32 FANCINE: CRÓNICA Sábado 12 de Noviembre

Ya va picando el cuerpo. El fin de semana suele ser siempre bastante intenso en Fancine, volar de una sala a otra, domesticar la vejiga y cosas así. Lo cierto es que hasta ahora estoy acertando completamente en las películas elegidas y que para mi gusto representan casi que todas las secciones que abarca el festival. Alguna hay que dejar por el camino y aceptarlo... que oye, aceptar eso para el seguidor de este tipo de cine no es baladí. Conlleva un luto interno ver pasar los dos pases (a veces uno) de una película con la incertidumbre de estar perdiéndote algo gordo.

Pero bueno, no estoy aquí para penas sino para disfrutar, y vaya si estoy disfrutando. Hoy han entrado otras cuatro películas en la maratón que se me ha pasado como un suspiro, sin darme a penas tiempo a socializar o comer algo pero como los monjes tibetanos o los saddhus en la India, sobrevivo de la caridad del pueblo en pequeños frutos y donaciones que me otorgan entre las rejas del Albéniz, tal y como mi madre me llevaba el desayuno a las puertas del cole (lo que ha cambiado la vida) con carne de membrillo cuando era un chavea. 

OM MANI PADME HUM, o lo que sería lo mismo, "OH MAMI, MEMBRILLO NO MEJOR ATÚN".

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Venus (Jaume Balagueró; España, 2022)

"Una bailarina roba una bolsa del club nocturno donde trabaja. Perseguida por una horda de matones, se esconde en el apartamento de su hermana. El problema es que el lugar donde ha decidido refugiarse parece albergar una amenaza más poderosa que los hombres que le quieren dar caza."

Sensaciones encontradas con lo nuevo del maestro Balagueró. Si Venus recupera algo de la esencia primeriza en su particular adaptación de un relato de Lovecraft (Los Sueños en la Casa de la Bruja). Segunda entrega de la colección de Horror Cósmico tras la muy fallida según mi opinión Veneciafrenia de Alex de la Iglesia. Cierto es que como película Venus le da cien patadas a la de Alex de la Iglesia, pero podría haber sido muchísimo mejor.... y me explico.

Hay tramos potentes. Splatter a raudales. Sensación de Horror Cósmico (algo que en parte ya transmitía con sus adaptaciones de Ramsey Campbell en Los Sin Nombre o Darkness). Los ingredientes son perfectos, pero el pulso narrativo no es continuado, los crescendos se cortan demasiado y hay algo en el montaje que no me termina de convencer. Lo ominoso, cuando hace acto de presencia, rompe con la primera parte de un metraje bastante lastrado por recursos o clichés del género (los sueños que nunca llegan a nada o apariciones fantasmales oníricas)... y es ahí cuando sentimos el verdadero poder de Venus y la dirección que quería tomar Balagueró. Por desgracia, creo que podría haber sido muchísimo más potente y oscura, aprovechar la buena interpretación de Ester Expósito y llevar el film a nivel `cósmico´ mucho más elevado.

Con todo, para mí es de notable alto.

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Irati (Paul Urkijo; España, 2022)

"Sigue a Irati, una joven que guía a un grupo de cristianos y musulmanes en un viaje a un antiguo mundo mitológico, donde todo lo que tiene nombre existe, para intentar recuperar un tesoro perdido."

Premiada en múltiples festivales y aquí en Fancine a CONCURSO, Irati es posiblemente lo mejor que vas a ver este año en el género fantástico. Urkijo (el año anterior ganaba el premio al mejor corto por Dar-Dar) viste de gala una producción vasco francesa y la lleva a un nivel de internacionalidad pocas veces visto por estos lares. Recogiendo la estructura de los mitos Vascos de la Diosa Mari que tanto estudiaría Jose Miguel de Barandiarán y que sería caldo de cultivo de ensayos de Julio Caro Baroja y otros, Irati es un viaje a la mitología en toda regla. A lo atávico, al pasado y al culto a la naturaleza y su simbiótica comunión con el lenguaje perdido. 

(Paul Urkijo)

Irati sigue un poco la estuctura mitopoyética del viaje del héroe que tan bien explicara Campbell en su libro El Héroe de las Mil Caras, y tiene un trasfondo naturalista encomiable, además de una fotografía que impresiona. Los efectos especiales están logradísimos, su ambientación histórica trabajada hasta el más mínimo detalle y los actores muy creíbles, por no mencionar que está rodada en lengua madre vasca y la banda sonora abunda en esos cánticos y zanfona propios de los pueblos primitivos íberos. Esa manera en la que Urkijo recoge la sincretización que sufrieron los viejos cultos a manos de la Iglesia Católica, transformándolos para que fueran olvidados y transformados por el pueblo para su control masivo, son el discurso principal de un film que dará a cada cual lo que busca: espada y brujería y toda la simbología de un pasado que, tal y como se dice en la película, tiende a ser olvidado si no lo pronuncias. Sobresaliente.

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[REC] Terror sin pausa + [REC] (Diego López-Fernández; España, 2022)

"[REC] es la película de terror que marcó un antes y un después en la cinematografía española con su estreno en 2007. Ahora, 15 años después, los principales protagonistas analizan las claves de la película, su origen y gestación, el éxito de crítica y público, su paso por los grandes festivales y el impacto de un fenómeno cinematográfico que dio paso a una franquicia inédita hasta ese momento en el cine español con un total de cuatro entregas."

Sigo la trayectoria de Diego López desde hace bastante tiempo. Mente pensante detrás de la publicación de culto El Buque Maldito, y rescatador de joyas oscurísimas del fantaterror en DVD que posan mis estanterías como Las Flores del Mal, Espectro o Los Muertos, La Carne y el Diablo entre otras. Además, su faceta de realizador de documentales viene siendo bastante prolífica a la par que premiada... sus anteriores Jact Taylor, Testigo del Fantástico (2018), La Dama del Fantaterror (2020), Herederos de la Bestia (2016) o Los Perversos Rostros de Víctor Israel (2010) han contado con pases en Sitges y mil festivales más. Para colmo, la música en sus producciones es de BUIO MONDO que para quien siga este blog sabrá que he escrito hasta la saciedad sobre el proyecto: Herederos de la Bestia o la recopilación de todas estas bandas sonoras en Assassinio in 7 Pollici, por no mentar el ya icónico Italia Violenta.

Pasando al documental, `REC, Terror sin Pausa´ es un auténtico disfrute para los que creían que lo sabían todo sobre la monumental película de Balagueró y Paco Plaza. Cientos de anécdotas, imágenes inéditas, finales alternativos que nunca se rodaron y todo con un desparpajo alucinantes. Una mirada fresca tras las cámaras a todo el culto que se generaría (y que dura) con una película que marcó a toda una década y modificaría muchos de los códigos del género a partir de entonces. Lo mejor de este tipo de documentales cuando son acertados (y este lo es con creces) es que son capaces de sumergirte y hacerte partícipes de la diversión y locura del rodaje; hacerte desear volver a subir las escaleras de ese ya mítico lugar de peregrinaje del número 34 de la Rambla de Cataluña.

(Diego López)

A continuación se proyecta [REC] y vuelvo a sentir las mismas sensaciones que sentí en el estreno. Ese disfrute de perder pie y que pocas, pocas veces se ha sentido en una sala de cine.... ese pavor auténtico con escenas que forman ya parte del acervo cinematográfico del cine de género.

