jueves, 26 de septiembre de 2024

ENSEMBLE IMPROMPTU - "NANUK L´ESQUIMAL" (LÍQUEN RECORDS; LRCD026, 2023)

Nanuk el Esquimal (Nanook of the North) es un documental (casi que diría el primero de la historia) mudo rodado en 1922 por Robert J. Flaherty que se pasaría prácticamente dos años de su vida conviviendo allá por la Península de Ungava (Despeñaperros para arriba, todo recto) con Allakariallak (Nanuk) y su familia haciendo pues eso, cosas de esquimales como cazar una morsa, encender fuegos y tal. No voy a entrar en su validez como docudrama porque es un debate cinéfilo amplio y complejo con sus detractores que consideran que Flaherty reimagina `a su modo´ cómo era la vida en el Norte de Canadá pero lo cierto es que años más tarde, acaba resultando el perfecto telar de imágenes sobre el que anudar una maravillosa banda sonora que el saxofonista, compositor, escritor, editor y gestor cultural (añadiría más cosas, pero con un click accedéis a su currículum) Josep Lluís Galiana decide intervenir performáticamente para aunar música e imágenes bajo encargo del Instituto Valenciano de la Música allá por 2007.

¿Qué hace Galiana? Pues sabe perfectamente que la familia lo es todo y para ello busca a unos esquimales íberos concretos conocidos de Despeñaperros para Abajo como la ENSEMBLE IMPROMPTU (desconozco si quedan copias, pero os recomiendo contactar con Josep e indagar si Instinct de 2005 y  Khroma Akustikós de 2007 siguen disponibles porque son dos verdaderas joyas). David Herrington (trompeta y tuba), Jorge Gavaldá (guitarra procesada), Gregorio Jiménez (electrónica en vivo), Remigi Roca (contrabajo), Osvaldo Jorge (tabla india y percusión étnica), Galiana (composición, dirección musical y saxos) y Pep Llopis a la dirección artística son convocados de forma mediúmnica por el propio Llopis al festival L´aula d´altres Músiques en el Auditorio Carmen Alborch donde junto a la Filmoteca Valenciana proyectan la película mientras la Ensemble Impromptu `genera en puro directo bajo un andamiaje sutil preestablecido´ la música que la arropa. Años después, y para delicia del respetable oyente, LÍQUEN RECORDS edita este maravilloso CD de (efectivamente) 79 minutos que justos son los que dura el film de Flaherty.

A grandes rasgos y de forma general, Nanuk L´esquimal funciona perfectamente como álbum independiente de la imagen así que queda plenamente justificada su edición. La música aun perteneciendo al espectro de la libre improvisación es mucho más amable de lo habitual, con partes que rozan la Clásica Moderna, Cámara, la World Beat e incluso la música concreta de tal suerte de que una composición `en vivo y en directo´ mediante determinados parámetros. Por ejemplo, asignar sonidos y timbres a personajes o situaciones concretas (vale esto tanto para los seres humanos como para animales o situaciones) hace que se repitan a modo de `scores netamente cinematográficos´ algunas partes dando una sensación marcada de musicalidad o mejor dicho melodía. Lo abstracto y atonal se convierte en cotidiano y amable gracias a la disposición de una especie de guión musicalizado que acaba desembocando en un cromatismo cargado de atmósfera. Dicho de otra manera, la partitura musical deja los espacios libres adecuados para la improvisación como suele ser habitual en estos estilos pero de forma concentrada y quizás un pelín más restrictiva para que lo agreste sea eso... agreste y no salvaje o el fuego no se tranforme en incendio.

La banda sonora se divide en 12 bloques que un poco a vola pluma voy a iros describiendo. No creo que tenga sentido ser exhaustivo e ir tema por tema ya no sólo porque no tengamos la imagen correspondiente del documental sino porque puede ser algo tedioso. Como os comenté, se trata de música bastante comedida en lo agresivo y donde prima lo `descriptivo´. Partes solistas como esas cuerdas con arco de la apertura se unen a una percusión de corte muy étnico y tribal. Pausada, con mucha tabla india (muy buena en "Segona Conducció") y subrayados estratégicos de una tuba que está magnífica. Brillando sobre ese pasaje aparentemente sobrio (mejor dicho, asordinado) brilla el saxo de Galiana (por ejemplo en "Introducció") en su ejecución de corte casi New Thing (por alguna razón me recuerda a Archie Shepp). 

