TIPOS FUERTES EN, UNA HISTORIA DE, CUARTETO FUERTE

I. ANTES |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||

Vamos a comenzar por el inicio. CUARTETO FUERTE es una formación de Jazz contemporáneo, fresco, con ramalazos Free y muy mucho de Jazz Rock (en estructuras), algo que suele ocurrir cuando a la base rítmica de tu grupo de jazz le metes un bajo eléctrico; yo no soy musicólogo, pero una buena parte del sonido se irá a los años de la fusión y otra se decantará posiblemente o bien por el Jazz Modal o bien por estructuras más Free (aquí ya depende de lo que suelan hacer los vientos si los hubiere). Bien, tomando eso como base hagamos un punto y aparte y viajemos en el tiempo un pelín atrás en el árbol genealógico de Juan Miguel Martín (bajo eléctrico) y comprenderemos un pelín mejor la evolución de este fabuloso proyecto... recalamos en Malheur. 

Malheur vienen a existir unos 5 años o así donde Juan G. Acosta (guitarra), Juan Miguel Martín (bajo) y Manuel Montenegro (batería) revolucionan el panorama del Jazz Rock sureño con tres discazos como lo fueron Dulcia Cum Amaris (Knockturne Records, 2013), Ausiliatrice (Knocturne Records, 2015) y su último La Boca Prestada (Blue Asteroid Records/Magma Series, 2017). Este fue su testamento discográfico, al que podemos añadirle la Demo que reseñé por aquí de cuando me sonaban más Post Roqueros y Psych o algunas actuaciones en directo como esta en el Clarence Jazz Club el 30 de Mayo de 2015 o poco después en el Reciento Eduardo Ocón de Málaga.

No sé si hastiados de repetir dichas sonoridades, o bien porque la virtuosidad de ambos solistas (guitarra y bajo) llegaron a su punto álgido de madurez, parten peras y forman sus propios proyectos. Acosta sigue con Naja Naja y Virtud Corona mientras que Juan Miguel Martín se une a Gustavo Domínguez (clarinete bajo), Álvaro Vieito (guitarra) y Nacho Megina (batería y percusión) en el debut homónimo de Cuarteto Fuerte (Titanical Records, 2019).

II. DURANTE |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||

En escasos 30 minutos asistimos a un Jazz muy técnico, plagado de barroquismos y una fuerza inusitada a los vientos como en la espectacular "Malpartido" que abre el disco. Una forma de tocar muy moderna a lo Flat Earth Society, Led Bib, Atomic y otras bandas de Jazz Rock pero quizás con la salvedad de que los exabruptos Free aquí son más comedidos. Destacan espectaculares momentos para el lucimiento de los solistas (Gustavo se sale con el solo) pero haciendo hincapié en las melodías de corte Noir que se consiguen gracias a la potentísima inventiva de la base rítmica; el bajo eléctrico de Juan Miguel es el percutor de una Mágnum y así ejerce en la apertura de "Perros Fuertes" cuya melodía es subrayada de forma excelente por el clarinete y espaciadas pero bien colocadas notas de guitarra. Unas veces la guitarra deja paso al clarinete o viceversa, en otras se lanzan a pequeñas mini jams muy efectivas.

Si me pongo en estado meditativo, capto esos aires Noir Psych Funk excelentes que habitaban en Malheur pero ampliados gracias a lo que les faltaba a aquellos... los vientos. "Hola, ¿Qué tal estás?" es pegadiza como carne de pollo dejada en la encimera de la cocina por dos días y resaltan los duelos clarinete y batería. Más abstracta pero con estructuras clásicas: planteamiento inicial de la melodía, algún puente para la rotación de los solistas y vuelta a la estructura inicial... pero todo tan rápido que la sensación de frescura y originalidad apagan cualquier atisbo de acomodamiento. Digamos que Cuarteto Fuerte salen de la zona de comfort en la que entraran los últimos Malheur. Así se suceden la minimalista "El Trabajo" repitiendo Ad Nauseam un mismo motivo melódico hasta que mutan luego en una excelsa jam tribal cargadísima de percusiones; cuando entra el clarinete me es casi imposible no acordarme de Hidden Forces Trio por razones evidentes. 

No sé si lo he comentado hasta ahora, pero la música es compuesta por Juan M. Martín, la portada del digipack es de Jesús Guisado y la grabación en Estudios La Mina. Sigo, fabuloso mini puente resucitando a Manicini en "Spectrum", mistérico y sincopado para preludiar la explosiva "Sofocos" con una crepuscular intervención de la guitarra que bordea el rock desértico. Por otro lado, hay que tener en cuenta que el uso del clarinete bajo en el Jazz siempre da texturas de Cámara, sonando a la vez antiguo y fresquísimo en el conjunto cuasi experimental sobre el que se desliza. Fabuloso fin de fiesta con "Una Mala Noche (Muerte en Vida" de un gran lirismo expresivo, estructura bastante más convencionales y que se une de forma sutil con "Els Democrats", con el bajo en estado de gracia, cabalgante y un tono en general bastante pausado, poniéndose fin a un gran disco al que la única pega que puedo ponerle es que no me gusta el orden de los temas. Creo que se hubiera beneficiado de algún que otro cambio terminando con algún corte algo más intenso.

III. DESPUÉS |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||

Por alguna razón que se me escapa, la formación muta para su siguiente Últimeit y al bajo y composiciones de Juan Miguel Martín se le añaden Fernando Caro a la batería, Bernardo Parrilla al saxo alto y el reputadísimo Javier Ortí al saxo tenor. Grabado en directo en la sede de Assejazz (Asociación Sevillana de Jazz), con mezcla de Manuel González (Artisónica), masteriza Trevor Coleman. El artwork es obra de María José Gallardo bajo diseño de Jesús Miguel Guisado nuevamente. Para la edición, SENTENCIA RECORDS.

"Excrecencia de la Evidencia" muestra a unos CUARTETO FUERTE más juguetones que de costumbre, dándole una vuelta de tuerca más jazzística al sonido más fusionado del primero disco, y por tanto en definitiva enclavándose dentro del Free Jazz. Así lo demuestran los impresionantes duelos solistas de Parrilla y Ortí. Un tempo acelerado en una apertura muy explosiva. Siguen los cabalgantes y sinuosos toques de "Borbones Bolivarianos"; el saxo alto se asordina y sincopa mientras una mistérica base rítmica imprime carácter. El saxo tenor y su melodioso tono suelta una fantástica melodía que atraviesa de parte a parte y todo sin perder el Swing gracias a esos tonos insistentes y punzantes del bajo. Menos sobrios, menos fusión rock, pero más Avantgarde sin duda con algo del regusto de las grabaciones de Atlantic (tanto de Coltrane como Coleman o Mingus) de mediados de los 60. Sin embargo, siguen quedando trazas moleculares como "Malpartido otra Vez" en que se vuelcan todos los instrumentos al más puro estilo de los noruego/suecos Atomic, es decir... mezcla perfecta de Hard Bop con explosivos arranques Free, espacios para las improvisaciones de los solistas pero manteniéndose el cordón umbilical con el rock a través de la electricidad inmanente del bajo.

