A.L. GUILLÉN - "EN RECUERDO DEL AMADO" (GRUPPO UNGIDO; 2018)

A la sombra de la funesta luz que vertebra los nauseosos acontecimientos que diariamente nos empalan, vestido con la fina cota de malla de mi sola epidermis hasta el punto de que mis pezones apuntan a Orión, no corta el mar sino vuela... perdón, esto no iba aquí. 

Veamos... que la fuerza motriz del Universo es la ÉPICA pudiera ser discutible, pero como soy bastante cabezón y cerrado, y para colmo pienso que si algo te gusta debes llevarlo a sus últimas consecuencias, pues me planto en mis trece y lo digo en alto: ESTE MUNDO SE MUEVE POR LA ÉPICA!!!!.

Vale. Sigo. La épica puede ser macrocósmica / macroscópica y relatada por bardos blogueros de la antiguedad en sus Mahabharata, Rig Vedas o vaya usted a saber... o bien microcósmica / microscópica, que es la que rige propiamente los pequeños acontecimientos del Ser Humano (Homo Sapiens para los despistados). Necesitamos de la épica para avanzar; necesitamos su poderosa revulsión como palanca que nos empuja aunque el vértigo que implique emule el vórtice poderoso de un Agujero Negro y por ende, sintamos lo que siente el Cosmos... es decir, y a riesgo de parecer un pseudocientífico loco, me gustaría etiquetar a todo esto como EMPATÍA CÓSMICA. 

Plantados en este punto, es el momento de intentar empatizar con A.L.GUILLÉN y su maravilloso último trabajo "En Recuerdo Del Amado". Porque amar es épico. Correrse es épico y duele... vaya que si duele. El placer es doloroso en extremo y procrear implica un avance más en la "intropoyética" catarsis hacia la autodestrucción... más épico que el amor no puede existir nada, y si no que se lo cuenten a los que hicieron del AMOR NOBLE un credo. La unión mística con algo superior (que cada uno se una molecularmente a lo que quiera) es sentida en estado puro en estos 30 minutos de sublime poesía sonora, y el SUFISMO es aquí símil de una médula espinal que ha sido despojada mediante despiece carnicero de su envoltura ósea hasta el punto de que cualquier leve roce o soplido provoca un estremecimiento del alma.

Cada persona es un Cubo Rubik y un asceta en su propia vivencia; un abanderado héroe en caída libre o en rápido ascenso, que no soy yo quien para decir lo que está arriba o está abajo. Nueve Moradas de un viaje cantadas y recorridas por los ecos literarios de Hafiz de Shiraz, Rumi de Jail, Al-Ba´Uniyya de Damasco, Maymum ad-Dukkali Del Atlas Medio, Al-Sustari de Guadix, Al Harraq Al Alami de Tetuán e Ibn-Arabi de Murcia bajo composición arreglada y manifestada por A.L.GUILLÉN en colaboración con los fantásticos arreglos de PELAYO ARRIZABALAGA al clarinete bajo, SANCHO CAMPOS a la batería y JUAN JOSÉ SIMÓN a la percusión. Grabación como no en LA ANTENA NOÉTICA (Almería), PANCAKE ANALOG RECORDING (FERNANDO ZAMBRUNO, Sevilla) y masterización de GONZALO LASHERAS.

Una hermosa fotografía de MARA B. STONES (a la que tengo el privilegio y placer de conocer de hace tiempo y cuyo trabajo plástico admiro) viste de gala a un digipack sobrio y cargado de blancos y negros, lo cual ya da una pista del carácter íntimo del disco y es que cada uno de los nueve cortes no está elegido al azar sino que forman una pieza de ese Cubo Rubik personal guilleniano del que antes hablaba. 

Voy a empezar por el medio. El quinto tema del disco es el homónimo "En Recuerdo Del Amado" y a su izquierda y a su derecha se construyen dos columnas de un templo sónico que adorna el conjunto como los arabescos de un viejo dintel. Una guitarra campestre que se mete dentro como el Country Folk británico de corte cuasi progresivo de tantas y tantas bandas oscuras que plagaban los verdes prados Canterburianos de finales de los 60. Sumergida en Slide afinado en modo Banjo mientras la suave voz de Guillén se desliza como miel amarga en el tratamiento reparador de "cutis del alma" que toda persona necesita en determinado momento de su vida, es quizás el corte más desnudo del disco, que se abre con el sobrio órgano eclesiástico pseudo gospel de "793 Hafiz" que rezuma cierto aire de pop barroco a lo LAGARTIJA NICK en "Lo Imprevisto". Estamos en la columna de la izquierda para los despistados.

"596 Rumi" ya muestra la rareza característica del R.I.O británico pero con una brisa fresca aunque tenue de Zeuhl franchute; dicho de otro modo, aparear HENRY COW con UNIVERS ZERO y ETRON FOU LELOUBLAN pero sin perder el carisma andaluz. A todo esto ayuda los excelentes toques de vientos de ARRIZABALAGA y la intrincada percusión de los maestros SANCHO CAMPOS y JUAN JOSÉ SIMÓN que firman una auténtica bestia con este tema. Sigue en el mismo tono "900 Al-ba´Uniyya" donde la guitarra dialoga con una excelente línea de clarinete que se mantiene flotante durante todo el minutaje hasta eclosionar en un ligero toque free contenido pero muy efectivo. "480 Ad-Dukkali" es otra perla que a priori parece simple y desnuda pero que conforme más la escuchas más compleja te parece (hasta el punto de que el sustrato es jazz-rock). Por cierto, destacar las voces atípicas de GUILLÉN que los conocedores de sus proyectos previos como SEFRONIA quizás ya conozcan.

En la columna de la derecha "Al-Sustari 649" seguida de "Al-Harraq 1225" (con unos arreglos sublimes) y voy a parar un momento. Sé que citar cosas desconocidas es jugar al despiste pero me importa un nabo y tampoco necesito escribir para nadie... lo digo porque no consigo quitarme de la cabeza a la desconocidísima banda de Acid Folk RELATIVELY CLEAN RIVERS, joya oscura donde las haya y que tendría línea de continuidad con THE ELECTRIC HOLE y THE BEAT OF THE EARTH. Esta información sé que no sirve para nada, pero "tan cristalina es la copa, y tan depurado el vino", que yo no puedo más que beberme el disco por los poros y dejar la boca para otros menesteres. 

"Al-Alami 1225" suena a una homilía de NICK CAVE AND THE BAD SEEDS tapizada en empirismo progresivo inglés (sobre todo en ese Hammond o lo que sea de fondo) y el mántrico piano de "Ibn-Arabi 620" pone el colofón a un disco que engaña muchísimo en las primeras escuchas, no siendo hasta sus posteriores audiciones cuando se te revela en toda su magnitud. Como una infección latente (del espíritu), como un Aspergillus dormido en una tumba egipcia que vuelve a la vida al contacto con el oxígeno, como un ser humano que se siente pequeño al notar que si bien el Ser Humano puede sentir EMPATÍA CÓSMICA, el efecto contrario del Cosmos hacia nosotros no se corresponde... la EMPATÍA HUMANA del Universo hacia lo antropomorfo es nula, y por ende somos marionetas que tienden a especular en la sabiduría de religiones más humanas que ir a cagar al campo.

https://alguillen.bandcamp.com/album/en-recuerdo-del-amado

CONTEINER - "CONTEINER EP" (MISE EN SCENE & MUERTE MATAR RECORDS; 2018)

De la escena ruidista y metalera del País Vasco no es la primera vez que hablo. Digo escena por situar geográficamente el asunto porque la realidad es que salvo excepciones no conozco el grado de conexión de las bandas (mi conocimiento acaba más o menos con los árboles genealógicos de los grupos). Pero claro, tal y como digo, es un dato muy importante de citar porque si por ejemplo el rock reivindicativo vasco tiene una seña de identidad, no menos cierto es que los álbumes del espectro Folk o de Black Metal que conozco tienen su impronta particular. 

El sustrato generalmente de todo este sonido es agrio y si pudiese traducirlo en colores sería una mezcla del verde rana del agua estancada de una charca con el marrón del hierro que se descompone en óxido. Si fuese una sensación sería la de la masilla esa que te ponen para sacar un molde de un diente y si fuese un olor, probablemente el dulzor calenturiento de algo que se descompone.

