MISA TRIDENTE + DOCE FUEGOS - "GARROTE VIL 1820 - 1978" (AUTOEDICIÓN, 2022)

No sé si es políticamente correcto decir que el nuevo proyecto del enigmático Misa Tridente junto a Doce Fuegos me ha provocado un nudo en la garganta. Garrote Vil (1820 - 1978) se compone de un solo corte de 40 minutos de duración en un limitado digipack masterizado en los Estigia Estudios de Miguel Souto (Ab'bhau, Excurse, Svdaria, Suspiral...) quien además aporta voces junto a Isabel Sierras. Fiel a todo ese submundo mistérico de los proyectos relacionados con Misa Tridente, se incluyen extractos manipulados de la mítica `Psicofonía del Infierno´, supuestamente obtenida por Germán de Argumosa en 1985 y que de por sí daría para todo un artículo. Fenómeno social o paranormal, invito a que indaguéis en el asunto.

La construcción de Garrote Vil es bastante ritualística, cercana al Dark Ambient que se practicaba en Cold Meat Industry o Cold Spring. Escuchado con auriculares, sus bases rítmicas pulsátiles y su manera de mezclarse con el Noise podrían recordar a insanos proyectos de Power Electronics como SPK, Throbbing Gristle, Whitehouse (sin el Harsh) o muchas de esas entidades psicopómpicas que habitaron Crucial Blast (Skullflower o Theologian). Cuando entran las voces el asunto sube enteros bastante; cánticos entremezclados con percusiones al más puro estilo Like Drone Razors Through Flesh Sphere o lo que es lo mismo, un Doom de carácter experimental y litúrgico arrebatadoramente oscuro. 

Misa Tridente, ya hollados por aquí en su Split con Maaurge (2017) o el excelente Iucidium (2019), ve exponencialmente multiplicada su durísima propuesta en Garrote Vil merced a las voces absolutamente demenciales de Souto e Isabel Sierras. Las guitarras, tocadas al otro lado del río Styx, reflejan toda esa sin razón de la España Negra del garrote, de un necrótico Berlanga y unos queridísimos verdugos. Cacharros, electrónica y pulsos electromagnéticos desembocan en un pausado interludio allá por el minuto 17... difícil decir cuándo y en qué momento Doce Fuegos (Miguel Palau) erosiona la música con la mandolina y violín eléctrico (aunque todavía no he reseñado su último disco, os dejo en enlace al primero El Templo de las Cuevas), pero se deja caer su lánguido y apesadumbrado tono sin lugar a dudas a partir del minuto 20. Un telúrico fondo electromagnético sirve para que Palau apriete un pelín más el vil garrote y las cuerdas vocales del reo bien pudieran electrificarse para ser tocadas por su arco. Imposible no acordarse con sus abstracciones lisérgicas al violín de ese particular sonido que consiguen los Cyclobe de Stephen Thrower y Ossian Brown aunque lo que prime en ellos sea la zanfona. 

(Souto)

Brilla sobre todo cuando la electrónica de Misa Tridente se convierte en una base drónica ultra minimalista y el violín (o mandolina) se queda prácticamente zurciendo un putrefacto y necrótico cosmos de notas a penas sugeridas; de cuerdas rozadas mínimamente por el arco que se contestan a sí mismas en un loop o reverb que se meten de lleno en el Ambient y la Clásica Contemporánea. El tramo final es arrebatadoramente oscuro, con voces entre susurradas y Black (algo de MZ412), decrépitas líneas de sintetizadores teratogénicos y un fundido a negro tan frío y helado como el anillo del garrote en las ejecuciones patibularias.

Una joya de la música oscura nacional.

https://misatridente.bandcamp.com/album/garrote-vil

https://docefuegos.bandcamp.com/album/garrote-vil

STRIBORG - reediciones "GHOSTWOODSLAND" + "SOUTHWEST PASSAGE" (SATANATH / THE END OF TIME / RUDE AWAKENING / INVERTED INHUMATION RECORDS; 2021)

Si hay un proyecto longevo ultragrimoso y particular es el de Sin Nanna de STRIBORG, músico proveniente de Tasmania (Australia) y del que ya os he presentado aquí algún trabajo sobre todo en forma de Splits, uno con Abigorum llamado Spectral Shadows (2018) y Prisoners of the Solar System con la banda Satanath en 2020. La producción de Striborg es tan extensa que hay cabida para prácticamente de todo... desde Black Metal de libro a Ambient, Darkwave y electrónica pero lo que hoy os traigose enfoca al más sucio estilo depresivo de sus inicios que han sido reeditados en 2021.

Lo primero es comentar que si eres incapaz de olvidar ese cierto aire Lo-Fi que prima en la mayoría de la música, o lo sintético de las percusiones, posiblemente esto no es para tí. Si buscas riffs ponzoñosos y una cacofonía de texturas que rozan lo drónico caerás irremisiblemente en sus redes. Con todo hay que decir que es complicado valorar la carrera de Sin Nanna en tan solo dos álbumes porque la producción es tan extensa que hay lugar para lo glorioso y para lo infame, cosa harto habitual en músicos de largo recorrido en solitario. Para mi gusto, estas dos reediciones de Ghostwoodlands (2008) y Southwest Passage (2009) están entre lo mejorcito de su carrera siendo ambos remasterizados en Black Dwell Records (Ucrania) y revestidos con artwork nuevo a cargo de Mary Kankava. 

Ghostwoodlands (Satanath Records; The End of Time Records; Rude Awakening Records) se abre con "Bete Noir" suna espectral y ponzoñosa nana minimalista que quita el hipo. Siguen luego cortes como los veinte minutos de "Wandering the Wilderness of Eternal Misery", muy a medio tiempo y flotante, con vocales que parece llegar de otro plano dimensional. Guitarra enterrada en la mezcla haciendo riffs helados mientras algo eléctrico (no sé si es otra guitarra) se sitúa en primer plano. La batería, siendo como creo que es programada (he encontrado por ahí que el álbum se grabó en CUBASE) no desentona para nada y para mi gusto queda bien en ese maremágnum de baja fidelidad, pianos fantasmales y espíritu desacralizador. Si esto no es Depressive Black Metal no sé que otra cosa puede serlo. Por cierto que la edición original de Ghostwoodlands es de la holandesa Displeased Records. Me encanta el efecto acuoso que se le ha dado a las voces y el toque personalísimo ydistinto de la música (para bien o para mal ya lo decides tú). 

En líneas generales aquí Striborg suena como si se hubiera ido el tipo a grabar Black Nórdico a la superficie de un planeta y hubiera allí montado su estudio de grabación, y si no estad atentos a los efectos espaciales como naves o qué se yo que van apareciendo en los pasajes del final. Raro no, lo siguiente escuchar esos alunizajes o efectos mecánicos.

Comentaba que me parece un proyecto muy personal, y creo que los interludios marcianos "Light Anomalies in the Phantom Woods" o "Sinister Scraping of the Spectres" hablan por sí solos. Por momentos parece que estoy metido en una se esas Jams interminables de Sun Ra al Moog en los 70. Electrónica malsana más propia del Noise Industrial y contraste con la clásica y blackmetlaera de libro "With Animosity I Bequeath Thee", con la batería muy trabajada donde no hay `blast beats´. A más un fan acérrimo del Black Metal Depresivo le dará un patatús con las voces en la homónima "Ghostwoodlands" pero ya digo que la atmosfera raruna y misantrópica conseguida por Striborg es una de mis debilidades; "Descending into Utter Despair" y su Dark Ambient astral fulminan un más que recomendado disco.

