIAN también podría aparearse con su homóloga alemana pero en una línea temporal quizás distinta. ¿Está todo inventado?... puede que sí, y el largo espectro de grandes nombres como TANGERINE DREAM, SCHULZE, VANGELIS o MICHEL HUYGEN (NEURONIUM) son sin duda bastiones/columnas de un templo que se construyó en los 70 a modo de oráculo pero que por alguna extraña razón sigue ahí, iluminando y agitando las mentes de músicos que viniendo de todas las vertientes (desde el metal hasta el progresivo puro y duro), acaban obsesionados con los osciladores, secuenciadores, monotrones y demás maraña de cables que emulan una red neuronal... una red neuronal que se mueve a base de impulsos sonoros a priori asépticos pero más humanos y sociales de lo que podría parecer (vuelvo a remitirme al maravilloso ensayo de Stubbs en comparaciones tan acertadas como KRAFTWERK y los viajes en tren o las hipnóticas carreteras alemanas en "Autobahn").

GIRON nos trae su tercer disco tras los maravillosos "Forest" (2014) y "Stones" (2015). TOMÁS FERNÁNDEZ GIRÓN es la persona detrás de este proyecto (también como bajista en los recomendadísimos EL CÍRCULO DE WILLIS) y sobre su biografía no voy a añadir nada que no haya dicho en las anteriores reseñas, que os recomiendo releáis para situaros en contexto. Hay muchos músicos haciendo esto hoy día, pero GIRON destaca ostensiblemente por espíritu, pasión y destreza... en resumidas cuentas, su música llega, te toca y si te descuidas, rozas el éxtasis de forma sutil (y sin sustancias modificadoras de la conciencia mediante). Alquimista de melodías espaciales y embajador atávico del sonido electrónico del universo.

El disco se graba en directo en los COSMIC ELECTRIC SECTOR STUDIO de Madrid en varias sesiones y el artwork interior cuenta con espectaculares fotografías de MARTA FERNÁNDEZ IBAÑEZ (desde Irlanda, al igual que en el anterior trabajo si la memoria no me falla). Para los eruditos técnicos, aquí cito una lista de los instrumentos usados: Vermona Perfoumer, Beatstep Pro, Streichfelt, Microsampler, Microbrute, Dreadbox Erebus, K-Station, Monotribe, Small Stone, DD3, DD7, Doepfer Schaltwerk, SCI Sixtrak, Reel Echo, Small Stone y Mfb 522 (impresionante, no?). 

El pack especial puede pillarse con un dvd de más de dos horas de duración donde puede verse el desarrollo en vivo de los temas, experiencia embriagadora, sugestiva e hipnótica (algo así como esas viejas emisiones de la SWR de estridentes colores que bordean lo epiléptico).

"Stratus" abre el disco con un etéreo soundscape de 15 minutos de duración. Un viaje por los estratos de la atmósfera. Troposfera, ionosfera, estratosfera, quimioesfera o exosfera tienen su particular homenaje sónico ascendente. Los instrumentos electrónicos bien podrían ser realmente nitrógeno, argón, ozono o vapor que al caso qué mas da si la mayestática sensación de haber perdido masa y estar flotando es tan real y palpable. Los angelicales coros son muy deudores de VANGELIS o de la escuela electrónica francesa y otorgan la dosis justa de epicidad que la música precisa. 

Y dejadme hacer otro inciso. Para el profano quizás este tipo de sonoridades puedan entroncar con la World Music o la New Age, craso error muy común fruto de tener las orejas romas y poco afiladas. La Kosmische pudo influir en aquella, pero el sustrato siempre es agrio, ligeramente perturbador y al contrario que la New Age, no busca la realización personal sino la simbiosis hombre/máquina de la que os hablé al principio. Escuchad "To The Inner Temple" y su inicio con ecos a lo POPOL VUH que da paso en breve a unos biorritmos percusivos alucinantes con espectrales toques Giallescos y Carpenterianos (cinemáticos en suma), para ir transformándose todo en una rendición a "Vuelo Químico"/"Quasar 2C361" de NEURONIUM. Si os parecen muchos detalles estos, poneos los auriculares y veréis que me quedo corto. 

Para romper la sobriedad, nada como la nana cósmica minimalista "Blow", puente hacia "Between The Clouds", que vuelve a captar los ecos rituales, mántricos y pastorales de los POPOL VUH de su etapa media... hasta que vuelven a irrumpir esos sincopados ritmos a mitad del corte trazando una melodía introspectiva que se desplaza a trompicones como las gotas microscópicas o cristales de nieve que yacen suspendidos en la atmósfera dispersando la luz en prismas imposibles: el ritmo en cierta medida se posterga casi sin descaso con la melodía en espiral de "Cumulonimbus" (el término hace referencia a nubes grandes de alto desarrollo, densas y húmedas con aspecto algodonoso y generalmente vórtices de granizadas, tormentas y otros fenómenos violentos) que pronto arranca por derroteros duros cuasi techno que son una gozada. 

Bailar cabalgando un Cúmulus Congestus desnudo y empapado en humedad en la discoteca onírica en la que nadie cabe pero todos entran. La lluvia no es agua sino jugos lúbricos que caen de la orgía acuosa resultante de la condensación del acto sexual.