Bilbao y un power trío (IÑAKI, MIKEL y UNAI) llamado CONTEINER con músicos que tocan o han tocado en combos del calibre de KILLERKUME, MEIDO, LOAN o POSITIVA (bandas que en mayor o menor medida he ido siguiendo la pista); un logo que rezuma vieja escuela Thrash; una grabación en forma de homónimo Ep en su local de ensayo (2017) y la colaboración de MISE EN SCÈNE & MUERTE MATAR RECORDS para la edición en digipack. Si quisiera podría finiquitar y poner el sello de compulsa a la reseña ya, porque con los ingredientes te haces una idea de a qué sabe la receta (salvo que seas un puto maníaco del cilantro de esos que juegan al despiste eterno o los que cocinan ingentes cantidades de proteínas vegetales para moldear cosas que se parecen sorprendentemente a los productos del cerdo). 

Directo y a la yugular abre "Ridge", donde se nota a leguas la crudeza de las bandas que graban en trío. Desde pasajes netamente CROWBAR, PANTERA o DOWN con la guitarra entrecortada destroza cuellos a esa base rítmica que dispara como una pistola de clavos industriales. Si se me apura el conjunto del Ep viene a ser un cruce bastardo entre KILLING JOKE, OCTOBER FILE, pinceladas del tribalismo percusivo de AKAUZAZTE (pero sin llegar a sus mántricas cadencias) y el Hardcore Sludge Neoyorquino. Todo lo que encontréis en ambos extremos entra dentro de eso que se llama Metal y que lo mismo puede ser una cabalgada infecciosa a lo MOTÖRHEAD como la que adorna el final del primer tema como esa forma de usar el ruido como un instrumento en el puente que va de esta a "Junkie Werewolf". Las voces y sus coros perfectas, y es que quien más quien menos en esta formación lleva ya unas cuantas guturales y berridos a sus espaldas.

Bueno, estaba en "Junkie Werewolf", que es ENTOMBED cruzado con VOIVOD y BLACK FLAG. Perversa aleación (insana) de un metal que es difícil de disolver en una forja pero que cuando lo ablandas un poquito se te amolda encima como una cota de malla. Citaba a ENTOMBED que quizás no sea una banda de referencia para CONTEINER (bueno, no lo sé) pero que junto con CARCASS fueron casi que de los primeros (venga, meto también a SATYRICON) en hacer esos fantásticos híbridos de Rock And Roll y Metal Extremo.

"Guardrail Wax" sigue en esa línea. Una banda que en su primera grabación te suelta un petardazo como este asusta. La guitarra se permite el lujo de ser melódica, malditos y malditas cabrones y cabronas amantes del ruido... y no sólo melódica, sino que suena jodidamente bilbaína. Sí, riffs de guitarra que me retrotraen a sus bandas madre LOAN, POSITIVA y MEIDO, pero con una fuerza más primitiva que se sublima en "Atzerakoia" donde salen a relucir esos aspectos Noise a lo AKAUZAZTE (sobre todo en la base rítmica) que transitan por una fina línea divisoria entre Post Rock y Noise. Los coros en este tema son magistrales, de aires hímnicos tal y como hacían los BURNING WITCH (que por cierto, también suenan por aquí cuando se ralentizan y afilan) y una versatilidad pasmosa para cambiar el tempo y cariz del tema. 

Si encima terminas con algo tan noventero y pegadizo como "Nice To Watch Over Yr Waste" pues qué quieres que te diga... grumos hardcore etapa última de SEPULTURA por ejemplo (soy viejo ya, paso de poner a bandas nuevas de referencia que eso es casi un pecado). 

Creo que por la experiencia y calidad que he catado en CONTEINER su debut en largo va a ser de aúpa. Y si no, al tiempo.

https://conteinernoise.bandcamp.com/releases

JUAN BELDA BIT BAND - "LA RUEDA INFINITA DE HANS" (DISCOS NECESARIOS, 2012)

Es precisamente ahora que el grupo ARTE MODERNO empieza a ser reivindicado (edición en cd hace un tiempo por LOS 80 PASAN FACTURA y la inminente nueva edición vinilo a cargo de DOMESTICA RECORDS), que uno va asomándose al abismo y dándose cuenta como la putrefacta crítica musical de este país ha ido contaminado dicha fosa con los exoesqueletos de tantos y tantos músicos de vanguardia. Lo que nos devuelve la mirada de dicho agujero infecto son huesos pelados, trabéculas osteoporóticas que debieron haber sido reclamadas en museos de historia hace mucho tiempo, pero que salvo sabios conocedores del underground musical nadie reclama. Aunque ojo, cito underground y quizás el que está bajo tierra soy yo, pero la figura de JUAN BELDA bien mereciera un capítulo extenso en esos libros académicos que últimamente están siendo editados.

Hace unos meses os hablaba de su última encarnación con la JUAN BELDA BIT BAND en el magnífico "Carretera Mágica" (reseñado aquí), vehículo a través del cual he conocido (via el propio artista) este alucinante "La Rueda Infinita de Hans" de 2012 editado en digipack por DISCOS NECESARIOS. En este extenso trabajo de una hora de duración, el músico canario a los teclados, electrónica, dirección y piano se acompaña de nada más y nada menos que de toda una BIG BAND que quita el hipo: ENRICO BÁRBARO (bajo); JUANO ORTÍ (batería); CARLOS PUIG (trompeta); PATRICIA KRAUS (voz); FRANCISCO LORENTE "EPI" (guitarras); PEDRO BARCELÓ (batería); JORGE PARDO (saxos, flauta); HANS PIESBERGEN (voz); JERRY GONZÁLEZ (trompeta); LEO MINAX (voz); DAN BERLIOR (guitarra); MANDI CAPOTE (batería); MLADEN KURAJICA (guitarras, xilófono); AZIZ ARRADI (jembre); FAMILIA KNAGUA DE AZIZ (voces, percusión) y RIAD DE LA FAMILIA DE AZIZ (reverb).

Podría hacer un detallado texto tema por tema y citando las múltiples referencias del abanico sonoro de la JUAN BELDA BIT BAND, pero creo que sería extenuante y poco enriquecedor, así que voy a intentar hacer una reflexión personal atribuible a la música de estos artistas. El lector/lectora tiene la última palabra y ya dirá si lo he conseguido o si probablemente sólo haya rascado la superficie:

Posiblemente el último Mago sobre la tierra a nivel musical fue MILES DAVIS. El trompetista sacrificaría su propia versatilidad, disciplina y virtuosismo en pos de algo mucho mayor; dicho de otro modo, prefirió jugar en equipo. En el periodo que abarca la música posterior a 1968, MILES DAVIS, en un poderoso ejercicio de abstracción, invocó un monstruo pesadillesco construido de electricidad, ritmos sincopados y ambientes etéreos que dieron al traste con todo el canon jazzístico de la época. Este punto de partida mágico con "In a Silent Way" y sobre todo "Bitches Brew" llega a cotas de paroxismo funkarra con "Get It Up", "On The Corner" y sobre todo en directos como "Agartha". 

Desde ese instante de partida, la JUAN BELDA BIT BAND juega a mezclar esos tórridos y bailables compases de jazz eléctrico con la abigarrada forma de entender el jazz rock de HENRY COW y todo el amplio ramaje que se abre desde este mismo punto. Lo avantgarde queda más que patente en la forma de abordar la electróncia de JUAN BELDA, bizarra cuando tiene que serlo, o mera acompañante del resto de instrumentos en otras... y es ahí cuando destaco el poderoso binomio BELDA - FRANCISCO LOZANO "EPI" a las guitarras haciendo de FRED FRITH en muchos temas hasta el punto de recordar a discos como "Gravity", donde el inglés en 1980 mezclaba a la perfección la world music con otros discursos sónicos. 

El caso es que hay momentos en que el rock se une con la electrónica tan sutilmente que cuesta poner una etiqueta, y más aún, meterlos dentro de un tiesto concreto. La música en "La Rueda Infinita De Hans" es muy versátil, bailable hasta el punto de vestirse de un Trip Hop orgánico deudor algunos proyectos en los que DAEVID ALLEN estuvo involucrado (véase desde MOTHER GONG  a GONG MAISON o los directamente Trance ASTRALASIA. Hasta tal punto es esto que algunos cortes son casi Space Rock en sí mismos (muy a la sueca por cierto, y si no escuchaos a los ORESUND SPACE COLLECTIVE).