Una de las características más potentes del sonido de CUARTETO FUERTE es que son melódicos y angulares a la vez (curioso porque es en paises norteños donde más se realiza esto con los citados Atomic, Spinifex o Jaga Jazzist). Algo de introspección en el lirismo de "Sedimentos de Pena", preciosa balada vertebrada a través de una sólida base rítmica (el bajo suena a contrabajo) y unos vientos que van creciendo desde los primeros pasos asordinados a un precioso clímax. Bello corte con pequeños acetábulos Zornianos a través de una sutil etimología Klezmer. Sigue "Cornucopia" que me recuerda a la martilleante forma de tocar de los Alamaailman Vasarat... las estructuras jazzísticas empiezan a difuminarse aquí para dar paso a más fusión de la que había mostrado hasta ahora el disco. 

Cerrando este recomendadísimo disco, "Castle Bravo" anticipa crepuscularmente y coqueteando con la clásica contemporénea (parece que los saxos suenan a acordeón) la fabulosa adaptación de Morricone "Il Giardino Delle Delizie" con todo un petardazo de Spy Jazz que arranca con un enchufadísimo bajo y melodías de los saxos al más puro estilo Library Music. Impresionante cierre con interludio que quita el hipo. Ultra recomendado.

Y bueno, lo que tenga que venir, vendrá. Que nos pille fuertes.

https://sentenciarecords.bandcamp.com/

https://cuartetofuerte.bandcamp.com/album/cuarteto-fuerte

EL ÚLTIMO SOL - "ENTRE MUNDOS" (GRADUAL HATE RECORDS GH146, 2021)

Hoy vamos a realizar un viaje. Coged una moneda si es viaje de ida y vuelta (el jodido ferry del `Styx´ se está poniendo caro) y dos monedas si no pensáis volver (para que os las pongan encima de los ojos y eso). Ponemos nuestro Reloj Simbólico en ese punto resultante de triangular Pasado con Presente y poner como eje y vértice (Axis) lo `Atávico y Mítico´. Ese tiempo fuera del tiempo grande e incognoscible que nada tiene que ver con lo pretérito de uso común en el sentido estricto / lineal del término TIEMPO. El Futuro de momento no existe, porque cada vez que va a llegar es Presente, así que dejadlo como una calima existencial. Flota, se intuye pero no nos afeccta.... o sí, porque claro, todo futuro acaba siendo doblado y repetido en El Eterno Retorno. Dicho de otra forma, parece enrocar con el Pasado. Pero ojo, si os fijáis estoy dejando lo `Atávico y Mítico´ fuera de la fórmula y lo establezco como un Impulso Vital sólo accesible mediante determinados estados arcaicos del Ser o modificaciones del estado de Consciencia; es decir, lo Chamánico.

EL ÚLTIMO SOL es una agrupación de nuevo cuño pero que se compone de músicos con solera. Gemma A. y Daniel P. (miembro fundador de Árnica, Wihinei Rita, Ghazghkull y colaborador en estudio y directo de nada más y nada menos que Death In June, Allerseelen, Blood Axis o Traum´er Leben). Como podréis comprobar por los nombres citados, estamos ante nombres bastante potentes en la escena pero la particularidad de El Último Sol es conseguir sonido propio dentro de todo ese maremágnum de bandas que transitaran en plenos 90 (arriba o abajo) esos viejos pasajes musgosos que unen lo tradicional, lo rúnico y el neopaganismo. Como hay gente que se me pone nerviosa cuando trato determinados sonidos, si eres de los que precisan que todo se cuadricule y quepa en un cuadrado, mejor no sigas pero `Vive y Deja Morir´; aquí no se hablan de sesgos políticos ni visiones personales sino que se parte desde el máximo respeto a valorar el ARTE per sé. El resto queda dentro de la hormigonera Kármica de cada cual. Aquí, las RUEDAS SOLARES son ruedas solares y las Swastikas indican el camino a seguir en la Gingkana vital de cada cual. Resto de masturbaciones mentales podéis dejarlas aparte en el Cuenco Dádiva de Barro que uséis para las miasmas.

(edición especial con tótem de madera)

Como reflexión personal sí que me gustaría añadir algo. Es curioso como en esta nueva hornada de Neo Folk hay un punto diferencial con los creadores / pioneros del género. Sangre de Muérdago, Keltika Hispanna o los propios Árnica, casi que siempre encontramos alguna conexión con el Black Metal a través del árbol genealógico de los músicos. Veo ahí por ejemplo a Ghazghkull o me acuerdo de ColdWorld y Antlers (por la parte de Sangre de Muérdago) y pienso que en el fondo esa unión Celtíbera o Celtibérica / Paganismo y lo Rúnico tiene o tuvo una fuerte base en el Black Pagano patrio de Numen, Adhur, Aiumeen Basoa (por poner ejemplos que se me vienen muy rápido a la cabeza). Cuando los músicos que están en este tipo de agrupaciones van nutriéndose de lo acústico y ancestral van tendiendo a una forma de entender el Neofolk muy más acústico que los pioneros, que por lo general (cójase esto con pinzas) en sus etapas álgidas han tirado bastante de Ambient, Electrónica e incluso lo Industrial. Hecha mi paja mental, sigo.

Entre Mundos, que así se llama el disco, se define ante todo como un viaje. Lo iniciático y ritual está presente e impregna tan profundamente al disco que separar alguna de sus partes no funciona. Hay que disfrutarlo desde el inicio hasta el final y si lo pones en bucle el efecto se multiplica en cientos de miles de posibilidades psíquicas. Y vamos con los detalles; dos ediciones, una especial (que podéis ver en las imágenes) limitada a 30 copias y otra en precioso Digipack. Edita GRADUAL HATE RECORDS y SOLIFERRO, todo bajo los auspicios de la Asociación Raíz Ibérica. El fantástico diseño es de Cabeza de Lobo y el acabado sonoro, masterización y demás de André Eusebio. Pulso Play y se va la luz eléctrica... mi reproductor usa energía telúrica:

Tanto si El Último Sol que vemos es el de nuestros párpados cerrándose antes del deceso, como si se trata del último efluvio de calor del Astro Padre antes de extinguirse... o incluso si es el recambio solar anual y vuelta al comienzo cíclico y eterno retorno en el Fin del Año, estad por seguros que todas esas sensaciones váis a captarlas en la inicial "Nuevo Ciclo". Cascabeles, throat singing y bodhrán se mezclan con coros, cánticos y algún instrumento de cuerda tensándose al extremo. Aires marciales, sobrios y muy solemnes que van creciendo hasta el paroxismo con la entrada del sonido característico y aflautado de la zanfona (que se mantiene aquí en segundo plano). Los vellos de mis brazos apuntan a la Constelación de Orión y el de mi pubis al Magma Terráqueo.... estoy empalado de energía ilustre e ilustrosa y os juro que ahora podría partir piedras con el pensamiento. Todavía más marcial "Endrinos, Encinas y Robles" (juraría que estas tres palabras juntas las he escuchado en algún disco de Keltika Hispanna) con toques de tambor y la fantástica voz de Gema sobre la que caracolean efectos, toques de la zanfona, coros o ese mantra reptiliano que se te clava de: "endrinos, encinas y robles...". Dark Folk ejecutado a la perfección, con multitud de capas y pérdido cefalorraquídeo por mis fosas nasales.

