CRÓNICA 29 FANCINE: SÁBADO 16

Tercera maratón de cinco sesiones y empiezo a confundir la realidad. Todo se vuelve maleable y como el moho, pequeñas perlas de irrealidad séptica pululan por mis retinas. Esos huecos que no deberían estar ahí dan paso a otros mundos que poseen otras reglas. 

En esos mundos a los que se llega por los huecos ponzoñosos provocados en éste, todos/todas son más tolerantes y arriman el codo en hermandad. Desaparecidos la violencia, la intolerancia, e incluso la enfermedad qué paradoja que la putrefacción de nuestro mundo provoque agujeros fistulados hacia una realidad superior... si eso es así, y descubro que es así y no producto de mi mente, puede ser que la solución a nuestros problemas como especie sean cíclicos y cuando el máximo grado de podredumbre llegue, se manifestará ese Otro Lado, ese Nirvana plácido (Eterno Retorno que diría Mircea Eliade), y por tanto la solución como especie no pase por invertir el cambio climático o reconducir la sociedad. 

Quizás, sólo quizás, hay otra realidad más potente al otro lado, más buena, que está haciendo lo posible por ganar a ésta. En ese caso, lo mejor que podríamos hacer es rendirnos y aceptar la Buena Nueva que llega desde los caleidoscópicos colores de los fuegos fatuos.

Acabo de descubrir que estaba dando una cabezada y en mi mano tengo un panfleto de los Testigos de Jehová de al lado de la taquilla de prensa. Nota Mental: no coger nada en estados alterados de consciencia.

Paso a analizar la jornada.

AMIGO (Óscar Martín / Spain / 2019 

"Tras un grave accidente, David decide acoger y cuidar a Javi, su mejor amigo. Sin embargo, no pasa mucho tiempo cuando las disputas entre ambos salen a la luz, ocasionando una relación tóxica y con tendencias homicidas, más cercana a la demencia que a la amistad que mantienen".

Hay todo un universo soterrado de películas malditas y de culto en nuestra cinematografía. Generalmente enclavadas en las décadas de 70 y 80, tenían la particularidad de estar moviéndose en una época convulsa que permitió al Fantaterror hispano alcanzar cotas de culto, tal es ello que es un fenómeno que se estudia y se rememora bastante en el extranjero. Pues bien, esta Amigo de Oscar Martín es un sórdido, alucinante thriller psicológico donde el peso de la trama la llevan dos actores en un excelso estado de gracia. 

Se contó con la presencia de David Pareja para presentar la película y tuvo la amabilidad de contar bastantes anécdotas durante la rueda de preguntas. Brillan el clima opresivo, la fotografía irreal que empapa la película (se esforzaron durante el rodaje de dar ese sensación de fuera de época) y un duelo interpretativo que me puso los vellos de punta. 

Podría hablar largo y tendido de Javier Botet y cómo ha reconducido su Síndrome de Marfan hacia la adaptación y arma cinematográfica, pero prefiero recalcar que estamos ante un resurgir del thriller rural hispano con enormes títulos (recordar que hubo un género en España que se llamó el Spanish Gothic) como esta AMIGO que está cosechando muy buenas críticas y premios por donde pasa. Estas películas son las clásicas que luego viene Yankilandia a hacer su remake. Al tiempo. Recomendadísimo thriller psicológico que te corta el aliento.

ANDERSON FALLS (Julien Seri / Belgium / 2019)

"La película gira en torno al detective Jeff Anderson, el cual tenía una vida normal hasta que su mujer murió. Aunque las evidencias apuntan a que ha sido un suicidio, Anderson se obsesiona con la idea de que ha sido asesinada. Después de una ardua investigación, se enterará de que su mujer ha sido víctima de un grupo de asesinos en serie". 

Tengo la opción de retirarme aquí y no escribir estas líneas, pero no sería justo para el que sigue (si hay alguien) este pequeño diario. Presentaba Julien Seri la película ayer por primera vez en pantalla grande y me huelo que no la ha visto ni en pantalla grande ni en pequeña. Esto tiene que ser como los timos telefónicos o algo porque no puedo comprender de qué forma me metieron este bodriazo ayer. 

Aromas de telefilm, diálogos ridículos, interpretaciones desastrosas, una histriónica música desacompasada metida con calzador, clichés, y lo que es peor... todo ello montado en una película con aires serios de thriller. No sigo, que me conozco. Me paro aquí que para gustos los colores, vengan del espacio o de dónde sea. No sé si es una película o un capítulo de la serie 

COME TO DADDY (Ant Timpson / Canada, Ireland, United States, New Zealand / 2019)

"La vida de Norval está siendo difícil. Vive con su madre mientras entra y sale de distintas terapias de rehabilitación debido a su adicción con el alcohol. Un día recibe una carta de su padre en la que le pide que lo visite. Norval no se lo piensa dos veces y decide reencontrarse con él y así poner fin al vacío emocional que lleva consigo desde su adolescencia. Sin embargo, al poco tiempo de estar allí, Norval se da cuenta de que algo no anda bien, su padre es un borracho empedernido. Lo que en un principio parecía un idílico reencuentro familiar, termina siendo una auténtica pesadilla". 

Ant Timpson hace su debut tras estar produciendo cintas conocidas como HOUSEBOUND, TURBO KID o ABCS of DEATH. Lo que tenemos aquí es un cuidado thriller mezclado con comedia negra con un Elijah Wood que cada vez más está eligiendo papeles algo distintos. El máximo problema que encuentro es que sólo hay un giro de guión en toda la trama, y ese giro divide la película en dos. 

El primer tramo es muy bueno, se mueve entre el suspense con ligeros toques de comedia... pero a partir de girar la bisagra mediante el susodicho giro de guión, la película se convierte en una dantesca payasada fílmica con más comedia que otra cosa y lo peor, que no se dirige hacia ningún sitio. Los que hayan disfrutado dirán que es una crítica soterrada que si tal y que si cual, pero bueno, sólo ver el cartel promocional con Elijah Wood rodeado de frases publicitarias ensalzando la película uno sospecha que el mundo de las reseñas cinematográficas encierra un disparatado compra y venta que es mejor dejar estar.

Para mi gusto, una oportunidad desaprovechada porque potencial había y mucho. Hay momentos buenos pero en otros el piloto automático prima demasiado. Habrá que seguir la pista del director porque apuntaba muy buenas maneras.

SUICIDE TOURIST (Jonas Alexander Arnby / Denmark / 2019)

"Max Isaksen, un detective que está investigando la desaparición de un hombre casado llamado Arthur, llega al hotel Aurora tras seguir una serie de pistas. Aunque a primera vista pueda parecer un hotel cualquiera, esconde un oscuro secreto, ya que se encarga de ayudar a que los clientes cumplan su deseo de suicidarse".

Nikolaj Coster-Waldau sigue la senda ascendente tras la recomendable CUANDO DESPIERTA LA BESTIA pero esta vez en clave introspectiva y siguiendo una estela casi lindante con el cine espiritual y New Age. El ritmo sosegado pero equilibrado nos lleva de la mano hacia un final de abierta interpretación, pasajes reflexivos que ahondan sobre la eutanasia y sí que es verdad, otras partes donde actores tan potentes como Jan Bijvoet (el de BORGMAN) se desaprovechan un poco.

En definitiva, película que entra con facilidad, muy cuidada y con una preciosa fotografía, y cuyas virtudes priman sobre los defectos... afortunadamente no se cae en la moralina barata y al final se queda uno con la sensación de que algo se le ha escapado. Me encantan estar producciones danesas, que siempre ofrecen algo distinto e interesante.