La electrónica se funde con el resto de instrumentos y por momentos me da la sensación de haber ralentizado `in extremis´ a Les Baxter o Esquivel sobre todo en los pasajes donde todos los instrumentos fluyen juntos. No es el caso por ejemplo del áspero discurrir de percusión y electrónica de "Primera Conducció" pero es magnífico como el procesado que se le ha dado tanto a la guitarra como a la electrónica permita la antropomorfización de los sonidos que se despliegan. No entramos en el Noise, pero os aseguro que sólo un puntito le falta y nos quedamos en la Concrete o, si me tiráis del pezón izquierdo en un momento de debilidad, os diré que el flotante Ambient del Cuarto Mundo de John Hassell exuda algo de su lisergia dentro Nanook of the North

Como suele suceder en todo aquello que se proyecta en blanco y negro, hay pasajes de los instrumentos de viento ("Nanuk i el Gramofón") que son Cool Noir Jazz o incluso se roza la Cartoon Music (la puntillista, silente y con mucha sordina "Nanuk va de Pesca") aunque bien es cierto que el magnífico trabajo del contrabajo de Remigi Roca lleva al conjunto a un encomiable nivel que es algo así como añadir las cuatro cuerdas de Mingus a Don Cherry y Ed Blackwell (MU). Vuelvo a insistir con el contrabajo con la sobriedad al arco (casi Música de Cámara) y eterismo electrónico mientras arremetidas controladas de la tuba luchan contra una percusión que se va abriendo en abanico en "Nanuk Navega per la Mar a la Caça" en un bello in crescendo muy británico en ejecución (no desentonaría esto dentro del catálogo de EMANEM en las mil y una rotaciones de John Stevens / Barry Guy / Paul Rutherford / Trevor Watts o los experimentos de Evan Parker en Psy). 

Como suele ocurrir con la vida de todo esquimal que se precie, los elementos Tierra, Fuego, Aire y, sobre todo este último, será el protagonista de "L´arribada de L´hivern (sons eòlics)" que es un pequeñísimo puente minimalista. A estas alturas del disco pasa prácticamente de todo; pasajes muy sinuosos y tribales o justamente lo contrario (la ausencia de lo percusivo per sé) y así transcurre desde la monolítica y percusiva "Segona Conducció" ejemplo de lo primero a su reverso tenebroso instrospectivo como muestra de lo segundo en "La Familia de Nanuk dins de L´iglú") y aprovecho para decir que Nanook of the North es un álbum de conjunto, no de individualidades; la elección de qué instrumentos son los que tocan en cada parte es muy acertada y ya no sólo qué instrumentos, sino cual se decide dejar en un segundo plano. Un diez a la dirección musical. 

Galiana despliega sus recursos técnicos en un soliloquio de saxo soprano en "De Matinada" que como adjetivo particular, está embebido de crepuscular belleza de sutileza étnica. Transcurre en segundo plano un obsesivo contrabajo al arco y alumbrantes sonidos electrónicos incluyendo (no sé si de la guitarra o qué) motivos melódicos que recuerdan a un arpa además de la sensación de que algunas notas `van hacia atrás´ contra un río musical (el resto de notas) del mismo modo que los salmones.

Ecos a una mezcla entre las Rabih Abou-Khalil y el Klezmer radical Zorniano para la monumental de 13 minutos "Nanuk arpona una Foca"). Aquí es donde confluye de forma soberbia todos los recursos manejados por Ensemble Impromptu pero girando hacia el Free Avant Jazz. 

Quedan 9 minutos pero como homenaje a Nanook, me callo. 

https://liquenrecords.com/2023/11/21/nanuk-lesquimal-banda-sonora-de-josep-lluis-galiana-ensemble-impromptu/

sábado, 21 de septiembre de 2024

BOURBON - "S/T" (BORN TOO LATE; BLT003, 2024)

BOURBON pertenecen a esa estirpe de bandas sureñas que me vuelan la cabeza y sobre la que he escrito bastante tanto en el blog como (no lo recuerdo bien) en mi etapa extraña como reseñador en una revista en papel de Kiosko que me aportó una experiencia de la que quisiera ahora desprenderme y olvidar pero bueno, al fin y al cabo todo suma. ¿Es posible estar mejor sólo que acompañado? ¿es mejor estar sólo que mejor que acompañado? ¿es mejor estar sólo que mejor que mejor acompañado?. Hace tiempo que decidí tatuarme a mí mismo en todo mi cuerpo para ser dos veces yo. Lo hice por dentro y por fuera como esos dibujos que haces a lápiz y luego entintas. Soy dos en uno y así que aseguraré que si uno de mis yo me falla, el otro me de una torta y que cualquiera de los dos ponga la otra mejilla.