La otra reedición es la de Southwest Passage (Satanath Records; The End of Time Records; Inverted Inhumation Records) que también salió en origen en Displeased. A diferencia del otro álbum, aquí se usa órgano real (Pump Organ), violín y guitarras acústicas. Más directo, el álbum abre con el bestial "Southwest Passage", plagado de doble bombo y una atmósfera apesadumbrada y procesionaria. Alejándose aquí de efectos espaciales sonoros, el disco te draga el alma en una mezcolanza entre los austríacos Summoning (me recuerda mucho a sus primeros discos) y los Bethlehem. Esa esencia se mantiene el "All Contempt Reciprocated" con un fantástico trabajo de guitarras... a veces no tienes que ser un virtuoso para meterte de lleno en determinados estados de ánimo. Tocado a un ritmo lentísimo, creo que pocos debates hay: o te gusta o no te gusta nada... y bueno, es cierto que "Dwelling in the Fullmoon Forest" no inventa la pólvora pero tiene algo que me atrapa, sobre todo sus teclados y esas campanillas flotantes sacadas de quién sabe donde.

Aunque es cierto que el recuperar estos trabajos cumple más una función histórica que otra cosa (la prueba es que los nuevos trabajos de Striborg van por otros derroteros más Darkwave), sí que tienen la suficiente personalidad para que sean meros ejercicios de género pero ojo, con esto no estoy diciendo que aquí prime la originalidad ni mucho menos. "Obscure and Darkened Contemplation" por ejemplo me parece bastante olvidable pero la más experimental "Requiem for a Lonely Ghost" que cierra el álbum es una pasada y son esas salidas por la tangente y detalles los que me encandilan de la música del australiano Sin Nanna.... un violín invertido, un órgano tocado como si estuvieras con un pie en un entierro y el otro en la feria de tu pueblo. Una turbadora forma de cerrar el disco que anticipa con mucho sus actuales devaneos con la electrónica.

https://satanath.com/releases/item/sat332.html

https://satanath.com/releases/item/sat331.html

MOURNUMENT - "SMOULDERING INTO DUST" (ARDUA MUSIC 007CD, 2022)

El gris atardecer trajo a aquel solitario Queltehue

El cual cantó para mí, cubriéndome bajo su eterna lluvia

Antes de entrar en materia sobre el disco que hy os traigo, vamos a cartografiar un poco la escena chilena del Death / Doom, sobre todo para los que no controléis algunos nombres clave. Si tiro de mi hemeroteca mental, no son pocas las bandas chilenas practicantes de Death/Doom. Así a priori recuerdo a los correctos Bitterdusk, a los excelentes Capilla Ardiente, los recientemente extintos Endimion, a la banda de culto Mischievus Augury con su único disco de culto Immortal Land (con horribles pronunciaciones en inglés, todo hay que decirlo), a los muy olvidados Sangría, los longevos Aura Hiemis (más tirando al Funeral Doom), Lapsus Dei o la dos bandas clave de la escena chilena en cuanto a Doom Metal con más antigüedad la primera, y más influencia y proyección internacional la segunda; estoy hablando de los excelsos Poema Arcanus y Mar de Grises... sobran las palabras. 

Hasta aquí he comentado bandas de cierta longevidad que conozco y he escuchado, pero la salud del Death / Doom en tierras chilenas no decae, y es entonces cuando tenemos que meter en la palestra a los maravillosos y de nuevo cuño Mourning Sun y su Doom atmosférico o Mournument, la banda que hoy os presento que me ha volado la cabeza con músicos de larga trayectoria dotados de una varita mágica que hace que este subgénero que parece que nunca está totalmente de moda como es el Death / Doom siga ahí a su bola para un público particular. Vamos al lío:

MOURNUMENT se forman en 2021 por Kveldulf Bjalfason (Niklas) y Alfredo Pérez, uniéndose posteriormente a la batería Christian `Krono´. Entre los tres, cuentan con un currículum que tira para atrás y que abarca a bandas de corte internacional como Deveneror, Concatenatus, ÆRA, Forestfather o Flesh Configuration en el caso de Niklas (en Mournument a las guitarras, bajo, teclado, piano y violín), mientras que Alfredo Pérez hace las voces y toca en Concatenatus, Lacrymae Rerum, Mourners Lament, Obnubilo, Siaskel, Sol Sistere, The Ancient Doom y varias más. Como extra tenemos a la violinista Caroline Salmona completando de forma magistral los temas en los que no toca Niklas el instrumento y dando un cierto aroma Folk en los acabados. 

En el apartado técnico, este magnífico debut Smouldering Into Dust se pergeña en digipack de 6 paneles por ARDUA MUSIC (ex- The Vinyl Division) dividiéndose la grabación entre los Kenoma Studio y los Sonido Origen que es donde finalmente se masteriza por Carlos Fuentes. Resaltar el expectacular artwork de Valentina de Sinis-Tudor y layout de Kalle Pyyhtinen sobre el que brilla un logo vieja escuela a lo Profanum de Daniel Hermosilla (Nox Fragor Art). En cuanto al estilo, los chilenos tocan un excelente, pegadizo y trabajado Doom atmosférico con toques Folk y Pagan que vienen sobre todo de las voces limpias y el uso del violín / piano, lo que me hace acordarme de otra banda que arriba no he mencionado (de culto) que son los Uaral y evidentemente, ya en otras fronteras, Empyrium que son a quienes más pueden recordarme en algunos cortes. No escatiman en versatilidad y tenemos momentos donde las voces incluso tienden a ese Black/Doom que llegaron a practicar los Rotting Christ en su etapa de Century Media (A Dead Poem sobre todo) como bien suena en ese petardazo de corte "On Rain and Thunder" que abre el disco. 

Guitarra acústica, piano y violín sobre un fondo tormentoso y voces susurradas son la apertura perfecta. El violín asoma y las voces mutan de lo susurrado a lo hímnico, con un poso bastante marcado que recuerda a Empyrium sin duda. Cuando todo estalla con la entrada de la base rítmica y se recrudece el asunto de forma marcial, el tema se dirige inexorablemente a un brutal clímax melancólico donde lo que más me gusta es que tampoco recuerda a ninguna banda en particular... creo que Mournument han grabado un disco muy fresco, épico y variado que trasciende un poco los `ejercicios de género´ para darle carácter gracias a una mezcolanza muy acertada de ideas. Sigue "Chasm of Abandoned Souls" con un pedazo de riff de guitarra que corta el hipo, con entrada de la base rítmica con un tempo y texturas similares a los My Dying Bride pero la solemnidad de los Pantheist, para explicarme mejor, sobre todo por ese uso doble de las voces guturales y otras más barítonas y eclesiásticas. Un monolito de más de diez minutos con interludio prístino a lo Opeth con una acústica brillante.

Lejos de bajar el ritmo, el dueto acústica y piano de "Sea of Desperation" es magnífico, esta vez con una tristona melodía muy a lo Katatonia y pequeños toques a los italianos Canaan e incluso al debut de Yearning (esas acústicas se usan mucho en la escena finlandesa), sirviendo de preludio a uno de los grandes cortes del disco, "A Funeral Poem", que comienza también con ese deje finlandés de los Yearning (su debut With Tragedies Adorned de 1997). Larga introducción con la guitarra muy atmosférica acompañada por un magnífico violín; el resultado sin llegar a las cotas del Funeral Doom, sí que roza en algunos momentos la solemnidad de los Morgion e incluso Evoken. Lo cierto es que Mournument se han sacado un debut que ha puesto el listón altísimo al menos según mi parecer y ya llevo unos cuantos de miles de discos de doom en mis orejas. Temazo que pone los vellos de punta, sobre todo en el larguísimo pasaje instrumental que es una delicia. 

Si te gustan estos estilos, estás ante uno de los discos del año del género que ya merecen la pena nada más que por escuchar el cortante filo de la guitarra abriendo el permafrost de la patagonia chilena en el monolito "Grey Was the Chant of my Endless Autumn" con un encomiable trabajo de composición. Donde otros se estancan, Mournument saben evolver (me gusta mucho esta palabra), eventrar (esta más) y sumergirnos en toda una plétora de sensaciones anímicas. 