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Es increíble la cantidad de móviles encendidos en el autobús de vuelta. Abarrotado de adolescentes, TODOS con el móvil en la mano, haciendo un gesto que es casi automático... pasan el dedo de vídeo a vídeo, de tik tok a chascarrillo.... así eternamente en una especie de bucle infinito. En algún momento esta locura debe de parar y el ser humano tiene que ser consciente de lo valioso que es cada segundo de la vida para estar todo el día sometidos a los mismos esquemas y patrones sensoriales. La Naturaleza se rebela, pero a veces lo hace a través de tí como médium.... y si no eres capaz de captar los códigos y mensajes que te da la vida, te estás haciendo un flaco favor. 

Párate. Apaga algo (si estás leyendo esto, hazlo cuando termines el texto). Inhala y exhala un buen rato; si pasados diez minutos tienes un mono terrible de volver a coger el móvil y comprobar un mensaje, el Guasap o lo que sea, vete al monte. Una vez que estés en el monte, inhala y exhala un buen rato. Si sientes que la ropa te aprieta y ahoga, desnúdate... el frío está sobrevalorado. Corre más profundo, descalzo o descalaza. Inhala y exhala... siente tus gónadas lubricar y el miedo en las entrañas y si todavía notas algo que te ate a la electricidad, inhala y exhala un buen rato y luego: AÚLLA. 

AÚLLA como si no hubiera un mañana.

32 FANCINE: CRÓNICA VIERNES 11 de Noviembre

Sigue en todo su apogeo 32Fancine con toda la carne puesta en el asador. La rueda gira y se van sucediendo las sesiones, los cara a cara con realizadores y toda la magia de las actividades paralelas, todo bajo los auspicios de un tórrido calor, luego un chaparrón y a la salida de madrugada, frío helado. Cualquiera diría que los de Fancine no han puesto el Termostato en Málaga de tal forma que provoque auténtico miedo. Miedo Ambiente, ese fabuloso juego de palabras de este año, implica un saco sin fondo perfecto para meter películas distópicas, miedo a la naturaleza, mutaciones salvajes e incluso Horror Folk. 

Cuando llego a la Taquilla de Prensa, me atiende una cabeza que me mira extrañada al insistir tanto en filas cercanas a la pantalla y pasillo. Vale... puede parecer raro, pero más raro es hablarle a una ventanilla con una cabeza donde no hay un cuerpo y puestos a pensar, ¿y si el Albéniz es un solo ente biológico y su cabeza es esa de la Taquilla?. Cierto es que las facciones cambian a diario, pero no he visto cuerpo antropomórfico que indique que mi teoría es incierta, por lo tanto me aventuro a decir que cuando hablo al Ser de la taquilla estoy dialogando con el mismísmo cuerpo del Cine Albéniz y las manos que me dan mis boletos son meros apéndices mutados de algo superior. Es normal... este cine está sobre una zona de guerra atávica, al lado de un Teatro Romano y bajo él, quizás restos tartésicos e ibéros. 

Cine Albéniz ha tenido que ir mutando para defenderse de las guerrillas de Gourmetoides Turísticos que jalean en el Necro Pimpi, un lugar muy sórdido que huele a barrica pútrea y que merma las facultades mentales de quienes prueban sus hieles. Pero no pasa nada... pueden ganar una batalla, mas nunca la guerra.

NO AL GOURMETOIDE

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Resurrection (Andrew Semans; Usa, 2022)

"La vida cuidadosamente construida de una mujer se ve alterada cuando una sombra indeseada de su pasado regresa, obligándola a enfrentarse al monstruo que ha evitado durante dos décadas."

Semans dirige una década después de su Nancy, Please, otro turbador thriller. En Resurrection cuenta con nada más y nada menos que una impresionante Rebeca Hall que se come la pantalla literalmente. Inmensa su capacidad interpretativa que es básicamente por lo que esta historia tan psicológica funciona, además de que bueno, Tim Roth es puro culto ya. Destacar la tensa banda sonora y las líneas de diálogo. Además, Semans es capaz de mantener el interés del espectador hasta el fotograma final, cosa no habitual en este tipo de productos.

Las posibilidades de errar con un thriller psicológico son altas, pero su afortunado pausado ritmo y como digo, Rebeca Hall que se echa todo el asunto a la espalda, hacen creíbles un guión con algunos cliffhangers demasiado forzados. El clímax final, aun anticipándose (se va cociendo a fuego lento) es poderoso y termina por cerrar una trama que afortunadamente ha huído de otro tipo de finales tipo `happy ending´. Notable alto.

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Sanctuary (Zachari Wigon; Usa, 2022)

Sigue a una dominatrix y a Hal, su adinerado cliente, y el desastre que sobreviene cuando Hal intenta poner fin a su relación.

Fantástico thriller minimalista con poderoso guión y unos Margaret Qualley y Christopher Abbott que vertebran de forma magistral en planos cerrados, un solo escenario (una habitación de hotel y el pasillo) y unos trabajadísimos diálogos sobre las relaciones de control, dominación y seguridad en uno mismo. Lo que en otra pareja de intérpretes habría sido un enorme batiburrillo, la magnética mirada de Qualley y del excelente Abbott, uno de los actores más habituales en cine de género con papeles siempre soberbios: Sweet Virginia, Tyrel, el maravilloso neoGiallo del año pasado Piercing, It Comes at Night, Posessor.... 

Aunque no lo parezca, lo romántico acaba brillando más de lo que parece y es absolutamente delicioso ver cómo los actores se acoplan en un film grabado en tan solo 18 días. Los que esperen emociones fuertes, sangre y violencia, mejor se abstengan y busquen otra cosa. Quienes crean que esto es 50 Sombras de Grey también ses entirán decepcionados. Eros y Thanatos campan a sus anchas por Sanctuary... pero se dirigen a un punto de acuerdo maravilloso donde se firma la paz.

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Anima // MO ER DAO GA (Cao Jinling; China, 2020)

"Después de que el joven Tutu mata a un oso para salvar la vida de sus hermanos pequeños, se le considera un paria ya que los osos son sagrados para la tribu Lonki. Años más tarde, Tutu y Linzi luchan por salir adelante y trabajar como leñadores cerca del bosque en el que crecieron. Cuando ambos se enamoran de la misma mujer, los hermanos se separan."

Encuentro con la directora Cao Jinling y su maravillosa película Anima, que tal y como comenta la directora, es grabada en su pueblo natal; todo lo que se ve en pantalla es real y se grabó bajo temperaturas extremas de - 40 ºC. A pesar de ser su debut como directora, Jinling tiene un largo periplo como guionista, además de ser  miembro de la Sociedad China de Cine y Literatura y del Comité de Trabajo de Guionistas de Dramas de TV de la Asociación de Radio y Televisión de China, estar doctorada en Estética Dramática en la Academia Central de Arte Dramático y más. 

Anima posee una fotografía absolutamente embriagadora, con un trasfondo ecológico importante y animista con un amor entre hermanos hacia la misma mujer. Su música, sus imágenes y el uso de los silencios me han recordado a la quizás más agreste Öndög (El Huevo del Dinosaurio; Mongolia, Wang Quan'an)... no sé si por algunas costumbres folklóricas y el uso del throat singing / tubal en la banda sonora. Lo cierto es que Anima es un debut fabuloso que a pesar de lo enaltecedor de muchos paisajes, te deja pensativo y apenado por la inmensa desforestación a la que estamos sometiendo el planeta. Ver esos parajes desde la perspectiva del personaje de Linzi debería ser asignatura obligatoria en la escuela.