Volviendo a los gaditanos es como si un virus infeccioso a base de una molécula basada en (no estoy ahora hablando de provincias sino de esencias) Viaje a 800, Glaz, Lubianka o Atavismo hubiera mutado en otra cosa pero a la vez la misma (doppelgangerpsychrock) porque el estado de salud de las bandas que tocan Space Rock (que es como a mí me gusta llamarlo) y afines es cada vez más potente. Yo soy claro y directo y no puedo mentir en mis apreciaciones; todas estas bandas mejoran si actúan como un Bonsai al que podan sus partes Stoner porque inexorablemente lo que queda es lo más interesante y que demuestra cómo están madurando... la joya preciosa bajo la roca (sin ir más lejos como ejemplo pongo a RIP K.C. y todo lo que ha venido después en sus proyectos). Dicho de otra forma, una búsqueda natural, sutil y sin forzar un sonido propio. El proto Grunge Hard rockero con tintes psicodélicos de Devastación sigue ahí, pero se viste de gala acústica en prácticamente todo el minutaje y aunque todo sigue siendo guitarrero el mantra fuzz vibrátil insistente y taladrador de Fuente Vieja (o lo que es lo mismo Motorhead + Hawkwind) se deshilvana como esa maravillosa carne mechada que adorna mis bocadillos de ropavieja avinagrada.

Es encomiable el trabajo de adaptación que ha realizado (produce, graba, mezcla y masteriza) Curro Ureba en sus Estudios Trafalgar a lo largo de los años con la banda acompasándose a un estilo que en ocasiones precisaba ser más garajero, otras más eléctrico y punzante o aquí en gran parte de este homónimo Bourbon se adapta a pasajes más intimistas, directos, exquisitos y con una importantísima base vocal. Todavía no he hablado del Progresivo, elemento que en los de Sanlúcar de Barrameda siempre ha estado pero que (reitero) aparece cuando tiene que aparecer y sin ir más lejos Fuente Vieja tenía sus toques Canterburianos e incluso a lo Soft Machine. Y es que si antes hablaba de una molécula (Viaje a 800, Híbrido, Atavismo, Glaz, Mater Dronic....), Bourbon también tienen priones de Smash, Alameda, Triana o también de la parte Mescalínica de Tabletom.

Terminando el apartado técnico esta vez no se basa en dibujos de Antonio Ramírez (aunque hay un detalle en la galleta tanto del CD como del LP) y optan por fotos familiares (Bonilla Caputto / Raúl Guerrero) que, por especular un poco, creo que puede ser por el contexto mucho más intimista del disco a la vez que alejado de estridencias cósmicas a todo trapo, abstracciones lisérgicas y excursiones a Ganímedes. Bourbon es más terrenal y tangencialmente pero sin perder la identidad se asoma al Rock clásico de toda la vida. Por cierto, que siguen siendo (salvo sustituciones alienígenas o transmigraciones conspiranoicas) Raúl Guerrero a la guitarra / voces, Álvaro Guerrero a la batería / voces y Juanma Gonzálvez al bajo / voces. Los teclados mediúmnicos y efectos espaciales que asoman aquí y allá imagino que serán cosa del estudio y las pedaleras fulcanéllicas.

Un punzante bajo abre para la entrada puntillista de la guitarra en "La Espiral", posiblemente de los temas más triposos del disco tanto por letras como por cierto clima espectral y lejano que es el tipo de rock espacial que me vuelve majara. La base rítmica suena muy cercana y que se haya optado por temas más lentos ayuda a que tengas la sensación leve de directo. Es imposible eludir la influencia de Viaje a 800 y a la figura eterna y mítica de José `Pot´ Moreno que cuenta la leyenda que nació de la cópula entre un Óvulo de Amanita Muscaria y una edición limitada de esperma verde Peyote. Vibrátil y de calma tensa, Bourbon suenan preciosistas en su manera de alicatar su música y cuando entra esa maravilla de pasaje vocal (`sobre el río y el mar caminaré / sé que hay que sufrir para entender / y llegar hasta el final / alcanzar el camino a la espiral´) tengo claro que han puesto ya su huella en el pasaje de las estrellas del Prog Rock del Sur.