WATCH LIST (Rekhi Ben / Philippines / 2019

"Película ambientada en las guerras anti-drogas y en las matanzas extrajudiciales en Filipinas. María es la protagonista de esta historia y, tras la muerte de su marido en extrañas circunstancias, se encontrará envuelta en los entresijos del oscuro mundo de policías, criminales y drogas de Manila. Ella necesitará encontrar el coraje necesario para proteger a sus tres hijos de este horrible mundo". 

Crudo reflejo de la criminalidad y la droga en Manila, envuelta en unos planos urbanos cargados de miseria que rozan el cine social y de denuncia. Curioso que venga esta película de Rekhi Ben, que el año pasado nos trajo la más limpia y aséptica THE ASHRAM. Casi todos los años llega algún producto rodado en Filipinas y suelen ser películas bastante violentas y sucias y WATCH LIST no es una excepción. 

Mucha droga, muchas motos, mucha gente con chanclas y mucho tiroteo.

***

Salgo cerca de las dos de la madrugada del cine y me encuentro al detective de Anderson Falls apoyado en una barandilla y mirando hacia el Teatro Romano. En un primero momento iba a acercarme a consolarle pero luego lo pensé mejor... creo que el rubiales quiere que borren su rastro de la película y ahora no sabe cómo hacerlo.

CRÓNICA 29 FANCINE: VIERNES 15

Tras la jornada intensa de ayer, me dispongo hoy a asaltar las 5 sesiones, o al menos voy a intentarlo. Siempre que empiezo a escribir esta pequeña introducción no sé que decir, y a veces me vienen cosas a la cabeza y las cuento tal como salen... hoy lo tengo claro, tengo que compartir LA VISIÓN que se me reveló ayer. Señoras y señores, el terror no está en las pantallas, está en la vida diaria. Me disponía inquieto a doblar la calle que da a Alcazabilla cuando me topé con un sacerdote (esta anécdota es real) con una serie de particularidades.

De baja estatura, andaba prieto y aterido, como si tuviera frío (quién no). Llevaba gafas de montura metálica, pero uno de los cristales estaba de más... y digo que estaba de más porque debajo de las gafas llevaba un parche negro. Un parche negro, sí... de esos a la vieja usanza. Alzacuellos, gafas, y un parche negro. De repente el esfínter se me vino arriba y se unió con el esófago para bailar un tango espectral, sin decidir si quería vomitar o cagarme vivo. ¿Era aquello real?. Ya sabéis aquello de "Si tu ojo te ofende, arráncatelo", no?. Pues todo eso se me vino a la cabeza, junto con una mezcla de irrealidad. Además, para atar cabos, me lo encontré a la altura de Calle Císter, allí dondes estuvo PLAZA & JANÉS editores (todavía puede contemplarse un mosaico de piedrecitas con el nombre, que os invito a descubrir), cuna de uno de supuestamente fenómenos paranormales clásicos de Málaga (os he enlazado con un artículo de diario Sur recordando aquello).

Pues sí, el sacerdote sin un ojo, alzacuellos y parche, pasando a la altura de Calle Císter y yo invocando a los Demonios hacia dentro (posteriormente he descubierto que se trata de una bellísima persona, por cierto). Vale, sé que es una tontería, pero en las minucias está la enjundia de la vida; la vida son fotogramas también en cierto modo. Paso a analizar una jornada intensa en FANCINE, con un lleno espectacular de salas y películas para todos los gustos.

THE ART OF SELF DEFENSE (Riley Stearns / United States / 2019

"Después de haber sido atacado por una banda de moteros, Casey (Jesse Eisenberg) decide apuntarse a un estudio de karate para aprender a defenderse. Bajo la atenta mirada de Sensei, un carismático instructor, (Alessandro Nivola), Casey consigue por fin la confianza que andaba buscando. Pero, cuando va a las clases nocturnas, descubrirá un siniestro mundo de fraternidad, brutalidad e hipermasculinidad, iniciando un viaje que lo situará en el centro de atención de su nuevo mentor".

El director Riley Stearns ya me dejó patidifuso con su muy recomendable cinta FAULTS (2014), que la pusieron en una anterior edición de FANCINE. Si en aquella Stearns jugaba con el espectador en la desprogramación mental de una conversa a una secta destructiva, aquí se parte del proceso inverso. A raíz de un trauma, Casey, interpretado por el camaleónico y siempre disfrutable Jesse Eisenberg, acaba en las redes de una escuela ultra testosterónica de Karate. Con la compañía de Imogen Poots (espectacular también en su papel), y Sensei (Alessandro Nivola), asistimos a un desarrollo parecido a FAULTS que se va tornando en una espiral extrañísima que trenza la comedia negra con el drama, para acto seguido dar otra vuelta de tuerca hacia lo insólito.

Lo mejor de este tipo de cintas es que nadie te cuente absolutamente nada, y dejarte llevar. Cuando te quieres dar cuenta estás metido dentro de la trama y cualquier cosa que pase, por rara que te parezca, se lo ha trabajado el director para que lo creas real. Y esa es la fuerza de esta fantástica comedia negra. Buenísima.

THE ROOM  (Christian Volckman / France, Belgium, Luxembourg / 2019 

"Matt y Kate son una pareja joven de Nueva York que están aburridos del tipo de vida que llevan, y abandonan la ciudad para mudarse a una antigua casa en Nuevo Hampshire. Una vez allí, descubrirán una habitación que hará realidad todos sus deseos y ellos desean con todas sus fuerzas un hijo. Pero a veces hay que tener cuidado con lo que se desea".

Partiendo de la premisa de que Olga Kurylenko y Kevin Janssens podrían ser nominados a la peor pareja cinematográfica del los próximos 5 siglos, y de que la película se sustenta por unos 20 minutos primeros realmente malos, plagados de diálogos que dan vergüenza ajena (por poner un ejemplo, cuando Matt descubre la puerta y va a pasar dentro de la habitación, falla la luz y se sale de la habitación diciendo: "voy a llamar al de la Compañía Eléctrica"). La película es tramposa, avanza a trompicones, y cuando realmente llega lo interesante me he empapado del tedio de unos protagonistas sosainas donde los haya.

No es que esté mal del todo, hay cosas aprovechables, y sus giros de guión son aceptables. Viene a ser una versión Soft de COHERENCE, TRIANGLE, y mil títulos más de poliedros temporo espaciales. Al final se carga de moralina existencial y desaprovecha un filón a explotar. Hay tantos clichés en su primera media hora que me faltó fuelle para soportar el supuesto clímax final que demuestra que no por tener más medios los resultados son los esperados. Película a concurso, por cierto.

COLOR OUT OF SPACE (Richard Stanley / United States, Portugal / 2019

"Esta película, basada en el relato corto de H.P. Lovecraft, gira en torno a los Gardners, una familia que decide mudarse a una granja para alejarse del estresante estilo de vida del siglo 21. Mientras se están adaptando a su nueva vida, un meteorito impacta en su patio. Este misterioso cuerpo empieza a derretirse siendo absorbido por la tierra, tomando un extraño color. Pronto, los Gardners descubrirán que esta fuerza alienígena no solo afecta a la tierra, sino también a los humanos ya que provoca mutaciones en ellos".

Lleno absoluto para ver una adaptación del Tito Lovecraft dirigida por el director que hizo la cinta de culto DUST DEVIL (1992), en lo que es la segunda adaptación (al menos oficial) de Color Out of Space de Lovecraft. Bien, paso a poner a caldo esta insensatez de película.

