ORFEON GAGARIN - "KEDR" (BATAN BRUITS BB002, 2006)

Sigue saliendo a la luz poco a poco todo el fondo de catálogo de mediados de los 80 del músico Miguel A. Ruiz, que casi que tiene sección fija por estos lares. Tras la recuperación hace dos años y pico de su homónimo Orfeon Gagarin (primero reeditado por Ediciones Toracic en CD-R, y luego en vinilo por Verlag System) tenemos ahora su segundo álbum KEDR. Como no quiero insistir demasiado en detalles que ya he ido contando, os emplazo al Dossier con entrevista incluida que publiqué en el Zine MOEDULAR de Oigovisiones Label:

https://issuu.com/oigovisioneslabel/docs/moedular_fanzine_n_0_digital

KEDR se edita originalmente en 1986/1987 (Toracic Tapes / TO2 C-46, Cassette), para rescatarse y remasterizarse en 2006 por el sello Batan Bruits, creación ex profeso para la magnífica bso imaginaria Han Llegado Los Robots (Die Roboten Sind Unter Uns) ‎donde Héctor Hernández y Ruíz creaban una soundtrack alucinante dedicado al advenimiento de los `cerebros mecánicos´ que se relataba en el añejo libro de los años 50, Die Roboter sind unter uns (Rolf Strehl), importantísimo y clásico dentro de su obscurantismo por el rompedor diálogo social que traía la llegada de la computación y el progreso científico tecnológico (por cierto, existe edición española). La portada es obra del único e inclasificable cineasta César Velasco Broca y el interior es una foto posiblemente tomada ante la expectación creada con el lanzamiento del Vostok 1 (la primera misión espacial tripulada soviética).

(panel de control del Vostok I)

Por su parte, y para los puntillosos como yo, el recopilatorio Crónica Técnica de 2018 (Geometrik) había ya sacado el tercer movimiento del disco ("Musik III") en vinilo. En esta ocasión, KEDR recrea sónicamente a la perfección la carrera espacial soviética y su figura central más conocida Yuri Gagarin, en concreto a su primer vuelo de 1961. Otra vez un dúo con Ruíz que toca Casio CZ1000, Yamaha DX7, Casio sampler y violín modificado, al que se une la flauta de J. Juarros y es aquí donde me salta la tapa de los sesos.... los propios Kraftwerk en sus inicios y bastante más allá tenían a Florian Schneider con su violín y flauta eléctricos así que pensad lo que queráis (casualidad, homenaje.... ahí queda el dato). 

Ojito, la edición de Batan Bruits estaba totalmente agotada y casualmente se encontraron copias en un viejo almacén. Eso y mi rapidez a los dedos han hecho posible obtener una copia y en el momento en que escribo estas líneas y si no me equivoco, todavía podéis haceros con alguna a precio ridículo (también el de los Robots) antes de que se los trague la noche de los tiempos. Seguimos.

Si bien hay múltiples variantes con el término KEDR, por ejemplo el subfusil Kedr PP-91 y su prototipo setentero (PP-71), está claro que Ruíz probablemente se refería al mítico diálogo entre la sala de control y Yuri Gagarin durante el lanzamiento del Vostok 3KA-3 (o Vostok 1) el 12 de Abril del 71. Si el distintivo de llamada rusa a nivel aeroespacial (vaya, entre el astronauta y los que están en la sala de control) era KEDR (pino o cedro en ruso), su homónimo internacional sería el distintivo de llamada CEDAR que permite la comunicación radial durante los vuelos. 

¿Y qué es lo que se dijo?... pues allá va:

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- Koroliov: Etapa preliminar… intermedia… principal… ¡Despegue! Le deseamos un buen vuelo. Todo está bien.

- Gagarin: ¡Vamos! Adiós, hasta pronto, queridos amigos.

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Musicalmente estamos ante una suite cósmica de 47 minutos anclada en lo cinemático pero con un revestimiento oscuro que lo lleva a esos submundos contemplativos de Eduard Artémiev en las neuronales películas de Tarkovsky. Varias capas en conjunto, una más drone y grave y otra serrada en primer plano transcurren similar a los discos más crípticos de Coil o Nurse With Wound (quizás las colaboraciones con Graham Bowers o Soliloquy for Lilith). Lo sinusoidal contrasta con contrapicados y ruido de maquinaria espacial y se pasa de un corte a otro (todos titulados Kedrmusik y variando el número) pero siguiendo un hilo umbilical /score. Por ejemplo "II" suena muy retrofuturista y de tempos abotargados, con múltiples subcapas que aparecen y desaparecen como compresores de aire aleatorios y curiosamente llevándonos a una atribulada selva cósmica Noir Sci-Fi Giallesca, si es que se me permite masturbar las palabras de esa manera. Imaginad a Waldo de los Ríos en La Residencia o Quién Puede Matar a un Niño pero puesto de LSD.

Alucinante cómo suena esto con auriculares... y pensar que es del 87 y si no me equivoco, hay muchísimo aquí de Xenakis (sus obras electroacústicas) y hasta de Bernard Herrmann o Penderecki por esa manera de componer asfixiante. Si se coge la vértebra musical suena a clásica contemporánea y electroacústica, aunque los detalles industriales lleven al conjunto a otro nivel. Fiel reflejo de los sentimientos oscuros vividos por los anónimos anti-héroes de la carrera espacial soviética, Orfeon Gagarin crea un clima de claustrofobia donde la melodía no excluye para nada el empleo y uso de aguerridos pasajes que rozan el Noise a base de abstracciones caleidoscópicas muy atonales que curiosamente acaban sonando lisérgicas. He dicho atonal, pero a veces parece Fluxus o Dadaísmo ("Kedrmusik IV-V") por esos collages imposibles (Pierre Henry, Schnitzler, Cage o Jean Dubuffet).

