Fue en 2018 cuando tuve la oportunidad de charlar con Javier Piñango y el añorado Juan Antonio Nieto con motivo de su maravilloso Afterglow que se editaría por Plus Timbre, sucesor del oscurísimo y rompedor Two Unfocused Cardinal Points (Marbre Negre, 2016). El nexo de unión si mi memoria no me falla fue a través de un Dossier sobre Gruppo Ungido y una entrevista con A.L. Guillén que vertebró cual bisagra mi forma de acercarme a la música y a los músicos. Mucho he escrito sobre el Piñango músico pero otro filón importansísimo sería el Piñango escritor, literato, comentarista o como quieran llamarlo, que tan excelentemente adornara el impresionante, imprescindible, ignominioso (las tres íes) Experimental Qumram, Motherfuckers! (Gruppo Ungido / Endogamic).
Esta faceta escritora estalla en todo su esplendor en el disco-libro-río-sinapsis I.R. REAL 9 que nos aboca inexorablemente al momento-ahora que estáis leyendo, aunque por el camino quedan colaboraciones e historias como Drolé de Guerre junto a David Área (otra vez en Marbre Negre) o los demenciales compilados de Synthomes (Ex-Nihilo Records) y el Mattoid Compilaton Vol.2. Seguramente me dejo más por el camino pero así dejo los suficientes rastros para que os dibujéis una película sonora sobre Piñango y su sombra arquetípica, el KORG MS20.
Enfrentarte a un I.R.REAL 10 impone por muchísimas razones. Sus 67 minutos pueden escucharse como una suite prácticamente atemporal que podría ser digna heredera de esos Technical Space Composer's Crew y su único pero de culto Canaxis 5 de 1969, los primeros KLUSTER, algo de los germanos Limbus 4 y su álbum Mandalas y en general todo ese caldo de cultivo romepdor de una Alemania a contracorriente del Schlager. A ratos Industrial, otras imbuido de un poderoso Dark Ambient, nada se estanca y los burbujeos necro-espaciales rebotan en unas láminas durísimas que solo pueden provenir de una máquina capaz de sustituir al motor del Apollo XIII como es el Korg, lo cierto es que hay muchas escenas en una... y brilla lo español con nuestros Esplendor Geométrico, Miguel A. Ruiz (Orfeon Gagarin) y la línea trashumante que va de Madrid a Barcelona con la movida experimental que tan bien tratara Javier Gonzalo en La Ciudad Secreta (Munster) con la Barna Preolímpica y es que esa brutalífica actitud Punk que tanto se refleja en el terrorismo sonoro de la forma de grabar y tocar de Piñango. De ahí se podría viajar a Valencia o incluso a las Islas con Quaxar o DUE, debatir qué diablos es la vanguardia y cuáles son sus límites.
La otra manera de meterse en esto es seguir las pistas que nos va dejando Javier en sus textos y postales que vienen dentro de la maravillosa cajita que se ha currado Edu Comelles de Audiotalaia pero no quiero adelantar cosas que váis a leer a continuación.
(Fotografía: David Area)
Un viaje psíquico, social pero ante todo humano de un artista irrepetible cargado de vivencias. Adelanto que es imposible hacer justicia en un simple texto a la profundidad de capas de abordaje que requeriría I.R. REAL 10 pero por mi parte, he dado todo lo que tengo para intentar hacer una autopsia in-vivo a dos hermanos siameses imposibles de separar por cualquier tipo de cirugía (ni siquiera la cirugía sonora). También he tenido la oportunidad de que Almudena Villar y su magnífico ojo fotográfico me responda a algunas preguntas quizás demasiado personales pero que están formuladas desde el inmenso cariño que se le tiene (me gusta hablar en presente) a Juan Antonio Nieto.
Almudena-Juan Antonio o una molécula indisoluble en agua. Maravilloso. Sigo....
Piñango y su Korg MS20, de oficio, jodedores de tímpanos, jinetes de ondas serradas y surfistas de lo sinusoidal. Caballeros magnéticos sorbedores de Teluria y hermanastros de Berlín, de Europa del Este o los primeros extraños compositores franceses, echando un pulso a los mismísimos Throbbing Gristle con brazos de titanio. Dos entes unidos en una Matrioska inexpugnable a la que es imposible de arrebatar su última capa... esa que posee el secreto y que pela los cables hasta su misma esencia. Esa que da calambre y duele pero que a la vez nos hace gozar. El placer del dolor nunca ha sonado tan alto y tan violento.