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Sissy (Hannah Barlow, Kane Senes; Australia, 2022)

"Cecilia se reencuentra con Emma, su mejor amiga de la infancia tras una década sin verse. Emma la invita a su fin de semana de despedida de soltera donde Cecilia queda atrapada en una cabaña remota con su matón de la escuela secundaria con ganas de venganza."

Tengo varias reglas o chuletas no escritas sobre el cine de género. Una de ellas reza que si es Australiana es de obligada visión y la diversión está garantizada si encima va con Splatter... y Sissy evidentemente cumplía todos esos requisitos, además de que viene premiada de Sitges entre otros festivales. Revisitación al género Slasher desde una óptica Millenial, Sissy tiene toda esa sinvergonzonería de las comedias Gore australianas, aunque en el trasfondo es más aterradora de lo que a priori pueda parecer. Por cierto, si Aisha Dee está perfecta en su papel, no menos Hanna Barlow que además es co-directora del film.

Escenas hilarantes, efectos especiales a la vieja usanza a la que le falta un puntito para sobresalir más. Quizás el clímax final no es lo suficientemente potente (va a trompicones) pero yo me lo he pasado en grande. SINCERAMENTE, CECILIA.

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El camino de vuelta se me hace un poco largo. Salgo del cine casi a las 2 de la madrugada y ha llovido. Hace un frío tremendo (o tengo el cuerpo cortado del calorcito humano de las salas). Hasta ahora, todo lo que he visto ha sido un acierto y me da que la quiniela y recorrido que me he marcado este año es el adecuado. Eso sí, UNICORN WARS me va a ser imposible (SOLD OUT en toda regla) pero más o menos, viendo el planning que tengo trazado, sé que tal y como hizo Zemeckis en su día, estoy TRAS EL CORAZÓN VERDE.

32 FANCINE: CRÓNICA JUEVES 10 de Noviembre

Pues comienza la vorágine. Se recupera la taquilla de prensa, desempolvo mis pantalones de pana acampanados y me dirijo con mirada mística a los interiores del Cine Albéniz. La elección de películas este año ha sido complicada, muy complicada. Sacrificar algunas, ver otras, y como siempre que no te queden huecos mellados que son los que de destrozan psicológicamente. Actualizo mi firmware interior, charlo aquí y allá y miro la marea de bares que como una duna parecen haber crecido y amenazan con comerse el Albéniz, el Teatro (lo próximo seguro que es un chiringuito dentro del semicírculo de la orquesta) y si sube mucho hasta la Alcazaba (copazos en la Puerta del Socorro, shawarmas en la Torre del Homenaje y chill-out en el Palacio Nazarí).... la única ventaja que le veo a toda esa gentrificación es que si vira un poco en dirección a la playa, con suerte los `gastrohabitantes´ acabarán en el agua y se regenerará culturalmente la ciudad. Si he aprendido estos años a odiar (entre comillas, porque odiar no odio nada, simplemente me genera rechazo) es a la palabra BRUNCH. El brunch y postbrunch va a acabar con la ciudad.... al tiempo.

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The Mountain / LA MONTAGNE (Thomas Salvador; Francia, 2022)

"Pierre, un ingeniero parisino, sube a los Alpes por su trabajo. Irresistiblemente atraído por lo que le rodea, acampa solo en lo alto de las montañas y deja atrás su vida cotidiana. Allí arriba conoce a Léa, chef de un restaurante alpino, mientras misteriosos resplandores brillan en las profundidades de las montañas…"

Segundo film de Thomas Salvador tras Vincent (2014), película muy particular sobre super héroes que al igual que esta excelente La Montagne, es dirigida e interpretada por el propio director haciendo gala de un enorme magnetismo en la pantalla. Sin duda, antes que el guión, destacar la preciosa fotografía fruto de rodar en un impresionante entorno como lo es el Aiguille du Midi, parte de la cadena montañosa del Mont Blanc. En el arranque de la película, Pierre se ve atraído magnéticamente por las montañas, y me sobrecojo un poco en la butaca porque el libro que estoy actualmente leyendo es Las Montañas de la Mente de Robert McFarlane donde se da buena cuenta de ese magnetismo a lo largo de la historia, además de dedicar un buen trozo del inicio al Mont Blanc y la cantidad de fallecidos por alpinismo amateur. 

Esa poderosa fuerza de atracción de las agujas montañosas de Chamonix quedan reflejadas en pasajes del libro como este: "ir a ver los glaciares de Chamonix había sido iniciativa de Windham, pues según los rumores londinenses de segunda mano, eran sencillamente asombrosos. A pesar de la proximidad, sólo unos pocos ginebrinos habían ido a verlos; la mayor parte de los calvinistas acérrimos de esa ciudad creían que Dios había isto la necesidad de castigar a los rústicos y ateos habitantes de Chamonix enviándoles una plaga letárgica y duradera de ríos de hielo". 

En el film, destaca el personaje misterioso de Léa, interpretada por la bellísima Louise Bourgoin. Ese doble juego sensorial de Pierre entre la atracción a las montañas y a Léa conforman una primera parte pausada que eclosiona para bien en un segundo acto narrativo donde se introduce el elemento fantástico de forma sobresaliente. Para no crear `spoilers´, La Montaña es una de esas películas de cine de autor minimalistas y con exquisita parquedad de explicaciones. El espectador es llevado a un viaje iniciático de retinas, cargado de simbolismo, ecología y transformación personal. Si Pierre en las primeras escenas de la película maneja una mano robotizada (su trabajo es algo así como ingeniero de robótica), no se nos escapa el detalle brutal del resplandor del brazo mientras retorna a la civilización en los últimos fotogramas de la película (hasta aquí puedo leer sin hacer spoilers). Para mí, una pequeña joya.

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Atlantis (Valentyn Vasyanovych; Ucrania, 2019)

"Este de Ucrania, en un futuro próximo. Un desierto inadecuado para la habitación humana. Sergiy, un exsoldado que sufre de TEPT, tiene problemas para adaptarse a su nueva realidad: una vida hecha pedazos, una tierra en ruinas. Cuando el fundidor donde trabaja finalmente se apaga, encuentra una forma inesperada de hacer frente a unirse a la misión voluntaria Black Tulip dedicada a la exhumación de cadáveres de guerra. Por trabajando junto a Katya, entiende que un futuro mejor es posible. ¿Aprenderá a vivir sin guerra y aceptarse tal como es?"

Estamos ante una película de festival puro y duro. Más de 21 premios ha cosechado y con una vigencia tremenda dada la actualidad de la guerra de Rusia y Ucrania. Dado que se rodó antes de 2019 y de la guerra, estamos en una de esos casos en los que la realidad supera a la ficción, o mejor dicho, en los que la distopía se convierte en realidad. Rodada a partir de planos fijos (en total, son 28 planos fijos) que mezclan la crudeza y las contradicciones de la guerra, Atlantis tiene una fotografía grisácea, triste y plomiza que nos embarga a partir de los primeros planos. Por norma general, la cámara no se mueve y hay pocos primeros planos, algunos de ellos crudos como la `autopsia´ de un soldado en una sórdida morgue.