(Edición original en cassette, circa 86/87)

La flauta me parece captarla bastante enterrada en el conjunto, casi siempre en graves tonalidades (por ejemplo en "Kedrmusik VI") usándose más notas sostenidas que melodías `per se´. En el tema citado brillan las bamboleantes percusiones vibrafónicas y entre nota y nota es donde mejor se captan los ruidos respiratorios de J. Juarros a la flauta. Alucinantes los toques pseudo-sinfónicos en "Kedrmusik VII" que parecen como bocinas de un viejo concurso de televisión que se estuviera radiando desde lo más profundo de la Galaxia gracias a un cable de antena tan largo como la Tenia intestinal de un Viejo Dios muerto. Parece mentira que luego llegaran gente como Ikue Mori con su laptop cuando Miguel A. Ruíz estaba haciendo esto en España en el 87. Fin de fiesta con las Krautianas (a lo Canaxis 5 o incluso, permitidme la osadía, la brillante etapa avantgarde de Battiato) "Kedrmusik VIII y IX", esta última con bombo de batería (sampler quizás) y un prodigioso trabajo a los sintes.

No será la última vez que Yuri Gagarin rondará a Miguel A. Ruiz más allá del nombre del proyecto, como se demuestra en su Voces a 45 rpm del 2019 (Geometrik/Munster). Para resumir, una joya exhumada de uno de los grandes genios y pioneros de la música electrónica y vanguardista española.

https://toracic.bandcamp.com/album/orfeon-gagarin-kedr

EDENA - "ZAURI BATEN PROZESUA" + "HARRIAN" (AUTOEDITADO, 2022)

E     D  E                N      A

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La presentación en sociedad del proyecto EDENA (Edén en euskera) pasa primero por recordar que mi primer contacto con Aitor Edena fue con los BERVNA, hace la friolera de una década, y a quienes tuve el placer de entrevistar con motivo de una serie de trabajos que tenían publicados y que me llegaron vía epistolar. Así que bueno, creo que es aconsejable partir de aquí, leerse la entrevista, ponerse a los añoradísimos Bervna (por ejemplo el brutalífico LVR de 2017, su directo 02.05.2015, o Mingorri III). 

Tras la disolución de la banda llegarían BALLARD, con una reformación de miembros y tal que vengo a contar en otra entrevista a propósito de su Demo 2017 y que nuevamente os aconsejo leer para no perderos en los bosques de trincheras oxidadas del Sludge Crust Psych a la Vasca. En 2018 llega el violentísimo Nacer, Vivir, Morir en el Mismo Lugar, el 7" Igual y un Split con Hipoxia que vale su peso en oro (alguna otra cosa hay editada pero no he tenido ocasión de catarla o reseñarla). Bien... entre todo este maremágnum de suciedad alquitranada donde transitan gente tan ilustre como los dioses AKAUZAZTE, Killerkume, Loan, Meido, Orbit Unit, Positiva, Mikel Vega y un sinfín más que nos llevaría un buen rato describir. En síntesis, lo que quiero decir es que tenéis que preparar vuestra psique para un terrorífico, descarnado y visceral Noise con trazas de Industrial, pepitas de Crust Doom y una flotante nube tóxica de lisergia química.

EDENA no tengo ni la más remota idea de cuándo surgen, pero los sonidos de su cinta (DE - 173), de la que ahora mismo me estoy enterando de su existencia, datan de 1999 y tal y como se viene a decir en el bandcamp `es imposible datar exactamente ninguna de ellas salvo "Itxura apurtzaile", grabada durante la primavera de 2020 con J. Espinosa a la percusión´. Lo cierto es que parece que salió en plena pandemia o confinamiento y ni me enteré de este asunto, así que saltamos a 2022 donde ve la luz Zauri Baten Prozesua en una cassette totalmente DIY, envuelta en papel de lija (limitada a unas 100 copias) y que son 23 minutos de descenso a los infiernos.  Un detalle son los motivos `gatunos´ en todas sus portadas que la verdad me pierdo en qué conexión pueda haber.

Abren varios segundos de Power Electronics de "Negative Space" que se continúa sutilmente con el Funeral Doom de "Lurra 31". Una pesadez brutal de sonido que hace que se me vengan a la cabeza gente como los japoneses Funeral Moth o los Bloody Panda. Apabullante duelo entre la guitarra, totalmente enclavada en un riff eterno y circular (a lo Burning Witch, Teeth of the Lions Rule the Divine) de Aitor Edena y la batería de Iortitz Ipiña (también en Ballard). Si tuviera que comparar con algo, diría los primeros HIPOXIA sin dudarlo. Primitivísimo corte que también me trae por supuesto a la cabeza a los propios Bervna. Dura 9 minutos pero en tiempo divino serían 9 Kali Yugas.