"Through The Air" cierra como empezó el disco. Una letanía ambiental a lo ENO dirigida a disolver la consciencia. "Clouds", tercer disco de GIRON, es uno de los discos del año en su estilo (venga, creadores de listas del año, sacad libretas) y una poderosa muestra de que lo analógico todavía pervive en un mundo que tiende al Plug-In y a la aplicación Android.

https://giron.bandcamp.com/

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RIZOMA - "OVER THE GARDEN WALL" (AMASIJOS VEGETALES 002, 2017)

Cuatro años después de aquel "Ep" autoeditado de homónimo título, dos años después de "Amasijos Vegetales", a un año de la edición del debut  de "Emboscada" y muertos ya DISPAIN, RIZOMA (Edu: guitarra y voz / Mareike: bajo / Nacho: batería ) vuelven igual que estaban: podridos hasta el alma, aconfesionales, sépticos y sin perder un ápice de la distorsión de baja fidelidad a la que nos tienen acostumbrados.

Para una reseña como dios manda os aconsejo que os leáis el fantástico texto de Luis Boullosa para su Kaput Magazine, que creo que define a la perfección lo que escucharéis en "Over The Garden Wall" y cuyo enlace os dejo a continuación. 

http://kaputmagazine.blogspot.com.es/2017/12/rizoma-over-garden-wall-amasijos.html

Después de esto, quien quiera una dosis extra de literatura basura que siga leyendo.

Coge a los ELECTRIC WIZARD menos fúnebres (vaya, que sólo hay que escuchar cómo reverbera el inicio de "Over The Garden Wall"); inyéctales adrenalina destilada de BLUE CHEER, MC5, STOOGES y la música ácida japo a lo MARBLE SHEEP, ACID MOTHERS TEMPLE y FLOWER TRAVELLIN´BAND. Al resultado si se quiere se le puede añadir un sustrato lisérgico que bebe de mezclar a Lovecraft con las historias de las teteras de Daevid Allen para construir un submundo mitad tubérculo, mitad batracio... y quizás si se quiere animado con las cochambrosas teorías conspiratorias de Erik Von Däniken. Mezclar setas con Peta-Zetas quizás no sea una buena idea, pero joder... ¿y si estamos ante el jodido invento del siglo?. Además, seguro que se usan los amplificadores esos que dan Vitamina C.... los ORANGE creo que se llaman.

Melodías machaconas podrían ser perpetuas como la insistente "Strange Lights Over Rural Spain" o la desproporcionadamente trapezoidal (tiende al ángulo no euclidiano) "Black Mask/Up Against The Wall Motherfuckers!") cantada en glorioso idioma que acabo de bautizar como PRUNK, que viene a ser escupir sobre base de rock n´roll. Curiosamente, y no es coña, me encuentro inmerso en la lectura del libro "Up Against The Wall, Motherfuckers!" de LA FELGUERA EDITORES, así que ya tengo banda sonora para cada vez que encienda mi lanzallamas acultural con el que quemar museos y esas cosas.

"Brown Handia Kolektiboa" destierra del planeta tierra cualquier atisbo de virtuosidad que pueda quedar para horadar todavía más si cabe mi poroso cerebro. Ritmos de batería cuatro por cuatro marcan como un diapasón la salida de mis neuronas por mi esfinter anal porque han entrado en conflicto con mi YO REPTILIANO, ese que otrora regía mis impulsos y quedó relegado al olvido, pero que parece despertar con los riffs de guitarra extremadamente cargados de un groove pegajoso y lánguido... como si mi reproductor estuviese algo encasquillado y reprodujera un par de revoluciones por debajo de lo normal.

Nada de esto tendría sentido si el disco de RIZOMA no tuviese un tema destinado a explotarnos en la jeta, y esa es la misión de "The Local Squat That Travelled In Time"... una droga mal cortada, un palomino en la ropa interior, el grito de rabia de un mudo o el corte de mangas de un manco. Quiero meterme el dedo índice en el culo y lanzarme a mí mismo como un bolo en la bolera cósmica de los RIZOMA, donde los objetivos a derribar son berenjenas, zanahorias y pepinos.

Dejo para el final la primera canción, "Financial Towers Melting Like Ice Cream" porque le acabo de dar al play otra vez. Un tema para hacer headbanging siempre y cuando te operes las cervicales y te quites la vértebra atlas... verás lo suavito que se te mece el cuello. Himno PRUNK (otra vez) con homilías funestas anticapitalismo leídas de viejos panfletos contra el sistema bajo la luz de un coche incendiado por un cóctel molotov (frase larga, pero os invito a repetirla hasta que caigáis exhaustos).

Ahí me dieron el primer beso.

Compra o muere:

https://rizomanoise.bandcamp.com/

JUAN BELDA BIT BAND - "CARRETERA MÁGICA" (LOS 80 PASAN FACTURA/FOL MÚSICA; 2016)

Hablar del canario JUAN BELDA (músico, compositor, productor e ingeniero de sonido...) es remontarse hasta los ochenta con el grupo WAX BEAT (con PATRICIA PARDO y JUAN GÓMEZ), pioneros de una suerte de Trip Hop patrio, además de unas serie de discos experimentales con coqueteos con el fluxus, el avantgarde alemán o en synthpop como son "Juan Belda" (1986) o "La Pasión" (1990), ambos publicados por GRABACIONES ACCIDENTALES. 

Entre esa época y la JUAN BELDA BIT BAND de la que ahora os voy a hablar pues muchas cosas que se me escapan, pero así que recuerde o haya investigado, tenemos colaboración con PEDRO GARHEL o con HUGO WESTERDAHL, esta última materializada en "Tranfixiones" (2006) o el inspirado por los parajes y folklore de la Isla del Meridiano "Desde El Hierro" (2006), ambos publicados por DISCOS NECESARIOS. También digno de mencionar aunque dedicaré un post en el futuro es su colaboración con JAVIER SEGURA y MANDI CAPOTE en los ARTE MODERNO que recientemente han recuperado en todo su explendor el sello LOS 80 PASAN FACTURA... pero insisto en que ese proyecto lo tocaré en profundidad en breve.