Sigue "Legado" con algún instrumento eléctrico si no me equivoco (no sé si una guitarra) pero donde se pone todo el foco es en las voces de Gema que con su doble soliloquio aporta una potencia tremenda viéndose reforzada por la voz masculina en SpokenWord que aparece y desaparece de forma sincopada y dejando caer un texto de dobles sentidos, ritual y hermético. Se cambia el sonido en la homónima "El Último Sol - Que la Sangre Brote" mucho más atmosférica y lejana. Las voces y música parecen llegar desde algún lugar ultraterreno y discurrir por terrenos cercanos a proyectos como Rajna (no me atrevo a citar a Dead Can Dance) o quizás Deleyaman pero afortunadamente huyendo de las Heavenly Voices. A un pasito del World Folk, pero sin llegar a meterse en esa onda.

Sonidos de animales y la voz de Gema más melódica que en los primeros temas, "La Cacería" juega con simbolismos y una cadencia en lo musical donde lo percusivo sigue siendo el elemento principal pero siempre con esos languidos drones de la zanfona. Es curioso pero hay un minimalismo exquisito de una efectividad enorme... con poquísimos elementos El Último Sol te hacen viajar lo suficientemente alto como para temer la caída... caída que no llega porque la calidad se mantiene. "El Granado" y "Al Noroeste" (casi a capela salvo leves toques de percusión) muestran coqueteo con las fábulas narradas al sentir del calor de la hoguera ("guerrero, has traspasado el velo...."). 

Nos adentramos en el tramo final con la potentísima "Regreso", aplastante en su bélico inicio de tambores llamando a la batalla y un dueto de voces que junto a un drone de cuerdas mas leves notas de lo que parece un sinte o piano son como un ariete que va arremetiendo con todo lo que se encuentra por su paso. La zanfona se queda ensimismada en un loop acoplándose a las idas y venidas de los cantos estomacales de Daniel. Irrumpe una voz levemente procesada que figurativamente parece hablar de un regreso desde el plano astral de los muertos. Espiritualmente perdidos, estamos "Entre Mundos", una pieza de cadencias celtas (siempre he querido decir flotante Ska Celtíbérico.... vale, se me acaba de ocurrir) que se finiquita en esencia con "Ofrenda", toda una experiencia con auriculares sentir los cascabeles y percusión. Estamos preparando el sacrificio, la purga del espíritu y dibujando los geométricos ángulos con polvo del hueso de nuestros ancestros para preparar ese tour de force impresionante de nueve minutos llamado "Piel de Toro" que cierra y de qué manera una obra de arte musical. 

Resumir o describirla es matarla. Creo que ya he describo bastante... los cuchillos están dispuestos, la ceniza está sobre piel y los animales sienten la llamada. Habito entre mundos y el mundo habita dentro de mí... los tambores ciclópeos que adornan el cierre no tienen parangón. Si llevas armadura, real o psicológica, se te va a quebrar.

https://gradualhaterecords.bandcamp.com/album/entre-mundos

https://elultimosol.bandcamp.com/album/entre-mundos

“Cuaderno “SÓNICO” de Canciones de Romero Esteo / Composiciones dedicadas a Romero Esteo” (TEATRO CÁNOVAS)

"He decidido que hoy es un extraño día para Dejar de Morir" Coronel Mortimer (21 del 10 de Ahora Mismo)

Aterrizo en el Teatro Cánovas para el homenaje a la figura del gran, `maldito´ para algunos (ahora se lleva mucho ese término para todo lo que es ecléctico o se sale del estándard... tendríamos que hacérnoslo ver como Sociedad) Miguel Romero Esteo (en mis estanterías anda su premiado libro Tartessos) para asistir (organizado por la Asociación Miguel Romero Esteo) a la primera actuación del ciclo `Otoño MRE 2021´. Lo primero es que aunque lo sabía de antemano, no puedo más que lamentarme que no haya sido posible reproducir el acto de Rafael Díaz: “Romancero de la mar y los barcos”, con textos de Miguel Romero Esteo y música de Rafael Díaz (obra para voz, violín, clarinete Sib, guitarra y teclado electrónico), así que del tirón se da comienzo a la ritual obra mediúmnica de Reyes Oteo, a la sazón brutalmente inclasificable.

“Adonía eléctrica para Romero Esteo” Op. 65, para tres elementos sensores electroacústicos es un viaje iniciátivo a través de un salvaje, agreste universo mental en el que KittKittPEOW!!!, alter-ego de Reyes, ofrece sus Dádivas bio electro acústicas en un Altar Psicológico muy ceremonial. Anclado en lo distópico pero que no por ello carece de una salvaje inventiva primitiva, Tartéssica en suma, ata pasado, presente y futuro en una singularidad sonora a caballo entre lo Industrial y el Noise. Dionisíacos dopplers como puntos de anclaje con la realidad, el uso de láseres y biosamplers engrandecen lo que considero una obra digna de desligarse de cualquier contexto académico y por tanto representarse sola como lo que es, una gran muestra de la enorme inventiva de una artista visual, sonora y psiconauta que te hierve las sinapsis o te las criogeniza para posterior uso. La obra de arte total es esa, la fusión casi (a lo Cronemberg) del músico con su instrumento y viceversa. O instrumento antropomórfico o Diosa del Sonido, cada cual elige el epíteto que más le covenga.

Lástima que lo que aquí veréis son las únicas dos fotografías que se me permitió lanzar antes de que (y eso que las hice muy a escondidas) me llamaran la atención y me cortaran ambos meñiques con un láser que afortunadamente me devolvieron en hielo a la salida. Como digo, hubo momentos sublimes como el despliegue de las alas del traje junto a ese instrumento de hierro sonorificado que parece sacado de Cabeza Borradora; cada vez que se producía un movimiento de las alas cambiaba el vibrátil pulso sonoro en lo que me pareció un Proto Techno, especie de EBM (en el más oscurísimo sentido del término) alucinante que se mezclaba con interludios en los que sonaban instrumentos de cuerda de corte Gamelan, recitados y múltiples detalles. Como digo, IMPRESIONANTE.

A continuación, Pedro Barrientos presenta “Irreverente llamada” Extractor de espectros. para cuarteto vocal. Las glosolalias vocales tenores de Barrientos se entrelazaron con el barítono masculino y dos voces femeninas, una más teatral y la otra en tonos agudos (perdóneseme mi falta de conocimientos musicales a la hora de las descripciones) en una original y satírica muestra / homenaje a la faceta de dramaturgo de Esteo. Partes más sobrias se alternaban con momentos de hilaridad en lo que resultó un bipolar viaje cuasi Lynchiano en el que disfruté sobre todo de las partes más oníricas (esas declamaciones potentísimas de "Miguel, ven!!!"). Se jugó con el simbolismo que estaba presente en los trajes de los intérpretes (desde la cabaretera al mono de obra, pasando por el rígido traje de cantante de ópera o el futurista cuero de Mátrix).

El colofón lo puso Diana Pérez Custodio en su obra “De profundis” para clarinete contrabajo en Sib y octeto de contrabajos. Grave y fúnebre, con ecos a Arvo Pärto Penderecki, quedé extasiado ante las arremetidas abisales de ocho contrabajos sincronizados a la perfección, tocados con arco y cuyos marciales usos percusivos quedaban absolutamente fantásticos. Sensación de estar ante un litúrgico drone acústico donde el claustrofóbico Clarinete bajo servía de Caronte y unión entre los vivos y los muertos. Soberbio.

