JOSEP LLUÍS GALIANA - "TENOR SAXOPHONE SOLOS" (LIQUEN RECORDS LRCD011, 2018)

INTRO:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

FOR THOSE ABOUT TO MOCK!//////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////

Hay que partir de la base de que los conocimientos técnicos sobre el saxofón que yo pueda siquiera dilucidar en esta reseña son inversamente proporcionales al estatus musical, profesional y humano que alguien como JOSEP LLUÍS GALIANA tiene. Dicho de otra forma, mi forma de abordar este tremendo Tenor Saxophones Solos será parcial, posiblemente equivocada en expresión, y ni por asomo objetiva. 

Ya no es sólo que alguien con el bagaje musical literario de Galiana me sobrecoja a la hora de intentar siquiera desgranar acertadamente sus discos (esta vez su primer trabajo en solitario) porque bueno, bien es sabido que se trata de un experto en la materia sobre la improvisación libre como así atestiguan sus doctos libros, es que atreverse a soltar párrafos sobre un álbum en el que los parámetros musicales están emborronados (así queda de manifiesto en el fantástico texto introductorio de Juan Gómez Alemany que visionariamente se llama No Borders Of Any Kind) es para pensárselo un par de veces.

Pero oigan, la música es del Pueblo y si me amilano es con el respeto profundo que me inspira un músico que tiene la facultad de ser académico, pero académico del pueblo. Así lo he constatado viéndolo en directo tocar y así se le nota en el trato aunque yo ahora mismo esté usando mi esfínter anal como almohada cervical del miedo que tengo. No es miedo al fracaso sino miedo al bloqueo, a no saber expresar con palabras lo que siento y creedme cuando digo que es una sensación de vértigo espantosa. 

Y cuando digo Pueblo estoy mimetizando una visión abstracta de una música que me sugiere cosas cotidianas a pesar del nivel de abstracción que pueda alcanzar. Es decir; algo puede ser tan matemático y bien urdido como para crear un Paradigma pero con la música de Galiana siempre podrás destilar un producto que podrá consumir cualquiera... o mejor dicho, cualquiera que ame la música. La música de Galiana puede ser Popular si tú lo crees porque por muy densa, dispersa o avanzada que resulte proviene de la tráquea y aparato respiratorio (y por ende digestivo) de un ser antropomórfico que piensa, siente y escupe en saliva sus vivencias y eso, pese a ser Misterio, pertenece a todos y todas.

Por ello voy a contradecir eso del NO BORDERS OF ANY KIND porque hay un matiz sobre el que tengo que expresarme. Sí que hay bordes y fronteras, y es el del oyente. Galiana borra las fronteras con el esfumino sonoro de las ondas, pero esas mismas ondas acaban convirtiéndose en barreras otra vez cuando el oyente no quiere derrocarlas, cosa que resulta todavía más grave y dantesca cuando el oyente es un experto en la materia. 

A veces y por desgracia, mientras más lees, más escuchas y más sabes, más barreras pones en tus prejuicios internos y es el PUEBLO (otra vez), el que sin nada que perder recibe en su simpleza el 100% de la pureza de la música improvisada. El oyente medio, el "pasaba por aquí", el "no sé de jazz pero esto me representa", a veces es capaz de escarbar incólume entre escalas, sordinas, tapings y demás técnicas imposibles que el utillero literario en su afán por describir acaba matando en alma.

:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::: MÚSICA

//////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////WHE SALUTE YOU!

"Un disco de un cuarteto es una Space Opera. Un disco de un trío es una Suite. Un disco de un dúo es un Duelo, y un disco en solitario es una Masturbación Junguiana".  

                                                                                                Coronel Mortimer Dixit

Editado en el atrincherado reducto cultural LIQUEN RÉCORDS, masterizado por Enrique Soriano y con sendas fotografías (portada e interior) de Roberto Domínguez y Mara B. Stones, Tenor Saxophones Solos son 50 minutos de una paleta expresiva polivalente que abarca descripciones sonoras tan variadas como pueden ser el ruido de una sinapsis neuronal o cómo diablos suena una calle en un día cotidiano.

"City Life" es una meditación con fuerte aroma Coltraniano pero en clave minimalista. Un saxo tenor contenido despliega una cantidad asombrosa de notas acotadas que nunca terminan de estallar. Son notas amputadas que salen de un instrumento que se nota domesticado. La asombrosa técnica que aquí se muestra se sublima en "Sequenza I per Sassofono Tenore", intrincado corte en el que la amputación de las notas es similar al tema anterior pero ocurre antes. 

Si esto fuese medicina el primero sería infracondíleo y este Sequenza sin duda supracondíleo. La melodía yace enterrada en notas rápidas en cascada y hay que unirla como en esos dibujos que se hacen por secuencia de puntos. Fotogramas e instantáneas que juntas adquieren la sensación de movimiento. 

La calidez que se le presupone al saxo tenor llega en "Fantaisie Par Quartier", muy fluido y lírico, tiene esa impronta meditabunda del jazz de club cargado de humo, del cine noir francés y la espiritualidad de la New Thing. 

Si esto fuese un disco de música electrónica, "Fragment..." sin duda estaría dentro del minimalismo y lo concreto, con algo de la salvaje disyuntura de lo Dadaísta y el Tape Collaging pero claro, tengo que centrarme en la improvisación y no puedo obviar a la SPONTANEOUS MUSIC ENSEMBLE y sus ejercicios matemáticos rotatorios y mantenidos sobre una misma nota, algo así como hacía al soprano TREVOR WATTS o como maneja la intensidad EVAN PARKER, capaz de convertir un sonido que empieza en brisa en un auténtico tornado sin solución de continuidad, como sin solución de continuidad sigue "... With Variations" explorando la misma senda en una agreste y salvaje rendición al Jazz europeo avanzado durante 12 minutos. 

En un rango que roza las posibilidades altas del saxo tenor llega "Seat 13", corte que gracias a sus subidas y bajadas casi simultáneas en el espectro de notas hace que la ilusión de varios instrumentos se realce. Musicalmente es una delicia que me recuerda a los intensos momentos de PAUL DUNMALL que aunque se centre más en Saxello, Barítono y Soprano sí que en cuanto a técnica y abordaje podría ser similar. 