En "Carretera Mágica" de la JUAN BELDA BIT BAND colabora un plantel de músicos que asusta y que voy a intentar sintetizar rápidamente: Javier Colis (Guitarra); Jorge Pardo (Saxo); Enrico Barbaro (Bajo); Pino Rivoreto (Batería); Samuel Tarraco (Trompeta y Violín); Hans Piesbergen (Voz); Juanjo Orti (Batería); Pablo Cebrián (Guitarra); Javier Masó "Caramelo" (Rhodes); Pedro Barceló (Batería); Scud Hero (Guitarra); Javier Díaz Ena (Contrabajo); Andrés Cisneros (Conga); Alicia Alemán (Coros); Ariel Bringuez (Saxo); Akin Onasanya (Batería); Kiko Cortes (Voz) mas evidentemente Juan Belda (Piano, Teclados, Voz, Bajo y Marimba). 

Por cierto que en formato algo más reducido de quinteto con Jorge Pardo (Saxo), Juanjo Ortí (Batería), Enrico Barbaro (Saxo) y Epi Lorente (Guitarra) se editarían los discos "I Love You!!!" (2008) y "La Rueda Infinita de Hans" (2012), aunque desconozco qué distribución tuvieron estos discos y me centraré en "Carretera Mágica", editado por el sello canario LOS 80 PASAN FACTURA, ALTAFONTE y FOL MÚSICA en un curradísimo digipack trifold.

Esta maravillosa obra de Jazz Rock, Free y electrónica se graba en ESTUDIOS FONOELÁSTICA de Madrid entre los años 2014 y 2015 y aunque no sé exactamente las encarnaciones previas a este trabajo que haya tenido la JUAN BELDA BIT BAND, sí que he visto por ahí que incluso PELAYO ARRIZABALAGA tocó con ellos en directo presentando "Carretera Mágica". El disco es un álbum conceptual basado si no me equivoco en la obra "La Memoria y El Paso Del Tiempo".

La brutal fusión de jazz y electrónica de "Carretera Mágica" abre el disco recordándome un poco al Jazz mediterráneo de corte oriental de SINOUJ. Sobre una base casi funk que podría recordar a las postrimerías de la etapa eléctrica de Miles se van desarrollando diálogos entre saxo, trompeta y violín. Experimentación jazz-rock sin perder nunca la melodía marcada sobre todo por un piano clásico, intimista y muy bien ejecutado abrazando incluso el Jazz contemporáneo o las grandilocuencias del Jazz Británico (y por ende casi Canterbury diría) en discos de Keith Tippett y similares, pero con un insidioso Groove Funk infecto contagioso de órdago en los fraseos achicharrantes de los teclados y el obsesivo bajo. Pero no me entendáis mal... aquí el Free se limita sólo a determinados aspectos de abordar las texturas y todo suena más que mascado y ensayado. 

Los aires festivos continúan en la cabaretera "The Wolf", con cierto regusto incluso a GONG por su forma de abordar el rock desde una perspectiva jazzera. Por cierto que el solo de piano Rhodes invita a bailar a lo PARLIAMENT en un guateque donde hubieran emponzoñado el ponche. ¿Habéis escuchado "On The Corner" de MILES DAVIS o "Get It Up"?.... pues en "Mirlo Parker" no me quito esos discos de la mente y estoy casi seguro que con sus complejos teclados este corte hubiera sentado que ni pintado en una peli de Harry El Sucio.

Siguen "Calavera´s Dance" y "El Poeta Tiburón" abrazando casi al Tropicalismo, la Bossa Nova y el Latin jazz pero sin empalagar; algo así como los proyectos más arriesgados de PAXARIÑO. Los recitados le dan un puntito cósmico al asunto que son una gozada, además del teclado emulando a un vibráfono de Belda que traspasa esa fina línea entre lo afro, el funk y la música disco. "Vale... He, He, He" es jazz rock en esencia, guiado por la guitarra incisiva de Javier Colis en toda una letanía de wah-wahs que se arropan con las exquisitas líneas de saxo y trompeta en modo procesionario. Un temazo donde se van alternando constantemente los instrumentos hasta que el oyente entra en trance.

"El Método de J.J" resulta mucho más enrevesada y está plagada de detalles. La machacona batería y los soundscapes constantes de los teclados establecen una colchoneta AfroFunk acojonante, que lejos de sonar añeja es fresca gracias a unos músicos con un nivelazo bestial. Cuando las bases rítmicas electrónicas se apoderan del pulso me recuerdan a los MOTHERGONG, GONGMAISON y similares pero pasados por la bizarrez de los temas más asequibles (y salvando las distancias) de CASSIBER... grupos que llevaron la electrónica a otros niveles conjugándola tanto con la world music como con el avant rock. Sigue la sosegada "Balada En Cm" y la flamenca "Paquito", arabesco precioso que me reafirma en que las barreras estilísticas están para cagarse en ellas, y si no escuchad como copulan los instrumentos con la voz cargada de eco.

