DISENSEMBLE / EN FER - "SPLIT" (AUTOEDICIÓN, 2024)

Creedme cuando os digo que el orgasmo en el espacio exterior es distinto y es que eso de la gravedad cero es la clave. EN FER me dejaron pasmado con su debut Gros Rock (2023), y volvieron a demostrar su potencial en el reciente La Collision (2024) y como soy persona de adicciones, eyaculado una vez, eyaculado siempre y hoy os traigo el impagable, sucio, espacial, demente, lisérgico Split junto a los texanos Disensemble en lo que viene a ser una pedrada de punta hueca al tronco del encéfalo. La cassette (C45), limitada a 65 copias, es el equivalente a que te venga un meteorito con cresta punki de frente a velocidad de crucero espacial. Para colisiones, podéis consultar la reseña arriba.

Pues bien, la Cara A es para los de Montreal que aquí vuelven a ser Alex Pelchat, Michel Meunier, Charly Buss, Reüel Ordoñez y Martin Sasseville, grabando su parte en los Studio SYP (Enero-Febrero de 2024) para posteriormente masterizar Dominic Jasmin. Por supuesto, todo el tema de collage y diseño vuelven a recaer en Martin Sasseville. Abre la sucia, bordeando el Noise, "Le Futur ne Reviendra Pas" que por ciertos elementos en su sonido me trae a la mente a los míticos ST37 (reseñé por estos lares I´m Not Good del 2017 y "Over and Over and Over Again" de 2021. Pedaleras ultra saturadas de roña espacial, base rítmica rozando el monolitismo del Motorik, y una sensación de Impro Jam tetánica de riffs ultra apelmazados. 

El bajo, a pesar de todo el maremágnum que se monta, es perfectamente distinguible y se acompasa como un metrónomo con la batería creando una subcapa que sustenta todo el absoluto maelmstrom de efectos electrónicos, cacharrería industrial y eso que llaman Heavy Psych en estado puro. El toque punkarra acidótico de MC5, la insensatez fuzzera de unos acelerados Grand Funk Railroad, las líneas oscuras de Blue Cheer, el macarronismo de Hawkwind, la manera extrañísima y ácima de entender la psicodelia de grupos suecos como Dungen... y mucho, mucho sonido desértico a lo Yawning Man pasados de vueltas. Ojito a la pausa y cómo manejan la atmósfera en la más cromática y atonal "À Qui Sont Ces Cha​î​nes" donde el Noise sube enteros hasta casi llegar a una maraña Harsh. La cantidad abigarrada y barroca que suena en la retaguardia es casi indiscernible porque forma un todo amalgamado que te secciona la médula. Otra dosis brutal la de los canadienses.

La Cara B es para el power trío DISENSEMBLE (Austin, Texas) de la que dispongo de poca información salvo de que ésta es su primera grabación y se componen de Vanessa Gelvin (violin, effects), Matt LaComette (violin, effects) y Josh Ronsen (cello, effects)... impresionante. Tres instrumentos de cuerda (no sé si electrificados o a pelo y efectos electrónicos para los 15 minutazos de "The Irreversible Time of the Melancholy of the Demise of a World".... ¿y a qué suena? Pues imagina un cruce entre la AMM con Takehisa Kosugi, los trabajos electro acústicos de Xenakis y evidentemente los Taj Mahal Travellers... es decir, un abstracto Space Noise cargadísimo de elementos que alteran la temporoespacialidad de la música. Capas vibrátiles de un cello lunático sobre la que se elevan ululantes y procesados drones de violín hasta el punto de que es más fácil encasillar esto dentro de la Electro Acústica, el Dark Ambient o incluso el Avantgarde / Industrial. 

Por momentos roza la insania de Nurse with Wound merced a una total ruptura de esquemas preconcebidos. Los que hayan escuchado los comunales inicios de Amon Duul con durísimos experimentos cuasi amateur como Psychedelic Underground (1969), Collapsing Singvögel Rückwärts & Co. (1969) o Paradieswärts Düül (1971) pero evidentemente sin elementos rockeros. Es más, hay momentos en los que parece una vieja caja de música que se hubiera fusionado con una radio antigua teratogénica que estuviera mandando mensajes repetitivos `ad nauseam´ al mismo centro de la Galaxia. Para los que quieran algo visual, dejo un enlace a un concierto suyo en youtube. String Noise en estado puro.

Recomendadísima cinta y advertir que EN FER hacen unos atractivos bundles con los pedidos!.

https://ironapproved.bandcamp.com/

https://disensemble.com/

HORTHODOX & HAIKU FUNERAL - "SERPENTINE SORCERY" (AESTHETIC DEATH ADCD 103; 2024)

Ya sabéis mi pasión por los sonidos que rastrea Stu Gregg con su insigne sello AESTHETIC DEATH y hoy toca traeros la reseña Serpentine Sorcery o lo que es lo mismo, la unión de dos de las bandas más crípticas, herméticas e iniciáticas que puedes echarte a los oídos. Por un lado tenemos a los rusos HORTHODOX que en conjunción con su alter ego paralelo GOATPSALM se marcaron ese oscurantista, parecido en espíritu quizás a lo que os traigo hoy, Ash (Aesthetic Death, 2022) que me dejó con la boca abierta. Del otro lado, nada más y nada menos que el dúo marsellés HAIKU FUNERAL que si mal no recuerdo, la última vez que os hablé de ellos fue con su abrasivo Drown Their Moons in Blood (Aesthetic Death, 2021). Ni que decir tiene que la discografía de los músicos implicados aquí se hunde hacia atrás en la noche de los tiempos y da para un buen extenso artículo.

Un Ritual Drone con trazas industriales que coquetea por terrenos de Funeral Doom Jazz es una etiqueta que sólo roza levemente la costra apelmazada y claustrofóbica que exuda Serpentine Sorcery. Quizás una descripción más acertada pasaría por transcribir a lo sonoro la impresión que uno tiene cuando se enfrenta a los poliédricos mosaicos rusos bizantinos. Profusión de detalles / piezas que conforman una individualidad que eleva el espíritu o volviendo a retorcernos, algo así como Oren Ambarchi, LIKE DRONE RAZORS THROUGH FLESH SPHERE y SunnO))) mezclados con The Mount Fuji Doomjazz Corporation en versión litúrgica de claves monásticas con letras sacadas de historias folklóricas (ocultismo, brujería y vampirismo, imagino que del acervo búlgaro) compiladas por Petr Tsv. Lyubenov en Sofía (1896).

Haiku Funeral en conjunción con Horthodox son aquí Dimitar Dimirov (voces), William Kopecky (bajo freetless), Alexander Timofeev (saxofón) y Anatoly Horth (sintetizador y ruidos). El resto de datos técnicos (grabación, masterización...) los desconozco salvo el artwork que es de Horth, así que vamos a adentrarnos directamente en el disco. Hay datos que se me escapan porque el corte que abre, "Wood Nymphs Milking The White Moon", es realmente el único sobre el que he visto explícitamente que sea `colaboración como tal´ entre ambos proyectos mientras que en los cinco restantes no se especifica. Una línea de saxo decadente y asordinada se abre paso como una cuchilla entre una maraña de Dark Ambient de corte muy ritual e hipnótico. 