Pesimista hasta la desesperación, este cercano año 2025 se ha vuelto de una realidad casi insoportable, con los trastornos por estrés post traumáticos haciendo acto de presencia. Toda esta plétora de dolor, angustia y realidad han sido continuados por el director en su nueva Reflection (Vidblysk) que algunos tildan de una crudeza casi insoportable... porque bueno, al fin y al cabo, cuando algo se asemeja a lo real parece desvincularse del elemento ocioso / cultural y de entretenimiento. Por mi parte, Atlantis me ha parecido excelente como muestra verosímil de lo que supone el paso de un conflicto bélico tanto sobre la población como la psique de las personas, con unos planos trabajadísimos y unos recursos estéticos tan brillantes como cargados de tristeza casi documental.

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Flux Gourmet (Peter Strickland; Reino Unido, 2022)

"Un colectivo sonoro disfuncional – una banda dedicada a los sonidos de las artes culinarias – navega por rivalidades internas y externas en este absurdo y original festín para los sentidos del singular Peter Strickland."

Vuelve Strickland tras In Fabric y Berberian Sound Studio (tiene más, pero destaco estas dos). ¿Qué decir de Flux Gourmet?.... pues a Strickland o lo amas o lo odias, no creo que haya término medio. Todas sus obsesiones por el vestuario, el sonido, el fetichismo y la crítica social quedan volcadas de lleno en esta impresionante Flux Gourmet, tan plagada de detalles que daría para un libro. Desde las referencias a bacanales helénicas (esas voces en `off´ escatológicas en griego o alemán) que podrían recordar a un Passolini más divertido de lo habitual, al manejo del sonido que siempre hace Strickland en sus películas.

En cuanto al sonido, aquí se ha ido a otro nivel uniendo la comida con lo sonoro (colectivos sonoros disfuncionales) hasta el punto de que ciertas partes del film, cuando se explotan las performances de las bandas, llega a recordar a ciertos vídeos de Coil o Throbbing Gristle. Luego la multitud de referencias `extrañas´ siguen hasta el punto de que uno de los protagonistas se llama Billy Rubin (bilirrubina). Trastornos alimenticios, escatología pura y dura, aberrantes situaciones y un agudísimo tono de sátira son varios de los elementos en otra joya de la filmografía del inclasificable Stricklando.

Como digo, o lo amas o lo odias.

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Terminada la primera maratón. Mañana más si los astros son propicios.

32FANCINE: GALA INAUGURAL + LE VISITEUR DU FUTUR (9 de Noviembre)

"Ya al final de mi vida de pecador, mientras, canoso y decrépito como el mundo, espero el momento de perderme en el abismo sin fondo de la divinidad desierta y silenciosa, participando así de la luz inefable de las inteligencias angélicas, en esta celda del querido Cine Albéniz, donde aún me retiene mi cuerpo pesado y enfermo, me dispongo a dejar constancia sobre este pergamino de los hechos asombrosos y terribles que me fue dado presenciar en mi juventud, repitiendo cuanto vi y oí, y sin aventurar interpretación alguna, para dejar, en cierto modo, a los que vengan después (si es que antes no llega el Anticristo) signos de signos, sobre los que pueda ejercerse la plegaria del desciframiento.

El señor me concede la gracia de dar fiel testimonio de los acontecimientos que se produjeron en `X´ cuyo nombre incluso conviene ahora cubrir con un piadoso manto de silencio, hacia finales del año 2022, cuando el emperador Francisquito entró en Malaka para restaurar la dignidad del sacro imperio romano, según los designios del Altísimo y para confusión del infame usurpador simoníaco y heresiarca que en Aviñón deshonró el santo nombre del apóstol"

Así que lo primero que hago por tanto es pasarme por la caseta del Merchandising, recoger mi tarjeta de identificación como reporteril de Prensa Infame, y coger el Welcome Pack, que como doceavo año consecutivo que vengo haciendo, he decidido bautizar mejor como WELCOME BACK. Saludo a todo el personal al que tanto cariño se le ha ido cogiendo a lo largo de los años, ves los nervios reflejados en las caras y casi que te entran ganas de remangarte y ponerte a echar una mano con lo que sea... pegar carteles, repartir ansiolíticos o ayuda psicológica si se tercia. Se va a inaugurar la edición 32 de FANCINE y la calle está preciosa. La luz retro de los carteles del Albéniz casan a la perfección con los carteles de este año y todo el tinglado está preparado; me siento tranquilo, inspiro, y disfruto de esa enorme sensación de saberse `alejado´ del mundo, en tu propio espacio y desconectando de la realidad.

 Fancine es mi PENITENCIA.

“- Penitenziagite.
- ¿Qué significa?
- Que el jorobado, sin duda, fue un hereje alguna vez. Penitenziagite era el grito de batalla de los Dolcinites.
- ¿Dolcinites? ¿Quiénes eran, Maestro?
- Los que creían en la pobreza de Cristo. También los Franciscanos. Pero decían que todos debían ser pobres. Así que asesinaron a los ricos.”

(The Welcome BACK)

Doceavo año consecutivo, y mi butaca es la número 12, primera Fila. La Gala, animada por el desparpajo del malagueño inclasificable SpokSponha se come con patatas a la rigidez de Corbacho el año pasado (lo noté un poco perdido al hombre)... muchísimo más suelto SpokSponha moviéndose en territorio puramente Malagueño, soltando `gags´ de aroma retro en un escenario distópico, con las glosolalias vocales portentosas de Adriana Rogan que me dejaron totalmente encandilado junto a Daniel Blaskmith en esa silla siniestra que recuerda a Cronemberg en su última Crímenes del Futuro. Fabuloso. Sin duda, la mejor Gala (dirige 2 Bengalas, colabora UMAescena) que yo recuerde, y con lleno ABSOLUTO. Sobre la manera de cantar de Adriana... bueno, ya le decía Adso a Guillermo de Melk:

"- Maestro ¿Qué idioma hablaba?

- Todos los idiomas y ninguno."

Por cierto, el desfile tremendo, sobre todo ese maravilloso traje con olor a Aspitos de Tecla Lumbreras y tengo que decir, QUE ME HE ENAMORADO. Sí, sin duda... amor a primera vista, así que tengo que decirme eso de:

"- Estás enamorado.

- ¿Eso es malo?

- Para un monje, presenta ciertos problemas.

- ¿No predicó Santo Tomás de Aquino el amor por sobre todas las virtudes?

- Sí. El amor a Dios, Adso. El amor a Dios.

- ¿Y el amor a la mujer?

- Sobre la mujer, Santo Tomás de Aquino sabía muy poco. Las escrituras son claras. Querido Adso, ¿no confundirás el amor con la lujuria?"

Se da paso a la Película Inaugural y sigo debatiendo si verbalizar mi amor o callármelo para siempre como algo Platónico. Os dejo una pequeña galería de fotos:

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The Visitor from the Future / LE VISITEUR DU FUTUR (François Descraques; Francia, 2022)

2555 D.C. La civilización tal y como la conocemos se ha derrumbado a causa de un desastre ecológico. Los pocos humanos que quedan sobreviven en el inframundo. El Visitante viaja en el tiempo para encontrar a la joven Alice, cuyo padre está construyendo una central nuclear, responsable de la catástrofe que se avecina. Para el Visitante, su padre tiene que morir: es la única manera de evitar este inevitable apocalipsis y de salvar el mundo.