No sé exactamente de qué trata la letra de "Ariel" pero en mi cabeza es un homenaje y dedicatoria a algún ser querido que has cuidado en su enfermedad. Un tema corto, Pop, directo y de estructura simple que se adorna con toques de Acid Psych muy concretos. Sigue "Aguacero" con aroma redentor, con una especie de Hammond a veces pululando en la retaguardia alternando con paradas acústicas de guitarra y voz. La melodía central que engarza todo es acuosa y me recuerda a los Lagartija Nick de Los Cielos Cabizbajos por su manera (aparente) de tratar lo trágico de una forma bonita y luminiscente. Por contra, "Olvidarnos de Ti" es más oscuro y técnico con riffs más enrevesados de la guitarra aunque respeten los estribillos clásicos de toda la vida (me encanta ese equilibrio contrastado que han alcanzado aquí Bourbon). La base rítmica es igual, subraya, se gira a lo atonal y luego sube como un pistón baladesco de esos desacar un mechero y llorar como un cabrón hasta que te deshidrates y te tengan que coger un suero. Impagable la mini Jam instrumental con la que fulminan el tema hasta que llega eso de: `hijos de una sensación de culpa y miedo / partidarios del terror / enemigos de una solución sincera / camaradas del dolor´.

(FOTO: Caoba Art)

La breve "Noctuario" pone el pie en el acelerador motorik, suelta una petazética homilía cósmica breve y directa a lo Hawkwind y da paso a "La Mujer del Pelo Blanco" con más distorsión de la guitarra. La voz, sobre la que he dicho poco hasta ahora, es de esas que me encanta porque no busca lo virtuoso sino que mantiene la pátina Lo-Fi del rock espacial que me gusta. A nivel musical y dentro de una forma compositiva a base de cambios de ritmo se escucha algún requiebro Trianesco sutil (que se acentúa en la posterior "Llorarás") pero en suma rememora discos anteriores; tiene mucha fuerza y bucea en la piscina amniótica del Progresivo. Sigue "Llorarás" que tirando de ella como si de una planta se tratara puedes arrancar la tierra y traerte toda España y su acervo musical esparcido en épocas de rock andaluz así que podéis adivinar por dónde van los tiros de esta exquisitez fuzzera.

Punto y final con los casi 9 minutos de "Eco" que destila todo lo que he dicho hasta ahora y pone a Bourbon en un pico creativo altísimo. He dicho 9 minutos pero en realidad no es así. Hay sorpresa escondida y os toca descubrirla a vosotr@s. Sólo digo que se apagó la luz no veo el mar

tan solo el                refle j       o   en la ciu da   d                           

el silencio en esta oscuridad nos envuelve y nos hace esca

https://bourbon1.bandcamp.com/album/bourbon


miércoles, 18 de septiembre de 2024

HIEMIS + ARANDOJO - "LA GENESÍAS DEL OJO IMBERBE" (LAFARIUM, 2023)


..."En el principio, el Ojo Imberbe nació. Una ráfaga de fuego se formó en sus extensiones, y le protegió de los malignos vientos y de la luz rojiza de los soles aun vírgenes. Entonces, el Ojo Imberbe leyó la mente de las estrellas del firmamento, diciendo:

-Vger, Alloc, Vger. Ahora que he nacido, tú, hembra estrella del norte, serás mi elegida para dormitar mis movimientos.´


En edición de LAFARIUM, hermética revista difusora de contenidos artísticos multimedia de Argentina (para no extender demasiado este texto, podéis visitar su web aquí), el doblemente mistérico Diego Arandojo (escritor, guionista, director de la propia Lafarium y mil cosas más) ofrece como dádiva al mundo un Cd Cardboard donde nada más y nada menos que HIEMIS musicaliza un teratogénico texto de Arandojo titulado La Genesías del Ojo Imberbe. Lo primero a destacar es que me he tenido que mover un poquito para que tengáis este trabajo colgado en internet y con posibilidad de adquirir copia porque estaba pensado para que fuera una edición física a todos los niveles (vaya, que no encontraba ni la portada). Tras diversas gestiones, ya podéis disfrutarlo en el bandcamp de HIEMIS al que enlazo al final del texto que además han tenido la deferencia de ponerlo en descarga gratuita aunque invito a que contactéis para copia física en lafarium@gmail.com.