Para cerrar la grandiosa marimba sufí a lo KELLY WOLLESEN en THE DREAMERS de "Ballet#1" y me callo. Compra el disco.

http://www.los80pasanfactura.com/juan-belda-bit-band.html

https://www.facebook.com/juan.belda.3

SANCHO CAMPOS - "THE LION AND THE HORSE" (GRUPPO UNGIDO; OU26, 2017)

Este mismo año os hablaba del tremebundo disco "Nemesis" que se habían marcado CONFABULATON QT con la formación de A.L.GUILLÉN / ANTONIO MURGA / SANCHO CAMPOS y ANDRÉS GONZÁLEZ. Creo que de cara al próximo texto que nos ocupa sería bueno que releyerais dicho texto antes de continuar para poner las coordenadas en un mapa percusivo particular en el que nos vamos a meter de lleno:

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2017/03/confabulation-qt-nemesis-endogamic.html

Pues bien, la Obleah Ungida titulada "The Lion And The Horse" ha sido editada por GRUPPO UNGIDO (Oblea Ungida#26/mónada ungida 20) en formato digipack con una preciosa portada de ANTONIO VIEIRA bajo diseño general de MARIPI RODRÍGUEZ. La duración del disco... la friolera de 9 minutos en total repartidos a lo largo de 8 cortes de minuto y pico de duración cada uno y que funcionan mejor en su conjunto; a modo de suite percusiva o algo así.

Sobre la biografía de SANCHO CAMPOS podéis consultar y leer en profundidad aquí. 

http://gruppoungido.net/sancho%20campos%20e.html

Si hace poco os escribía sobre un disco de percusión pura y dura ("Imatges" de JESUS GALLARDO), en esta ocasión el grado tribal y bizarro se acentúa en modo superlativo, consiguiéndose una suerte de viaje rapidísimo por una selva nocturna en la que sólo los más versados serán capaces de captar la infinidad de detalles. En este país tenemos grandísimos percusionistas dentro de la improvisación y el Free Jazz... el propio Jesús Gallardo, Avelino Saavedra o Javier Carmona son bastiones y columnas de un templo en el que SANCHO CAMPOS es otra de sus bases imprescindibles.

Una vez que le damos al play nos vemos metidos en una especie de pulso tribal constante y mantenido que no decae, reforzado por algunos punteados de platillos y los cascabeles en segundo plano. La caja hay ocasiones que suena marcial y militarizada, pero en otras adquiere la inmanencia de una vieja danza africana. Cuando uno cierra los ojos y se deja llevar por el acelerado tempo pierde pie y de tal forma que se alcanza una especie de drone percusivo muy curioso con pocas variaciones durante todo el disco. La técnica es contenida y abigarrada... barroca diríamos porque todo suena apretado dando la sensación de que si cogiésemos el disco y lo ralentizáramos se expondrían mil y un trucos de percusión difíciles de captar en las primeras escuchas. 

El detalle de sintetizador en "Mr Zam Zam" rompe brutalmente el disco dando un aire de rareza considerable al asunto (me hubiera gustado más momentos como este). Conforme nos adentramos en el tramo final los aires tribales y danzarines se tornan abstractos y ya un no sabe si está en África o en una Jam session con SUN RA en las estepas áridas de Plutón.

Disco bastante complicado de asimilar debido a su corto minutaje, que comprime en 9 minutos toda tribal danza ancestral que podría tener sus orígenes en cualquier parte del mundo. Su objetivo es comunicar, manifestar lo salvaje a este mundo mediante el exorcismo de lo percusivo. Al menos es lo que yo he captado.

https://archive.org/details/SanchoCampos_LionAndTheHorse_OU36mu20

https://www.facebook.com/sancho.salcines

DE OJOS QUE CRUJEN EN PATIOS POLIVALENTES...

Siempre al margen del circuito oficial de salas en Málaga tenemos lo que voy a dar en llamar "La Última Curva del Intestino", que es ahí donde nadie se fija (los grandes espectadores esperan detrás del boquete para adorar a la Hez). 

Es en ese remanso tranquilo donde las nutritivas aguas de lo creativo se desvían en una Fístula imposible mucho más interesante que el mismísimo underground, mientras hordas de idiocia zombie se dirigen a contemplar eso que se llama ESPECTÁCULO DE LAS LUCES (con dos cojones... ponerle "espectáculo" a eso), pues uno nada como una trucha para llegar al OJOPATIO donde NACHO JAULA, prácticamente entre amigos, el Viernes 8 nos presentó algunas de las piezas del excelente "La Violencia De Las Flores" que reseñé aquí hace unos días:

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2017/11/nacho-jaula-la-violencia-de-las-flores.html

Cada trabajo de NACHO es distinto al anterior, y lo he visto tocar en directo tantas veces como para poder asegurar que la energía mana de sus manos haciendo magia. En esta ocasión armado sólo con 3 pedales (uno roto varios minutos antes de empezar) y la guitarra eléctrica sustituyendo a la acústica del disco, nos da un recital de pequeñas piezas de orfebrería donde destaco la última por su flotante cadencia oriental que induce al trance. Mientras otr@s necesitan de un arsenal de pedales y cachibaches, Nacho puede resetear tu existencia con dos potenciómetros, una cadena y una guitarra ya con un pie en la sepultura. En esta ocasión se pone su traje de Folk Drone y nos mete un enema de curare por el esfínter anal para que nos quedemos tranquilitos una buena temporada.

A continuación desde Madrid el dúo ATTHIS (Raquel Martínez al piano, monotron y delay//Desde Los Bosques a la programación y procesos) nos dieron un buen concierto de minimalismo y dark ambient casi rozando en algunos momentos el techno forestal alemán y algún que otro momento más ruidista. Los diálogos entre piano y electrónica estaban teñidos de una melancolía contemplativa que se sublima en su trabajo en cinta "Sentimiento Oceánico". Una verdadera lástima que vengan a tocar estos grupos y seamos cuatro gatos. 