I  P I       Ñ                                  A

Por cierto, su lema `soinu barik beste diskurtsorik ez´ (ningún discurso mas allá del sonido) me sirve para remachar de que se trata de un proyecto casi instrumental lo cual es para mí un acierto. Lo ecléctico de la música quedaría tapado con la inclusión de voces digamos... `regladas´. Así disfrutamos más perlas como la electrónica "Y tú, ¿también flotas?", un loop industrial (no tengo muchos datos técnicos, así que poco puedo decir sobre la grabación) que sirve de entrada a la visceral "Munstroaren Munstroa", distorsionada hasta el punto del vómito drone al más puro estilo Skullflower, Ramleh y entes por el estilo. Aullidos de fondo y un ULTRA))) RIFF rayano en el Power Electronics son todo lo que Edena necesita para dragarte por un intestino metálico electrificado y cagarte en un vertedero nuclear que se limpia el culo con nuestros tímpanos en "Negative Space II", calma después de la tormenta a través de un volátil clímax donde prima el tratamiento de pedaleras de la guitarra para conseguir texturas a lo Earth pero mucho más cósmicas.

Curioso pero es como los primeros Popol Vuh en el País Vasco. Para cerrar el círculo con la apertura de la cinta se vuelve al Power Electronics inicial y esos impulsos sinusoidales tipo Throbbing Gristle, Controlled Bleeding y similares mentes cuerdas. 

Meses más tarde, se registra un directo en la Cantera de Mármol rojo de Ereño editándose en una cinta de cassette metida dentro de una caja de porcelana y con artwork de M. Lopez Orosa. Como no podía ser de otra manera, se le titula Harrian, que viene a querer decir algo así como `en la piedra´. En esta ocasión EDENA son G. Bilbao a la batería, P. Asensi al bajo y Aitor a la guitarra, sintetizadores y voz.

Más estructurado que en la anterior cinta, abre "Harrian 0". Un acople drónico sobre el que planean los platillos de la batería y un crescendo bastante desértico que podría recordar a unos Yawning Man pasadísimos de rosca. La batería seca, monolítica y reiterativa añade un punto muy tribal que con el conjunto de los instrumentos llevan a EDENA a un nivel algo más lisérgico. Por poner similitudes, me recuerda a viejas bandas de Space Rock texano como los ST 37 (aquí) o los siempre olvidados Negative Reaction. Impresionante el plúmbeo tempo de "Harrian I", que con auriculares te mete dentro de la vagina de la Cantera de Ereño. Aunque se pierde esos toques más Industrial de Zauri Baten Prozesua, Harrian es más brillante para mi gusto... la afinación alta de la guitarra contrastando con los tonos vibrátiles del bajo y el imperturbable golpeo procesionario del bombo son Psicodelia Experimental Lítica en estado puro.

Sigue una reinterpretacion en power trío de "Lurra 31" (Tierra 31). Más plagada de detalles que su versión para dúo, es igualmente un cañón de Drone doom que te invierte el peristaltismo y las tripas del revés hasta que te das besitos a tí mismo en tus propias nalgas. Más refinada y con un bajo acojonante, sobre todo en los segundos finales. Finiquita la cinta "Harrian II" donde se repite el concepto monolítico pero añadiendo burbujeantes toques de alquimia modular de sintes y una voz gritona pasada por el filtro de un viejo micro de esos de radioaficionados (no estoy seguro). Para mi gusto, este corte representa hacia donde creo debería ir el proyecto... un Industrial Noise que no pierde el Drone doom en el camino y cuya principal virtud es poder partir granito con sonido.

Quiero más.

https://edenazarata.bandcamp.com/

STRUCTURE - "STRUCTURE" (ARDUA MUSIC, ARDUA010CD; 2022)

STRUCTURE, proyecto formado en 2021, hunde sus raíces en ese sonido característico de la escena holandesa de Death/Doom de los años 90 pero retorciendo y virando quizás un poco más el barco hacia esa plúmblea atmósfera del Funeral Doom atmosférico imperante en bandas como Clouds o Pantheist. Tono casi marcial que es lo suficientemente marcado y procesionario para hacerte desesperar si no te gustan estos estilos o directamente encumbrarte al Nirvana su eres de sinapsis lentas. Detrás de Structure está Bram Bijlhout que se encarga de todos los instrumentos (guitarras, teclados, bajo y batería) dejando toda la tarea vocal a una leyenda como Pim Blankenstein de los Officium Triste entre otros... por nombrar a una banda que entronque con esa escena holandesa que quiero reflejar porque el currículum es extenso (sin ir más lejos, de sus proyectos favoritos para mí están los Extreme Cold Winter).

Blankenstein y Bijlhout comparten tablas tanto en un período concreto de los Officium Triste (el Split Inmersed y el álbum Mors Viri, años 2012 y 2013 respectivamente) como en los The 11th Hour. El EP debut homónimo son 35 minutos que se visten de gala en un precioso artwork del propio Bijlhout y Kalle Pyyhtinen, editándose primero en cassette por Brutal Insanity Records y meses después en digipack por ARDUA MUSIC (ex-The Vinyl Division). La varita mágica del masterizado de Greg Chandler (Priory Recording Studio) añade una profundidad y dureza que son ya marca de la casa. A propósito otra vez de la portada, la fotografía pertenece a las `botanical series´; podéis indagar en la faceta fotográfica de Bram Bijlohout por aquí:

https://www.brambijlhout.com/

(Bram Bijlhout)

La vértebra del Ep es sin duda la guitarra tal y como se puede comprobar en el excelente riff de apertura de "Remain Faithless", en el que además se hace uso de los teclados de una manera muy particular (casi parece que por momentos nos vamos a meter en uno de los primeros cortes de los My Dying Bride). La voz de Pim destruye todo a su paso, adaptándose al paso lentísimo de la base rítmica. En definitiva, corte con estructura de himno y aporte de teclados que suenan 100% a los My Dying Bride de los inicios o lo que es lo mismo, leves subrayados de apoyo y sin caramelizar. La guitarra de Bijlhout acomete un solo tremolar doblado sobre sí mismo en un fantástico pasaje instrumental decadente, fundiendo escenas (sueca, finlandesa y holandesa) a placer. Otro buen puñado de excelentes riffs de guitarra para "Lost" y un ritmo un pelín más acelerado. 