Terminando este bloque de cuatro temas está "Lost In Picadilly", continuación natural de la anterior. Un clímax alucinante de caos ordenado gracias a una disposición de las notas no aleatorias pero sí con la suficiente velocidad para hablar de virtuosismo, inmediatez y presteza. 

Misteriosa a lo HENRY MANCINY llega "Rhythm & Funk" con el instrumento casi convertido en trompeta en los momentos más intensos aunque el ritmo esté construido a base de una deliciosa, percusiva marcha Funk. Finiquita el disco la balada "Julia (How To Improvise What I Want To Say You" que intuyo tan personal que no voy a hablar de ella. Fabuloso.

http://liquenrecords.com/

RED EYE - "TALES FROM THE DAYS OF YORE" (ALONE RECORDS 2019)

There are certain occasions when the same ingredients produce a different recipe. A priori nothing of what we use for the fucking cocktail is novel but as we let ourselves be guided by intuition we use that sixth sense that makes something superb that should not be. RED EYE are formed in Antequera and decide to add stone juice to their debut album "Tales From The Days Of Yore" that has gone so well, so well because they have worked to the smallest detail.

The very successful and inspired cover of PROCESO NEGRO evokes landscapes like SUMMONING, BONG, NAAM and SLEEP near bands because everybody believes that SLEEP and OM are the only thing that exists in the Stoner Psych. Although you believe otherwise, there are other teachers in charge of converting the sound into a nightmarish rite ... try the wide discography of BONG, the gods SATURNALIA TEMPLE or even Hispanic things like EIGHT HANDS FOR KALI (and then ÄTMAN ACRON).

Listened to with the perspective of time, some of the cuts that include the album and that I have had occasion to listen to in their original live form have been like settings of precious stones in a goldsmith's piece. It's hard to believe that it's the band's first record, honestly.

Ángel Arcas (Cyclopean Stones Smear), Antonio Campos (Soma Strings Citadel and Ancestral Homilies), Juanan Román (Ropas de Dioses Clothesline) and Pablo Terol (Soma 2 String Zither and Diverse Tracheoglosia) are RED EYE, quartet that could well come from a story by LORD DUNSANY, from a dream by RANDOLPH CARTER or the ejaculation of a Mythological God.

It is not normal to give birth to a debut as coherent as solid and at the same time away from the standards of the Stoner (see desert / beach) to get closer to sounds of the team TEE PEE RECORDS, TRANSUBSTANS, PSYCHEDOOMELIC (rip) or METEORCITY while the sound of CANDLEMASS is mixed with ELECTRIC WIZARD in "Azazoth" but we do not advance events. ALONE RECORDS puts the object on the table, not losing the healthy habit of being attentive to the national and local scene when necessary ... the sap can not dry or the curls lose the brilliance of old times.

It is not my intention to make a thesis about how the Neo Psicodelia of some groups like KADAVAR comes into contact with the underworld of green smoke of the ELECTRIC WIZARD and SLEEP but sometimes the anger overwhelms me and I feel like throwing myself with a knife to the street for chanting some poems. Poems of how CANDLEMASS (I do not even mention BLACK SABBATH) have influenced so much that neither the bands know it.

Poems of COUNT RAVEN, of the Heavy Doom of the whole life ... of CONFESSOR, TROUBLE or the epic of SOLSTICE and REVELATION. Those bands that made the virile member of LEE DORRIAN acquire monolithic heights when he set up his redoubt of RISE ABOVE RECORDS are not the usual quotes that would come out in a RED EYE review but I do not give a shit about the specialized critics.

I exercise my right to tantrum and defecate a loon like a funerary monolith to tell those who review this album after me that NAAM and its great song "Kingdom" make their way in this album and any hint of stagnation that you think could arise. It does not exist because this band of Malaga dress up in the ANCESTORS 'clothes and make the REVEREND BIZARRE progressive with a subtlety that makes my guts shrink so much that I have constipation in the esophagus.

The slow and dragged guitar riff that opens "Encounter" exerts the erosive action on the rock. Impossible not to nod when the mantric voices enter the style of "Jerusalem" and "Dopethrone". A highly charged tuning of vibration couples negative energy to the rhythmic base, which slides with the bad host of a scorpion sting. Fantastic instrumental interlude with Psych soflamas and a game of double heady guitars, unrolling as if Medusa were getting the snakes straight in the damn hairdressing salon.

Follow "BHC", perfect sample of another detail that I could see when I saw them live. The double vocal game is amazing and they give RED EYE that pristine hymnic look of some of the best homilies of ELECTRIC WIZARD. Another interlude, more abstract and lysergic if possible and fused with fire with the bestial "Azathoth" in which is recited that little gem of poem of the same name of the everlasting Lovecraft. Fascinating theme with details to the CANDLEMASS or its subsequent revitalization KRUX or if you are too modern, then REVEREND BIZARRE.

The voice, which reaches far and turbid, puts the hair on end ... fantastic the fusion of influences and closing of the Face A with epic recitation that you laugh at the opening of the BSO of Conan The Barbarian.

Cara B and the pachydermic "Hall Of The Slain" that as much as the previous exude details of the Space Rock of the MARS RED SKY. From the ass to space and space to your ass. "Yagé" has something of Progressive and ethereal ... repetitive bass riff on which develops a small seventies improvisation that ends up molding under columns of Traditional Doom. Without solution of continuity and closing a trilogy of melted themes almost in one only and that show the most spatial facet of the band arrives "Waves" ... thus, without warning and catching you in its quasi-metronome rhythm. Hypnotic, theme song traversed  by some lavish guitars and a thunderous rhythmic base.

You do not believe me?. Anyway, in general, nobody takes me seriously and that far from being a problem for me is a freedom to shout from the rooftops to the music portals and webzines that are nourished by advertising, the magazines they left  their instincts back or to the grid fan of the Stoner Doom that when they go I already went and urinated marking the territory in the fucking limestone landscape of ANTICARIA ... I ejaculated three times in La Loma del Viento in old vases of the Necropolis of Alcaide and I practiced the arts mixed martial arts against the troops of Abd al-Aziz ibn Musa in the Battle for Medina Antakira.

So and not otherwise are the stories of the days of YORE.

