EL LABERINTO DEL LEPISMA (37) / "Sociología del Milagro: Las Caras de Bélmez" (Manuel Martín Serrano)

 

*  Sociología del Milagro: Las Caras de Bélmez / Manuel Martín Serrano (Seix Barral, 1972) *

Parece a priori imposible encontrarse con algún estudio riguroso sobre el fenómeno Bélmez. Y ojo... parece que ahí está la clave, en Fenómeno. Quizás lo de menos sean unas caras en una pared sobre las que se ha escrito tanto a favor o en contra que ya han entrado en el saber popular y en el intríngulis cerebral de cada uno. Allí, en medio de reputados científicos extranjeros, otros de dudosa calaña, curiosos... en pleno Bélmez de la Moraleda en Sierra Mágina, llega Manuel Martín Serrano para realizar un estudio sociológico de campo que se torna en el más fiel testigo ocular y escrito de todo lo acontecido durante aquellos días.

Entrevista a prácticamente todo el pueblo, sus creencias, sus lazos familiares, sus dichos y saberes, los curanderos, qué es para ellos este fenómeno... hace estadísticas, fórmulas, apunta todas las notas de prensa aparecidas y en qué periódico, todo ello desde el impasible semblante del sociólogo que no debe intervenir en ningún momento en el contexto al que le toca investigar. Así surge un minucioso análisis plagado de entrevistas sobre las formas verbales, los motes, quienes son los cabecillas de los pueblos y con todos estos datos hace un grandísimo perfil psicológico del contexto temporal y personal, no llegando nunca a realizar juicios de valor.

Por tanto, Sociología del Milagro: Las Caras de Bélmez, editado en el año 1972 por Seix Barral dentro de la serie (Conocimiento de España) es toda una joya que de vez en cuando pulula por las librerías de viejo. Cerca de 500 páginas, todavía es encontrable a precios que pueden oscilar entre los 20 y los 60 euros, pero si uno anda espabilado lo pilla por menos. Te pueden interesar los fenómenos paranormales o no, pero lo que a mí me mueve es cómo se comporta el ser humano ante lo (para ellos en ese momento) inexplicable.

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CIRROSIS - "FANZINE CIRROSIS" (LOS 80 PASAN FACTURA, 2021)

LOS 80 PASAN FACTURA recogen en un solo tomo los 11 números que conformaron el fanzine CIRROSIS, editado entre 1983 y 1987 en un monumental tomo de más de 200 páginas en formato un poco más grande que el A4.  Como en toda ciudad, una escena soterrada local, unos bares concretos, unas zonas peligrosas... años 80 y conciertos, calimocho barato y recalentado y tachuelas. CIRROSIS recogiendo el acervo verbal, musical, social y político de La Laguna (Tenerife) en plena eclosión de tribus urbanas en plena convivencia amigable a veces, conflictiva otras... Punks, Skins y (citado por ellos mismos) otras malformaciones congénitas urbanas. Una juventud totalmente harta de Pablo Milanés, Mercedes Sosa o Silvio Rodríguez se lanzan al Punk, al hardcore... desafían a la policía en pequeñas reyertas y se enfrentan a hippies universitarios. El Código de Honor en La Laguna era el mismo en todas las pequeñas micro-escenas de La Península o Islas: NO OBEDECER. 

Carteles, pintadas... y por supuesto, publicaciones como el insigne CIRROSIS son historia popular que tenía que ser rescatada para no perderse jamás. El punk todavía vivo en cierta medida, el rock progresivo como una astilla incandescente, otro lema era: SIMPLE, DIRECTO Y A LA YUGULAR. Nada de grandes e interminables Jams sinfónicas. Esto era una lucha mano a mano con la represión. ¿No sabías tocar?... pues seguro que sabías recortar fotografías o imprimir en Xerox. Toda esta monumental historia se cuenta en una grandísima introducción de Josetxu López-Molina Adell.

Los contenidos abarcaban de todo. desde reseñas a artículos sobre discográficas (Ja Ja Records), panfletos (Punkfleto Prevención 1984, Guía de Bodrios, Manifiesto Punk por la paz el desarme y el pringue o Ultimátum punk a los bloques militares). Bastantes cómics y un reflejo de todo el punk de las Islas y que llegaba a ellas: Anti-Nowhere League, Escorbuto, Anticristo, reseñas de Black Flag, The Damned, Disorder.......... toda una joya ahora exhumada en formato glorioso, muy legible y que queda ya para siempre impreso en la historia de una contracultura. Entrevistas a Guerrilla Urbana, Vado Permanente o coqueteos con otras importantes escenas como la vasca, la verdadera importancia de estos 11 números de CIRROSIS radica en que como toda publicación no especializada, lo que se encuentra entre sus páginas es lo vivido en el momento, y siempre desde la perspectiva del que estuvo ahí, con cosas no oficiales, jamás escritas y contadas en medios oficiales y por ende, la poderosa fuerza de este tipo de publicaciones.

El acabado es fantástico. Bien encuadernadoen cartoné con solapas, buena maquetación y todo perfectamente legible, con un depurado y limpieza fantástico de las hojas. Si todo el mundo tuviera la misma pasión de Jonathan Delgado y Los 80 Pasan Factura, iríamos recopilando esa poderosa fuente de saber que son los barrios y sus publicaciones en los 80 y 90, en pleno auge de la fotocopiadora y el collage, y estos Libros Facsímiles son ahora más necesarios que nunca ante el importante relevo generacional ante el que nos encontramos. Otro mundo fue posible.

DO

IT

YOURSELF,

y píllatelo por 15 euros en

https://www.los80pasanfactura.com/store/p94/Cirrosis.html

DOCTOR SAX - "VOL.IV" (SPINDA / COSMIC TENTACLES / QUEBRANTA / LA FAMILIA REVOLUCIÓN / OLARIZU / BANDERA / MONASTERIO DE CULTURA; 2021)

Muchísimo ha llovido ya desde aquel lejano Mantras of the Rainy Night allá por 2012 con el que Txus (Vitoria Gasteiz) se lanzaba a un experimental viaje ultratriposo con Vol. II (2014 si mal no recuerdo). Aun habiendo seguido la trayectoria del proyecto y escuchado muchas cosas sueltas, nunca me había metido a fondo a pesar de sí estar familiarizado con sus otros proyectos. Recuerdo a la perfección la buena acogida de Vol.III (2016) que sacarían Olarizu Records, Cosmic Tentacles Productions y Nooirax, momento donde DOCTOR SAX, que es de quienes os estoy hablando, se conforman más como banda aun siguiendo esa línea argumental de Psych Folk personificada en Txus, que había hecho una brutalífica labor en discos como The Trial de Electric Riders, metiendo coros en The Pink Alchemy de The Soulbreaker Company (y creo que en La Lucha)... estoy escribiendo esto de memoria, así que pueden fallarme datos. Su principal banda, los reconocidísimos ARENNA, y de quienes no he vuelta a saber, acaban firmando nada más y nada menos que por una de mis discográficas más veneradas, Nasoni Records.

