MAMÍFERO - INCENDIA! (EL MUELLE RECORDS, EMR-019, 2016)

"INCENDIAR: 1. tr. Prender fuego a algo que no debería quemarse. Incendiar un edificio, las mieses. U. t. c. prnl."

El nuevo trabajo de MAMÍFERO es INCENDIA!, tras aquel debut homónimo en formato dúo que reseñé en su día:

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2016/05/mamifero-mamifero-el-muelle-records.html

Pues bien, borrad de vuestra mente cualquier conato de cordura que podáis tener y por favor, dirigios hacia el lanzallamas más próximo manteniendo el orden. NACHO JAULA, armado con una incendiaria guitarra, un bajo, un MS-20 y vaya usted a saber qué cacharros más, graba y produce este INCENDIA! acompañado de una serie de carbonizados músicos que iré nombrando más adelante si es que no se deshacen antes como ceniza (que hoy sopla un viento del carajo).

Masteriza el propio JULIO SENMOVE en los SUDBLOCK STUDIOS, y todo ello arropado por el tremendo artwork del propio JAULA. Edita como no EL MUELLE RECORDS en formato digipack con textos de LORENA IZQUIERDO APARICIO (Los secretos son ya y ya / un cúmulo de sauces gritos / no hay truco en nuestra flor / las jaulas saltan y forman jilgueros).

La guitarra distorsionada abre el disco con "Incendia!", declaración de intenciones desde el segundo uno. Esencialmente Noise e Industrial con electrónica y avalancha de objetos acústicos (incluso algunos de viento) en lo que podría ser una especie de mezcla entre los primeros DIE KRUPPS (escúchese "Stahlwerksinfonie")  o los EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN. 

Sigue "Planta Un Plan", con el MS-20 dialogando antropológicamente con el músico (¿quizás el lenguaje más antiguo que conoce el hombre?). El característico, omnipresente sonido de JAULA se construye a base de computación analógica, vientos que transportan virutas de hierro y un extraño campo magnético juguetón (tiene la virtud de apagar marcapasos, arrancar prótesis de titanio y hacer que se eyaculen los empastes dentales)... o lo que es lo mismo, algo así como JOHN ZORN en sus discos con COBRA.

La colaboración con JAVIER PIÑANGO (MS-20, procesos) define el abstracto tema "Redes", pura electroacústica e improvisación electrónica a lo ESPLENDOR GEOMÉTRICO de la primera época. Bestiales las secuenciaciones y mini-ritmos analógicos que casi parecen emular el croar de ranas cibernéticas. Una charca llena de sonidos en un polígono industrial abandonado quizás podría ser un buen símil del tema, tan sólo sustituir el agua por papel metálico conectado a una pila de 9V.

Vuelve la guitarra distorsionada hasta el infinito en "El Discurso Del Miedo", creando un entramado de ruidos y acoples bestial muy deudor de la escena ruidista patria (véanse las barbaridades de VÍCTOR NUBLA con MACROMASSA a lo "Mi Amigo El Ombligo", con el canadiense TIBETAN RED o en solitario), aunque sin el cariz bailable de ésta y más en modo Drone.

El siguiente corte, "Chamán Sónico", cuenta con la guitarra acústica, voz psicopómpica y procesos de A.L.GUILLÉN. Una suerte de modificación perceptiva sonora de la realidad donde lo electrónico y lo acústico adquiere connotaciones espirituales, de comunión sacra con los espíritus (realmente hay que escuchar el tema para creer, porque es elevador escuchar cómo la guitarra vomita las notas en modo hormigonera. 

El cortísimo "Arte Para Cruceros" hace de puente con "El Cadáver De La Democracia", ambos puramente MAMÍFERO y volviendo al cariz más abstracto a lo ESPLENDOR GEOMÉTRICO. Posiblemente de los temas más duros del disco aunque el segundo tiene un interludio melódico catedralicio (creo que de MS-20, pero puedo equivocarme) que me pone los vellos de punta... especialmente cuando irrumpen una especie de campanillas que invitan a arrodillarse como en la consagración del pan del rito cristiano de la Misa. "Extintor Averiado" con la guitarra eléctrica de PEPO GALÁN termina este triduo de temas abstractos con tres minutos de puro Noise.

El pulsátil y anómalo "El Pájaro Ladrón" es otro experimento de NACHO JAULA jugando con los tempos más lentos de los secuenciadores y una serie de ráfagas minimalistas a lo IKUE MORI. Pájaros biónicos en una jaula electrificada parecen emitir su particular cháchara de alpiste en mal estado y bebederos de agua ponzoñosa... tremendo.

Sigue "Navajazo" con el saxo tenor de ACHILLEAS POLYCHRONIDIS en un corte que bien vale un proyecto por sí solo (hasta aquí puedo leer). Toques a lo HEMOPHILIAC de ZORN en una agresiva incursión de Free Jazz (vientos tenores cargados de feedback y eco) y electrónica meditabunda. Si muero antes que esta gente, que por favor me escriban un epitafio sonoro.

Cierra "Humo", lenta marcha tribal que suena Doom por los cuatro costados. Una procesión alucinante de melodías tecno-industriales con una cadencia infecto contagiosa. Pebeteros ardientes, cuerpos cremados en ríos sagrados y fuerte aroma a unos ESPLENDOR GEOMÉTRICO que hubiesen cambiado el estudio de música por una casa fúnebre, 

"Humo" es el contar de los muertos tras la batalla, el daño colateral indeseado y la disolución de la carne por el fuego. Si sólo tienes dinero para un disco, quema el billete y róbalo... luego mete tus genitales en ascuas ardientes para purgarte si fuera necesario.

https://elmuellerecords.bandcamp.com/album/incendia

ADVOCANCIONES 3... EUREKA!

La cosa es como sigue. Vengo exclusivamente del futuro para dirigirme a la sala de conciertos Maria Cristina para la celebración del  ADVOCANCIONES 3, actividad encuadrada en la programación del MaF (Málaga de Festival) y con el "Espacio Exterior" como leit motiv del asunto. Aparco mi máquina del tiempo entre un berenjenal de gente bebiendo y comiendo en bares, carnavaleros dándolo todo y cuál es mi sorpresa que cuando voy a recogerla al final del evento me la han robado... bueno, tampoco tenía nada que hacer demasiado importante mañana. Allí me planto yo tras dar un garbeo por el centro y se produce una curiosa serendipia. En una librería de viejo me encuentro un añejo vinilo de esos que huelen a nostalgia donde desconocidísimos músicos reinterpretan temas de música clásica en modo electrónico. El primer tema que abre el vinilo es ASÍ HABLÓ ZARATUSTRA de Strauss.