RED EYE - "TALES FROM THE DAYS OF YORE" (ALONE RECORDS AR061LP, 2019)

"Y al cabo de un tiempo, con la cara vuelta hacia la mañana, salió la Muerte de los marjales, alta y hermosa, con una ligera sonrisa sombría en los labios; y levantó en brazos al hombre solitario con mucha gentileza, y le cantó en profunda voz baja una vieja canción. Y lo cargó en la mañana al encuentro de los dioses". LORD DUNSANY.

++++

Existen determinadas ocasiones en que los mismos ingredientes producen una receta distinta. A priori nada de lo que usamos para el puto cóctel es novedoso pero como nos dejamos llevar por la intuición usamos ese sexto sentido que convierte en soberbio algo que no debería serlo. RED EYE se forman en Antequera y deciden añadir zumo de piedra a su disco debut "Tales From The Days Of Yore" que les ha salido tan, tan bien porque se lo han trabajado hasta el mínimo detalle.

La acertadísima e inspirada portada de PROCESO NEGRO me evoca paisajes a lo SUMMONING, BONG, NAAM y bandas del palo SLEEP porque oigan, a ver si se creen que SLEEP y OM son lo único que existe en el Stoner Psych. Aunque ustedes crean lo contrario hay otros maestros encargados de convertir el sonido en rito pesadillesco... prueben con la amplísima discografía de BONG, los dioses SATURNALIA TEMPLE o incluso cosas hispanas como EIGHT HANDS FOR KALI (y luego ÄTMAN ACRON).

Escuchados con la perspectiva del tiempo, algunos de los cortes que engloban el disco y que he tenido ocasión de escuchar en su primigenia forma en directo han quedado como engarces de piedras preciosas en una pieza de orfebrería. Cuesta horrores creerse que es el primer disco de la banda, sinceramente.

Ángel Arcas (Frotis de Piedras Ciclópeas), Antonio Campos (Cítara de Cuerdas de Soma y Homilías Ancestrales), Juanan Román (Tendedero de Ropas de Dioses) y Pablo Terol (Cítara de Cuerdas de Soma 2 y Traqueoglosias Diversas) son RED EYE, cuarteto que bien podría venir de un cuento de LORD DUNSANY, de un sueño de RANDOLPH CARTER o la eyaculación de un Dios Mitológico. 

No es normal dar a luz un debut tan coherente como sólido y que a la vez se aleje de los estándares del Stoner (véase desértico/playero) para acercarse más a sonidos de la escudería TEE PEE RECORDS, TRANSUBSTANS, PSYCHEDOOMELIC (rip) o METEORCITY mientras se mezclan a los CANDLEMASS con los ELECTRIC WIZARD en "Azazoth" pero no adelantemos acontecimientos. Edita ALONE RECORDS que no pierde la sana costumbre de estar atentos al panorama nacional y local cuando es necesario... la savia no puede secarse o los rizos pierden la brillantez de los viejos tiempos.

No es mi intención hacer una tesis de como la Neo Psicodelia de unos KADAVAR entra en contacto con el submundo de humo verde de los ELECTRIC WIZARD y SLEEP pero en ocasiones la rabia me sobrecoge y me entran ganas de lanzarme con un cútter a la calle a recitar unos poemas. Poemas de cómo CANDLEMASS (ya ni cito a BLACK SABBATH) han influenciado tanto que ni las bandas lo saben. 

Poemas de COUNT RAVEN, del Heavy Doom de toda la vida... de CONFESSOR, TROUBLE o la épica de SOLSTICE y REVELATION. Esas bandas que hicieron que el miembro viril de LEE DORRIAN adquiriera alturas de monolito cuando montó su reducto de RISE ABOVE RECORDS no son las citas habituales que saldrían en una reseña de RED EYE pero a mí me importa una verdadera mierda la crítica especializada.

Ejerzo mi derecho de pataleta y de defecar una hez como un monolito funerario para decirle a los que reseñen este disco después de mí que NAAM y su temazo "Kingdom" se abren paso en este discazo y cualquier atisbo de estancamiento que creáis que podría surgir pues no existe porque los malagueños se visten el traje de los ANCESTORS y progresivizan a los REVEREND BIZARRE con una sutileza que se me encojen las tripas tanto que tengo estreñimiento en el esófago. 

El lento y arrastrado riff de guitarra que abre "Encounter" ejerce la acción erosiva sobre la roca. Imposible no cabecear cuando entran las mántricas voces al más puro estilo "Jerusalem" y "Dopethrone". Una afinación cargadísima de vibración acopla de energía negativa a la base rítmica, que se desliza con la mala hostia de la picadura de un alacrán. Fantástico el interludio instrumental con soflamas Psych y un juego de dobles guitarras embriagador, desenrollándose como si a Medusa le estuvieran haciendo las Planchas en la puñetera peluquería.

Sigue "BHC", perfecta muestra de otro de los detalles que pude constatar cuando los vi en directo. El doble juego vocal es alucinante y otorgan a RED EYE ese prístino cariz hímnico de algunas de las mejores homilías de ELECTRIC WIZARD. Otro interludio, más abstracto y lisérgico si cabe y fundido a fuego con el bestial "Azathoth" en el que se recita esa joyita de poema homónimo del sempiterno Lovecraft. Fastuoso tema con detalles a lo CANDLEMASS o su revitalización posterior KRUX o si usted es demasiado moderno, pues REVEREND BIZARRE. 

La voz, que llega lejana y turbia, pone los vellos de punta... fantástica la fusión de influencias y cierre de la Cara A con épico recitado que ríase usted de la apertura de la BSO de Conan The Barbarian.

Cara B y el paquidérmico "Hall Of The Slain" que tanto como el anterior rezuman detalles del Space Rock de los MARS RED SKY. Del culo al espacio y del espacio a tu culo. "Yagé" tiene algo de Progresivo y etéreo... riff repetitivo de bajo sobre el que se desarrolla una pequeña improvisación setentera que acaba amoldándose bajo columnas de Traditional Doom. Sin solución de continuidad y cerrando una trilogía de temas fundidos casi en uno sólo y que muestran la faceta más espacial de la banda llega "Waves"... así, sin avisar y atrapándote en su ritmo cuasi de metrónomo. Hipnótico, machacón tema atravesado de forma transversal por unas fastuosas guitarras y una atronador base rítmica.