No sé si propiciado por la reedición en vinilo de The Trial que ha realizado SPINDA RECORDS, llegamos a 2021 (tras saltarnos algún directo y Ep) y aquí, en toda su gloria, tengo el digipack de Vol. IV, auspiciado por nada más y nada menos que los citados Spinda Records, los cultísimos (cthulhísimos) y siempre en mayor o menor medida asociados con el proyecto Cosmic Tentacles, Quebranta Records, Olarizu Records, La Familia Revolución, Bandera Records y Monasterio de Cultura... unos para el CD, otros para el LP, la información la buscáis vuestras mercedes que esto no es un puto índice onomástico. Dicho lo cual, sí que es de menester que no se comprende a DOCTOR SAX sin las hilarantes, hippiosas ilustraciones de David Bad Karma, que dígase de paso, en esta ocasión y por alguna extraña conexión neuronal, me remite a Swara Samrat y su oscurísimo disco The Truth About Suzanne (1995) y que oye, tampoco es que suene demasiado alejado de esto (la portada la podéis buscar por la web).

Sigamos. Por el espacio es mejor no ir despacio... sí, si vas de prisa te da la jodida risa, pero es del puto colocón cósmico que te pillas al escuchar este tremebundo Vol.IV, pelotazo de Psych con tratas desérticas, Space Rock y Folk Urantiano, todo ello urdido por una formación que esta vez se lanza a lo eléctrico de cabeza en el primer corte pero no adelantemos.

"Ellis" (Andoni Ortiz: Batería / Asier Fernández: Guitarra eléctrica / Joseba B. Lenoir: Guitarra eléctrica / Illán Arribas: Guitarra eléctrica / Doctor Sax: Bajo & voz) abre al más puro estilo Space Rock sin concesiones, breves líneas de bajo y directamente se despega con una guitarra enchufadísima. La base rítmica (in)combustible despega midiendo el compás y gracias al amor bendito del Dios Meteorito, alejándose del Stoner (RIP please, RIP) y abordando el desierto de noche, que es como más me gusta. Desiertos Nocturnos con cielos que parecen un maldito y ciclópeo `Telesketch´ donde cada giro de las ruedas es un quiebro de las guitarras. Entra la voz con timbre característico a The Soulbreaker Company...fabuloso cómo las dos guitarras se van trenzando y la solista en modo incansable ronda el Heavy Psych a velocidades de órdago. La producción y tratamiento del sonido (grabación, mezcla y alquimia por Koldo & Jacobo Sagastume en Sagasound Studios) tiene algo de la potencia orgánica de los discos de Hawkwind en los 80, puras balas de punta hueca. Minuto 6 y otro fantástico solo de la guitarra mientras al base rítmica le fabrica una cazadora tejana al Universo remachando meteoritos como botones... luego vuelve a repetirse el mantra vocal, eyaculas, y se forma la vía láctea.

Entra la pastoral "Carroll" (David Sagastume: Chelo / Imanol Mtz. Hervias: Viola & percusión / Doctor Sax: Guitarras & voz), mostrando a partir de aquí una faceta diametralmente opuesta al inicio del disco; con muy buena labor de la viola y chelo abrazando algo del Folk Vasco y detalles de clásica contemporánea. Cuando entra la percusión y la acústica estamos claramente dentro de un entorno Psych Folk a la germana (desde Popol Vuh a Emtidi), aunque depende de las orejas de cada cual... (los habrá que escuchen folk americano hasta en los pedos, pero yo voy por otros lares). La voz cambia radicalmente de registro y sobre el minuto 3 se unen todos los instrumentos para desenrollar una fantástica coda campestre que desemboca en un preciosista pasaje de la viola (los habituados a Lord Khrisna Von Goloka o Witthüser & Westrupp sabrán a lo que me refiero cuando digo que la sensación es de estar colocado en pleno campo observando una amapola y creyéndote que es `La Diosa Madre´). Aires solemnes con la entrada de los coros de Deast Ahotsak. Nueve minutos para deconstruirte a tí mismo en pleno páramo y volver a montarte como un puzzle. 

Célula a célula... te reto a ver si te sobran piezas o si quieres nos las intercambiamos que voy corto de mitocondrias.

"González & Porchia" (David Sagastume: Chelo / Imanol Mtz. Hervias: Viola / Doctor Sax: Guitarra & voces) se canta en castellano y la melodía principal tiene algo de bardo o cantiga. La fusión entre las cuerdas y el estilo propio de Doctor Sax le da un aire a canción protesta en alguna manifestación social estelar. Magnífica manera de integrarse el chelo tocado con arco y la viola con la guitarra de Txus en un corte con mucha miga en las letras, con algo de militancia y dientes de bronce como si tuvieras calzado un jodido puño metálico en la boca... no en vano, está dedicada a Mikel Primigeno Insondable de Cosmic Tentacles (quien quiera entender el asunto que entienda). Esta pequeña introducción es González, dura tres minutos y luego un silencio que se rompe con "Porchia". Sonidos de pájaros, guitarra afinada en modo sitar y  ezpeluznantes voces femeninas rozando las Heavenly Voices. Ambiente intimista, profundo y espiritual rompiendo por completo el disco y abocándolo a un espectral acetábulo sacro del que solo se sale en determinadas ocasiones con las más terrenales voces de Txus. 

Quiebro estratégico ya en el minuto 13 y afrontamos un último tramo experimental acústico y bello donde los instrumentos se fusionan rozando el Prog más cercano al Folk. Sábanas del chelo y la voz cada vez más suelta de Txus (radicalmente opuesta al inicio del álbum) en una espiral melodía que se va inexorablemente dirigiendo a un clímax final alucinante. Una joya de disco que hace que me lamente no haberme acercado antes a su música de forma más seria. Recomendadísimo para gente con células impares o las que les crezca musgo en vez de sarro. Magnífico!.

https://spindarecords.bandcamp.com/album/vol-iv

https://drsax.bandcamp.com/

IZTOK KOREN - "LONELY HYMNS AND PILLARS OF EMPTINESS" (TORTO EDITIONS TRT007, 2021)

De IZTOK KOREN os hablé hace unos meses a raíz de la reedición que Torto Editions hizo del espectacular debut de los eslovenos ŠIROM (aquí). Multi instrumentalista, y en activo desde hace más de dos décadas, sus más sonadas ediciones son los discos con los antes citados, la ŠKM Banda (Štefan Kovač Marko Banda) con un buen puñado de discos o quizás su proyecto más experimental, Hexenbrutal. Quien quiera profundizar en su biografía no tiene más que visitar su página web. 