Pues bien, lo primero que escucho cuando entro en la sala en la prueba de sonido de THE BLACK LENNONS es una versión de dicho tema que se han marcado para la ocasión... ¿mucha casualidad, no?. El entorno recogido, casi en familia, impone bastante. Abre el evento un recitado de Isabel Guerrero del ensayo cosmológico EUREKA de POE, se posicionan los músicos de THE BLACK LENNONS y el juego caleidoscópico de luces con las proyecciones de viejas cintas de CF es como en la peli esa de TRON.  Me llama la atención es el brutal cambio de sonido del grupo, mucho más oscuro que su primer disco "Querida Lógica", que reseñé en su día cuando salió:

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2016/06/the-black-lennons-querida-logica-el.html

Abanderados de un Post Punk bailón y adictivo como pocos, el dúo, trío o lo que sean (ya me tienen liado) dieron un pedazo de concierto espectacular. Los sintetizadores, las cajas de ritmo como cascadas voltaicas y los guitarrazos de Julen Palacios se retroalimentan del theremin enloquecedor de Silvia Grijalba, con mucha presencia escénica y que encima se marcó un par de recitados en dos temas que son para escuchar y creer. Y como colofón la versión de ASÍ HABLÓ ZARATUSTRA, en clave de Spaguetti Western Post Punk que contó con Damián Howsoon a la batería (Trío Mudo) y que sonó bestial.

A continuación suben al escenario CONSTELACIÓN, formados para la ocasión por Isabel Guerrero (batería y voces), Pedro R. Martín (guitarra) y Pablo Bujalance (poesía, voz y bajo). Se marcaron una fantástica actuación a base de mezclar la poesía con la música espacial con una primera parte que recordaba a esos recitados de puro delirio característicos de Robert Calvert y HAWKWIND en el SPACE RITUAL para luego explotar en su parte final a lo PINK FLOYD. 

La poesía de Bujalance maravillosa, de esas que te hacen dudar de tu existencia y te disuelven en la nada. Ojalá este proyecto tenga continuidad porque no todos los días se unen poesía y Space Rock con tanta delicadeza y buen gusto... bueno, hay gente que sí que lo ha hecho. Recuérdense esas ecolalias lisérgicas de Gilli Smyth con MOTHERGONG y de Daevid Allen ya que estamos puestos; poesía espacial al servicio de los estados alterados de consciencia.

Se cerraría el evento con los sevillanos HI COREA!, con una potente y vitamínica muestra de cómo hacer que el indie suene interesante, divertido y original a base de unas percusiones tribajes ultra pegadizas, guiños al hard rock de los años 70 o algunos temas mucho más electrónicos y minimalistas. Una banda en plena explosión creativa con un directo fabuloso. También espacio en su sonido para la furia técnica del math rock o los ritmos Motorik a lo NEU! y LA DUSSELDORF... eso sí, tamizados por la psicodelia de índole mas californiana en esa grandiosa jam última que nos sumió a todos los presentes en una orgiástica comunión con los músicos. Derroche de energía la de esta gente y un rato agradable hablando de mi idolatrada escena sevillana.

Y bueno, agradecer a la gente que organizó el evento porque realmente mereció muchísimo la pena. A la vuelta, las calles abarrotadas de lo que se lleva en esta ciudad... bares, alcohol, terracitas con estufas y cerebros estufados. Aunque he perdido mi nave del tiempo, casi que prefiero quedarme aquí, porque el futuro no es que sea demasiado prometedor.

MONO CANÍBAL, electrónica para PRIMATES

Lo que voy a contaros es algo bizarro. Desde BRAINDEAD no tenía ningún trato con primates, y he de reconocer que he quedado sobrecogido con la siguiente historia, que a algunos quizás les parezca alguna suerte de guión de película de Serie B, pero que por el contrario es muy, pero que muy real.

Empecemos por el principio. Recibo en el buzón una cinta envuelta en pieles de plátano, apestando horriblemente y con una extraña misiva. La cinta es un Split Cassette compartido entre MONO CANÍBAL y SLUMS, editada por el  sello CRANEAL FRACTURE RECORDS.

Ni corto ni perezoso, me pongo en contacto con la persona detrás del proyecto y me cuenta una aberrante historia de amor y pasión antropomórfica. Un antiguo músico de metal que es subyugado al extremo por el amor de un gorila guasón: 

"Todo comienzo es duro y más si eres un Deathmetalero garrulo que no aguanta nada que no tenga voz gutural, pero la experiencia hace que se abran nuevas fronteras y las ganas de explorar nuevos terrenos que dan pie a diferentes proyectos y objetivos. Una cosa lleva a la otra.

Mono Caníbal nace de repente. Me levanté un día y pensé sin más... voy a comprar unos sintetizadores y hacer esta mierda. Hace ya un tiempo me interesa la música ambiental, industrial y electrónica oscura. Siempre tuve en mi cabeza el disco "Blood Red Poppie"s de Gerome Nox como algo que algún día intentaría hacer y a esto se sumaron varios discos como el proyecto Drokk: Music inspired by Mega - City One o la banda Raime y su "Quarter Turns Over a Living Line". 

Un disco que me reventó la tapa de los sesos fue "Fungus Baby" de Zoltan Coxis. Y después, para colmo, apareció sin más Urano y Putón. El tono desenfadado de este último me dejó tocado del coco y ya no ha habido vuelta atrás. 

Así que fui a una tienda de segunda mano a la que siempre acudo a comprar vinilos y demás cosas insólitas ubicada en una calle lúgubre. La regenta un señor mayor de origen japonés y le pregunté por algún sintetizador. Me enseñó uno de la marca Monocachi y sonaba realmente muy bien. Lo empaquetó en una caja muy grande y lo subí al coche. Me comentó que ya le pagaría la próxima vez que fuera a comprar vinilos, que primero probase todo bien por si tenía algún defecto al ser un artilugio antiguo. 

La sorpresa sucedió al desembalarlo cuando llegué a casa.  A partir de ahí, todo cambió. Al abrir la tapa de la misma observé dos luces pequeñas y redondas y se oían unos extraños gruñidos. De repente, salió una especie de mono muy raro y cabrón. No pronunció palabra alguna pero se comunicó conmigo telepáticamente. Afirmaba provenir de otra galaxia y llevar años dando tumbos por ahí. No me extraña, no hay quien lo aguante. 

¡El muy cabrón ya no me deja en paz! Sólo se calma cuando hacemos música juntos o vemos los partidos del Atletico de Madrid. El resto del día es insufrible. 

Al día siguiente volví a la tienda y esta había desparecido, como si nunca hubiese existido. El cabrón del anciano me la jugó bien. Llamé a la protectora de animales explicándoles mi situación. Me preguntaron si era un mono muy cabrón de otra galaxia y cuando dije que sí, me colgaron el teléfono. También me puse en contacto con la policía y demás estamentos gubernamentales y no quieren saber nada. 

Finalmente llamé a Manuel Carballal para explicarle la situación desesperado y pedirle consejo. Contestó que conocía el caso, sin embargo también quiso desentenderse y no volvió a mencionar al mono cabrón. No me quedó más remedio para paliar esta situación que ponerme a grabar todos los días con él para soportarlo. Hago un llamamiento por si alguien me quiere ayudar con esta tortura y se lo quiere llevar para su casa, ¡no lo aguanto más!".

Preguntado el mono y el humano sobre qué es lo que mueve su proyecto, esto es lo que me responden:

"Para mí la música debe de ser oscura y densa. Lo principal es que sea un viaje, eso es muy importante. La describiría como mi LSD. Aunque por otro lado, me pongo el vinilo de la BSO de "Beat Street" y el Mono se pone a bailar break y nos quedamos tan panchos. Depende del momento, pero si la tengo que hacer yo, debe de ser siempre oscura -o no... me contradice el Mono. Quizá mañana nos de por otra cosa, esto es un sin vivir. ¡Sacadlo de aquí! ¡Argh!".