DON CHERRY y CODONA salen a relucir en los espacios más sosegados, mientras que en otros prima la fuerza de las mejores big bands británicas. No en vano, BELDA a los teclados/piano tiene mucho del lirismo de KEITH TIPPETT, muy dado a este tipo de grandilocuencias argumentales pero que sabedor de su potencial se mete de lleno en los farragosos terrenos del Free... pero ojo, no me entendáis mal. Si algo podemos sacar en claro de todo esto es que la JUAN BELDA BIT BAND huye de la asepsia matemática de una SPONTANEOUS MUSIC ENSEMBLE y se regodea en la untuosa melodía del Groove Funk, el Jazz Rock Fusionero o qué diantres, la electrónica dub en algunos tramos.

Los jugueteos con samplers recuerdan muchísimo a los experimentos con cintas de CASSIBER y tal como he dicho antes, el Dub sobresale bastante merced a una base rítmica tan poderosa como embriagadora, lo que por alusiones trae a la palestra a BILL LASWELL y su aguerrida forma de escupir notas al bajo que no sé si será una influencia para ENRIQUE BÁRBARO, pero yo al menos he tenido esas sensaciones. Una vez llegados a este punto, saltar a ZORN no es más que cosa de niños.

Ahora, coged todo lo dicho anteriormente y movedlo enérgicamente en una hormigonera. El cemento resultante es la JUAN BELDA BIT BAND en un disco poderoso como un saludo con un puño americano... amable como darte descargas de electricidad en los empastes y pegadizo como un chicle de a kilo macerándose bajo un sol de mis demonios. 

Ahora pues me digo: CÓMO ES POSIBLE QUE YO NO CONOCIERA ESTA MARAVILLA CON ANTERIORIDAD. 

Dicho lo cual os digo: CÓMO ES POSIBLE QUE NO HAGÁIS YA POR CONSEGUIR ESTA MARAVILLA SI ES QUE DECÍS AMAR LA MÚSICA.

Resumiendo lo dicho: CÓMO ES POSIBLE QUE LA BUENA MÚSICA NO QUEDE REFLEJADA COMO ES DEBIDO EN LOS MEDIOS MUSICALES PERTINENTES Y TENGA LA DIFUSIÓN QUE MERECE.

Vale, pues dicho queda.

https://www.facebook.com/juan.belda.3

JAVIER ARNAL - "TUS BESOS" (EL MUELLE RECORDS; EMR034, 2018)

"En el desierto en el que vivo hay eclipses... pero son eclipses amables. Yo los llamo Eclipses de Amor. En esos momentos mi vida como grano de arena no vale nada, y mis vecinos y vecinas (también granos de arena) participan del eclipse aportando (perdóneseme la incongruencia) su granito. En los Eclipses de Amor nos besamos unos a otros porque como estamos tan apretados no puede hacerse otra cosa. Estamos en una cola más larga que en la carnicería del barrio, y aunque no lo parezca a simple vista, somos distintos unos de otros. Es la ley del grano. Vamos al grano. Siempre. Somos así y punto. Simples, sencillos... y cuidamos unos de otros." 

PALABRA DE GRANO

JAVIER ARNAL vuelve a vestirse de bardo predicador dentro de su particular mitología mitad homilía, mitad navajazo oxidado. Escuchar "Tus Besos" es bastante esclarecedor del nivel de la música underground en este maldito país en que la fama parece sólo reservada a determinados grupos de dudosa exquisitez Indie. Porque este disco va mucho mas allá de lo que supuso "Canciones Defectuosas" y sublima ese particular estilo trovadoresco de JAVIER en un compost de Balada, Blues, Tango y Vals a partes iguales... y si mis orejas rancias no me fallan, la espectral sábana magnética de la música de los 50 y 60 tocada a ralentí. 

Este caballero cuyo currículum no creo que necesite de demasiadas presentaciones se marca un disco absolutamente embriagador arropado de una serie de músicos de alto calibre; todo ello bajo el contexto y pulso de un beso... del acto de besar. Un disco muy optimista a pesar de lo agridulce de algunos momentos puntuales que parecen marchas fúnebres, más canciones defectuosas, o góspeles importados desde el mismísimo infierno chatarrero donde habitan seres antropomorfos, sin pelo y fama de Crooners de fórmula química que van EnCOR(CO)BA2s. 

JAVIER ARNAL también es un Crooner, qué duda cabe... pero un Crooner etílico y maldito tocando perversas versiones de FRANK SINATRA en una fiesta donde ya no queda nadie. El último de los invitados ya falleció por la heroína hace tiempo pero las luces siguen y parpadean... y a la orquesta se le pagó para que tocara por toda la eternidad. Se habla de la muerte con la naturalidad del beso, y del beso con la naturalidad de la muerte. Sólo quedan dos bailarinas, y se mecen sobre un colchón de agujas de jeringa.

Grabado en LA CASITA ROSA ESTUDIO con arte y diseño de PEPO GALÁN, masterización en SÜDBLOCK ESTUDIOS y otra vez editando EL MUELLE RECORDS, y besando este texto, CORONEL MORTIMER. 

Abre el disco "Poema Para Beso (Luna y Panorama de los Insectos)". Una cadencia de guitarras latentes y colchones de electrónica sobre el que se deslizan las barrocas cuerdas vocales de CARLOS LUNA (https://lunaypanoramadelosinsectos.bandcamp.com/) recitando un poema mórbido que habla de sustancias, de besos, de lunas... y de insectos. Por los mismos derroteros pero más musical resulta "Tus Besos", ya con el característico timbre y voz de JAVIER que lo mismo te recuerda a LANEGAN que al SCOTT WALKER de "Tilt", y cuya lánguida guitarra suelta arrastradas, graves notas que caen al suelo y las bebe la tierra. Rozando por momentos el Drone Folk de SCOTT KELLY en clave western cuando se levanta una ventisca de distorsión sutil al final del corte, la misma melodía explota por fin en "Beso Sucio"... es el mismo tema pero más lúbrico y sexual. A pesar de los aires a Tango, Bossa Nova y Vals, es imposible no acordarse de la eléctrica presencia del blues catártico de DAVID LYNCH (cuando el tipo no le da por el humo y lo industrial) sobre todo en la forma de moverse la base rítmica y los fogonazos de la guitarra.

Hablando de LYNCH, si no captáis ecos de "Audrey´s Theme" en "Suaves Besos" es que estoy loco de remate. Uno de los temas en los que colabora MARCO KOWALSKI con un bajo punzante y probablemente con cuerdas sustituidas por tendones de atleta jubilado (suelen ser más duros y dan un sonido más vibrátil). Espeluznantes las voces dobladas en los coros. Hacía tiempo que no se me ponía la polla más tiesa que los vellos... suelo ser más de vello tieso que de polla tiesa. Así soy yo. "Besos de Bar" es un tema de farándula pop hispana (diría que roza lo Mod) pero de tempo lentísimo y marcado por la guitarra acústica y sostenida nota de órgano netamente sixties. 

La siempre mayestática presencia de ANA BÉJAR a las voces y acordeón imprima a "Ese Beso Lejano" de un cariz folk raruno y urbano con dosis de country carreteril. La voz de ANA se combina a la perfección con la de ARNAL y cuando coinciden juntas son como trenzar hijo de seda y esparto. Maravilloso. Sigue "Besos Descalzos", también con MARCO KOWALSKI al bajo y la electrónica de NACHO JAULA como vértebra de una canción campestre de las que se cantan a la luz de un fuego (fatuo). Mitad nana, mitad canción de secta destructiva, y con clímax final noise a cargo de JAULA.

"El Beso de Vera" es la canción de amor con la que cualquiera quisiera sentirse identificado. Parte desde el mismo ventrículo izquiero de ARNAL bombeando sangre y besos a su amor. Intimista hasta el tuétano... minimalista hasta la extenuación. Diálogo apasionante entre una lejana guitarra eléctrica, la sempiterna acústica en primer plano y los pausados pasos de baile de los teclados ("y si no vienes, es porque habrás muerto, o habré muerto yo... en cualquier caso, despiértame con un beso, con un beso de amor"). Hablando de VERA, sus voces en "Yo Tengo Un Beso" recuerdan al pop sixties de JEANETTE. Junto con el tema anterior ambos crean un críptico diálogo en el que no creo que estemos invitados a participar los oyentes, así que dos rombos y a la cama.

