EL TELURISMO SÓNICO DE WOLF PETRUS...

"Empapado en sudor y febril soñé que encendía una vela delante de un espejo y con dedos que no parecían obedecerme formé una extraña W delante de mi rostro... no cualquier W claro; los huesos de mis dedos, tendones y músculos extrañamente adquieren la proporción de PHI, el Número Áureo. Tampoco están orientados a cualquier sitio, sino a Septentrión, donde quizás, sólo quizás Tannhäuser lamió el coño de Venus rompiendo el rito de MINNE y provocando que PETRUS cogiese la flauta y entonase la vieja letanía del Lobo. Soñé que el HOMBRE se liberaba de su anclaje, que las murallas de MAYA caían y nacía la devoción, amor y sanación de ANAHATA CHAKRA en el eterno reinado de SHIVA EL DESTRUCTOR. Y cuando comprendí que no era un sueño desperté."

De la suma de las inquietudes musicales de VAKO (Juan Carlos Palazón) y GIRON (Tomás Fernández Girón) que en el último año han parido dos de los más interesantes debuts de música electrónica y espacial de este país nace WOLF PETRUS,proyecto experimental basado en el directo del que he tenido ocasión de escuchar un ensayo de improvisaciones que me ha dejado absolutamente noqueado.

Tomando como base la más oscura y pastoral música cósmica alemana, y desarrollándose hacia terrenos incluso más Floydianos, WOLF PETRUS es un añejo muro analógico dispuesto a hacerte volar la tapa de los sesos con cadencias, tonos y timbres más propios del movimiento de los planetas que de algo terrenal.

Un pétreo dolmen construido de hormigón, tal es el poder del pasado en el presente. TANGERINE DREAM, SCHULZE, ENO, PINK FLOYD... ASH RA TEMPEL, GERMAN OAK, POPOL VUH, ALGARNAS TRADGARD, DOM o AMON DUUL podrían ser los ancestrales dioses a los que WOLF PETRUS rinden cuentas, pero quién soy yo para elucubrar influencias.

Guitarras y sintetizadores de la Edad de Piedra retumban en mis tímpanos en un Doble Mono Aural donde todo sentido de la limpieza acústica es pura coincidencia... y es que WOLF PETRUS suenan como si tocasen dentro de una perdida cueva pirenaica y los amplificadores los hubiesen hecho funcionar con energía telúrica. 

Todavía no sé como funcionan en directo, pero este primer bootleg o como queráis llamarlo promete, vaya que si promete.

KERMIT: CONCIERTO PRESENTACIÓN DE LITORAL (26 de ABRIL de 2014)

Ayer tuve ocasión de asistir al concierto presentación de LITORAL de la banda KERMIT, abanderada, bastión y punta de lanza del naciente sello ITACA RECORDS. Una sala bastante llena y con un sonido encomiable para una banda que no para de sorprenderme cada vez que vuelvo a poner alguno de sus dos discos, que la verdad es que harías bien en pillártelos tan pronto como te sea posible.

Las velas están bien orientadas y la calma chicha se deja atrás para dirigir a una banda perfectamente engrasada y compenetrada mar adentro... en busca de aventuras, sonidos y muchas sensaciones (se ve que disfrutan en el escenario, y eso para mí ya es motivo de reverencia y respeto).

Porque si algo define a la propuesta de KERMIT son las sensaciones. Dejarse llevar por las capas de sonido y navegar, a ser posible con los ojos cerrados, por todo un universo de sonoridades plásticas y orgánicas que si bien ya otros bregaron en dichas lides en el pasado, no más cierto es que el nivel compositivo de KERMIT los aleja de otras bandas de rock instrumental de la actualidad. Un nivel compositivo realmente apabullante en el que cada detalle está ahí por una razón y no sobra ni falta ninguna nota en el bodegón sonoro que han sabido llevar magníficamente al directo.

Momentos estelares de la velada pudieron ser la excelente puesta en escena de MAGNIZIDAT, que me daban ganas de ponerme a bailar al son de los machacones ritmos de Kraut alemán... o el remix inicial de CANTO MAPUCHE... o la maravillosa interpretación al saxo de ÁLVARO PARADA en lo que para mi gusto son los dos mejores temas de LITORAL; todo un acierto que tengo curiosidad de ver cómo podría explotarse en un tercer disco y que le da una vuelta de tuerca al sonido de la banda. En cualquier caso, el poderío que demostraron KERMIT a los instrumentos es lo que principalmente me dejó clavado en el asiento; una versatilidad que trasciende el simple horizonte del rock instrumental para adentrarse en otros terrenos más amplios. Sintetizadores analógicos, percusiones varias, saxo... y recitados vocales diversos que quedaron bastante bien en el escenario para una banda joven que se revela madura; con los pies en el suelo pero la mente puesta en Orión.