Basada en la webserie de culto del mismo nombre que se emitiera de 2009 a 2014, recupera a Florint Dorin (parece sacado de un cómic Metal Hurlant), el propio Raphaël Descraques y al fantástico Slimane-Baptiste Berhoun como el Doctor Henry Castafolte. Ese trío de la serie se mantiene en un film apto para todos los públicos, muy desenfadado y plagado de humor a la francesa. La serie tendría tanto éxito que existen `spin-offs´ en forma de cómic como La Brigade Temporelle con guiones Descraques y dibujo de Guillaume Lapeyre. Ocho años después de acabarse la cuarta y última temporada de la serie, el realizador francés pone toda la carne en el asador y lo que a priori podría haber sido una película con el tono de bajo presupuesto de la serie, se torna aquí en todo lo contrario... y ojito que este tipo de productos si tienen éxito acaban convirtiéndose en franquicia.

Bien realizada, buenos efectos especiales y a pesar de ese buenrollismo que transmite este tipo de films, lo suficientemente interesante para dar un pasito mas allá de lo palomitero. Peleas de Kung-Fu, trazas apocalípticas a lo Mad Max, momentos de Space Opera como esas tabernas de El Mundo del Fin, algunos gags muy conseguidos e hilarantes.... en definitiva, todo un pastiche que acaba funcionando porque crea un universo propio fluido, casi diría que dirigido a adolescentes. Por cierto, me he puesto un capítulo de la webserie y tiene muchísimo encanto pero es alucinante cómo esos episodios de corta duración ultra caseros han acabado convirtiéndose en la película que he visto hoy. 

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Mañana comienzan las maratones. Cojo el bus y sigo sin poder quitarme de la cabeza a Tecla y el traje de Neón Aspito pero tengo miedo... en mi mente resuenan las palabras del inquisidor Ubertino de Casale y decido que es mejor no demostrar mi amor y dejármelo por dentro: 

“Había algo femenino, algo diabólico en el joven que murió. Tenía los ojos de una joven ansiosa por copular con el demonio.”

FANCINE 32: EL RECICLAJE QUE SE TRAGÓ AL FRÍO...

Antes de iniciarme por los senderos de #32Fancine, me gustaría aclarar que ningún animal ha sido dañado para escribir este texto; la tinta digital que estás leyendo es reciclada de diversos post antiguos y la energía para encender el PC proviene de fermentar mi propio cerebro durante una semana. Dicho lo cual, me gustaría saludarte a tí, querido lector o lectora y darte la enhorabuena porque has sido seleccionad@ para un reciclaje mortal (las instrucciones te llegarán con la vejez posiblemente, ya te iré contando).

Bien. Aquí estamos por DOCEAVO año consecutivo, que no es poco. Mañana inauguro nueva edición Fancinera con Gala y la proyección de The Visitor From the Future (François Descraques; Francia, 2022).... pero en vez de hacerle caso a dicho título, no nos vayamos al futuro y transitemos un poco por lo ya hoyado este año. Celebrar Fancine se ha establecido ya por derecho propio como una cita ineludible para mí, de tal suerte que he logrado algo que no es baladí: integrar el festival no solo en mi familia y entorno, sino también en mi trabajo. Y me explico.

Sin entrar en demasiados detalles, a fuerza de tesón y cabezonería, mi entorno laboral sabe que esta fecha es ya sagrada en mi agenda y se me han abierto incluso posibilidades de cambio / mejora laboral que ni han contemplado mis superiores porque repito, `han integrado en su psique que yo soy YO + MI PERSONALIDAD´. ¿Es posible eso en un mundo ultra rígido como el de hoy? ¿no deberían mandarme a donde picó el pollo?.... todo tipo de respuestas pueden tener cabida pero yo te digo que si te esfuerzas en ser tú y lo que te gusta en tu vida diaria, a la larga (puede que no hoy, ni mañana, ni este año ni el que viene) verás cómo no pierdes ese bien tan preciado que se llama `individualidad´ y que engloba tus gustos, tus pasiones y en definitiva, lo que hacen que no seas aquel o aquella sino TÚ. Cuando consigues eso subes un escalón hacia tu propia realización personal, te ganas el respeto (a fuerza de trabajo, no vaya nadie a creerse que a mí se me regala nada) durante todo un año previo y encima no diluyes tu personalidad en la nada. 

Esto de la dilución de la personalidad en la nada es lo que ocurre cuando la gente se empareja y se dejan llevar en demasía por los gustos de la otra parte. Es lo que ocurre cuando te vistes de tal o cual tribu urbana simplemente para agradar o cuando siempre dices SÍ cuando debieras plantarte y hacerte querer. Cuando te haces querer, la rueda Kármica adquiere velocidades de vértigo y nada ni nadie puede venir y decirte: `es que el trabajo es más importante que el cine´, o `ya dejarás de escuchar esa música cuando tengas X años´. Estoy cansado de ver a viejos mentales de 30 y pocos años, capados psicológicamente por el simple hecho del masivo acomodamiento de `la supuesta normalidad´. Me dicen en mi curro que `no es normal ver 30 películas seguidas´. Me lo dicen al siguiente año, y al otro y al otro. Al onceavo y ahora doceavo, se apartan determinadas actividades laborales centradas en mi persona porque YO y FANCINE somos uno solo... y oigan, eso dignifica. 

Pero, ¿por qué hago esto?. Sin duda, me sería más cómodo apartarme de las letras estas que al fin y al cabo son un pasatiempo (algunos dirán BLOG DE MIERDA). Respuesta simple: el Blog es otra parte de mi YO, y por tanto debe si puede ir a donde yo vaya para que mis moléculas encajen cada cual en su sitio. Mi primera pseudo-cita oficial con mi pareja fue a ver CUBE en Fancine, imagináos el grado de importancia en mi escala de valores. Sala del Teatro Alameda a rebosar, ambiente desasosegante y como un cañón esa primera escena acojonante del film de Vicenzo Natali en la que reducen a cuadritos de carne al personaje inicial. Parpadeo y veo a Olaf Ittenbach lanzar al aire unas camisetas en la presentación de Premutos y yo perder mi primer móvil Alcatel-Ladrillo que era exclusivamente para poder recibir las llamadas del SAS en mis primeros contratos. Vuelvo a parpadear y Jorge Grau es homenajeado en la proyección de No Profanar el Sueño de Los Muertos. Parpadeo: por allí anda estoico Pepe González Rubio. 

Parpadeo otra vez y en un velatorio Kike Mesa me regala el libro de Jess Franco..... tengo anécdotas para parar un tren pero me quedo sin duda en EL PRESENTE. Puedo contar cómo adolescente yo, una antigua miembro (OJO, alto estatus) del Campus Universitario, sentados delante, en la Gala Inaugural le decía a quien le acompañaba: "Pero ahora tenemos que ver una película?!!!"..... sí, señoras y señores, por aquellos entonces (hace quizás 20 años) la creme de la creme hacía su acto de presencia protocolario en las Galas y luego, afortunadamente, escondían las cabezas como los cangrejos ermitaños para dejar como únicos dueños y señores del cotarro a los que entienden de esto: LOS FANS DEL FANTÁSTICO Y DEL TERROR. Porque hay gente en el sitio y en el momento equivocado, sin duda y los que disfrutan esto son adictos como aquellos vampiros `sui generis´ de Abel Ferrara en The Addiction. Queremos más; y más y más y más. Porque somos insaciables. 