Siguen las colaboraciones con la guitarra procesada por pedaleras de PEPO GALÁN en "Besos de Mar" creando melodías subacuáticas y coros y marcando el principio de un fin de fiesta en el disco de aúpa. La distorsión de "Bésame" con EMILIO AMBOLIAS recrudecen el ambiente electrificando la atmósfera en un largo tema que avanza inexorable hacia abajo, hacia el mismo magma terrestre desestructurando la música más que componiendo (en el último tramo del tema parece que los músicos van hacia atrás en el tiempo). Violencia de labios que se cortan y sangran. Dientes blancos como paredes encaladas que se tiñen del rubí de sabor metálico de un beso herrumbroso. ¿Tus brackets están oxidados y quieres besarme?. Toques a 713ºAMOR, a DESASTRE o los propios MAR OTRA VEZ hermanados en una ordalía instrumental de cariz psicodélico que pone el contrapunto perfecto al disco.

¿Quieres más?... pues "Ven y Bésame" durante un minuto y pico. Cabaret en estado puro y el piano de "Tus Besos (Epílogo)" ponen el punto final a un disco que para mi gusto merece estar entre lo mejor del año. Merece difusión por su alto nivel compositivo y su extremada, honesta capacidad de transmitir emociones a flor de piel. 

"En el desierto en el que yo vivo han prohibido los besos. Los besos los carga el diablo dicen. La autoridad vigila a los granos de arena subidos en palitos de paja rodantes y si te descuidas y besas, te exilian a la ciudad en rastrillos de juguete de niños o en tupperwares de rancias tortillas de patatas. Es un mundo violento el del grano de arena. Siempre en movimiento, siempre cayendo. A veces nos calentamos demasiado, nos besamos... y por la noche nos rompemos en granos más pequeños cuando nos enfriamos"

PALABRA DE GRANO.

https://elmuellerecords.bandcamp.com/album/tus-besos

EL SONIDO DEL VACÍO - "EL SONIDO DEL VACÍO" (GRABACIONES AUTOBOMBO 2017)

Hay una mezcla que resulta explosiva. Una es la arqueología, y otra los lugares abandonados. La fascinación magnética que sobre mí ejercen llegan a nublarme la mente y tengo que reconocer que en alguna ocasión la adrenalina ha vencido a la sensación de peligro. La paralización de la actividad en algunos lugares no implica que la inexorable labor de los elementos "descompongan" todo y es que las leyes físicas dicen que todo tiende al polvo.

De GRABACIONES AUTOBOMBO y el proyecto de Techno Minimalista Noise asturiano YUNCLAS os he hablado ya, tanto en "Quebraes" (reseña aquí) como "A Train To Finland" (reseña aquí). En esta ocasión tenemos al mismo ente pensante pero detrás de un proyecto distinto. Bajo el contexto de una "Residencia Artística" en el Centro de Arte y Creación Industrial llamada "Sonorizando El Vacío", ADOLFO FERNÁNDEZ realiza una serie de grabaciones de campo en lugares abandonados y que así sin meterme todavía muy de lleno me recuerda enormemente a esa grandiosidad que resultó "Óxido" de JAZZ NOISE / TAIS BIELSA (que reseñé también aquí).

Grabaciones de campo y diversos efectos componen EL SONIDO DEL VACÍO, cassette editada por GRABACIONES AUTOBOMBO y que no es más que una suerte de suite industrial minimalista cargada de un poderoso y autómata gusto por el Techno en lo percusivo, y los desangelados ambientes de los lugares abandonados de difícil acceso en las partes más claustrofóbicas y Noise. El abandono como ente productor de música es a priori un ejercicio muy interesante que, siendo verdad que no se cumple en todo su rigor (es decir, si el 100% de los sonidos usados hubieran sido captados mediante grabaciones de campo), sí que resulta atractivo en su conglomerado final (como siempre en YUNCLAS, cargado de trasfondo social). ADOLFO FERNÁNDEZ usa generadores de ruido creados manualmente por gente del fanzine de Barcelona "Sonic Anarchy" y que le da ese toque Industrial al conjunto. Los temas de los que hablo no están ordenados igual en el bandcamp que en la cinta si mis orejas no me han fallado, así que quizás alguna descripción os resulta chocante e incluso contradictoria dependiento del formato que estéis escuchando.

Sonidos reamplificados hasta el infinito a través de lugares cerrados, claustrofóbicos y en decadencia adornan el inicio de "El Vacío Del Tunel", donde se construye una sinfonía casi marcial arrastrada y lenta que se despliega a lo largo de 14 minutos de duración. Sigue "Erpo (El Fuego Purifica)". Erpo fue una casa que fue quemada en un conflicto laboral en Talleres Moreda en los años 80; la noticia quedó recogida en diarios y tiro de hemeroteca para que os hagáis una idea (aquí). Violencia electrónica sudada por los cuatro costados con sabor cobrizo dulzón de sangre de estaca emponzoñada en miel, con un sonido acampanado insistente y machacón que se eleva a la máxima potencia en "Minas Solvay", título que hace referencia a la homónima mina abandonada y que como muchas otras localizaciones industriales no son más que despojos de proyectos gubernamentales que caen en desuso, con la consiguiente debacle humana y social que provocan. 

Un tempo lento, metálico y arrastrado vertebra un paisaje que tal y como dice el libreto que acompaña la cinta, está dibujado a partir de ruidos recogidos en esos enclaves industrializados donde el verdor asturiano contrasta con el marronáceo óxido que pudre el hierro. Oscurísima, bailable y jodidamente tribal, es mi tema favorito de la cinta. Por momentos parece estar grabado en una estación de tren fantasmal donde se hubiesen instalado campanas tubulares.

"El Tarronal (La Mina Asesina)", otra mina (esta vez de Mercurio) abandonada en 1974 y todavía contaminada en el presente. Fantástico símil/comparación entre el envenenamiento físico y el espiritual del trabajador asalariado que lucha para conseguir un mendrugo de pan (los había que se iban a las minas, los había que se convertían en verdugos.... lo importante era comer). La mezcla entre los sonidos maquinales y el tribalismo hacen una curiosa amalgama seudo EBM simple y directa donde el Techno se vuelve desalmado, frío y áspero. Casi parece que la tetania va a abordarte si sigues escuchando la cinta... como un cruce entre MERZBOW y DIE KRUPPS o algo así.

Sin duda lo que más me gusta de los proyectos anclados en el sello GRABACIONES AUTOBOMBO es el cariz totalmente no comercial ni lucrativo que mueve a la música y a las ediciones en sí, y esta cinta me ha volado la cabeza. Cuando un artista no depende de nada ni de nadie es cuando puede asomarse al vacío y traerse grabaciones de campo de allí. 

https://grabacionesautobombo.bandcamp.com/album/el-son-u-del-vac-o-the-sound-of-the-void

LA METÁFORA VENTRAL: "VOCES Y FORMAS DEL MAS ALLÁ" (EDICIONES TORACIC; ED70, 2018)

En noches de luna llena al amparo de una farola que parpadea, bajo la llovizna de un invierno que no termina de romper, y sobre los orines de un perro en sus últimos días, estoy pensativo y con la mirada fija. La mirada fija en ese astro satélite. Hasta tal punto miro fijamente que no sé si estoy viendo algo redondo y flotante, o realmente es una ilusión óptica y se trata de la entrada a un túnel. A veces las ilusiones ópticas provocan paradigmas y cambios radicales en el pensamiento y el devenir del ser humano. No todo lo que está en relieve está realmente cóncavo, y puede ser que la realidad sea más convexa de lo que aparenta... ¿No lo entiendes?... es fácil, DATE LA VUELTA.

¿Es EL SER HUMANO, habitante del Planeta Tierra, ente avanzado de la creación, o sólo es el final de un conducto intestinal de una criatura de mayor tamaño?. Quizás sólo somos el cálculo biliar o renal de un Dios o Diosa en criogenización eterna, y eso que priorizan los físicos cuánticos de que la destrucción de La Tierra será por el impacto de un meteorito, puede que no sea más que otro cálculo pétreo que chocará con el nuestro... al fin y al cabo, creo que si yo fuera Dios no me cuidaría lo más mínimo y sería un Dios cuasi muerto, pero como no puedo morir, pues sería moribundo... y lo moribundo tiene en su ecuación principal la constante del TIEMPO como eje. Qué putada, no?...