/////////// Veamos Javier, creo que si no me falla la
memoria, es la segunda vez que tengo el placer de charlar contigo, la última
vez a tres bandas con el añorado Juan Antonio Nieto. Sirva esta entrevista de
homenaje a su insigne figura.
A estas alturas de mi vida, se me
hace bastante cuesta arriba definir a los artistas, encorsetarlos o meterles
etiquetas. Creo que indagar en los currículums debe ser cosa del oyente así que
quiero preguntarte por el otro Javier Piñango. ¿Podrías decirme quién es Javier
Piñango al margen de lo musical?
JAVIER: Es
difícil, o casi imposible, separar a ese tal Javier Piñango de "lo
musical", pero no solo en el sentido de lo creativo, o sea de mi faceta
como músico, sino también en algo que me ha acompañado siempre y que podría
denominarse como "transmisor", y en el sentido que hablamos, como
"transmisor de sonidos". Es verdad que también lo literario y mi
faceta paralela como escritor y en tiempos lejanos como comentarista (que no
periodista) musical, en este caso también desde la escritura, son cuestiones
que me han acompañado siempre. Pero, insisto, es ese ente transmisor de sonidos
arriesgados y no convencionales, propios y ajenos, lo que de siempre puede ir
unido al nombre de Javier Piñango. Desde que con 14 años empecé a organizar
disco-forums de música progresiva, krautrock o qué sé yo, Jimi Hendrix (por
ejemplo), hasta cuando más tarde fundé sellos discográficos, organicé eventos y
festivales o dí charlas y conferencias sobre diferentes temas relacionados con
lo sonoro y la gestión cultural de lo sonoro.
Y volviendo a lo que decía antes, hasta te diría que incluso lo escrito,
en mi caso, tiene un algo que ver con todo aquello que suena.
En
definitiva, ese Javier Piñango al margen de lo musical por el que me preguntas,
es en realidad el reflejo en un espejo del mismo tal Piñango y el millón de
millones de sonidos que he mamado desde crío.
(Fotografía: Almudena Villar)
/////////// Ahora vamos a hacer justo lo contrario. Como el
ventrílocuo electrónico pertinente que eres, me gustaría que ayudaras a tu KORG
MS20 a presentarse a sí mismo haciéndolo lo más antropomorfo posible. ¿Qué
siente, de dónde viene y cómo crees que piensa?
JAVIER: Mi
querido y viejo Korg MS20, que llegó a mi casa (de entonces) allá por 1981, me
dice que era (y es) un sintetizador lleno de posibilidades: muy bien diseñado y
con una amplísima capacidad de generación sonora que yo, el ente humano, he ido
aprendiendo a encontrar y explorar, desde entonces y hasta ahora, de una forma
que en aquellos años 80 me habría parecido sencillamente inimaginable.
Recordemos: el
Korg MS20 es un sintetizador analógico, monofónico, patchable, semimodular, que Korg lanzó al mercado en 1978 estando
en producción hasta 1983. Y ahora viene lo
bueno, aunque
el MS20 sigue una arquitectura de síntesis sustractiva convencional de
osciladores (2 VCO’s) / filtro /
VCA, su versátil panel de conexiones permite unas amplias posibilidades
de "juego", además también de incluir un procesador de señal externa.
Esta flexibilidad y su sonido rotundo y grueso, especialmente en frecuencias
bajas, hicieron de mi MS20 y todos sus compañeros un sintetizador fantástico y casi legendario.
Ahora
soy yo el que hace algunas acotaciones ya de tipo estrictamente personal. Y es que en mi caso particular, siempre lo he
considerado, de algún modo, como un sintetizador hijo del punk. Probablemente
primero por una pura cuestión temporal ya que Korg lo puso en circulación en
1978. En segundo lugar porque su fantástica relación calidad/precio lo convertían
en una herramienta relativamente barata en comparación con otros
sintetizadores, facilitando así el acceso a medios "sintéticos" a un
buen número de músicos heterodoxos y transgresores. Por último porque sus
propias y tan especiales características encajaban perfectamente en esa actitud
del do it yourself tan propia del punk.