Mántrico y profundamente litúrgico, el saxo infunde una solemnidad decrépita que se acentúa cuando entran las voces recitadas por Dimirov. Va subiendo la intensidad, el saxo se agudiza y la sensación de invocación se masca en un ecosistema sonoro de ambiente inmersivo y minimalista (sobre todo las espaciadas percusiones tipo bodhran que dan ese toque marcial característico), que usando de forma sapiencial el Noise se mezcla con esa pátina alquitranada del Black Metal industrial francés. Sigue "The Mother And The Whore Bride", ultra triposo tema con un loop basado en el eterno rozar de la aguja sobre un tocadiscos añoso y un saxo que parece que está tocando sus notas en el filo mismo donde acaba el Planeta Tierra y se asoma el resto del Cosmos. El eco se convierte en un aura tangible que abraza a la voz radiada y, llamadme loco pero parece una versión de Rendez Vous (os invito a que busquéis la historia del saxo en ese disco) de Jean Michel Jarre. El clímax va creciendo y aparecen más elementos como voces casi guturales y detalles propios del Dark Ambient pero el verdadero protagonista es el inmenso solo de saxo que se marca Alexander Timofeev que recuerda a los Bohren & Der Club of Gore, The Lovecraft Sextet y muchos más dentro del submundo del DoomJazz. 

Lenta pero inexorablemente surge la onda tipo Crucial Blast (Gnaw Their Tongues, Wolvserpent, Ramleh, T.O.M.B.) y el Black Industrial (más lo segundo) se expande como la fiesta de graduación de tuercas y tornillos electrificados en una ciclópea ferretería. Olvidados ZARAZA o THE NULLL COLLECTIVE, entra la bastarda y teratogénica "The Hate Venom", que si bien no llega al Harsh Noise sí se mete casi en el Power Electronics en algunos momentos. Muy curioso y original cómo quedan estos elementos cuando los mezclas con la calidez de un saxo en modo espiritual y cuasi Free. Es muy complejo distinguir a veces todos los instrumentos porque me consta que por ejemplo además de lo acreditado, Haiku Funeral usan cosas como theremin, e-bow, spring-drum, harpas. Bien, puedo entender que no son instrumentos metaleros al uso, pero escuchando la solemnidad de "Son of the True Snake" no puedo evitar meterlos dentro del saco de bandas de Doom Avantgarde. Una voz de ultratumba que me recuerda a los primeros AARNI, un tempo aletargado como si la rotación de la tierra se hubiera detenido, y un saxofón que suena lejano al más puro estilo de Coltrane cuando ya estaba casi que en fase terminal (Stellar Regions, Interstellar Space...). Diez minutos que van tiñendo la claridad de tu líquido cefalorraquídeo en una fosa séptica humoral. Apabullante el uso de las voces también

La homónima "Serpentine Sorcery" tira del lado más alucinógeno con notas de viento más cortas y trasfondo de ruidos difíciles de identificar; sobre el minuto 3 y pico entran percusiones y todo adquiere una curiosa pátina trip hopera en la que el saxo (no sé si está procesado) alterna entre partes que parecen vocalizaciones y otras que son breves notas autolimitadas. El tramo final es pura incursión en el ruidismo del Black Industrial de bandas como los holandeses Nihill. 

Cierra el disco un destilado de todo lo anterior en clave mediúmnica y onírica. Un descenso a la irrealidad de mano de unos músicos en estado de gracia. "VAMPYRIC MANTRA" como colofón y dádiva a casi una hora de purificación iniciática. SOBERBIO Y MUY RECOMENDADO.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6248

https://haikufuneral.bandcamp.com/album/serpentine-sorcery

PALE PREACHER - "AS WE LAY DYING / DEAD DAMNED THING" (CLIFFORD RECORDS CFR-117DG; 2024)

"Sepultadme con mis padres en la cueva que está en el campo de Efrón el heteo, en la cueva que está en el campo de Macpela, al oriente de Mamre en la tierra de Canaán, la cual compró Abraham con el mismo campo de Efrón el heteo, para heredad de sepultura. Allí sepultaron a Abraham y a Sara su mujer; allí sepultaron a Isaac y a Rebeca su mujer; allí también sepulté yo a Lea. La compra del campo y de la cueva que está en él, fue de los hijos de Het. Y cuando acabó Jacob de dar mandamientos a sus hijos, encogió sus pies en la cama, y expiró, y fue reunido con sus padres."

LIBRO DEL GÉNESIS, Muerte y sepelio de Jacob.

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"He visto la vida en este planeta, Scully, y precisamente por eso estoy buscando en otro sitio."

Mulder, EXPEDIENTE X

Las dos primeras entregas en esto que es la Saga Necro Apologética y Anti Epifánica del insigne proyecto PALE PREACHER comenzó con Sadness Makes Me Unkind (2021) y Hanged, Drawn, Quartered.... and Forgotten (2022) y como soy persona de costumbres tan rígidas como las rodillas del último de mis ancestros, pues no voy a cambiar un ápice y sigo donde lo dejé, así que si quieres saber a dónde vamos, arriba pincha en los enlaces y sabrás de dónde venimos. 

Así que venga, agarradme los huevos que despegamos....

VIII. NI UN CHISTE MALO HARÁ REÍR A UN CROONER MALO.

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"I dreamed about dead kisses

in the mud of sidewalks

I dreamed about the end of love

I dreamed that we died alone"

F.J. Galacho retuerce todavía más a PALE PREACHER hasta el punto de que la atmósfera se hace tan física como un ectoplasma de gazpacho en nuevo álbum mas Ep / Addendum (dependiendo de la educación que cada uno haya tenido en la vida) en la que su submundo de destilados alcohólicos ilegales en Atávicos Bosques que pueden recordarte tanto a Oregón, Maine o Los Montes de Málaga. En total 56 minutos metidos en un precioso digipack bivalente que puedes empezar por la derecha o por la izquierda, toda una deferencia a oyentes japoneses, de cuyo artwork se encarga Manolo Luque sobre pinturas con cierto toquecito Current 93 (yo sé lo que me digo) de Ángela Galacho (As We Lay Dying) y Paco de Goya (Dead Damned Thing).

Y bueno, antes de meterme en faena pues sí, siguen por ahí los fantasmas de Pentangle, Fairport Convention, Marc Bolan, Leonard Cohen, Patti Smith, toques Neofolk a lo tipos con acústicas que hablan de lo caliente que está el apocalipsis y el eterno devate de si una svástika es pa la derecha, pa la izquierda o incluso puede ser un shuriken (David Tibet), PJ Harvey, 16 Horsepower, Woovenhand, Micah P Hinson, Nick Cave, Tom Waits y blues, mucho blues como el homiliesco Gary Davis, Elmore James, Hank Williams o Willie Dixon. Para colmo, pues se usa la harmónica... ya sabéis, ese instrumento que por alguna razón la gente se lleva a las cárceles para pasar el rato en una cadena perpetua o a Vietnam para espantar a los mosquitos de los arrozales. El resto de las medallas pues son para los Holler's Analog Studios y su regente Máximo RB que vuelve a darle ese toque de insania ácima justa para no tener claro si estoy atravesando el túnel de ida o de vuelta (casi que diría que de vuelta da más miedo).