Lonely Hymns and Pillars of Emptiness es su debut en solitario, nuevamente recogido por Torto Editions en digipack y que hará las delicias de los amantes del Avant Folk o la música más experimental y arriesgada. De una sensibilidad inusitada, Koren (banjo, prepared 3-string banjo, acoustic guitar, electric guitar, field recordings) nos lleva de la mano a un atemporal viaje donde lo mismo suenan patrones Mogoles que el minimalismo de la música de cámara Gagaku, unida a estructuras de corte celtíbero, arranques en modo Raga, Folk de Eslovenia y tremendas incursiones dentro del campo más experimental que podrían recordar sin lugar a dudas al primerísimo Kraut pastoral de Popol Vuh, Kalachacra, Sergio Golowin (Lord Khrisna Von Goloka), Witthüser & Westrupp e incluso Emtidi, Limbus 4 y otras perlas del estilo. El álbum se graba y mezcla por Chris Eckman en una sola sesión (15 de Agosto de 2020) en la que se desarrolla todo el trabajo que estaba parcialmente compuesto (hay una gran parte de improvisación) pero en barbecho por motivos de la Pandemia. Posteriormente se masteriza por Dejan Lapanja y la espectral cubierta es obra de Tina Konec.

Las seis piezas que componen Lonely Hymns and Pillars of Emptiness están basadas en el misticismo esloveno y en textos adivinatorios chinos, y como casi todos estos discos que han surgido en 2020 se graba durante el confinamiento global. Aunque la idea venía fraguándose desde hacía varios años, el propio artista explica: "the final push to bring it into fruition was courtesy of my friend Raphael Roginski. His encouragement to take this step gave me faith and boosted my motivation.The initial inspiration for the music came from contemplating the possibilities of overcoming my feelings of selfishness, stubbornness, anger, guilt, regret and envy, and reading ancient Chinese text Yi Jing. A big inspiration also came from the melancholic mysticism of flatland Prekmurje (north-east part of Slovenia, close to Hungary) where I was born and spent my childhood: a place which has always aroused feelings of nostalgia, homesickness and splitness for me".

Este particular estado de consciencia; este aquí y ahora, la meditación a través del observar y no actuar llevan a Koren a un particular modo Zen en el devenir de lo que le rodea, donde cada detalle cobra una importancia inusitada que acaba de una u otra manera participando en el todo del disco: "When living space and movement is shrunken, one can start to see new life emerged in what before might have seemed rather boring or insignificant. For example, how daylight changes and paints different color shades on the wall at different time of the day. Or how certain weather influences on how plants in the garden and soil smell. Or how sounds of neighbours children playing resonates in some places differently depending also on the wind blowing and air pressure. Or seeing beauty in geometrical patterns in constellations of electric wires. Or echoing sound of lonely train in empty city, or smell of hair after long walk, or dissonant music of creaking stairs, or the special sound of a daughter's voice when she's just woken up. All those new sensations built for me new mental images, which filled my mind during the creation process, and also became material for the songs".

Estas preciosas reflexiones Iztok Koren ayudan mejor a comprender e integrar al oyente en ese Corpus musical bellísimo que se abre con "Sometimes My Heart Bleeds For No Reason". En diez minutos el  banjo se desliza mediante insistentes clústeres de notas... se espacian o arrementen/abigarran unas contra otras emanando una palpable sensación de volatilidad. Claramente es Folk, pero igualmente tiende en determinadas partes a flotar dentro de un magma de difícil etiquetado, abstracto pero melódico a la vez y por tanto con cierta estructura de esas Ragas tocadas con Santoor (quizás por afinación puedan emparejarse bastante bien ambos instrumentos). Aun no estando familiarizado con el Folk esloveno, determinados puntos de unión como bisagras parecen abrirse en el sonido las estepas mogolas... y digo MOGOLA quitando la N porque dicha forma suele usarse más en consonancia con la misma procedencia pero a una zona más concreta con conexiones hacia el Indostán.

Un sampler de agua y lluvia antecede una melodía de corte oriental en "Fire is Armor" que me recuerda muchísimo a la música teatral Gagaku o a la cortesana China, aunque luego lentamente se lanza a una carrera mucho más Country Folk ensoñadora, mucho más deudora del Folk de su país y que se repite como un motivo ancestral buscando el trance o la meditación a través del sonido y la repetición; no hay Loops, pero la sensación es la de estar metido en un bucle (mental, sonoro y existencial). Impresionante cómo Iztok Koren logra convertir algo tan a priori minimalista en toda una suerte de suite coral sin a penas parar en el flujo de notas en cascada que salen del banjo. Sigue "The Plain Does Not Give Way" de 15 minutos de duración; decía que no había espacios o silencios hasta que llega este tema donde ocurre justo lo contrario. Los parones crean vórtices de una potencia alucinante reforzando el cariz hipnótico. Bellísima melodía corta que se repite varias veces hasta que empieza a tocarse el banjo con un arco creando apabullantes contrapuntos drónicos in crescendo que me recuerdan muchísimo a la música Occitana. 

Roza lo sublime las partes improvisadas, mini jams de corte ancestral porque el dominio de los instrumentos de cuerda, la superposición de patrones melódicos y la sensación de estar vaciándote mentalmente a través de música hacen que te cueste hacer pie, hasta que empieza el sampler vocal que irrumpe apocalípticamente (y es aquí donde el Kraut pastoral hace más acto de presencia). A propósito de las grabaciones de campo, es ineludible leerse sus declaraciones que aclaran algo más de esa sobria voz: "As part of the album I included field recordings which were all taken during the spring and summer of 2020, except the excerpt of an interview with my uncle included in The Plain Does Not Give Way. My uncle lives in a small village in Prekmurje region, living a very ascetic life full of sacrifice, renunciation and deep faith. I talked with him about local folklore, myths and stories about witches and ghosts. During the conversation there was one very interesting part where he was talking about 10 signs which will announce forthcoming apocalypse. One of those signs started to appear recently in his dreams. He started speaking in a dialect which is hard other Slovene people to understand. That interview took place in beggining of 2019". Podéis entonces entender la fuerza enorme que alcanza de aquí hata el final "The Plain Does Not Give Away" y su potentísimo fade out con acoples y detalles de guitarra eléctrica.