Lo primero es que para mí se trata de una joya a todos los niveles. Desde el fabuloso diseño basado en ilustraciones del dibujante / ilustrador argentino Fabián Arnaldi al sacro-éxtasis que se alcanza con el surrealista, onírico y meditativo texto que en clave de Spoken Word se va deslizando por los siempre atrayentes soundscapes del prolífico Hiemis, artista sobre el que os he hablado largo y tendido pero que resumo rápidamente y sin ningún orden en particular por si hay alguien despistado: La Chose (2021), Hyperborea (2019), Radix (2020), Thule (2019), Zothique (2021), Yggdrasil (2023), Malleus Malleficarum (2023) y en el fabuloso recopilatorio Rituals from Ancient Europe (2024). 

(Arandojo)

El conjunto bivalente música/texto es por tanto una obra de cariz germinativo en la que se relatan una suerte de mitos de creación pero siempre dentro de un cuadro ontológico de corte psicotrópico. A ratos amenazante, otras mántrico, música y voz avanzan en una exégesis poética extremadamente original que casi parece una emisión radiada en clave, encriptada y prohibida desde un dial de Buenos Aires un poco al estilo de esa maravilla (si se me permete la equivalencia tangencial audiovisual) con el film Historia de lo Oculto (Cristian Ponce, 2020).

`Y aquella lúgubre estrella, fue llamada la "Guier Moratush", la que servirá de guía al Ojo Imberbe. Pues, está escrito, que el Ojo Imberbe caminó sobre las lluvias de un mundo sin nombre, y en aquellos rayos de un sol virgen, le sirvieron de cama. Y tuvo Cuatro sueños y Una pesadilla.

El primer sueño contó la historia del nacimiento del Ojo Imberbe. Y de aquel, las creaturas inmundas lloraron.´

(Fabián Arnaldi)

Sobre un crujiente telar de Dark Ambient Noise se abre en flor "Primera Genesía del Ojo Imberbe" deshilvanando una primera parte del relato onírico de Diego Arandojo que en modo ultratriposo relata toda una cosmogonía hipnagógica. Imagínate un cruce entre un guión bastardo del chileno Jodorowsky, Lynch y el sustrato fantaterrorífico hispanohablante más abstracto (desde Cronos a La Montaña Sagrada o la ya citada Historia de lo Oculto por la atmósfera conseguida). La música tiene un toque Kosmische bastante acentuado y sin exabruptos aunque pasado por un Ambient sosegado; acompaña perfectamente al texto en subidas y bajadas tenues de intensidad pero nunca se tapa la excelsa voz de Arandojo que se ve apoyado en algunos soliloquios por apabullantes y amplificados ecos. En "Segunda Genesía del Ojo Imberbe" y si mis tímpanos no están imberbes, La Mujer (a priori muerta ya, pero activada por el hálito del Ojo Imberbe) es la que aparece primero en el Cosmos (Genesía); el hombre aparece después y se da paso a la idolatría del Búho, las guerras y los cultos.

`El segundo sueño contó sobre las rocas, y su poder benéfico. El tercer sueño mostró al Ojo Imberbe la capacidad de dominio sobre el fuego. Y de cómo utilizarlo para el beneficio individual. Y el último sueño, mostró al Santush Ojo, cómo crear al Ser Humano.

Cuando el Ojo intentó despertar, la Gran pesadilla se lo impidió...´

(HIEMIS)

Narrado como los Mitos de Creación e las sociedades agrícolas pastorales pre helenísticas (por estructura) que cita una y otra vez Eliade en sus libros y subrayado por abigarrado Drone, estamos ante una obra inclasificable que se sitúa en el punto medio exacto en el que estaría la narración mítica de la caza del venado en la búsqueda del peyote de los Tarahumara y una Space Opera espacial intimista (el Dune de Lynch). Pseudomonásticos repuntes de la música rodean de espiritualidad / clasicismo al relato e incluso se rozan momentos álgidos bellísimos en la parte final donde todo (música y voz) se asoman a lo homiliesco. Sigue la mas corta (para mí deudora de CIMOC"Ornik" con electrónica cósmica ultralatente al más puro estilo de Vangelis en Blade Runner