Si esto fuera así, quizás la mitocondria en su propio microsistema anhela saber qué hay en el exterior, y la cadena puede extenderse tanto por arriba como por abajo. No se me ocurre otra razón para que los pioneros de la electrónica hayan dado con ese sonido tan particular que define al Universo en sí mismo. ¿Cómo diablos pudieron urdir una forma de sonar tan característica y que todo ser antropomorfo relaciona con eso que llamamos Cosmos?. Lo hicieron los franco belgas con sus secuenciadores imposibles; lo hicieron los germanos con la Kosmische; los japoneses decidieron que el espacio sonaría más ruidista... y se creó un CANON. Todo lo que vino después es como la leyenda que se cuenta y narra al amparo de una fogata. Una copia de una copia de una copia... un eco distorsionado de algo tan puro y genuino que visto ahora con la pátina del tiempo uno diría que surgió de la nada.

En 1981, MIGUEL A. RUIZ compone música con un receptor de radio de onda larga y la titula "Voces y Formas Del Mas Allá". Cual mito histórico que se difumina con el boca a boca, la grabación yace perdida en el limbo (nada se destruye, así que tiendo a pensar que en el formato que sea, estará en algún sitio). Fue el inicio prácticamente de su carrera, y ahora en esta reedición de dos de sus primeras cassettes recupera ese maravilloso título de "Voces y Formas Del Mas Allá" que casi podría ser el preludio a un documental de SAGAN. Porque de alguna extraña forma, los inicios de la electrónica planeadora y espacial están ligados a los misterios insondables; al nacimiento de las Pseudociencias y el Realismo Fantástico franchute; a los libros de VON DANIKEN y a los OOPARTS. Tan íntimamente ligados que surgen cientos de programas de radio con sintonías evocadoras, sublimes y flotantes (hasta MICHEL HUYGEN de NEURONIUM colaboraría con JIMÉNEZ DEL OSO).

¿Estoy divagando?... seguramente sí, pero no creo que a Dios le importe lo más mínimo.

"Nebelfleck" y "Mysteries from the Inner Cloud" son las dos grabaciones, respectivamente de 1982 y 1983 que se recuperan para la ocasión en esta nueva edición de TORACIC. En "Nebelfleck" se hace uso de una radiocassette con la función de borrado suprimida y por ende suerte de rudimentario multipistas, junto a un Korg MS-10 cargado de una pléyade de delays analógicos y un Jen Synthetone SX2000. 7 cortes de un pulsátil, imaginativo caleidoscopio de todo lo que he hablado anteriormente, y que comparando con su primera edición en cassette echo a faltar el tema "Irrgarten", que imagino se habrá fundido con otro o perdido en la ciclópea muralla del tiempo dado que ninguna de estas dos ediciones tuvieron edición "oficial" o pública. En "Zeitlos" colabora a la guitarra EDUARDO DE LA CRUZ anticipando toda esa moda actual de guitarreo procesado por pedales multiefectos comprados a bajo coste en tiendas de segunda m(ano). 

En los tres temas de "Mysteries From The Inner Cloud" lo germano se hace patente con el uso de teclados, string machine y en definitiva todos los recursos de los órganos polifónicos. La conexión con SCHULZE y FROESE es más que evidente pero la música de MIGUEL A. RUIZ, lejos de ser una mera copia, vive y late por sí misma buscando salidas orgánicas mediante una fluidez personal y muy melódica, es decir, aunque haya ambientes y texturas nebulosas, los temas tienen una estructura... un Score o vértebra que los dota de cuerpo. Si bien TANGERINE DREAM pasaron de ese extrañísimo Kraut progresivo de "Electronic Meditation" a mirar directamente al abismo en cosas como "Zeit" o "Alpha Centauri", el señor RUIZ mezclaba ruidismo con electrónica espacial e industrial con una versatilidad apabullante.

Ya para terminar, vuelvo a reflexionar. Si el cosmos no es más que el fondo de un conducto o el principio de este... si somos una hernia, cálculo o piedra de un Dios Mayor... ¿acaso MIGUEL A. RUIZ no es un pionero al titular uno de sus proyectos VENTRAL METAPHOR?. Por tanto, ruego me disculpe el haber copiado su título para este pequeño texto. 

Esto ha sido todo, gracias por escuchar este nuevo episodio de: LA METÁFORA VENTRAL.

https://toracic.bandcamp.com/album/voces-y-formas-del-mas-all-1982-1983-by-miguel-a-ruiz-td-70

MAUD THE MOTH - "HOME FUTILE HOME" // "THE INNER WASTELANDS" (VARIOS SELLOS; 2012 / 2015)

MAUD THE MOTH nace allá por 2010 como proyecto en solitario de la madrileña AMAYA LÓPEZ CARROMERO, que pronto empieza a arroparse de una serie de músicos, cambios de formación y colaboraciones varias. Yo conozco el proyecto a partir de su "Home Futile Home", editado en 2012 en régimen de coedición por los sellos NOOIRAX, NOMA y EXELLENT RECORDS; el fantástico artwork es de Amaya López-C & Isaac Malakkai, y la grabación nada más y nada menos que en ESTUDIO UNO de Madrid.

Esa primera formación englobaba a: AMAYA LÓPEZ (voz, piano, guitarra acústica), ROBERT GREEN (batería y guitarra), DAVID BLANCO (bajo) y varias colaboraciones de CECILIA TALLO al bajo en "50 Cent Soul" y PABLO PULIDO al e-bow en "Motel Josephine".

El disco recoge muy buenas críticas a nivel internacional y con razón. Una música con toques de Jazz, Soul, Rock en Oposición y Avantgarde con una fluidez que asusta. Fundamentalmente las composiciones se vertebran mediante el piano insistente y la versatilidad de la voz de AMAYA, portentosa donde las haya, y que a pesar de que no soy mucho de jazz vocal, aquí me ha dejado totalmente encandilado. Ciertos aires cabareteros me recuerdan a la música de ALEC K. REDFEARND AND THE EYESORES, otros a cosas como NEWS FROM BABEL o quizás ART BEARS. 

El caso es que lo progresivo se va destilando magistralmente convirtiendo el Pop en barroco; la voz permuta desde los ambientes nicotínicos de un club nocturno a la majestuosidad que se gasta por ejemplo LEE DOUGLAS con los últimos ANATHEMA. El contraste en la música lo ejerce en mi opinión el piano, que funciona como acompañamiento sublime a una base rítmica intrincada de Avant Jazz (y que se torna lírico y total protagonista del temazo "A Fox Tale") ; por encima, se desliza la voz en ocasiones Soul, otras más Pop, siendo ese contraste lo que da vida y originalidad a la propuesta de MAUD THE MOTH. Preciosidades difíciles de clasificar como la cuasi étnica "As If In The Fall Of Trust" o la píldora folk intimista de "Ford Suite" que pone los vellos de punta por su sensibilidad y delicadeza; el descenso en espiral por una carretera rural a lo MICAH P. HINSON en "The Real Nature Of..." (cerrando los ojos en la oscuridad, un temazo que podría ser banda sonora de cosas como DONNIE DARKO... probad a imaginarlo), que cuando menos te lo esperas te estalla con una melodía descarnada que resulta de alear SWING con CANTERBURY en versión desnuda.

El siguiente paso natural viene de la mano de "The Inner Wastelands", trabajo muchísimo más ambicioso editado en 2015 por ONIRIC RECORDINGS, NOOIRAX y SOTONES. La formación aquí es AMAYA LÓPEZ CARROMERO (voz, piano y percusión); HELENA SKÖLD (violín), SEBASTIAN FREY (cello), ROB COE (contrabajo) y CRISPIN ANDERSON (batería), también encargado de la grabación, mezcla y masterización en los CRISPINSOUND de GOTHENBURG. El artwork del digipack es una sesión fotográfica alucinante de WERONIKA BACHLEDA BACA junto al acabado final de la propia AMAYA, el clásico MANUEL CANTERO y TERESA ESTEPA (PROCESO NEGRO). Juntos construyen un diseño cargado de texturas y fondos lúgubres, de foresta en plena descomposición de colores violetas y cerúleos que dan un aire lúgubre y funesto al conjunto.