Termino satisfecho, cojo el petate existencial y me voy cagando soma a coger el bus nocturno. Gran evento.

EL LABERINTO DEL LEPISMA (43) - "La Vida y el Mundo de los Vaqueiros de Alzada (María Cátedra Tomás)

* La Vida y el Mundo de los Vaqueiros de Alzada / María Cátedra Tomás (Centro de Investigaciones Sociológicas, 1989) *

Impresionante trabajo monográfico dedicado a la etnia de los Vaqueiros de Alzada de la antropóloga María Cátedra, muy mentados en los diversos libros costumbristas o folklóricos de gente como Julio Caro Baroja y otros. A la sazón, espectacular análisis antropológico y social que me temo está tan descatalogado que he llegado a ver copias a tres cifras de precio, así que si lo véis a un precio decente no lo dudéis. En mi caso, no me ha costado nada... simplemente una caminata, un poco de suerte, y esa ávida arqueología/sexto sentido lepísmicos habituales. Tremendos nexos de unión entre la Vaca, la Vida y la Muerte, el costumbrismo de los Vaqueiros para una obra prácticamente inencontrable a precios humanos.

Copio y pego de la página del CIS porque creo lo definen mejor que yo: "A través del análisis de la base ecológico-cultural de braña y aldea, las formas de la transhumancia vaqueira, la naturaleza de su sociedad, sus conceptos sobre sí mismos y los otros, la relación del hombre y el animal y las asociaciones mentales a través de la vaca, este libro nos introduce con sencillez y sensibilidad, al mismo tiempo que con una rigurosa profundidad, en la vida y el mundo de un fascinante pueblo de pastores. Además, un capítulo introductorio proporciona el contexto tanto teórico como práctico y humano de la recogida del material y la información sobre la metodología seguida".

Por cierto, en la bibliografía se citan a ilustres como Lisón Tolosana, del que tengo algún que otro trabajo sobre la mitología de la Santa Compaña. 

 

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MANUAL DE COMBATE - "Mapas Auténticos del Mundo Imaginario. Mapas Imaginarios del Mundo Real" (I DON´T GIVE A FUCK, IMPERECEDERO RECORDS, IMÁGENES PAGANAS, CATALINA RECORDS; 2020)

"Nuestro antagonismo con respecto al capital es una realidad quedebemos hacer estallar"

Pongamos nuestro punto de mira en Santiago de Chile, año 2015 acoge el nacimiento del dúo MANUAL DE COMBATE formado por Gaspar Muñoz (también en formaciones como Endorado, Zat o Luxemburgo) y Mario Valecillo (Endorado, Bosque). Haciendo una lectura profunda de la maravillosa entrevista que se les realiza para el cuarto número del Fanzine I DON´T GIVE A FUCK (del que pronto espero daros un largo texto), averiguo que su nombre viene (o se inspira, o lo que fuere) de la abreviación M.D.C. (usada por la agrupación americana Millions of Dead Cops, y que no puedo evitar hacer una hipérbole con los Noise/Industrial/Techno griegos y muy recomendables Millions of Dead Tourists). Como tantas y tantas bandas que nacen, lo primero es vertebrar el sonido así que se basan en bajo y batería para esos primeras grabaciones que si no me equivoco vienen a ser un Split con Televidencia llamado Exposiciones Paralelas sobre Psiquiatría y lo que creo fue su Ep debut Asociación por el Retraso del Tiempo.

Según la entrevista que leo, no es hasta 2018 en que la formación se amplía primero a trío con la trompeta de Matías y posteriormente a cuarteto con el saxo / accesorios de Julio. El Hardcore Punk primitivista de trabajos como No Split! (junto a Siwomat) en 2020 ya muestra toda la riqueza de una banda que, ahora sí, podría definirse como ese Punk Noise tan característico que podría recordar a agrupaciones como Dead Neanderthals pero salvaguardando las distancias y procedencias de cada cual. Si los holandeses a veces son fríos como el permafrost, Manual de Combate son calientes como quitarte un jodido tatuaje con un soplete... y es que desde esa primera molécula hardcoreta se va mutando poco a poco a un mucho más estilizado sonido imbuido de agreste Free Jazz combativo. No me veo capacitado para hablaros de los discos que se van sucediendo entre el período de 2016-2020 porque básicamente no las he escuchado, así que me voy directamente al artefacto que tengo en las manos, un vinilo con el fantástico nombre de Mapas Auténticos del Mundo Imaginario, Mapas Imaginarios del Mundo Real que se edita en régimen de coedición entre Imperecedero Records (junto a Imágenes Paganas sacan la versión cassette), I Don´t Give a Fuck y Catalina Records. 

El resto de créditos se los lleva la grabación en Casa Brasil (Agosto 2019), mezcla en Ciudad Autónoma de Buenos Aires por Nahuel Martínez, Estudios del Valle, y la masterización de Milo Gomberoff (Estudio Hukot, Barcelona). El diseño es obra de Caro Lagos C. que también hace voces con Nahuel Martínez y Francisca Parada.

Tras decenas de escuchas hay algo en Manual de Combate muy curioso. A los seguidores más acérrimos del Hardcore Punk quizás les resulte demasiado pulido pero jesto es esa curiosa aleación Avantgarde con los vientos lo que los convierte en una delicia musical con regusto a bilis (básicamente porque bajo y batería también pueden perfectamente comulgar en una agrupación de Math o Post Rock); de esta forma, las soflamas declamatorias de las letras adquieren la potencia del Napalm incendiado con mucha mayor fuerza que los sonidos más estridentes y metaleros de otras propuestas como el Crust. Eso sí, no me entendáis mal porque MdC tienen (y mucho) posicionamiento político como así se demuestra en el artículo sobre las revueltas en Chile en 2019 pero como he comentado antes, eso quedará para cuando hable del Zine.

El disco se abre con dos temas unidos; el primero de ellos es "Deus Ex Machina II/A: Desencuentro" con notas lejanas del bajo, suaves devaneos de la trompeta y la voz de Carlo Lagos recitando un maravilloso texto que pronto va adquiriendo fuerza gracias a la música. Se multiplican los vientos (ahora saxo y trompeta) y el bajo pasa a un primer plano. Todo flota en un espectral (quizás poético) ambiente de Jazz telúrico con producción muy de corte británico (entiéndase en el sentido más camaretístico del asunto); como una especie de destilación miminalista de obras como London Bridge is Broken Down (Mike y Kate Westbrook) o la contrapartida combativa al Escalator Over the Hill de Carla Bley... y pensaréis que ando loco del tarro, pero la forma en que la trompeta se aclimata a cualquier cambio que ocurre a su alrededor era muy característico de las partes más meditabundas de Cherry, al igual que el saxo (Barbieri) sonaba de esa manera en la Charlie Haden Liberation Orchestra y su pseudolatino score de la España del 36. En cuanto a los instrumentos de viento, y para rizar el rizo, los habituados a los arabescos de Rabih Abou-Khalil quizás se sientan en terreno conocido. La entrada de la percusión marca el cambio a recitado masculino de una carga existencial / política tremendas: "Negar lo que se nos niega, sin tener que ofrecer algo a quien nos quiera hacer olvidar o silenciar el pensamiento, siendo una lucha que nos recuerde que la vida puede ser completamente distinta sin abstraernos del mundo. Consideramos al trabajo como actividad separada de nosotros mismos, convertida en algo que alimenta la mercancía y que nos domina; no queremos hacer de esta necesidad una virtud, ni queremos discutir una nueva forma de medir nuestros sacrificios, porque somos nosotros mismos los que lo alimentamos". 