Dicho
esto, añadiría que como músico, utilizándolo en mayor o menor medida desde ese
lejano 1981 (año en que me compré el modelo que hoy, más de 40 años después,
sigue acompañándome), he aprendido a utilizarlo primero desde un sentido
puramente musical y luego, sobre todo desde 2010, año en el que comencé a
trabajar en mi proyecto en solitario I.R.REAL, a hacer un
"auto-reseteo" (formal y mental) de todo lo aprendido hasta entonces
para partir de nuevo desde cero y avanzar en un progresivo uso TOTAL de este
sintetizador hasta hacer que mis proyectos sonoros estén marcados
definitivamente por el uso único del Korg MS20. De algún modo, mi sintetizador
te diría que Javier Piñango ha aprendido a desaprender "a tocarlo"
para centrarse en su manipulación como generador sonoro y el trabajo exhaustivo
en la exploración de los límites y posibilidades sonoras del mismo.
(Fotografía: Almudena Villar)
/////////// A este respecto tengo que añadir que posiblemente es el disco más versátil y (cogiendo el término con pinzas) `accesible´ o `melódico´. Esa manera de hacernos mover el esqueleto con el décimo corte "Frontón Beti Jai | Marqués de Riscal" para mi gusto son toda una manera de recrear lo cósmico desde un abordaje casi bailable y proto Techno (imperdible es ese sonido que parece emular un arpa de boca). Es por eso que en I.REAL 10 capto tantos contrastes. Algunos cortes poseen estructura definida y otros se nutren de una abstracción importante, angular y caleidoscópica (no sé, algo así como Thighpaulsandra versus Monte Cazazza). Es por eso que no deja de llamarme la atención diversos debates e historias entre el ruidismo, los ruidistas, los improvisadores y mil historias más, y escribe Piñango: `planos electrónicos, utilización (también podría denominarse musicalización) del ruido (que no ruidismo), choques y superposiciones sonoras aplicados a un pasaje siempre cambiante con la tensión como continuidad y elemento narrativo´.
Te pregunto, Javier... esa diferencia entre lo que llamas `utilización del ruido´ la separas del `ruidismo´. ¿Puedes decirme cuál es la ambos conceptos ¿rehúyes en algún momento del Noise y quieres apartarte de dicha escena?
JAVIER: Siempre
he pensado que existe una diferencia que separa al "ruidista" de
alguien que trabaja con ruidos, un "ruidador", que es el concepto con
el que yo me siento más identificado. Sin embargo para mí un
"ruidista" es alguien que pone en ESE RUIDO el objeto final y único
de lo que hace. No como en mi caso, en el que ESE RUIDO termina por formar parte
de una organización de RUIDOS, compuestos o improvisados, que en su
confrontación entre ellos mismos y en la suma mezclada de todos, generan un
resultado que va más allá de lo que cada uno de ellos era en sí mismo. ¿Me
explico? Es esa "organización" que yo envuelvo en un proceso de
manipulación de fuentes sonoras (RUIDOS varios) la que en un sentido muy
personal califico de "musicalización".
En
cualquier caso, efectivamente no me siento como parte de esa escena del noise,
creo que mi trabajo abarca un campo más amplio en el que pueden convivir y a la
vez confrontar pasajes de ruido extremo con pasajes ambientales o incluso con
remansos de una cierta quietud (al menos aparente, ja, ja).
/////////// Antes de meternos en detalles de tu último trabajo, se me viene a la cabeza un excelente documental sobre Eliane Radigue y su vínculo cuasi espiritual con su sintetizador (por cierto que "Hotel Mediodía" y su minimalismo casi vocal, gorjeante y sub sónico tiene algo de Radigue). Separar el KORG MS20 de Piñango es como decapitar a una persona, tal es el grado de comunión que creo que habéis conseguido hombre y máquina. A estas alturas, ¿sigues sorprendiéndote de lo que puedes obtener del KORG? Y justamente lo contrario, ¿te has sentido alguna vez decepcionado con dicho sinte por no poder llegar a plasmar alguna idea que tenías en la cabeza?
JAVIER: Lo
primero, qué grande y maravillosa es Eliane Radigue. Y sí, separar MS20 y
Javier Piñango sería a estas alturas casi un acto criminal, ja, ja. En ese
sentido entiendo el sintetizador como un "instrumento", algo que no
ocurre a menudo entre los músicos que trabajan con sintetizadores. Es decir, un
instrumento concreto, determinado, único... En cuanto a la capacidad de
sorpresa, como expliqué antes, sus posibilidades en cuanto a generación y
manipulación sonora siguen asombrándome, tanto cerebral como sensitivamente a
través del propio acto de la manipulación (manual, precisamente) del mismo.