Si amantes del progresivo escuchan a KERMIT los llevarán al terreno del Space Rock o el Kraut, mientras que seguidores del Math Rock y afines hablarán de TORTOISE, MOGWAI o GOD IS AN ASTRONAUT. Ahí radica el verdadero poder de KERMIT... en la sensación triposa, ácida y lisérgica que imprimen a su sonido; algo así como pensar en colores y vomitarlos en forma de témperas y pinturas sólidas.

Para mí KERMIT son esto y mucho más, y creo que en un futuro van a dar mucho, muchísimo de lo que hablar (si es que no lo están haciendo ya).

KERMIT - "LITORAL" ITACA RECORDS IR002

Hay dos opciones cuando uno intenta hacer una reseña de este tipo. Tirar de etiquetas o tirar de poesía… y claro, a mí las etiquetas no me gustan, pero es que tampoco soy poeta. KERMIT se las han ingeniado para ofrecernos una obra de arte tan inteligente y trabajada como poderosa y llega de sublecturas. Citar etiquetas es minimizar LITORAL… así que intentaré dejarme llevar por las emociones que me suscita la música.

La portada de LORENZO SAVAL, director y diseñador de la mítica revista malagueña de poesía y pensamiento LITORAL, es una delicia que contrasta con el minimalismo (encantador) de la portada de AUTOFICCIÓN, el debut de KERMIT a este lado de la Tierra de los Atlantes. 

LITORAL es un trabajo conceptual, y por lo tanto arriesgado. Cuando uno habla de conceptual necesita de un hilo conductor que engarce toda una obra, ya sea musical o literaria… so pena de resultar todo un castillo de naipes que se derrumbe al primer toque. No es así el caso, evidentemente… los temas fluyen y se unen con una suavidad y maestría que te dejan LITERALMENTE (tenía que usar la palabra, y así ya esta reseña es conceptual también), patidifuso. 

AUTOFICCIÓN fue un buen debut. Quizás algo excesivo en minutaje pero una base tremenda sobre la que trabajar un sonido capaz de traernos a la cabeza tanto a los primeros y más experimentales PINK FLOYD o KING CRIMSON como a todo ese saco de bandas a las que se ha dado en llamar Post Rock… todo ello tamizado de un regusto ácido en las guitarras y unos ritmos machacones en algunos temas que beben más directamente de música KOSMICHE ALEMANA.

KERMIT son MIGUEL SEGUÍ a la guitarra, sinte y samples; GONZALO PRESA a la guitarra, voces, samples y batería; FRANCISCO TRUJILLO al bajo y textos y ÁLVARO PARADA  a la batería, voces y saxo. El disco se graba en los KRAKEN SOUND entre Octubre y Diciembre de 2013 y se publica por el naciente sello malacitano ITACA RECORDS.

***

1926 abre LITORAL. 

Un tema introspectivo y planeador que va in crescendo sirve de maravillosa presentación al disco; textos recitados de la TEORÍA DE LAS GRIETAS de RAÚL DÍAZ ROSALES; KERMIT sí intentan la Metafísica en la espuma, y trascienden el sentido y la belleza... muy buen inicio para el disco.

Sigue SAMHAIN; batería y bajo marcan un endiablado ritmo jazzero junto con filigranas electrónicas (que me han traído a la mente los devaneos lisérgicos de CUZO) le dan al tema un toque psicodélico y espacial. En este tema el texto es HOWL de ALLEN GINSBERG; lucha sonora contra el capitalismo y las represiones de todo tipo. A estas alturas LITORAL ya me parece muy superior a AUTOFICCIÓN... mucho más versátil y camaleónico.

CIRCUMPOLARES cuenta con texto de FRANCISCO TRUJILLO y es ensoñadoramente Floydiano en su inicio, aunque pronto tira para otros derroteros más fusionados con un jazz lleno de groove y atmósfera en la que la guitarra se desarrolla a partir de una excelente base de bajo y batería. Un tema que constantemente se da la vuelta y gira en un vórtice de estilos de los que KERMIT salen airosos.