Ya en los primeros compases se nota una evolución de la voz de AMAYA hacia la experimentación en "Good Morning Blackbird"; la voz se dobla a sí misma, en susurros o en agudos y huyendo un poco del marcado acento jazzístico del primer trabajo. La fanfarria balcánica "Turpentine" es un puente instrumental hacia "Empires", otro punto álgido poliédrico y de difícil encasillamiento. Toques al nuevo folk con una voz llevada a tonos más extremos (a lo FURSAXA pero sin el tono claustrofóbico y Drone) y un gran acierto fundir el tema en una ordalía marcial de violín, percusiones y contrabajo.

El universo casi a lo TIM BURTON construido por MAUD THE MOTH es sublimado en esta obra maestra que es "The Inner Wastelands", para mi gusto a años luz de su debut como lo demuestra la intensa "Crossbows" (preciosa la base rítmica que adquiere aires de himno). El Cello introduce la música de cámara en todo su esplendor, pero huyendo de la sobriedad y melancolía de cosas como PRESENT o UNIVERS ZERO para hacer algo de raigambre más pop. "Boards & Gasoline" o la pieza de orfebrería de "Eleven" son una muestra de cómo ha evolucionado/crecido el sonido, acercando su propuesta por momentos "en alma" a algunos momentos de algo tan a priori distinto como son THE GATHERING en su etapa con ANNEKE VAN GIERSBERGEN, y si no apagad las luces y enfrentaos a la oscuridad de "Ignis Fatuus" y me contáis. Sublime y épico Folk de Cámara. Lo que hace grande a este disco son sin duda los trabajados arreglos instrumentales, minimalistas y que se abren en abanico conforme uno va aumentando las escuchas. 

Poco puedo aportar ya a los ríos de tinta que se han escrito sobre MAUD THE MOTH, pero a experimentación en "Maud The Deer Tamer" tiene algo de esa impronta popera azulada de los países nórdicos, donde la misma palabra Pop adquiere tintes mucho más prestigiosos que la chabacanería del estilo a la hispana. No digo que esto suene a SIGUR RÓS o BJÖRK, pero ni falta que le hace.

"All Over", y me voy a jugar el pescuezo ahora mismo, creo que gustará a aquellos familiarizados con la belleza de "Painting On Glass" o "In This Room" de los noruegos THE THIRD AND THE MORTAL. Finaliza "Turpentine" con unos sincopados golpes percusivos de sístole/diástole que son cuasi electrónicos que hace preguntarme si el próximo camino de MAUD THE MOTH no será ese, unir lo orgánico con la electrónica y llevar el sonido a otro nivel.

¿Y el presente?... bueno, el presente es el directo "Live At The Reid Hall" publicado el año pasado. Ansioso de ver la evolución del sonido, de momento extingo todas las luces porque las polillas van hacia la luz y no tengo claro si el mensaje que quieren darme es de Muerte o de Vida.

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TAIGA - "COSMOS" (SYMBOL OF DOMINATION/FINAL GATE RECORDS; 2017)

La escena metalera en Rusia es bastante potente tanto a nivel de sellos como de bandas. Sin ir más lejos, algunos grupos de aquí han visto sus trabajos editados por discográficas rusas. El disco del que os voy a hablar es el cuarto en la discografía particular de la banda de Tomsk (Siberia) llamada TAIGA. Formados en 2013, y técnicamente un dúo con diversos cambios de formación que en 2016 queda establecido por NIKOLAY SEREDOV y ALEXEY KOROLEV, mente tras el sello SATANATH RECORDS (que si no me equivoco editaron en coedición el discazo "Worms" de los doomsters hispanos BARBARIAN SWORDS y que reseñé en la revista ROCK ESTATAL). 

Hubo un tiempo en que estuve bastante al día con respecto a ediciones de este palo en Rusia sobre todo a través del sello SOLITUDE PRODUCTIONS. Bandas como VO SKORBYAH (Во Скорбях), SEPTIC MIND o S.C.A.L.P. se cuentan entre mis favoritas dentro del palo Doom, aunque la propuesta de TAIGA es significativamente distinta. Un Black metal de corte atmosférico que abarca tanto los medios tiempos como larguísimas cabalgadas épicas a lo LIMBONIC ART que quitan el hipo. 

La clave fundamental de la banda es mantener la velocidad mientras unos teclados atmosféricos y lentos marcan melodías en un tempo mucho más lento para crear ese contraste tan característico del Black depresivo. Las voces, ultra chillonas y lejanas en algunos tramos, recitadas en otros... y riffs de guitarra que rozan el Black doom son las principales características de este "Cosmos". No soy muy de comparar el sonido de las bandas con cosas nuevas, no sé si porque ando algo desconectado ya del black, o simplemente porque todo esto ya se ha hecho antes... el caso es que me vienen a la mente ABIGOR, los primerísimos IN THE WOODS de la etapa de su primera demo "Isle Of Men", mezclado con la insania de la negrura extremista a lo DEINONYCHUS o sobre todo FORGOTTEN TOMB.

La forma de arrancar algunos temas como el cuarto "Ты" es puramente SUMMONING, lo que me hace reafirmarme en que suena muchísimo al Black austríaco de los dioses ABIGOR por mucho que se citen otro tipo de bandas más modernas en la bio. Lo que sí es cierto es que rezuma cierto sustrato Shoegazing en el conglomerado final, lo cual hace que en algunos pasajes mas acústicos asomen ciertos ramalazos de Post Rock, aunque la batería estoy casi seguro que es programada (al menos en los temas más lentos, porque en los rápidos se nota menos y los toques sinfónicos a lo EMPEROR lo tapan un poco).

"Cosmos" viene con un impresionante artwork de VLADIMIR PROKOFIEV y se edita en coedición de los sellos SYMBOL OF DOMINATION y FINAL GATE RECORDS, incluyéndose un Obi tanto en inglés como en ruso. 

A mí me ha sorprendido muchísimo y la verdad es que estoy enganchadísimo. Disco muy recomendado para los que gusten del Black Depresivo.

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GRAJO - "SLOWGOD II" (UNDERGROUND LEGENDS / SPINDA RECORDS / D.H.U. RECORDS; 2018)

Ayer tuve un sueño. Mi cuerpo estaba medio enterrado en la maleza, muerto evidentemente, y con claros signos de putrefacción que hacían que la línea divisoria entre cuerpo y suelo se difuminara hasta casi ser indistinguibles. Mis ojos, sin embargo, dos bolas cristalinas duras como si siempre hubiese estado cegado a pesar de ver. De repente, un Grajo se posa en el centro de mi pecho y con un suave, lánguido movimiento arranca uno de los ojos de la cuenca. El insondable pozo que se revela dentro del hueco no da al interior de mi cráneo, sino a un universo extraño, perverso, y plagado de constelaciones que a priori no debieran estar ahí en este tiempo. Pirámides construidas a lo largo de la estela de Thuban sobre un suelo tan rojo que bien pudiera ser Marte. Me despierto, me toco los ojos y son blandos. ¿Acaso soy ciego y veo?. Tengo un cútter cerca y quiero derribar la patraña de la realidad que ejerce su impertérrito cortinaje sobre mis párpados. Voy a destapar una inmensa, cósmica fosa séptica que servirá de puerta de entrada a algo posiblemente distinto. Hola, soy C. DOUGLAS MORTIMER y este es mi comunicado a la humanidad. 

Los cordobeses GRAJO han irrumpido en la escena doom metalera íbera como un ciclón y creo que la clave de todo, al igual que los alicantinos HELA, es una apuesta a contracorriente de la gran mayoría de bandas que dicen estar tocando doom a día de hoy. Ya desaparecieron hace mucho WARCHETYPE o GREAT COVEN... quizás nadie recuerde a ÄTMAN ACRON o EIGHT HANDS FOR KALI, pero yo nunca olvido, es mi principal defecto. Dicha apuesta (ganadora o no, dependerá del oyente) es la melodía y el formato canción con base muy clásica pero si resultar añeja. 

Es por eso que lo primero que me salta a la cabeza son CANDLEMASS a lo largo de toda su trayectoria, y si se quiere afinar un poco más, LEIF EDLING daría una maravillosa vuelta de tuerca al género con su proyecto KRUX o su disco "Songs Of Torment, Songs Of Joy". A partir de ahí, uno puede buscar agua en los pozos subterráneos que más le convenga.