"Banal and Evil, Corroded By Hope" usa el banjo procesado y arco frotando cuerdas. Como resultado un acelerador de partículas desérticas que te erosionan cuerpo y alma mediante subidas/bajadas y giros cuánticos sufíes, persas o vete a saber a qué pueden recordarte. Al fin y al cabo, todos venimos del mismo sitio. En el minuto 5 se rompe el flujo y entra una melodía con escalas arabigas imbuidas de abstracción, que no se concretan ni quedan quietas un solo segundo. Pura catarsis. "The Euphoria of The End" epiloga siguiendo los recursos estilísticos de los que ya os he hablado en profundidad pero acentuando los aspectos Psych y esa preciosa coda final con guitarra acústica de "Eternal Autumn" cerrando por todo lo alto un disco que merece estar entre lo mejor del año. 

El pasado año o este, me importa una raíz de muérdago.

https://tortoeditions.bandcamp.com/

https://iztokkoren.bandcamp.com/album/lonely-hymns-and-pillars-of-emptiness

AVELINO SAAVEDRA - "DRM" (DISCORDIAN 142, 2021)

Es muy complicado definir la figura del artista gallego (residente en Valencia) AVELINO SAAVEDRA so pena de rascar solo la superficie y carecer de profundidad. Músico, improvisador, percusionista, pintor... y todo a la vez. Solo así, si tu cabeza tiene capacidad de entender los conceptos anteriores desde un punto de vista holístico puedas llegar a comprendenr que Avelino es Flujo Creativo sin adulterar que se enchufa cómo y cuando quiere a lo Telúrico (y sin USB si lo precisa). Lo he visto tocar en directo con Javier Carmona en un mano a mano y aquello era tan abrasivo como lavarte las encías con Scotch Britte metálico, enjuagarte la boca con agua oxigenada y tratar de sonreír luego mientras te chorrea sangre y espuma sobre la barbilla. Múltiples colaboraciones con insignes entes como Josep Lluís Galiana o El Pricto en Chaosophy (reseña aquí) o Transitions... brutalíficas ráfagas en More Acid For Hegel (MAFH, Macarpone Records, aquí) con A.L. Guillén, la cosa es que luego ves sus pinturas, cuadros y experimentos plásticos y todo encaja en sus sitio. El artista total yo no tengo ni la más remota idea de si se hace o se consigue, pero Saavedra es capaz de tocar Grindcore si le apetece con mano y pierna izquierda y a la vez hacerte la más bella de las pinturas on mano y pierna derechas. ¿El truco?... pues posiblemente disolver en la nada esa especie de hímen/telumbrete que separa nuestros hemosferios y revolverlo todo (algo así como levantarte la tapa de los sesos y meter una batidora en la masa gris).

Reconozco que si habitualmente las reseñas que más complicadas me resultan son las de solistas, cuando es el caso de percusión ya lo paso extremadamente mal por varios motivos. Uno, que no sé ni tengo técnica (verbal o de conocimientos) para la descripción de lo que está ocurriendo en el kit de batería y la otra es que cualquier atisbo de parecido de los sonidos que salen del reproductor con lo rítmico normal y corriente son fruto de la coincidencia. Más fácil es que se asemeje el trabajo de procesamiento acústico de los diferentes elementos del kit a la música electroacústica que a una batería marcando un compás. Con diferencias, no es el primer trabajo de esta índole que trato... Sancho Campos en The Lion and The Horse (Gruppo Ungido, 2017) o Imatges de Jesús Gallardo (Líquen Records, 2017), pero quizás de todos ellos es este DRM de Saavedra el más complicado de abordar en palabras, así que antes de entrar en mis opiniones, voy a cortar y pegar este texto de presentación del propio Avelino: "DRM son siete estudios de las posibilidades tímbricas y resonantes de cada elemento que compone un set de batería acústica básico: charles, caja, platos, timbales y bombo, tocados cada uno de forma individual mediante diferentes técnicas extendidas. No se han usado efectos electrónicos, ni se han realizado sobregrabaciones".

El disco se graba, mezcla y masteriza por Saavedra en Önilewaland (Valencia), la ilustración y diseño también son suya y la trasera (que no el trasero) de Aorita, siendo su edición física una de las afortunadas del impresionante catálogo de la Netlabel DISCORDIAN RECORDS de El Pricto en ver la luz en formato físico. Y quisiera matizar algo; cuando Saavedra dice al final del texto lo de los efectos electrónicos o el overdubbing es por una sencilla razón. Escuchado ya el disco decenas de veces, con o sin auriculares, con o sin tímpanos (a veces hay discos que puedes ponerte una clavija Jack mental y anular sonidos para sentir simplemente la vibración en las células de tu epitelio), bien es cierto que el uso de ecos, resonancias y distintos procesamientos/tratamientos acústicos dan la idea de `electroacústica´ en el sentido  tocadas con arcos, creando glisandos broncíneos que producen una vibración característica y cercana (pero más aguda) a la de un cuenco tibetanoestructural de la palabra. No hay elementos `electro´, pero algunas partes suenan más electrónicas, drone o industriales que discos que pretenden serlo... y lo mismo se podría derivar si lo lleváramos al terreno del Ambient. 

"HH" abre con las posibilidades agudísimas de unos hi-hat. Lo que parece una vibración llevada al extremo transcurre por un segundo plano mientras que se golpea el platillo a velocidad de vértigo (¿puede ser que dejando algún tipo cacharrito o juguete de cuerda encima?) y se mata/opaca el sonido creo que sujetando el plato con una mano (no lo tengo claro por supuesto). Contrasta el bombo marcial en "K", al principio muy espaciado y tenso cual paquidermo desbocado, rodeándose de vibraciones posiblemente realizadas en las zonas exteriores del bombo con algún palo de madera; el conjunto resulta ancestral como lavarte el culo después de cagar con una piedra bien habitada con musgo húmedo. Hay una melodía que subyace, pero en tempo tan letárgico que puede equivaler a los días de los dioses, esos que llevan al Ciclo de la Creación. "SD" es un bebé parido por Mamá Percusión jugando con sus cositas desde la perspectiva del niño. La visión Cosmocreadora se transforma en el Rito del Juego y que me corten un trozo de lóbulo temporal si no parece que estemos escuchando las cuerdas vocales de algo antropomorfo contando sus ideaciones en lenguaje Acadio o quizás Cuniforme.  De la importancia del círculo en la percusión lo atestigua lo que parecen canicas rodando por parches ultratensados que a la postre crean un efecto alucinante entre los silencios de las baquetes en ráfaga. Lo más parecido a la Impro y al Free Jazz yace en en epílogo de este corte, justo antes de transformarse en un auténtico serrucho.

