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lunes, 26 de junio de 2023

ARABIAN FAMILY PAYBACK & BLIND CURSED LAND - "SPLIT" (SKY BURIAL; DEBILA RECORDS; RADEK BULDRA, 2023)


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Impresionante Split el que hoy os traigo; por un lado ARABIAN FAMILY PAYBACK desde Bratislava y por otro los ya conocidos por estas lides BLIND RULED CURSED LAND desde República Checa, ambos bajo el auspicio de los sellos Nomad Sky DiariesSky Burial, Debila Records y Radek Buldra que sacan este compartido en un precioso vinilo con varios tipos de presentación de color y que lleva al terreno musical el conflicto religioso y armado de Tierra Santa, además de que ambos proyectos tienen como trasfondo el conflicto Palestino-Israelita aunque el acercamiento musical sea distinto. Me parece un auténtico puntazo que el disco haya sido manufacturado en Eslovaquia por Vinyl-Lab con fondos públicos de la Slovaks Arts Council (mucho tenemos que aprender de otros países la forma de gestionar la cultura).

El vinilo que tengo en mis manos es amarillo gas mostaza y tiene una impresionante presentación minimalista con un inserto con motivos arabescos que tira un poco del estilo que pusieron en boga los Laibach con la Neue Slowenische Kunst (NSK) pero a lo oriental. Las autorías no lo tengo del todo claro... parece que cada artista ha hecho sus visuales. Como curiosidad y porque los he estado escuchando hace muy poco no se me pasa ni por asomo que tanto sónica a nivel contextual tienen su puntito tangencial con YUNCLAS y su sello Grabaciones Autobombo


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ARABIAN FAMILY PAYBACK es el proyecto de Erik Ochránek (sintetizador, percusiones, samplers, drum-machine y visuales) que a pesar de nacer en Bratislava, actualmente desempeña labores musicales en Praga. Dueño del sello Uz Bolo Dost! Productions de Noise, Grind, Crust y otras lindeces. Como todo este tipo de artistas su currículum es bastante extenso (su rastro genealógico parte de más o menos 2006 o así en adelante) así que me centraré en AFP con quienes ya editara en 2020 el Cdr autoeditado Planted Seeds Of Destruction que no he tenido ocasión de escuchar. Aquí ocupa toda la Cara A con un particular Downtempo de corte Ambient y muy tribal... dice en su bandcamp: `reveals the shades of suffering, struggle and legacy of Palestinian Muslims by monolithic tribal industrial rhythmic soundscapes naturally close to Muslimgauze’s legacy´ y esa sensación a lo Muslimgauze queda plasmada a la perfección en los cuatro cortes recogidos. En líneas generales suena como si cogieras la etapa melillense de Esplendor Geométrico y la tocaras al ralentí en un hipnótico y opiáceo ritmo bastante percusivo (un poco a lo primeros Controlled Bleeding).

Abre el compartido los efluvios flotantes y grávidos de "Annihilating Operation West Bank", con voces ultra distorsionadas en la retaguardia muy distanciadas. Las percusiones son casi los chasquidos de los gatillos de armas o los golpes de culatas de rifles; suenan entrechocares metálicos de machetes y con todo nos metemos en un ritmo procesionario de corte marcial que se va lentamente acelerando adquiriendo toques casi bailables (vaya, tal y como bailaría uno con una severa depresión del sistema nervioso central)... elementos industriales simples pero efectivos con un ligero toque de Noise y Drone taimado muy de fondo con cierto regusto oriental. Sigue "Gaza Blues" donde asoma ya de lleno esos tonos árabes que parecen sacados de un disco apócrifo de Räi Doom (no sé si existe algo así). Electrónica minimalista y vuelta a esos dejes a lo Esplendor Geométrico, Muslimgauze, Controlled Bleeding o los percusivos ingleses CUT HANDS de William Bennett de Whitehouse