Su debut homónimo (reseñado aquí) era jodidamente bueno, pero creo que "SlowGod II" es bastante superior en cuanto a acabado y sobre todo producción final (qué diablos, cómo no... RAÚL PÉREZ en LA MINA y masterización de MARIO ALBERNIZ en los KADIFORNIA ESTUDIOS). Los elementos son los mismos, pero para que os hagáis una idea, lo que en el otro sonaba afilado aquí es romo y oxidado, y si en el primero primaba una atmósfera decadente y perversa, aquí directamente se ha eliminado cualquier atisbo de oxígeno. Repite el artwork ANTONIO RAMÍREZ con su sello habitual que se disfrutará en su máximo esplendor en el vinilo. Los sellos implicados en la edición son UNDERGROUND LEGENDS para el Cd, SPINDA RECORDS para la cassette y nuevamente D.H.U. para el vinilo.

Un vacío de proporciones abisales cuyo símil más acertado sería bucear en aceite. "Altares" que abre el disco es un ejemplo perfecto donde capto ese gusto de la banda por no estancarse en ningún estilo. Si bien es cierto que puedes captar trazas de Sludge primitivo a lo primeros ANCESTORS cuando se ralentizan lo que prima es el Occult Rock guiado por la batuta de una sorprendente vocalista que (quieran o no) me cuesta creer que no sea JEX THOTH. Hay espacio para el bajo, se escuchan crujidos espaciales de theremines y sintes (RAÚL PÉREZ) que emulan a grajos/cuervos de otra dimensión y el arrastradísimo ritmo de las guitarras ya marca de la casa escupe riffs a lo PALLBEARER, NAAM y otros dioses del género. 

Absolutamente devastador es el mántrico clímax final de notas sostenidas y una batería que se va disolviendo en éter. Como contraste, arranca el ciclón de "Queen Cobra", corte más lisérgico que bebe del hard rock más oscurantista de los 70 (véanse BLACK WIDOW, BLUE CHEER en versión funesta y demás derivados). Cuentan que LEE DORRIAN se masturbó un par de veces con este tema y en vez de semen soltó una mandrágora (todavía sangra el pobre), y como él no es de romper tradiciones, a continuación se ahorcó. Ah, perdonad... me dicen por el pinganillo que es leyenda urbana.

Uno de los puntos álgidos del disco es sin duda "Malmuerta" donde las raíces andaluzas de la banda te estallan como unas castañuelas fabricadas con granadas. Un bizarro cruce entre doom y ATAVISMO que no sólo funciona, sino que es sublime. Resalta una interpretación vocal de LIZ que pone los vellos de punta; la base rítmica aflamencada recuerda enormemente a VIAJE A 800 y los riffs de guitarra tienen ese toque alucinante que surge de mezclar lo andaluz con lo progresivo y el space rock. No siempre se hace bien, pero GRAJO lo han clavado. 

La etapa intermedia de MY DYING BRIDE sale a relucir en "Ǝr". Si hacéis un ejercicio mental, eliminad las voces y escuchad la música. Si no os suena a los ingleses hay dos opciones. O estoy equivocado, o no tenéis cultura musical; cualquiera de las dos opciones es válida... la Tierra va a seguir girando pase lo que pase. Vuelvo a insistir. La clave de que GRAJO hayan pegado este pelotazo es que las canciones son buenas, muy buenas y no hay un sólo minuto de relleno en todo el disco. "Horror & Pleasure" sigue con la línea más rockera recordándome un poco a la escena italiana de Occult Rock que subyace tras el sello BLACK WIDOW a lo PRESENCE, IL SEGNO DEL COMMANDO, algo de PAUL CHAIN... pero eliminando los toques sinfónico-progresivos que resaltan en esas bandas (oscuras como ellas solas, por cierto).

Para cerrar el disco nada como "Maelstrom" donde vuelve a repetir RAÚL PÉREZ a los teclados dando un toque todavía más épico al asunto. Si en anteriores temas se usaban los teclados/theremines como un toque lejano pero atmosférico, aquí pasan a un primer plano en una larga introducción espacial vibrátil y con regusto a YOB. Cuando se van reforzando los puntales con la guitarra y la base rítmica la cosa ha adquirido proporciones de rito ancestral... de hipnótico enterramiento estelar en gravedad cero... de máquinas de movimiento perpetuo. Los músicos paran, pero la esencia continúa y sigue sintiéndose en los huesos. No sé si es curativo o todo lo contrario, pero la elección de semejante temazo instrumental para cerrar el disco es de lo mejor que he escuchado en estos estilos desde hace mucho.

Ayer tuve un sueño. Soñé que era ayer y que mi cuerpo estaba enterrado en la maleza. Yo me veía desde fuera y contemplaba mi cuerpo. De repente, mi ojo estalla y por dentro de la cuenca asoma el pico de un GRAJO. 

¿Estoy dentro o fuera?.

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* Saludos. Lo primero daros la enhorabuena por el tremendo disco que os habéis marcado. Hagamos un poco de memoria. Os formáis en 2015 como dúo y Liz colabora en las voces en un primerizo single. ¿Podéis contar con vuestras palabras cómo surge GRAJO? ¿Tocábais en bandas previas o es vuestra primera experiencia como banda?.

Josef: ¡Muchas gracias Antonio! Bueno, Grajo se formó a finales de 2013 mas o menos, pero de aquella primera etapa solo quedo yo. Todos fueron abandonando poco a poco, Pistolo entró en sustitución del antiguo bajista y después de la salida de nuestro anterior batería y de su sustituto nos quedamos los dos solos. Nosotros siempre decimos que nos formamos en 2015 porque es cuando nos lo tomamos más en serio y decidimos hacer algo.  Casi siempre he andado en bandas, pero nada reseñable la verdad. Félix si, es batería de Absenta, Maribel andaba con proyectos y cantaba en una banda llamada Orbita que desapareció poco después de su salida del grupo.

* Sigamos un poco con la historia de la banda. Yo os conocí con el Split 7” con ATAVISMO. ¿Cómo surge la posibilidad de realizar ese compartido?. Lo digo sobre todo porque creo que vuestro sonido en cierto sentido casa a la perfección con el de la banda algecireña; incluso en vuestro nuevo “Slowgod II” tenéis un tema con raíces andalusíes…

Josef: Siempre he sido un gran admirador de Viaje a 800, no se cuantas veces pude verlos en directo, bastantes, también de Atavismo y teníamos claro lo de sacar “Feeding our Demons” en un 7" con alguna banda andaluza, ¿quien mejor que ellos? Les hablamos sobre el proyecto y accedieron encantados. Es posible que haya algo de conexión, no lo se, no se si en el sonido exactamente, la tierra tira y al final se deja ver supongo que es eso. En el primer Lp también había algo“andalusí” aunque quizás menos evidente.

* Una de las cosas que más me sorprende es que véis editado vuestro homónimo debut nada más y nada menos que en los tres canónicos formatos. Cd, vinilo y cassette. La cinta la saca Abusive Noise Tapes y el Cd si no recuerdo mal Nooirax… ¿cómo acaba una banda como GRAJO sacando vinilo con los holandeses D.H.U.?.

Pistolo: Fue Robert, el dueño del sello, el que se puso en contacto con nosotros porque escuchó nuestros primeros trabajos y le gustaron  y decidimos sacar el primer LP con él porque es un sello internacional y un tío muy apañao, siempre nos ha tratado con mucho cariño y nos ha dado muchas facilidades. Sin duda es un gustazo trabajar con él.

Josef: Bueno, eso y que nos gusta mucho lo meticuloso que es con todo, pone mucho cuidado y esmero y la comunicación es bastante buena, nos aconseja en muchas cosas, en fin, estamos encantados de verdad, también lo estamos con Nooirax y Underground Legends, Abusive lo lleva mi hermano, con él si me puedo pelear jaja.

* Quisiera que me contárais un poco como es el ambiente y una jornada de grabación en LA MINA de Raúl Pérez. Me parece uno de los mejores sitios de grabación aquí en el sur, y los KADIFORNIA para la masterización de Mario G. Alberni es calidad garantizada. Es más, creo que el sonido de vuestro último disco supera con creces el del anterior. Me resulta más denso y opresivo y creo que los detalles del theremin están muy cuidados, entrando donde tienen que entrar y sin abusar (además de los sintes extras que se ha marcado el amigo Raúl que me parecen tremendos).