Te puede sonar a otras bandas y a ninguna en particular, destacando unas brutales voces que a pesar de estar dentro de un disco doom son tan depresivas que quedarían de lujo en cualquier álbum de Pagan Black. La batería se adapta a todos los cambios de ritmo, sonando seca y muy cercana en el acompañamiento del excelente pasaje cantado en castellano, brillando sobremanera cuando el tema se va diluyendo en un falso fade out en la que queda en solitario; falso porque es el piano y el violín otra vez los encargados de arrancar por unos segundos más con aroma Folk en unos instantes finales que acaban uniéndose en estructura a la corta y susurrada Rimü, imagino que referencia a la ancestral costumbre mapuche del `Trafkintu´ (trueque de saberes) y cuya traducción general viene a ser algo así como `tiempo de descanso de la madre tierra o tiempo de finalización del ciclo natural mapuche´. 

Poco más que añadir. Se trata de un disco que me ha encandilado, muy bien compuesto y llevado a término. No sobra ni falta nada y pone el listón alto a una posible continuación. Muy recomendado.

https://www.arduamusic.com/mournument-smouldering-into-dust-cd-digipack

https://mournument.bandcamp.com/

ENRIC TERUEL - "EL TRIPULANTE" (OIGOVISIONES LABES OV18; 2022)

Cada vez que me enfrento a una edición de Oigovisiones Label me entra cierta congoja relacionada con la sensación de que nunca voy a poder estar a la altura literaria, o siquiera rozar, la magnificente labor que hacen como colectivo. Desde el cuidado extremo de sus ediciones que rozan el `Arte Total´ a por supuesto la música en sí y es que hay ediciones de mil sellos bien cuidadas pero con mal sonido o dudoso contenido y viceversa... y luego, por supuesto, está OV LABEL / OIGOVISIONES LABEL y el tacto. Porque es el tacto lo primero que voy a reseñar hoy sobre El Tripulante de Enric Teruel a quien podría presentar aquí pero sería una mera copia de la excelente introducción que hacen ellos en su página y que tenéis aquí.

Os contaba sobre el tacto. Casi todas las ediciones del sello / colectivo / secta sonora malagueña tienen un tacto particular y en este caso la poderosa sensación la ofrece una carpeta de vinilo DIY impresionante de papel impreso (4+4 CMYK printing) de 350 gramos entre suave y áspero (Mate rugged UV protected open custom folder on 350gr paper) que os juro que no puedo parar de pasar la mano por encima; ¿quién está a cargo de estas maravillas? Pues no podía ser otro que GRAN BENGALA que debieran hacerle un Gran Monumento porque cada portada y artwork da para exponerlo, y no exagero un ápice. Sigo... El Tripulante, especie de suite dividida en cuatro partes, viene presentada ni más ni menos que por Edu Comelles que es el encargado de comisariar junto a Audiotalaia (Comelles es artista sonoro, gestor cultural y director de la netlabel) la segunda edición dentro de las Label Curated Series del sello (y así sin quererlo, la número 18 en el catálogo). Y dejadme que siga un pelín más con los aspectos técnicos porque creo que la ocasión lo merece.

Os hablaba del tacto y de la vista, os puedo comentar sobre el olor de la tinta y sobre el sabor me voy a contener por no andar chupando papel. Queda el oído y veamos... yo no sé donde han prensado este vinilo pero acostumbrado a pinchar mucho plástico ya con una cápsula digamos que potente (tengo esa suerte), El Tripulante se va directo al ranking de los discos de electrónica mejor grabados, mezclados y masterizados (por el propio Teruel). Ni un sonido de fondo a pesar de un rango dinámico por lo general planeador y susurrante o lo que es lo mismo, estamos ante un prensaje de audiófilo en 140 gramos y ojo, no estoy diciendo que esto haya sido buscado ex-profeso porque no lo sé, pero el resultado es el que es. Un álbum exquisito de electrónica envuelto en una obra de arte. Así que ahora quizás entenderéis algo más eso que os decía al principio de la congoja y tal.

El Tripulante es una apasionante obra musical de tintes cinematográficos, brutalmente influenciados en mi opinión tanto por la Kosmische alemana como los drones catedralicios de Brian Eno y donde se asiste a un viaje iniciático muy particular; y es que el disco, mitad Odisea Sonora, mitad Tragedia Griega imprima al oyente de una espiritual calma mientras se recrean los 9 meses de gestación del hijo de Enric. Sustituir el Cosmos y su inmensidad por la sosegada paz ritual, atávica y ancestral del líquido amniótico no es difícil si estás en estado de gracia compositivo y creo que en este caso, está conseguido en grado sumo. La mutación celular y el crecimiento parecen haber sido captadas como una grabación de campo `in situ´... una punción umbilical diagnóstica sonora que ofreciera un espectograma del aquí y el ahora de una vida en crecimiento y salvaje eclosión de vida como lo es ese latido del hijo de Enric, captado con ese extraño flujo gelatinoso del EcoDoppler y paremos otro instante.

El efecto Doppler, creado para explorar el Cosmos y aplicado a la vida. Misterio palpitante sin duda que va de la astrofísica (si una estrella y su luz se alejan la luz va al rojo, si se acercan al azul) y con el que se capta ese latido a través del líquido amniótico. Estrellas, cosmos y vida en una línea trenzada indisoluble a base de unos drones y soundscapes bellísimos, acaso interrumpidos aquí y allá por líneas clásicas de piano y arreglos de `vientos estelares´ al más puro estilo primeros Tangerine Dream pero sin la ominosidad y tenebrismo de aquellos. El fantástico inicio, con unas percusiones muy taimadas y serradas, podrían recordar a ese abrigo agreste del Cuarto Mundo de John Hassell con cierto aroma metronómico. Burbujeantes fondos, sinusoidales líneas de `pads´ muy cristalinas y un aire hipnótico pronunciado... difícil no sentirse flotar cuando entran los poderosos y atmosféricos teclados definiendo una melodía que tiene muchísimo de ese primer Michel Huygen y Neuronium por ejemplo, o de los compositores franceses que tan bien reflejaron el Cosmos con lo analógico (Patrick Vian, Michel Magne...) o el añorado Vangelis. La sofistificación a través de la simpleza ejerce un poder mayor que la fórmula contraria (la simpleza a través de la sofistificación), y si no que se lo digan al crescendo SynthPop maravilloso en el que desemboca inexorablemente la música. 

¿Qué hay detrás de GRAN BENGALA?

No quiero centrarme demasiado en cada corte porque El Tripulante funciona a modo de viaje. Carrusel emocional electrónico con paradas en lo introspectivo ("El Tripulante #2") donde la Kosmische cada vez cobra más importancia, no pudiendo evitar comparaciones con el maestro GIRON del que tanto os he comentado. Magnífica la construcción de "El Tripulante #3" cuyos glitches, vapores y demás efectos parecieran estar recreando la formación de la espina dorsal y el sistema nervioso de la nueva criatura... un intelecto que aparece justo con la primera y neoclásica nota del piano, que sobrevuela mayestáticamente sobre un fondo germinativo Ambient. El álbum se cierra con una larga pieza donde piano y teclados cinematográficos cantan a la vida y lo luminiscente.

Celebrar lo misterioso y para ello, lo mejor es reproducir las palabras de Edu Comelles:

"Un viaje hacia la luz en el que se deja entrever la subjetiva temporalidad de lo que suponen esos nueves meses. Tan pronto surge el crepitar de una nueva vida, todo desboca en un camino sin retorno y con un arco gravitacional en torno a la incógnita; hacia el cambio perpetuo."

https://oigovisioneslabel.com/portfolio/el-tripulante

32 FANCINE: CRÓNICA JUEVES 17 de Noviembre

Cuesta escribir las despedidas. En el momento en que lees estas palabras, la Gala de Clausura ha remachado FANCINE en su edición 32 y puesto todos sus galardones, premios y cosas en las vitrinas. Vesper se hace con el premio al mejor largometraje, Irati se lleva el premio a los mejores efectos especiales, guión y actor para Mantícora y bueno, muchos más que podéis consultar en el comunicado oficial que os dejo aquí:

https://fancine.eu/vesper-premio-universidad-de-malaga-al-mejor-largometraje-de-la-32-edicion-de-fancine/

Como si estuviera establecido de antemano, no ha sido hasta la clausura que ha empezado a llover algo en Málaga. Hoy, al día siguiente, el cielo está oscuro como el carbón y aunque no diluvia sí que hay un plañidero ambiente que invita al recogimiento tras prácticamente nueve días fuera de casa. Quiero agradecer profundamente primero a mi familia por su eterna comprensión que es la que hace básicamente que yo pueda acudir año tras año hasta la presente al Festival. Sin ellos no sería viable. Luego, a todo ese organismo central que organiza este sueño año tras año... a Tamara, Rocío, Belén, la gente del Cine Albéniz y por supuesto `los que yacen en las sombras´ que son muchos y muchas. Gracias por ofrecer calor humano a las salas y mimar a la prensa, hacernos partícipes de esta fiesta del cine fanta terrorífico y bueno, aguantar nuestras excentricidades. Gracias al resto de compañer@s de Prensa por su esfuerzo y hacer piña, sumar y seguir y... bueno, mejor paro que me entra la congoja.