"Tercera Genesía del Ojo Imberbe" fulmina el relato (vuelvo a usar las mismas palabras) excelso e inclasificable, sobre música mayestática de HIEMIS, y que recomiendo encarecidamente. Podría estar hablando de este trabajo hasta mañana, pero sin duda se trata de una experiencia inmersiva que tienes que catar por tí mism@.

https://hiemismusic.bandcamp.com/album/las-genes-as-del-ojo-imberbe

http://www.lafarium.com.ar/


lunes, 16 de septiembre de 2024

SPITTING TONGUE XX: EXHUMATION - "TWILIGHT OF THE FUNEBRE NIGHT" (ADIRONDACK BLACK MASS; ABM20 + PESTA NEGRA, 2022)

Ultra decrépito y abyecto Funeral Death/Doom a la antigua usanza a cargo del proyecto EXHUMATION de Barcelona formado por el prolífico Lord Mortuorum (Marc Rodríguez) de Calderum, Cauterized Torso, Crucification, Osmazome, Sanctuarium, Stygian Storm, Trollcave, Ered Guldur, Verminous Tyrant.... que tengo que reconocer que estoy muy poco puesto en ellas. La cosa es que Twilight of the Funebre Night (Ep) se edita en cassette por Pesta Negra Records y en Cd por Adirondack Black Mass con logo, artwork y diseño a la antigua usanza por el propio artista (necrohelm); el resto, sonido esfacelado al más puro estilo Thergothon, primeros Morgion, Evoken o los Skepticism

Técnicamente y si no me equivoco Chants of Impiety and Misery (2022) es su posterior debut  (digital por el momento), y su más reciente edición que a ver si ahorro algunos euros para pillarla porque tiene una pinta bestial; el recien salido del horno Tributum Animarum Lapsus (LP y cassette por Pesta Negra Records) . El Ep que os traigo son 30 minutos divididos en 3 infecciosos, putrefactos cortes muy bien acabados, buena base rítmica, toques espectrales de teclados (nada de virtuosismo sino apoyo atmosférico como mandan los cánones), voces que van desde los estrictamente gutural a cánticos fúnebres y procesionarios y en definitiva una atmósfera que tira de espaldas.

Desde la hímnica apertura en tempos letánicos de Funeral Doom de "Procession to the Abyss" con insistentes notas de teclado sobre la que se desarrolla una guitarra al más puro estilo Evoken (Quietus) a la aplastante y efectiva base rítmica (si no me equivoco, totalmente batería natural ya que Lord Mortuorum es batería en bastantes proyectos). Voces agrias como un vómito bilioso contrastan con parones en los que asoma una melódica línea de guitarra a lo Morgion. Hacen acto de presencia las voces monásticas de ultratumba y un soniquete de sinte eclesiástico que es una absoluta delicia. Lejos de parecer un proyecto enclavado en el Death / Doom simple, los cortes mantienen una estructura muy trabajada. Sigue la apertura de teclados en "Funeral Emanation" que junto a los cánticos pone los vellos de punta... una especie de mezcla entre los primeros Funeral Moth y Thergothon. ¿Es perfecto? por supuesto, y gracias a la divinidad, NO... y eso es lo que hace que "Tears in the Burial Ground" cerrando el Ep sea especial.

Un supurante descenso a esa zona de la tierra donde todo se disuelve, arterias y venas se convierten en extensiones de las raíces de los árboles y los tegumentos son el tejido conectivo que vertebra y ejerce de andamiaje al inframundo.

MUY, MUY RECOMENDADO.

https://exhumationfuneral.bandcamp.com/album/chants-of-impiety-and-misery

https://pestanegrarecords.bandcamp.com/music

https://adirondackblackmass.bandcamp.com/album/twilight-of-the-funebre-night



jueves, 12 de septiembre de 2024

GALG - "TELOORGANG" (CONSOULING SOUNDS; SOUL0190, 2024)

Pues tenía que ser de justicia divina que retomara las andadas literarias con el proyecto neerlandés GALG (formados en 2013) tras los impresionantes trabajos de SOLAR TEMPLE que os traje antes de verano. Por un lado el monolítico Embers Beget the Divine junto a los DEAD NEANDERTHALS y por otro el ultra Kosmische experimental A Gift That Should Have Been Reserved For The Great Lights, todo ello cortesía del mítico sello Consouling Sounds. El nexo de unión entre ambos proyectos es la molécula bivalente (no voy a entrar en algún que otro cambio de formación) entre Omar Kleiss a la guitarra y voces (Empyrean Grace, Solar Temple, Imperial Cult, Iskandr, Lubbert Das, Nusquama, Turia, Fluisteraars...) y Mink Koops a la batería (Fluisteraars, Iskandr, Knoest, Nusquama, Solar Temple, Bong Breaker); completando la formación, un tal `T´ que se encarga de guitarra y voces. 