(Collage por Antonio Pérez Muriel)

¿No me crees?. De todas formas en líneas generales nadie me toma en serio y eso lejos de ser un problema para mí es toda una libertad poder gritar a los cuatro vientos a los excelsos portales de música que se nutren de publicidad, a las revistas que dejaron ya sus instintos atrás o al cuadriculado fan del Stoner Doom que cuando ellos van yo ya fui y oriné marcando el territorio en el jodido paisaje calizo de ANTICARIA... eyaculé tres veces en La Loma del Viento en añejas vasijas de la Necrópolis de Alcaide y practiqué las artes marciales mixtas contra las tropas de Abd al-Aziz ibn Musa en la Batalla por Medina Antakira.

Así y no de otra forma son los cuentos de los días de antaño.

"When age fell upon the world, and wonder went out of the minds of men; when grey cities reared to smoky skies tall towers grim and ugly, in whose shadow none might dream of the sun or of spring’s flowering meads; when learning stripped earth of her mantle of beauty, and poets sang no more save of twisted phantoms seen with bleared and inward-looking eyes; when these things had come to pass, and childish hopes had gone away forever, there was a man who travelled out of life on a quest into the spaces whither the world’s dreams had fled". AZAZOTH

https://alone-records.bandcamp.com/album/tales-from-the-days-of-yore

ATTHIS - "UNA BOTÁNICA PROPIA" (EL MUELLE RECORDS EMR038; 2019)

Los primeros compases de Una Botánica Propia continúan allá donde se quedó el excelente Sentimiento Oceánico. Una línea de piano minimalista ejerce de pegamento alquímico con el que unir dos realidades tan a priori distintas como son lo Neoclásico y lo Ambiental como se pone de manifiesto en la mántrica "Uruk" en la que un sampler vocal repite insistentemente 659.

Curiosamente en dicho año transcurre la Batalla de Nahrawan, situada en Irak que según teorías no fundamentadas su toponimia descendería de Uruk (Unug, en hebreo Erech, en griego Orchoē u Ōrýgeia y en arábe ʿIrāq). Divagaciones mías pero es que en la humedad de los recovecos de mi sombrío cerebro hay.... hay una botánica propia.

ATTHIS son David Coello García (dlb, Desde los Bosques: ambiente y programación) y Raquel Martínez Muñoz (piano, sintetizador, procesador); edita su segundo disco EL MUELLE RECORDS en digipack con elegante diseño de Elena Iglesias Serna bajo retoques fotográficos de Aida Páez. 

Lo cierto es que este fantástico primero corte habla de una realidad en la que todo transcurre según unas reglas propias; el paisaje que se nos presenta es no irreal, sino de existencia alternativa y todo lo que vive tiene que tener sus reglas y por tanto, si de un espacio se tratara (mental o no), también tendría su propia fauna y vegetación.

El Dark Ambient se mezcla con un piano que hace uso del silencio (Riley, Cage y otros) y como argamasa sonora, dichos silencios no quedan nunca vacíos porque una maraña de texturas procesadas en forma de pulso volátil e insistente hace que cada nota no pueda nunca perderse en la nada. La eterna mortaja del sonido, tanatopraxia de melodías para que queden congeladas en ámbar etéreo como así resulta "Mar Contra Todo". 

Si hiciera un símil, Mar sería el ingente aluvión de sonidos que acaba enterrando al piano (el Todo) al borde de un acantilado brumoso. Posiblemente se trate del violento mar tormentoso recogido en los grabados de Kanoldt. Atónito me quedo de como el corte acaba transformándose en una agria pero siempre controlada catarsis sonora de Noise de cariz húmedo y apocalíptico en la que incluso en los más barrocos momentos no se pierde la melodía de fondo... los aires clásicos perduran aunque sea en voces lejanas y tratadas de extraños ecos que rebotan en la madera de coros de iglesias que ya no existen. 

Sigue la anómala "Una Botánica Propia", brevísima pieza tan melancólica como el epitafio de los pobres y, moviéndose en la electroacústica, "Lluvia Oblicua" que es un tema que persevera y lleva el original sonido de ATTHIS a un lienzo en el que se dibujan todo tipo de fenómenos metereológicos, animales que harían las delicias de la criptozoología y plantas más propias de los febriles sueños de LORD DUNSANY. 

(Foto: ISABELLA TUNGUSKAYA)

La generación y tratado de sonidos ya de por sí forma un oxidado soundscape con vida propia pero cuando se une la orgánica presencia del piano uno no puede más que rendirse ante la sensación de que está asistiendo a la banda sonora de un rito que o bien se ha olvidado, o es que en este plano de la realidad no se estila. "Abismo Sobre Abismo" juega con la inversión de notas, las aceleraciones y desaceleraciones dentro de un marcado y repetitivo loop ambiental sobre el que subraya algunos pasajes un par de notas (también en bucle) del piano. 

El fondo que tiene algo de matices vocales me resulta amenazador pero no sé determinar de dónde viene el peligro... si de los tonos percusivos cerámicos que flotan in crescendo o de ese persistente Drone eléctrico que lo empapa todo. En los segundos finales todo se va disolviendo como un comprimido efervescente quedando en solitario, mayestática y gloriosa, la simple pero arrebatadoramente bella línea melódica del piano.

Tramo final con el fabuloso tango robótico de "Anna" y "Vale Dos Homens" que vacía la ceniza funeraria de los héroes en la compostera eterna, universal y última a donde va todo... lo material y tangible, las alegrías y las tristezas, las notas musicales o el silencio. 

La ley del eterno retorno existe pero nadie ha comprobado mas allá de la especulación que lo retornado sea exactamente igual que lo anterior. ¿Paralelo?, ¿Diferente?... no lo sé pero con botánica propia seguro.

https://elmuellerecords.bandcamp.com/album/una-bot-nica-propia

UTBURD - "THE HORRORS UNTOLD" (SATANATH RECORDS, 2018)

Desde Rusia (Olenegorsk, Murmansk Oblast) viene esta one man band de Black Metal atmosférico y depresivo en lo que es su segundo larga duración. The Horrors Untold se sitúa por derecho propio en plena hornada sinfónica del género con galantes a lo DIMMU BORGIR o CRADLE OF FILTH en su época de máximo esplendor. 