Queremos cine y que esa ominosa persiana que pende llamada Streaming deje un resquicio por el que respirar...  la cultura en el Malaka Thematic Park está cayendo en picado, y no podemos permitirlo. Hay que dar un golpe encima de la mesa, o un culazo encima de la butaca, y decir: "aquí estoy porque he venío". Y si alguien con un mínimo de decencia lee esto, antes de contratar a cualquier francotirador de tres al cuarto, haga autocrítica y me nombre actividades que pueden hacerse en Málaga quitando el deglutir y la digestión. Hemos sobrevivido a tantas zancadillas que todavía, como en The Human Centipede, nos podemos apoyar en otro pie; y si nos hacen otra zancadilla.... pues tenemos otro, y otro, y otro, y otro, y otro, y otro, y otro, y otro.....................................

Coronel Mortimer, a 8 de Noviembre de 2022 a las 16,40 finiquitándome un Rooibos con pimienta y sonando Joe McPhee al saxo. Humedad relativa de 34% y temperatura imagino que normal porque no llevo camiseta. Mitocondrias al 60% de actividad, papilas gustativas en descenso degustativo. Nivel fecal medio, nariz despejada y sin rastro microbiano. Posibilidades de orinar en la próxima media hora del 40%, posibilidades de llorar en la próxima media hora del 20%, posibilidades de eyacul

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THE BLEAK PICTURE - "SONGS OF LONGING promo text" (ALONE RECORDS, 2022)

A place where Finish Death/Doom meets with England Gothic Rock born after `no wave´ scene are the point of departure of the jaw dropping debut Ep of The Bleak Picture “Songs of Longing”, such a perfect mix of early Katatonia constructed by the lightning feeling of superb melodies of the keyboards and guitars as sharp that could cut permafrost. Jussi Hänninen of missed cult act Fall of the Leafe join parts with Tero Ruohonen (Autumnfall) in this absolutely must have for fans of the genre that looks for something different without loosing the essence.

But do not fool yourself. Even this is old school rooted it´s not a simply recovering of the past but a new beginning. Looking for future without forgetting the past, The Bleak Picture are the tears that becomes the oceans that rains in your decrepit faces. A coin with two equal sides that point your destiny underground.

Mid paced tempos with groovy keyboards in the same vein of Joy Division, Bauhaus or Fields of the Nephilim. Grunts as stones (think of Officium Triste) and clear vocals surrounded by the feeling of misery, all in a thick wall of sound mastered by mighty Dan Swanö at Unisound AB and exquisite and old school artwork. 

Truly recommended.

https://alonerecordsshop.com/collections/releases/products/the-bleak-picture-songs-for-longing-ep-clear-pre-order

JORGE MARREDO - "白左 BAIZUO" (LIQUEN RECORDS LRCASS022, 2022)

Liquen Records se sale por la tangente con una `rara avis´ en su catálogo. Si bien electrónica y electroacústica están bastante presentes siempre en las ediciones del sello Valenciano, ha sido con esta cassette de Jorge Marredo que se lanzan a la piscina de barro electromagnético en su más pura esencia finales de los 80, principios de los 90, haciendo paradas más que sensibles en la electrónica alemana de los 70. Para no aburrir con datos genealógicos enlazo a la página del sello para que leáis su currículum) y he ido picoteando cosas de Marredo a lo largo de los años, como alguna colaboración / participación en álbumes de Antonio Murga o proyectos como Satisfacción Lab (con actuaciones aquí y allá con nada más y nada menos que Arín Dodó) o West Acorn (que saldría en la ya bastante agotada colección en Cintas Chromo). Bajo su propio nombre sí que controlo dos discos que saldrían en 2013 y 2014 respectivamente; Uéyiga en Audiotalaia y Dikr como Obleah en Gruppo Ungido que por desgracia no he llegado nunca a encontrarla estando descatalogada desde que tengo uso de razón (y por cierto, alucinante la portada).

No es hasta Baizuo que he tenido la ocasión de empaparme a fondo de la electrónica de Jorge Marredo, cuyos estudios de antropología y psicología acaban impregnando muchísimo su obra; ya sea como bien digo la portada de Dikr o el uso de determinados términos más o menos atávicos como Uéyiga (huella) o en este caso algo tan profundo y que daría para artículo propio como lo es BAIZUO o WOKE. Para no tener yo que soltar aquí una parrafada de etnología, antropología y sociología modernas, enlazo del tirón a lo más completo que he encontrado sobre BAIZUO y sigo contextualizando.

Algo flota en las texturas de esta cinta que me recuerda muchísimo a las obras DIY de Yunclas que os he ido trayendo a lo largo de los años: Quebraes, A Train to Finland, De Lingua Ad Mortem, Tripalium Ligatium o la maravillosa colaboración con Ana Arenas llamada Luddita  por nombrar solo algunos de los principales proyectos y ediciones. Si bien en Yunclas hay un regusto malsano por el Proto Techno y  lo social/comportamental, también se hacía un excelente uso de las grabaciones de campo tal y como se escucha en las oxidadas pátinas Kosmische de Baizuo. No estoy diciendo que exista activismo de ningún tipo en la música de Jorge Marredo pero el modus operandi, el cómo usa sintetizadores, manipulación sonora, objetos y grabaciones de campo para crear un objeto de cierta `intelectualidad terrorista sonora´ me parecen con mucho más sentido que la gran mayoría de cintas de este tipo que salen al mercado sin un andamiaje que las vertebre. La elección de títulos y detalles retrotraen a cuando la electrónica de combate en este país era sesuda y contrarrestaba la vacuidad insustancial del Pop. Cierto es que en este caso no estamos buceando por psiques enfermas como en el Power Electronics o el Death Industrial, pero sí que hay un bestial trabajo de investigación en Baizuo para quien quiera no solo lo musical.

Se basta sola la cita del interior de la cinta para ponernos en la longitud de onda adecuada:

«Las ideas de la clase dominante son las ideas dominantes en cada época; o, dicho en otros términos, la clase que ejerce el poder material dominante en la sociedad es, al mismo tiempo, su poder espiritual dominante. La clase que tiene a su disposición los medios para la producción material dispone con ello, al mismo tiempo, de los medios para la producción espiritual, lo que hace que se le sometan, al propio tiempo, por término medio, las ideas de quienes carecen de los medios necesarios para producir espiritualmente.» Karl Marx y Friedrich Engels: Feuerbach. Oposición entre las concepciones materialista e idealista. La ideología alemana.

Mentaba más arriba algo de la Kosmische. Bueno, creo que es más que palpable entroncar esta cinta con los festivales TAGOMAGO, con ese sonido (más limpio) espacial y ambient de Polígono Hindú Astral, Sentionaut, MKM.... en definitiva, la Tierra se eventra al Cosmos (o al revés, dependiendo del lado de la atmósfera en que te sitúes) a través de una hernia en la escena valenciana experimental post `Ruta Destroy´ y no digo que se herede algo de aquello, pero me gusta poner las coordenadas en el mapa además de que bueno, las máquinas son las máquinas y cada uno las tunea a placer.  Figura clave para mí es por supuesto Julio Tornero (Antiguo Régimen, Polígono Hindú Astral, Tornische, Zotal...) pero tampoco quiero enredar el asunto demasiado.

En este caso, Marredo recuerda a Piñango, el añorado Juan Antonio Nieto, Miguel A. Ruiz y otras bestias pardas de la electrónica más guerrera arrasando con cualquier atisbo de `beat de club´ y calzándose un traje espacial erosionado y muy apocalíptico.... bueno no, porque "#Hashtag" sí que invita a una suerte de danza hipnótica. Fabuloso ese crescendo que va arropándose de toques a los Coil más rarunos, la manera en la que se va descomponiendo la melodía y unos racimos percusivos de aroma oriental se van viendo acorralados por un comedido Harsh Wall, elemento que junto al Noise arremeten en "Corrección Política"... vaivenes de Power Electronics e Industrial que con auriculares adquieren textura acuática. 