El ambiente victoriano, plúmbeo, opresivo y decadente que recorre cada línea escrita por Lovecraft es aquí convertido en un carrusel de idiocias a cual más espantosa. Plagada de clichés palomiteros con una familia particular... un Nicolas Cage rozando el ridículo, la hermanita que lo mismo se lee El Necronomicón que a Joseph Campbell y practica magia ritual, el hermanito que fuma porros y está obsesionado con los Ovnis y el espacio, el hermitaño hippy indescriptible y... tachán, tachán.... el hidrólogo Ward Philips, estamos ante una puesta en escena aséptica, ridícula y casi insultante para el espectador.

Tampoco quiero seguir esta senda destructiva, máxime teniendo en cuenta que tuve que salir dos veces de la sala. Una para echarle un vistazo a un chaval que se había desmayado, y otra para largarme pitando hacia BLISS, que le tenía ganas, y perderme el final de este desastre fílmico. 

BLISS (Joe Begos / United States / 2019)

"Dezzy Donahue no puede detener la avalancha de problemas que se le viene encima. En un esfuerzo para combatir su mala suerte, sin importarle nada, decide cubrir sus necesidades con drogas duras. Clive, su medio novio, está preocupado, mientras que su alocado amigo Courney y su enigmático marido Ronnie continúan alimentando sus más oscuras necesidades, siendo incapaz de resistirse a sus nuevos y peligrosos impulsos".

Una de las grandes películas del festival, y de las más potentes. No apta para todo el mundo, claro está. Joe Begos venía de hacer cosas irregulares como ALMOST HUMAN (2013) o THE MIND´S EYE (2015), esta última antesala o preludio en esencia de BLISS. Experiencia psicodélica en la forma de rodar, plagado todo de filtros, glitches, una fotografía soberbia en 16mm plagada de grano que le sienta espectacular al conjunto (ya querría ROB ZOMBIE acercarse a esto). 

Sobre la banda sonora mejor ni hablar... sencillamente bestial, acompañando a la perfección las subidas eléctricas de tensión de su protagonista, que vive un pulso vibrátil, magnético y decadente que inunda la pantalla (muy buena actuación cargada de erotismo malsano a lo THE ADDICTION de ABEL FERRARA). Las comparaciones con MANDY podrían ser inevitables por esos aires experimentales pero esto es totalmente distinto. Cine sucio, malsano y a la yugular sin concesión al espectador ni bajadas de guión innecesarias. Puro instinto lisérgico con la que Joe Begos consigue al fin su obra maestra y encima con el papel secundario de Jeremy Gardner (el que hizo THE BATTERY y que anduvo por las calles malagueñas en ediciones anteriores). IMPRESCINDIBLE.

BLOOD QUANTUM (Jeff Barnaby / Canada / 2019)

"La película describe un escenario apocalíptico donde los nativos de la reserva "Mi'gmaq" descubren que son los únicos humanos inmunes a una plaga zombie. Mientras los habitantes de las ciudades cercanas se dirigen a "Mi'gmaq" en busca de un refugio, la comunidad tendrá que decidir si dejar a los forasteros entrar, no solo arriesgando la supervivencia de la comunidad, sino también de la humanidad".

El cine de Zombies todavía puede sorprender e incluso cargarse de reivindicaciones con aquello del blood quantum o la "sangre india". Así, la película te la puedes tomar como una más de cine de zombies, o bien como una metáfora sobre la raza india, sus exilios forzados y su unión a la naturaleza en ese dueto de convivencia entre Canadá y lo indígena. La primera parte de la película es sin duda la más potente, con momentos muy gloriosos que lamentablemente se pierden bastante en la segunda y más sesgada parte. 

Hay algo en la forma de narrar en su tramo final que la hace extraña, como si fuera a trompicones o faltaran partes del montaje final, pero aun así es todo un alegato de buen cine de género con altas dosis de hemoglobina (las partes gore están muy logradas) y un resurgimiento del splattter que deja por fin de lado a tanto efecto digital. Sin ser perfecta, es entretenida, original en su planteamiento y reflexión finales.

Momentos álgidos sin duda los de los primeros 20 minutos, los más claustrofóbicos y envolventes del film que luego se van perdiendo en el viraje a una suerte de Mad Max indio apocalíptico.

***

Decido irme a casa tras la quinta sesión (bueno, no es que lo decida, es que casi que me tienen que echar ya... vaya cansancio se veía en las caras de los trabajadores del CINE ALBÉNIZ). Decido montarme en el autobús Nocturno para ir a casa (bueno, no es que lo decida, es que el conductor se negó a subirme él) y por fin cuando llego a la empinada cuesta que da a mi casa, el universo se alinea, me tiendo en el suelo, y mi casa empieza a tirar de mí haciendo que ruede cuesta arriba hacia la cama. Así, sí decide uno irse a la cama, leñe.

CRÓNICA 29 FANCINE: JUEVES 14

Para que os hagáis una idea del frío que hacía ayer parado en la cola de la taquilla de Prensa de 29 FANCINE, me hice un Sorbete de Tuétano con el líquido helado de mis huesos. Me miraban raro los del puesto de Evangelistas o Testigos de Jehová que están al lado de la Taquilla (sí, esos que cada año se acercan un centímetro). Incólumes, impertérritos, allí esperan ALGO. Y digo ALGO porque realmente no sé que esperan. No andaba ayer yo muy fino de ánimos; observaba y escuchaba a los que estaban delante mía y me preguntaba si no serían robots o algo que año tras año están escondidos debajo del Centro de Interpretación del Teatro Romano (los Testigos de Jehová también) y los ponen ahí cuando estoy llegando a la taquilla.

¿Merece el sacrificio que uno hace por noveno año consecutivo?. Es decir, veo y observo y me doy cuenta de que van medios más o menos estables, con sus páginas, con sus premios, con sus reporteros. Yo voy sólo (mi, me, conmigo) y soy el único redactor de este infame Blog. Nadie me va a dar un Premio ni me van a sacrificar al Dios Pan, pero vaya que si hecho en falta pan cuando llevo tres películas seguidas... incluso he llegado a pedir pan a los Testigos de Jehová de fuera pero sólo me dan panfletos. Duplico la edad de la mayoría de reporteros que veo en la cola y esto me provoca una sensación extraña (vale, también hay que tener en cuenta que beberse un sorbete de Tuétano Helado de uno mismo no puede ser bueno), y además parece que todos y todas tienen unos recursos verbales y acervo cinematográfico ciclópeos. ¿Qué diablos puedo yo aportar aquí?.

Pues bien, a la espera de averiguarlo, o de por fin entrar en el Reino de los Cielos, me olvido de tantos soliloquios  y lo primero que quiero destacar es el maravilloso Spot que se han marcado este año. Protagonizado por Concha Galán, Tecla Lumbreras, Maruchi Hernández, Xavi Rubiras y Teresa Navarro, se trata de una producción malagueña del estudio creativo La Madre de los Beatles. Fantástico humor negro para empezar cada película, LA CROQUETA RUSA casa a la perfección con el espíritu de este año.

Doy paso a las películas vistas desde una óptica académicamente miope, pero que es la que a mí me vale.

SWALLOW (Carol Mirabella-Davis / United States / 2019)

"Hunter es una ama de casa embarazada que vive una vida solitaria debido a la indiferencia de su marido y a la falta de interés de su familia política. Además, su vida está controlada por ellos ya que tiene que comportarse como la esposa perfecta, la nuera perfecta y la madre perfecta. Bajo esta presión, Hunter, comienza a desarrollar una nueva obsesión: comer objetos".