Y claro, una vez escuchada la música de MONO CANÍBAL (que ocupa la Cara A), ya vamos viendo un poco por donde se mueve el asunto; un oscurísimo tema espacial de electrónica subyugante, arrastrada y con todo el sabor añejo de lo analógico. Ondas de radio psicofónicas que dan paso a una lenta melodía ambiental que discurre en segundo plano, achicharrándote las neuronas como una tortilla de neurotransmisores rebozados en tempura. Quizás el nombre del tema os aclare algo... o no: "MONO CANÍBAL VS TRANSPONEDOR DE LO MATERIALÍSTICO".

Justo cuando crees que estás a salvo, el tema muta sobre sí mismo necrosando la cinta magnética con Reverbs, Delays y melodías en diente de sierra. Unos samplers de primates irrumpen bestialmente venidos de la nada mientras un ritmo ochentero entrecortado a lo CARPENTER me descoloca completamente. No sé si estoy en una jungla real o me dirijo río Congo arriba para follarme al capitán KURTZ... tal es la confusión en la que me encuentro. Alucinante.

Pero claro, la cinta es un Split, y necesito informarme sobre cómo surge el proyecto con SLUMS, grupo todavía más oscuro y del que solo averiguo que lo forma Jose de CRANEAL FRACTURE:

"El contacto con Jose de Craneal Fracture Records surge a raíz de otro proyecto, Misa Tridente, que tengo que terminar algún día. Me propuso sacar algo con el sello y al final iba a colaborar con Misa Tridente pero todo desembocó en el proyecto compartido con Slums."

También le comento al primate maligno este que su música tiene cierto cariz cinematográfico, más al averiguar que posiblemente hay gente de BUIO MONDO por aquí metida:

"El tema del cine siempre ha estado presente en todo lo que he hecho hasta la fecha. Es algo que es instintivo en mi manera de hacer las cosas. A veces, antes de sentarme a grabar, pienso en escenas de pelis y qué música iría bien en ese momento, en otras no se me pasa por la cabeza. Lo veo como un aliciente más.

Influencias tengo muchísimas afortunadamente. Hace poco andaba pensando en por qué nunca puedo hacer una estructura redonda, típica o sencilla. Creo que es por la cantidad de death metal americano que he consumido. Grupos como Suffocation o Morbid Angel siempre han hecho estructuras más retorcidas". 

Pero si hablamos de electrónica, drone o ambient, los grupos que le molan al Mono son Gerome Nox, Pharmakon, Atrium Carceri, Koenraad Ecker o Espectrostatic. Es complicado, son muchos estilos de música los que escuchamos y cada uno impacta de distinta manera a nuestra música."

El tema de la Cara B (UNSETTLED) es mucho más ruidoso y abstracto. Como una cinta mal grabada nos van llegando melodías de lo que parece ser una guitarra a punto de borrarse como el cuello del útero de una parturienta... aunque bien podría ser una sierra radial y estar yo confundido. Esto es Lo-Fi Noise llevado al extremo y sólo apto para amantes del estilo. 

Recomiendo escuchar con auriculares y sin prejuicios y palabrita del Niño Mortimer que cuando llevas diez minutos sientes que tu propio culo se ha tragado tu cuerpo... un tema anómalo, enfermo y perverso que va adquiriendo conforme avanza más estructura a base de Flangers agudísimos. 

Drone Noise con muy, muy mala leche (algo así como lo que hacía la casi desconocida banda UNCERTAINTY PRINCIPLE). 

Para finiquitar la seudo-entrevista, esto es lo que MONO CANÍBAL me ha contado sobre los proyectos de futuro:

"Ahora mismo me acaba de mandar el cover Manuel Cantero (Proceso Negro Art Studio) de lo que será el primer trabajo completo de Mono Caníbal. Estamos muy contentos de poder auto editarlo en breve en un cd-r cutre y salchichero. El Mono amenazó a algunos sellos para que lo editaran, pero se le fue de las manos y todo acabo en tragedia. Así que lo haremos nosotros mismos. 

Los temas son los mismos del bandcamp pero con algún retoque y con un master a cargo de mi amigo Jose F. Rojo de Red Records Estudio. En él también incluiremos "Susto o Muerde" con Urano y Putón.

Por otro lado al muy cabrón se le metió en la cabeza de hacer rap. Cuando se pone muy pesado ( ¡no os hacéis idea!) le pongo pelis de pandilleros, breakers y movidas de ese estilo, de esta manera lo tengo entretenido un rato mientras yo hago mis cosas. Y¿qué hizo? No paraba de darme por el culo con que quería hacer un disco de rap a lo que le contesté que nosotros no sabíamos rapear. Decidimos que había que buscar a alguien que lo hiciera bien, pero no podía ser cualquiera. 

Tenía que ser original y oscuro. El Mono me comentó que en sus viajes por la galaxia anduvo una temporada por Wolf 424 y conoció a Sagan del grupo UMMO. Ahora andamos componiendo la música y preparando junto a él un proyecto especial. Si todo marcha bien, será un trabajo audiovisual bastante retorcido. 

Espero que todo salga bien porque el Mono me tiene frito con el rap de los cojones."

https://cranealfracturerecords.bandcamp.com/merch

JUAN ANTONIO NIETO - "IMPERFECT" (MOOZAK; CASSETTE, 2016)

A través del sello MOOZAK (Viena), JUAN ANTONIO NIETO edita su nuevo trabajo "Imperfect", un compendio de estructuras digitales erróneas a modo de matrices que se entrelazan para darnos como resultado el Score de un mundo basado en los errores. Una especie de Coda de ruidos, Lo-Fi digital a base de estertores, golpes y chisporroteos que por alguna suerte de anómala naturaleza acaban cohesionándose en su propio ecosistema. La presentación del trabajo es exquisita. Una cinta de cassette con una cubierta en 8 colores fabricada a base de degradar círculos concéntricos en papel de 300 gramos (artwork a cargo de CLEMENS HAUSCH).

JUAN ANTONIO NIETO se encarga de todo el espectro sonoro de los 47 minutos que compone la obra. Sobre el artista podría hacer un monográfico extenso. Desde su inicial faceta de batería de grupos como AVIADOR DRO, ALPHAVILLE o sus colaboraciones con LOS INICIADOS, LA DAMA SE ESCONDE y ESCLARECIDOS, hasta su irrupción enquistada en la música electrónica en los 90 (SHAKERMOON y el dúo FRACTURE!). El año 2000 marca el inicio de su Alter Ego PANGEA, donde experimenta con las percusiones, las grabaciones de campo y el drone ruidista.

Para quien quiera profundizar en esta última etapa, dejo algunas reseñas de obras del autor que he tenido el honor de escribir:

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2016/05/juan-antonio-nieto-ou27lsd4-2016.html

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2016/12/juan-antonio-nieto-javier-pinango-two.html

El Orden surgiendo triunfante del Caos es lo que mejor podría definir la propuesta de Nieto. La monumental cascada de "errores" con los que se abre la cinta teje toda una maraña a priori inconexa, industrial y casi tetánica... hasta el punto de que uno no sabe si debe vacunarse al escuchar esta música so pena de contagiarse de algún mal que perviviese en las pútridas cadenas de Ceros y Unos. A través de toda esa matriz matemática de errores que no debían estar ahí, surge en el segundo corte de la Cara A un indicio de harmonía (digamos que melodía no es la palabra) como si las moléculas sonoras se estuvieran distribuyendo bajo el influjo de algún extraño campo magnético que las dispusiera de una forma y no de otra. 