Para cuando el tema casi que está agonizando, entran voces en plan Screamo y el bajo se carga un pelín de distorsión mientras que los vientos no pierden ni por asomo su marcial marcha fúnebre melódica pero opresiva. ¿Quién dijo que el Hardcore y el Jazz no pueden ir juntos sin mezclarse con Ska / Dub y cosas similares?. Sin solución de continuidad arremete con fuerza "Deus Ex Machina II​/​B​:​ Desespero", que es donde ya podemos empezar de hablar de un Free Jazz violento, de una base rítmica aplastante que se aclimata perfectamente a los dos timbres distintos de los vientos (uno corta romo, el otro inciso), y los coros a la carótida: "Transitamos por una mirada en común que nos lleva del enojo al miedo, del miedo al silencio, de nuestras desventuras al sueño, del sueño a los recuerdos y de los recuerdos al vacío", alternándose voces Core con el Spoken Word.

Siguen otros tres temas enclavados en una línea contextual similar. Fiume 1918 hace referencia al periodo convulso que va desde el 18 al 22 en el que Mussolini ascendiera al poder (o eso creo yo). En Octubre del 18 se crea en Fiume un consejo nacional que pugnaba por la fusión con Italia. Tras expulsar al nazismo en el 45 si no me equivoco acabaría transformándose en Rijeka (Yugoslavia), y actualmente perteneciente a Croacia. "Fiume 1918​/​A" destaca nuevamente por la excelente fusión de estilos: los vientos vuelven a llevarme a la Charlie Haden Liberation Orchestra o incluso la fase primitiva de Sun Ra, mientras que la base rítmica se deleita en tempos lentos, algo por lo general no muy habitual en este tipo de bandas. Resalta un incansable bajo que dialoga con el saxo en un fantástico careo en el minuto 2 y medio o así subiendo in crescendo la intensidad, para luego dejar espacio a la trompeta y sus sinusoidales movimientos entrecortados con sordina. De fondo algunos efectos que parecen electrónicos sirven de andamiaje a la sampleada voz militarizada de un discurso marcial (se nombra a Durruti) llevando el sonido a terrenos electroacústicos y avantgarde hasta el magnífico fade out con acople de bajo final. 

Contraste tremendo con la poderosa instrumental "Fiume 1918​/​B". Punkfreejazznoise en estado puro, algo metalizado y con reminiscencias a los explosivos arranques de los Atomic holandeses o los mismos Dead Neanderthals, bandas más desconocidas como los turcos Konstrukt y toda esa escena. Precioso interludio casi Folk con los vientos emulando a flautas (Quilapayun meets Minor Threat), percusión muy basada en la caja (marcial) y partes puramente Avantgarde. "Fiume 1918​/​C" cierra esta trilogía con dos minutos breves que demuestran que no hacen falta guitarras para formar una muralla contestataria. Pausa para respirar y vamos a por el fin de fiesta.

"Aparcoa" ocupa 13 minutos y si no me equivoco dedicado a toda una institución musical chilena como son los así llamados Aparcoa, pioneros de la Nueva Canción Chilena y cuya principal línea vital va del 65 al 77 en que se disolvieron mientras andaban por la RDA. Influenciados por el Folk Chileno y la Cueca Brava, suerte de danza / canto marginal cuyos nombres generalmente estaban constituidos por el lugar donde se tocaban, existiendo así una Cueca de Burdel, una Cueca Porteña... la cosa es que el uso de la métrica musical en cuartetos, seguidillas o el llamado `remate´ parecen impregnar (sutilmente) a Manual de Combate en un fabuloso temazo que comienza jazzero, casi diría que con toques al Canterbury (vale, podéis ejecutarme), pero que lentamente y gracias a la línea del bajo va reconduciéndose a terrenos Folkies. 

Incansable la batería y los vientos, auténticas velas de un barco que se va acelerando (y acerando) hasta llegar a una parte central abstracta en la que entra la voz, con un texto que me eriza el vello y que me váis a permitir reproduzca en su totalidad: "Nuestros mapas actuales describen un mundo sobre el cual ningún ser humano ha puesto jamás un pie: un mundo de distancias medidas con exactitud, de símbolos estandarizados, detenido, congelado en el tiempo, vacío de resistencias emocionales: un mundo objetivo, al fin, cuando todos sabemos que no existe mundo que no sea subjetivo. Estos mapas contienen tan poca información relevante para la vida humana que no es extraño que nos perdamos en ellos: no hacemos más que dar vueltas, tratando de llegar “a tiempo” a los destinos predeterminados, sin tener idea de hacia dónde vamos ni para qué, por no hablar de qué es lo que deberíamos encontrar realmente entre el cúmulo de autopistas en torno a Santiago Región Metropolitana, Matta Sur, Barrio Brasil, San Isidro, Catedral, San Bernardo, Recoleta, Villa Francia, Santa Isabel, Portugal, Punta Arenas, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Río Gallegos, Valdivia, Chillán, Los Ángeles, Concepción, Tomé, Temuco, Valparaíso, La Plata, Porto Alegre, Florianópolis, Río de Janeiro, Sao Paulo, Montevideo, Blumenau, Santo André".

Se termina el recitado, se acopla el bajo y se baja a un tempo casi Doom. Se mantiene ahí el drone hasta que se vuelve a repetir las notas del bajo que abrieran el corte. Sensación de círculo, se suceden las explosiones de Avantjazz, los coqueteos con la escena del Downtown Neoyorquino y la madre que los parió. Termina el disco y estoy recogiendo vértebras, empastes y serrín de hueso del suelo.

https://manualdecombate.bandcamp.com/track/aparcoa-2

EL LABERINTO DEL LEPISMA (42) - "La Razón de Lupus de Moros: Un poema hermético (André Michalski)"

 

* La Razón de Lupus de Moros: un Poema Hermético / André Michalski (The Hispanic Seminary of Medieval Studies, 1993) *

Lo que os traigo hoy es un rareza relativa dentro del mundo editorial. Razón de Amor es un poema de un tal Lope de Moros (poeta y trovador aragonés de entre los siglos XII y XIII) del que poco o nada de sabe. El poema en cuestión ha suscitado bastante literatura, se le conoce con el nombre completo de `Razón de amor con los denuestos del agua y del vino, Razón de amor, Razón feita d'amor´, y hay quien lo compara con El Libro del Buen Amor. En teoría este Razón de Amor aparece en 1887 en Francia, recogido por primera vez por el humanista francés A.Morel-Fatio; escrito en castellano en lo que parecen formas dialectales aragonesas o galaico-leonesas sin quedar del todo claro de si se trata de dos obras o una (ya se sabe del gusto del medievalismo por esconder obras dentro de otras).