Halley Bennett, la actriz que ya me sorprendiera con KRISTY (2014), borda un trabajo de interpretación en esta extrañísima y metafórica SWALLOW, que lidia con la psique de los traumas, pero que por desgracia no sabe conjugar el suspense con el drama (no digamos ya los leves tintes de comedia negra). Resalta la película en traernos ambientes totalmente asépticos donde tanto su protagonista como su esposo (Austin Stowell) parecen sacados de una recreación de series de los años 50. Hay una línea que parece fina en principio, que divide el terror psicológico del psico drama, pero que conforme avanza el minutaje se transforma en frontera. En un muro insalvable que puede resultar algo tramposo si se analiza con detenimiento.

Hay momentos particularmente tensos y logrados transitando terrenos escabrosos al más puro estilo Cronemberg, pero que acaban convirtiéndose en la segunda mitad del film en un descenso de calidad importante, con un regusto a drama de salón que aparta de un plumazo cualquier atisbo de la intranquilidad que se estaba notando en la sala con algunas escenas. Dicho de otro modo, y sin contar nada de su final, no hay clímax final sino todo lo contrario. Caemos en el cine dramático y con metáfora final que sin ser malo en absoluto, divide en dos las sensaciones de la película.

Como el sabor agridulce, vaya.

THE ANTENNA (Orcum Behram / Turkey / 2019)

"En una Turquía distópica, el Gobierno instala nuevas redes por todo el país para monitorear información. La instalación falla en un apartamento derruido y Mehmet, el administrador del edificio, tendrá que enfrentarse al ser maligno que se encuentra detrás de estas inexplicables señales que amenazan a los residentes".

Estamos claramente ante una película de FESTIVAL de esas que no tendrán a penas cabida en circuitos comerciales. Distopía a lo J.G. Ballard pero embebida de detalles que podrían recordar a una versión sin presupuesto, o retazos sin concretar, de Lynch, Jodorowsky o Panos Cosmatos. Es decir, The Antenna parte de una premisa muy buena, los resultados no son del todo malos, pero creo que el metraje es excesivo y se abusa de planos sin sentido (o reiteración de ellos). Recuerda su fotografía desalmada a ciertos títulos del fantástico surrealista argentino (curioso), muy de Cómic Europeo a lo CIMOC o a ciencia ficción franchute a lo METAL HURLANT en cuanto a guión.

Si el cine turco últimamente está trayendo producciones de terror sobrenatural de alto presupuesto (la saga interminable de SICCIN o DABBE), hay otro tipo de cine de terror en Turquía (me remito a la alucinante BASKIN o a la más floja de su mismo director, HOUSEWIFE) que pugna por irrumpir con películas muy trabajadas en cuanto a guión y enclavadas dentro de un cine de autor nada palomitero.

Con todo, me ha recordado muchísimo a los primeros trabajos de CRONEMBERG, que son casi violentos vómitos fílmicos con profusión de ideas aquí y allá. Se palpa la tensión durante toda la película, pero no está conducida de una forma coherente sino que va a trompicones (incluso se permite un homenaje final casi Giallesco), dividiendo la película en pequeñas pseudo historias o segmentos. 

Lo realmente potente de este film no es lo que te cuenta (ni como te lo cuenta), sino la premisa global de perder pie en un gigantesco rompecabezas onírico. Si logras perderte dentro del submundo que ofrece la disfrutas un montón, pero si quieres salir pronto y con atajos serás de los que estaban mirando el reloj. 

Para mi gusto una pequeña joya que se convertirá en película de culto.

JESUS SHOWS YOU THE WAY TO THE HIGHWAY (Miguel Llansó /Spain, Romania, Estonia, Latvia, Ethiopia / 2019 

"Los agentes de la CIA Palmer y DT Gagano tienen la misión de destruir un peligroso virus informático llamado “Unión Soviética”. Para entrar dentro del sistema utilizan realidad virtual, pero la misión termina siendo una trampa; el virus es mucho más complejo de lo que se podían imaginar y tiene vínculos con las más oscuras esferas del poder".

Cine Punk en su más genuina esencia. Una gamberrada de 8 bits de proporciones apocalípticas la que nos trae Miguell Llansó, que ya sorprendiera con CRUMBS (2015), y que aquí literalmente lo borda. A caballo entre el cine experimental y la exploitation (impagable rodaje en Etiopía con actores como Daniel Tadesse), la película recogió el aplauso unánime del público. 

Hay algo en la forma de rodar que me ha recordado a otra macarrada enorme como THE OREGONIAN (Calvin Reeder, 2011) pero en versión festiva. Momentos delirantes que parecen sacados de un viaje con ácido, quizás se me ocurre emparentarla con el cine Trash en algunos momentos, pero no se me entienda mal... el cine de Miguel Llansó es antisistema y resulta tan fresco y sorprendente que compararlo o etiquetarlo hace que pierda potencial. 

Se contó con la presencia de Guillermo Llansó y Agustín Mateo dando buena cuenta de anécdotas de rodaje y presentación de la película en diversos festivales (me encantó sobre todo esa comparación extraña con MATRIX. Mención especial al uso de la banda sonora. Alucinantes pasajes de Free Jazz para reforzar momentos de Stop Motion (sí, los hay y son impagables), o decadentes piezas de Techno epiléptico para reforzar los créditos finales. Imprescindible y de obligado visionado si necesitas resetear tu mente.

WHY DON´T YOU JUST DIE! (Kirill Sokolov / Russia /2019)

"Andrei reúne a un grupo terrible de personas en su apartamento: su resentida hija que es actriz, un mafioso enfadado y un policía corrupto. Cada uno de ellos tiene una razón para vengarse de él".

Película gore de tintes indie con una salvaje puesta en escena pero que no trae nada nuevo si uno se pone a analizarla con detenimiento. Sin apenas uso de exteriores, correctas interpretaciones y explosiones viscerales de violencia, el problema que suelo ver a estas producciones es que están trabajadas bajo premisas harto vistas ya. 

Típico rompecabezas (ligero) dentro de una habitación en la que hay un conflicto, y a partir de ahí vueltas y vueltas con giros de guión flojos. Todo se acaba sustentando en lo visual, y a pesar de estar logradas las escenas gore, tampoco son nada del otro jueves para estómagos curtidos.

Para mi gusto floja.

***

Cuando salgo del cine las temperaturas han bajado todavía más. Me cuesta moverme (al fin y al cabo, mis huesos están secos y sin tuétano), pero logro llegar a la parada del Bus a tiempo. Tan a tiempo para darme cuenta de que los horarios nocturnos han cambiado y espero casi 40 minutos bajo un inclemente viento. Podría convertirme en hielo ahora mismo y dentro del mil décadas ser el nuevo Ötzi.

Hasta mañana, corazones.

29 FANCINE: MENÚ 0 o CÓMO COMERSE UNA CIUDAD

Todos los años me gusta hacer una pequeña reflexión antes del inicio de FANCINE. Me dejo llevar y sin pensar demasiado practico la escritura automática, suerte de bulímica muestra de cómo soltar la suciedad interna. El cine fantaterrorífico siempre ha tenido a la antropofagia como un gran aliado. Nos comemos a nosotros mismos (véase Holocausto Caníbal de Ruggero Deodato), o nos comen desde el exterior (véase The Blob); el caso es que la fagocitación del Ser Humano hunde sus raíces en la Noche de los Tiempos. 