Todo esto sucede en un "tiempo real" de creación de sonidos y
composición, por lo que las ideas van surgiendo también en ese mismo
"tiempo real", de modo que no hay una idea preconcebida clara que
previamente tenga yo en la cabeza, todo SUCEDE sobre la marcha, lo que hace que
de pronto me pueda encontrar ante algo absolutamente inesperado. Así que, al
menos por ahora y mientras siga trabajando de esta manera, no parece haber
lugar para la decepción.
(Sao Paulo 2015, Fotografía: Wellington Tiberio)
/////////// Sin saber técnicamente si estoy en lo cierto, los diecisiete cortes del disco muestran una depuración de sonido que te dejan con la boca abierta. "Plaza de la Santa Cruz" despliega capas con una pulcritud y facilidad casi milimétricas. El sincretismo musical es brutal y las ondas generadas emulan o transitan por las mismas longitudes de onda que cuencos tibetanos o instrumentos metálicos. Sin usarse guitarras, se identifican momentos cercanos a `riffs´ que harían palidecer a Sunno)). Drone llevado a otro nivel donde el músico es el maestro de ceremonias que conduce a una orquesta de un solo intrumento.
Quisiera darte la enhorabuena por I.R. REAL 9
que para mi gusto supera con creces a su predecesor en todos los sentidos pero sé que no todo el
mundo está familiarizado con este concepto de I.R. REAL que si mis datos son
correctos, se remonta a 2010. ¿Puedes explicar a los lectores qué es I.R. REAL
en términos generales?.
JAVIER: Efectivamente
es en 2010 cuando me planteo la idea de crear un proyecto en solitario, después
de mucho tiempo de colaboraciones con otros artistas, y que además este
proyecto tuviera una identidad propia y un nombre genérico, I.R.REAL, con unos
conceptos claros y diferenciado de otros trabajos también en solitario creados
en paralelo pero con planteamientos diferentes. La idea que tomé como punto de
partida fue esa utilización (musicalización) del ruido y la creación de choques
y superposiciones, todo ello buscando una narratividad sonora (y también en
muchos casos conceptual) dominada por la tensión y los planos y contraplanos,
en un trabajo de composición y edición muy complejo. Además estos diez discos
realizados desde 2010 como una serie bajo el epígrafe de I.R.REAL, han ido
mostrando una clara (y creo que lógica) evolución del proyecto: de la
combinación de elementos analógicos (sintetizador), digitales y grabaciones de
campo procesadas de los primeros volúmenes, a ir progresivamente dando paso al
uso en exclusiva del sintetizador y a la exploración casi compulsiva de los
límites sónicos del viejo Korg MS20, que por otra parte ha estado siempre
ligado en mayor o menor medida a mi trabajo sonoro desde los años 80. De algún
modo podría decirse que el viejo sintetizador ha acabado por apropiarse del
concepto I.R.REAL en sí.
(Konvent Barna; Fotografía: Albel Castells)
/////////// De entre toda la saga de volúmenes, tuve el
placer de reseñar el fabuloso I.R. REAL 9 que finiquitaba una trilogía
íntimamente ligada a tu vida personal y a la Alpujarra de Granada. Hablas de un exilio pero todo resultaba bastante
críptico… desde la música a tus textos. Viendo ahora dónde se sitúan las
coordenadas (Madrid) de I.R. REAL 10, voy dilucidando un poco los aspectos
autobiográficos de tu obra. La pregunta vendría a ser: ¿estamos siguiendo algún
tipo de línea temporal? ¿qué relación de amor-odio es la que tienes con Madrid
y por qué hablas de reconciliarte?
JAVIER: No, en
realidad no hay ninguna línea temporal. La trilogía que formaron los volúmenes
7, 8 y 9 respondía a un posicionamiento político, desde lo sonoro, que partía
de los paisajes en descomposición, desintegración y ruinas del 7 (un mundo
arrasado por el capitalismo y el neoliberalismo letal), y que continuaba luego
tomando "prestado" el paisaje vertical y extraterrestre de la
Alpujarra, ligado como dices íntimamente a mi vida personal por ser mi padre nacido
en el pueblo de Cádiar (en la Alpujarra granaína). Ese paisaje próximo y
definitivamente irreal de la Alpujarra, me servía en el volumen 8 para
retratarlo profundamente en sonido y
vibraciones. Y finalmente más tarde, ya en el 9, acompañado por unos textos
que, te doy la razón, podían resultar un tanto crípticos, hacer de audio y
texto un vehículo de escape con Sierra Nevada como un murallón que separara esa
tierra irreal alpujarreña, en la que exiliarse, de la Iberia
"infernal": podredumbre,
corrupción y la vieja y ancestral tendencia fascista ibérica... En definitiva,
una metáfora de un autoexilio en pos de la supervivencia. Pongamos síntesis
analógica generando ambientes, rupturas y quebrantos sónicos, más textos
airados y en el filo, y tendremos el paisaje final de esa trilogía.