Por si no te habías alistado en esta Guerra Santa, sigue la mistérica y más angular (abstracta) "Arab Underdog In Eye Of The Beholder", extraños y lánguidos tempos metidos dentro la experimetación pura y dura aunque sinceramente prefiero la apocalíptica, directa y bestial "The Result Of Systematic Destruction" con toquecito a himno y voces en off femeninas sobre las que se desarrollan unas sábanas de sonido tan pegadizas como sudarios... desde los tambores emulando a tablas marroquíes a lo que parecen estallidos metálicos del sintetizador. Tengo la sensación de que va a estallar una mina de un momento a otro cuando sube la intensidad y entran voces de niños plañideros y madres llorando.

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La cara B es para Willhelm Grasslich  y BLIND CURSED LAND. Artista del que he escrito bastante a raíz de su proyecto UNCLE GRASHA´S FLYING CIRCUS (Split con CALF, Split con KOSTADIS, una entrevista con Willhelm Grasslich o los impresionantes Stalinist God y OST), es con BCL que demuestra una faceta algo distinta. Industrial Noise sofocante con toques Martial bajo capas de Drone, Power Electronics / Harsh tal y como se escuchaba en su excelente Chrysantheme Delirium de 2021 (tiene más trabajos pero no he tenido ocasión de escucharlos). En palabras de Grasslich, Blind Cursed Land tocan `esoteric ambient mixed with martial industrial approach dealing with early Zionistic partisan resistance (the groups like Lehi/Stern gang) as well as contemporary “blind alley” status of Israel-Palestinian conflict´.

Más estilizado que los anteriores, empieza el acojonante sampler de voces de informativo de "Hebrew Of Blood And Iron" rodeada por música sinfónica y pomposa al más puro estilo Library. Sigue unos acoples que parecen efecto Larsen y empieza una letanía de percusiones tribales, arranques de cajas militares y todas esas cosas que hacían grandioso al Industrial Noise de mitad tardía de los 80. Sigue "Eretz​-​Tziyon" mucho más enclavada en el Drone y un Harsh Noise bastante controlado que muta a la más cósmica y espiritual (con sonido de harmonio incluido) "Only Death Will End My Mission"; suerte de Dark Ambient épico de corte luminiscente con unos excelentes toques Avantgarde rozando el Kraut. Planeadores voces sobrevuelan una música que tiene esa potente espiritualidad de los Popol Vuh pero algo malsano que no sé exactamente definir. 


Impresionante el clímax con voces propias del Power Electronics y un pulso sinusoidal sonoro mantenido apabullantes. Tramo final con el collage de voces "A Nightmare For The Land Never Having Peace" que muta a una muralla de sonido apelmazado con algo de Throbbing Gristle o Cabaret Voltaire pero con ese contexto militar, político y plagado de ironía que lleva Grasslich en sus discos, para finiquitar el asunto con "Awake my Brothers", puro ejercicio de Ambient e Industrial que te deja con la sensación de ser la carne tumefacta que es arrancada a trozos por un famélico cuervo.

Recomendadísimo compartido.

https://nomadskydiaries-skyburial.bandcamp.com/album/sky051-arabian-family-payback-x-blind-ruler-cursed-land

https://arabianfamilypayback.bandcamp.com/album/planted-seeds-of-destruction

https://blindrulercursedland.bandcamp.com/

martes, 20 de junio de 2023

MAUD THE MOTH & TRAJEDESALIVA - "BORDANDO EL MANTO TERRESTRE" (TIME RELEASED SOUND / WOODFORD HALSE; 2023)

Absolutamente sobrecogedora la colaboración entre MAUD THE MOTH y TRAJE DE SALIVA en Bordando el Manto Terrestre, álbum conceptual alrededor de la figura de Remedios Varo (Anglés, Gerona, España, 16 de diciembre de 1908 – Ciudad de México, 8 de octubre de 1963), pintora y artista grafica enclavada dentro del surrealismo (amiga de Leonora Carrington), concretamente dentro del Grupo Logicofobista barcelonés. Como todo este periodo convulso de la historia que engloba tanto Guerra Civil como Segunda Guerra Mundial, la artista acaba refugiándose en México. Su vida da para tanto que os invito a bucear en los entresijos de una biografía apasionante.