Hablando de la Noche de los Tiempos, ¿alguien recuerda esos infames documentales de Cine Mondo donde se nos ofrecían las más escabrosas imágenes de tribus caníbales?... Comer, ser comido. Desde el cine de aventuras al exploitation puro y duro. Por cierto, parece que también en las Salas de Cine se comen cosas... una nueva moda es la de comerse la Taquilla y sustituirla por una especie de pantallas espantosas digitales o bien sacar tu entrada donde mismo compras (o hipotecas tu vida para comprar) las palomitas. Ya se comieron al Acomodador hace más de década y media (al fin y al cabo, lo único que hacía era gastar pilas de linterna) y ahora se han comido la humanidad de la atención directa.

Menos atención humana, más barato todo. De todas formas, las Plataformas Digitales de Cine se están comiendo al mismo Cine, con lo que la cadena se está haciendo aún mayor. Una gran bomba autofagocítica se ha tragado por fin a esa fuente de especulaciones y negocio entre sombras llamada CINE ASTORIA. 

Se habrán quedado tranquilos de una santa vez. Mientras antes terminen en convertir a Málaga en MAKRO MALAKA mejor. El proceso es irreversible; es la última mutación antes de la tragedia. Se ve en esos pequeños detalles como el de la taquilla de los cines, y se manifiesta en su máximo esplendor en la Málaga Franquicia disfrazada para el exterior que nos encontramos en los alrededores de esos epicentros culturales fatuos llamados Museos. Porque no me digáis que no es curioso eso de Zona Thyssen, Zona Picasso y demás... son como las partículas radioactivas que desde el Reactor 4 de Chernobyl alcanza a Pripyat. Si a eso le unimos el falso SOHO, tenemos una camaleónica fachada cultural que no representa absolutamente nada; al fin y al cabo, las obras de construcción también COMEN. 

Se comen los restos de otras épocas (como las ruinas esas que aparecieron por la Zona del Corte Inglés) como termitas que sólo obedecen la fiel voz de mando del político de turno. Pero ojo, que lo peor de todo viene de dentro. Viene de esas mentes porosas como piedras pómez que aplauden a ese espectáculo de luces navideñas que no es más que una fanfarria (vergüenza ajena) decadente. Mientras nos azotan miles de problemas, cual borregos asistimos a la última comida y la más peligrosa, la del aborregamiento. El conformismo en su máxima expresión.

Pero volved al cine. 29 años ya, FANCINE resiste a que se lo coman, y mira que lo han intentado con saña. Tras el monumental atentado de idiocia del año pasado, levanta la cara bien alta y nos trae una programación de altura, ya como antesala de su 30 aniversario por llegar, que claramente no se celebrará en el Teatro Alameda porque también se lo comió un ilustre malagueño que se lo come todo, o aprevecha para comerse todo lo que puede. Claramente no se celebrará en esas zonas VIP que no paran de surgir por los alrededores de Calle Alcazabilla, pero que sí que espero se celebre en CINE ALBÉNIZ, el que se ha convertido últimamente en mi refugio anti sistema.

Me parece cuanto menos curioso que ahora que empieza a aflorar esa masa de comidas navideñas de gente vestida con abrigos bochornosos, con maquillajes al por mayor, tipos fumando gruesos puros mientras sus caras denotan una grave e incipiente hipertensión, sea a uno al que le llamen Friki y cosas así. ¿Sabéis qué os digo?. Iros a aplaudir vuestros espectáculos navideños, vuestras grandes comilonas de colesterol, que yo me encierro a evadirme en las salas de cine, donde se subtitulan las películas porque el idioma original es de por sí un arte. 

Ojalá llueva en estos días porque no hay más placer para un servidor que caminar por calles acharoladas en las que la lluvia (también como ente vivo) se ha comido a la muchedumbre. Pasear bajo los húmedos callejones para llegar al cine mientras se huele la limpieza, pasear de vuelta a casa mientras las gotitas te manchan las gafas. En la oscuridad subyace la verdadera ciudad, que solitaria clama porque le devuelvan su cara (se la han cambiado como en esas operaciones malvadas del cine de Mad Doctors)... desesperada, intentará avejentarse y agrietarse para soltar esos terribles y feos injertos que le están poniendo por todos sitios.

Larga vida al cine. Larga vida a FANCINE.

DENSO / HIPOXIA en CSA LAS VEGAS (9 de Noviembre)

Tras una terrible guardia de turnos, cansado hasta de respirar (ya sabéis, esas veces que hasta tus jodidas mitocondrias piden clemencia), hago un esfuerzo de titanes por ir a CSA LAS VEGAS a ver a una de mis bandas de cabecera en lo que a Doom nacional se refiere (aka HIPOXIA). De postre iba a tener la oportunidad de ver por vez primera a DENSO, que hasta ahora no había podido disfrutarlos en directo. Hay varios matices que tengo que destacar, uno, la baja calidad de las fotos que realicé (la luz era tenue como el espaciado hálito en un cuerpo pre-mortem) y otra que el volumen atronador se comió los detalles en ambos casos, pero bueno, al fin y al cabo de lo que se trata es de la experiencia física de notar cómo tu cuerpo vibra hasta que los intestinos llegan al esófago y éste acaba unido al culo. Al final intentas hablar y sólo te sale mierda por la boca.

La propuesta de DENSO hace honor a su nombre. Incluso sospecho que me han roto los tapones. Música antisistema en formato dúo ultra acoplado, primitivo y con cosas a lo CORRUPTED, EYEHATEGOD y demás pero destiladas a lo atávico. La percusión intensa, el bajo rellenando todos los espacios para no notar más que una pátina agresiva que corte tónico-clónico. Música que se mueve a espasmos, que bebe del Sludge pero que copula con el Crust Punk hasta hacer un compost imposible de discernir. DENSO tocan como un cóctel molotov... nadie quiere que sea estilizado, lo que se quiere es que prenda fuego y estalle.

Necro Crust de raíz poligonera, sin aspavientos cosmológicos. Impulso mas acople igual a vacío, vacío mas vació igual a caída de máscaras. Música catártica antisistema, procariota, sin piedad hacia el espectador y oyente y que por fin en breve parece que nos traen testimonio en disco.

Sobre HIPOXIA he escrito largo y tendido. Tocaron cortes de su segundo disco, del último y alguna cosa más. Una muralla negra sobre la que sobresalía una soberbia interpretación vocal con múltiples registros. Desde lo gutural a partes acopladas que son casi herederas del Power Electronics y el Noise (ese mantra interminable de "Nothing"). Si bien el inicio podía recordar más al Death/doom de toda la vida, pronto se lanzaron a su vertiente más cruda y es aquí cuando noté ecos a ESOTERIC.

Un Funeral Doom tocado lento pero a la vez muy áspero, con esa suciedad que da el drone (al fin y al cabo HIPOXIA no es banda de florituras virtuosas, sino de llevarte al borde del precipicio. Destacaron momentos en que parecía estar escuchando cosas a lo FUNERAL MOTH. Las partes más latentes, con una asfixiante base rítmica y las dos guitarras ejecutándose casi en paralelo, son lo que hacen su sonido tan distinto a tantas bandas del estilo que pululan por la península.

HIPOXIA tienen mucha calidad y están en ese punto de equilibrio perfecto donde es difícil etiquetarlos. Lo mismo te lanzan un pasaje noventero que mantienen un largo pulso en espiral hasta disolverse en la nada... progresiones que junto a las ultra nihilistas vocales de su cantante te dan la mano para bucear en la fosa séptica más grande que hayas imaginado; esa que campeas con una botella de oxígeno en la última dosis de su capacidad.