"CY1" es lo que comentaba de la electroacústica. El eco y la reverberación rozan el Drone, lo grave se torna solemne y cuasi ceremonial. Un flujo de partículas que giran en la misma longitud de onda de las cuerdas vocales de un monje tibetano en el Throat Singing... todo ello antes de meter otros recursos más agudos pero que en contraste se amalgaman y llevan al oyente a un estado de trance chamánico. Casi pouedes cantar un mantra encima del fondo musical y es que si AUM fue el primer sonido, el segundo fue percusivo, el de piedra contra piedra y luego el de piedra contra cráneo. Lo que otros artistas emulan con una Laptop, Saavedra te lo hace en modo artesano con sus manos. "TT" es por extensión tribal y selvático y los más avispados quizás les recuerde este recurso creativo al maestro Morricone, tanto de su etapa en Nuova Consonanza (ahí menos) como ya sí en plena experimentación creativa con sus suites crepusculares del Western. Esa forma de botar el sonido marcaba escenas de tensión y juego de miradas de Eastwood con Volonté. Luego lo abstracto se hace dueño y señor durante unos minutos para finiquitar el tema nuevamente con el recurso `Morriconiano´ puenteando hacia "CY2" en formato suite, con muchos elementos transcurriendo a la vez que desembocan en un mini motivo melódico similar al de la primera parte.

Cierra este inmenso trabajo "FT" con motivos Noir mistéricos, otra vez bordeando las lisérgicas ideas de Morricone en su etapa de máximo esplendor creativo y con ese siempre efectivo uso de frotar con arcos para fabricar soundscapes o soliloquios místicos con la raíz creadora con la que se conecta Saavedra. Vuelve ese toque seco y alucinante del bombo parecido al Bodhrán del Folk que de tanto repetirse se transforman de modo natural en instrumentos de viento (la vibración al final es cinética, la cinética es movmiento y flujo, y esas características son las mismas que las del paso del aire rozando una cuerda vocal o intentando escapar por entre el laberinto metálico de trampas de un saxo). Fabuloso la procesionaria, fúnebre melodía ritual del final que por mí podría repetirse durante 30 minutos seguidos.

https://discordianrecords.bandcamp.com/album/drm

https://avelinosaavedra.bandcamp.com/

EL LABERINTO DEL LEPISMA (36) / "Las Creencias de los Españoles: La Tierra de maría Santísima" (Ramos Perera)

 

* Las Creencias de los Españoles: La Tierra de María Santísima / Ramos Perera (Omnibus Mondadori, 1990) *

Impresionante análisis folklorista y etnográfico de la marianización en España a cargo de Ramos Perera autor también de Uri Geller al Descubierto (Sedmay, 1974) o ¡Suerte! (2000), haciendo un voluminoso repaso a todas las corrientes, desde las oficiales a las apócrifas y perseguidas como Umbre, Garabandal, El Palmar o El Escorial, incluyendo las leyendas de cada una de las apariciones, hilando tan fino que se incluyen todo tipo de anécdotas, historias, análisis de los ex-votos, ritos y un sinfín más de datos. El excelente prólogo es de Jesús Torbado y la edición corrió a cargo de Omnibus Mondadori, pudiéndose todavía encontarse bastante barato en librerías de segunda mano. En definitiva, una de esas joyitas que muestran con toda su potencia la religiosidad cañí desde la perspectiva de la devoción, sin faltar al respeto, pero ahondando en todo tipo de controversias como las Vírgenes Negras o las imágenes de Vírgenes embarazadas.

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EL LABERINTO DEL LEPISMA (35) / "El Jardín de las Hespérides" (Jose Manuel Paredes Grosso)

 

* El Jardín de las Hespérides / Jose Manuel Paredes Grosso (Editorial Madrid, 1985) *

El primeramente abogado y a la postre diputado (por Sevilla y Cádiz) José Manuel Paredes Grosso (14 de Agosto de 1934 - 12 de Febrero de 1996); identificado con el ideario liberal (se integra en el Movimiento Integral Europeo), participa en 1974 en la génesis del Partido Demócrata Popular (PDP) y a lo largo de su carrera edita varios libros de carácter educativo y esta rarísima avis titulada El Jardín de las Hespérides, que es ni más ni menos que un estudio de Mitología Comparada sobre los orígenes de Andalucía (y España) desde el abordaje de la antigüedad clásica y los mitos.

Prólogo de Robert Graves, cito un texto de la contraportada: "El Jardín de las Hespérides es una sugerente peregrinación a través del bosque mitológico en busca de luz histórica; es un canto iniciático del que emerge un enigma, el origen de Andalucía y de Hespería - el más antiguo nombre de España ´. es decir, de la parte más occidental de la que los griegos llamaban la Oikouméne. No es sólo un libro de Mitología o de reflexiones sobre la Historia antigua, es un recorrido que se desarrolla en un impnente ciclo cuyo principio y fin se encuentra en Andalucía". Muy bien documentado, me toca investigar si Paredes Grosso era especialista en estos temas o simple aficionado y buscador de Mitos. La forma en que escribe y enlaza todo es de auténtico erudito y la cantidad de notas a pie de página denota un fuerte trabajo de investigación.

Me gustaría también reproducir aquí la dedicatoria que abre el libro escrita por el autor: "Este libro está dedicado a las Horas, que abren las puertas del Cielo para que discurra el Tiempo. Por eso se divide en siete partes - como los días de la semana - y cada una de ellas en doce epígrafes, alusivos a los meses del año. En consecuencia,, y dada mi condición de efímero, he resuelto dedicar la obra a Carmen. A su vera corre el tiempo divinizado y placentero".

Toda una rareza sobre la que incluyo fotografía con el índice y los temas tratados. Una de esas joyas que uno se encuentra buceando por... El Laberinto del Lepisma.

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GOLDSTEIN NOW - "THE DOUBLETHINK" (PSYCHOFON RECORDS PR045, 2021)

Hay una bisagra argumental entre mundos en la que Fred Madison (Bill Pullman) deja de ser él para trasmutarse en Pete Dayton (Balthazar Getty); se trata de Carretera Perdida, y parece ser que `Dick Laurent está muerto´. Desconozco la bisagra que lleva a The Black Lennons a transformarse en GOLDSTEIN NOW, y ese extrañísimo brutismo ibérico irónico de aquel fabuloso Sebas y Conrado, Trabajo Fino y Delicado, con el que Julen Palacios ficharía por el cuidado y exquisito Psychofon Records. Lo cierto es que la antipsiquiatría encubierta de Querida Lógica queda apartada por un trabajo más enclavado en la física anódica de Eugen Goldstein que imprima de carácter este The Doublethink... un momento, espera... ¿no estaremos hablando de Emmanuel Goldstein, de su `Teoría y Práctica del Colectivismo Oligárquico´ y protagonista de 1984 de George Orwell?. La hostia bendita, y si se trata del mismo efecto de Lost Hightway, y por alguna extraña razón el físico alemán se avatara (no creo que exista este verbo, pero lo doy por inaugurado... significa a partir de ahora `convertirse en avatar´) en el ficticio fundador de La Hermandad?.... pero un momento, hay un libro de Elisha Goldstein, de profesión mindfullnista que para colmo se llama `The NOW Effect´... sí, lo has leído bien, NOW. ¿Sabéis lo peor de todo?.. indudablemente, lo peor de todo es que `Dick Laurent está muerto´.