Pistolo: Grabar en La Mina es otro gustazo. Es como ir unos días de vacaciones, y ya que estás, pues te grabas un disco (risas enlatadas). Raúl es un profesional y sabe como tiene que ir todo, el tío es un reloj, así que de momento hemos grabado solo ahí y seguiremos haciéndolo de momento. 

Josef: Joder, te levantas, y estas rodeado de cacharros, aparatos y de instrumentos y con tus colegas para hacer lo que más te gusta, vas grabando por pistas y ves como los temas van pillando forma, no sé, es mágico y hay muy bien ambiente siempre y es verdad que es como unas vacaciones para nosotros. Sin duda es uno de los mejores estudios del sur, es algo que tenemos claro al igual que Kadifornia. Estuvimos muy tentados con la idea de masterizar fuera pero joder, ¿porque sonar como el resto? ¿Acaso no hay calidad suficiente aquí? ¿O pensamos que por ser el guiri de moda va a hacer milagros con nuestra música? Pues no, todo “Made in Andalucía” y orgullosos de ello.

* Hablando de Theremines. ¿Componéis con uno real o es la tablet que saca Liz en los conciertos?. En los créditos del disco sin embargo es Josef el que los toca pero en directo es ella, me imagino que por cuestiones de comodidad...

Pistolo: Ese tema es un secreto profesional.

Josef: jajaja, componemos con la tablet también. En los directos me sería imposible usarlo y Liz tiene ambas manos sueltas. Hemos pensado mucho en llevar uno real a los directos, más que nada por el rollo visual, aunque la tablet es mucho más cómoda ya que llevas todos los efectos necesarios para el theremin en la misma aplicación.

* Voy a contar un pequeño secreto. Si no recuerdo mal (puede ser que la memoria me falle), el propio ANTONIO RAMÍREZ me enseñó ese dibujo en sus primeros estadíos cuando aún no sabía que hacer con él, y por lo que veo acabó ilustrando maravillosamente vuestro primer álbum. Desde el principio os acompaña ANTONIO RAMÍREZ en el artwork. ¿Teníais claro el diseño de vuestros discos desde el principio o es algo que surgió a posteriori?.

Josef: A decir verdad no teníamos claro ningún diseño en ninguno de los trabajos, Antonio siempre hace lo que quiere, que por otro lado me parece lo ideal porque creo que está mas enfermo que nosotros jajaja. En serio, creo que es el envoltorio ideal para nuestra música, satisfechos siempre al 100%.

Pistolo: Nos gustó mucho el trabajo que Antonio hizo para el split con Atavismo así que hablamos con él para que nos hiciera el artwork de nuestro primer LP, y del split con Orthodox... y el segundo LP... ¡Otro tío que es más apañao y más salao!. Estamos muy contentos de poder contar con él.

* La escena doom íbera es más dada al Sludge, siendo el Occult Doom, Doom Sabbathiano o como queráis llamarlo (a mí me gusta Heavy Doom) un estilo algo menos trabajado. Sin ir más lejos, creo que las bandas que conozco son pocas… los extintos GREAT COVEN, WARCHETYPE, TREITUM o combos actuales como MISTY GREY o SIMÓN DEL DESIERTO. ¿Cómo definiríais vuestro sonido?. En mi humilde opinión, además de tener como referencia a esas bandas, los toques de psicodelia os encumbra a un escalafón superior recordándome a bandas como JEX THOTH o BLOOD CEREMONY (sin las flautas, claro).

Josef: Es un halago que nos comparen con bandas como Jex Thoth o Blood Ceremony, nos lo han comentado mas de una vez.  Por ponerle una etiqueta... Heavy Doom o Doom Rock si, es muy difícil definir todos los matices con una etiqueta. Marco Serrato por ejemplo dice que hacemos Doom Pop, que también, todo nos parece bien en verdad.

Pistolo: Bueno, no nos gusta mucho ponernos etiquetas. Estamos de acuerdo en que hay que definir las cosas de alguna manera, pero mejor escuchádnos y ya sacáis conclusiones vosotros. 

* ¿Cómo surge un tema de GRAJO a nivel compositivo?. ¿Aportáis todos o es trabajo de uno sólo?.

Pistolo: Yo compongo todo y luego les digo como tiene que tocarlo cada uno ya que no saben tocar muy bien jajajaja.

Josef: Aportamos todos aunque el grueso de los temas lo hago yo en casa. Esa ha sido la forma habitual de trabajar de la banda, también debido al poco tiempo que tenemos para juntarnos a ensayar, se llevan los temas terminados y una vez listos se hacen los cambios pertinentes, resulta más sencillo y rápido. De las melodías vocales y letras se encarga Liz.

* Otra de las cosas que me han llamado la atención de vuestro nuevo disco es que en ocasiones la base rítmica y los riffs de guitarra parecen casi querer meterse en el terreno del doom inglés de MY DYING BRIDE por ejemplo, pero sin embargo en un mismo tema también encuentro trazas de REVEREND BIZARRE. ¿Es esto algo natural o fruto de vuestras influencias?. Y ya que estamos… ¿en qué bandas os inspiráis o rendís tributo?.

Josef: A mí personalmente me encantan los primeros lps de My Dying Bride, Paradise Lost o Anathema por mencionar algunos, en su momento seguí mucho ese tipo de bandas de modo que es mas que posible que asome esa influencia, la oscuridad o ese toque melancólico, aunque me gusta pensar que también tenemos un toque espacial y por otro lado pues somos muy fans de Black Sabbath y sonidos mas rockeros, áridos y psicodélicos. De todas formas y aunque suene a tópico no pensamos en ninguna banda a la hora de componer, sería terriblemente difícil para nosotros, consumimos muchísima música.

* Recuerdo comentar en una reseña que os hice de un directo que os faltaba algo de puesta en escena a nivel teatral. Creo que el Doom Tradicional lo requiere y se retroalimenta cuando uno se trabaja el show a nivel no musical. Cuando os volví a ver en Sevilla con PYLAR me llevé una sorpresa porque habíais mejorado bastante ese aspecto. ¿Consideráis necesario ahondar en esa línea u os parece algo superfluo?.

Josef: La puesta en escena es un tema que nos preocupa pero no nos quita el sueño, aunque somos conscientes de que elevaría bastante el espectáculo, llevamos tiempo pensando que hacer sobre ese tema y quizás el truco esté en las luces, lo estudiaremos. Lo que buscamos en los directos es sacarte de viaje.

Pistolo: Está claro que tienes que ofrecer algo de espectáculo en directo para que sea algo especial, pero nosotros tampoco queremos montar un show al estilo de Pylar (que nos encantan), por poner un ejemplo. Nuestros pilares en el escenario son la muralla de sonido y el tiempo.

* Esta pregunta va para Liz. Su voz es muy talentosa en todos los registros y bueno, no puedo evitar acordarme como digo de JEX THOTH. ¿Tienes alguna experiencia previa cantando en otros grupos,  coros, etc.?. 

Liz: ¡Gracias! No estoy muy familiarizada con Jex Thoth. Si, he cantado en bandas, en coros etc... pero de lo que mas he disfrutado es de cantar yo sola con mi guitarra. Con Grajo puedo cantar lo que siempre me ha gustado pero con una base muy dura y es curioso como son los temas antes y después de meter las voces.

* En apenas dos años habéis dado un pelotazo considerable. ¿Estáis sorprendidos con las críticas tan positivas y el feedback que estáis recibiendo?.

Pistolo: Pues si la verdad. Estamos muy contentos con lo que hemos conseguido en tan poco tiempo, ahora toca lo bueno, tocar!.

Josef: Si, estamos muy muy contentos con como va todo y con las pilas a tope para la gira y para  empezar a trabajar ya en el próximo Lp.

* Creo que sois un rayo de esperanza entre tanta obsesión por el Sludge por un lado, y el manido Stoner por otro, y para mí esa es la clave. Para ir terminando despedíos como queráis. Este es vuestro espacio.

Pistolo: Muchas gracias por entrevistarnos y muchas gracias a nuestros fans que nos apoyan viniendo a nuestros conciertos y comprando nuestra música. ¿Os queremos a todas y a todos guapos!.

Liz: ¡Muchísimas gracias a todos y nos vemos muy muy pronto!

Josef: Muchas gracias Antonio, por tuspalabras y por este espacio y muchas gracias a toda la gente que nos sigue y apoya de una u otra forma, ¡abrazos!

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