A un paso de la HIPOXIA. A un paso de la Apnea. Eterna. Negra. Decrépita.

MEKIGAH - "AUTEXIOUSIOUS" (AESTHETIC DEATH AD043, 2017)

Hace poco os traía la reseña de Litost (aquí), excelente álbum de los australianos MEKIGAH que me dejó completamente extasiado. En la misma senda que aquel álbum de 2014, Autexousious es un suma y sigue a un estilo/concepción casi Industrial y Noise del Black Doom al más puro estilo de los primerísimos VOID OV SILENCE (sobre todo en Criteria Ov 666, Human Antithesis y The Grave of Civilization) y mil cosas más como iremos desvelando.

VIS ORTIS (también en los experimentales DADIRRI) sigue encargándose de la composición, instrumentación y voces, sumándose una larga panoplia de colaboraciones. Miembros de EREBUS ENTHRONED, los vocalistas T.K. Bollinger, Leith Carnie o Izedis del proyecto ENBILULUGAL, y los sonidos industriales de Axiam y Adamor Ziltch. Colaboran también Chris AC. a las guitarras y la legenda musical de Tasmania Paul Weedon Recalcar la excelente masterización de GREG CHANDLER y el diseño de Yippie Bean en un fastuoso digipack editado por AESTHETIC DEATH.

En líneas generales y antes de meterme en faena, Autexousious conjuga lo abstracto, áspero y duro del Noise Doom con otros momentos melódicos y pegadizos que coquetean con el Rock Gótico (lo veremos más adelante, pero el corte "Zmatek" es una mezcla entre MONUMENTUM o la oscuridad finesa de THIS EMPTY FLOW). Lo suficientemente experimental para alejar cualquier posible comparación, MEKIGAH juegan en una liga aparte y tanto Litost como Autexousious me parecen obras maestras de una oscuridad sin límites; un sabio equilibrio que puede captarse no solo en el sonido sino en las herméticas letras.

"Eroding Will" abre con una serie de capas de sonidos de difícil identificación, luego entran una serie de tonos de sintetizador o guitarra procesada y voz en Vocoder. Aunque pudiera parecer frío, el tema tiene aires litúrgicos que se expanden hacia terrenos Industriales en la sinfónica "Autexousious", con voces muy cercanas a los ZARAZA canadienses (como en Litost). Si uno pone atento la oreja a lo que va transcurriendo de fondo se llevará una sorpresa... pasajes de una variedad exquisita, samplers, instrumentos acústicos de difícil identificación (la versión Doom del Country Australiano o unos ALASTIS llevados al ralentí y vestidos de gala).

"Fooled Blood" se va abriendo paso con una guitarra acústica en un cacofónico fondo ordenado pero amenazante. A partir de aquí empiezan a entrar elementos de Death Rock e incluso Post Punk (salvando las distancias genéricas), sublimándose todo esto que cuento en "Zmatek", precioso corte de ambientación casi After Punk pero que toca de rebote a cosas tan dispares como pudiera ser JOY DIVISION, KATATONIA o los míticos italianos CANAAN (a estos es a quienes más me recuerdan, la verdad), con una fabulosa y prístina percusión.

La instrumentalidad barroca de "Diminished Responsibility" desemboca en la rarísima "The Infinite Never" (por momentos me parece estar escuchando a WRAITH OF THE ROPES o THE NULLL COLLECTIVE). Ningún instrumento resalta sobre otros a nivel de producción sino que transcurre en un mismo plano de sonidos simultáneos equidistantes que crean en el oyente una extraña sensación litúrgica. Hasta la voz tratada y esos espeluznantes ecos transitan la misma longitud de onda. Batería, lánguidos riffs de guitarra, efectos de sonido... como un poliédrico mosaico bizantino.

"A Vast Abyss" se desenvuelve como una suite de Doom industrial que te deja exangüe gracias a letras hipnóticas (overmatched / overpowered / detached / deflowered...) y toques de guitarra muy psicodélicos aunque el tema top viene a ser "Backpfeifengesicht", auténtico sumidero emocional que te draga hasta una fosa séptica para rumiarte dos siglos después. Una turbulenta coda de Doom Noise a ratos ponzoñoso, a ratos elevador, hipnótico y casi espiritual.

Si necesitas coger aire, "Rejection Nostalgia" es una fabulosa outro de Dark Ambient que se asoma al Dungeon Synth por momentos. Excelente.

https://mekigah.bandcamp.com/album/autexousious

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=3287

SANGUINARY TRANCE - "WINE, SONG AND SACRIFICE" (AUTOEDITADO, 2018)

Interesante proyecto de Black Metal que me llega desde Viena/Austria. SANGUINARY TRANCE se forman en 2013 pero no es hasta ahora que debutan con un más que interesante EP. La mente pensante tras el proyecto permanece oculta, pero sí se han filtrado entre los músicos participantes a S. SPULAK a la batería (de los extintos Kæltetod) y JÖRG LANZ (de Amestigon, la nueva encarnación de Der Blutharsch ...) a las guitarras y poca más información puedo dar.

Wine, Song and Sacrifice se edita en una pro cassette limitada a 50 copias aunque lo que a mí me llega es un cd promocional bastante trabajado, con artwork y bio. En lo musical se nota bastante la vena austríaca pudiendo tomarse como ejemplo a los míticos Abigor o primeros Summoning de cuando no tenían el peso volcado en los teclados. 

Por lo demás, es un furioso black metal de corte noventero con unos detalles en lo melódico muy conseguidos, al más puro estilo vertiginoso de Emperor, primeros Satyricon o Carpathian Forest... en definitiva crudísimo ejercicio de estilo que cuenta con momentos bastante punteros como el épico inicio de la homónima "Wine, Song and Sacrifice", con toques a Bathory más que evidentes. Fabulosa la forma de abrir el tema, al más puro estilo procesionario de las bandas nórdicas (la percusión es netamente austríaca a lo Summoning). Sin solución de continuidad se lanzan a una rápida cabalgada de la base rítmica y unas guitarras pegadizas, enmarcado todo bajo la acertada masterización de Karl (de la banda noruega Dødsengel).

Sin bajar el ritmo ni un segundo alternan melodía con momentos intensos sin que el interés decaiga un solo instante (a lo Belphegor vaya). También podríamos hablar de los primerísimos Korova antes de mutar de sonido y nombre a Korovakill... al fin y al cabo, esa riff circular de la guitarra tiene algo que lo aleja de bandas típicas del género, dando un toque no experimental ni mucho menos pero sí distinto.  

"Carvings" sigue por la misma senda pero con el velocímetro al límite (Marduk sería buen ejemplo), aunque el tema más extraño es sin duda el último "The Dionysos Whip". Los cambios de ritmo no son los típicos del Black aunque sí que se mantiene el estilo... la sensación psicodélica se acentúa, las guitarras transitan otros terrenos más lisérgicos (sin duda puede venir de esa nueva encarnación de Der Blutharsch and the Infinite Church of the Leading Hand) y el clímax final con percusiones pseudo marciales pone la guinda a un Ep fantástico que te deja con ganas de mucho más.