Tampoco quiero repetirme demasiado sobre los músicos que pergeñan el proyecto porque ya los he ido presentando a lo largo de varias reseñas... desde MAUD THE MOTH con Home Futile Home + The Inner Wastelands (2012 y 2015) al mayestático Orphne (2020). TRAJE DE SALIVA es una leyenda de la música oscura patria desde El Cuerpo y la Ciudad, magnífico Ep de culto de 1999, Mima (2000) y Mima Blanca (2003) y el por aquí reseñado e imprescindible Ultratumba (2021), absoluta joya que tiene que estar sí o sí en tu discoteca. Por tanto, y para que quede claro, os recomiendo que os leáis los links a textos que os he ido dejando y seguimos.

Parecidos pero no iguales, sí que tienen puntos tangenciales en los que la música de Maud the Moth y Traje de Saliva se tocan. No sé si es por el particular uso de los teclados (aunque aquí Maud the Moth se ve reducida a la presencia de las voces e instrumentación de Amaya López y prescinde de la base de instrumentos de cuerda / cámara anteriores) o porque ambos tienen como base una fuerte partícula primigenia que responde sin duda a los abuelos de todo esto que son los Dead Can Dance. A partir de ahí el acercamiento que puedes realizar puede ser más Gótico, más Darkwave, Neoclassical o enclavado en las Heavenly Voices que al caso tampoco importa tanto. Salen a la palestra cosas como Rajna, los menos agresivos Elend, Dark Sanctuary o esos entes que pululaban por sellos como Prikosnovenie. No puedo olvidar los discos editados por el proyecto MORPHEUS de Fernando Machado (Malkuth del 98, Ouroboros del 99, el grandioso Elohim de 2001 y el final Babylon de justo un año después).

Otro de los aspectos que entronizan a Bordando el Manto Terrestre es la sabia fusión entre los grupos de tal suerte que crean un estilo híbrido pero permeable que lo mismo te suena a ratos (por poner un ejemplo) más a Orphne que luego al segundo cambia a Ultratumba además de que los 39 minutos divididos en 8 cortes (a su vez agrupados en tres bloques) tienen esa impronta atmosférica de una suite cinematográfica. 

Técnicamente, la manera en que se usa la electrónica es embriagadora, atemporal y muy, muy ecléctica lo que acaba percutiendo positivamente en una grabación que se ha realizado con espíritu de colaboración pero que en resultado a quedado como proyecto consolidado del que sí o sí necesito escuchar una continuación... esto es tan jodidamente bueno que tiene que dar más frutos. Cánticos y Spoken Word casan a la perfección (por cierto, la manera de entonar de Mónica Unavena me trae a la cabeza a los discos de Danielle de Picciotto) y el flujo electrónico y quizás voy a decir una locura, en ocasiones suena como si a John Carpenter le hubiera dado por montar un grupo de Neofolk o usar las opresivas bases melódicas de los Elend. Sobre las melodías recomiendo auriculares para captar todo el amplísimo uso de recursos; guitarras tocadas con arco, sintetizadores, juguetes rotos tal y como me confirma Mónica y un sinfín de detalles más para construir una apelmazada Nana fúnebre que te atraviesa con suma facilidad la membrana hematoencafálica. 