(portada de DIKR editado en GRUPPO UNGIDO)

Aquí tengo que citar a Throbbing Gristle sin lugar a dudas y en la concreta "Buscar Opinión" me visto de Diseño Corbussier y de Eduardo Polonio. Ondas serradas y un pulso constante en vaivenes electromagnéticos que emulan carracas de movimiento perpetuo. Me gustaría ver el proceso de creación porque la manipulación de objetos es más que evidente, cosa que siempre me ha seducido cuando voy a los directos. 

Cierra la Cara A "WOKE DEI", musicalmente en la senda de la anterior (quizás algo más Industrial a lo Esplendor Geométrico) pero lo que me tiene mentalmente atrancado es el significado de su título. El surgimiento de nuevos lenguajes, nuevas religiones, nuevos códigos y yo, sin saber si estoy metido de lleno en una novela distópica, enredado con términos como `The Church of Woke´, `DEI (Diversity, Equity, Inclusion)´.... palabras que se tornan trampas en sí mismas, neologismos extraños, eufemismos propagandísticos y George Orwell de por medio. Traedme mi dosis de Risperdal.

"Culto a la Diferencia" abre la Cara B. Aluvión de Kosmische en estado puro que te deja un regusto retro-futurista brutal. Como llevar las ensoñaciones planeadoras del Kraut a un punto de no retorno donde lo humano y lo inhumano tan solo se diferencian por códigos abstractos de difícil comprensión, brilla un vaivén percusivo y una melodía deformada al extremo. En una Rave pasada de vueltas esto sería el paso de la arritmia a la asistolia; si eres capaz de vivir con el corazón parado (todo es ponerse), bienvenido a "Culto a la Minoría". Barroquismos, grabaciones de campo y un sonido apelmazado que resulta de coger las raíces de sonidos romos (sus lexemas o morfemas) y ponerlos a bailar en un campo gravitacional. Los siete minutos y pico de "L´eterna Danza Molecolare" siguen con el `leit motiv´ de la danza, homenajeando ni más ni menos que a Franco Battiato y uniendo de manera soberbia el Dark Ambient con la Kosmische. 

Permítanme que me acuerde de Vuelo Químico de los olvidadísimos Neuronium.

Por lo demás, de los mejores trabajos electrónicos que he catado este año.

http://liquenrecords.com/2021/10/17/jorge-marredo-baizuo/

https://jmarredo.bandcamp.com/

ARS ONIRICA - "II:LOST" (ARDUA MUSIC 006CD; 2022)

NO PEACE ABOVE

NO CHAOS BELOW

Si bien ARS ONIRICA parece datar de 2003 con la publicación de una demo y formación de cuarteto, creo que lo más sensato es olvidarse de todo eso, recortar el logo quese mantiene y la figura del italiano Alessandro Sforza, que sea por las razones que sea, decide volver a la palestra en 2018 como único integrante editando I: Cold por BadMoodMan Music, disco que recoge buenas críticas tanto especializadas como del respetable aunque tengo que reconocer que no lo he escuchado siendo mi primer contacto el reciente II: Lost aunque bueno, esto no es del todo cierto. Hace unas semanas os traía por aquí la reseña de su proyecto principal INVERNOIR y su debut (Funere/BadMoodMan Music) titulado The Void and the Unbereable Loss.

Volvamos a Ars Onirica (que se traduce como `Arte de los Sueños´). ARDUA MUSIC, sello expecializado en Doom Metal (ex The Vinyl Division), se encarga de la edición en un trabajadísimo Digipack de 8 paneles con portada del fotógrafo francés Robert Demachy (1859-1936) con una curiosa técnica de manipulación que las hace parecer pinturas. La que ilustra la portada es de 1899 y se titula `Autumn´. En el resto del apartado técnico tenemos la grabación en los Blue Ocean Recording Studio, apuntillando el resto del artwork Adhiira Art. Todos los instrumentos los toca Alessandro Sforza y lo que es más sorprendente, suena orgánico y de una pieza, algo no muy habitual en este tipo de propuestas.

Vale, pero... ¿a qué suena Ars Onirica?. La pregunta es fácil y difícil a partes iguales. Encuadrado sin duda dentro del Death/Doom, a lo largo de los 40 minutos del álbum hay una sutileza en el sonido que lo depura bastante hasta el punto de que en un mismo corte encuentres trazas tanto de la escena inglesa como, y sobre todo, la finlandesa de Swallow the Sun, los pasajes más góticos y atmosféricos de los últimos Katatonia e incluso lo que considero influencias muy soterradas más Dark de los italianos Canaan (ojo, esto es algo que solo sale a relucir en un sustrato muy profundo). El uso de las guitarras es clave, muy melódicas tanto en las eléctricas como en el uso a lo Opeth de las acústicas; la base rítmica sencilla pero plúmbea sirve de sustento a una versatilidad vocal (nuevamente Swallow the Sun o bandas de nuevo cuño como los Clouds) que va de lo gutural o lo límpido (me gusta más esta descripción porque le da `pureza´ al resultado). 

Abren los 3 minutos y medio de acústica, sábana sugerente de teclados (simples, efectivos e in crescendo) y voces limpias "Cold". Flota en el ambiente algo de los Novembre e incluso la etapa de Anathema posterior al Alternative 4... un Doom de corte gótico muy bien ejecutado, algo que queda patente con las dobles voces etéreas a modo de coro (me parece estar escuchando algún corte apócrifo del Judgement de Anathema). "My Heart... Your Tomb" empieza atronador, con un riff de guitarra al más puro estilo My Dying Bride del The Wreckage of  My Flesh, con voces guturales excelentes y luego cambio de registro a tonos más a lo Akerfeldt. Es cierto que cuando vienen las partes más sosegadas esa escuela de la que son maestros Katatonia salen a relucir, pero Ars Onirica sabe cómo mezclar géneros y en el minuto 2,50 y algo se baja el tempo a tonos casi de Funeral Doom, con un teclado que pasa a primer plano y percusión al ralentí. Nada más que por ese cambio de ritmo II: Lost me gana completamente. 

Que es un disco de guitarras lo demuestra la impresionante línea de guitarra que abre "Daydream", con el resto de instrumentos puestos ahí a un pasito muy corto del Death Melódico sueco. Voces algo más agudas sin llegar al Black y ese permafrost melancólico de los últimos Swallow the Sun. Es muy complicado darse cuenta de que está todo compuesto por el propio Alessandro... la sensación final es la de banda, lo cual creo que es muy positivo, como positivo es el interludio de samplers y guitarras dobles (una acoplada y otra en toques procesionarios), y por cierto, fenomenal la percusión justo antes de lanzarse a una galopada comedida pseudo Black. Si bien sería un grave error decir que esto es original, la sensación palpable de que lo has oído antes no entorpece para nada el disfrute, así que no por ello es menos impresionante el discazo que se ha marcado Alessandro con Ars Onirica. Como preferir, prefiero cuando sale más el teclado y los tonos son más lentos, ejemplo la fantástica "Regret" con largo inicio instrumental donde la guitarra se sale (recuerda al primer disco de Yearning) y reiterar, buenísimas las voces en los registros limpios (clave de que el disco se sostenga). El `tapping´ de la guitarra simplemente para enmarcar.