Vale, he conseguido salir del anterior párrafo sin morir psicológicamente, así que bueno, GOLDSTEIN NOW es Julen Palacios (guitarra, sintetizadores, percusión electrónica, samplers y piano) y Kim Warsen (voces, teclados, harmonium, percusión y piano). Ambos artistas vuelven a encontrarse digitalmente seis años después de su carrera en Los Cuantos para traernos música retrofuturista en estado puro que queda patente desde que ves la portada del madrileño Adamo Dimitriadis, artista que ya me había dejado petrificado con la excelente portada de los discos de DEKATRON (Miguel A. Ruiz y Sentionaut). Futuro o Postfuturo tras apocalipsis nuclear, quizás todo vaya cuadrando porque de estallar una crisis de partículas o una cópula entre bosones de Higgs, imagino que espacio y tiempo se mezclarían como en una jodida receta de esas que ahora hay por todos lados de la Thermomix. Algo así como si a Cronemberg se le reseteara su gusto por el cuerpo y la carne y lo transformara en fetiche por el plástico, el neón y los tubos catódicos... y es que tras ver los excelentes vídeos montados (al igual que el artwork) por Manuel Luque para los temas "The Doublethink", "Parachute Man" o "She is on the Radio", no puede uno por menos que acordarse de esos viejos manuales y emisiones radiadas o televisadas con consejos y protocolos ante una Crisis Nuclear, Química o similar. Para quien todavía no se haya enterado de lo que quiero decir, Goldstein Now respiran ese gas onírico que habitaba los vídeos que aparecían en la Serie LOST grabados por la Iniciativa Dharma. Heurística de la Supervivencia y manda cojones que `Dick Laurent está muerto´.

La Psicodelia Lo-Fi con la que se abre el disco, concretamente "She is on the Radio", es posiblemente el corte más deudor de The Black Lennons. Especie de pieza compuesta por piezas de relojería dadaísta (aquí una línea de guitarra o un sampleo, allá un chirrido o un piano), me quedo con eso de `Nos Vamos con Sara Sanz´. Más marcial y sobrio resulta el Country Urbanita de "When You Pull a Gun", suerte de Post Punk con aroma australiano, con voces graves y campestres que invitan a limpiarte la roña entre los dientes con una segueta de marquetería. Minimalistas arreglos me recuerdan en ocasiones a Jad Fair (bueno, esto hay que cogerlo con pinzas dado el basto currículum que tiene). Sigue la bailable "Not So Secret Agent Man", al más puro estilo Legendary Pink Dots, algo de The Fall y The Residents. El tratamiento casi sintético que se le ha dado al sonido refuerza la sensación de atemporalidad general de la que se hablaba... como si el mundo se hubiera dado la vuelta y la Guerra Fría hubiera ocurrido antes de la Segunda Guerra Mundial y el Muro de Berlín se estuviese ahora mismo construyendo, o la puta manzana de Einstein se hubiera caído hacia arriba, marchándose al espacio exterior... qué coño, más o menos como si `Dick Laurent siguiera vivo´.

Me flipan las percusiones de "This Nation´s Shavin Cream" y su mistérico, cuasi oriental (puede que surf?) melodía de la guitarra. La gravísima voz tiene algo Folk, pero nunca se llega a ese género aun usándose elementos percusivos de este. Repetitivo y mántrico, para mí uno de los mejores temas del álbum. Breves notas de piano, fade out y entra "The Movement", influenciada por la experimentación electrónica primerísima de Diseño Corbusier, el minimalismo y zurcida aquí y allá por bases rítmicas ochenteras; para cuando la guitarra dice lo que tiene que decir, ya estás más descolocado que un Cubo Rubik tras darle 3 vueltas al abrirlo del envoltorio. Se acelera el tema en su parte final con detalles a lo Antonio Murga (melodías retrofuturistas sintetizadas) y cerramos el primer tramo del disco con otro Country espectraloide; "Leave it Behind" con Nick Cave, Lanegan y Lou Reed por bandera, me doy cuenta de que si fumara me marcaría un bailecito a lo John Travolta mientras que el digitálico "Regime Change" no creo que exista en este plano de la realidad y si acaso podría ser el hilo musical de una de esas ciudades fantasma que se construyen los norteamericanos en pleno Desierto de Nevada para los ensayos nucleares... sí, una de esas en las que ponen muchos `maniquíes muertos con la cara de Dick Laurent´.

"Se te ve el Requeté" marca el inicio de la segunda parte del disco. Guitarra arpegiada y un fondo de harmonio meditativo sobre el que planea una percusión programada en modo metrónomo. En el fondo creo que se trata de unas Sevillanas Tartésicas pero no podría asegurarlo... lisérgica es, y juro por mis muertos que me dan ganas de meterle castañuelas. Surge una voz tratada con Vocoder y toques vibrafónicos a la percusión fundiéndose sutilmente en otro de los grandes temas del disco, "Parachute Man", que recomendo encarecidamente la veáis junto al vídeo montado por Manuel Luque porque lo visual lleva este tema a otro nivel. Sinuosa y obsesiva, con coros de fondo, es pura y netamente NeoFolk norteamericano tocado en la Distópica Los Ángeles de Blade Runner. La homónima "The Doublethink" sigue por el dadaísmo plástico pero es engañosa, la algodonosa voz y las líneas de guitarra delatan que realmente es una balada de amor para `Dick Laurents muertos´.

El amor por la etapa sixties se delata a sí mismo en la opiácea "El Redentor" que aun desplegándose en un abotargado tempo sus guitarras rezuman pedaleras y amplis de hace más medio siglo. Seguimos tristones con ese atisbo inicial de Requiem en "We Need Ghosts", nos subimos un poco con "I Am not a Pilgrim", especie de Psych Noir mezclada con Toy Music que suena a melodía apócrifa de Mancini tras probar el LSD. Fin de fiesta con "Rabbi Abba", coda orientalista donde vuelve el harmonio para crear la base sobre la que planea la guitarra y los cantos a caballo entre lo gregoriano, lo sufí y la música celestial... mayestática repetición del estribillo de forma pulsátil y tú jodido imbécil que estás escribiendo esta mierda de texto solo comentarte, decirte que siempre, siempre y para toda la vida, en nuestros corazones y en el de los demás, y sin sembrar la más mínima duda, `Dick Laurent sigue vivo en nuestros corazones´.