Ahora
vayamos a I.R.REAL 10. Como te decía no hay ningún hilo temporal. En realidad
el planteamiento de este décimo disco viene de la necesidad desde hacía ya
tiempo de retratar, desde mi más personal percepción, lo que en general la
ciudad de Madrid, que es mi ciudad, en la que nací y vivo, me sugería para bien
y para mal. Una ciudad a menudo maltratada, por no decir siempre, por una fauna
de especuladores, corruptos, fascistas de todo pelaje, sinvergüenzas sin
escrúpulos y mil desgracias y desgraciados más. Pero también, como decía, mi
ciudad, en la que a través de unas localizaciones muy concretas he querido
presentar la combinación de ese submundo terrible con paisajes que van más
allá, entre lo subterráneo, lo deforme, lo raramente bello, la superficie
viciada y a la vez adictiva, lo esperpéntico (Madrid es en realidad un puro
esperpento) y en definitiva la absoluta irrealidad. Toda esta combinación de
lugares y percepciones mías de esos mismos lugares y de la ciudad en sí, son
los que alimentan esa confrontación de amor-odio... Y este disco nace de una
cierta necesidad de reconciliación, de querer hacer las paces con esta ciudad,
lo cuál, en realidad, viene a ser algo imposible aunque en ciertos momentos de
"quietud" pueda aparecer el espejismo de que esto pueda llegar a ser
posible.
/////////// Con I.R.REAL 10 nos planteas un viaje sonoro por
determinados enclaves de Madrid que además se acompaña con unas excelentes
imágenes de Almudena Villar y unos textos sobrecogedores que demuestran tu
enorme faceta poética. Antes de nada, ¿podrías hablarme de Almudena y la
relación de amistad y trabajo que os une desde hace tantos años?. Ella ha sido
la encargada de poner imagen a muchos de tus últimos trabajos y también tus
colaboraciones con el grandísimo y recientemente perdido Juan Antonio Nieto.
JAVIER: ¿Qué
puedo decir de Almudena? Más allá, mucho más allá de la amistad, lo que hay es
un cariño inmenso, un montón de vivencias compartidas en estos años, vivencias
vividas con la mayor complicidad en los buenos momentos y también en los
regulares y en los malos. Almudena es enorme, es sencillamente enorme, es una
de las mejores personas que he conocido en mi vida... Y en lo artístico para mí
es sumamente fácil trabajar con ella. Soy fan absoluto de su foma de plasmar
fotográficamente la realidad (y en mi caso, la irrealidad, ja, ja). Su trabajo
es absolutamente reconocible, con esa capacidad suya para microfotografiar el
detalle de un algo para convertirlo en otro algo diferente, y hacerlo como digo
con un estilo propio cuya óptica encuadra lo inimaginable y hace de lo
cotidiano un mundo insólito. En fin, ¿he dicho ya que soy fan total de mi
querida Almu?
ALMUDENA: Dice Javier que
es fácil trabajar conmigo pero creo que, sin duda, lo que resulta fácil es
colaborar con él, por la claridad de sus ideas, sabe lo que quiere, no hay
ambigüedad y así es difícil equivocarse, y luego está lo extraordinario de su
música ¿cómo se pueden sacar sonidos tan increibles de un MS20? La obra de
Javier es puro punk, pura poesía, pura fuerza, que i.r.realmente nos arranca las entrañas.
/////////// Almudena, tus fotografías siempre me han parecido
excelentes, además de que casan a la perfección con el sonido tanto de Javier
como de Juan Antonio. Al igual que le preguntaba a Javier, me gustaría que me
ayudaras a desentrañar tu persona. Sé que es difícil definirse a uno mismo
pero, ¿quién es Almudena Villar (sus inicios, su relación con la música…)?