Pues bien, THE SHEPHERS, teratogénicos músicos que acompañan a Galacho (voz, guitarra, piano, órgano...), son aquí:

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THE S H E P H E R D S:

Victoria Villa: coros y voces.

Juan Lillo: batería.

Máximo RB: harmonica en "Take Me To My Land".

Frank Mora: bajo y contrabajo.

Máximo Fernández: guitarra en "(I Love You) Above Any Justice Or God"

José Ojeda: cuerdas en "I Dreamed A Week Last Night", "Like Alfredo García's Head" and "(I Love You) Above Any Justice Or God".

Nahum Canoura: violin en "Burnt Lime" and "Honky Tonk Man".

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IX. COSAS QUE ES MEJOR NO HACER NI EN DENVER NI EN NINGÚN SITIO.

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"I got the power to rot everything

yes, with no evil and no

no anger and no hate

it's painful and unfair

to be wrong till death

so hopeless and strange"

As We Lay Dying son 9 cortes literales porque la verdad es que la música de Pale Preacher hiere y hace sangre en cuerpo y espíritu. Abre "I Dreamed A Week Last Night" con sus surrealistas, órficas letras y esa guitarra que te mece mientras el teatro de la tragedia se va desarrollando en la retaguardia con toda esa cortina de instrumentos de cuerda. Se erige la voz de Galacho como la del Crooner Doliente que se engalana y perfuma de putrefacto almizcle. Fabuloso la subida de intensidad y el parón donde resalta el órgano apareándose con las cuerdas en una bellísima cópula etílica. Hay muchos detalles y esto se me haría demasiado extenso pero esas afinaciones de la guitarra, esa forma de cortar la carne de la Slide y el eco expectral del sonido siempre me trae a la mente a cómo sonaría una melodía Hawaiana en una Hiroshima Post Nuclear... dicho de otra manera, es como si el tiempo, timbre y tono aquí hubieran quedado alterados en un bucle oleoso. Justo cuando iba a tomarme el antidepresivo, la crepuscular "Burnt Lime" con su base rítmica Boogie Bluesera, su línea de violín y sus fabulosos coros folky-sectarios a cargo de Victoria Villa me traen de vuelta de entre los muertos y decido que a partir de ahora me bañaré con jabón de lagarto en una barrica de roble.

La homónima "As We Lay Dying" es un fantástico himno que voy a pedir permiso a Galacho para que suene en mis exequias. Una nana fúnebre que retoma la atmósfera con la que se abría el disco, con un cierto deje a Javier Colis, y que me tiene con los vellos de punta para cuando llega a esa parte de `oh, you said, it's so blessed good to feel your flames inside once again / oh, i say, we will burn together in the deepest part of hell´. "Saint Leningrad" es Folk Rock teñido de opiáceos y sustentado por la inmensa voz de Galacho que, subrayada en la retaguardia por Victoria, vuelve a dar una muestra de la inmensa creatividad de un proyecto a priori tan arriesgado como el Country (con o sin la palabra Alternativo por delante). Con su órgano y su intensidad redentora a lo Nick Cave es imposible apartar esta catarsis del Gospel y del cancionero litúrgico americano. Sublime.

Bajo, batería y cuerdas de José Ojeda emulsionan en un mesiánico himno oceánico en "Like Alfredo Garcia´s Head", junto con su piano y su órgano ululando como chotacabras en celo. No lo he comentado, pero el trabajo a las letras es sencillamente espectacular, remitiendo a la melancolía de Cohen, Walker, Waits, Hinson y otras alegres / sencillas almas. Hay un momento en el tema más o menos a la mitad en la que guitarra, órgano, piano, cuerdas, base rítmica y yo que sé más se montan una mini-suite que podría haberse alargado hasta el infinito... descomunal y casi que sin tiempo para respirar estoy a punto de silbar la melodía de Le Llamaban Trinidad sobre la oscura y desértica "Take Me to My Land", a caballo entre el Apocalyptic Folk y el Country con letras pesimistas... joder, así da gusto de que te peguen un tiro. 

Algo de Micah P. Hinson y de una versión menos hilarante (quizás capada químicamente) de David Eugene Edwards se me viene a la cabeza en música comunidad "(I Love You) Above Any Justice Or God" que acaba tejiendo una escalera al cielo sobre peldaños con la cara de Leonard Cohen (cada peldaño con la misma cara, que ya sabéis que no era muy dado a las gesticulaciones gratuitas). Me encanta como se entrelazan las voces de Galacho y Victoria, la elegancia de Ojeda a las cuerdas, la flamígera guitarra de Máximo Fernández y ese binomio metronómico de Lillo / Mora. Cierra el cristianismo sarcástico nihilista (no sé si esto es posible, pero lo suelto) de "Call Me Ishmael" (`as being tortured and slain / screaming once again / no one will ever call me Ishmael´) y la sui generis versión del "Honky Tonk Man" en clave mitad lisergia, mitad sinfónica, que me niego a describir.

X. VOY, LE CANTO Y LE MATO, Y VUELVO.

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"The sooner the better, babe" 

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"El caballo de hierro cruza ahora sin miedo

desiertos abrasados de silencio.

Deseo de ser piel roja.

Sitting Bull ha muerto y no hay tambores

para hacerlo volver desde el reino de las sombras..."

LEOPOLDO M PANERO

Me encanta la palabra ADDENDUM. Significa (viene del latín, como casi que todo) algo así como `suplemento´ o `añadido´. Para explicarlo mejor, viene a ser como cuando eyaculas y estás ya super duchado y perfecto y asoma un addendum restante que te mancha los calzoncillos porque se ve que venía detrás a un ritmo más tranquilo. Pues algo así es Dead Damned Thing, cuatro canciones más que se agregan, tres de ellas versiones intimistas grabadas en el mismo local de ensayo supongo, y la que abre que se graba en Holler's Analog Studios. En cualquier caso, todo lo tapiza (versión ruda para rednecks de masterizar) Don Máximo Ruiz. Y sí, esta portada es la de Paco Goya.

"Dishonest Blues", que evidentemente es un Blues, tiene una estructura curiosa.... por un lado, está plagada de percusiones como si se tratara de una versión tranquila y homeopática (igualmente broncínea y acerada) de Neofolk marcial y luego, cosas de mi cerebro, juraría que la melodía es hija bastarda aunque más letárgicas del Use Your Illusion II de Gun´s n Roses. Vale, es algo loco... pero coged "Shotgun Blues", "Locomotive" y "Get in the Ring" y llevad sus estribillos (y dato importante, la palabra `Baby´ está ahí por medio) a que vivan en una Comuna Hamish durante una década. Ah, y la harmónica. La puta harmónica. A "Little Red Rooster" de Willie Dixon se la abriga de órgano, piano y mucho sentimiento a la guitarra (ese mágico momento donde slide, wah wah y fuzz discuten por ver quién es el protagonista) y se beneficia muchísimo del toque crudo con el que se imprima a todo este `addendum´. Por cierto que hablando de Slide guitar, es Máximo Ruiz el encargado de tocarla en la versión de la  circense "Death Dont Have No Mercy" (tradicional) y poco, poquito he hablado de lo trascendental que resulta el piano en Pale Preacher.