No sé la razón pero me es imposible no encontrar similitudes con la manera de tocar de Andrew Craighan; notas que se alargan hasta hacerse coincidir con la pegada de la batería, revolviéndose como el bajo y emulsionando a placer. Un tema de vieja escuela Gothic / Doom de esos que ya no se hacen, al igual que el magnífico "And they Remembered".... largo inicio instrumental y épico desarrollo con lucimiento vocal de Blankenstein. Soberbia la batería y sobre todo la repetición `ad nauseam´ del motivo melódico de la guitarra en modo espiral que le añade un poder hipnótico tremendo al corte. Pegadizo como el sudor pre mortem. Mismas palabras podría repetir para "As I Take What is Mine", que lanza a Structure a un tempo que roza el Funeral Doom. 

Cierra "Catatonic", instrumental con recitado en vocoder, cuerdas sampleadas y dejándote con ganas de más. Recomendado y más que notable Ep de STRUCTURE, proyecto que espero tenga continuidad y a ser posible, con Pim a las voces.

https://arduamusic.bandcamp.com/album/structure-ep

https://structure-doom.bandcamp.com/

JUAN BELDA & THE BIT BAND - "MOSCAS EN LA PLAYA" (LOS 80 PASAN FACTURA / ALTAFONTE, 2022)

Seis años ya desde que LOS 80 PASAN FACTURA me pusiera tras la pista de la Juan Belda Bit Band, y desde entonces, cuatro álbumes reseñados en profundidad y donde más o menos doy un repaso del enorme currículum de Belda. Por orden de reseñas, están No Encuentro la Tónica (Los 80 Pasan Factura / Altafonte, 2019), Carretera Mágina (Los 80 Pasan Factura / Fol Música 2016), La Rueda Infinita de Hans (Discos Necesarios, 2012) y I Love You!!! (Discos Necesarios, 2008). De la parte anterior más experimental de Belda solo puedo atestiguar los impresionantes ARTE MODERNO, y ya la etapa para mí desconocida más en solitario con discos como Desde el Hierro, el dedicado a la India en RTVE, su colaboración con Hugo Westerdahl o los primeros con Grabaciones Accidentales (Juan Belda, 1986 y La Pasión, 1990) sencillamente no he tenido la ocasión de escucharlos.

Era difícil superar a Carretera Mágica y No Encuentro la Tónica... pero es que este nuevo Moscas en la Playa es una auténtica delicia que mezcla el Rock Progresivo, el Jazz Rock, la Fusión, partes más Avantgarde y electrónicas con todo lo que se te pueda ocurrir, máxime si tu banda se compone nada más y nada menos de una plétora de músicos con un currículum que asusta. A ratos puedes centrarte en el Canterbury si te fijas en el uso sosegado la flauta, pero al rato están en terreno urbano y rompedor, abstracto y en picado propios del Rock en Oposición (sin ínfulas oscurantistas, eso sí). Decir Jazz-Rock porque haya saxos y bases rítmicas Funk deudoras de Miles Davis sería acotar demasiado así que bueno, lo mejor siempre sacar uno sus propias conclusiones. Lo que verdaderamente vertebra la originalidad del sonido de la Big Band es la camaleónica forma de manejar los teclados de Belda, teniendo siempre por bandera esos estilos New Wave que transitaba en los 80 y 90.

Algunos cortes son micro ecosistemas donde habita lo psicodélico en forma de un Space Rock urbanita que curiosamente puede recordar a los Mother Gong de su etapa media, y si hablamos de Jazz Contemporáneo los espaciales devaneos de los sintes de Belda crean grooves que me despistan por completo (ahora Funk, ahora marcianos), de alguna manera (no sé de cuál) conectados a la vanguardia catalana más soterrada pero por otra, al completarse con el sonido orgánico de una banda de jazz al completo, nunca se pierde la esencia del Jazz Rock setentero.

JUAN BELDA BIT BAND ahora mismo son (lo siento, si me entretuviera en el `corpus delicti´ de cada uno de los músicos no acabaría nunca y muchos de ellos ya son perros viejos de presa):

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* Juan Belda // Piano, synth, organ, guitar and tapes

** Juanjo Ortí // Saxophone Drum

*** Pelayo Arrizabalaga // Saxophone

**** Jorge Pardo // Flute and saxophone

***** Javier Colis // Guitar

****** Enrico Barbaro // Bass

******* Miguel Gil // Saxophone and Flute 

******** Markus Breuss // trumpet

********* Samuel Tarraco // Trumpet

********** George Marti // Trombone

*********** Hugo Westerdahl // Guitar

************ Iñaki Araquistain // Saxophone

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Moscas en la Playa se compone, graba y produce por Juan Belda en Estudios Fonoelástica con algún corte rescatado del lejano 1987 y oro que es de Markus Breus. Oscar Herrador masteriza el resultado y la portada (`Coworking´) es de Ximena Bares. Producción ejecutiva de Francisco Macías (investigad este misterioso nombre, que anda detrás de muchas ediciones fantásticas en los últimos 15 años). El digipack lo diseña Madoka Belda y editan nuevamente LOS 80 PASAN FACTURA y ALTAFONTE. 