"Forever and a Day" son 9 minutazos con un comienzo que sí que es más complicado de encasillar. Para mi gusto y de largo, el corte más épico y que más sensaciones a flor de piel expresa. Viene a ser como un destilado de todo lo anterior pero puesto de gala; parones acústicos a lo Opeth, arranques pausados de Death/Doom finlandés y una ultrapegadiza maraña de mini-melodías que se te pegan a los tegumentos. Excelente por cierto cómo se va fundiendo todo en un remedo de Prog Doom cuasi sinfónico y Canterbury al final. Sigue "Together... Alone", correcta pero que enterrada como está entre la anterior y el fabuloso final no me dice demasiado; me quedo sin duda con "On The Wall" y su cadencia cuasi marcial, redondeando un disco de notable alto con pocas pegas (quizás algunos riffs de guitarra se parezcan demasiado entre sí al final o incluso a los de Invernoir aunque la verdad es que también es cierto que parece como si se conectaran con el inicio del álbum). 

El final del disco es épico como tienen que ser los finales, rodeado de ese aroma a redención que es mitad sangre, mitad lluvia mojada. II: Lost es un impresionante ejercicio de Doom melódico que sin salirse de la zona de confort alcanza unas cotas de calidad bastante altas para ser un proyecto de un solo músico. Recomendado para seguidores de las bandas mencionadas y para amantes de la tristeza generalizada. Para cualquier duda consulte a su Farmacéutico Musical.

https://www.arduamusic.com/ars-onirica-ii-lost-cd-digipack

THE SLUMBERING - "LOOKING FOR SORROW WITHIN ONE´S FEAR" (AESTHETIC DEATH ADCD 085, 2022)

Ante todo, recomiendo que si no tienes las orejas abiertas no sigas con este texto. Si te gusta experimentar, bienvenido seas y no pegues portazos. Hace unos meses os presentaba al artista inglés Clint Listing con motivo de la colaboración Kadaver / Listing (reseña aquí) editada por Aesthetic Death, donde ya daba algunas pinceladas sobre su figura: mente creativa tras el sello americano ultra obscuro Dragon Flight Recordings que luego pasaría a llamarse Beauty and Pain, y que está especializado en Dark Ambient, Noise y otras lindeces. Si bien en solitario tiene bastantes proyectos como The Slumbering, que es el que hoy os presento, yo particularmente lo conozco de Black Depths Grey Waves (2011) y sobre todo los olvidadísimos Long Winters' Stare, formados en 1996 y que si mal no recuerdo (no tengo nada original de ellos) tocaban un Doom muy experimental. Activo en la escena por casi 35 años entre sellos, fanzines, bandas y un sinfín más de historias, lo mejor es que os déis una vuelta por aquí:

https://thedoorwayto.com/

Para comprender un poco toda esta escena del Harsh Doom Noise creo que es figura clave tal y como cité en la reseña de Kadaver / Listing los proyectos ya bastante olvidados de Stjin Van Cauter de Until Death Overtakes Me como eran Fall of the Grey Winged One, Cold Aeon, Dreams of Dying Stars, Organium o The Cold Aeon donde precisamente militaba otra figura extrañísima (circa año 2000) que era un tal E.M Hearst que se marcara unos herméticos álbumes de Drone Funeral Doom con Torture Wheel, Wraith of the Ropes o el proyecto The Nulll Collective. Esa escena áspera de Noise Doom tenía más variantes... sin duda por un lado los canadienses Zaraza, y otro músico críptico que respondía al nombre de S.P. White que con una fluidez pasmosa sacaba discos con Uncertainty Principle o An Audience of None. Para comprender del todo esta micro-escena o micro-estilo, intento describirlo de la manera más simple posible: sonido muy Industrial, con bastante distorsión de pedaleras de guitarras, baterías en general programadas y voces bastante tratadas, todo ello llevado al extremo de la lentitud y primando la atmósfera y cierto tono cósmico. Sigo un poco.

Para rizar el rizo, por aquella época (estamos hablando de inicios del año 2000) sale un disco que me vuela la cabeza de un tal Vidar Ermesjø que forma dos proyectos clave; uno es Hjarnidaudi con dos discazos como son Pain:Noise:March (Paradigms Recordings de 2006, y reeditado en 2008 por Avantgarde Music con voces de Niklas Kvarforth de Shining), y Psykostarevoid (Music Fear Satan, 2009). El otro proyecto es HLIDOLF y el disco V01d.... opresivo y angustioso Drone Ambient que es la única edicion de un subsello llamado DFRDoom que como podréis adivinar, es un subsello de Dragon Flight Recordings de Clint Listing.... así que bueno, creo que como culebrón han quedado bonitos estos tres párrafos y espero que os ayuden a entrar en una parte bastante soterrada de la música extrema.

En cuanto a The Slumbering, edita como no podía ser de otra manera Aesthetic Death. El álbum se titula Looking for Sorrow Within One´s Fear y básicamente es Clint Listing haciendo todos los instrumentos. Stijn Van Cauter se encarga de un diseño gráfico y el sonido se depura gracias a la masterización de Greg Chandler en los Priory Recording Studio. Investigando un poquito más llego a otro subsello inglés llamado Trepanation Records donde aparece otro trabajo de The Slumbering más reciente llamado End of Mortal Will en una limitadísima tirada de 50 cds y 20 cassettes. El sonido es áspero como una tetania inminente, con trazas del viejo Power Electronics y los MZ412 sin duda cruzados con lindeces más propias de Cold Meat Industry (Roger Karmanik) como Brighter Death Now y cosas así, aunque el sustrato que hay detrás lleve algo del Doom de toda la vida; 50 minutos cuyo inicio con "Daddy Doesn´t Love you Right?" podría recordar a los malsanos Sutcliffe Jügend: voces deformadas hacia el Black abriéndose paso a través de una trinchera / letrina abarrotada de miasma líquido electrificado de Harsh Noise. Muy de fondo una guitarra obsesiva y distorsionada (auriculares necesarios) se aparea con los sintes creando un estado meditativo, hipnótico y obsesivo. Es una misma melodía o bucle que vuelve una y otra vez como el oleaje de partículas en la atmósfera de un apócrifo planeta no cartografiado.

"III" es claro ejemplo de todo ese sonido abyecto que citaba arriba. Sintes abotargados y una voz al ralentí mascando una extraña homilía mientras que cortes como "Journey To The Cyclops Cantina" o el claustrofóbico "You Can´t Make it Better" abogan más por las texturas Industriales con vaivenes de potenciómetros que dan un alucinante toque espacial al asunto (no puedo quitarme de la cabeza los primerísimos trabajos de Uncertainty Principle como Grand Unification Energy). Por supuesto, a estas alturas si no eres de estos estilos extremos habrás abandonado el viaje pero seguirás si te gustan los primeros SPK, Throbbing Gristle y demás ciudadanos insignes. "Suffocation March Phase 1" y "Winter of Suffering"  son distintas y cambian un poco metiendo percusiones marciales y un tono más Funeral Doom, pero todo ello llevándolo muy mucho al extremo; lento pero melódico, pero sin ningún atisbo de compasión para el oyente. Voces o cánticos lejanos y vibraciones malignas en el ambiente, todo para prepararnos psíquicamente para la monstruosa "Conflict from the 6th Dimension", 14 minutos que suenan como si estuviera cagándote un agujero negro tras haberte hecho la digestión en un ciclópeo y adimensional paquete instestinal.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=5348