Es la música que sonaría en una realidad que no se rigiese por PHI, eso que llaman "la distribución armónica de la naturaleza", sino un mundo cuya principal ley fuese la asimetría (anti New Age también podría valernos). El tercer corte es un brutal conglomerado de percusiones y tonos que dan como resultado una melodía casi folclórica... es la música tradicional del obsesivo mundo de Juan Antonio Nieto. Curiosas las percusiones casi de claquet y los tonos metálicos que parecen darle el cariz de una vieja canción psicodélica. Lentamente el tema se funde en una ominosa fuga que me recuerda a Badalamenti en clave Drone (y a Alan Splet, por supuesto) que se extiende al cuarto corte en el que podría perfectamente habitar a la perfección LYNCH y sus "erróneos" personajes de ERASERHEAD. 

El contraste entre los sonidos digitales y la electrónica Lo-Fi es brutal, creando unos ambientes secos, y ásperos que casi parecen herirte las mucosas de los oídos. La aleatoriedad acaba fluyendo a su modo en lo que parece una recreación matricial de los cuatro elementos... como si fuego, tierra, aire y agua se redujesen a simples ecuaciones numéricas que puestas en una máquina, sonasen parecidas a sus sonidos madre pero fuesen falsos en cierta forma.  Es lo que ocurre también en el quinto corte que cierra la Cara A, donde no sabemos si estamos ante agua real o matemáticas erróneas que emulan al agua. También puede ser que mis órganos sensoriales estén mandando datos equivocados a mis falanges, y lo que estoy escribiendo no sea real. Para mí es agua, para tí puede ser el motor de un helicóptero.

La Cara B se abre con una emisión subsónica que roza el Dark Ambient. Con cierto cariz ritual, donde los golpeteos digitales conforman la particular percusión que imprima todo el trabajo de Nieto, y donde se intuyen o materializan determinados esbozos harmónicos otra vez. Puestos a realizar un símil, digamos que parece un tema compuesto con los millones de errores que he captado en las grabaciones de cds que he tostado con Nero en los últimos tiempos. Si alguien los hubiese recopilado y dado forma antropomórfica, sonaría parecido a esto. 

¿Es pues JUAN ANTONIO NIETO el compositor de una música equivocada?; ¿es quizás el médium a través del cual suena una realidad escondida que ha sido ocultada por su carácter subversivo y dañino?... dicho de otra forma, ¿y si el universo no fuese como nos han contado y el Caos es el que reina a sus anchas?. Es lo que pienso al meterme de lleno en el segundo y cacofónico segundo corte o la abstracción y cópula sensorial del tercero, que parece darnos de lleno con el sonido vibrátil de un transmisor de ondas mal fabricado.

El final de la cinta es tremendo. Una emisora de radio que nunca consigue sintonizar correctamente o bien que lo sintoniza todo a la vez, vaciándonos opresivamente de cualquier atisbo de realidad en el último tema, donde se forma una (esta vez sí) melodía oscurísima que me pone los vellos de punta, mientras de fondo suena algo que parece estar tensándose. ¿Es un órgano lo que suena de fondo?. Cuando parece que está a punto de surgir una voz pútrida esparciendo su homilía corrupta, se para todo.

https://moozak.bandcamp.com/album/imperfect

https://www.facebook.com/juanantonionieto

SANTO ROSTRO - "THE HEALER" (VARIOS SELLOS, 2017)

Vengo siguiendo la trayectoria de SANTO ROSTRO prácticamente desde que empezaron a anunciarse con un enigmático mensaje en el casi extinto foro DOOMSTONER COMMUNITY. Tras dos trabajos muy buenos, andaba con mucha curiosidad por cómo evolucionarían su sonido en un tercer trabajo. 

¿La razón?... pues creo que en sus dos primeros trabajos faltaba un elemento cohesionador que rompiese completamente con todo. Un puntito de llevar el sonido mas allá y hacerlo al más suyo.

En sus previos discos, el elemento MASTODON, los incesantes cambios de ritmo y unos ligeros indicios de adentrarse por terrenos más ambientales y jazzeros estaban ahí, pero no terminaban de cuajar aun siendo discos de notable alto. Sin embargo, con este nuevo "The Healer" me he quedado brutalmente sorprendido por la cohesión que han alcanzado. 

La evolución es simple pero tremendamente efectiva. El sonido se ha recrudecido, el tempo se ha bajado en algunos pasajes y los cambios de ritmo son medidos con más cuidado, resultando de todo ello un bloque mucho más oscuro y asfixiante. Las influencias son diversas, y así a vuela pluma podría citar a CANDLEMASS o KRUX, a los propios MASTODON, la espesura de SLEEP y la furiosa rabia de JUDAS PRIEST en algunos tramos (así como te lo cuento, con dos cojones). Diría también que el disco es más tradicionalmente Doom a la par que menos Sludge... pero bueno, cada oyente tendrá su opinión.

Cuando me encuentro el grandilocuente, níveo diseño de ANTONIO RAMÍREZ en un vinilo blanco perla (concretamente el dibujo LAS TENTACIONES DE SAN ANTONIO) tengo claro que algo ha cambiado en SANTO ROSTRO. El sonido de la producción es otro acierto (claro, se trata de RAÚL PÉREZ y LA MINA), quizás por la masterización de BRAD BOATRIGHT en AUDIOSIEGE de Portland (Oregón). 

Edición en vinilo y cd con los siguientes sellos implicados: Discos Macarras, La Choza de Doe, LaRubia Producciones, The Braves Records, Nooirax, Aladeriva Records and Música Híbrida... la crema y nata de mucha de la música del estilo que se está cociendo ahora mismo. La formación nuevamente en trío (los Santos Rostros del Paño de la Verónica son 3 debido al doblez de la tela) con ANTONIO GÁMEZ al bajo y vocales, C. ALEJANDRO a la batería y MIGUEL ORTEGA a las guitarras, voces y percusiones.

"One Small Victory" abre a todo trapo con el sonido de los SANTO ROSTRO de siempre. Stoner Psych donde lo primero en lo que me fijo es en que las voces están mucho más trabajadas y pulidas a la par que la instrumentación suena potente pero sin suciedades innecesarias. La distorsión y las especias picantes nos las dio el Todopoderoso para que no abusáramos de ellas... la primera porque da sordera, y la segunda porque te arde el culo. Un tema incendiario, con las cuerdas a punto de soltarse de los mástiles y una batería encabronada. 

Es en la siguiente "Cut My Hand" donde empiezan los cambios más evidentes. A la paquidérmica introducción le sigue un cortante riff de guitarra alucinante, y pronto el tempo se va aletargando. La base rítmica adquiere una consistencia brutalmente terrosa, y las voces si fuesen varias octavas más agudas casi me recordarían a Rob Halford (sí, estoy majara y de ahí lo que comenté de Judas Priest), especialmente en esos agudos coros (Dissapopinted, disrespected, I´m strenghless / away the sun fades / Hold my head up, lick my eyeballs, take your knife / and please cut my hand).