¿Por qué cuando te lo estás pasando tan bien el tiempo vuela de semejante forma?. Todo es relativo sin duda y habrá que poner en la vida diaria algo de ese espíritu luchador que llevamos marcados a sangre y fuego al Fancine. Espero que este tipo de `convivencias humanas´ al calor de las salas nos haga más humanos, más respetuosos y sean motivo de aprendizaje porque soy de los que creen que detrás de todo acto cultural, hay un proceso iniciático que se te queda en las entrañas. Es un `modo de vida´ y una manera de pensar que se asocian a eso que nos gusta: el cine, la música, el frikismo o como quieran llamarlo. Remitiéndome a mi primer post sobre el Fancine de este año, me encanta seguir siendo un niño o adolescente encerrado en un cuerpo que va madurando año tras año y que bueno, ya dobla ángulos. Seguir siendo EL MISMO dentro de UNO MISMO indica sentirse a gusto con quién eres, tenga la edad que tengas.

Y poco más que añadir. Espero y deseo que 33 FANCINE, esté yo ahí o no esté que quién sabe, empiece a pergeñarse tras los debidos descansos espirituales y físicos de la organización porque bueno, todo el mundo sabe que somos ADICTOS y ADICTAS a lo que amamos. Un sueño cumplido otro año más y 365 días de ELIGE TU PROPIA AVENTURA por delante. A por ello.

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Jezabel (Hernán Jabes; Venezuela, 2022)

"Cuatro estudiantes de secundaria que viven sin preocupaciones entre drogas, juegos y el amor hasta que una de las chicas es brutalmente asesinada. Dieciséis años después, el recuerdo del crimen atormenta a Alain, otro miembro del grupo."

Premiada cinta venezolana que muestra una vez más que fuera de norteamérica se está haciendo el mejor thriller. Difícil quedarse con alguien concreto en el reparto porque todos están en un estado de gracia considerable, pero Gabriel Agüero en su papel de Alain de la novela de Eduardo Sánchez Rugeles está excelso. Cruda, violenta, incómoda, políticamente incorrecta en ocasiones, Jezabel es un brutal viaje iniciático de adolescentes sin control ni filtro que ven marcadas sus vidas para siempre. El pulso narrativo y el acertado uso de los flashbacks están montados tan bien que el suspense se mantiene y a pesar de que el giro final sea algo artificial, no pierde ni un ápice de potencia.

Vuelvo a centrarme en Gabriel Agüero. El actor interpreta sus dos líneas temporales y el cambio de registro y caracterizaciones son brutalmente creíbles... a lo largo del metraje, y esto es trabajo puro y duro de dirección, la psicología de Alain se va dibujando en el pasado a la vez que se desdibuja del presente, algo que está sutilmente logrado y que es lo que hace que Jezabel sea tan verosímil como áspera. Eso sí, gente demasiado sensible quizás no soporte la crudeza de determinadas imágenes. Una joya como la copa de un pino.

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The Last Client / KLIENTEN (Anders Rønnow Klarlund; Dinamarca, 2022)

"La reconocida psicóloga Susanne (Signe Egholm Olsen) se ve atrapada en una pesadilla viviente cuando su nuevo cliente (Anton Hjejle) resulta ser un buscado asesino en serie."

Una década después de su anterior film tal y como nos cuenta el propio director Anders Ronnow en el encuentro con el director, el danés rueda un minimalista thriller `a la nórdica´. Esos marcados e intensos guiones daneses y suecos (también los islandeses) que tantos buenos Noirs nos está trayendo, son marca de la casa. Sociedades más tranquilas, con menos índices de criminalidad y mejores calidades de vida nos traen los mejores ejemplos de cine de suspense y series ultra adictivas... y el propio Anders es el que lo define a la perfección: "como no tenemos eso, hay que inventarlo". Fabulosa la respuesta.

Klienten es un film de actores que cuenta con la experimentada Signe Egholm que se echa a hombros todo el peso de la trama junto a la sorpresa de Anton Hjejle. En manos americanas, esto hubiera sido un pastiche psiquiatra-paciente más, pero aquí los acetábulos narrativos se meten dentro de una trama puramente nórdica, grabada excepto puntuales momentos en interiores y que va deslizando esos dilemas morales tan habituales en los seriales criminales daneses y suecos (Forbrydelsen, Bron/Broen, El Caso Hartlung...). Una película con un enfoque distinto al habitual en el cine de asesinos en serie, muy bien interpretada y con esos clímax finales enrevesados, gélidos y psicológicos que tan bien manejan los daneses en su cine. 

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La Piedad (Eduardo Casanova; España / Argentina, 2022)

"Mateo vive con su madre Libertad en un mundo color de rosa: un microcosmos que tiene precisamente dos habitantes, madre e hijo. Un día a Mateo le diagnostican cáncer…"

Vaya nivelazo de locura este año en las producciones nacionales. Casanova vuelve con su inclasificable cine después de la polémica y multipremiada (y excelente) Pieles. A medio camino entre lo arty y el body horror, La Piedad ahonda con su extética pulcra en las tóxicas relaciones entre madre e hijo, complejos de Edipo no resueltos o ese terrorífico Síndrome de Poder de Munchausen. Potente, visceral y descarnada, cuenta con un reparto de lujo pero quienes brillan son la juventud versus la madurez interpretativa del combo Manel Llunel y Ángela Molina, hijo y madre respectivamente. Tomando como base recreativa la imagen de la Piedad de Miguel Angel Buonarroti (la madre con la ternura ante el sufrimiento del hijo), lo plástico y carnal está siempre en los fotogramas con ese teatral tono rosado de objetos y ropaje que contrastan con el gris mundo exterior.

Demasiado escabrosa para el público general, La Piedad es una joya absoluta del cine español desde ya. Un clásico que, a pesar de que pocos términos medios tendrá (o la amas o la odias), está tan bien rodada y cuenta con tantas sub interpretaciones psicológicas y morales (esa mini subtrama de la dictadura Norcoreana como comparación social) que sus efectos duran en la mente aun mucho después de terminada la película. 

Pueden contarte lo que quieran, pero La Piedad es cine de terror en estado puro.

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Fumer Fait Fousser (Quentin Dupieux; Francia, 2022)

"Un grupo de vigilantes llamado «fuerzas del tabaco» se está desmoronando. Para reconstruir el espíritu de equipo, su líder sugiere que se reúnan para un retiro de una semana, antes de volver a salvar el mundo."

Premios en Sitges, Cannes.... el Dupieuxismo es ya un fenómeno festivalero considerable. El realizador galo es una bestia parda imaginativa a la que pocas pegas puede ponérsele. Capaz de salir airoso de cualquier situación, con o sin presupuesto. Unida a su otra película de este año Increíble pero Cierto, se ve que Dupieux tenía una serie de `gags´ o situaciones en su cabeza y las ha unido de forma encomiable en dos films. El primero ya lo comenté hace unos días y este es una especie de compilado de historias dentro de una ligera trama de superhéroes al más puro estilo Power Rangers.