Como el vómito en la encimera de roble de una pub irlandés, recogemos con espátula la saliva que se desprende de las letras de Tom T. Hall en "I Like Beer" y su finiquito "Thanks" de Spencer P. Jones y juro, juro por mis ancestros que no he consumido ninguna de las sustancias que se mencionan y espero que la heroína de este cuento se encuentre a salvo.

https://palepreacher.bandcamp.com/

ATARAXIE - "LE DÉCLIN" (ARDUA MUSIC ARDUA027CD; 2024)

Declive / Del lat. declīvis.

decadencia, decaimiento, mengua, ocaso, debilitamiento, descenso.

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Demócrito, Epicuro y estoicos establecieron que la Ataraxia es la vía iniciátiva para alcanzar la felicidad a través de una suerte de vía del no apego; vía en la que entra en escena el indispensable elemento del miedo que entronca con el sufrimiento, angustia y decadencia que precisamente son los elementos que los dioses franceses (Rouen) ATARAXIE manejan a la perfección desde hace la friolera de casi 25 años, y veinte desde el icónico Slow Trascending Agony. Pues bien, tengo el inmenso honor y placer de reseñar su nuevo (sexto) álbum Le Déclin que edita en toda su decrépita gloria ARDUA MUSIC en una edición tan cuidada que invita a bajarse los calzones.

Cuidado hasta el más mínimo detalle, baste decir que ya sea que elijas la edición en Cd, la Cassette o el Vinilo, lo que puedo asegurarte es que vas a tener 3 ediciones que tienen sus respectivos másters y cambios y que suenan considerablemente distintas. Si a ello añades la potencia descomunal de una banda que desde su anterior, el doble Resignès (Weird Truth, 2019), rozaban el Olimpo con su triple línea de guitarras (es difícil realmente describir el muro sónico que implica esto en los franceses), no me queda más que pelarme con una navaja roma oxidada la red neuronal que recubre el interior de mi espina dorsal y hacerme una jodida infusión con ella. Actualmente, la formación se compone de Fred (guitarras), Hugo (guitarras), Jonathan (voces y bajo), Julien (guitarras) y Pierre (batería). 

En el apartado técnico voy a simplificar porque se ha grabado en diversios sitios y si queréis no tenéis nada más que hacer un click en su bandcamp y obtener los datos, pero sí que quiero hacer referencia al gélido, permafrosmático (no existe la palabra, pero me la suda) artwork de Arnaud Daval y al bestial uso del blanco y negro de Alexandra (Studio Splendor Solis) en lo que se refiere al diseño. Además, pues esa masterización en probeta alquímica de Collin Jordan (The Boiler Room). Termino los datos haciendo hincapié en el tacto poroso (un acierto) tanto del doble Vinilo como del Cd, el marmóleo acabado en blanco de la edición en color (yo tengo la negra, y si fuera rico tendría también la blanca) y la atractiva versión en cassette (coeditada con los japoneses Weird Truth).

¿Tocan Ataraxie Funeral Doom? Yo que sé. A mí las etiquetas ya me sobran cuando algo me cala tan hondo. Citar a referencias como primeros My Dying Bride, Disembowelment, Evoken, Winter, Coffins, Cathedral y demás está muy bien, pero yo que sigo el Doom extremo (me gusta llamarlo así al igual que la ola de terror extremo francesa) os puedo asegurar que su sonido es personal e intransferible. Al igual que su extensión natural Funeralium, hay cierto coqueteo agónico (en algunos rangos de voces) con los alegres y dicharacheros Bethlehem o cierta manera de mecer las melodías a lo Forgotten Tomb (versión Doom). Quedes con lo que te quedes, los 80 minutos de esta OBRA MAESTRA no los vas a olvidar fácilmente. Abre el disco la homónima "Le Déclin", a la postre la más corta con 16 minutos. Unas mistéricas notas de guitarra ultra melancólicas estallan como una sepsis sonora incontrolable a la vez que entra una procesionaria base rítmica lenta que se acompaña de un recitado en francés que van desgranando unas letras que harían eyacular a Cioran y un hipnótico trenzado de guitarras que se repiten como un loop. A este nivel suenan a Evoken en Quietus. No es nihilismo, es estar justo al borde de la miseria. 

Minuto 5 y se llergue un poderoso pasaje al más puro estilo Death / Doom noventero con voces guturales, cavernosas y exhumadas de más allá del estómago (diríamos el intestino grueso). Discernibles hasta ahora y nada crípticos, Ataraxie son Dioses de lo suyo aquí, un Funeral Doom que podría recordar a Profetus o los primeros discos de los germanos Ophis pero claro, los franceses estaban antes. Conforme avanza el tema, la sensación `de caída´ existencial se acentúa en una acritud sonora que te rasga el interior a base de una base rítmica que se sincroniza a la perfección con la guitarra como banda ultra engrasada que son. 

Sigue la monolítica "Vomisseurs De Vide", muy dinámica y más elaborada musicalmente; sobre un fondo de guitarra distorsionada otra va punteando con ese tono lúgubre que tenían tanto Disembowelment como Evoken (no cito a Skepticism porque los fineses tienen la particularidad de parecer que su música llega desde el fondo oceánico de un mar de aceite). Excelentes las bajadas de intensidad en las que se queda una guitarra (muy trabajadas las composiciones, con ese regusto circular que tanto me gusta y una cierta atonalidad en los desarrollos melódicos) y los platillos como campanas tocando por difuntos. Quizás voy a decir una absoluta payasada pero cuando la voz limpia recita, quitando el tono histriónico, me trae a la cabeza a los injustamente olvidados Eros Necropsique.

Ataraxie manejan a la perfección la intensidad (no me gusta citar bandas más recientes, pero un poco es a lo Spectral Voice o primeros Blood Incantation) con un incursiones en pasajes enclavados directamente en el Old School Death tipo Incantation. Lejos de parecer que la cosa va a decaer, entramos en terrenos Black Doom con unos blast beats y guitarras afiladas que te dejan exangüe pero claro, los contrastes definen a los franceses y al segundo bajamos a tempos del inframundo. Casi sin darte respiro, "Glory of Ignominy" abre con cánones más estándares que pueden recordarte a los My Dying Bride y cositas de los Mournful Congregation y es que por alguna razón Ataraxie mantienen la fuerza / crudeza de sus dos álbumes anteriores pero el enfoque es mucho más digamos `tradicional´ en el sentido estilístico del término salvo ese clímax in crescendo de puro y duro Death Metal que en directo tiene que ser una apisonadora. Mención especial para esos gritos agónicos que suenan en la retaguardia y las letras que invitan a todo menos al optimismo. Además me gustaría también apostillar que aunque no entran en terrenos Sludge, sí que tiene cierta vértebra de la suciedad de bandas como Eibon o los americanos Aldebaran... no sé si es porque la crudeza es tan alta que acaba uno imbuyéndose de la lisergia inmanente a esos estilos.