Tras la intro de rigor, Rise Of Dagon nos estalla en toda la cara con unos fantásticos y pegadizos riffs de guitarra. A pesar de tratarse del proyecto en solitario de Tuor (todos los instrumentos), la verdad es que suena bastante compacto (quizás falla un poco la cosa en los tramos lentos en que la batería suena algo descompasada). 

La forma de abordar las voces tienen muchísimo de Shagrath (DIMMU BORGIR) aunque también podría recordarnos algo a los SATYRICON. En la misma línea transcurren temas como "Death From Mount Tempest", muy al estilo de los tramos más crudos de álbumes como Enthrone Darkness Triumphant.

Los teclados sinfónicos aguantan la estructura de "The Mystery of Joseph Karven", tema a medio tiempo que se decanta por el Black depresivo. Líneas lánguidas de guitarra que flotan en la lejanía y unas vocales bastante bien trabajadas. "Pikman´s Triumph" es uno de los puntos fuertes del disco; tras una buena introducción de teclados UTBURD cabalga el medio tiempo a la perfección. 

No es original pero está bien trabajado. Si tengo que quedarme con un corte sería el homónimo "The Horror Untold", mucho más al ralentí, con guitarras melancólicas, recitados y en suma todo eso que mantuvo un género en boga en los 90. Un largo (quizás demasiado) tema donde UTBURD desarrolla todo su potencial.

"He Who Paint In Red" rompe el álbum por completo lanzándose por derroteros ambientales. Voces susurradas y algo de Pagan. Creo que es en estos pasajes tan lentos donde el proyecto gana enteros convirtiéndose en una especie de BATHORY tocado al límite del doom. Curioso inicio el de "Waiting For Death Is Worse" con un hipnótico riff de guitarra sobre el que se va desarrollando otra violenta dosis nórdica. Muy buena por cierto la ambientación que consigue el piano y finiquitando un álbum (salvo un bonus track instrumental que no aporta nada) bastante conseguido que no defraudará a fanáticos del estilo. 

https://satanath.bandcamp.com/album/sat190-utburd-the-horrors-untold-2018

YO MATO POR EL FORMATO (PÁNICO EN EL ECONOMATO)

         

Media vida peleando con formatos. Media vida pensando que ojalá llegara algo que nos diera la suficiente tranquilidad a los coleccionistas y que nos embadurnara con el placer que da sentirse imperecedero. Pero no, somos imbéciles por naturaleza porque bueno, ni vivimos el instante ni lo recordamos al segundo que pasa. Dicho de otro modo... nunca vemos la realidad tal cual es.

Hace un montón de años casi lloro cuando en un viejo catálogo de REPULSE compro las demos de PHLEBOTOMIZED en cd. Edición NO OFICIAL de un sello Mexicano y una inversión considerable para la época. Llega a casa y es un puto CDR de los chuscos con libreto impreso en casa, pegatina del cd blanca con las letras ultra cutres... y para colmo, empieza a fallar al mes y algo. MASTECULT RECORDS es una palabra casi tabú y un debate interminable que no voy yo a perpetuar ahora. Me jodió el timo, me jodió que se estropeara, me jodía el artwork (folios simples con las portadas de impresora casera) y me jode leer debates sobre el tema.

El caso es que sirve de ejemplo semejante cutrez de CDR. Pasan los años que se suman en década y pico. Me encuentro en una tienda de grandes superficies y hordas (literalmente hordas) de quinceañeros gritan: Vinilos!!!! y se lanzan atropelladamente a buscar (por ese orden) algo de BRUNO MARS o de SLIPKNOT. Días atrás leo un artículo sobre la perdurabilidad del CD y de cómo el vinilo ha llegado para quedarse... todo ello mientras recibo ingentes cantidades de casetes algunas bien grabadas, otras infames.

¿Qué diablos está pasando?. Un vinilo de ahora no puede sonar como uno de la época dorada del vinilo (para bien, para mal, sólo digo que el sonido a priori tiene que ser distinto). La sensación (y lo dice uno que compra muchísimo material en todo tipo de formatos) es que se trata de un CD volcado a plástico. Se extiende como la pólvora eso de que el CD se está descomponiendo así sin más, sin contrastar nada... es decir, hay tiradas que como todo en esta vida salen mal, con moho, con defectos de producción y mil cosas pero oigan que no, que el artículo de marras dice que a partir de 25 años se van a borrar los datos y se acabó. 

Así que mientras intento descombar un vinilo que compré en un rastrillo que aunque suena de putísima madre está totalmente ladeado, decido rescatar el infame CDR de PHLEBOTOMIZED y descubro que en mi nuevo reproductor de CD va como la seda. Ni un salto, nada que lo haga sospechoso a pesar de que es más transparente que el tejido cartilaginoso en una larva de rana. 

Juro y perjuro que ha fallado en 3 reproductores. Lo tenía aparcado con una etiqueta de "Radioactividad Sonora" por si se contagiaban otros y todo esto va transcurriendo a la vez que intento autoconvencerme de que mis vinilos se escuchan mucho mejor, que los graves se aprecian más cálidamente (no sé si eso es que tengo que sentir calor en las orejas) y como la masterización ha sido a 45 rpm y tal y cual pues.... STOP.

Tengo otro recuerdo. La infame MANGA FILMS edita un montón considerable de películas de culto y acaba descubriéndose el pastel. Poco más que volcados sin vida de un VHS que quedan como un Video Cd. Pixelizaciones, ralentizaciones y una feísima trama en los pasajes rápidos y coloridos que aunque imperceptible para los sentidos humanos, acaba traspolándose al cambio del DVD al BLURAY.

¿Lo peor?. Todo el mundo opina y aporta datos, espectrogramas, gráficas extrañas de tal o cual aficionado que parece haber convertido su vida en una cruzada proactiva contra tal o cual formato...

NO, LO PEOR NO ES ESO!!!. Lo peor es la duplicidad y triplicidad de formatos en el coleccionista. Ese es el resultado de toda esta patraña, el profanarte la psique para que te creas tal o cual cosa. Encima uno se cree mejor que esos quinceañeros que buscaban sus vinilos cuando no es así. Grandiosas sumas de dinero para comprar mejores cables, mejores cápsulas, pletinas de cassette de nueva generación... y me surge otro recuerdo.