Bien, Teloorgang es el disco que hoy os presento y tiene la particularidad de haber sido grabado hace nada más y nada menos que 10 años en los RPM Studios aunque tras la mezcla de la propia banda y Asher de Vries (que tocara el bajo con los Flusteraars), Beau Eckhard, Thomas Chochrane and Galg para posterior masterización maestra y alquímica por Greg Chandler en los Priory Recording Studios. Completa el apartado técnico (edición en CD y LP) el minimalista artwork fotográfico de Theo Naessens and Tess Post. Apostillar que sí que tenían dos EPS y una Demo previas.

Atonal, a ratos ruidista, hipnóticos, densos y en ocasiones con pasajes deudores incluso de Swans, GALG pueden recordarte sin duda a la mala hostia que manejan The Body o incluso algún toque de la insania electrónica de Oxbow. La repetición `ad nauseam´ en estos casi 50 minutos divididos en cuatro cortes sin duda lleva al oyente a un estado meditativo de un Drone Doom que bebe igualmente muchísimo de la escena alienante y depresiva Black metalera. 

Abre "Hemeltergend" con la sensación de estar escalando el sacro Monte Meru... despegue con la distorsión de guitarra y una percusión que va creciendo enteros; muy buen juego de doble guitarras que permite toda clase de recursos atmosféricos (por alguna razón, esos crescendos tímbricos agudos que flotan en el aire y nunca se desvanecen me recuerdan enormemente a los últimos SWANS); recursos que se repiten en modo loop con escasos pero efectivos cambios y la entrada de una voz lejana, agónica y malsana como mandan los cánones. 

A mitad de tema, entra el saxo estelar de Otto Kokke (como no, de los Dead Neanderthals) en una sábana espiritual a lo Sonny Simmons junto a los Moksha Sannyasin en aquel fabuloso Nomadic (Svart, 2014) que se marcó el tipo con 82 añitos. Conforme avanza el tema todo confluye a un flujo de metal y vientos absolutamente expectacular (sobre todo cuando el saxo se agudiza hasta extremos punzantes agudísimos). Con un riff a lo SunnO))) se abre "Verzoeking", auténtico mamotreto devastador de 15 minutos de duración que te saca el alma por las fosas nasales como si de un amortajamiento egipcio se tratara. Voces monásticas en un entorno Drone aclimatándose en una psicopómpica nana que se torna agria y séptica. Mientra una de las guitarras mantiene la muralla eléctrica de fondo, la otra te balancea en un cabeceo mántrico imperturbable.

Aun no teniendo bajo, hay partes en que la afinación de una de las guitarras adquiere tonos lúgubres y densos hermanándose y haciendo de base rítmica en un pulsátil, largo y exhaustivo `fade out´ que hunde sus raíces de lleno en el Black Noise (hispanohablantes, atentos al sampler vocal final que no tiene desperdicio). Sigue "Het Mes" con arranque al más puro estilo YOB pero bastante más estilizado en su puntillista uso de las guitarras sobre muro Drone; la voz, totalmente despojada de cualquier atisbo de humanidad, se desgañita hasta trenzar tripas con cuerdas vocales en un soliloquio sacado de cualquier pabellón psiquiátrico infecto-contagioso. Entra la batería procesionaria en un percutor pasaje Doom mezclado con elementos ruidistas que roza el Funeral de tal suerte que entre una cosa y otra tras un parón existencial sobre el minuto siete, todo vuelve a arrancar con más melodía y groove para que Galg se marquen todo un himno a la podredumbre existencial. 

Cierra el disco la apocalíptica "Doorn in Het Oog" cuya batería adquiere tintes motorik, tribales y Space Rock hasta el punto de que parece que los Hawkwind se hubieran transmutado en una banda extrema. Un tema directo, crudo y a la yugular. Puedo explicarlo más, pero lo mejor es que lo escuches tú. 

DISCAZO

https://consouling.be/release/teloorgang

https://galg.bandcamp.com/album/teloorgang