WE TRIPAMTU trae a KERMIT en su máximo esplendor... progresivo, jazz y rock se unen molecularmente en un zumo de música tan revitalizante como fresco. La intro es un corto CANTO MAPUCHE ancestral y WE TRIPAMTU es la celebración del Año Nuevo MAPUCHE coincidente con el solsticio de invierno en tierras australes (WE TRIPAN ANTÜ o NUEVA SALIDA DEL SOL)... precisamente este corte tiene un aire ritual que me recuerda a los grupos de jazz-rock fusión más étnicos (véase primeros discos de OREGÓN o la forma de tocar la guitarra de JOHN MCLAUGHLIN tanto en solitario como con la MAHAVISHNU ORCHESTRA o la época con MILES DAVIS). El jazz modal se une al rock y se tiñe de psicodelia. 

Cuando escucho INGEBORG puedo imaginarme perfectamente en 1927 sentado en un banco de piedra en los antiguos BAÑOS DEL CARMEN de Málaga, leyendo uno de los primeros números de la revista mientras cerca de mí EMILIO PRADOS y MANUEL ALTOLAGUIRRE discuten sobre no sé qué detalle de sintaxis literaria… el ruido de los chiquillos jugueteando en la arena y la sobriedad de los asfixiantes trajes de baño de época. Melodías de corte arábigo al teclado recuerdan el pasado de Málaga, su cosmopolita cruce de culturas; esa cultura que no se cita en los libros de texto y que no responde a clases sociales. La cultura del diálogo diario, de las palabras que no tienen por qué decir nada concreto. Simplemente arropar y hacer huir al silencio. 

En MAGNIZIDAT unas notas de guitarra floydiana dan paso a una batería tocada con maestría de percutor. Los obsesivos ritmos me recuerdan al progresivo alemán menos comercial... al Krautrock más oscuro y experimental que incluso coqueteaba con melodías trance que permutaron posteriormente en el tecno (pero esa es otra historia). 

Unas maravillosas letanías de saxo que devanea notas sobre el incesante ritmo de carro de caballos de los palillos de la batería. Un tema con una cualidad pseudobailable que me vuela la cabeza; me encanta este tema. Grupos como NEU!, primeros KRAFTWERK (véase ORGANIZATION) o L.A. DUSSELDORF... incluso diría que me recuerda a los discos más experimentales y rarunos de DAEVID ALLEN (AUSTRALIA AQUARIA e incluso algunos temas de MOTHERGONG (más todavía por los recitados, claro... y es que a veces parece que de un momento a otro GILLI SMYTH va a entrar en el tema a contarnos sus esperiencias sexuales con el espacio exterior).

1927 cierra el círculo a base de un saxo teñido de nostalgia. Texto de ROBERTO BOLAÑO y RAÚL DÍAZ ROSALES... 12 minutos en los que hay cabida para todo, porque si algo caracteriza a KERMIT es imaginación y apertura de miras a la hora de tocar. Está claro y siempre lo he dicho que para tocar rock instrumental tienes que saber atrapar al oyente no con virtuosismos aburridos sino con pasión y buen hacer.

1927 suena a reunión de poetas en el Cosmos, a polvo de estrellas a la deriva... un polvo que atraviesa la atmósfera y casualmente se dispersa por las otrora no contaminadas playas malagueñas... esas playas y su espuma en las que hay que recordar que la metafísica es imposible.

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DEMENTED - "THE SMELL OF DECAY" (2014; CDR AUTOPRODUCIDO)

Situémonos. HYBAN SPARDA es un músico de Alcanar, Tarragona, fundador del proyecto HYBAN DRACO junto a otros músicos de la zona. En 2008 funda DEMENTED para abarcar otras inquietudes que le mueven como artista y que no casan con su otro proyecto; publica una primeriza demo, a la que le sigue en 2012 el debut TESTICULAR BEGINNING que recoge muy buenas críticas en el underground (Tirando de hemeroteca, TESTICULAR BEGINNING es el primerizo nombre con el que HYBAN SPARDA nombra a su proyecto, para luego pasarlo al más genérico DEMENTED).

En 2013 se edita SPIRITUAL GUITAR, segundo trabajo de DEMENTED y con un sonido distinto y mucho más ecléctico, con influencias tanto del metal extremo como de la música clásica. Álbum conceptual solo de guitarra y que nuevamente cosecha muy buenas impresiones.