Momentos de insania brutalíficos como ese momentazo de la trituradora, la rata `jefe´ de las Fuerzas del Tabaco y su poderoso sex-appeal... poco o casi nada se le resiste ya a Duppieux. Un genio en su simpleza del absurdo y un fenómeno en estos tiempos de post producciones interminables. El cineasta galo demuestra que lo importante para conectar con el público, la fibra que se le llama, no está en los efectos especiales o en los ciento y un remakes que pululan por todos sitios. El respetable conecta con su manera Pop de narrar... su desvergonzada manera de usar el humor y la tremenda sátira de sus propuestas. Lo dicho: un genio.

Un grupo de vigilantes llamado «fuerzas del tabaco» se está desmoronando. Para reconstruir el espíritu de equipo, su líder sugiere que se reúnan para un retiro de una semana, antes de volver a salvar el mundo.

32 FANCINE: MIÉRCOLES 16 de Noviembre

Cuesta creer que estemos ya casi que finiquitando el Fancine de este año. Es todo tan intenso que a penas te da tiempo a fijar en la cabeza los momentos vividos o reflexionar sobre ellos... estoy tan, tan, tan agotado que me noto olvidadizo; pongo las cosas en sitios que no recuerdo o me cuesta hablar con la gente en los exteriores del Cine... y no porque no quiera, sino porque creo que el cúmulo brutal de estímulos sensoriales en la cabeza te lleva a un estado cercano a la hipnosis. Ayer fui en un hueco entre películas a una librería y me pasó una cosa muy curiosa; las palabras que quería verbalizar con la dependienta que la conozco de hace mucho no me salían igual... me atrancaba, no asociaba con rapidez las ideas para seguir el hilo de la conversación y me di cuenta de que ella me lo notaba. 

Creo que es un estado de cansancio embriagador espero reversible y que agudizo con la maratón de tres películas hoy y mañana finiquitando Fancine con cuatro sesiones. Por otro lado me noto las cervicales como sueltas o faltas de musculatura. Movimientos rápidos del cuello me marean (no es broma) y es fisiológicamente normal... ¿qué me esperaba si llevo la friolera de 23 sesiones seguidas de cine?. 

Todavía no es momento de despedidas. Me queda la última jornada y todo eso pero de momento, os dejo con lo que aconteció ayer Miércoles en el festival... bueno, lo que aconteció según mi prisma, porque como siempre ocurren muchísimas más cosas que soy incapaz de abarcar: otras sesiones, actividades, conciertos, premios y una intrahistoria que podéis ir siguiendo en las redes oficiales de FANCINE para estar al tanto. No quiero terminar la entradilla de hoy sin decir un poco lo de siempre: a los que habéis participado físicamente estando ahí GRACIAS porque sin lo humano nada tiene sentido. A los que no habéis podido acudir por causas mayores, LO SIENTO y seguro que las situaciones serán distintas en un futuro. A los que pudiendo acudir no lo hacen esto es como los conciertos, no os voy a regañar... simplemente, NO LO ENTIENDO. La vida, dear people, son dos días y pico y el calor de las salas de cine no va estar esperándoos para siempre, que esto no es el jodido Valhalla. 

Empiezo el aluvión de reseñas con Vesper, que tenía su crítica pendiende desde el fin de semana:

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Vesper (Kristina Buozyte, Bruno Samper // Bélgica, 2022)

"Después del colapso del ecosistema de la Tierra, Vesper, una niña de 13 años que lucha por sobrevivir con su padre, conoce a una mujer con un secreto que la obligará a usar sus habilidades de bio-hackeo para luchar por tener un futuro."

Que Vesper es una de las grandes proyectadas este año en Fancine no es un secreto. Impecablemente realizada, y con una fotografía y efectos especiales excelentes, esta `posibilidad distópica futurista´ cuenta con todos los ingredientes para funcionar y convertirse en película de culto. Lo primero es que Kristina Buozyte ya venía sorprendiéndome desde su segmento en The ABC´S of Death 2 y sobre todo, la también proyectada en Fancine y magistral Vanishing Waves, que os invito a visionar porque es una auténtica pasada. Por cierto, el guionista Bruno Samper hace lo propio en Vesper, con una trama coon maravilloso regusto a los viejos cómics CIMOC o a historietas de Moebius.

En cuanto al reparto, expectacular Raffiella Chapman que se come literalmente la pantalla. Luego ahí campa el fabuloso siempre Eddie Marsan con su particular fisionomía o el eterno secundario de lujo Richard Brake. Si Vanishing Waves viajaba al interior de la psique, en Vesper se pone toda la carne en el asador para un festival de efectos especiales al servicio del espectador.

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Inmersión (Nicolás Postiglione // Chile, 2022)

"Un padre y sus dos hijas navegan en un lago cuando se encuentran con un par de náufragos que dicen estar buscando alguien que perdieron y les piden ayuda para encontrarlo. Conforme avanza la búsqueda, la situación se va volviendo tensa hasta que el que el padre empieza a sospechar que está retenido como rehén."

Rodada en un paraje arrebatadoramente hipnótico, Postiglione propone un thriller muy tenso y oscuro con una interpretación fabulosa de Alfredo Castro que ya vimos en la durísima El Club. Como digo, los impresionantes exteriores de un lago que poco a poco durante todo el metraje van oscureciéndose sirven de amenaza insondable a unos protagonistas acorralados dentro de sus propias psiques, sugiriéndose más que mostrando y llevando toda la trama a un fantástico final que si uno se para un poquito a pensar, da cabida a más de una interpretaciones.

Lejos de estrambóticos giros violentos tipo Calma Total, Postiglione aboga más por lo sugerido y trabaja a fondo a los cinco protagonistas que se van moviendo sobre un puzzle psicológico cargado de suspense muy creíble. Michael Silva y su poderosa presencia ante la cámara junto a Alex Quevedo son el peligro que flota en ese inmenso lago agreste mientras que la relación del padre con las dos hijas (Mariela Mignot y Consuelo Carreño) crea un polo magnético igualmente amenazante, reforzando una trama mimimalista pero brutalmente realizada y que se concluye de una forma magistra. Fabulosa.

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Project Wolf Hunting (Kim Honsung; Corea, 2022) 

"1630 millas de Manila a Busan. Un carguero que transporta a los criminales más despiadados. Un infierno flotante sin escapatoria."

Difícil centrarme en un solo personaje en esta coral fiesta del splatter surcoreana donde según su director, dos toneladas y media de sangre (falsa, se entiende) han sido usadas. Intenciones claras desde el inicio... un montón de salvajes policías y criminales en un traslado en barco, con giro hacia lo fantástico (no quiero hacer spoiler) subiendo todavía más la hemoglobina suelta y con amenaza de franquicia si se lo proponen (vaya, segunda parte segurísimo que sí porque queda todo abierto).

El problema que le veo a Project Wolf Hunting es que no se corta un pelo en mostrar la violencia desde el minuto 1, y claro, eso en dos horas de metraje acaba cansando si no eres capaz de variar el registro de la violencia, y me explico: cuchilladas a la yugular que acaban soltando litros de sangre o desgarros de garganta y aplastamientos son mostrados con tanta frecuencia que se tornan tan habituales que no sorprenden ya demasiado. Por contra, desmembramientos y otros tipos de recursos gore son usados menos. Lo que hace divertida a estas películas alocadas es la variedad y ahí quizás se ha invertido menos en ingenio... que ojo, no es que no lo haya, pero no se ha escatimado en repetir el mismo recurso desde el inicio.

Con todo, es muy disfrutable y seguro que la siguiente, porque habrá siguiente, será muchísimo más bestia incluso.

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Increíble pero Cierto (Quentin Dupieux; Francia, 2022)

"Alain y Marie se han mudado a la casa suburbana de sus sueños. Pero el agente inmobiliario les ha advertido: lo que hay en el sótano podría cambiar sus vidas para siempre."

Vuelve Dupieux, así que apártense del medio. El alocado mundo surrealista del realizador francés elude comparaciones y en Increíble pero Cierto nos trae una pequeña joyita más... guión demencial y esa forma de hacer arte del absurdo que tan bien casa con las interpretaciones de Alain Chabat (de Realité), la veterana Léa Drucker o el camaleónico y aquí excelso Benoît Magimel.