Deseando ver qué hacen en un larga duración.

https://sanguinarytrance.bandcamp.com/

GRUP DE PERCUSSIÓ AMORES - "DREIZEHN" (LIQUEN RECORDS LRCD007, 2017)

S T O C K H A U S E N (11)

H I L D E G A R D I S (11)

11 + 2 = 13 (DREIZEHN)

El pionero Grupo de Percusión AMORES es el encargado de traernos la referencia número 7 en el imprescindible catálogo de LÍQUEN RECORDS, y para más Inri, ser la más difícil de reseñar no sólo por su complejidad musical, sino por la maravillosa unión conceptual entre Hildegarda de Bingen y Stockhausen. El Grupo de Percusión AMORES rinde homenaje desde su nombre a nada más y nada menos que JOHN CAGE, y su reputación es a nivel internacional, y se las han arreglado para crear una hipnótica base tan variada y exquisita que al intercalar lo puramente percusivo con los vibrafónicos efectos de la vibración de cuerdas, llevan lo musical a un nivel vanguardista que trasciende lo étnico, y que bajo ningún concepto debe enclavarse dentro de la World Music y similares. 

Esto tiene más que ver con el Rock en Oposición y experimentos del Jazz Británico que con la Clásica Contemporánea, o quizás sea que la fusión es tan perfecta que la adición de las letanías de las voces en Soprano suman a lo litúrgico lo cosmogónico y ritual. 

Dejar claro que cualquier cosa que escriba palidecerá al lado del maravilloso libreto interior de JOSEMI LORENZO ARRIBAS, que no reproduzco aquí en su totalidad por motivos obvios, pero que por sí solo se basta para meternos de lleno en una obra tan compleja como mística, tan abierta como hermética, tan cósmica como terrenal. Todo depende de la combinación del 13, de ese DreiZehn alemán que se cita una y otra vez. Sin ir más lejos, el texto del libreto se compone de 12 párrafos (lo que el autor denomina lucidissima apostolorum turba) mas 1 en la figura central de Cristo.

En el apartado técnico, las excelentes voces de soprano son de Èlia Casanova Martí y María García Maciá; en algunos cortes interviene el Toy-Piano de Víctor Trescolí Sanz. Los arreglos son de Jesús Salvador Chapi, Ángel García y Pau Ballester . Se graba en Little Canyon en 2017, se masteriza por Crossfade Mastering y se edita por LIQUEN RECORDS (bajo auspicio de la Generalitat Valenciana). El currículum de los tres músicos que componen Grupo de Percusión AMORES es tan extenso que lo mejor es que visitéis el siguiente enlace:

http://amoresgrupdepercussio.com/

18 cortes en los que se va de la composición Tierkreis, 12 Melodies del Zodiac de Stockhausen a base de pequeñas perlas engarzadas de corta duración, y luego 6 cortes más extensos abarcando el corpus cosmovisionario de Hildegarda, cantados si no me equivoco en su Ignota Lingua de 23 letras del Alfabeto y que era usada con fines místicos. Curioso la mezcla máxime teniendo en cuenta la animadversión de la abadesa benedictina a cualquier teoría que tuviera que ver con la adivinación del futuro a través de las estrellas. Una interacción experimental musical de dos figuras visionarias separadas por 8 siglos pero que resultan tan vanguardistas que casan a la perfección y que van desde figuras jazzísticas avanzadas que pueden recordar a CARLA BLAY hasta esas codas de jazz contemporáneo del binomio JULIE / KEITH TIPPETT.

Dado lo complicado del disco, voy a intentar describirlo a mi modo y llevarlo al campo de mi limitado acervo, porque si no me temo que no voy a ser capaz de adentrarme demasiado en este laberinto que resulta ser Dreizehn.

Los 25 minutos de Tierkreis se dividen en 12 cortes, uno para cada Planeta. De corta duración, muestran una música de cámara minimalista cercana a la Toy Music. Lejos de la grandilocuencia del Romántico, aquí prima la belleza incólume del Neoclasicismo, pero todo teñido del aire de rareza de la Clásica Contemporánea. La voz soprano de María García Maciá se desliza de forma majestuosa dejando espacio para los vibráfonos, las tablas o los toques percusivos más marciales ("Libra" es buen ejemplo). Voy a soltar una estupidez de carácter ciclópeo, pero en "Escorpió" me parece estar asistiendo a un cruce entre CASSIBER y MAGMA destilados hasta su esencia molecular. Uno de los mejores cortes de esta primera parte del disco y sin duda la más cercana al Jazz-Rock.

Los temas en los que interviene el Piano de Juguete de Víctor Trescolí Sanz son los más abstractos, casi Zornianos ("Sagitari", la preciosa, acuática y mistérica "Pisces" con una soberbia interpretación de María García Maciá y la casi Zeuhl "Áries") si se les hubiera añadido algún instrumento de viento. Piezas concretas engarzadas del minimalismo tipo caja de música tan típico de Stockhausen aunque si me apuráis, algo de la obsesión de aquel por el Gamelan queda en el Grupo de Percusión AMORES. 

En clave Jazz Noir la verdad es que también se salen, y si "Géminis" parece un estándar jazzístico, la explosión percusiva de "Cáncer" sería Free jazz (si se me permiten las comparaciones) para acabar con una tribal y ominosa "Leo", plagada de ecos y voces (no sé si procesadas) de índole desconocida.

La segunda parte del disco, dedicada al Códex Musical de HILDEGARDA DE BINGEN, requiere todo el esfuerzo del oyente. Abre "Suite Hildegard" con una introspectiva melodía y la voz soprano más melosa y menos agresiva de Élia Casanova Martí. El hecho de ser una voz con menos esquirlas, más aterciopelada diría, hace que la sensación en el oyente sea la de estar viajando por una suerte de Neo Folk, o ese género ya un poco en detrimento que eran las Heavenly Voices (sellos tipo PRIKOSNÓVENIE lo cultivaron a la perfección). Fantástico un cambio de ritmo a mitad de tema con percusiones más metálicas y mucho vibráfono. 

Si la primera parte del disco era como escuchar el sonido de una caja musical perpetua la sensación en la Suite es la de estar pasando páginas de un Códice Medieval. Así pues, "O Vos Angeli" son nueve minutos de leyenda que mezclan el hipnotismo del Gamelan con lo Neoclásico (en lo conceptual y lírico repasan las nueve jerarquías angélicas), para aderezarse con una voz mántrica que suelta efluvios mayestáticos, sobrios pero de una gran espiritualidad. No quedándose parados en lo fácil, los temas mutan y aquí por ejemplo hay momentos en que entran melodías y patrones propios del Jazz-Rock. En absoluto estamos ante un disco de Nuevas Músicas o New Age, que quede claro desde ya.

Fastuoso el himno "O Inge Spiritus", dedicado al fuego del Espíritu Santo, es el corte más oscurantista con sus voces recitadas y aires litúrgicos, al menos en inicio, porque luego tiene aires clasistas bastante asequibles. No sé si sería una ignominia citar aquí a DEAD CAN DANCE pero lo veo factible. "O Cohors Milicie Floris" es una antífona que se complementa a la perfección con el responso de "O Lucidissima Apostolorum Turba". Ambas son lentas, elevadoras y el trasfondo musical abraza algo del drone acústico vibrátil no sólo de los instrumentos, sino del eco de la misma voz que parece venir de una cueva.

Las estrellas, el universo, quedan otra vez puestos de manifiesto pero esta vez a través de la antífona "Karitas Abundat" (de imis excellentissima super sidera). Cantos monásticos que dialogan con una percusión mínima, pequeños arreglos y detalles preciosistas a base de rasgueo de cuerdas, campanillas y pequeños objetos creando una base elevadora y sutil que llega a las estrellas con una facilidad pasmosa.