ALMUDENA: Realmente, mi relación con la música viene
desde la cuna, ya que mi abuelo era compositor y mi padre dirigió una editora
de música, también mis primos han sido músicos profesionales, en fin, en mi
casa siempre se ha escuchado música, y en los primeros 80 llegó la Nueva ola a
Madrid (o si se prefiere la Movida) y en aquellos años locos iba a todos los
conciertos y compraba todos los discos que podía, en esos años conocí a Juan Antonio que me
colaba a sus conciertos, aunque entonces no le hacía mucho caso…
Respecto a la fotografía, nunca
fue una afición para mi, la poca técnica que he adquirido ha sido por
obligación profesional, fotografiando en las excavaciones arqueológicas y largas sesiones fotografiando materiales, así
empecé a cogerle el gustillo, pero no podía desperdiciar carretes, el revelado
era carísimo. Todo eso cambió al llegar la fotografía digital, en los 2000
quisimos hacer un proyecto de los muros de Gijón, el salitre hace maravillas,
Juan Antonio iba a intervenir los muros y yo a fotografiarlos pero al final no
lo hicimos pero mi querencia por las paredes y los palimsestos que en ellas se
crean ahí sigue, de hecho varias portadas que hice para Juan Antonio son
muros. La cámara digital también hizo que pudiese robar algún disparo
en mi trabajo y surgió la serie Arte de obras en la que he fotografiado
andamios, herramienta, tierra, maquinaria, etc. Empecé a hacer las portadas
para Juan Antonio Nieto y sus colaboradores, para Javier Piñango y flyers de conciertos.
/////////// ¿Hay alguna influencia del futurismo, el fluxus o cualquier otra movida artística en tu ojo a la hora de encuadrar una imagen?. Dicho de otro modo, ¿qué artistas o colectivos te han influenciado a nivel artístico?
ALMUDENA: Siempre he sido una apasionada del arte
contemporáneo, desde las vanguardias rusas al expresionismo alemán, el
futurismo, claro, todo los que sea Una bofetada al gusto del público y
Fluxus, desde luego, todo movimiento artístico que se enfrente a los
establecido, que suponga una ruptura, que sea una respuesta al mercantilismo o
que reclame una libertad absoluta a mi me tiene ganada, y además Juan Antonio
lo sabía absolutamente TODO de fluxus. La influencia de fluxus me viene, sobre
todo, por el tema del objeto, del found object, mi manera de
acercarme a las cosas, que más que la búsqueda del detalle es una mirada casi
EXTRAVIADA , esa es mi fotografía, una forma diferente de ver las cosas.
Además de mis pintores
favoritos, que no son pocos, entre los que destacan Paul Klee, Egon Schiele,
Odilon Redon…, bueno y se me olvidaba decir que idolatro a Man Ray. Una gran
influencia en mi trabajo, también, es el
cine al que soy muy aficionada de siempre.
/////////// A Juan Antonio estuve a punto de conocerlo cuando vino a Málaga hace muy poquito pero no pude asistir por temas de trabajo. Siendo nuestra relación prácticamente epistolar siempre me sorprendía la humanidad que destilaba, preocupándose más por los demás que por sí mismo (recuerdo sus mensajes de apoyo durante la Pandemia). Sé que no es fácil pero me gustaría que hicieras un esfuerzo emocional y me dijeras no quién era Juan Antonio Nieto sino a quién hemos perdido. ¿A quién perdemos en lo personal y en lo artístico con su temprano fallecimiento? ¿Qué diferencias hay entre pasear por Madrid con él y hacerlo en soledad?.
ALMUDENA: Juan Antonio tenía todavía mucha música por hacer, mucho
que decir en el ámbito de la experimentación, acababa de cumplir 60 años, me
parecen tan pocos para la esperanza de vida hoy en día. Se que muchos músicos
europeos y americanos se sienten un poco huérfanos, todos le pedían consejo y
ayuda para venir a tocar a España, nunca dejó sin contestar ningún mensaje,
procuró siempre dar direcciones y cuando era posible organizábamos nosotros mismos los saraos, él sabía lo
importante que era para los músicos mostrar su trabajo. Él era una persona, en
el sentido más profundo de la palabra, buena. Su vida nunca fue fácil, su
discapacidad le cerró muchas puertas, pero su altísima calidad como artista y
su inquebrantable honestidad, fue derribando una tras otra y las que le quedaban.
Caminar con Juan Antonio a mi me ha convertido en una artista, al
acomodar mi paso al de él, me vi obligada a ver el mundo más despacio y empecé
a observar todo con mayor detenimiento, este paso lento influyó mucho en mi
fotografía.