Y llegamos a 2014. THE SMELL OF DECAY, el tercer trabajo de DEMENTED se compone de un solo tema de 21 minutos de duración donde HYBAN se encarga de voces, guitarras, bajo y cello, con la colaboración de DANI CANO al violín e interludios guturales, RAFA FROST en las voces melódicas y MIKE a la batería…

Antes de entrar a desmenuzar la música, agradecer a HYBAN el fabuloso trato que me ha prestado, mandándome una copia de su trabajo desinteresadamente y todo el apoyo de Bio, fotos, etcétera. Gracias a gente como él sobrevive el underground y ladrillo a ladrillo se construye la escena.

La portada de THE SMELL OF DECAY tiene un delicioso regusto añejo, tanto por la imagen del escorpión como la tipografía utilizada para el logo de DEMENTED… muy Old School Thrash y con mucho encanto. En el interior del libreto se incluyen las letras que nos narran una historia apocalíptica a lo Death Metal de toda la vida. ¿Y la música?....

Pues de piedra me he quedado con la música de THE SMELL OF DECAY. No sé cuántas veces ha podido sonar en el reproductor… los escasos 21 minutos que dura son una auténtica delicia de DEATH, BLACK y DOOM perfectamente tocados en simbiosis sin que nada chirrie ni estropee el conjunto… algo así como lo que hacían los primerísimos DIE APOKALYPTISCHEN REITER (por citar un nombre al azar). 

Casar estos tres estilos no es nada fácil, pero HYBAN SPARDA crea una genial amalgama donde todo funciona, principalmente porque las melodías que compone son muy buenas y no precisa de ningún tipo de artificio para sostener el conjunto.

En THE SMELL OF DECAY no sobra ni un puñetero segundo ni una puñetera nota. Todo está en su sitio y funciona como una máquina engrasada. Los interludios acústicos refuerzan el sonido y le da un contraste perfecto con su melancólico Cello… hasta que llegan las cabalgadas Death/Doom y ya mis osteoporóticas cervicales quedan dañadas sin remedio.

Se pasa de una melodía a lo MY DYING BRIDE de la primera época a otra a lo DISSECTION o primeros IN FLAMES, pasando por la fiereza del BLACK NÓRDICO con una facilidad y buen gusto que para sí quisieran muchas bandas del género.

Una Intro de corte Doom con violín y cello, cabalgadas Death Metal con regusto a la escuela sueca, melodías que recogen la esencia de la escena doom holandesa… todo ello con una producción profesional y una calidad de sonido altísima. La guitarra de HYBAN es versátil, imaginativa, y parece ser que es una fuente de melodías inagotable; una auténtica bestia parda a la guitarra. DEMENTED suena totalmente cohesionado y sin fisuras, sin espacio a improvisaciones gratuitas; en ocasiones me vienen a la mente los dioses RUNEMAGICK precisamente por esa capacidad de ser brutales a la vez que melódicos...

Pues eso, quitarme el sombrero ante tamaña gesta que para mí se ha convertido en uno de los discos del año en lo que a metal extremo se refiere. Desde ahora, firme seguidor del señor HYBAN SPARDA.

https://www.facebook.com/dementedband?ref=stream

GRUPPO UNGIDO

GRUPPO UNGIDO es una netlabel de corte mistérico, afincada en las Tierras de los Atlantes y que da cabida a un inquieto grupo de artistas y músicos que cada cierto tiempo manifestan su arte en forma de OBLEAS gratuitas y descargables (y otras físicas en edición limitada). ANTONIO LUIS GUILLÉN es el alma mater alrededor del cual gira GRUPPO UNGIDO, además de ser conocido por los proyectos Granaínos SEFRONIA, ALONDRA SATORI o LES RAUCHEN VERBOTEN. El espíritu que mueve a GRUPPO UNGIDO es de corte terrorista/cultural, con manifestaciones esporádicas en lugares selectos en forma de OBEAHS, que vienen a ser celebraciones eclécticas de índole mistérica sonora.

Totalmente en contra del infecto circuito corrompido que mueve a la cultura, ellos se liberan del anclaje kármico de la inmundicia industrial y se dirigen por una tangente mucho más radical y sugerente.