Al día siguiente, Sábado, se cerraba el Ciclo Crujido, una de las iniciativas más interesantes que hemos tenido este año. 6 fechas en LA POLIVALENTE donde ruido, electroacústica y en definitiva, improvisación libre, se han dejado caer mediante solistas. Para esta última cita la propuesta era doble... por un lado, MÁGICOS CABRONES DEL RUIDO, grupo naciente en formato guitarra/batería con gente de TOM CARY, y luego el mismo PABLO GARRIDO haciendo valer el espíritu improvisador del ciclo.

En cuanto a MCR pues decir que nunca he sido muy seguidor de TOM CARY, la verdad, y este tipo de rock ruidista me gusta pero no me vuelve loco, aunque he de reconocer que estos MÁGICOS CABRONES DEL RUIDO son pegajosos como un baño de alquitrán en el Mar Muerto. Rock punkarra con trazas de shoegazing, pinceladas de PostPunk en pequeñas píldoras que me recordaban a ratos a una versión mas cruda de PENÉLOPE TRIP o incluso SONIC YOUTH. Estuvieron bien, pero no eran ni tan ruidistas como yo me pensaba ni son para nada cabrones, al contrario... gente muy decente con la que charlé a gusto sobre las psicomanías de DAMO SUZUKI y otras vicisitudes.

Mucho más interesante me pareció la cover de A LOVE SUPREME de GARRIDO marinada con el sustrato letárgico de CAN, el funk obsesivo de SUN RA en "Space Is The Place" y arranques de intensidad rockera a lo MC5. Para mí ese fue el plato fuerte de la noche y donde la energía fluyó a caudal abierto. Un puntazo.

Una lástima que la iniciativa CRUJIDO llegue a su fin. Ojalá tengamos una futura temporada porque me he quedado con ganas de más.

MIGUEL A. RUIZ - "EL NIÑO CARBURADOR" (EDICIONES TORACIC; 2017)

"El Niño Carburador" fue originalmente editada en cinta de cassette por el sello LÍNEA ALTERNATIVA en el lejano 1989. Ultra oscuro sello donde militaban gente como 32 Guájar's Fáragüit, Esplendor Geométrico, Víctor Nubla, Francisco López o el propio Miguel A. Ruiz. Inspirada en "El Libro De Los Seres Imaginarios" de Borges, es ahora que los que no pudimos acceder a la grabación original estamos de enhorabuena con la reedición en cd-r por EDICIONES TORACIC, que ya lleva un montón de joyas exhumadas. Quisiera citar unas palabras del libro de Borges porque me parecen totalmente reveladoras de la música que nos vamos a encontrar en el disco. El autor habla de lo caleidoscópico dentro del mito y la leyenda, e invita a sumar pesonajes de todas las nacionalidades a su bestiario. 

"El Libro de los Seres Imaginarios no ha sido escrito para una lectura consecutiva. Querríamos que los curiosos lo frecuentaran, como quien juega con las formas cambiantes que revela un calidoscopio".

La portada original de la cinta era la obra "El Niño Carburador" (1919), óleo y esmalte en lámina de oro de FRANCIS PICABIA, actualmente en el Guggenheim de Nueva York si no me equivoco, y que cuenta con una reveladora inscripción: "détruire le future (destruir el futuro)". La obra está enmarcada dentro del Dadaísmo y para hacer más comprensible todo el asunto os pongo la maravillosa descripción del cuadro de la página del museo: La obra podría tratarse, tomando en cuenta el título del lienzo, de un niño que aún no ha llegado a la edad madura para desempeñarse sexualmente, hecho que se puede observar en la pintura como una analogía de sus órganos con objetos mecánicos que no funcionan a falta de un mecanismo que los junte. El tema de la obra también podría ser la "impotencia". 

Otras obras del autor destacables serían "Edtaonisl", "Veo Otra Vez En El Recuerdo a Mi Querida Udnie", "El Bello Charcutero" o "Cortejo".

El apabullante uso de recursos en la grabación es demencial. Sintetizadores, samplers y manipulaciones de cintas construyen una fábula de otro tiempo donde uno pierde pie intentando averiguar qué sonido es real y cuál es sintetizado. El uso épico de instrumentos de viento y cuerdas (desde carillones a trompetas o arpas) le dan un cariz de tribulación a todo el disco en cada uno de los 18 cortes que a modo de bestiario sonoro quedan establecidos como un onírico safari por ese extraño y bizarro mundo de Borges. Desde Satán cabalgando las espumas noruegas a los andrajosos monstruos de la tentación que «sólo tienen un ojo, una mejilla, una mano, una pierna, medio cuerpo y medio corazón» en el Hadramaut. 

Pasajes muy de electrónica francesa a lo Jarre o Patrick Vian que parecen la sintonía de un viejo programa de misterios espaciales ("Maravillas De La Creación") se mezclan con marciales procesiones ciclópeas de sonidos industriales donde las criaturas bailan al son de un old school techno en las terrazas chill ciclópeas de ciudades que existen sólo en los niveles metafísicos como es el caso de la infecciosa "Entre Seres Térmicos". Cortes que parecen sacados de viejas grabaciones ("Un Monstruo Hecho De Ojos") mitad villancico, mitad documental... todo con un organillo espectral de fondo creando un clímax de irrealidad muy acusado. 

Lo realmente alucinante de este disco es que no sé discernir cuando los instrumentos de cuerda o viento son reales o no, porque en "Alegría De Las Serpientes" asistimos a un jazz rock de tintes electrónicos (muy cercano a lo que hace hoy día ANTONIO MURGA) que si son samplers están usados con una maestría que asusta... y es que hasta lo que yo sé, sólo en "El Cerbero Dantesco" hay una Tuba real a cargo del mítico Markus Breuss. "Los Fastos De Ovidio" o "El Cánon De Las Mutaciones" se abren con la arrobadora voz en inglés de un narrador que me recuerda muchísimo a las cintas de mantras del sello TIMES MUSIC INDIA que en cada inicio te explicaba el significado de la música que ibas a escuchar. Una voz con un timbre muy característico que juraría es la misma (para que os hagáis una idea, suena como la voz masculina o femenina de los cds limpiadores de la lente láser).