A partir del minuto 7 cambia el sonido. Se vuelve más ambiental; un poco a lo CANDLEMASS del "From the 13th Sun" o los propios BLACK SABBATH. Una desoladora, cuasi jazzística línea de guitarra adorna el lento tempo y unos muestra como digo a unos SANTO ROSTRO capaces de mantener un ritmo lento y pesado hasta que el jodido mundo se acabe. Sin prisas que ya saldrá el semen por donde reviente. 

Tremendo el anti clímax ambiental que se marcan, reforzado por una batería y bajo sublimes que se llevan de calle todo el peso del tema. Reitero lo dicho... esta nueva versión de SANTO ROSTRO es más visceral, doom y coherente que todo lo que han grabado con anterioridad. 

Si no es así, que venga Dios y que lo vea.

"Born Again" es otra píldora sureña para mojar bragas y calzoncillos. No hay descanso en cada uno de los tres minutos y pico del tema, donde además de recogerse ese Stoner característico de la banda, se hacen incursiones en sonidos psicodélicos setenteros en versión ultra cruda y rápida, haciendo un contraste tremendo con los progresivos sonidos que dan inicio a "The Healer". 

Lo primero que llama la atención es el abordaje del tema, algo así como el "Planet Caravan" de los SANTO ROSTRO, pero con un pie en "Jerusalem/Dopesmoker" de SLEEP, el primer disco de NAAM o los AQUA NEBULA OSCILLATOR. El tema es correoso, lento... desenrollándose como lo haría una serpiente hasta que en el minuto 4 ya están todos los ingredientes puestos y entra la voz jodidamente cazallosa a lo AL CISNEROS. 

Ecos a ANCESTORS y en general a toda la escudería de TEE PEE RECORDS, al Stoner espacial americano y con letras mántricas. Nuevamente otro bizarro, cósmico interludio instrumental que vuelve a conectar en bucle con el riff principal del tema... bestial. Suenan adornos de lo que parecen teclados de fondo (aunque no sé si es la propia guitarra o la pedalera), las voces se encabronan cada vez más y la procesión parece dirigirse al centro mismo del Cosmos, enarbolando a un empalado Carl Sagan como si fuese una especie de tributo que hay que arrojar por cualquier agujero de gusano. 

Para terminar "Hylonome", otro temazo a lo SANTO ROSTRO, con un desarrollo instrumental encomiable y que viene a redondear lo que para mí es uno de los discos del año. Una banda en plenitud de facultades, capaces de contenerse cuando hay que hacerlo y de explotarte en la cara a las primeras de cambio, borrando tu cara del mapa en lo que se va a patentar como el jodido mejor tratamiento para el acné.

https://santorostro.bandcamp.com/album/the-healer

https://www.facebook.com/StoRostro/?fref=ts

SIGNS OF THE SILHOUETTE - "NU" (BAM BALAM RECORDS, 2016)

"NU" es técnicamente el quinto trabajo de la banda de Portugal SIGNS OF THE SILHOUETTE, de la que hablé en profundidad en una reseña de hace unas semanas con motivo de su penúltimo trabajo "Spring Grove", y que recomiendo leer antes de continuar porque complementa bastante esta reseña:

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2017/01/signs-of-silhouette-spring-grove-bam.html

Si "Spring Grove" era una vorágine de electricidad desatada, este nuevo trabajo "Nu" aborda su cara más experimental, minimalista y con incursiones en el Free Jazz gracias al piano de Rodrigo Pinheiro y el bajo de Hernani Faustino, que se añaden al habitual dúo de Jorge Nuno a las guitarras y Joao Paulo Entrezede a las percusiones. 

El voluminoso, pétreo muro que levantaba SIGNS OF THE SILHOUETTE en trabajos previos se mete en terrenos más ambientales, con una facilidad tremenda para pasar de un estilo a otro y seguir licuando el sonido para obtener un zumo mucho más depurado y vitamínico que el más ácido y cáustico de "Spring Grove". 

"NU" es un trabajo en cierta forma conceptual (el primero de una trilogía), basado en el libro DUNE de HERBERT, y durante los cuatro cortes del disco asistimos a un itinerario inverso en el que el conocimiento se obtiene del pasado. Nuevamente editado por BAM BALAM RECORDS, y grabado, mezclado y masterizado por JOAQUIM MONTE en los NAMOUCHE STUDIOS de Lisboa, la edición es en cd y en doble vinilo limitado.

El tema "Tent" (curiosamente los cuatro temas del disco comienzan por T) abre el trabajo con una suerte de marasmo ambiental, etéreo y meditabundo reforzado por los repiqueteos del piano. Desde estos instantes ya nos queda claro que la propuesta de la banda es bastante distinta, y estos largos pasajes instrumentales remiten claramente a Pink Floyd en su época intermedia. La guitarra y el bajo no se dan prisa y suenan contenidos, y aunque los pétreos riffs de su anterior trabajo no estén presentes, el espíritu cósmico sigue presente en la música del grupo.

La percusión lentamente va haciéndose notar y la música va in crescendo, dibujando paisajes preciosistas, bucólicos y con cierto deje Kraut, aunque conforme avanza el tema el Jazz hace acto de presencia (y algo del Rock en Oposición también). La labor del piano es tremenda, y a los que quieran profundizar les dejo el siguiente enlace: http://rodrigo-pinheiro.com/. 

Algunos tramos del corte me recuerdan a MATTHEW PARMENTER en su disco "Horror Express" de 2008 (pero sin las características interpretaciones vocales del ex-DISCIPLINE), y por ende, a KING CRIMSON evidentemente pero en una faceta más jazzística. En la misma línea sigue la corta "Tame", un poco a modo de epílogo de la anterior y con las características que he citado pero añadiendo cierto cariz de música de cámara en los desarrollos en cascada del piano.

"Throw" empieza con unas líneas de guitarra y batería ambientales y desérticas. El énfasis sigue en la atmósfera (podríamos hablar de Post "lo que sea"). La producción del disco es en cierto modo distante, lo que refuerza el carácter espacial de la música... un poco a lo OZRIC TENTACLES. El piano, y aquí quizás voy a decir una barbaridad, tiene esa forma de flotar que tenía ALICE COLTRANE, hasta el punto que parece que en cualquier momento va a irrumpir el saxo y tragárselo todo. 

El bajo de Faustino suena grueso, reverberante, y con escalas jazzeras dialogando con el piano en un fabuloso interludio del tema en el que la guitarra se retira a un segundo plano... tremendo. Se rozan las matemáticas de una enconada CECYL TAYLOR UNIT y cosas por el estilo mientras la guitarra distorsionada machaca un riff detrás de otro (esta vez sí acercándose a la mala baba Psych de "Spring Grove"). 

Como colofón la amenazadora "Thyself", con endiabladas percusiones de Joao Paulo, el seco y cortante bajo de Hernani Faustino y los tapices eléctricos (casi fusioneros) de Jorge Nuno, todo ello remachado por las rápidas y cortas notas del piano de Ribeiro. Un tema que bebe a partes iguales tanto del MILES más eléctrico (y funky) como del amenazador R.I.O. Una pasada...