Aquí tenéis una lista de los artistas que ya están UNGIDOS:

 http://www.gruppoungido.org/sujetos.html

Llegué a GRUPPO UNGIDO buscando información sobre PSICOMORFIS EXPERIENCE... y me he topado con un océano de posibilidades. Sin perder un segundo me puse en contacto con ANTONIO LUIS que tan amablemente me ha tratado. Posiblemente y si los astros son propicios, en breve tendréis más noticias de algunos de los trabajos que se mueven en GRUPPO UNGIDO, en especial del quinteto de Free Jazz experimental ALMAYATE y las sesiones de libre improvisación que se recogieron en el sobrecogedor trabajo FREEGILIANA...

Pronto más información.
Mientras tanto, vete UNGIENDO:

http://www.gruppoungido.org/

THE BORDERLANDS (ELLIOT GOLDNER; REINO UNIDO, 2013)

"Un equipo de investigadores del Vaticano es enviado a investigar una actividad paranormal en una remota iglesia británica."

Vayamos por partes, que diría un descuartizador. Este es el debut del inglés ELLIOT GOLDNER, que nos demuestra una vez más que si quieres debutar en el mundo del cine lo mejor es hacer un Falso Documental por varias razones... la primera es porque puedes hacerlo con un relativamente asequible presupuesto; la segunda creo yo es la postproducción, y es que este tipo de films son muy fáciles de tratar a posteriori, vaya, que no requieren en general de demasiada técnica directiva como de habilidad en el montaje, y la tercera es que te subes al carro de la moda, claro.

Con esto no estoy diciendo que sea fácil hacer un Mockumentary... es más, pienso que precisamente es lo contrario, de tal modo que lo que para mi gusto falla en esta película no es la historia, ni la ambientación ni el desarrollo, sino precisamente algo tan básico pero importante como un buen plantel de actores.

En THE BORDERLANDS no hay ni un sólo actor creíble en su papel. Es como si hubiesen elegido a los cuatro protagonistas al azar y ninguno casase con el papel a desarrollar, y claro, eso a mí me acaba destrozando el asunto. La película cuenta con una atmósfera encomiable, unos maravillosos escenarios rurales tipo campiña inglesa y unos claroscuros opresivos que ayudan muchísimo a meterte en la historia. Pero claro, si los actores se esfuerzan constantemente en sacarte de ella... pues poco podemos hacer.

Un final interesante para este tipo de cintas y la sensación de que podría haber sido mucho, mucho mejor.

WER (WILLIAM BRENT BELL; ESTADOS UNIDOS, 2013)

"Mockumentary ambientado en una comisaría que narra como un sospechoso que tienen en custodia se convierte en un hombre lobo. (FILMAFFINITY)"

WILLIAM BRENT BELL es el director responsable de ignominias como STAY ALIVE (2006) o la más cacareada pero horrible DEVIL INSIDE (2012) también con el formato cámara en mano como base. 

Ahora toca hombres lobo y bueno... qué decir. La verdad es que el casting está bastante bien, las actuaciones chirrían pero son soportables, la acción es frenética...

Pues eso, que para entretenerse es un producto adecuado, pero tanto efecto digital me acaba aburriendo y paso a un visionado en segundo plano parecido a la fase REM del sueño que al final me lleva a preguntarme por qué narices pierdo el tiempo con este tipo de películas.

Se puede hacer mucho mejor un Falso Documental, pero si lo que quieres es algo que se parezca a una película de superhéroes, quizás WER será de tu agrado.

CHILDREN OF SORROW (JOURDAN McCLURE; ESTADOS UNIDOS, 2012)

"Simon Leach, un hombre enfermo y angustiado, ha creado una secta a la que acuden jóvenes desamparados en busca de afecto. Pero cuando una joven se alista en esta secta buscando respuestas a la desaparición de sus hermanas, descubre un oscuro secreto oculto en la secta... y un secreto aun más siniestro dentro de ella misma. (FILMAFFINITY)"

El director estadounidense JOURDAN McCLURE debutaba en el género en 2012 con el irregular y algo típico film ROGUE RIVER, que ya reseñé por aquí hace un tiempo:

http://lamuerteteniaunblog.blogspot.com.es/2012/03/rogue-river-jourdan-mcclure-usa-2012.html

Ahora se pasa al género del mockumentary con esta CHILDREN OF SORROW con el últimamente tan socorrido tema de las sectas. Como siempre, actores desconocidísimos, cámaras por todos sitios y una trama que va in crescendo con el ritmo habitual de este tipo de cintas sólo aptas para amantes de este relativamente nuevo subgénero.