Los últimos paseos que dimos ya
fueron en silla de ruedas, pero nunca dejó de tener ese sentido del humor que
siempre me enamoró.
(Almudena Villar, Juan Antonio Nieto, Javier Piñango, Entonado y Gregorio Kazaroff en Ágora Sol Radio; Fotografía extraída de su
página web)
/////////// Finalmente Almudena, ¿en qué fotografías y
pasajes de las 17 imágenes crees que Juan Antonio está más presente y por qué?
¿En cuál de las 17 localizaciones os gustaría volver a encontraros los tres,
Piñango, Juan y tú?
ALMUDENA: Yo elegiría dos localizaciones, en la que
está más presente creo que es en Azca, ese día él me acompañó, por supuesto no
pudo bajar, demasiadas escaleras, es un sitio inhóspito. Cuando preparaba la
selección para enviarle a Javier, se las enseñé, me dijo Esta es mi
favorita, es muy Lynch, y es la que va a elegir Javier. Cuando se las envié
a Javier el sin dudarlo dijo: Esta, jaja, estaba claro.
Luego, para encontrarnos los
tres, iría a un sitio más amable, al lado de casa de mis abuelos paternos, en
la Plaza de los Guardias de Corps, a tomarnos un vermú, unas cañas, o lo que se
terciara.
JAVIER: Quizá
en ese submundo tan madrileño de la estación de metro de Chamberí, la estación
fantasma en la que desde hace décadas no se detienen los trenes. Creo que sería
un espacio perfecto para que este trío nuestro se tomara unas hipotéticas copas
y se zampara también unos hipotéticos torreznos, je, je.
/////////// Orgía de potenciómetros hirviendo en "Callao", más comedidos pero igualmente rompedores en "Plaza de la Guardia de Corps". Tengo que revelar que he entrevistado también al Korg de Piñango pero todavía estoy traduciendo sus respuestas que llegarán quizás en una línea temporal y lenguaje diferentes, pero que se traducen en las mismas sensaciones emocionales. De todo lo que me ha contado, se repite una palabra constantemente... `pasear´. Escuchar los más de 60 minutos de I.R.REAL 10 funcionan efectivamente como un paseo donde los cambios paisajísticos, de edificios o detalles arquitectónicos van con una fluidez que asusta. ¿Cómo ha sido el proceso compositivo? ¿relacionabas un enclave con un pasaje musical antes o después de componerlo?
JAVIER: Lo
primero, a partir de la idea que antes comenté de plasmar un Madrid I.R.REAL,
fue construir ese itinerario, esa travesía con un principio y final a través de
17 localizaciones que por uno u otro motivo eran sugerentes para mí. Una vez
tuve claro ese itinerario y esas localizaciones concretas, hablé con Almudena
para explicarle la idea y pedirle que poco a poco fuera fotografiando esos
espacios para construir las postales sonoras, visuales y escritas del disco. Y
ahí es cuando comienza todo el proceso compositivo. Tenía que construir 17
piezas y hacerlo con la premisa de que el audio funcionara como una postal
sonora dentro de un todo, que tuvieran esas piezas una duración que en ningún
caso superara los 5 minutos y dotarlas, y este era el reto más difícil, en su
orden en que figurarían en el disco y que inspiran este itinerario, de un
sentido de la CONTINUIDAD fundamental para al final no tener un puzzle de 17
piezas diferentes entre sí, sin más, sino un puzzle con 17 piezas que encajaran
perfectamente entre sí, UNA TRAS OTRA. A partir de todas estas premisas empecé
a trabajar en pistas y más pistas de sintetizador para recrear, evocar
poéticamente o directamente transfigurar paisajes, edificios, espacios, etc. Un
trabajo del que tengo que reconocer que a nivel compositivo me siento
especialmente orgulloso por su complejidad y su resultado final.
/////////// Vuelta a AUDIOTALAIA y al magnífico sello de Edu Comelles, que ahí sigue en la brecha desde 2007. ¿Cómo surge editar con Audiotalaia? Si no me equivoco tu primer disco ahí fue I.R. REAL Space Music de 2013 pero luego continuaste la serie en Plus Timbre donde incluso se iniciaría la trilogía última con el volumen 7 y 8, aunque terminaste sacando el 9 en Audiotalaia. ¿Qué razón hay detrás de esto? Puestos a elucubrar, me inclino a pensar que Audiotalaia te ofrecía la posibilidad de una edición física ya que el volumen 6 sí que fue con Audiotalaia (es un poco rompecabezas todo esto).