Creo que SIGNS OF THE SILHOUETTE pegan un subidón tremendo coronándose como una de las bandas clave a seguir en el mundo de la improvisación y el avantgarde. Sus dos discos en BAM BALAM me han dejado totalmente noqueado por su variedad de estilos y su potente propuesta. ULTRARECOMENDADO.

https://www.facebook.com/profile.php?id=100005076302241&fref=ts

http://www.bambalam.com/

AKIPO TERROR SAX (WILL NEVER PLAY THIS TOWN AGAIN)....

Ayer en el Experimenta, Petit Impro SOPA Presenta 

Saul Wes representa y que se jodan, 

los que pudiendo se ausentan...

Gente conocida, y muy aguerrida

Nacho, Manolo, en la cultura anidan.

Tras rojos cortinajes, Pó se manifiesta

con saxos, pedales, y artefactos anales...

Sobria perilla / en la puerta una silla

parece cerca, pero calculo una milla.

En solitario sopla tres cortes / utiliza boquilla

qué hambre, ¿tendrán en la barra rosquillas?...

Free Impro Ambient Noise es lo de hoy

y suenan chirridos con otros pitidos

saltan empastes, y muchos silbidos.

AkiPó Terror Sax es lo más

te hará eyacular, segregar mucho más

es el Sexy Saxo / de gran talante

un tipo galante / un jazz galopante.

Eh, es el Terror Sax, man

you better run.

Eh, yah, es el Terror Sax, buey

Aquí no hay más ley...

Aki Terror Sax in Town

Petit Impro SOPA Sound

Saul Wes is down

a knife in his mouth...

Violent People fighting for Po

Greek Mafia all around, bro!

People have fear, but jazz never stops

eh, yah... Aki Terror Sax in Town,

He´s the Man / You better Run.

Rojos cortinajes arropan a Pó

una luz mortecina buena elección, chapó

al final MC CM no rapeó, no señor

una silla le dejaron preparada, pero se rajó...

Acoples, notas agudas / la melodía se la suda

cables, pedaleras / samples de melodía ruda

micrófonos, feedback, reverb en alto volumen

los vecinos llaman pero la policía no acude.

Toca tres temas, exuda la flema

piloerección en acción

suena drone con swing, nena,

Griegos, Turcos, Hispanos unidos en Sión.

Eh, Ya... Is the Terror Sax 

People now, that is fucking good.

Only Saul Wes Blood / The Killer understood

that was a question of Mood

And the sound baby oh... was so Rude...

EXPERIMENTA, caramelos de menta
Ahora EL OJO PATIO, te das cuénta?...

la gente se sienta / al griego se enfrenta

melodía abstracta intensa / la lógica afrenta

en la barra las cervezas se agotan / quien lleva la cuenta

deja el saxo, se agacha al pedal... de forma lenta

y hace ruidos, drone que gusta, para nosotros es Néctar.

Eh, yah... Aki Terror Pó, is Killing your friends

Saul Wes is lying on a bed

a big fire of sound, that never ends

was a mistake, to invite the Greek Men.

JAULA - "MACETAS" (EL MUELLE RECORDS; EMR010, 2016)

La electrónica rural de JAULA es servida en las macetas de patios encalados. Macetas de barro o metálicas (preferentemente fabricadas con antiguas latas de pintura) donde habitan claveles, geranios y otros ecosistemas fecundados por tábanos, cochinillas y lombrices de tierra. Es la electrónica de nuestros abuelos, que cantaban nanas a sus nietos... oscuras canciones de cuna cuyas letras se tragó el tiempo. Murmullos del hombre del saco, de vírgenes empotradas en gruesas paredes, de exvotos de familias que ya no existen y de placas que ya no conmemoran nada porque el lazo que las une a lo vivo está roto. Yermo y muerto. 

JAULA dice que "Maceta" es una colección de canciones infantiles, pero yo creo que es un mapa sonoro para viajar entre pueblos supersticiosos. Lugares imaginarios (o no) en los que al caer la tarde te llega el aroma del brasero y el sudor de la mano al mover las fichas de dominó; lugares donde la cerveza se sirve en botellas que hay que retornar y la Mirinda es el producto estrella. Ventanas enrejadas a pie de calle, caras con ojos que son capaces de seguirte en 360 grados, bares donde se toma el aguardiente en cantimploras y esquinas amarillentas del azufre que atosiga a la orina del perro.

Nueve cortes minimalistas que suben desde las paredes de un pozo; una garganta eventrada a la tierra que se abre con la nana espectral "Eco", que huele a procesión de hormigas huyendo del Zotal. "Caballito" sigue la cadencia de un juguete de cuerda que se hubiese lanzado al vacío desde una misión Sputnik... el espacio es directamente proporcional al zumo de tu cerebro pasado con un colador.

Un piano triste evoca imágenes antiguas en "Apaga la Luz del Bosque". Las notas se doblan y requiebran adquiriendo el espesor del aceite. Si esto son canciones de cuna, están tamizadas por el filtro de la nostalgia y "El Ratoncito Pérez Sólo Quiere Dientes de Oro" con esa melodía extraña (en algunos momentos me parece estar escuchando algo parecido a Zorn en su proyecto COBRA) lo atestigua.

"Trastos" suena como si metiéramos una sonda sonora por el inodoro e intentáramos hacer rimas con la cisterna a la vez que se nos cae el móvil al agua, mientras que en "La Edad del Plástico" nos asisten recuerdos de un tiovivo que ya no rota; una psicofonía de algodones de azúcar pútridos y corruptos. MACETA se estructura con el marchamo de lo infantil, pero catalizado a través de la amargura del adulto. Así me suena el ambient noise de "Los Labios Pintados con Mercromina", donde algo que se asemeja a un instrumento de cuerda teje una funesta melodía, o la caja de música anómala de "Madremapa".

"Estrella Fluorescente" es el cartel de salida del pueblo de tu vida. Tu nombre en un cartel a pie de carretera tachado con una línea roja. Puedes volver cuando quieras, pero no en forma Mamífera. Acordeones electrónicos despiden nuestra niñez y nos emplazan a recibirnos en la vejez, donde todo vuelve a adquirir el cariz juguetón de nuestros primeros años. 

 https://elmuellerecords.bandcamp.com/album/maceta

MICRORESEÑAS DE A DURO (28)

LA CARROÑA ESTÁ SERVIDA - LOU CARRIGAN (SELECCIÓN TERROR BRUGUERA 344, 1979)

Antonio Vera Ramírez, alias Lou Carrigan, no deja títere con cabeza en este sádico y brutal bolsilibro de terror. Cruel, descarnado y con un particular gusto macabro que sólo Carrigan puede alcanzar, el autor nos lleva en 96 páginas a una auténtica pesadilla dantesca. 

Miembros de una asociación criminal son encerrados a la fuerza en una mansión rodeada de matones mientras uno de sus ex asociados (que sufrió un atentado en un helicóptero y quedó cruelmente deformado) los va sometiendo a las más crueles vejaciones. 

El estilo descriptivo de Carrigan siempre ha sido cacharreril, pero cuando está inspirado es letalmente imparable (léase por ejemplo "A Solas Con Charly"). No puedo quitarme de la cabeza al fallecido autor americano Richard Laymon por su adictiva desfachatez a la hora de mostrarnos escenas bizarras y rozando el gore. Hacía mucho tiempo que no me leía una novelita de estas tan bien tramada y desarrollada, pero por el simple goce de pasarlo bien. 