Cada corte es un mundo de posibilidades y estilos que lejos de acomodarse, muta. Miguel A. Ruiz es un carrusel de posibilidades imposibles si se me permite la redundancia (vuelvo a lo del caleidoscopio que citaba Borges). "El Segundo Interrogatorio" se mete de lleno en el Dark Ambient, la música industrial más marcial (ya quisieran la mitad de grupos tener en su discografía un tema como este) y con toques cinematográficos. Otros se mueven por una especie de cabaret fuera del tiempo, abstracto y lleno de polvo, como en "Oscuras Festividades". 

Para más inri, el citado corte "El Cerbero Dantesco" con MARKUS BREUSS a la tuba parece un cruce entre la ART ENSEMBLE OF CHICAGO y un grupo Noise... así de avanzado sigue sonando "El Niño Carburador".

Esencial, irrepetible y de obligada adquisición.

https://toracic.bandcamp.com/album/el-ni-o-carburador-by-miguel-a-ruiz-td61

HELA - "DEATH MAY DIE" (LAY BARE RECORDINGS; DISCOS MACARRAS; COSMIC TENTACLES; MÚSICA HÍBRIDA, 2017)

Cuatro años han tardado los alicantinos HELA en darnos la continuación a su monumental debut "Broken Cross" que destripara por aquí cuando salió. El caso es que tras el split con LODO (que incluía cover de PENTAGRAM) allá por 2014 la banda cambia de vocalista incorporándose Mireia Porto de los acojonantes ROSY FINCH, cuyo "Witchboro" me dejó con la boca abierta. Con esta formación graban en 2016 "For My Fallen Angel", cover de MY DYING BRIDE para un recopilatorio de la insigne página doom-metal.com. 

Estamos en 2017 y Aquella que Vive bajo las Raíces de Yggdrasil se vuelve a manifestar en podredumbre con el novísimo "Death May Die", disco sacado por LAY BARE RECORDINGS en vinilo y por la misma mas DISCOS MACARRAS, COSMIC TENTACLES y MÚSICA HÍBRIDA en digipack cd. El fastuoso diseño corre a cargo de Deadsign.net y la formación establecida con JULIÁN VELASCO a las guitarras, TANO GIMÉNEZ al bajo, MIGUEL A. FERNÁNDEZ a la batería y MIREIA PORTO guitarras y voz.

Y vamos a meternos en materias musicales. El nuevo disco de HELA se aleja una pizca del Occult Rock de su primer disco para mezclarse sugerentemente con el rock alternativo de los 90 que tan bien le sienta a bandas como los citados ROSY FINCH. El doom plomizo de clásicos como CANDLEMASS se revitaliza en una genial maraña que lo mismo te puede sonar a los KRUX o PALLBEARER que a unos SONIC YOUTH sureños. La frescura de la mezcla es la vinagreta doom que querrás en tus funéreas ensaladas dominicales.

Pero claro, todo esto es hablar por hablar, porque siempre se nos escaparán matices como en el tema inicial "The Gateway", solemne procesión de Funeral Doom que me recuerda al "Call Of The Wretched Sea" de AHAB o los últimos EVOKEN recitando texto lovecraftiano y en esencia no representativo de lo que va a sonar a continuación, y es que las voces guturales le dan un toque muy distinto a HELA hasta el punto de casi convertirlos en una banda diferente. Curioso que han elegido un tema así para incluirlo en el disco a modo de intro.

Sigue "Mother Of Monsters" que es 100% Leif Edling tanto de sus discos en solitario como en los apabullantes KRUX. Ese juego de guitarras tan característico cede paso a un sincopado ritmo a lo YOB con los ensoñadores versos de MIREIA PORTO, cuya voz y timbre calza a la perfección en el contexto de la banda... digamos que sería la versión femenina de los 40WATTSUN si me pongo quisquilloso. El tema se disuelve en sí mismo en un ambiente Sabbathiano con ligeros y lejanos toques de teclados y los susurros atmosféricos de Mireia en clave mística.

Pero ojo, que todavía campan por ahí los ecos de JEX THOTH en la música de HELA, que por fortuna se ha vuelto más agria que antaño gracias a las pinceladas alternativas que se cuelan aquí y allá, magnificadas en "Touched By Evil", un temazo con un juego entre las guitarras alucinante repitiéndose aquí y allá como un estribillo perverso que subyuga a las letanías vocales dándole un curioso efecto casi litúrgico. Para la ocasión la voz se procesa a lo PORTISHEAD durante unos instantes pero el oyente, que a estas alturas estará cabeceando como un poseso, de seguro que no se fijará en esos detalles. Magnífico.

"Dark Passenger" empieza con una labor de batería y bajo descomunales mientras el tempo se mantiene flotante convirtiéndose el conjunto en una potente homilía sureña muy al estilo de SANTO ROSTRO. Especial atención a cómo muta el tema a partir del minuto 4 o así merced a un tramo instrumental de los que te cierran el esfínter hasta que tienes que pedir ayuda para volverlo a abrir; luego más y más lentitud abrazando el Funeral Doom de corte ambiental a lo MEGATON LEVIATHAN en un clímax enrarecido de voces espectrales y repuntes lisérgicos; y hablando de lisergia, imposible no volver a acordarse de JEX THOTH en el descomunal "Repulsion", con toques también de esa joya que es "Mahakali" de JARBOE pero sin perder el pulso de la ceremonial marcha paquidérmica a lo CANDLEMASS, muy presentes en general en "Death May Die".