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https://www.psychofonrecords.com/product/goldstein-now-the-doublethink-cd/

CASTILLO INTERIOR - "ÚLTIMAS MORADAS" (LOS 80 PASAN FACTURA 2021)

Hace tres años ya que LOS 80 PASAN FACTURA exhumaron a la banda tinerfeña CASTILLO INTERIOR en una apasionante historia de arqueología musical que quedaría plasmada en un fantástico 10" y el libro El Sueño Dorado, además de un CD que incluía todo el material disponible hasta el momento junto a videoclips de la época treinta años después. Detrás de cada ciudad, barrio o esquina yace una historia enterrada; maquetas que algunos guardan y ni siquiera recuerdan... y precisamente yo, que no creo en las coincidencias, recibo estas Últimas Moradas de Castillo Interior justo cuando gracias a contactos que no puedo revelar, se me deposita un tesoro musical patrio (otra historia, otra banda) del que por ahora no puedo soltar prenda; es decir, en la corriente trashumante de la música se mueven archivos, cintas y cosas que algunas veces para los propios músicos puede que ya sean agua pasada o no tengan importancia en su Corpus Musical, pero que al igual que el folklorista o el etnógrafo (y qué leches, el melómano), son tarea obligada rescatar y plasmar en algún formato para que a este tipo de grabaciones no se las coma la noche de los tiempos. Es acervo, es recuerdo, y son bisagras temporales para viajar a determinadas épocas independientemente de la calidad de la grabación (los másters ahora son más fáciles de almacenar, pero en plenos 80, suerte tenías si queda ahora rastro de las bobinas de las maquetas grabadas en pequeños estudios locales). Ahora las cosas están en la Nube, y tiras de las cuerdas como esas atracciones de los feriantes del "siempre toca".

Sobre todo esto y Castillo Interior ya escribí aquí, así que os recomendaría leeros antes el artículo anterior para no repetir conceptos y continuar la historia tal y donde se quedó. Jonathan Delgado de Los 80 Pasan Factura vuelve a realizar un encomiable esfuerzo arqueológico con Últimas Moradas, título claramente inspirado en Santa Teresa de Jesús y su libro Las Moradas / El Castillo Interior, donde la monja carmelita dividiría el alma en una suerte de viaje iniciático en 7 mansiones (moradas) vertebrando espiritualmente un Castillo Existencial en el que precisamente y a través de la Fe, se desembocaría en la última etapa o fusión con Dios.

Además de una pieza arqueológica de valor histórico imprescindible, se presenta en un fantástico 7" con insert interior, póster desplegable y una especie de panfleto de postales encuadernado con una cadenita y chapa. La historia de la grabación de su álbum ya contada es completada ahora con tres cortes que tuvieron que quedarse fuera del 10" porque las bobinas se encontraban en tan mal estado que necesitaban de más trabajo de edición, mezcla y masterización. Por tanto es material de las mismas sesiones de los estudios AS (Tenerife, Marzo-Abril de 1987) con grabación de Lorenzo Cáceres y Toño Galán. La restauración sonora se realiza entre Guamasa Estudios y posterior mezcla/masterización de Antonio (voz y bajo) Interior, correspondiendo el apartado visual/artwork a Horacio (voz y bajo). La formación se completa con Jordi (guitarra) y Gustavo (batería). Como dato adicional, "Vuela Hacia Mï" originalmente eran dos partes, y se incluyó parcialmente en el Canciones Desenterradas (el CD que acompañaba al pack).

Pasando a la música, hay una cosa que para mí va a ser tarea inmediata, y es pedir a Jonathan Delgado o a la propia banda el orden correcto y tracklist completo de lo que iba a ser el álbum oficial de Castillo Interior para así poder disfrutar de este 7" y sus tres cortes dentro del global del disco. Es decir, recomponer el 10" junto a este nuevo material en el orden correcto para lo que yo llamaría LA MORADA DEFINITIVA, no sé si me explico (pero bueno, eso ya son locuras de uno). 

El himno simple, con mucha raíz punk de "El Sueño Dorado" tiene ese aroma a Joy Division mezclado incluso con algo de Siniestro Total en los inicios. Pegadizas las voces coreadas, suena a canción litúrgica de Gothic Punk pasado por el filtro de la movida madrileña más oscurantista (base rítmica simple, sin complicaciones y afinación bastante aguda de las guitarras). "Indecisión" sin embargo es radicalmente distinta. Más presente el bajo, toques más Post Punk y todo flotando en ese aire de irrealidad característico del estilo. La guitarra más elaborada (muy buena la melodía que refleja toda la escena de los 80) y se nota por tanto un contraste considerable con el tema anterior, lo que me reafirma en que quiero escuchar toda la obra de Castillo Interior dispuesta en el orden que ellos querían.

Con todo, son los 5 minutazo y pico de la Cara B donde tocan techo. "Vuela Hacia Mí" es un señor temazo de gloriosas letras, arreglos más experimentales de las pedaleras de las guitarras en una suerte de intro que luego se acelera dando paso a una base rítmica clásica cuatro por cuatro, voces medio cantadas / susurradas a lo Field of the Nephilim y que muestran un potencial enorme para una de esas bandas malditas que gracias al incansable trabajo arqueológico de Los 80 Pasan Factura podemos ahora escuchar en todo su potencial... que posiblemente no acabe aquí porque algún directo, alguna otra muestra de archivo quizás esté ahora mismo durmiendo el sueño de los justos, descomponiéndose su cinta magnética lenta pero inexorablemente a la espera de un rayito de luz que ilume la lata que guarda, el plástico que conserva, la carátula que amortaja.

https://www.los80pasanfactura.com/store/p100/Castillo_Interior_-_%C3%9Altimas_moradas_-__Vinilo_7%E2%80%9D_.html

P A N D O - "Rites" (AESTHETIC DEATH ADCD074, 2021)

"There was a time when all I wondered was how the molds of men were formed

with a catalyst as thin as water

there is a need for something rough to shape the very shell that forms what's within

but with a shell so thick in beauty we can loose track of what's inside

since we already washed our hands of grime with it's lye there's no escaping the modern thoughts of men".

Tras aquel inconmensurable Hiraeth (reseña aquí) de P A N D O vuelvo a escribiros unas líneas por aquí de su monumental, controvertido nuevo trabajo Rites que nada más que por el artwork que trae, ya te deja totalmente con la mandíbula colgando. El Experimental Noise Doom (o lo que sea) de los de Massachusetts había dado ya muestras de un Black Metal bastante Avantgarde. Entre medias del que arriba os he puesto y este que hoy traigo publicaron Negligible Senescence, trabajo que no he escuchado pero que creo que es una reedición de Aesthetic Death de su debut (2016). Me ahorro recursos y tiempo y os invito a que pinchéis en el anterior link de la reseña de Hiraeth para más datos.