Un disco imprescindible para amantes de la vanguardia. Una grabación exquisita, sublime con la que sobrecogerse, meditar y autofagocitarse una y otra vez hasta no dejar residuo.

http://liquenrecords.com/2018/03/01/amores-grup-percussio/

THE ELECTRIC FUNERAL - "THE WILD PERFORMANCE" (GUERSSEN/SOMMOR SOMMCD042, 2019)

ELECTRIC FUNERAL hunden sus raíces en los años 70. Se forman en Suiza en las postrimerías de los 60 por Edi Hirt (batería), Pierrot Wermeille (bajo), Alain Christinaz (guitarra) y Dominique Bourquin (voces), y como toda banda de eso que se llama ahora Proto-Doom, tuvieron como influencias a DEEP PURPLE, BLACK SABBATH o los ZEPPELIN, aunque si afilo las orejas a lo que me suena más es a EDGAR BROUGHTON BAND o IRON CLAW. 

Hoy, Día de Todos los Santos, reseño The Wild Performance, único testamento sonoro construido a base de grabaciones privadas (muy común en la época) y ensayos. Inicialmente editado en 1991 en vinilo, es ahora que por fin vemos una edición remasterizada con cuatro bonus tracks de cintas de archivo recientemente descubiertas (o sea, el nirvana para los melómanos). 

¿Y qué hace tan deseables e imprescindibles a ELECTRIC FUNERAL y una grabación tan áspera y cruda?. En primer lugar, su carácter histórico. El Proto-Doom o como queramos llamarlo entroncaría luego con el Thrash de una forma aplastante con los CELTIC FROST, recrudeciendo el Hard Rock para llevarlo al límite donde el Heavy Metal años más tarde copularía con BLACK SABBATH en los de Zurich, pero aquí las miras estaban en terrenos más británicos y americanos. Está claro también que los suizos cogieron su nombre de los SABBATH y Paranoid, y ahí no caben demasiadas especulaciones, y tenéis unos trallazos duros y secos como "Black Pages" y "I Don´t Know" para ser testigos del nacimiento del Heavy Metal desde sus mismas fuentes genuinas (suizas, británicas o del espacio exterior), con algo por ahí de URIAH HEEP. Sin más, los agudos de Bourquin pueden extrapolarse a donde queráis sin ningún problema de compatibilidad.

Sin embargo, hay un aspecto que se me antoja casi inédito y es la energía pura y visceral de unos temas capitaneados por una sección rítmica tan psicodélica y herrumbrosa que (quizás voy a decir una barbaridad) hace que tenga que coger otra vez la hoja promocional y asegurarme de que no se trata de otra actuación en vivo perdida de LES RALLIZES DENUDÉS o bien extractos de GERMAN OAK (sólo tenéis que escuchar la apertura del disco con "People" para saber de lo que hablo, y si me apuráis, intuyo esporas de lo que iba a ser la NEW WAVE OF BRITISH HEAVY METAL). Me tengo que pellizcar alternativamente ambos pezones para convencerme de que no está grabado en el mismo búnker de los germanos (maravillosos ecos Lo-Fi imposibles de reproducir a día de hoy gracias a eso de la bobina abierta).

The Wild Performance está grabado en 1970, con lo que mínimo puede codearse con PENTAGRAM y hablar de una versión crudísima de CREAM, IRON BUTTERFLY o BLUE CHEER. Si nos quedan dudas del carácter primitivo de la grabación, recordad que cosas como BEDEMON, TROUBLE, THE OBSESSED o ST. VITUS son posteriores, y esas bandas se las considera padres putativos del Proto-Doom, y esa etiqueta no es más que una masturbatoria inclinación por la parte bluesera del Hard Rock, pero llevándola al extremo... lo harían los FLOWER TRAVELLIN´BAND japoneses incluso, para que veáis el carácter global de la escena. Esos ritmos lentos y arrastrados, psicodélicos, marcados por un bajo taladrante y unas voces ultra pegadizas están en "War Funeral Song", todo un himno que ya querría cualquier banda de ahora poseer en su repertorio. Las guitarras, cargadas de Fuzz vibrátil, se lanzan en salvajes cabalgadas con espíritu de Jam a lo Argus de WISHBONE ASH (pero sin el doble juego de guitarras característico de aquellos).

Dentro de los temas más fangosos están el loco "You Can Help" o "Rock Ba Rock", que se define a sí mismo por el nombre y tiene un riff central de guitarra maravilloso, un estribillo pegadizo y vuelta al motivo principal. Si algún punto flaco veo es la batería, para mi gusto estándar (efectiva). Sólo voy a decirlo una vez más, pero a mí esto me recuerda muchísimo a LES RALLIZES DENUDÉS.... "To Be One" parece heredera de Takashi Mizutani. Un obsesivo bajo, una letanía vocal (más aguda, eso sí) y un persistente ritmo machacón que te muele en vida.... en definitiva es un Rock and Roll tocado con un correoso tempo lento benzodiacepínico alucinante. Se incluye al final una versión distinta de 8 minutos impagables y mucho más punkarras si cabe. 

"We´re Gonna Change The World", a pesar de su producción embarrada (es en directo), es un maravilloso punto de encuentro entre BLACK SABBATH y... ¿primeros IRON MAIDEN?.... no sé, pero es que salvando las distancias (y los medios, y que no hay dobles guitarras) hay conexiones por todos sitios. El deje vocal es muy de Ozzy y este estribillo lo hubiera clavado a la perfección (poned aquí un emoticono de piloerección). Más agudo en las voces pero mismo espíritu MAIDEN tiene "Fly Away" (o de THIN LIZZY, UFO y THE WHO...), corte que cuando se enlentece es de los más doomy del disco, y vuelvo a resaltar el enorme trabajo de la guitarra aunque peque de pesado.

Una prueba de la potencia de ELECTRIC FUNERAL la tenéis en la salvaje y larga "My Destiny", con una batería que aquí sí que se aprecia más; cambios de ritmo, punteos y adornos del bajo muy conseguidos y las voces más blues y roncas (¿un Louis Amstrong rockero?) me ponen media sonrisa en la cara... vaya trabajazo a las voces de Dominique Bourquin que no permanece estático. Si esta banda hubiera durado creo que la evolución hubiera sido impredecible. 

Sea Proto Punk o brutalísima explosión de Punk embarrado en Hard Psych, se muestra la faceta garajera de las bandas del momento, y hasta qué punto esto es actual lo demuestra la impresionante edición en doble vinilo que se ha marcado SOMMOR, subsello de GUERSSEN, con póster y un precioso marco morado que sustituye a la primera edición en rojo y ojo con este detalle.

Hay una cosa que es la Sinestesia; percepciones y asociaciones extrañas que están ahí por algún motivo, y el morado, señoras y señores, es el color del Proto-Doom. Quizás sea porque en ese género siempre se han usado referencias cristianas como la cruz, y la estola o casulla sacerdotal tiene mucho de ese color.

El color morado siempre se asocia a la magia y los obispos lo usan como símbolo de la piedad. Posiblemente esto venga de la Crucifixión y de la túnica púrpura con la que adornaron el cuerpo de Cristo: “Y los soldados torcieron una corona de espinas y se la pusieron en la cabeza y lo vistieron con una túnica púrpura” (Juan 19: 2). El color púrpura aparece reiteradamente en textos bíblicos desde El Éxodo y ya digo que por alguna razón, siempre lo he tenido asociado al Doom tradicional... ¿se trata de una paja mental mía?... pues seguramente.

https://guerssen.com/catalogue.php?ide=31633

*+*

*(+)*

**(+++)**

**(+++)**

*(+)*

*+*

*+*

*+*