Ya sabemos todos cuáles son los defectos de este género, pero aquí Carrigan directamente no muestra respeto por ninguno de sus personajes y los somete a una excesiva violencia física y mental. Sublime bolsilibro que demuestra una vez más que había joyas entre estos autores. Portada de Salvador Fabá que nada tiene que ver con la trama, eso sí.

PERENNIAL ISOLATION - EPIPHANIES OF THE ORPHANED LIGHT (DARKWOODS; FLAMMA XI CDX, 2016)

Tremendo salto cualitativo el que ha pegado la banda de barcelona PERENNIAL ISOLATION tras sus previos trabajos "Conviction Of Voidness" (2014) y "Astral Dream" (2015) que tuve el privilegio de reseñar por aquí: 

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2014/03/perennial-isolation-conviction-of.html

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2014/03/perennial-isolation-conviction-of.html

Tras algún cambio de formación (atrás quedan los interludios acústicos y orientales) vuelven con su nuevo trabajo en DARKWOODS. Digipack con artwork de PuertaOskura como es de rigor y una edición simple y otra con un cd extra de música ambiental a cargo de Ivan Ferrús que durante 70 minutos nos sumerge en su particular mundo instrumental. A ratos recuerda a la Dungeon Music de Mortiis, para luego pasar a los orquestales pasajes de Elend o incluso la World Music... un disco para escuchar con auriculares y en soledad.

Si los anteriores trabajos eran buenos, este nuevo "Epiphanies Of The Orphaned Light" te lleva a otro nivel en lo que a Black Metal atmosférico se refiere, puliendo enormemente las similitudes con otras bandas para crear un sonido mucho más personal y trabajado. 

No se me entienda mal; para mí, cada uno de sus trabajos anteriores rozaban el sobresaliente, pero es que este nuevo me ha sumergido en una auténtica niebla helada que empapa y pudre mis mucosas hasta el punto de que ya no soy capaz de hablar de bandas o etiquetas. La necrosis es inminente.

Esto tiene vida propia y la perfecta ecuación de brutalidad y melodía está mas trabajada que nunca en el épico, cuasi sinfónico inicio de "Rejected..." y la rapidez del siguiente "... And Then, Her Eyes Created". En apenas 11 minutos que duran los dos temas, PERENNIAL ISOLATION te llevan a un jodido paraje agreste y te violan el alma a base de un melódico pero salvaje trabajo de las guitarras, una batería que más quisieran para sí la mitad de grupos de Black Nórdico o un bajo tocado con una envidiable técnica. 

Podríamos hablar de Agalloch, unos Kampfar sin los toques Viking o incluso Emperor, pero ya he comentado que las etiquetas no creo que lleven a nada más que prejuicios. Cuando hablamos de Black Atmosférico hay que matizar.

Veamos, hay atmósferas minimalistas, atmósferas con samplers e historias... o la atmósfera que ejecutan a la perfección PERENNIAL ISOLATION a base de melodías en capas que van alternándose; es decir, parajes donde la guitarra va marcándose unos tremendos riffs melódicos mientras el doble bombo parece que va a movernos los órganos internos de sitio (cómo suena la batería en este disco!), o justo al contrario, con las guitarras a todo trapo acuchillando al personal mientras la batería va bajando el tempo. 

Eso y la tremenda producción del disco que hace que suene todo con una nitidez que asusta. Como si la banda estuviera tocando en un saliente de roca en un montaña nevada o algo y el eco de la piedra devolviera el sonido pero algo atenuado por la nieve. Las producciones sucias son una estafa. Si no quieres tapar errores y eres buen músico, no debes temerle a una producción limpia (que no cristalina y vacua, ojo). 

Todavía quedan ecos del sonido de sus anteriores discos en el inicio de "Woodshades Lifecodes" y en la hiriente melodía de la guitarra. Las voces son otro de los puntos fuertes del grupo... potente y bien ejecutada, convirtiéndose en un instrumento más, algo de lo que no pueden presumir todas las bandas del género. 

Maravillosa pausa de teclados en "Interlude" muy deudora de los más campestres Ulver para a continuación adentrarnos en el medio tiempo de "Above de Essence...", otra cabalgada agria de Black planeador que coquetea con el Doom en los cambios de tiempo (algunos riffs de guitarra son genuinamente Doom, o que venga algún inglés y lo vea). Eso sí, la suma de los ingredientes nos hablan de Pagan Black y esas lindeces o escuchen ustedes la salvaje "... To Ephemeral Dusk", donde el ambiente se recrudiza y miramos a Noruega en nuestro Atlas musical. 

Vuelvo a destacar las voces, variadas dentro del estrecho abanico que puede ofrecer el Black, y que aderezan y dirigen la música hacia un estado de ánimo particular, que creo que es de lo que en el fondo se trata.

El tema lentamente se va dirigiendo a un clímax enaltecedor que cumple una fórmula esencial en el Black Atmosférico... la rapidez y brutalidad hacen que el oyente llegue a un paroxismo que se refuerza por las dosis justas de melancolía, que puestas con maestría dotan a la música del efecto que se busca. Misantropía, desolación o simplemente tristeza. El objetivo es la meditación dentro del ruido o ir a la esencia del sentimiento a través de la vorágine de notas que copulan unas con otras.

"Unveilings Of Cold" pone el broche de oro a lo que para mí es el mejor trabajo de la banda. Menos progresivo pero más crudo y violento. Si tuviera que decir alguna pantochada, diría que es mucho más True que los anteriores... y si me dejo llevar por mi interior esquizoide, es como cagar en el campo y sentir la jodida piedra fresca llena de musgo en el esfínter anal. 

Miras adelante y ves un precipicio; tiras la piedra y piensas "SI CAGAS EN EL ABISMO, ESTE TE DEVUELVE LA MIERDA....

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FORCES ELÈCTRIQUES D´ANDORRA - "CONGO"/"CORNELISZ" (BUBOTA/BOIRA DISCOS, 2016)

Desde Mallorca presentamos hoy FORCES ELÈCTRIQUES D´ANDORRA, formados más o menos allá por 2013 y editando un trabajo a caballo entre demo y disco bajo el nombre de F/E/A. El siguiente paso en la evolución de la banda es PASTOR (2014), acompañado de un Ep de remezclas que acompañaba la edición en vinilo a cargo de BOIRA DISCOS, ESPORA RECORDS y OLD KIDS BRIGADE. La formación está compuesta por Tià Mas (samplers), Tomeu Canyelles (también guitarra de MARASME), Llorenc Balaguer (bajo), Arturo Fernández (guitarra) y Joan Cabot (batería)... y hasta aquí las presentaciones formales. 

Algunos de estos músicos ya los conocía de otros proyectos, además de que tuve contacto durante un tiempo con ESPORA RECORDS cuando reseñé el fabuloso disco de ASTROLABIO. La labor de Tomeu Canyelles no me era desconocida, ya que tengo todos los trabajos de MARASME e incluso el primero de VOGT, que editaría FÉRETRO, STRANGE y RADIX RECORDS hace un montón de años ya (incluso creo que sacaron otro llamado SUTURA que no tengo constancia de que llegase a salir físicamente... o sí, no sé. Me suena algo de una caja de madera).