Rites viene presentado en un espectacular digipack a 6 paneles con booklet interior de 12 páginas plagado de fotos (duras algunas) y con esculturas de Matthew Gagne. El disco se graba y mezcla en Uncle D´s Raging Toilet Paper Campaign por el propio Adam R. Bryant para luego pasar por la magia del grandísimo Greg Chandler de ESOTERIC (Priory Recording Studios). Sonido AESTHETIC DEATH por los cuatro costados... prístino si es necesario o sucio dentro de su propia limpieza, no sé si me explico bien. En cuanto a la formación no ha variado: Matthew Gagne y Adam R. Bryant, del que hace también bastante poco os hablaba de su excelente y muy pero que muy recomendado proyecto en solitario CAVE DWELLER (reseña aquí).

La ritual "Agapē" nos mete en una atmósfera envolvente de corte gregoriano donde coros de iglesia (concretamente, “Fauré: Requiem & Pavane” por el  King's College Choir Willcocks) y otros sonidos de dudosa procedencia construyen una auténtica sinfonía de oscuridad físicamente palpable. Sobre la atmósfera neobarroca un recitado del “Psalmus Humanus & Six Prayers” de Albert Szent-Györgyi de Nagyrápolt, laureado premio nobel por sus trabajos de fisiología, descubridor de la Vitamina D y posteriormente activista Húngaro en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. Todos estos recursos se van trenzando para crear una introducción de tres minutos que eclosiona como el ciclópeo grano de pus de una Deidad cuando entra la guitarra eléctrica al más puro estilo Sunn O))). Un eterno acople sobre el que van desplegándose ambientes litúrgicos a lo Skepticism, voces Black Metaleras... en definitiva, fusión absolutamente devastadora de música Avantgarde con atisbos marciales en alguna percusión sampleadas (en segundo plano) y sincopados coros de voces acompañándose de un órgano de catedral; elementos todos perfectos para ejercer de Alambre Tanatopráxico Anúbico y sacarte el alma por las fosas nasales. Las letras, para quien tenga interés son del Libro del Levítico (26:14-39).

Toda esta solemnidad hace que el contraste con la corta "Dadaism" sea mayor. Mezcla de Funeral Doom con Black Metal en la entrada, apabullantes trémolos de guitarra y plúmbea base rítmica, pronto se lanza en una cabalgada agreste al más puro estilo del Black que últimamente se está practicando en América (zonas norteñas). Impresionantes letras que se salen totalmente del molde habitual: "the institution will change everything / the place that houses us will challenge what we hold / this portrait with carved frame retains what we were sold / but the carved frame attracts more than the painting's mold / the only thing worse than the hole it leaves is the cold". Aprovecho para comentar que cada tema está acompañado en el libreto de una fotografía y a cada cual más perturbadora (eso lo dejo para quienes os pilléis el disco físicamente). Sigue "In God We Trust With Our Cold Dead Hands". En un fondo Ambient suenan samplers sacados de discursos de Donald Trump, Martin Luther King y la NRA (Asociación Nacional del Rifle), o del lp "1969 A Record Of The Year CBS News", todo perfectamente hilado, construído y planificado para generar un considerable desasosiego en el oyente y una auténtica cascada de homilías y contra homilías capaces de crear un vórtice de poder que se trague la Tierra entera.

"Total Station Theodolite" rompe por completo el álbum en un acre Black Crust con trazas Doom... algo así como coger a Eye Hate God y lanzarlos a un ring a luchar con Today is the Day. P A N D O juegan con unos contrastes considerables tanto entre temas como dentro de ellos, así que en los espacios que a veces surgen en la base rítmica, como espirales espaciales, se van insertando mini arranques de un furioso Black Metal a lo Dark Throne. Lo alucinante es que salen victoriosos de tal alarde y miden perfectamente los tiempos; "The Molds of Men" sigue los mismos patrones sonoros que la anterior pero más furiosa si cabe. Un pequeño interludio de los aires experimentales con estos dos cortes. Blast Beats y letras a caballo entre lo nihilista y la alquimia existencial, fantástica la abrupta bajada del tempo, las campanas y cómo va transformándose todo en una procesión espectral itinerante (próxima parada, tu casa).

Vuelta al Ambient Noise de corte Industrial en "I Want to Believe", esta vez con voces del poeta y artista corporal Vito Acconci y la artista serbia Marina Abramović. El fondo tiende al minimalismo y sirve de puente al ciclópeo corte de 12 minutos "Encarnation". Un violín junto a golpes de bombo chamanísticos, lentamente va surgiendo una melodía Death/Doom aplastante... lento, absorbente desarrollo en un in crescendo plagado de guitarras en un trémolo en espiral acompañado de voces desgarradas y al límite. En el minuto 5 toques de piano, silencios que suenan propios y habituales en la Música de Cámara que inexorablemente, de forma sutil, se funde con la electrónica en un tapiz electroacústico malsano y pútrido. Como una caja de música que estuviera electrificada pero a punto de descomponerse la madera y sus engranajes metálicos que de tan oxidados bailaran en una tetania amorfa; la apocalíptica psicorragia sonora última alcanza un orgiástico clímax donde incluso la guitarra se atreve con un soterrado solo muy lisérgico que me descoloca por completo. Impresionante. 

El cierre del disco con la abstracta "The Octagon Room", con una descomunal fuerza en las guitarras y voces más susurrantes y guturales, junto a cambios de ritmpo que parecen sacados de un disco de Esoteric o incluso los Supuration con final pseudojazzístico. Vientos (ignoro si sampleados o no), guitarra acústica/española, fade-out y mi mandíbula por los suelos. "On the Shores of Hell" continúa la anterior con fondos sampleados de boletines de noticias (CBS news and euronews, 4 News Bradcast).... creo que la mejor forma de terminar este texto, es reproducir una parte de las declaraciones de P A N D O sobre Rites:

"P A N D O would first like to thank everyone for their support over the years and allowing us the opportunity to share our artistic outlet through this respective medium. as practitioners of art that is released into the world of many different opinions and viewpoints, we feel it is important to disclose a statement in regards to this release. “rites” includes some sample recordings and messages from real sources that may or may not be offensive to some individuals. for the sake of the conceptual nature of the piece, we believed it was important to create this album equipped with everything you hear and see with the visual accompaniment. it is imperative to us that those participating in the experience of this album understand that we do NOT endorse or support any of the ideas mentioned within this album. this album was created to start conversations and any opinions formed from these recordings are completely open to interpretation. should the observer feel a particular way in regards to some of these recordings, perhaps it will spawn some healthy discussion that will bring people together in a positive way. Many thanks".

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=4986

https://thetremblinggiant.bandcamp.com/album/rites