Penes electrónicos made in japan, agujeros del tiempo, diálogos imposibles... todo puede ocurrir en el cine de Dupieux, hasta presentar dos películas en Fancine en un mismo año (Fumer Fait Tousser es la encargada de clausurar el Festival). Ya sea con mayor presupuesto o con menos, con algún efecto especial o sin él, el cine del francés es único e inclasificable y eso en los tiempos que corren es complicado. Más películas como esta necesitamos sin duda y que Dupieux vaya a poner el colofón a la gala de clausura es signo de lo que se ama al cine francés en Málaga.

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Hoy la despedida es corta. Autobús - Casa - Cena - Cama - Duermo. Me despierto con agujetas existenciales.

32 FANCINE: MARTES 15 de Noviembre

Me parece increíble que ya estemos a Martes. Con las de hoy van a ser una veintena las películas que llevo metidas en el casco cerebral y todavía me quedan unas 7 si es que no implosiono antes. Más que superado el ecuador y vamos cayendo en barrena hacia el final, atropellándose los estímulos corporales y psicológicos en un solo flujo sensorial. Nivelazo de asistencia a las salas y de calidad en las películas proyectadas, 32 FANCINE está siendo todo un carrousel emocional que me gustaría que no se acabara pero que creo que está probado en universidades del mundo que si durara un día más mis retinas se disolverían en la nada. Ni quiero imaginar el cansancio de la gente que hace todo esto posible... llega un determinado momento en el ritmo circadiano que ni el café, ni dormir, ni nada te hace remontar. 

Eso sí, no sé la razón pero cuandos se apagan las luces de la sala y comienza la película uno vuelve a la vida como si del generador de electricidad ese que suena en La Matanza de Texas se tratara. Solo se me viene una palabra a la cabeza: ADICCIÓN.

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Fogaréu (Flávia Neves; Brasil, 2022)

"En la frontera entre lo real y lo fantástico, la época colonial y la abrumadora modernidad de la agroindustria, la ciudad de Goiás es el escenario donde la joven Fernanda se enfrenta a los secretos de su pasado. Tras la muerte de su madre adoptiva, regresa a la casa de su tío adinerado para hacer implosionar certezas y dejar aflorar la dolorosa verdad sobre sus orígenes."

Fabulosa ópera prima de Flávia Neves con Bárbara Colen de protagonista y que ya vimos en la fabulosa Bacurau de 2019. Una distopía de durísimo trasfondo social y de denuncia hacia el colonialismo devastador y sus efectos genealógicos, Fogaréu cuenta con momentos verdaderamente impactantes que cubren de largo los defectos de una película que hacia el final se torna demasiado ambiciosa y quizás no sabe cómo cerrarse de forma adecuada. Es la única pega que quizás le ponga... el anticlímax final que estropea un pelín la potencia de un guión trabajadísimo y unos actores que están a un fantástico nivel.

Flotan en la trama mini-denuncias hacia la explotación del medio ambiente o la brutal acción de invadir espacios naturales y sociales, siendo esto último donde se más Fogaréu: tremenda la idea del Asilo donde van a parar los enfermos mentales, irrumpir de forma salvaje en el mestizaje y esa incestuosa relación que cubre a todo el pueblo de Goiás. Para un debut, está a un nivel superlativo aunque al final pierda un poco de fuelle y se vuelque todo el peso de la trama en el personaje de Fernanda. Deseando ver lo nuevo de esta directora.

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We Might as well be Dead (Natalia Sinelnikova; Alemania / Rumanía, 2022)

"En un bloque de pisos en el borde de un bosque, la gente espera unirse a la comunidad del edificio, ya que es uno de los últimos bastiones de la civilización en un mundo que se ha derrumbado."

Me encantan las películas minimalistas que sugieren más que muestran sobre todo porque saca a relucir lo mejor de los intérpretes. En este caso, la actriz Ioana Iacob está realmente impresionante siendo la figura sobre la que se vertebra toda la trama. El peligro y la amenaza cuando son sugeridos acaban resultando muchísimo más potentes que cuando se muestran en exceso, y precisamente ahí es donde triunfa esta pequeña joyita de We Might As Well Be Dead. Sobreabundancia espacios cerrados siendo casi todo rodado en interiores excepto algunas partes en los campos de golf externos al edificio; el resultado es una sensación teatral acentuada que pone las agujas del reloj en lo distópico nuevamente, con ambiente cuasi-carcelario en micro ecosistemas sociales producto de un tipo de catástrofe apocalíptica indefinida.

Donde la mayoría de películas suelen dirigirse hacia un clímax violento, la directora Natalia Sinelnikova apuesta por otro tipo de cine y muestra unas impresionantes dotes para crear desasosiego, como esa primera escena de la familia llegando al bloque de edificios de forma apresurada y huyendo de algo desconocido; el padre con un hacha en la mano, la madre con un martillo y el hijo andando a trompicones. ¿Hay algo más terrorífico que lo cotidiano?. Película a concurso este año en 32 Fancine.

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Decision to Leave / HEOJIL KYOLSHIM (Park Chan-wook; Corea, 2022)

"Un detective que investiga la muerte de un hombre en las montañas conoce a la misteriosa esposa del muerto en el curso de su investigación."

Lleno ABSOLUTO de la sala para este segundo pase de la nueva película a concurso de Park Chan-Wook que viene precedida por un buen puñado de premios allá por donde se ha presentado y es que el director coreano pone su maestría al límite en una historia que podría enmarcarse dentro del thriller romántico pero que tiene tantos detalles en su montaje, en su historia y en su fotografía que darían para un artículo. La pareja interpretativa está a un nivel superlativo, con el veterano actor surcoreano Park Hae-il y  Tang Wei, de origen chino y que tanto me gustó en la recomendadísima Largo Viaje Hacia la Noche (2018), película ya de absoluto culto.

Los acérrimos seguidores de Park Chan-wook quizás no comulguen con el cambio de registro de su nuevo film, quizás demasiado abstracto en cuanto a lo psicológico y lioso de su planteamiento narrativo, pero que a la postre cuenta con unas escenas muy potentes y memorables. El espectador pierde pie a veces en la trama, sin saber si está asistiendo a un thriller o a un film romántico, y no es hasta los últimos compases que uno se da cuenta que ambos no tienen que ser incompatibles. Con todo, no es para mí su mejor trabajo ni de lejos, pero sí logra que mantengas la atención durante las dos horas y veinte que dura mostrando una vez más el altísimo nivel cinematográfico de los realizadores surcoreanos. 

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Ayer amanecía y hoy también, signo inequívoco de que algo está rotando. Por lo visto es tónica habitual que anochezca (eso será luego) y habrá que ver qué ocurre si algún día el amanecer se une al anochecer. Quizás para que eso ocurra algo nos tiene que dar un empujón como un columpio para que el globo terráqueo coja fuerza y vaya a toda leche dirigiéndose al sol. 

Para colmo de signos apocalípticos, ha llovido algo... y ostras, el agua de lluvia se ha puesto más cara que la electricidad. ¿La Naturaleza se rebela?... yo creo que no, más bien creo que la NATURALEZA SE RELEVA. Mudando la piel como simples escamas, si seguimos en esta onda iremos al pudridero existencial reservado al ser humano, esa especie de `especie´ a la que se le dio la llave para cuidar del planeta. ¿Cambio climático?; pues mira oye, no lo sé. Creo que los ciclos son como los designios: están ahí para cumplirse y quizás vaya siendo hora de que afloren cambios en un planeta erosionado por la avidez humana. 

¿Quién cogerá el relevo del Ser Humano?. De momento las Ranahombres se hacen las remolonas, los Gusanondertales se quitan de enmedio y dicen que es mucha responsabilidad, los Gourmetoides son una subespecie humana así que no cuentan, el Alcalde de Málaga está dispuesto a clonarse a sí mismo las veces que hagan falta pero esperemos que la cosa no vaya por ahí y quizás lo mejor, no lo sé, sea que la Tierra viva solita con ella misma. Ya se verá.