También de Mallorca he reseñado y conozco bandas como LOS BÉLMEZ, DOCTOR MARTÍN CLAVO y LOS FLETCHERS, estas últimas más de un palo pop que aun gustándome no soy demasiado devoto, pero que hablan de un excelente estado de salud de la música en Mallorca (aun con las dificultades evidentes en cuanto a logística que todas estas bandas y sellos tienen). 

FORCES ELÈCTRIQUES D´ANDORRA tienen algo en su sonido que los aleja muchísimo de otras bandas de rock instrumental del país... esas que le añaden Post a todo lo que hacen y de las que sólo recuerdas los segundos iniciales de un tema y el final del disco. En F/E/A la propuesta es muchísimo más interesante, ya que tiran de un sustrato más distorsionado (sin llegar al Noise) que lo imprima todo de un cierto cariz ácido, lisérgico y trementamente caústico de tal suerte que los temas adquieren vida propia; dicho de otro modo, F/E/A parten de eso que llaman el Post Metal, Rock o lo que sea para moldearlo y transformarlo en algo mucho más interesante, con estructura y que invita al oyente a viajar por sus cortes sin peligro de pérdida (que viene a ser el principal mal que afecta a este tipo de bandas como una plaga).

De esto es de lo que se trata en CONGO, su nuevo larga duración en BUBOTA DISCOS, que venía precedido del Ep CORNELISZ del que hablaré al final del artículo. El disco es grabado por PEP TONI FERRER y MICHAEL MESQUIDA, masterizándose por TONI TOLEDO/RAFA RIGO en los URBAN STUDIOS. La portada es de LLORENC BALAGUER a partir de una pintura de VAN DE VELDE, además de un maravilloso grabado interior del libro "Oneluckige Voyagie, Van´t Schip Batavia" de 1647.

Tomemos la palabra CONGO como algo más allá de lo que geográficamente significa. Su nombre es sinónimo de revueltas, infiernos naturales y lucha por la supervivencia. El río Congo se ha convertido por derecho propio en un símil de la lucha del ser humano por alcanzar límites aparentemente infranqueables, de tal suerte que su sola evocación sonora provoca en la memoria atávica del ser humano la activación de neurotransmisores primitivos que llaman a la defensa. 

Entorno natural de relatos, hervidero de ideas en la literatura... desde POE a JOSEPH CONRAD en "El Corazón de las Tinieblas". MICHAEL CRICHTON, MARIO VARGAS LLOSA o ALBERT SÁNCHEZ PIÑOL en el fabuloso "Pandora en el Congo" son otro puñado de autores que han usado la región como punto de partida de la aventura al límite, tanto física como espiritual. Si nos vamos al cine las referencias podrían llenar un libro. Especie de frontera biopsíquica entre lo salvaje y lo civilizado. Lo ignoto y la seguridad de las cuatro paredes... antropológicamente Congo es un símbolo ya en sí mismo de esos que graban genéticamente su información en nuestros descendientes.

Ese concepto de CONGO es convertido por FORCES ELÈCTRIQUES D`ANDORRA en una especie de zona límite donde lo imposible se torna realidad. Una gesta humana en positivo o negativo que da carácter a cada una de las notas de los 6 cortes del disco.

Así pues, desde la particular odisea psicológica del Capitán Kurtz en el libro de Conrad, pasando por la épica historia de terror y muerte del naufragio del Batavia y el infame Jeronimus Cornelisz o el ahogado en vida Reverendo Jim Jones, la dualidad entre el héroe y el villano, el bien y el mal o la poderosa épica de la sangre son usados como hilo conductor de esta obra sonora.

"Muggs" abre el viaje de forma lenta, pausada. Atmósferas neblinosas paulatinamente despejadas por unos toquecitos de psicodelia mínima y el poderoso e insistente ritmo del bajo. Toques de Space Rock en los teclados mientras la guitarra ejerce de cicerone en una melodía circular hipnótica y contenida... hasta que estalla, claro, porque la infección no puede guardarse dentro demasiado tiempo.

Podríamos citar a SWANS sobre todo en el incio del disco, sobre todo en esa rabia contenida, pero sólo es un espejismo, ya que al rato el sonido gira y se mueve sinuosamente por una suerte de desértico y arenoso stoner (YAWNING MAN) con afinaciones Pink Floydianas. Termina el tema lo que si no me equivoco es un sampler de una charla de Jim Jones... no estoy seguro.

Temas como "A1" siguen por la misma línea que el anterior en su inicio, pero se va recrudeciendo paulatinamente en esos crescendos propios del estilo. En cierta medida el sonido de las guitarras me trae a los grandiosos MARASME a la cabeza (no en vano comparten guitarrista).

El tema "Cornelisz" es todo un portento de sentimientos vomitados sobre las calmosas aguas de un río emponzoñado. Lo que se hunde son los recuerdos amables, y lo que flotan son los gruesos sentimientos de culpa, los recuerdos amargos y lo brutalmente negativo. El riff de guitarra sobre la poderosa base rítmica refuerza el sentimiento dual del heroicismo vacuo.

Sin embargo, puestos a elegir, me decanto por la oscuridad de "Kurtz" y sus reiterativos ritmos casi industriales, de cierto cariz marcial. Una psicodelia ruidosa, agriada y algo alejada de la relativa amabilidad de los tres primeros temas. No se me entienda mal, el trabajo funciona como un conjunto en el que se van añadiendo factores... pero cuando escucho esos pequeños teclados mínimos se me ponen los pelos como escarpias. Citar a NEUROSIS en sus últimos trabajos podría ser acertado.

Maravillosa la melodía de la guitarra principal en "Red Vilanova" y el ritmo casi Sludge contenido en el que se embarca la banda a continuación. Si metieran voces estaríamos hablando de gente como MARASME, NEYLA, LOAN y bandas así. Sonido mucho más crudo y tirando del noise en algunos tramos.

El disco lo cierra el precioso tema "Congo", con colaboraciones de Kiko Barrengoa al violín. Una aturdidor clímax con una impresionante labor de todos los músicos (fabuloso el diálogo de guitarra y batería en el minuto 6, de ritmo casi procesionario) y una grandísima versatilidad en todos los instrumentos. Un tema embriagador, acuoso y distorsionado en su tramo final, y que te deja totalmente lavado de tus pecados... una ceremonia a orillas de un río que ha amortajado a media humanidad ya. Grandioso.

En resumen, tremendo disco el que se han marcado FORCES ELÈCTRIQUES D´ANDORRA, especialmente en sus tres últimos cortes (los más oscuros), y que se completa con la edición (previa) del Ep "Cornelisz", que adelantaba los cortes "Cornelisz" y "A1" además de tres remezclas.

"Cornelisz (Shoeg´s Estavia Edit)" es una versión lo-fi del tema. tirando de graves y sonidos subsónicos dándole un cariz experimental al tema brutal. La melodía en segundo plano, lejana y movida a golpes de ola. Por su parte, "Muggs (Mikrophone Remix)" tiene cierta cadencia trip hop y drum n´ bass muy adictiva, nivel que se lleva a extremos con la electrónica bailable de "Kurtz (Brutz Mix)", sin duda mi tema favorito del Ep.

Trance espacial de órdago ideal para bailar en una discoteca construida de madera allá por donde el Capitán Kurtz tenía su chiringuito, y olvidarse de que la guerra ha terminado ahí fuera. BRUTAL.

https://forceselectriques.bandcamp.com/

https://www.facebook.com/forceselectriques/