Le Déclin es un álbum exigente e incluso quizás excesivo de una tacada, pero que necesariamente precisa de muchas escuchas para sacarle todo el jugo que guarda... ese Soma que altera la conciencia y te saca de la línea temporal tradicional. El último clavo en el ataúd lo pone "The Collapse", algo así como `La Canción del Verano para Gente Muerta´. Ni un resquicio por el que respirar en un descenso a lo Worship, Loss pero con la fiereza del plúmbeo Death noventero. Podría seguir escribiendo sobre el disco, pero los niveles de Serotonina me están bajando hasta el punto de que llevo 20 minutos fijándome en una cuchilla roma que tengo aquí al lado.

OBRA MAESTRA.

https://arduamusic.bandcamp.com/album/le-d-clin

https://ataraxie.bandcamp.com/

SOON :: MUSIC FOR FIREWALKERS /////// BLIND RULER CURSED LAND

Quien siga este blog sabe de mi idilio con las bandas Checas y el Avantgarde desde aquella ya lejana eclosión de grupos como Plastic People of the Universe, DG307, Pulnoc y un sinfín más. Para mí, se trata de una Segunda Ola de Avantgarde Checo o al menos así lo vivo en mi mente desde que entré en contacto con Willhelm Grasslich, fundador de la Pravěk Noise Section  y artista tras los impresionantes proyectos en grupo UNCLE GRASHA´S FLYING CIRCUS (Split con Calf / Split con Kostadis / Stalinist God / OST)  o Surfin' Bazooka y en solitario con el impresionante BLIND RULER CURSED LAND, del que os traeré en breve su ALUCINANTE nuevo Music for Firewalkers que se edita en formato de coedición junto a los sellos Sky Burial, Radek Buldra, Gladivs Records e In Illo Tempore. 

Mayestático Neofolk, esoterismo Marcial, Dark Ambient letárgico, Blind Ruler Cursed Land nace en 2020 y desde entonces os he traído las reseñas de Chrysantheme Delirium o el split junto a Arabian Family Payback. Así pues, en breve, reseña de Music for Firewalkers, su más ambicioso trabajo hasta la fecha. STAY TUNED!!!!!!:

https://blindrulercursedland.bandcamp.com/

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HIEMIS - "NEPHILIM" (NOCTIVAGANT COLLECTIVE, 2024)

Vuelta al necrosado Dark Ambient de HIEMIS en este fabuloso y conceptual Nephilim. Sin ningún orden particular, ya sabéis quienes visitáis estos lares que su discografía se reparte entre Gradual Hate y Noctivagant. Como no quiero repetirme demasiado os dejo un resumen de referencias anteriores sobre Juan Carlos Toledo, así que si queréis refrescar la memoria, no tenéis más que pinchar aquí: La Chose; Hyperborea; Radix; Thule; Zothique; Yggdrasil; Malleus Malleficarum (con entrevista) o su colaboración junto a Diego Arandojo en el excelso La Genesías del Ojo Imberbe. Espero pronto sacar algún texto homenaje a sus tiempos en Silent Love of Death y su reciente nuevo sello Ominous Sounds del que ya os dejé la reseña de su primera referencia Rituals from Ancient Europe (la segunda llegará en breve). 

Nephilim se edita por el sello Noctivagant en digipack limitado a 100 copias y es una obra conceptual sobre esos seres fenecidos tras el diluvio universal (Génesis 6:1-4) en los tiempos de los Patriarcas hebreos Enoc y Noé. Su etimología se hunde en la noche de los tiempos aunque los expertos concuerdan en que su significado o traducción viene a ser algo así como `Los Caídos´ o `Los que hacen Caer´. En cualquier caso, hay muchas teorías sobre su origen y significado en incluso conexiones sincréticas con otros Mitos y Credos. Desde sus apariciones en el Génesis a otras más controvertidas en libros apócrifos como en el de Enoch de los Manuscritos del Mar Muerto, hasta su conexión con la Raza de los Gigantes y los Titanes Griegos, los mitos Norteños o incluso con conexiones sumerio mesopotámicas (Apkallu). En cualquier caso, ya en épocas veterotestamentarias tardías e incluso en el Nuevo Testamento, su significado Arquetípico pasa a hacer referencias a la Lucha de los Ángeles fieles y la Rebelión.

Toda esa imaginería es usada por Hiemis en 38 minutos que son posiblemente de los más oscuros dentro de su extensa discografía hasta el punto de que es difícil dilucidar hasta dónde llega el Dark Ambient y dónde entra el Funeral Drone Doom asfixiante que trabajaban olvidados músicos y proyectos como Hlidolf, Uncertainty Principle o los mil y un designios del belga Stjin Van Cauter (Until Death Overtakes Me, Fall of the Grey Winged One, Beyond Black Void...). Dicho de otra manera, no es los instrumentos que usas sino la sensación opresiva que provocas en el oyente y a las pruebas me remito con la ultra asfixiante "The Watchers", the cariz bastante ritual y meditativo que por momentos recuerda a la leyenda patria de Like Drone Razors Through Flesh Sphere. Pulsátiles olas electromagnéticas que te abrasan en un acre telar con cierto aire cinematográfico (imagináos a Richard Strauss en Also Sprach Zaratustra pero ultra asordinado y ahogado en su propio Amnios). Todavía más monolítica resulta "The Decent" que siguiendo los mismos patrones aboga por un decrépito Drone tan lento como el movimiento de los planetas. Mayestático, sublime y catedralicio.

"Forbidden Wisdom" cambia el tono con variaciones minimalistas de corte clásico con buen equilibrio entre lo Industrial y el Ambient y un crescendo que va adquiriendo tintes de Noise Harsh. Con todo, Hiemis nunca pierde la esencia melódica o la sensación de que te están llevando hacia abajo en un mar de aceite electrificado. "Heavenly Lineage" es otro ejemplo de cómo mezclar géneros paralelamente, tocándose tangencialmente cuando necesitan hacerlo y creando una sensación de mortaja plañidera en el oyente que se magnifica muy pero que mucho con auriculares. Sigue la dupla "Abyss" y "Chaos", la primera con su patrón percusivo cuasi Carpenteriano enterrado en un amenazante fondo oceánico abisal y la segunda un soundscape vibrátil eólico. 

Los últimos diez minutos se recupera la intensidad con la explícita "Darkness" donde aparece casi que por vez primera vez un patrón melódico épico / apocalíptico dando una fuerza descomunal (ritual) al conjunto y volviendo a esa cierta similitud con el Funeral Drone mientras que "Apocalypse" termina por disolverte en la nada.

Otra obra descomunal de HIEMIS.

https://hiemismusic.bandcamp.com/album/nephilim

https://noctivagantcollective.bandcamp.com/album/nephilim

CIELO DRIVE - "PIECES FROM A BROKEN STAR" (ASTRONOMY RECORDING MUSIC ARMCD004, 2024)

Tengo el placer de presentaros a CIELO DRIVE, agrupación que debuta en Astronomy Recording Music con Pieces from a Broken Star, editado en formato Digifile (Iago Méndez realiza el artwork en base a trabajo fotográfico de Óscar Sanfiz) y que distribuye A Marxé. La música es una especie de contagioso Dark Wave cinematográfico y electrónico mezclado con Industrial, percusiones motorik tipo Kosmische y todo rebozado en una curiosa aleación que se beneficia de su frescura compositiva. En la formación tenemos a Óscar Sanfiz (The Lone Chains, Crazy Breed, OSB o Skull & Foursome) a las guitarras, bajo, kalimba, voces, samples, manipulación de sonido y cacharrería. Dirk Ittenbach se encarga de los teclados, swarmaron / samples y Alberto Guillén a la batería / percusión electrónica. Sin querer poner parecidos innecesarios, algo sí que me recuerda (sobre todo por los aromas futuristas) a la fantástica Drokk: Music Inspired by Mega-City One de Geoff Barrow / Ben Salisbury pero girada hacia momentos en los que se roza el Ambient Techno de The Orb.