Abre la fresca "Mayo Tranquilo" con un pletórico Belda al Moog y unas oscilaciones muy `exploitation´sobre una base rítmica totalmente desenvuelta y remachada por pianos, saxos y flautas que poco a poco se van alternando en mini solos. La forma en la que la electrónica dialoga con el resto de instrumentos lleva al conjunto a una demencial vuelta de tuerca del Rock Progresivo. Por cierto, la manera en la que se abre el disco me recuerda a Soft Machine aunque luego todo vaya deslizándose poco a poco a un cruce entre lo que vienen haciendo hoy día bandas como Flat Earth Society (escuchad Boggamasta sin las voces) y el rollo Canterburiano de toda la vida. Eso sí, "Pasodoble" te da una hostia en toda la cara... si Pete la Roca lo clavó en el Be Bop con Malaguena (Blue Note, 1965), aquí la Bit Band deconstruye un pasodoble con sus trombones circenses dándole al asunto una frescura brutal.... destaca los mini solos contenidos del trombón de George Marti, dialogando juguetonamente con Arrizabalaga mientras Belda crea un demencial fondo de Moogs, órgano y Rhodes. Es latino todo, pero del que sangra; a partir del minuto 2:30 se desatan los infiernos... vaya manera de subir los tonos del saxo, vaya camaleónica base rítmica y qué intrincadas resultan las melodías. 

"La Voz de su Amigo" es Mellotron, vientos, base rítmica y ladridos... así tal cual. Jazz Noir en plan canino, muy andante y con un registro que me recuerda por una parte a algunos trabajos de Medewski, Martin and Wood, mientras que en el siguiente "Judeoconverso (Fanfarria)" la introducción de la guitarra de Westerdahl me retrotrae a los Ceramic Dog de Marc Ribot por un lado e indiscutiblemente, como no podía ser de otra manera, la serie de la Radical Jewish Culture de Zorn en TZADIK. Ritmos Klezmerianos cuasi tarareables en los vientos puntuados de un Belda que se viste vibrafónicamente de Kenny Wollesen (es rara la comparación, pero el abordaje percusivo de uno parece complementarse con la manera en la que trata la electrónica Belda, dejando las notas flotando y buscando el espacio). Maravilloso cómo se miden los tiempos, el ritmo arrastrado y la atmósfera que aporta el Mellotron. SUBLIME. 

Sigue "Marzo 2020", con un toquecito de Easy Listening, muy sosegado, lisérgico y plagado de samplers vocales; aquí los teclados son muy ochenteros y los instrumentos de viento casi parecen metido en un loop. Mucho más interesante me parece la sincopada "El Taladro del Vecino" con riffs de guitarra del maestro Javier Colis, piano intrincado y saxo pletórico del gran Arrizabalaga para un tema corto pero lleno de detalles que marca un considerable cambio en el álbum; de los primeros temas más jazzeros, a partir de aquí se busca más la experimentación y se reduce el número de músicos en un contraste bastante sugerente. Así, "I Was Sitting in a Room" tira de minimalismo electrónico con sampler de voz de Alvin Lucier, uno de los grandes de la exploración y experimentalismo musicales. Por tanto, sobre un riff cósmico de Colis y sintes se construye una melodía crepuscular que suena a Surf pero con dosis excesivas de opioides. Con la boca abierta me quedo en "Flamenquito Eléctrico" y es que se retuerce todo un puntito más con la trompeta de Samuel el Tarraco que se procesa / alquimiza con la percusión electrónica de Pedro-Barceló y la maestría de Belda en una suerte de Cuarto Mundo de Jon Hassell en versión flamenca... increíble pero cierto.

La última parte del disco es una absoluta locura; "_Skype" es el Swing del futuro (magníficos platillos de Juanjo Ortí), mezcla el Swing con Chrome y directamente al manicomio; sigue "El Viejo Metrónomo" o lo que es lo mismo solo Belda a la guitarra y Moog en el corte más oscuro del álbum, al igual que la experimental "Moscas en la Playa" (originalmente de 1987) y rescatada aquí para la ocasión, con multitud de sintes atacando desde todos los flancos y aunque a priori pueda sorprender lo distinto que suena con respecto a los primeros temas, para mi gusto da un aire de frescura que termina por rematar Markus Breuss en su composición "Itinere-Itinere". Experimentación con cintas de cassette al más puro estilo CASSIBER como fondo y colchón de la siempre interesante trompeta de Breuss mientras que la marcianada la pone el Moog de Belda. 

Como MU de Cherry pero en clave electrónica para cerrar uno de los discos más alucinantes de 2022. No, no saldrá en las listas de discos del año porque esto es para otro tipo de oídos. IMPRESCINDIBLE.

DISCOS PAT

https://juanbelda.bandcamp.com/album/moscas-en-la-playa

https://www.los80pasanfactura.com/

CAVE DWELLER - "INVOCATION" (AESTHETIC DEATH ADCD 089, 2022)

Go forth, under the open sky, and list

To Nature’s teachings, while from all around

Earth and her waters, and the depths of air—

Comes a still voice

-"Thanatopsis" William Cullen Bryant

Justo dos años después de reseñar el impresionante Walter Goodman (Or The Empty Cabin In The Woods) ‎vuelve el proyecto CAVE DWELLER (Massachusetts) o lo que es lo mismo Adam R. Bryant de P A N D O, idolatradísima banda de los que os traje Hiraeth (2020) y Rites (2021), dos delicatessen para paladares bífidos. Como no quiero repetir conceptos, para biografías e historias tenéis los enlaces que os he dejado, así que paso del tirón a este brutal Invocations, editado como no podía ser de otra forma por AESTHETIC DEATH en un digipack de lujo con libreto de 20 páginas con un trabajo fotográfico que tira de espaldas.