Hace unos años lo que se llevaba era conseguir LA MÁS COMPLETA EDICIÓN POSIBLE. Es decir, si pillabas algo de Jazz, tenía que llevar mil Alternative Takes. Si pillabas progresivo tenía que traer descartes, temas extra, bonus tracks de las mismas sesiones... era obsesivo. Sin embargo, ahora vuelven las limitaciones temporales del vinilo y te sacan el disco TAL Y COMO ERA. La rueda se completa y lo peor no es eso, es que a penas han pasado 5 años de todo lo anterior y seguimos lanzados en una carrera indomable hacia no se qué.

Para finalizar esta payasada vuelvo a poner otra vez el CDR de PHLEBOTOMIZED y otra vez va como la seda.

AD NAUSEAM +

GYAKUSATSU - "AIRE SOLEMNE II: DEATH" (MATTOID RECORDS; mr-019, 2016)

La bestial muralla física que te golpea cuando te enfrentas a GYAKUSATSU tiene una vertiente bifocal. Por un lado, sabes que estás ante algo ancestral cuando sientes el ruido como partículas que te horadan (como los electrones y protones en una lluvia radioactiva), cosa que sucede cuando el volumen es alto y sin concesiones. Por otro, a pesar de hablar de tribalismos, atavismos y demás arraigos antropomórficos, el Harsh Noise del veterano Óscar no creo que sea totalmente de este mundo. 

La extrema violencia que se alcanza tanto en los momentos sosegados como en los arrebatos más agrios es sólo equiparable al espasmo de la tetania o al sudor frío de la sepsis. Si bien otros proyectos suyos como PERSONA se centran más en la oscuridad del Dark Ambient en HEULEN o este GYAKUSATSU se trata de sumergirse en el lado menos amable de la psique humana a través de la morbosa frialdad de la muerte.

Es algo así como la sensación que uno experimenta escuchando el disco de CON DOM, How Welcome Is Death to I Who Have Nothing More to Do but Die. La muerte convive con lo vivo en una comunión tan íntima que diríamos hermanada. Mezcla perfecta entre sonidos procesados, voces inhumanas al borde del colapso y un uso excelente del sampler como apoyo atmosférico en toda la base Noise del disco que son la de alguien que se nota que lleva muchísimo tiempo experimentando con texturas industriales.

Curiosamente, el Power Electronics o Death Industrial no siempre es tan evidente de catalogar. Obras de culto como TIBETAN RED de Salvador Francesch a veces juegan al despiste traspasando la barrera no física entre el ruido experimental y la solemnidad de las músicas de vanguardia. Quizás todo sea por la sempiterna, soterrada mirada de pioneros como VÍCTOR NUBLA (que junto a TIBETAN RED editarían en 2002 el disco Tao Point), MACROMASSA o el murciano emigrado a Barcelona ANTON IGNORANT. Otros como JAVIER PIÑANGO, MIGUEL ÁNGEL RUIZ o JUAN ANTONIO NIETO mantienen desde hace mucho un pulso mantenido con la oscuridad más abstracta que campea entre los dos mundos.

Personalmente creo que la clave y diferencia radical no es el sonido en sí (más o menos orgánico, más o menos electroacústico...), sino los aires malignos que adquieren propuestas como las de GYAKUSATSU y perlas de los sellos MATTOID, MARBRE NEGRE o MAGIA ROJA. Así pues, es jodido pensar que la diferencia entre ser considerado un maestro pionero o que te cataloguen de simple ruidista es algo tan a priori vacuo como que añadan a tu música la etiqueta de Ambient o Electroacústica. 

Resumiendo, parece más intelectual una performance/acción de electroacústica que una sesión de ruidismo puro y duro a lo Cold Meat Industry y eso, la verdad, es una completa y soberana estupidez pero ya sabemos que los trajes de la crítica suelen ser elegantes, fastuosos y a ser posible  y siempre que puedan evitarán conceptos tan salvajes como los asesinos en serie, las filias o la represión religiosa. Sigamos...

Aire Solemne II está editado por MATTOID RECORDS y viene en un precioso Cardboard negro a tinta blanca sellado y numerado a mano; dentro las letras en un pequeño librito y el cd en negro imitando a vinilo. Precioso como la práctica totalidad de las ediciones de los sellos mentados antes.

"Aire Solemne III (Intro)" es un in crescendo de anomalías y susurros que acaban en gritos de agonía, ligeras texturas que adquieren la potencia de un huracán para acabar fundiéndose en una marcha de Semana Santa. Toques a CONTROLLED BLEEDING en "Offred" que destila el buenrollito de un zumo depurativo con base de mercurio y rechinar de dientes. Para amantes de GRASSA DATO, TUBE TENTACLES o CARLOS VILLENA.

Sigue la más atmosférica "Paraules de Mort (Reichell)" con un tratamiento más psicofónico del ruido que nos llega en modo retransmisión estelar. Muchísimas capas de texturas hacen imprescindible el uso de auriculares para captar la multitud de detalles y la vibración de las frecuencias que en la mayoría de estos discos no suelen tener compasión con el oyente. "Charlotte" se reviste de ruidismo a lo MERZBOW mientras un recitado histriónico y apocalíptico acaba fundiéndose en un eterno valsalva pseudo-vocal. Sin respiro la turbina imposible de "Nastenka (3ª Noche Blanca)" para terminar de ponerte los andamios en la obra en construcción de tus tímpanos.

Banda sonora de necrológicas y periodismo de sucesos en el relativo sosiego con toques a FUTURO DE HIERRO y COÁGUL en "L´agonía Dels Sons" y la subsónica "Eterna Amy", equivalente a ceremonia funeraria en el espacio exterior. Atentos a cómo se quiebra en una melodía pop sampleada sobre la que se yergue el inhumano recitado de Gyakusatsu, con algo del Hentai macarrónico de KURZ KONFLIKT en Geisha From Hell.