CHILDREN OF SORROW peca de lo de siempre. Es algo confusa, lenta e inverosímil en algunos tramos, y como notas positivas pues tiene alguna que otra escena realmente impactante y lograda. Soy de los que piensan que estas películas sólo funcionan si el espectador es capaz de "introducirse" en ellas y sentirse parte de la historia. Hay que experimentar el Found Footage en primera persona si se quiere disfrutar de la trama, y entonces sí que puede uno sentirse perturbado ante historias como la que nos planteaMcCLURE.

Por lo tanto, una de cal y otra de arena para esta entretenida si más CHILDREN OF SORROW, que por cierto también es de 2012, así que me imagino que ROGUE RIVER se estrenaría con retraso tras su periplo por festivales al igual que esta se estrena ahora de forma oficial.

OIKOS - "VIGILIA" KNOCKTURNE RECORDS KTR008 (CASSETTE)

¿Acaso hay algo más sagrado que la lumbre del hogar?. ¿Necesitas más que aquello que te rodea y que está al alcance de tu mano?... ¿o será que añoras el verdadero centro sobre el que todo se nutre y gira?.

OIKOS se forma en 2007 de las cenizas de CONDUCTO y engloba a DAVID SAN MARTÍN y RAFAEL FERMIANO. Se publica ECOTONO en 2011 por UTECH RECORDS y tiempo después, cual extraño designio homeopático sonoro, DAVID se diluye del proyecto por cambio de residencia y se queda RAFAEL, y ya se sabe que en la homeopatía, cuanto mayor es la disolución, más potente es el resultado.

Así pues, se publica SOLVE ET COAGULA en 2013 a través de LAND OF DECAY con temas antiguos regrabados y otros nuevos, todo ello con la colaboración de ANDRÉ FOISY de LOCRIAN y KWAIDAN.

Pero como ARISTÓTELES ya dijo, el centro cambia y nunca es el mismo, todo fluctua… y KNOCKTURNE RECORDS al acecho les edita este tremendo VIGILIA en sacrosanto formato de cinta de cassette limitado a 100 copias, masterizado por DAVID CORDERO, con maravillosa portada de CEON MEDIA (Star-Trails Through the Keyhole) y diseño por los habituales SEÑOR GÓMEZ y SRTA. SWALLOW.

La CARA A la ocupa el tema de 15 minutos VIGILIA, Una voz perdida en la noche de los tiempos da paso a una lánguida guitarra que me ha traído a la cabeza a los proyectos en solitario de SCOTT KELLY de NEUROSIS (tanto en solitario como en el maravilloso AT THE FOOT OF THE GARDEN de BLOOD & TIME), aunque pronto la cosa muta y se transforma en algo más profundo y personal.

Bajo la guitarra se mueven cosas orgánicas, cosas que susurran, chirrían y se retuercen... cosas que nunca duermen y permanecen en vigilia. Rasgueos y acoples tratados de guitarra en clave drónica sobre la que se desarrolla la hipnótica melodía de la guitarra acústica... sencillamente elevador y sublime. 

Pero transcurridas 750 vueltas de la cinta en el rodillo de mi vieja pletina Yamaha restaurada, VIGILIA ha mutado a algo más opresivo y claustrofóbico que podría casar perfectamente con JACOB. Un riff de guitarra reverberante y afinado bajísimo es deudor de SUNNO))) y podría hacer eyacular al mismísimo O´ MALLEY en sus más sudorosas pesadillas.

La CARA B se reparte en dos temas. PERDITION (AUSTRAL ROAD), un tema que cuenta con Cello y grabaciones de campo de JOSÉ TENA y ÁNGEL MANCEBO de los experimentales ANN DEVERIA. En OIKOS las distancias son relativas, al igual que el tiempo... en este corte crepuscular y desértico todo se elonga o contrae atrapando al oyente en una enmarañada red de capas y subcapas de sonido. 