A nivel técnico, cada corte ha sido tratado de una forma diferente, tal y como se explica perfectamente en su bandcamp: `an experiment in music and poetry. Each track was recorded and mixed differently, using multiple mediums and techniques, including simple smartphone tracking, digital and analog tape recording methods, and field recordings at places of importance´. El resultado final es mezclado y masterizado en Uncle D's Acadian Colonoscopy Clinic por el propio Adam R. Bryant. 

Siguiendo la misma idiosincracia del debut, cada tema se nos presenta con una imagen fotográfica, las letras en el libreto y algunos apuntes o detalles, bien sean de la grabación, motivos inspiracionales o de la letra. El disco se abre con la hermética y a ratos opresiva "An Invitation", de raíz Folk y Drone y con un loop apabullante de violín mezclado con piano sobre la que entra la homiliesca voz de Bryant recitando un poema (Mount Washington) con un tono de voz bastante cercano a Nick Cave pero con muchísimos más registros centrados en un poderoso Dark Ambient que pone los vellos de punta. Como pasar la lengua por un viejo, salado y húmedo monolito cubierto de musgo, brilla la acústica subrayando unos maravillosos pasajes en los que la voz alterna la tonalidad de las frases; unas graves, otras más agudas, imperativas o simplemente resignadas al más puro estilo Neo Folk de maestros como Sol Invictus o Current 93. Sigue "To Accept the Shadow", Junguiano título para un tema grabado en parte en la cima del monte Webster en las White Mountains en pleno Samhain y tal y como se sugiere en los textos, hubo acampada nocturna.

Con un registro más marcial (o ritual), un histriónico piano con diversos procesamientos electrónicos en la retaguardia van marcando una coda muy cercana a los Cyclobe, Coil y otros. El contraste de lo analógico con lo electrónico adquiere tintes de clásica contemporánea (escúchense experimentos de Xenakis). A esa primera parte le sigue un Carpenteriano teclado plagado de flangers (esas oscilaciones propias de sus bandas sonoras) que casi entroncan con el Horror Synth y similares. Percusiones tribales a lo Michael Cashmore, aroma a Thighpaulsandra (parece un incienso su nombre) y lentamente un cinematográfico score que se va tornando épico y grandilocuente donde brilla muchísimo el violín. Descarte del anterior disco, y aunque se incluyera en el Ep editado en digital (Between Worlds), sigue la intimista "Bird Song", puro Neo Folk con un trabajo vocal ALUCINANTE. Musicalmente es de los temas más simples, con su base rítmica y tal, pero el resultado final y cómo está colocado en el tracklist resulta de una alarmante belleza, al margen de que las letras son pura poesía... y ojito con el distorsionado fade out con riffs encabronados de guitarra a lo primeros Opeth o Katatonia.

"The Meeting" es difícil de describir. Grabaciones de campo (caballos, ríos...) en las cuevas de Hadley, las cataratas Sanderson Brook y uso de toda una amplia plétora de instrumentos (desde guitarras hasta un Yamaha de los 70), todo para construir un mini collage atmosférico que se deconstruye a través de la guitarra acústica y que sirve de puente hacia "Entelechy", minimalista pieza cuasi Jazzera, otra vez con ecos a Nick Cave y que está grabada prácticamente de una sola toma. En ocasiones, si uno coge el conjunto del disco, parece estar metido dentro de un bucle mental entre el Canterbury, el Folk Rock inglés y un desesperanzador Dark Ambient... no sé, imaginaos a Fairport Convention en plan Post Punk o algo así.

El Spoken Word es un arte, y "The Light Keeper" roza lo sublime, recordándome en algunos momentos a algunos maravillosos discos de Danielle de Picciotto con Alexander Hacke (Perseverantia por ejemplo). Tras un primer pasaje prosigue un tramo instrumental con angulares contrapicados a lo Penderecki, brutales percusiones sintéticas propias del Industrial Noise y vuelta otra vez al Spoken Word asfixiante donde no puedo evitar acordarme de discos bastante controvertidos de Whitehouse o Sutcliffe Jugend aunque el trasfondo musical sea casi Lynchiano (esos platillos de la percusións suave y el piano) y su sustrato literario más onírico. Simplemente una maravilla.

Dice Bryant en la descripción de "Mirror": `sounds recorded from a cottage getaway in York Harbor. The lyrics and inspiration for this track came from a soul quest assigned to me through a rigorous training progra frm the new year to litha. The frame drum is made of moose skin and tendon, played under the ocean fog on a rainy night´. A lo que yo añado: es como una extensión de la BSO de Conan the Barbarian de Poledouris. Épica y brutal, con ese sentido marcial de proyectos como Blood of the Black Owl... flipantes las voces a lo Summoning por cierto y un demoledor giro a partir del minuto seis que te va dejar con la boca abierta. Avisados quedáis. "Solastalgia" cierra con un loop de un viejo 7" sobre el que se construye un oscurísimo himno. Guitarra, flauta de madera y grabaciones de campo en el Mohawk Trail State.

 Creo que mejor que describirlo, es dejaros las letras:

who is this radiant moss flower that descends the deep?”