La polémica estaba servida porque no es posible identificar exactamente si es castellano, aragonés o leonés.... se trata de un dialecto mezclado del que también se duda de su autenticidad ya que entraríamos en qué parte es del autor, cuál del juglar, copista, etc, etc. El tema de la obra tampoco es claro y su identificación con el tal Lope de Moros es simplemente por una nota (o éxplicit) que dice: `lupus me fecit de moros´, que no se sabe si tiene que ver con el autor o el amanuense que la la recopió. Lo único cierto arece ser el pueblo de Moros en Zaragoza.

El autor Andrè Michalski defendía en el Seminario de Estudios Medievales Hispánicos su tesis de que se trata de un texto alquímico/hermético plagado de simbología, mitos y alegorías. El hecho de que se date el Poema de Lupus de Moros en el 1200, justo antes del florecimiento del hermetismo en la Europa cristiana y el apogeo de los códices alquímicos clásicos, dan pie a multitud de corrientes de pensamiento. Pues bien, lo que tenemos aquí es un brutal análisis de Filosofía Hermética cuyo germen partiere de la Asociación Canadiense de Hispanistas así que es de una rigurosidad exhaustiva, con un índice de referencias y bibliografía que dan autentico pavor. Las conclusiones y desarrollo acaban entrando en terrenos alegóricos con roces con la Alquimia Musulmán, el Hermetismo puro y duro, los sueños (amorosa visione) y los dobles significados propios de textos satíricos de aquella época.

En suma, para mí, toda una joya que he añadido a mis estanterías. Su encuadernación en tela/polipiel venía algo desgastada y ha vuelto a relucir gracias a unos toques de spray de silicona lubricante, luciendo tal y como se ve en la imagen.

ENJOY LEPISMA WEAPONS

SUERO - "KRAGEHUL" (REPÚBLICA IBÉRICA RUIDISTA RIR063, 2020)

Exactamente no sabría decir cuántos trabajos he reseñado de CARLOS SUERO así que tiro un poco de memoria. Creo que lo conocí a raíz del oscurísimo Ex Luna, Scientia (2016) que editara El Muelle Records. Después de aquello recuerdo su participación en Aokigahara Jukai de Pepo Galán, Mesohigh (2018 y también en El Muelle Records) o el impresionante split Conformity Declaration (Seattle Dot)  junto a Galán. Bajo el nombre de Godafoss reseñé A Violent Death y hasta aquí me llega la memoria. Ahora, en toda su gloria y esplendor y gracias a República Ibérica Ruidista tengo el placer de disfrutar de una preciosa cinta de cassette verde pistacho (lo mejor está por dentro), con un sonido que asusta de bueno (vaya, que en estas ocasiones es cuando uno nota que hay cintas mejores que vinilos) y con un Suero DDT: Desatado, Devastador y Terrorífico.

Me gusta comenzar por los detalles porque es ahí donde radica la clave. Una fotografía de Nao Sakamoto muestra una verdosa agua movida por la vibración; el color da para mucho juego y lo mismo podría decir que es Té Matcha que jugo de ranas en descomposición. La cinta, del mismo color y sin crédito alguno impreso, ayuda a dar esa sensación nihilista de la primera oleada industrial (bueno, más que la primera oleada, la del rebalaje una vez pasado el tsunami). Quedaría analizar un prístino pero potente sonido con unos graves y rangos dinámicos que hacen que tenga que meterme por mi segunda boca (la de abajo) alguna que otra declaración vertida por mi parte sobre las cintas. Yo no sé si es casualidad o no pero esto suena que da verdadero miedo... y no lo digo sin conocimiento de causa. Además de la cassette tengo la versión digital que suelo pasar a CDR para comparar y bueno, ya digo que merece y mucho la pena hacerse con una de las 25 copias (High Bias) que REPÚBLICA IBÉRICA RUIDISTA ha sacado.

El siguiente dato a analizar es el título. Kragehul como término hace referencia a un extrañísima lanza encontrada en Dinamarca (1877) con inscripciones que han dado lugar a las más diversas teorías. No he podido resistirme a comparar el asunto con otra escritura similar que vi en Oslo y que se encontrara en el Barco de Oseberg. Las similitudes entre ambas son sorprendentes no solo por lo rúnico sino por la aproximación de fechas (el barco de Oseberg es desenterrado por el arqueólogo sueco Gabriel Gustafson y el arqueólogo noruego Haakon Shetelig entre 1904 y 1905). Tomando como base contextual las inscripciones de la lanza de Kragehul, Suero se sale por la tangente creando un score imaginario que va justo por la línea contraria a la que suele discurrir el Industrial / Noise. Si bien es cierto que Esplendor Geométrico suenan muy tribales en las bases rítmicas (Controlled Bleeding en sus inicios también), unir runas, inscripciones y usar como títulos de los temas detalles que rodearon la lanza (lo iremos analizando), es como poner una puta banda sonora Industrial a una batalla nórdica.

Abre la pequeña intro "Elder Futhark" (sistema de escritura rúnico de los países germanos). Un maremágnum rayano en el Harsh Noise Wall es atravesado por bases rítmicas que parecen golpes de lanza o el restallar de látigos... todo unido equivale a un vibrátil pulso (im-pulso) que arropa el grave sonar de un tambor de guerra (parece una grabación de campo realizada en un drakkar). Entra el Techno más oscuro que pueda imaginarse con "Asugisalaz". No lo he comentado, pero la inscripción (incompleta) de la lanza viene a ser "ek e⸗rila⸗z asugisalas m⸗uh⸗a h⸗aite g⸗ag⸗ag⸗a ginu g⸗ah⸗e […] lija […] hagala wiju big–[…]" donde `Asugisalaz´ parece indicar un lugar. Hay muchas teorías, traducciones e interpretaciones así que para quien quiera investigar ya tiene deberes. La oscuridad a la que nos lleva Suero puede bailarse y el trance chamánico es un triposo viaje mental tan atemporal como un Oopart; a ratos con trazas metálicas que quisieran meterse por el terreno de Skullflower o Ramleh, pero con tres cuartas partes metidas en la electrónica más ponzoñosa que existe; esa que que hiede a montañas de prótesis de Titanio en un mundo en Guerra plagado de Neo-Vikingos cuyas nuevas lanzas de guerra portan mantras grabados con láser  (ah, y los cascos tienen gafas de visión nocturna).

La onomatopéyica "Ga​-​ga​-​ga!" baja el tempo y ofrece un poco de calma contrastando con la vuelta a la fuerza orgiástica del yunque rítmico de "Gisalaz" que cuenta con unos adornos (soundscapes) que me recuerdan al mentado Ex Luna, Scientia. Ritmo mas repetición es igual a hipnosis. La homónima "Kragehul" cierra la Cara A con diez minutos que comienzan con un Dark Ambient férrico con toques a Carpenter que lenta pero inexorablemente se va cubriendo de experimentación a través de las múltiples capas e intrusiones de un drone que es atravesado de parte a parte en modo loop. La sensación es de que están afilando algo, no sé si la lanza o mi jodida espina dorsal que sirve de amuleto a cualquier barbudo gigante. Destacar la base percusiva que entra a partir del minuto seis que me ha dejado tocado. Apabullante. 