TRAILS END cierra VIGILIA rozando lo cósmico... un corte amargo que rezuma nostalgia y pérdida. Ecos al Kraut de cariz más ensoñador y espiritual... ¿alguna vez has sentido llover música? ¿te ha rozado la piel desnuda una nota de guitarra etérea? ¿has sentido y tocado la textura de lo sagrado?... desnúdate, eleva tu mirada al cielo y arraiga tus pies en la fría piedra tapizada de musgo y barro. Siente la energía recorrer tu espina dorsal en una perpendicular imposible hacia el infinito... ¿lo sientes...? bien, eso es OIKOS.

https://www.facebook.com/pages/Oikos/110520575641611?fref=ts

http://www.knockturnerecords.com/knockturnerecords/KTR008.html

MODERN FUNERAL ART, LAS PÁLIDAS ORILLAS DE PLUTÓN (PARTE II)

Tras la publicación de Gates of Slumber, lo próximo que vuelvo a escuchar de la banda es un tema que se incluye en el doble recopilatorio My Kingdom que trae el VAMPIRIA MAGAZINE # 5 de Junio de 2001. Concretamente es Like Lucretia´s Paramour!, obra conceptual sobre los BORGIA. La banda todavia tiene contrato con DRAMA AND SIN COMPANY y supuestamente el nuevo disco de nombre Hell-Fire va a ser publicado por la discográfica Bilbaína. Digo supuestamente porque la cosa se va retrasando, me llegan catálogos del sello y la edición parece estar sometida a un problema interno con el sello, en plena separación logística. Con respecto al tema nuevo, sigue la estela trazada por Gates of Slumber... un doom excelentemente tocado con trazas del gótico de finales/mediados de los ochenta. Eso sí, suena algo más crudo, acelerado y grueso... el sonido de MODERN FUNERAL ART parece estar mutando y enclavándose algo más en el doom/death a la vez que adquiere cotas muy personales que hacen que te gusten o los odies.

Justo por estos momentos (entre 2000 y 2001), DRAMA AND SIN COMPANY cierra y se escinde. Los grupos más blackmetaleros se publicarán en el sello BATTLEFIELD RECORDS mientras que la línea principal de DRAMA AND SIN COMPANY pasa a llamarse DRAMA COMPANY. Precisamente en un subsello de Drama llamado MORNINGSIDE RECORDS es donde al final ve la luz el nuevo disco de MODERN FUNERAL ART con la siguiente formación: Arnaud Spitz (bajo y voces): Benoit Sangoï (baterías programadas); Stéphane Vansten (guitarras y teclados) y Stéphane Market (guitarra rítmica y voces secundarias). Las letras corren a cargo de Spitz y vuelven a basarse en textos de Poe, Lovecraft e incluso el tema There is no Death está inspirado en "Of Ruine or Some Blazing Starre" de CURRENT 93.

El disco se graba en los HELL ON EARTH DIGITAL RECORDING STUDIO (grabación a cargo de Dominique Parise & Vanstaen) durante 2002-2003 pero no ve la luz hasta 2006 (aunque el cd que poseo tiene como copyright el 2004 y la memoria aquí se me torna confusa...). La referencia del sello es TEMPLE 004 y la edición que poseo incluye como bonus tracks toda el anterior Gateways to Slumber... un detalle para los que no pudieron hacerse con la grabación. La portada es un detalle minimalista de una verja en primer plano que cumple perfectamente con su cometido.

The Hellfire Festival abre el disco con un sonido 100% MODERN FUNERAL ART: ritmos correosos y arrastrados, una voz apesadumbrada y unos teclados eclesiásticos de fondo. Pero se captan cambios... aunque la batería parece ser programada no suena nada artificial (tengo dudas al respecto, porque el sonido es demasiado orgánico), y suena un constante doble bombo que sí tiene un toque sintético pero que casa perfectamente con la música. Sigue Like Lucretia´s Paramour en una versión distinta creo a la que se publicó en el recopilatorio de VAMPIRIA; suena mejor y más potente y crudo. Me da la sensación de que lo que se publicó en el VAMPIRIA fue una primera versión del tema.... las segundas voces parecen sonar también distintas y más de fondo. 

Under a Yew tiene la cadencia y ritmo de un vals; música atemporal teñida de sepia. Spitz pronuncia un arrastrado y lúgubre poema (Under a Yew, we shall remain; Until the End, we shall remain...) que pone los vellos de punta acompañado de un organillo cuasi circense. Lovecraft was a Liar y There is no Death siguen línea trazada por el primer tema: un melancólico y extático doom que parece dar vueltas sobre un eje. Una liturgia obsesiva que no admite sugerencias, y es que la música de MODERN FUNERAL ART es apocalíptica y está teñida de la ponzoña del musgo que se pudre al amparo de viejos panteones a los que nunca llega los rayos del sol.