“I wonder...”

birch chaga grows roots into the fields of Elysium

saturated in mercury

direct descent to the poison path

“Is it you, Lao Tzu?”

eyes stare in silent annoyance

reflecting back

and reflecting back

uncanny familiarity

“Is it you, Kannon?”

death kisses the lips of eternity's bliss

mortality weakens to the blessings of cast iron tea

he laughs

you smile slow

how unfortunate, that

I must return

All the gods between us and the branches of infinity

are you and my love embraced through the enchantments of the earth

In the relief of my breath, I inhale the secrets of our souls,

for the eyes are the sacred passage to divinity and the creators

With a relax of air, I release this plane from such subtle illusions of disconnection

For I am the architect, the sun and the moon, that laughs through the clear waters

awakening from the dream to see you within a momentary lapse of reason

before laying back down my head to rest

Breath. Release. Repeat.

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https://cavedweller3.bandcamp.com/album/invocations

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=5561

YELO & AROCA - "ÁMBITO / MULA" (REPÚBLICA IBÉRICA RUIDISTA RIR086, 2022)

Cada vez que me enfrento a un trabajo musical que cabalga entre la improvisación libre y la clásica contemporánea me pongo dos pinzas de la ropa en cada pezón para contener ciertas emociones, máxime si hay electrónica de por medio y está tan bien trabajada como en este magnífico ÁMBITO, suerte de colaboración entre Juan Jesús Yelo (paisajes sonoros, theremín de luz, campos electromagnéticos y arpa eólica) y José Joaquín Aroca (saxofones soprano, alto y barítono). Y digo esto porque desde la vanguardia norteamericana cuasi contemporánea más universitaria (finales de los 80 y principios de los 90), hasta diversas escenas más jazzeras, he pasado por mis tímpanos un buen número de grabaciones cada una con su particular idiosincracia. ¿Mis preferidas?.... pues sin duda aquellas en las que ambos elementos, electrónica y vientos (o cello, contrabajo.... que también tengo un buen puñado de referencias de cuerdas mas electrónica) se consagran a un mismo objetivo, me da igual si con composición de por medio o mediante ese cordón umbilical sacro de la improvisación.

El contexto de ÁMBITO (me encanta esta palabra que os invito a diseccionar etimológicamente) son unos encuentros improvisados ideados por el pintor, escultor y artista murciano Cristobal Gabarrón (siento resumir tanto, pero si hablo de su currículum se me gastaría la tinta digital y la gente que maneja internet me ejecutaría inexorablemente por gastos excesivos) que invita a artistas de otras disciplinas a bosquejar esos límites (unas veces reales, otras imaginarios) del ámbito, el cual por cierto no responde a coordenadas al azar, sino que se elegirán cinco sitios de interés medioambiental en cinco respectivos continentes, todo ello en el espacio temporal de dos años. 

Lo que recoge el digipack editado por República Ibérica Ruidista se graba en direccto en el Paraje Pinar Hermoso (Pedanía El Niño de Mula) el 26 de Febrero de 2022, tal y como se cuenta `entre los almendros en flor, bajo la lluvia y sobre el barro´. Podéis ampliar información aqui:

https://gabarron.org/es/Ambito

El propio Cristóbal cede la foto de portada y Paco Vico se encarga del diseño gráfico mientras que el sonido lo mezcla Fran Martínez Baillo. Lo demás, os lo voy a ir contando pero antes, y aunque no me guste el corta y pega, me encantaría que leyérais este fabuloso texto que acompaña a la Bio y que refleja lo que se vivió en la jornada en cuestión: 

`El primer evento del proyecto de Gabarrón tuvo lugar en febrero de este año en el paraje Pinar Hermoso en la pedanía El Niño de Mula. Se esperaba un día radiante de febrero entre los almendros en flor, pero vino el frío y la lluvia y el barro. Los plásticos cubrían los aparatos, bajo los toldos miríadas de gotitas se condensaban en los saxofones, el barro pesaba en los zapatos y acababan de atacar a Ucrania. De algún modo todo esto está en el disco, que recoge la parte sonora del happening-performance-action painting llevado a cabo en Mula. El mismo ambiente calaba en la pintura de Cristobal Gabarrón y las declamaciones de Carlos Aganzo, Joaquín Araujo y Raúl de Tapia. Los trazos de uno y las palabras de otros atraviesan el disco sin encontrar paralelismo en lo sonoro. Sin embargo, sí podemos intuir en alguno de los episodios cómo la danza de Manuela Salvado da forma a los sonidos, va esculpiendo con sus movimientos el espacio sonoro y queda en el disco como el vaciado de una escultura.´

Diseccionar musicalmente ÁMBITO (MULA) es complicado y quizás un sobrevuelo por el conjunto sea lo más acertado, en vez de detenerse en cada uno de los cortes. Empezando con el saxofón de José Joaquín Aroca, me quedo helado con la amplitud de registros que abarca, casi siempre sosegados y de un marcado acento espiritual no sé si Coltraniano, pero sin duda sí que muy deudor del atavisto telúrico de Ayler o el Coleman más experimental. La manera en la que suena y procesa el sonido en ese "Episodio 1" me hace recordar al olvidadísimo Eddie Harris y la forma en la que electrificaba el saxo (magnífico su Silver Cycles de 1968)... pero claro, aquí interviene sin duda Juan Jesús Yelo con su torno de alfarero sonoro manipulando, añadiendo grabaciones de campo e incluso generando bajas frecuencias propias de las Ondas Martenot. Eso, y el ruido de la lluvia y las irrupciones de lo rural hacen dudar si no estamos dentro de un disco de Dark Ambient oscurantista cañí (algo así como Ibero Dungeon Synth sería la cosa) pero es entrar esos toques bajos del saxo juguetones que me embriago de una inmensa paz espiritual porque no puedo evitar acordarme de la manera gospeliana y plañidera con la que Ayler acometía su instrumento o con la que Wadada Leo Smith (con su trompeta) mecía aire y saliva en una nana contemplativa en Ten Freedom Summers.