Por cierto, no creo que haya que explicar mucho sobre Cielo Drive a estas alturas, y más específicamente en el 10050 de Benedict Canyon (Beverly Hills norte) donde se cometieran los asesinatos de la Familia de Charles Manson. Cuarenta minutos estructurados en 10 cortes que van en un crescendo muy bien trabajado; abre "First Piece" en un largo `fade in´ de silencio que enroca a un sosegado patrón de bajo sobre el que se van añadiendo motivos electrónicos. Sin solución de continuidad se pasa al Space Rock de "Second Piece" que me recuerda muchísimo a bandas ochenteras que surgieron a raíz del sonido de Hawkwind como los Mothergong, Gongmaison (y derivados) y sus hermanastros bailables Astralasia, o los olvidadísimos Magic Mushroom Band. 

Bases rítmicas circulares y requiebros electrónicos oscurantistas en "Third Piece" bebiendo directamente del Prog electrónico y la Kosmische pero de forma muy natural y elegante al mezclar Kalimba, teclados, burbujeos y notas de piano (no sé si real o samplers) enrasado todo en una vibrátil línea de House y Ambient.

Hay que destacar que Pieces from a Broken Star es muy fresco y no se estanca nunca gracias a la versatilidad y enfoque de los cortes que van jugando orgánicamente con la atmosférica ambientación sin crear exabruptos innecesarios. Prueba de ello es la sincopada "Fourth Piece" que puede recordar al Bill Laxwell de The End of Law pero sin el Spoken Word y ya girado todo hacia cierto cariz EBM (Skinny Puppy, Wumscut, Das Ich y cosas de ese tipo). Se juega con la manipulación de sonidos y con la aleatoriedad de los glitches pero de manera bastante controlada y sin pasar nunca a la aspereza del Harsh Noise o similares, cosa de agradecer para mi gusto. "Fith Piece" lleva al límite lo anterior subiendo revoluciones y metiéndose en el Rave / Techno o la IDM pero manteniendo el mismo hilo umbilical que se conecta con el inicio del disco (como si fuera una extensión deformada de aquel). Ya sabéis... profusión de sonidos que parecen sacados de la colonoscopia de la Nostromo y sus oxidados intestinos.

Brutal el cambio hacia el Industrial de corte metalero en "Sixth Piece", con una fuerza a las percusiones a lo Die Krupps o los Hocico, braseado todo con guitarras afiladas con mucha distorsión y haciendo girar el sonido hacia terrenos más marciales y de Dark Ambient cinematográfico en "Seventh Piece". Brilla el neo futurismo (vuelvo a traer a Drokk a la palestra), un uso controlado del Noise y un bonito contraste con el Dub Ambient elegante de "Eight Piece" que recuerda a los The Orb; me encantan esas notas de teclados tristones y cómo se va trenzando todo en una remezcla meditativa con "Ninth Piece" en la que se van recogiendo lastre para hacer acopio de energía Psy y lanzarla en el exhaustivo misil de "STAR", que retorna por la puerta grande al sonido cósmico con una pausada, letánica batería que viene a ser el equivalente a darle LSD en mal estado a Holger Czukay (CAN). 11 minutos y pico de monolíticos golpes en la puerta del Dios KRAUT.

Se escuchan pasos. Si alguien abre o no la puerta tienes que descubrirlo tú que yo he salido a orinar a Plutón y no encuentro el camino de vuelta. Fuí dejando mijitas de pan por esa Cielo Drive alternativa de mi psique pero se ve que no es un buen recurso en el puto espacio exterior. Si no me volvéis a leer, he muerto... dejo este mensaje en una botella de Bitter Kas en 30 de Noviembre de

https://astronomyrecordingmusic.bandcamp.com/album/pieces-from-a-broken-star

SASTRE - "FAMILIA DE SASTRE" (ASTRO AS02602 / ATAQUE! A280VIN; 2024)

Las fronteras de la familia se tejen con el amor de la confianza. De anudarse con cuidado, contendrá el telón el roce de la ventana abierta. ALBERTO SASTRE

Hace ya dos años que os presentaba el discazo Estación, Ida y Vuelta del gijonense Alberto Sastre que me sorprendió mucho por su altísima calidad tanto en lo compositivo (música y letras) como el precioso margen acabado de la edición en vinilo (prácticamente una autoedición). Sobre su currículum no me gusta repetir así que podéis visitar el enlace de más arriba; baste pincelar que ha colaborado con el Coro Popular Al Altu la Lleva desde 2014, con Nacho Vegas con agrupaciones como The Soslayo, Hairless Monkeys, Volvone o César Maltrago (este último muy querido por este Blog que ahora leéis). 

Este segundo trabajo, titulado Familia de Sastre, se publica en vinilo (por cierto, muy bien prensado) por Astro / Ataque! bajo licencia exclusiva del propio artista que es el encargado de toda la música y letras excepto "Funere s/n" (poema de Daniel García Granda). En el apartado técnico graba y mezcla Diego Reyes en Estudios GrandÁtico excepto "Bailas Bien" que la graba el propio Sastre y la masteriza Matt Brown en Space Ranch Studios (Seattle). 

La formación, toda una gran familia:

Sastre (voz, guitarras, casiotone y bajo en "Caja Negra"), Charlie Rodríguez (guitarra eléctrica), Rodrigo Roces (piano de cola y sintetizador), Elisa Gómez (bajo), Eros Rionda (batería), GAS, Gloria Caamaño, Arantxa Carcedo y Sara Méndez (coros en "La Quietud" y "Caja Negra"), Diego Reyes (batería y percusiones en "Úsame" y "Funere s/n" y bueno, para simplificar un poco, hacen voces y coros el propio Coro Al Altu la Lleva que son: Rosana Llanos, Leni Molina, Débora López, Rosana Cardo, Ester Roldán, Sandra Schünemann, Lorena Núñez, Gloria Caamaño, Sara Méndez, Arantxa Carcedo, Paula Mata, Aníbal López, Ángel Villameriel, Xuacu Carballido, Aníbal Menchaca y la colaboración especial de Pablo Elosúa, Dani Boto, Kiko Pérez y Frisco en "Funere s/n".