"Bodies In Hell" vapulea tu alma hasta montarla a punto de nieve... una nieve tan densa que no se derrite ni en el puto infierno. Un temazo titánico barroquizado por un etéreo doble bombo que te lleva de la mano por la misma escalera que siempre desciende hacia Hellheim... no importa si te das la vuelta y empiezas a subir porque es cuestión de tiempo y caigas en la cuenta de que esta escalera sólo conduce más y más abajo.

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BALLARD - "DEMO 2017" (AUTOEDICIÓN; CASSETTE, 2017)

El Sludge que nos viene del norte de la península siempre ha estado marcado por una mala hostia especial. Ahora que se llevan los zumos depurativos antitoxinas, yo creo que la banda que hoy vengo a presentar, los tremebundos BALLARD, hacen justo lo contrario. Acelerar tu proceso de envejecimiento a base de un insalubre cóctel.

Un smoothie de toxinas a base de virutas de óxido cargado de tetania, zumo de algas de cañería urbana, y toques de orín industrial... el resultado os lo podéis imaginar. Pasa por la acritud de todo lo que salía del Matadero de Azkoitia, y por ende AKAUZAZTE, gente como MEIDO, KILLERKUME y con una línea bastante evidente en su sonido de la escena de Barcelona donde reinaban LORDS OF BUKKAKE y los olvidados LLORD o del Sludge madrileño a lo MOHO o HIPOXIA. En resumidas cuentas, la cara menos amable de un estilo que huele a lo metálico de la sangre y sabe como la agridulce textura de la bilis.

En lo que es su primer trabajo autoeditado, la banda de Bilbao se marca una corta demo en cassette con dos temas separados por un interludio pseudo-industrial. "Huida" y "Regreso" son dos auténticos trallazos de claustrofobia Crust. Todo corto pero muy intenso.

Sobre estas y otras cuestiones hablo con una banda que estoy seguro que con su siguiente grabación va a dar un pelotazo. Tiempo al tiempo:

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1. Lo primero es de rigor. Me gustaría que os presentaseis a los lectores. ¿Cuándo se forma BALLARD y bajo qué condiciones? Tengo entendido que compartís al menos un miembro de los extinguidos BERUNA.

Bueno pues somos Ballard desde Bilbao y los integrantes que formamos esta banda somos Mikel, Ioritz, Gorka y Aitor. Todos venimos de formaciones anteriores, Mikel cantaba en I Killed Myself, Aitor tocaba el bajo en Beruna, Gorka era parte en Lines y Ioritz toca la batería en Ballard y el bajo en la banda de stoner Wreck Totem. La idea de Ballard empieza a cocerse hace un año aproximadamente; Mikel tenía intención de formar una banda encaminada hacia el post metal y nos fue reuniendo uno a uno. No obstante hasta finales de Diciembre del año pasado no nos conocimos y los ensayos con regularidad comenzaron en febrero de este año con lo que la banda es francamente joven.

2. ¿Por qué llamaros BALLARD?... ¿Es por el escritor o me estoy yendo por las ramas?

Pues sí que es por el escritor!!! Barajamos un montón de nombres al principio pero ninguno nos acaba de convencer del todo hasta que se nos ocurrió que Ballard tenía una sonoridad muy guapa; amen del hecho de que lo conceptos y distopías de sus historias casan a la percepción con el estilo de la banda.

3. Citando a BERUNA, este otro proyecto mantiene la visceralidad de las primeras grabaciones de la banda. Un primitivo y correoso Sludge Doom que coquetea con el Noise… está claro que todas las bandas vascas que conozco tienen una forma muy agria de tocar estos estilos que las aparta de las de otras zonas. ¿Creéis que estoy en lo cierto? ¿Hay una especie de escena/escuela desde la que bebéis o es todo puramente casual?

Yo diría que indudablemente algo nos echan en el agua o en el whisky aquí!!! Jejeje. Creo que los 4 nos sentimos super en deuda con el underground vasco y de la manera en la que aquí se desarrolla la escena del sludge, crust etc… tenemos una ikastola maravillosa de bandas en esta tierra que desde luego han marcado un camino que en el 2017 es imposible ni tan siquiera intentar empatar… Sí que parece común la característica del sonido aquí, más crudo, más directo… no sé muy bien explicarlo y no quiero desmerecer a ninguna otra ubicación… yo que sé, quizás estos sean de verdad los cojones vascos que aparecen en los chistes jejejje.

4. Vuestra primera edición es una demo en cinta muy cruda y tocada en vivo. ¿Qué podéis contarme de la grabación?.

La grabación se ha realizado este pasado verano del 2017 en el local de ensayo. Los temas que hemos recogido son casualmente los dos primeros temas que la banda compuso y quizás se nota un poco una composición menos depurada. Son dos temas que nos gustan mucho y que no queríamos perder y teniendo en cuanta que nos marcamos un plazo de tiempo bastante corto para realizar la primera grabación creímos que hacerlo con estos temas era adecuado. 

La grabación se hizo en nuestro propio local de ensayo el cual es un sitio con una sonoridad que se mueve entre los rangos Difícil y Puta Mierda. Se grabó en una tarde de agosto y se mezcló en un par de días diferentes. La grabación y el máster lo ha realizado Joseba (Pele) antiguo batería de Beruna el cual ha hecho un trabajo de la hostia teniendo en cuenta el factor de la sala y que el ampli de bajo (COMO NO!!!) petó el día de la grabación y se tuvo que hacer con uno que no es el habitual. Las voces fueron grabadas en un día siguiente cuando la mezcla de la música estaba ya más o menos hecha. 