Pelos de punta en cómo el apabullante theremin de luz suena como una Shruti Box propia de las Morning Ragas indostaníes en "Episodio 2", con puntadas zurcidas por un asordinado saxo rayano en esa escena ahora muy en boga del Doom Jazz que practican gente como Bohren & Der Club of Gore, The Lovecraft Sextet o los extintos The Mountfuji Doomjazz Corporation. El uso del eco en el saxo y cómo se vertebra es mántrico hasta el punto de que puedes (os invito a hacerlo) recitar algún mantra que queda perfectamente medido métricamente. Definir esto sin escucharlo es complejo, pero "Episodio 8A" es lo más cercano a prestarle a Fulcanelli un saxo y cacharreo electrónico a ver si puede dar con su jodido enigma de las Catedrales mientras que la apertura de "Episodio 8B" parece vestida con la ropa exhumada de Pharoah Sanders con los jugueteos necroelectrónicos de Ikue Mori que por cierto se nos va a los 14 minutos y pico aunque cosa curiosa, hay muchísimo aquí de la escena vanguardista Berlinesa y el Kraut primitivo justo antes de que mutara en lo que luego sería la New Age.

Por cierto, imposible no acordarse de A Love Supreme en las idas y venidas puntuales con ruido de ganadería de fondo. Una puñetera genialidad de contrastes en el diálogo más intenso que recuerdo en un disco; la estática acumulada de los campos electromagnéticos de Aroca y el pastoreo del ganado con un saxo pletórico de New Thing. Muy curioso cómo el barítono se transforma a veces casi en un contrabajo en el monumental "Episodio 10" que casi llega a los 20 minutos. Arpa eólica, partes cuasi Noise de tintes marciales, el theremin de luz iluminando la noche primera de los tiempos y un soliloquio acojonante del saxo soprano... todo esto y muchísimo más. A veces describir demasiado es destruir así que me contengo, aunque bien es cierto que como se dice en los Mitos, todo aquello que tuvo un nombre debe seguir siendo nombrado para no perder su existencia.

Sin dudarlo, Cristóbal Gabarrón, Juan Jesús Yelo y José Joaquín Aroca, mas quienes anduvieran aquel 26 de Febrero por la Pedanía El Niño de Mula, dejaron una impronta tan alucinante que convierte a este disco en algo tan especial como necesario. Una obra de CULTO.

https://republicaibericaruidista.bandcamp.com/album/ambito

EL LABERINTO DEL LEPISMA (46) - "El Juego de los Niños (Juan José Plans)"

 *El Juego de los Niños / Juan José Plans (Organización Sala Editorial, 1976) *

La historia de una búsqueda, la historia de una de las novelas más terroríficas del terror hispano. Juan José Plans, con su radiofónico programa HISTORIAS DE RNE, cerraba los esfínteres con un relato audionarrado llamado La Isla, a la vez relato titulado Pánico que saldría en sendos números 34 y 35 de la revista Cosmópolis. Ya venía colaborando Plans con Narciso Ibañez Serrador cuando éste se queda petrificado con la brutalísima historia y decirle adaptarla con sutiles cambios mientras que Plans a la misma vez escribe la versión novela notablemente diferente. Resultado, el film de Chicho, de culto mundial QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO y el ostracismo de Plans que queda relegado a un segundo plano (prácticamente todo el mundo creía que la historia era original de Chicho). Por cierto, en el siguiente enlace os dejo una dramatización de la novela a cargo del propio autor de 4 horas y media:

https://www.youtube.com/watch?v=52Y_NorzZdk&t=8s

Ahora entra mi historia. 20 años o más buscando la edición original de la novela que tuvo una reedición en 2011 (igualmente inencontrable). 20 años de lepisma, dedos sucios y estanterías... incluso recurrí a internet cuando se me puso a tiro dos ejemplares (con escasa diferencia de tiempo) a un precio irrisorio.... pero claro, los venedores, ávidos y listos, se dieron cuenta de que aquello era un incunable y con excusas, y a pesar de haberla echado al carrito, se excusaron diciéndome uno que no tenía existencias ya y que era un error de la página, y el otro con no se qué historia de que la novela estaba subrayada (a pesar de que insistí de que me daba igual se negó a vendérmela así). 

Nunca he dejado de buscarla, huyendo de los desorbitados precios (ahora mismo hay dos copias en la red, una a 80, otra a 100 euros, ambas en peor estado que la mía). ¿Y cómo fue el encuentro?. Pues no era un día cualquiera pero como si lo fuera para vosotros. Tras mover centenares de libros fijé mi vista en una estantería y vi una novela tardía y bastante vacua de Plans que no me interesaba y durante una ráfaga de microsegundos volví a acordarme de El Juego de los Niños; justo a continuación subí la mirada y la ví allí, en todo su esplendor. Las sensaciones son difíciles de describir y las dejo a vuestra imaginación pero apunto dos detalles: uno, que es una segunda edición, también del 76, y que desconocía totalmente dada la rareza de que salieran dos ediciones. La otra... pues que dentro encontré un trozo de una antigua faja (puede verse en la imagen) que muestra que la novela y la película se hermanaron bastante. Nunca he visto una copia del libro con esa faja y creo que es un detalle importante para futuros coleccionistas.

Otro sueño cumplido.

ENJOY YOUR LEPISMA WEAPONS