Darle la vuelta a la cassete y encontrarte el himno "Ginugahelija Hagala wiju bi g​[​aia]" es difícil de describir. Espacial, con un ruidismo exquisito, está plagada de antropomórficos indicios de voces procesadas (o no). Densa y atávica, mitad barro y suelo, mitad espacio y cosmos. Puro Suero en estado puro: sonido tenso, amenazante e ingrávido a base de loops que cada vez que pasan apuñalan (que se lo digan a mis oídos que llevo auriculares). Siguen otros diez minutos de corte atmosférico ("Ginu​-​ga hellija hag") llevados a lo minimalista y oclusivo (digo oclusivo porque cuando escucho esto tengo la sensación de que mis espacios, cavidades, boquetes o lo que sea se van cerrando y plegando hasta ir reduciendo mi peso molecular a un punto de fuga flotante). 

Es impresionante cómo no baja el ritmo en ningún momento a pesar de que el álbum es largo. "Hagala wiju big" tiene toques a lo que hacía (no sé si alguien lo recordará) YUNCLAS de quien os he hablado mucho por aquí. La IDM más perniciosa se nutre de flashes estroboscópicos y poliédricos llevando a la masa / cuerpo a la pista de baile en un zumo de carne Cronembergiana. Fotogramas infectos teñidos de neón insano palpitan como corazones arrítmicos. Variaciones cíclicas alteran el peristaltismo e invierten lo Circadiano desajustando los puntos de fuga. Ahora no `vamos´ sino que `hemos llegado´. Somos TODO, y somos todo AHORA. Centro (centrum) y horizonte (maginot) perfectamente resumidos en el punzón ótico de "Ginu-ga he[mat]lija". 

Nórdicos que sustituyen barcos por meteoritos y portan una bandera ciclópea que dice: "AL GRANIZO DESTRUCTOR DE CASCOS LE DEDICO LA LANZA". 

Discazo.

https://republicaibericaruidista.bandcamp.com/album/kragehul

EDUARDO BRIGANTY - "ENTELEQUIA" (EL MUELLE RECORDS EMR047, 2021)

Tres años han pasado desde la reseña de Microgramas del canario Eduardo Briganty (El Muelle Records) en la que desplegase un nebuloso Drone magnético de lentas estructuras / andamiaje y profundamente ambiental. Si queréis ahondar en la figura de Briganty, su pasado en el proyecto MINIATURa y más datos os recomiendo que pinchéis en el enlace a la reseña anterior para no repetir conceptos. Lo cierto es que su emancipación del `formato banda´ trae un cambio de sonido y vuelco hacia la experimentación (algo más) ruidistas pero sin perderse en histrionismos innecesarios. Su música queda embebida de una belleza que parece manar no exclusivamente de lo que se escucha sino de los parajes inhóspitos mentales que sugiere.. dicho de otro modo, Briganty dibuja espectrogramas que se desvanecen o enfocan en conceptos mentales `autoevocados´. Se trata pues de una sublimación de lo creado que existe por y para lo individual; personal e intransferible dentro de lo utópico pero con la fuerza imperecedera de lo real. No en vano, Entelequia es el nombre del álbum y se define a sí misma.

Editado en formato Digipack nuevamente por El Muelle Records, el artwork se basa en una fotografía de George Korunov mientras que el acertado acabado sonoro (como siempre) se consigue en los Südblock Studios. 48 iniciáticos minutos trabajados desde la guitarra (con colaboraciones de Pepo Galán y Lee Yi) dentro de un personalísimo estilo que tomando como punto de partida ese anterior Microgramas parte hacia lugares muy marcados de aridez trascendental. Como una matrioska, capas y capas de sonidos y detalles subyacen en órbita alrededor de un núcleo... micro melodías, acoples y drones oxidados se sitúan en unas coordenadas extrañas, a medio camino entre el Harsh Noise Wall y radicalmente lo contrario, el Ambient Noise de Brian Eno por ejemplo. En ese punto equidistante (centrémonos en el entrecejo como símil), es complicado discernir si Briganty está tratando de destruir nuestra psique o justo lo contrario, crear algo antropomórfico alrededor de nuestra última neurona viva; ejerce de Caronte en un extrañísimo viaje con paradas tanto en los acoples eternos del Drone Doom como en espaciados y catedralicios ambientes cósmicos a lo Popol Vuh. 

A eso suena precisamente la numinosa apertura de "Tempestad". Un mar sináptico con olas de neurotransmisores chocan contra riscos (recuerdos / vivencias); la melodía se va desarrollando de manera abotargada en un segundo plano alineándose con elementos pseudo-sinfónicos y sinestésicos que parecen movimiento de estrellas. Sigue el homónimo "Entelequia" con la guitarra cargadísima de una distorsión que lejos de molestar, se une de forma simbiótica a unos fondos de sintes sobrios. Maravilloso el clímax alcanzado en "Esperanza" en colaboración con Pepo Galán. Soundscapes de índole cósmica y triposa como la homilía de un Ser Superior que fabricado de luz que a pesar de muerto, sigue soltando sus liturgias dando la sensación de vida.

Sigue "En un Lugar de la Esfera Celeste" (junto a Lee Yi) con toques más tímbricos, abstractos y envolventes hasta el punto de que la oscuridad resulta opresiva. Se siente los toques del nylon de las cuerdas y (curioso) me recuerda a determinados momentos de Badalamenti (la electricidad suena) o esa forma tan particular de llevar el Dark Ambient a la estructura orquestal. Tintes orientales sutiles y minimalistas o Folk ultraterreno, la cosa es que los estilos se difuminan con una originalidad alucinante. Como si de una Shruti Box demencial se tratara, estalla "Laberinto Fractura", que vuelve a hacerme dudar si no estoy asistiendo a la escucha de un disco de Noise Industrial...  el riff de la guitarra va cogiendo cuerpo mientras un loop discurre de fondo haciendo de base rítmica. Se me salen los huesos de sus acetábulos y me estiro hasta alcanzar dimensiones incognoscibles, penetro en el espectro y el espectro penetra en mí. Pasado, presente y futuro se unen en un solo punto de singularidad y entro en el catedralicio Ambient de "Elegía" e "Ingrávido", ésta última ralentizando el tempo hasta la agonía épica del Funeral Doom de corte más espacial (sí, se que puede parecer desubicada la etiqueta, pero los sonidos no engañan).

Vuelve Pepo Galán en "Remanso", epilogando por todo lo alto un maravilloso trabajo de Briganty cuya última piedra la pone "Sroszek" (posiblemente como homenaje al film de Herzog). Cruda, magnética distorsión rellenando los huecos de la realidad e incluso amoldándose a la Entelequia, ese último recurso de la psique en su búsqueda de la perfección. Yo no sé si existe la energía orgónica, pero este disco ni se crea ni se destruye, TE transforma.

https://eduardobriganty.bandcamp.com/album/entelequia

https://elmuellerecords.bandcamp.com/album/entelequia

FUNERAL CHASM - "OMNIVERSAL EXISTENCE" (AESTHETIC DEATH ADCD 079, 2021)

Cada vez que tengo que enfrentarme a una nueva edición de Aesthetic Death sé que va a ser un reto para mis oídos. El mítico sello inglés no se corta un pelo a la hora de transgredir estilos o en el caso de los recientemente formados FUNERAL CHASM (Dinamarca) darle una vuelta de tuerca al Death / Doom. En formato duo, Morten Lund aka Sjaelepest (guitarras) y Danny Woe (voces, batería, piano y sintes, bajo y guitarras adicionales) vienen de bandas como Above Ravens, Altar of Oblivion o los extintos Woebegone Obscured. Tras una demo y un par de singles, llaman la atención del sello inglés que aquí, en toda su gloria, les edita su debut Omniversal Existence.