Todo fluyó de manera muy natural y nos sentimos muy a gusto con Pele, el cual ayuda muchísimo a esta banda. Estamos contentos con el resultado de la grabación el problema es que el sonido ha cambiado mucho desde que registramos esos dos temas. Somos una banda muy viva en cuanto a trabajo en el local y hemos cambiado la afinación y los amplificadores y materiales varias veces desde entonces. El diseño y la maquetación ha ido a cargo de Mikel el cantante de la banda y la edición está limitada a 75 copias que salvo en casos muy excepcionales solo se distribuirán en los bolos.

5. Ya que estamos, ¿de dónde es el sampler de “Null”?... es verdaderamente acojonante y divide fabulosamente los dos temas principales de la cinta.

Pues es una de esas cosas que cuadran de una manera espectacular sin pretenderlo. Mikel sacó un par de capas de sintetizadores en casa y nos las pasó, sonaban guay. Un día estaba yo (Aitor) viendo "Psicosis" y de esto que te despiertas dos segundos antes de que acabe la película y recordaba el plano final y que la cámara se alejaba de Perkins pero no del dialogo interno que tenía y me pareció gracioso grabarlo con el móvil en castellano y en guiri. Teníamos muy claro que entre tema y tema queríamos un interludio, fuimos con esas tres pistas y lo montó Pele en 5 minutos en su casa cuando fuimos a grabar las voces y VOILÁ!! Queda guapo y separa los temas. Hay que decir que somos muy cinéfilos los 4 miembros de la banda así que este tipo de cosas tiene toda la pinta de que van a seguir pasando jejeje. 

6. En el segundo corte se os nota con ganas de bucear en las ingratas aguas de la psicodélica ruidista. ¿Hacia dónde tenderá el sonido de BALLARD en un futuro?.

Pues diría que se está desarrollando en parte más hacia facetas más industriales, más crust y más sludges. es decir, creo que estamos buceando más en cada uno de los tres ejes principales en los que giran nuestras composiciones en vez de quedarnos con el barco amarrado y fondeando en los géneros en sí. pero esto creo que es nuestra manera de ver, quizás para quien lo escuche no haya ningún tipo de innovación o cambio en absoluto y suene todo similar. No creo que estemos tampoco muy interesados en buscar ni  la gallina de los huevos de oro ni ese punto de romper con lo que exista. Estamos bastante más preocupados de hacer cosas que nos gusten a los 4 y que los 4 disfrutemos de ellas.

7. No me gusta reabrir heridas, pero los fans de BERUNA se han quedado con ganas de ver escuchar el disco inédito de la banda. ¿Hay posibilidad de que salga en un futuro?.

Pues quien sabe!!!! Las pistas estas ahí y de vez en cuando Pele mezcla algo y toquetea los botones y enseña lo que va saliendo. Es difícil que se llegue a un acuerdo por el cual las tres partes estemos al 100% de acuerdo, pero puede ser que sí que pase. De primeras Beruna es un recuerdo bonito y así creo que tiene que seguir para todos, los tres estamos en proyectos nuevos que nos motivan y a los tres nos va de maravilla y las asperezas por suerte con sentido común se liman y los entendimientos son posibles… de ahí a que vaya a pasar algo diferente al punto en el que estamos ahora, es decir ese curro publicado hay un abismo que veremos si alguna vez se salta. 

8. Ya para ir acabando, ¿cuáles son los planes de futuro para la banda?... de momento he visto que tocáis con EMBOSCADA, banda que también me gusta mucho y donde toca gente de DISPAIN.

Pues los planes son tocar y grabar. Después tocar y grabar y por ultimo tocar y grabar jejeje!! Somos una banda muy viva, este pasado fin de semana tuvimos nuestro estreno en la Orbeko Etxea de Laudio escudando a Maresti y Totengott y nos hemos quedado muy a gusto así que nos ha dado muchas alas para seguir. De primeras hasta que acabe el año tenemos 5 conciertos programados en Iruña, Teruel, Madrid y Gasteiz durante el puente de diciembre y antes de que acabe el año muy cerquita de casa en El Tubo en Barakaldo el garito con la mejor música de todo Bizkaia!!!.

En enero entramos a grabar un par de temas con intención de publicar un Split y hay más bolos planeados y más cosas. Y si entre las bandas con las que compartiremos cartel están los maravillosos Emboscada que son tres sacos gigantescos de amor y en los que milita el gran Edu, bajista en los tristísimamente extintos Dispain (2 tercios de ellos ahora en Simón del Desierto, bandaza) y que también es parte de los enormes Rizoma, probablemente la mejor banda del estado (pero no se lo digas a nadie que esto es underground!!!!)

9. Nada, despedíos como os apetezca.

Pues eso que somos Ballard y que estamos aquí para quien nos quiera!!! Que nos gustara mucho tocar en vuestra ciudad si nos lo ofrecéis y que esperemos que disfrutéis de esto como nosotros estamos haciéndolo. Muchas gracias también a ti Antonio!!

Aitor dice: Antonio que de verdad que sigas con esta joya digital que tienes en tus manos que desde luego es maravilloso ver a una persona que aún se toma su tiempo en estas cosas y que le pone sus ganas y su entusiasmo y lo que hemos dicho mil veces QUE LE DEN POR CULO A LA CRITICA Profesional!!!!!!

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