En líneas generales estamos ante un Pop Rock exquisito muy ecléctivo, bastante minimalista y sobre todo bastante difícil de etiquetar que bebe algo del propio Nacho Vegas, Javier Colis, Pablo Und Destruktion, César Maltrago o incluso ese rock de barrica pútrida de Bladimir Ros. Su principal vértebra son tanto la guitarra acústica como el buen hacer de Sastre como letrista que a lo largo de siete cortes y haciendo honor al título del disco, nos va relatanto episodios bastante personales (creo que queda bastante patente con la fotografía de portada o las que acompañan el Insert). Abre la Cara A la preciosista "Gijón en ti" con tonos de piano y sintetizador mas base rítmica sobre la que se eleva la mayestática voz de Sastre en un crepuscular crescendo urbanita que engarza a la perfección con la acústica "Bailas Bien" con Julia Fernández acompañando a Sastre a las voces. 

Me encanta cómo están escritas las letras (sugerentes pero nunca directas) (`Hola, me llamo así, tines la espalda recta y refleja la / luz cada vez que mueves tu piel y sólo hay una frase / viva que permita continuar así, un vaso de agua que / permita continuar así de bien, MDMA´). En cierta medida, me acaba recordando a los discos de Javier Arnal con Vera Acacio (Tus Besos o Canciones Defectuosas).

Sigue "La Quietud" muy al ralentí... tempo letárgico y ensoñador y por momentos la guitarra evanescente parece adquirir las tonalidades ese slide que se toca en Hawaii tras estallar una ojiva nuclear. Las voces, casi susurradas, se deslizan como un sueño hasta que sube el tempo y la intensidad y recuerda a Corcobado en sus discos de Boleros. Me gusta mucho el timbre / tono de voz de Sastre que huye de virtuosismos (afortunadamente) para enclavarse más en una onda pseudo Crooner. Es muy curioso cómo un tema aparentemente tan simple como este acaba dando multitud de detalles y reinterpretaciones, sobre todo las subidas y bajadas constantes de intensidad la cual se acaba manteniendo en ese más agresivo, directo y lúbrico "Úsame".

"Lorazepam" abre la Cara B con esa especie de Pop progresivo adornado con piano y la voz de Arantxa Carcedo que por momentos se acerca a las líneas experimentales más Pop de los añorados SEFRONIA. Las melodías son lo suficientemente atonales y distintas para establecer esto como un disco de autor (que no de cantautor). Vuelve lo onírico con la órfica "Caja Negra", posiblemente de mis temas favoritos con sus letras a caballo entre la catástrofe y lo surrealista (`Quién me lo iba a decir que no era miedo a volar, / era miedo a morir, a sufrir sin razón, a perder un riñón, a / sangrar por la piel, a clavarme un cristal y cortarme los pies. / Tengo miedo a entender el mundo sin ti. Ay amor, adiós´) y en definitiva, toda una canción de amor estilizada con algo de shoegazing de ese que se llama ahora.

El colofón lo pone "Funere s/n", poema de Daniel García Granda, musicalizado por Sastre y homenaje a la memoria de las 9 personas arrojadas al Pozu Funeres (también conocido como Pozo de los Muertos) en 1948 en plena Posguerra y que aquí se transforma en toda una road song con estructura pseudo progresiva y que posee una extraña pátina o hálito triste que te deja bastante tocado ya no sólo por el trágico tema que trata sino por la bella musicalización y estructura narrativa... por su poderoso estribillo y su sutil impronta Folk Asturiana. Cuando entra el coro Al Altu la Lleva parece que estamos en una de esas producciones progresivas de los 70... precioso, enaltecedor y exquisito.

Un disco de canciones trabajado hasta en sus más nimios detalles y que iguala o incluso supera a Estación, Ida y Vuelta. Si queréis pillar copia podéis escribir al mismo artista o en el enlace del sello:

https://ataque360.com/producto/sastre-familia-de-sastre-album-vinilo/#

https://www.facebook.com/bertosastre

#34 FANCINE: CRÓNICA JUEVES 21

Jueves 22 de Noviembre, son las 10:34 de la mañana, bebo un café cargado y miro el Palmarés de este año en 34 Fancine: Mejor Película para `Death is a Problem for the Living´ y el resto podéis verlo aquí. Sinceramente me ha sorprendido mucho que Maldoror no haya tenido mejor suerte a nivel oficial y sí la Prensa Acreditada haya sido la que se ha decantado por ella, cosa que me llevaría a un extenso debate sobre las `particularidades intrínsecas al aficionado al fantástico y terror´ sobre el que no me noto ahora mismo ágil para salir indemne. Estoy con las neuronas demasiado abotargadas para poder hilar fino y al fin y al cabo todas las opiniones son respetables. 

Me cuesta muchísimo esto de las despedidas pero hay que hacerlo. Agradecer de corazón a toda la organización del Festival por hacer realidad nuestros sueños y pesadillas, a los trabajadores del Cine Albéniz por aguantar estoicos y ojalá sigan paralelos nuestros caminos siendo 35 FANCINE el próximo encuentro. Gracias a mi familia por sacrificarse y dejarme este espacio anual y gracias a mi cuerpo por aguantarse a sí mismo.

Nos vemos muy pronto.

Operation Undead (Kome Kongkiat Komesiri / Tailandia; 2024)

En 1941, el ejército japonés trata de tomar la provincia tailandesa de Chumphon. Para ello, cuenta con un arma biológica de efectos imprevisibles. Mok y su variopinta unidad de jóvenes soldados deberán enfrentarse no solo a los soldados japoneses, sino a una amenaza mucho más escalofriante. 

Mala hasta decir basta y lo peor, con buen presupuesto, posiblemente las dos cosas que más entierran a un film de estas características. Guión formulaico, actores planísimos hasta el punto de que ya no distingo a los zombis de los humanos, escenas sin ton ni son que destrozan el poco o casi inexistente ritmo narrativo... y todo sumado con hilarantes momentos como zombies cantando o llorando a reventar, flashbacks de parvulario y en definitiva, nada que destaque. Una película totalmente vacua que me anestesia hasta ese peligroso momento (pocas veces pasa) en que me tengo que salir de la Sala diez minutos antes de que termine o juro que soy yo el que caigo muerto.

No voy a destacar nada. Creo que cualquier guión de videojuego de zombis le pega cien vueltas.

I, The Executioner (Ryoo Seung-wan / República de Corea; 2024)

Un detective novato y un veterano del equipo de la División de Investigación de Crímenes Violentos, persiguen a un asesino en serie que ha sumido la nación en el caos. 

Entretenido thriller coreano alejadísimo de los más oscuros títulos del género y que aquí se centra en un producto netamente palomitero con el siempre recurrente tema de `vigilante en la ciudad ajusticiando a gente mala´. En sí es una secuela de Por Encima de la Ley (2015) y repiten muchos actores, entre ellos el protagonista todoterreno Hwang Jung-min. Buenas coreografías y persecuciones, suspense justito para vertebrar el asunto, correcta fotografía y en definitiva, todo eso que hace que te encandiles a la pantalla aunque en sí la película no tenga nada de original. Eso sí, las sobreactuaciones o algunos diálogos son para echarles de comer aparte.

Los amantes del suspense sin demasiadas complicaciones tienen aquí una buena dosis. Los que esperen una vuelta de tuerca al impactante thriller coreano de hace dos décadas, lo siento pero no estáis de suerte. Eso sí, muy buena banda sonora.

Párvulos (Isaac Ezban / México; 2024)

En un mundo desolado, tres hermanos viven aislados en una casa abandonada en medio del bosque. Pasan sus días esperando el supuesto regreso de sus padres y cazando para alimentar a la criatura que ocultan en el sótano.