El final con la panoplia funesta de "Rosas Para La Eternidad (Deseo)" y el camuflado techno en "Aire Solemne IV (Death)" ponen el broche de oro dentro de la carne para que te sientas dolido a la vez que amado. La próxima vez te toca a tí sangrar.

https://mattoid.bandcamp.com/album/aire-solemne-ii-death

MOHAMA SAZ - "VIVA EL REY" (HUMO RECORDS, 2019)

El tercer trabajo de MOHAMA SAZ se titula Viva El Rey y nos trae a la banda en formación de quinteto con ADRIÁN CEBALLOS (batería), ARTURO PUEYO (clarinete, saxo, clarinete bajo), JAVIER ALONSO (baglama saz, voz), SERGIO CEBALLOS (bajo, voz, guitarra) y RUBÉN MINGO (percusión). Si sus anteriores More Irán (2015) y Negro es el Poder (2016) eran frescos, irónicos y de una maestría instrumental soberbia, este nuevo trabajo significa no sólo una maduración compositiva importante, sino que la versatilidad es tan amplia como coherente, y de esto hablaré luego largo y tendido.

Edita en todo su esplendor HUMO tras la puesta en físico por Miguel Lorenzo en los INFLUX ESTUDIOS (Salamanca) y el aliño en salmuera sonora de Carlos Díaz en Santa María de la Vega (Granada). El masónico y acertado diseño, obra de Miguel Alen de Luna (El Rapto). Ya que citamos al sello, pues decir que HUMO se reafirma con escudería ecléctica como pocas. Sólo tenéis que pasaros por su bandcamp para ver qué tipo de bandas estatales están editando.

Para abrir boca, mente y contexto, aquí os dejo un enlace a las reseñas que hice de sus dos primeros trabajos, la primera de ellas en la revista KARATE PRESS: 

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com/2017/04/mohama-saz-negro-es-el-poder-humo.html

El camaleónico sonido de MOHAMA SAZ adquiere en Viva el Rey una sutileza que asusta; un disco tremendamente lírico que si bien tiene espacios para la improvisación, se yergue como artefacto urdido con la precisión de un canto rodado lanzado por la honda de un pastor beduino. El corpus estilístico son las músicas de oriente medio, el aliño a base de Kraut alemán tanto en sus versiones jazz rockeras como en sus arranques percusivos motorik ya nos indica de tenemos que hacer un esfuerzo considerable por definir la música del combo afincado en Madrid. 

Cuando crees que estás en territorio amable todo se torna hostil con aderezos de psicodelia turca, abrazos al sinfónico británico y al Canterbury o a esas soterradas Óperas Jazz de la improvisación británica... y es que el jazz cuando aparece en el disco, recuerda muchísimo a esas grabaciones de OGUN RECORDS. Pero claro, uno tiene que ver el bagaje de estos músicos especialistas en moldear la realidad y traer a este lado de la realidad a ERKIN KORAY, EDIP AKBAYRAM o la desfachatez sublime, esotérica e impredecible de los SECRET CHIEFS 3, sonido que se capta a la perfección en la desértica intro cargada de eco que es "Los Jinetes del Destino", que se continúa de forma magistral arropado de percusiones arábigas y fraseos alucinantes de los instrumentos de cuerda. 

Los cánticos vocales en "Avisenawino" pueden recordarte a una versión persa de TRIANA, cosa de la que tiene la culpa una base rítmica que horada lo árabe hasta llegar al flamenco en su versión progresiva. Ojo que con esto no estoy hablando de Rock Andaluz sino de sabia fusión de estilos que aunque terrenales, tienen el punto de mira en el Space Rock hasta el punto de que se hace impensable no traer a colación a GONG en su etapa de DAEVID ALLEN o en sus facetas más posteriores y étnicas de MOTHERGONG. 

Al fin y al cabo, de lo que estoy hablando es de Psicodelia; de reavivar los rescoldos de RIP K.C., SCHWARTZ o LÜGER en "Esplendor de Cristal", un brutalísimo himno estelar en el que perderse.

Es de ese tipo de temas que van lanzados a medio tiempo, a punto de entrar en ignición y que tanto me recuerda a los desaparecidos FOOZ o incluso a VIAJE A 800. El combustible que sustenta esa percusión lanzada a lo HAWKWIND es el inconfundible sonido del Baglama Saz, los etéreos cánticos y la retroalimentación Fuzzera que va creciendo conforme el tema se espande... es como intentar sellar un agujero negro con una pistola de poliuretano (complicado, no?). Por debajo de todo, el clarinete bajo se permite el lujo de crear una red neuronal por la que se esparce todo como una sepsis del Universo. Fastuoso.

Incluso uno podría acordarse de KAMASHI WASHINGTON en "Nenúfares" gracias a esos devaneos frasales de los vientos, los épicos coros soul y su fundido a cero tan AfroJazz. Cierra la Cara A esa perla de Fok armenio que es "Erzeroumi Shoror" donde destaca una percusion excelente, versátil y unos pegadizos ritmos bailables del resto de instrumentos que desafían mi incapacidad natural para el baile (si yo hiciera el baile de Zorba el Griego me detendrían por alterar la paz pública).

Siguen las sorpresas en la Cara B con "Altiplano", recreaciones de Putucun y Viday (tonadas tradicionales de Bolivia), y donde destaca una fabulosa interpretación vocal. En su tramo final, el corte se carga de groove setentero, espíritu de Jam que se elonga y caracolea en la vuelta a los ritmos del altiplano para finiquitarse a lo grande con la repetición del estribillo. Como mezclar a la ART ENSEMBLE OF CHICAGO en su etapa funk tardía y rock progresivo andino (que lo hay).

"King´s Safari" tiene algo de Klezmer o al menos así me lo parece. La base rítmica más dura (otra vez HAWKWIND) y hard rockera acaba estallando en una cabalgada instrumental mientra la guitarra y baglama se explayan a placer tanto en su faceta más improvisatoria como en la pegadiza melodía central. 

No decae el nivel un sólo instante. "Semana Santa" muestra por qué MOHAMA SAZ son tan jodidamente buenos. No basta con tocar estilos como la Psicodelia Turca, el Free Jazz o la World Music... es que hay que mezclarlos de forma orgánica y sin estridencias, y eso es Viva El Rey, un compendio de cosas metamorfoseadas en uno solo discurso sutil, como sutilmente se abre paso dentro del corte un clímax brutal con ecos a NEU! en el interior pero rebozado de Rock de Anatolia.