32 FANCINE: CRÓNICA lunes 14 de Noviembre

Llegamos al lunes de FANCINE con todo un maratoniano aluvión de fotogramas tras las retinas. El exceso de cafeína y las largas horas sentado en la butaca van mermando las fuerzas de cualquiera pero ahí seguimos porque hemos venido. Estaba en una sesión (no recuerdo cuál) cuando noté un viento que venía de debajo de mis piernas... bajé la cabeza y había una trampilla justo debajo de mi butaca; una de esas losas de alcantarilla horadadas que permiten ver el subsuelo. Sin hacer ruido y para no molestar a la gente de la sala encendí disimuladamente la luz del móvil y me agaché para alumbrarla.

Justo debajo y a la misma vez se encendía una luz y capté el movimiento de una figura. Me agaché y mirando detenidamente me ví a mí mismo desde una posición cenital. Mi otro yo estaba agachado e indagaba en otra alcantarilla horadada imitando mis movimientos. Como alguien que se enfrenta al abismo, y antes de que este me devolviera la mirada dirigí la luz hacia arriba al techo (no sé la razón pero me pareció ver algo que se movía en las alturas). Luego levanté rápido la tapa y me colé por el boquete solo para darme cuenta que cuando caí al piso de abajo estaba en otra sala. Otra sala igual que la de arriba y a mis pies una alcantarilla abierta... el tipo había huído rápidamente de mí. Aparentemente todo era igual pero juraría que la película que se proyectaba en pantalla había retrocedido unos segundos hacia atrás. Miré con la luz del móvil hacia abajo... la alcantarilla del suelo estaba retirada pero no recordaba haberlo hecho yo.

Sentí una luz proveniente de arriba y miré. Alguien, no podía identificar quién pero me era familiar, volvió la luz hacia arriba mirando el techo de su sala y cuando ví que se colaba por el boquete del techo y asustado, me colé hacia abajo cayendo en otra sala donde la película iba a su vez más atrasada. Mismos efectos, más adrenalina y un YO persiguiéndome implacablemente desde el techo hacía que me bombeara el corazón en un ritmo salvaje. Creo que estuve cayendo durante lo que me parecieron siglos, pero por fin, en una de las veces en las que me precipité por el hueco, caí sentado en la silla de la butaca y la película....

la película comenzaba. El sillón era demasiado mullido para ser verdad y es entonces cuando noté un movimiento en la butaca justo bajo mis posaderas. Unas manos se me posan en el regazo abrazándome y me susurra cositas al oído. Le pregunto: `¿eres real?´. 

A lo que contesta: `ya se verá´.

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Mastemah (Didier D. Daarwin; Francia, 2022)

"Tras un traumático accidente durante una sesión de hipnosis, Louise, una joven psiquiatra, abre una nueva consulta en medio de la nada. Cuando empieza a analizar a Theo, un hombre oscuro y misterioso, la gente que la rodea empieza a morir… ¿Podría enfrentarse al mismísimo Diablo?"

Absoluto despropósito de película y brutal cagada por mi parte, falta de instinto o lo que sea por no haber elegido Popram que en un ataque de idiocia se me ha pasado de que era del director de One Cut for the Dead... en fin, ya no puedo lamentarme. Tras unos potentes créditos iniciales con planos aéreos de un hospital grabados con un infrarrojo demencial, empieza el principio del fin para lo que es un auténtico sopor de película. El bueno de Didier se habrá bebido la filmografía de Fulci y mezclado con el fantaterror hispano para intentar llevar a su producto algo de ese espíritu pseudo-campestre. Una psiquiatra con problemas en un consultorio de campiña, con sus iglesias y sus curas estrambóticos, sus mensajes en latín y sus golpes de efectos musicales..... ¿te suena?. Hombre, yo diría que si has visto el cine de Bava (padre e hijo) y Fulci, debiera de sonarte todo.... jolín, es que hasta el personaje de Camille Razat parece una especie de descafeinada Catriona MacColl en The Beyond (Fulci, 1981).

Y oigan, que la falta de originalidad no es el problema... hay más. Un 90% de la película se basa en ponernos unos efectos de sonido en primer plano absolutamente aberrantes... cuando la protagonista se fuma un cigarrillo, cuando se va la luz o cuando aparece el personaje de Olivier Barthélémy, que generalmente va acompañado todo de un exabrupto como si el tipo fuera el hombre orquesta. Lástima de Olivier que tienen un currículum que tira de espaldas con papeles en películas tan potentes como la insana y brutal Sheitan (2006), la segunda parte de Mesrine (2008) y la incómoda Notre Jour Viendra (2010), las tres con un pletórico Vincent Cassel. Para colmo, su personaje ya lo dice todo; THEO (dios) y LIBLIS (satanás, adversario...). Vaya, que más chabacano todo imposible. Que alguien me remate... bueno no, las imágenes al final de los créditos terminan por hacerlo.

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Wolfkin // KOMMUNIOUN (Jacques Molitor; Luxemburgo / Francia, 2022)

"Elaine, madre soltera, está perturbada por el comportamiento agresivo de su hijo Martin, por lo que visita a la familia de su difunto padre en un pequeño pueblo de Luxemburgo, que esconde una naturaleza mucho más oscura. Cuando se da cuenta de que Martin podría llegar a ser como ellos, Elaine se ve obligada a luchar desesperadamente por el futuro de su hijo."

Seguimos con lo sobrenatural francés en una entretenida y muy correcta película que si bien no puede llegar a los niveles de En Compañía de Lobos (1984) sí que está bastante bien trabajada en todos sus aspectos. Buenos efectos especiales y actuaciones creíbles para una pequeña joyita que disfrutarán mucho los amantes de cine de monstruos y bestias más clásico.

Aun no siendo una película original el pulso narrativo no cede, se establece desde un comienzo a dónde se quiere llegar y luego se usan los giros de guión con inteligencia. Evidentemente, funciona porque el actor principal, Victor Dieu, está excepcional en su papel. Luego hay un poco de todo... puede recordar a productos ingleses por lo limpio de la fotografía pero sin perder la esencia cruda del fantástico francés como esa escena de los cuerpos colgados en las despensas. Notable.

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Sick of Myself (Kristoffer Borgli; Noruega / Suecia, 2022)

"Signe y Thomas están en una relación competitiva poco saludable que da un giro vicioso cuando Thomas de repente se abre paso como artista contemporáneo. En respuesta, Signe hace un intento desesperado por recuperar su estatus mediante la creación de una nueva personalidad empeñada en atraer la atención y la simpatía."

Antes de entrar en esta fabulosa Sick of Myself, hay algo que me inquieta.... acabo de ver que el director está grabando con Nicolas Cage y Michael Cera una tal Dream Scenario que se está llevando bastante en secreto y que produce A24. Veremos a ver. 

Bien, Sick of Myself, con premio en Cannes, es una apisonadora nórdica con ese humor tan particular que los hace únicos. Imaginad mezclar la comedia noruega con el Body Horror o algo así y tendréis este excelente film que en su trasfondo es más aterrador de lo que a priori parece. La vacuidad de tenerlo todo y no ser nadie son narradas en un endiablado tour de force tanto psicológico como físico, con momentos biocorporales de auténtico delirio al margen de que los actores y actrices nórdicos suelen estar siempre a un nivelazo de surrealismo brutales. Maravillosa muestra de cómo el horror está en lo cotidiano y en los subterfugios de la psique, tanto la personal como la social. 

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Tremendo cansancio tras tantas horas de fotogramas acumulados. Cuando pillo el bus nocturno empieza a asomar un atisbo de jaqueca con presencia excesiva en el ojo izquierdo que va a más. Llego a casa, me tomo un yogurt y el dolor es casi insportable. Necesito dormir y descansar y en el momento en que estoy escribiendo estas líneas, que es hipérbolamente al día siguiente, el dolor sigue ahí, el cansancio también.... pero dentro de un rato me voy otra vez a mi maratón diaria. 

Tanto si coincides con mis gustos cinematográficos como si no, GRACIAS. Gracias por leer esto y por estar ahí. TE QUIERO, ojo izquierdo.