Lo primero que llama la atención es el brutal diseño del digipack a 6 paneles con libreto interior, obra de Cadies Art (y con layout del ya clásico SVC). El sonido, potente y prístino, balanceado y brutal, es cómo no de los Priory de Greg Chandler que masteriza la grabación de DWoe (Ocean Woe Productions). Así de sopetón tras primeras escuchas a uno se le viene a la cabeza el Death / Doom cósmico de raíz Funeral de unos Until Death Overtakes Me pero siendo cierto que hay partes bastante opresivas de Funeral Doom, la cosa no es tan sencilla; en vez de partes sinfónicas se aboga más por la brutalidad, que contraste con pasajes ambientales y voces claras muy bien entonadas que se estilan en el Traditional Doom (aquí es donde invariablemente tengo que poner las coordenadas en Krux). Si mezcláramos a Morgion del Cloak of the Ages, Crowned in Earth con Candlemass y Evoken, posiblemente tendríamos algo similar. Aunque la portada pueda engañar, esto no es Funeral Doom angular como los Esoteric o Septic Mind sino algo más introspectivo; a ratos clásico y por momentos muy arriesgado (yo que sé, partes que funden Solitude Aeturnus con Evoken). Alegóricamente se parecería a retirar los aterciopelados cortinajes morados de un añejo teatro y  encontrarte de lleno con el puto cosmos por escenario.

Lo que está claro es que todo lo que se edita por Aesthetic Death tiene una pátina distintiva que lo aleja de otros sellos así que si lo que buscas es `sonido fórmula´ te vas llevar un tortazo. Si lo que quieres es un triposo ambiente cargado de solemnes melodías y homilías a flor de piel, dame la mano y sigue: 

Un riff sobre huracanados vientos cósmicos preludia la entrada de una base rítmica Death / Doom de toda la vida marcando el paso. Estamos en "Embellishment of Inception"; entra la guturalísima voz tipo Pantheist, Skepticism y similares creándose contraste mediante los riffs muy melódicos y espaciados de las guitarras. Una apertura de estilo en toda regla. El uso de afinaciones barítonas limpias puntúa el fúnebre ambiente de un corte que se va agriando conforme avanzan los minutos; se alargan los riffs de guitarra y las voces se superponen en afinaciones cada vez más agudas que beben del Doom tradicional. Lejos de resultar un elemento disruptivo casa a la perfección con el fondo musical que se dirige inexorablemente a un clímax pseudosinfónico plagado de sábanas de teclados ambientales (curiosas las melodías de los sintes, que lejos de buscar el tenebrismo abogan más por luminosas capas).

Sigue la magnífica entrada de "The Truth that Never Was" al más puro estilo Evoken. La guitarra se acompaña de un persistente efecto del teclado que te saca el alma (como los Summoning pero en versión Doom). Homiliesco interludio de notas de piano y voces limpias, se alternan partes más brutales cual metrónomo opiáceo; casi que me atrevería a decir que hay algo de Progresivo en Funeral Chasm o al menos eso es lo que parece "Mesmerizing Clarity", sorprendente en desarrollo teniendo en cuenta que se trata de un dúo. En esta ocasión el que resalta en primer plano (al menos al principio) es el teclado dejándose las guitarras más abajo en la mezcla hasta tal punto de que si no fuera por las voces guturales diría que tiene su puntito Gótico ochentero (como The Sisters of Mercy en versión finlandesa) para luego rematar el corte con devaneos que rozan el progresivo sinfónico y el otro gótico (el metalero).

Contraste otra vez con el ultra abisal Funeral Doom de "Extracting the Black Gods". Ritmo procesionario de la base rítmica y detalles a lo Skepticism y Unholy. La voz parece provenir de un agujero negro en pleno espacio exterior ("I opened the gates to the cosmic black / the summoning of the inner power / i am obsessed with the thought of devouring your flesh") y los estilos se van alternando de forma sutil, sin llegar a la locura de lo Avantgarde pero sí con el suficiente aroma de irrealidad para decir que tienen su sonido propio. "Sunrise Vertigo" tiene esos detalles de abstracción propio de los Esoteric.... guitarra angular, extraños efectos de sintes o pedaleras y una voz abigarrada como unos escrotos metidos en permafrost, pero casi que sin solución de continuidad se marcan un operístico clímax final (voces agudas tipo Candlemass inclusive) que me recuerda a los olvidadísimos The Living Fields y aquel excelente Running Out of Daylight de hace una década: épico, progresivo y doom.

Sin duda, el mejor corte del álbum es "The Skeleton Secret" que podría traeros a la mente el Blue Fire (1996) o Walk into my Open Womb (1998) de Canaan. Difícil de describir con palabras pero pone los vellos de punta los agudos cánticos, los herméticos efectos de sintetizador emulando a un órgano Hammond o los arranques alternativos de Funeral Doom. Creo que estamos ante el clásico disco que amas u odias sin término medio ("my body is a wreck from years of misuse / the voices that guided me has intensified"). "Astral Reality" cierra el disco por todo lo alto... puedo seguir describiéndolo pero tienes orejas propias (al menos la última vez que te vi). La gracia es que acabo de cerrar las cortinas moradas de terciopelo y sigo viendo el Cosmos a través.

https://funeralchasm.bandcamp.com/

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=5102

EL LABERINTO DEL LEPISMA (41) - "Gárgoris y Habidis" / "El Hombre que creía saber donde había un Tesoro"

* Gárgoris y Habidis / Manuel Laza Palacio * (Primtel, Universidad de Málaga, Proteo y Prometeo, 1988) *

* El Hombre que creía saber dónde había un Tesoro (Primtel, Universidad de Málaga, Proteo y Prometeo, 1988) *

El insigne malagueño Manuel Laza Palacio fallece en 1988 habiendo dedicado 38 años de su vida a buscar un tesoro oculto en una cueva de su propiedad... la del Higuerón, cerca del Rincón de la Victoria en Málaga, y más conocida como Cueva del Tesoro. Tras bucear en legados y múltiples investigaciones de campo encuentra un candil con dinares de oro pertenecientes al enterramiento de cinco reyes árabes. Realiza una tesis a partir de las pinturas rupestres de la Cueva del Tajo de las Figuras en Cádiz y tras una azarosa vida, La Universidad de Málaga junto a la Librería Proteo/Prometeo le dedica justo a raíz de su muerte este precioso doble ensayo prologado por Sánchez Dragó que conoció a Manuel cuando estaba preparando su España Mágica: Gárgoris y Habidis. 

El libro en sí es una preciosidad. Su encuadernado y grabado en imitación a cuero, la sobrecubierta doble (cada ensayo puede leerse en una posición del libro) a cargo de Lorenzo Saval, la maquetación, y la poderosa prosa de Laza lo hacen una pieza de coleccionista que de vez en cuando vuelve a caer en mis manos. Se trata del primer volumen de la COLECCIÓN ENSAYO, de la que desconozco si llegó a salir algún número más.