He visto varias de las realizaciones de Isaac Ezban y lo cierto es que siempre ha manejado buenas ideas... El Incidente, México Bárbaro o Los Parecidos son las que más recuerdo. Sustentada por unas entrañables interpretaciones a cargo de los tres hermanos, la película muestra cómo puede hacerse cine de autor a día de hoy con un género tan trillado como el de los zombies. Ignoro si el que hemos visto es o no el Director´s Cut que contiene 1 minuto más de vísceras y sangre aunque en cualquier caso, lo que sí es cierto es que a Párvulos le sobra algo de metraje haciéndose cansina en algunos tramos. 

Fotografía apesadumbrada cargada de grises y cierto matiz de Serie B, pero plagada de impactantes momentos e imágenes que se te quedan en la retina, afortunadamente Párvulos es lo suficientemente cruda para no pasar como uno de esos productos triviales del género, los zombies colgados o la escena de la chica son un bofetón de crudeza en toda regla y el giro final está correctamente llevado a cabo.

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#34 FANCINE: CRÓNICA MIÉRCOLES 20

Generalmente es en la crónica del Miércoles cuando ya me invade la zozobra y la sensación agridulce de que FANCINE se termina. Queda un día, los premios, la clausura y posiblemente otra maratón pero ya es inexorable. Todo tiene que terminar y no es fácil asumirlo. La intensidad con la que se empieza es directamente proporcional a la tristeza que me embarga pero por otro lado hay que sanar un poco. 

Dolor de cervicales, dolor de estómago, abotargamiento, somnolencia y dificultad para concentrarme aunque este año la Patrulla de Seguridad del Albéniz me dejaba entrar a la sala prontito y a lo tonto me he leído un libro casi entero entre película y película en vez de estar danzando a la humedad del ambiente en las violentas calles del centro de Málaga.

Bueno, no me entretengo más. Directo a lo visto ayer.

Azrael (E.L. Katz / Estados Unidos; 2024)

En un mundo en el que nadie habla, una comunidad devota liderada por mujeres persigue a una joven que ha escapado de su encierro. Azrael debe ser sacrificada para apaciguar un antiguo mal en lo más profundo de las tierras salvajes que la rodean, pero luchará por su propia supervivencia.

Lejana queda a la salvaje Cheap Trills de 2013 para el realizador estadounidente E.L. Katz. Azrael es un survival horror algo más estilizado, con gore bien administrado y un escenario bastante claustrofóbico. Juega con la sutilidad de no mostrar apenas nada de la trama dejando al espectador que se haga sus cábalas y a partir de ahí pues copia de otras películas todo lo que uno se pueda imaginar. ¿Problema? pues que nada es lo suficientemente trascendente para que la película adquiera una dimensión propia.

Pero ojo, funcionar funciona e incluso toma algo del Folk Horror, tiene buenos efectos y tal... pero hay algo demasiado formulaico. Esa comuna que parece sacada de Mad Max, los sacrificios, ese embarazo sospechoso.... no sé, es que lo he visto tantas veces ya que mi sensación es la de encefalograma plano. No me gusta spoilear en estas reseñas así que me suelo limitar a dar unas pinceladas y vuelvo a repetir lo que dije hace unos días; Azrael es una película perfecta para quien no se fagocitador extremo de películas de terror. Para los más curtidos pasará como una más.

El segundo acto (Quentin Dupieux / Francia; 2024)

Florence quiere presentar a David, el hombre del que está locamente enamorada, a Guillaume, su padre. Pero David no se siente atraído por Florence y quiere arrojarla a los brazos de su amigo Willy. Los cuatro se reúnen en un restaurante en medio de la nada. 

O lo amas o lo odias, Dupieux es el amo y señor de la comedia absurda. Usando un metalenguaje cinematográfico en lo que a priori es algo sencillo, El Segundo Acto tiene más enjundia de lo que a priori pudiera parecer y en sus escasos 80 minutos construye una reflexión terrorífica sobre la realidad, el cine o la inteligencia artificial. Plantel estupendo con un descomunal Vincent Lindon y Léa Seydoux a los que se asoman otros rostros habituales en su cine como Raphaël Quenard (Yannick y Mandíbulas). 

Rodada de forma casi intimista y con muchos exteriores, se estructura en dos actos que se contraponen de forma burlesca pero de esa manera tan característicamente nostálgica de Dupieux. Conforme se va desarrollando ese largo plano final de `trávelin´ somos conscientes e que la película se va a terminar y le falta algo, pero no está dispuesto Quentin Dupieux a dártelo tan fácilmente implicando al espectador en su metarrealidad. Otra joyita de culto en su larga filmografía.

Following (Christopher Nolan / Reino Unido; 1998)

Por aburrimiento y frustración, un escritor elige al azar a extraños de las abarrotadas calles de Londres y los sigue. Razonando para sí mismo que está recopilando material útil para los personajes ficticios de sus novelas, comienza a seguir a las mismas personas más de una vez, atraído por descubrir más sobre sus vidas. Se encontrará con un ladrón profesional llamado Cobb, y se verá cada vez más involucrado en sus actividades nefastas.

Genial muestra de talento en el debut recuperado de Nolan que grabara desde 1996 a 1998 en un magnífico blanco y negro. A la falta de financiación se contrapone toda una plétora de ideas para poder sacar a buen puerto (y de forma loable) este Thriller psicológico y Noir con cierto aroma a novela policiaca Pulp que se enrevesa de forma ingeniosa gracias a un montaje marca de la casa. Memento estaba ya casi que a la vuelta de la esquina y uno ya intuye a la perfección esa manera fresca de narrar que además rinde homenaje a los clásicos como Hitchcock o, aun siendo británica, bebe del clasicismo de los años 40 y 50 y por supuesto las novelas de Dashiell Hammett y otros grandes.

Fantástico el triángulo de actores y la relación entre ellos en una trama que encaja al milímetro como una buena novela negra.

MadS (David Moreau / Francia; 2024)

Romain, de 18 años, hace una parada en casa de su camello, prueba una nueva pastilla y se dispone a irse de fiesta. Conduciendo ve a una mujer herida en el arcén y para a socorrerla. Al subir a su coche, silenciosa y con un aspecto muy extraño, empieza a comportarse de forma aterradora. Y este es solo el principio de la noche. 

El director de Ils (2006), el remake the The Eye (2008) o la más reciente Solos (2017) vuelve con la que es para mí su mejor película. A ritmo de videoclip casi, rodada en falso plano-secuencia y con vertiginoso ritmo, el resultado acaba siendo una aplastante cinta de terror extremo francés de las que te agarran por la yugular. Claustrofóbica gracias a un ritmo in crescendo, MadS no es que sea original ni muestra nada nuevo, pero la manera de contarlo sí que es fresca. Moreau usa los mínimos elementos posibles para centrarse en generar terror sin que el espectador tenga que comerse demasiado el tarro y es ahí donde acierta.

Por lo demás, no busques algo original. Drogas, violencia y nocturnidad. Mientras sigan existiendo nuevas formas de narrar, no perecerán ni los zombies ni los miedos habituales.

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