32 FANCINE: CRÓNICA DOMINGO 13 de Noviembre

Cómo pasa el tiempo. Ya es Domingo y se llega prácticamente a mitad de recorrido. Por lo que he ido captando aquí y allá, el lleno de las Salas está siendo tónica habitual lo cual es de agradecer; sangre nueva mezclada con viejos lobos del fantaceluloide. Improvisar esta entradilla por doceavo año consecutivo no es tarea fácil, y menos intentar sorprender con un texto que para mí sería más fácil resumir con una simple descripción de la jornada pero oye, mientras la imaginación esté ahí, ¿por qué no usarla?. El límite del pensamiento se torna insondable y si reflexionas sobre esto, no hay mayor Horror Cósmico.

Es muy, muy importante apostar por las salas de cine. El streaming está provocando un daño que se viene notando en muchas de las producciones de hoy día, que ya cuentan con grandes corporaciones poniendo su dinero detrás... ¿qué quiere decir eso?. Bueno, de todos es sabido eso de las exigencias corporativas en la industria musical por ejemplo. ¿Cómo pueden salir ideas genuinas y potentes si tienes a alguien o algo que detrás te está pidiendo un resultado o producto de tal o cuales características?. Con la literatura también ocurre; cuando sale 50 Sombras de Grey se atiborran las estanterías de productos parecidos. Con Crepúsculo y la pesadez de los Zombies lo mismo... ahí está Walking Dead y su metástasis brutal hacia todo lo que se pueda uno imaginar. Hay que derribar las modas e insistir en lo diferente. 

Momento de reivindicar la originalidad y hacernos sentir yendo a las Salas de Cine. Abogar por la versión original subtitulada y hacer piña porque bueno, al fin y al cabo el cine y las salas de cine nunca van a desaparecer, pero tampoco soy inmortal para vivir cien crisis seguidas. La crisis del formato físico en la música, la crisis del cine, el poder de las plataformas de streaming.... está claro que un término medio será lo más coherente pero mientras eso llega, pon tu grano de arena y oféndete arrancándote un ojo. Poned todos y todas uno hoy mañana en las butacas. 

Venga, dejemos un ojo con sus nervios ópticos en cada butaca de cada cine, a ser posible enfocando hacia la pantalla.

No sé que efecto tendrá, pero venga, vamos a ello. 

Os dejo el hashtag: #ojoenlabutaca.

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Mantícora (Carlos Vermut; España, 2022)

"Julián es un exitoso diseñador de videojuegos que vive atormentado por un oscuro secreto. Cuando Diana aparece en su vida, Julián sentirá cercana la oportunidad de ser feliz."

La mantícora es un personaje mitológico recogido en la antigua persia que acabaría convirtiéndose como símbolo del mal. Esa ambigüedad de su morfología (cuerpo de tigre, cola de escorpión, estructura de quimera...) es llevada al oscurísimo relato de un Carlos Vermut que consigue que la sala esté en absoluto silencio ante lo perturbadora de su propuesta. Mantícora es muy incómoda, real y turbadora, elevando bastantes enteros la complejidad psicológica que ya existía en Quién te Cantará (2018), la maravillosa e irrepetible Magical Girl (2014) o esa locura inclasificable y cuasi-experimental de Diamond Flash (2011).

La pareja interpretativa de Zoe Stein y Nacho Sánchez está a un nivel superlativo, que es a la postre lo que hace que el andamiaje se sostenga. Mantícora, sin querer hacer spoilers de ningún tipo, acaba siendo un viaje oscurísimo y desasosegante a los recovecos del alma humana, que no elude el drama en ningún momento y que por derecho propio es más aterradora que cualquier otra propuesta que te ofrezca el festival. Película de autor plagadísima de detalles y que ofrece un campo terrorífico con la aparición de la realidad virtual. Eso sí, el ritmo de narración es lento pero más hiriente que el filo de el más afilado bisturí. Obra maestra de CarlosVermut.

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Holy Spider (Ali Abbasi;  Coproducción Varios Países, 2022)

"Una periodista desciende al oscuro vientre de la ciudad iraní de Mashhad mientras investiga los asesinatos en serie de trabajadoras sexuales por parte del llamado «asesino de arañas», que cree que está limpiando las calles de pecadores."

Multi premiada película de Ali Abbasi, a quien ya conoceréis por las magníficas Border y Shelley. Aquí se cambia el registro y de lo primero que quiero hablar es de Zahra Amir Ebrahimi, la actriz protagonista (ganó en Cannes el premio a la mejor actriz). Conocida en Irán por interpretar series se vio chantajeada por un vídeo íntimo suyo y condenada por ello a 10 años de prisión y 99 latigazos. Huye a Francia, se hace directora de Casting de la película y finalmente Ali Abbasi la elige como protagonista de Holy Spider tras no encontrar a nadie que se adaptara al papel. Tremendo.

Rodada en Jordania (territorio más neutral que Teherán), la película es un puñetazo directo al estómago. Un durísimo thriller con toques sociales y de denuncia que no puede dejar a nadie indiferente. Si Mantícora me deja asfixiado, el final de Holy Spider termina por rematarte psicológicamente. Claustrofóbico, bien filmado y con fabuloso trabajo de fotografía, localizaciones, líneas de diálogos.... y evidentemente todo el trasfondo religioso / social que lleva implícitos. Vaya tres películas seguidas que lleva Ali Abbasi.

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All Jacked up and Full of Worms (Alex Phillips; USA, 2021)

"Roscoe, un sórdido encargado del mantenimiento de un motel, descubre unos poderosos gusanos alucinógenos y conoce a Benny. Juntos se enamoran haciendo gusanos antes de embarcarse en una odisea de sexo y violencia."

Debut a la dirección tras una serie de cortos de Alex Phillips con los eurillos que el buen hombre habrá recaudado para grabar esta pseudo no-sé-cómo-definirla. Como Cine de Serie Z para mi gusto no funciona... la Troma en sus horas bajas se como esto con patatas. Como cine macarrónico, junk y nerd a lo Gummo esto no le llega a las suelas de los zapatos. All Jacked up and Full of Worms es un `quiero y no puedo´ que funciona solo algún que otro instante.

El montaje demencial quiere ser Punk pero lo que logra es tal estado confusional que lejos de ser un viaje triposo acaba en batiburrillo que con todo tiene algún momento interesante pero que se queda virtualmente en tan poca cosa que se olvida rápido. Quiere ofender pero causa indiferencia, al menos en mí, que ya ando más que curtido en cine basura.... y ojo, que no es que sea un despropósito total e incluso imagino que tendrá sus virtudes, pero es que esto se ha hecho ya tantas veces que de los 71 minutos me quedo con la banda sonora... un saxo plagado de efectos ochenteros que sí que me ha flipado bastante. Para resumir: después de Mantícora y Holy Spider esto es un corte de digestión.

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Aprovecho que estoy en estado de gracia destructor para comentar The Lair, que ya vi antes de que se proyectara en el Festival.

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The Lair (Neil Marshall; Reino Unido, 2022)

"Cuando la piloto de la Royal Air Force, la teniente Kate Sinclair, es derribada en Afganistán, encuentra refugio en un búnker subterráneo abandonado donde se despiertan armas biológicas mortales creadas por el hombre, mitad humanas, mitad alienígenas."

Este retorno a los recovecos bélico-terroríficos de Dog Soldier de Neil Marshall es el típico ejemplo en el que puedes basarte para ver si las críticas de IMDB y FILMAFFINITY están compradas, porque de verdad, no me lo explico. Efectos especiales paupérrimos con unas criaturas que ni siquiera se enfocan demasiado para no revelar los trajes; un elenco de actores inverosímil y propio de El Equipo A; un guión pseudo-adolescente; estructura de Survival Horror en horas bajas y lo que es peor, unas escenas de acción espantosas, unos gags de comedia chabacanos y... y paro ya. Que alguien me remate o algo, por favor.

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Me voy tuerto a casa (#ojoenlabutaca, recuerda). Si esta campaña no funciona para recuperar por completo el cine original en las salas, seguiré con otras medidas... tengo el teléfono de Cronemberg que me ha pasado unas ideillas.

Hasta mañana.