JAVIER: He
trabajado siempre con diferentes sellos, de hecho en mis discos en paralelo a
la serie I.R.REAL sucede lo mismo, habiendo editado trabajos en Auriculab,
Hazard Records o Impulsive Habitat por ejemplo. Dicho esto, indudablemente hay
un plus de complicidad con Audiotalaia cimentado en mi larga amistad personal
con Edu Comelles. A esto hay que sumarle el hecho de que siempre he pensado que
si hay algo que distingue a Audiotalaia y al propio Edu en todo lo que hace, es
el cuidado, el cariño y la profesionalidad en su trabajo, lo cuál valoro
muchísimo. Ediciones como la del volumen 9 (librito de textos y fotos + audio
de descarga digital) o la de este volumen 10, con todo lo que incluye, son
difíciles de imaginar en cualquier otro sello. Y hay algo que tengo muy claro:
si edito en físico es para hacer de esa edición un objeto (artístico o lo que
sea, je, je) que sea mucho más que un simple CD.
/////////// Hablando de las ediciones físicas de Audiotalaia, lo cierto es que son una preciosidad. Personalmente tengo en mi colección los dos volúmenes últimos de I.R. Real (el 6 no, creo que está agotado), Erissoma & Lucas Bolaño o el Frozen Drumscapes de Avelino Saavedra, todos con un acabado impresionante que lleva el DIY a su grado máximo de exquisitez. La pregunta sería: ¿qué grado de implicación tienes con el acabado del álbum? Lo digo porque el artwork es de Comelles pero imagino que habréis llegado a algún tipo de consenso. Descríbeme si puedes cómo ha sido el proceso creativo del disco que estoy tocando ahora mismo con mis manos.
JAVIER: Esto
tiene mucho que ver con lo que te comentaba antes. En primer lugar lo cuidado y
minucioso (y estéticamente sempre fantástico) de las ediciones de Audiotalaia.
Y en segundo lugar ese nivel de complicidad con Edu Comelles que hace que el
proceso sea en todo momento consensuado y que se realimente en cuanto a ideas
en ambas direcciones. Me explico, en este volumen 10 yo tenía un punto de
partida claro: encerrar CD, fotos y textos (en el reverso de las fotos) en una
cajita de cartón. Parece sencillo pero no lo es. A partir de esta idea inicial
Edu, como siempre hace, fue aportando más ideas y añadiendo matices a ese
concepto: la textura de las fotos, la presentación de la hoja de créditos, la
elección de los materiales, el montaje de todo eso hasta quedar como ha
quedado... En fin, Edu es una garantía para mí, le admiro como artista y como
editor, y eso es absolutamente fundamental.
(Sónikas; Fotografía: Adolfo Yagüe)
/////////// Otra cosa que me llama la atención, quizás una
tontería mía, es que se haya elegido como foto de la edición la número 6, El
Viaducto de Bailén. ¿Hay alguna razón detrás de esto?.
JAVIER: Genial
que me preguntes esto porque precisamente fue idea de Edu Comelles el que esa foto, que es de mis favoritas (y tan
espectacular como inquietante), sea la que aparezca como portada en la edición
digital. Es una de esas aportaciones fundamentales de Edu de las que te hablaba
antes.
/////////// Pues no quiero cerrar esta entrevista sin
preguntarte por proyectos de futuro. El resto te lo dejo a ti. Este es tu
espacio para que reflexiones, escribas o comentes lo que te apetezca.
JAVIER: Lo
primero Antonio es agradecerte esta entrevista, tus preguntas y reflexiones y
la oportunidad (para mí siempre importante) de poder explicar y también
reflexionar en profundidad en torno al trabajo que hace uno. Eso es impagable
cuando existe un feedback entrevistador/entrevistado en el que se va mucho más
allá de lo habitual.
En
cuanto a proyectos futuros, de entrada la presentación en concierto del disco,
en varias ciudades, durante los primeros meses de 2023. Y en paralelo comenzar
a trabajar en futuras entregas, tanto de la serie I.R.REAL como de las que hago
en paralelo, tanto en solitario como en colaboración con otros artistas. Pero
tiempo al tiempo, lo primero es llevar este I.R.REAL 10 lo más lejos posible y
al mayor número de oídos (atentos) posible.
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https://audiotalaia.bandcamp.com/album/i-r-real-10
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