Precioso cierre de Flamenco atávico y trascendental resulta "La Marcha del Rey", colofón preciosista para un disco con ningún defecto. IMPRESCINDIBLE.

https://mohamasaz.bandcamp.com/album/viva-el-rey

ORTHODOX / PYLAR en Sala X, Sevilla, 8 de Febrero (GRAN PODER)

Dejadme que ponga primero los datos de rigor: Sevilla, Sala X, Pabellón Solar, gente conocida, camisetas negras, A Lord That is Broke No More, una contractura cervical, no me cobran la gasolina, la sonrisa me da la vuelta a la cara y en la nuca le doy un pespunte para que no se me caiga la cabeza, conservo el pelo a mi edad y allí habían muchos que ya no, la sala estaba abarrotada, un poco más y me cargo a uno de los cámaras de un cabezazo porque no lo ví. Ya está, así resumo rápido las cosas de siempre.

Una pléyade de plañideras salen por una esquina de la sala. Portan lo que parece una trompeta tibetana (al menos eso me parece, aunque más corta... un Dung Chen); una Shruti Box, flautas... un desfile desde el Inframundo emitiendo una sola nota vocal desde diversas perspectivas. Un canto fúnebre sostenido en el que cada voz se trenza y aporta volumen a un rito iniciático de descenso. Diversas formas de captar el canto a los difuntos desde la antigüedad y desde el punto de vista de lo multicultural. 

Yo, aporto mi parte con una relajación bestial de esfínteres como dádiva a lo que ya no está presente en este lado de la realidad. Amigablemente, al final del concierto me devuelven mi dádiva en un tupperware y me dicen que me lleve mi mierda de regreso a casa. Los dioses y las diosas no necesitan mi podredumbre y que lo guarde en nevera y ya si acaso hiciera falta me llamarán...

Mientras tanto, se va creando el muro de sonido característico en PYLAR. Eso está transcurriendo arriba en el escenario. Abajo somos partícipes de un reseteo de lo preconcebido a niveles reptilianos. Partir de cero hijos de perra, porque el puto Post Rock ha dejado al público demasiado tenso, demasiado pendiente de que no se les mueva un maldito complemento de vestimenta y yo, que no sé de nada, pero sé que llegará el día en que forme parte de esa procesión de dolientes, prefiero conectarme atávicamente a ese cordón umbilical que hace que mi mente juegue en otro lado de la realidad... vaya, como la peli EXISTENZ de Cronemberg, ya casi que tengo el puñetero puerto de conexión creado a la altura del Chakra del Plexo Solar. 

El sonido muy equilibrado (el anterior técnico de sonido con el que los vi no dio en la tecla). A la izquierda la guitarra de BAR GAL parece haberse tornado más cósmica, espacial y con unos efectos puntuales que parece que estoy siendo dragado por un basurero espacial. A la derecha el combo violín y trompa mantienen ese pulso constante que los hace tan distintos. Una base rítmica imposible con una batería que es La Sombra de sí mismo. Imposible de captar pero jodidamente físico porque vaya manera de aporrear la batería. 

Ustedes quizás no lo sepan, pero esto trata de metal, y así lo ponen de manifiesto los dos temas nuevos que tocan, imbuidos de Black Metal. LENGUA DE CARPA está distinto; lo noto inquieto. La razón pronto se hace evidente gracias a unas voces guturales que me eventran hasta el punto de que acabo jugando a la comba con mis tripas. 

Cuando quiero darme cuenta, un ritmo ultra fúnebre parte en dos la sala. Unos toques percusivos a la altura de unos SKEPTICISM y luego vuelta a la furia. La procesión vuelve a la sala y no sé si ha sido una mala pasada pero he tenido la desfachatez de mirar a la cara a una de las figuras y me ha tendido la mano. Juro que he visto el otro lado, ese de donde fueron expulsados PYLAR. 

Ese basurero químico, lejano, singular, épico y atlante donde los caballeros se apoyan en báculos de madera, las damas se deslizan flotando porque son diosas y los domingos se practica la cópula libre. 

++++++++++++++++++++++++++++

Gran Poder destroza mi vida cuando se edita en 2005. Me cambia radicalmente de punto de mira musical (andaba yo un poco de capa caída con el género extremo) y me reconvierte a lo que sea que soy ahora. Es por eso que cuando el Solemne Triduo abre con ese himno morriconiano que es la "Marcha de la Santa Sangre" se me ponen los vellos tan de punta que al final del concierto la organización me agradeció que les barriera el techo que hacía tiempo que no le quitaban el polvo.

ORTHODOX se calza "Geryon´s Throne" y lo mece a placer como si no hubiera pasado nada en este tiempo. A partir de ahí es todo un trance y una banda más engrasada que nunca se lleva esa mezcla tan particular de EARTH, SLEEP y música procesionaria a un nivel más técnico de como sonaba hace más de diez años. La guitarra es más intrincada y donde antes habían espacios de acople y distorsión ahora caben más notas como en una Matrioska infinitesimal. Escuchado con la perspectiva de los años, esto sigue sonando no sólo fresco sino único y poderoso.

El pecho me duele. Y me duele porque la percusión es tan destructiva que sospecho que una astilla de esas baquetas hechas con la madera de la cruz han desprendido un trozo que ha salido lanzado a mi corazón.  Sangrar no sangro pero no me atrevo a quitarla. Vaya manera más dura, más seca de golpear los parches... la compenetración con el bajo de Serrato y su presencia siguen ahí, con ese fruncimiento de cejas y el tono, timbre característicos de la voz.

Gran Poder 2019 es lo que tiene que ser, la primera parte impresionante de un set list que se completa con cosas de Baal que cada vez suenan más violentas y que quedan muchísimo mejor y más acordes que cerrar con las versiones de BLACK SABBATH o VENOM... siempre he pensado que sí, que están de puta madre y tal, pero una banda del calibre de ORTHODOX no las necesita para nada y es preferible escuchar temas de ellos.

Iberia primero, luego Gaia, ORTHODOX van a reconquistar un Mapa Mundi que les pertenece por derecho. Si REVEREND BIZARRE eran como una marcha apesadumbrada de Paquidermos, el trío sevillano va a llegar a tu puerta como en una versión gigantesca del Mito de Troya, solo que vendrán dentro de elefantes porque bueno, fenicios cartagineses o sirios, Moloch Baal es aquel que viene de Canaan con su yugo y cuando quieras darte cuenta, tu espina dorsal formará parte de un varal en un trono apócrifo, bastardo y pagano que se venerará la próxima Semana Santa.