Crosses vuelve al minimalismo y me atrevería a decir que casi los entronca de algún modo con el Neofolk o el Martial... no en vano Arnaud Spitz formaría luego el proyecto PALE ROSES muy anclado en este sonido. Fin de fiesta con A Sepulchre by the Sea y The Hellfire Festival (PART 2) en la onda antes descrita y finalmente la monumentalmente épica God of Darkness (Caithness REMIX), todo un descenso a los infiernos. Impresionante el atmosférico final del tema en clave industrial.

continuará...

SNOWPIERCER (BONH JOON-HO; COREA DEL SUR, 2013)

"Un fallido experimento para solucionar el calentamiento global acabó matando a la mayoría de la vida existente en el planeta, los únicos supervivientes fueron los pasajeros del Snowpiercer, un tren que atraviesa el mundo movido por un motor de movimiento eterno. Adaptación de la novela gráfica "Le Trasperceneige", escrita por Jean-Marc Rochette y Jacques Loeb. (FILMAFFINITY)"

El coreano BONG JOON-HO no es un desconocido en nuestro país. Películas como MEMORIES OF MURDER (2003) o THE HOST (2006) son muestras de su buen hacer tras las cámaras. Ahora con esta grandilocuente SNOWPIERCER da el salto a grabar en inglés adaptando la novela gráfica francesa LE TRASPERCENEIGE.

Ciencia ficción épica en su estado más puro. Un tren que atraviesa el mundo sin detenerse, clases sociales dentro del mismo tren.... economía sostenible del fin de los días. Una película con todos los ingredientes para triunfar en los cines quizás algo impregnada del espíritu buenos-malos del cine americano, pero lo suficientemente cruda y visceral para sobresalir de la media. 

BONG JOON-HO se las arregla para darnos una historia personal y trabajada y afortunadamente huye en la medida de lo posible de clichés aunque para mi gusto no consiguiéndolo del todo. El personaje de Ed Harris es un acierto a la vez que una traba, y uno no puede quitarse de la cabeza estar viendo una de tantas películas carcelarias de la industria hollywoodense... 

Lo mejor del film quizás sea la ambientación del propio tren, donde se ha recreado estupendamente el ambiente del cómic (quienes hayan leído cómics franceses sabrán de lo que hablo). La ciencia ficción francesa y por ende la europea tiene unas características estéticas muy propias, no en vano también podríamos citar como influencia al chileno JODOROWSKY que se nacionalizaría francés en 1980 y cuyos guiones en tándem con MOEBIUS y su serie EL INCAL o cualquiera de sus otros trabajos para la revista METAL HURLANT han servido claramente de inspiración para esta SNOWPIERCER... 

Se deja ver aunque no puede uno quitarse de la cabeza la sensación de ser una película algo palomitera....

THE DEN (ZACHARY DONOHUE; ESTADOS UNIDOS, 2013)

"Una mujer joven que estudia los hábitos de los usuarios del chat con webcam desde la aparente seguridad de su apartamento, es testigo de un asesinato brutal y se sumerge rápidamente en una pesadilla. (FILMAFFINITY)"

Cuesta escarbar entre la morralla de títulos que nos asolan estos últimos años para encontrar un título decente de cámara en mano. Los excesos, la falta de un guión coherente y medios hacen patente muchas veces el carácter cutre de estas producciones. 

En esta ocasión, sin embargo, creo que estamos ante uno de los mejores títulos del género que se han grabado últimamente. THE DEN recoge el testigo de películas que tratan sobre los peligros de internet y las redes sociales... UWANTME2KILLHIM?, LAUTRE MONDE o MEGAN IS MISSING son sólo 3 ejemplos de películas que tratan este tema y de las que hemos hablado por aquí.

Pues bien, THE DEN es un violento thriller slasher muy bien construido y llevado a término, con quizás algo de excesos en su último tramo, unas buenas interpretaciones (al menos lo justo) y una sólida aunque nada original trama. Sus principales bazas radican en que lo que cuenta, lo cuenta bien... y la atmósfera de suspense es bien llevada a término, todo ello teniendo en cuenta lo difícil que esto resulta con una simple pantalla de ordenador grabando (y alguna que otra cámara, claro...).

Un film que se deja ver bastante bien, no demasiado original pero que cumple su cometido a la perfección.