En cuanto a las ediciones vamos por partes que hay miga. Sencillo Digisleeve por un lado que es la que tengo yo que se distribuye tanto desde España como desde los US (si soy sincero me encantaría tenerlas todas porque son una preciosidad). Una cassette limitada a 100 copias, un Lathe Cut ultra limitado (a mano, en Bladud Flies en Gales, UK) que sigue la línea conceptual surrealista y se compone de un collage con fotografías de Thérèse Le Prat y usa materiales tan peculiares como un hojas de un atlas de hace un siglo. Otra apabullante edición de 40 copias viene en antiguas cajas metálicas de película de 35mm y mil y un detalles más (podéis consultar en el bandcamp que se ha hecho expreso para la ocasión: 

https://bordandoelmantoterrestre.bandcamp.com/album/bordando-el-manto-terrestre

En el apartado técnico:

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Amaya López Carromero (voces, instrumentación y diseño de sonido)
Mon Ninguén (sintetizadores)
Unavena (spoken word)

Lyrics by unavena & Amaya López-Carromero
Music by Mon Ninguén & Amaya López-Carromero

Mixed and mastered by Scott McLean

Art direction and concept by unavena
Artwork/Design: Colin Herrick
Original photographs by Thérese Le Prat

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Abre el primer bloque PART I - TRASMUNDO, la preciosista "Perdí Pie", de minimalista inicio Dark Ambient que funde electrónica con algo de sutil distorsión de guitarra. Juego de confusiones porque a pesar de que suena como un contrabajo y violines decrépitos y atonales nos están confundiendo los sentidos. La etérea voz de Amaya se dobla sobre sí misma y desprende las trabéculas de los huesos en una osteoporosis sonora irreversible. Cariz de himno y algo de ese deje ritual de agrupaciones como Cyclobe (vaya, que si no es porque me lo han dicho, casi diría que hay una zanfona). Me encantan los detalles de los teclados puramente Synth que huelen y mucho a Carpenter (como si hiciéramos una versión de Assault on Precint 13 en versión Martial y Neofolk). Si ya tenía los pelos de punta, el Spoken Word imperativo de Mónica Unavena me saca el alma por las fosas nasales... a estas alturas el corte se ha convertido en un flujo constante (casi Drone). No hay percusiones pero sí cosas que percuten, loops imposibles y algo que parece una guitarra pasada por pedaleras precipitándose al abismo.


Sigue Jardincito de Rosa y Tierra que a pesar de su inicial y sobrio inicio ritual pronto se convierte en una canción de cuna para niños muertos (como tirían los Autumn Tears). Amaya despliega voces en un tono más bajo pero con coros al más puro estilo Heavenly Voices. Timpánicos teclados teatrales recuerdan a Jacula / Antonious Rex (y por ende un pelín al más oscurantista Prog italiano de sellos como Black Widow). Os puede parecer forzado, pero Mandylion de The Gathering y su más cósmico How to Measure a Planet tienen para mí puntos concomitantes. El recitado de Unavena es simplemente genial, con algo de vocoder o similar. SUBLIME. Cierra esta primera parte "Habitantes del Desgarro" con unas notas muy espaciadas de guitarra y sonido selvático de fondo al más puro estilo Spiritchaser de Dead Can Dance aunque pronto un flotante riff distorsionado (casi Industrial) ejerce un magnético contraste. Sencillamente genial cómo queda la voz de Amaya flotando sobre la sutil efervescencia Noise para pasar luego a un postludio con ecos litúrgicos

PART II . NATURALEZA MUERTA RESUCITANDO, empieza con "Cuerpo de Gato" que parece bordear el Cuarto Mundo de John Hassell completado por un poético y sentido recitado de Mónica Unavena. Los teclados suenan eclesiásticos, sincopados toques de percusión muy lejanos se mezclan con ambiente acuático que lenta pero inexorablemente se va desprendiendo de toda molécula de oxígeno hasta dejarte en una Hipoxia Eterna. "Fruta Alrededor de una Vela" parece continuar la melodía anterior (con ecos Giallescos) con un piano confabulándose con los sintetizadores. Esa sensación de las voces en Ultratumba de Trajedesaliva vuelve a salir a la palestra pero subiendo a niveles espirituales difíciles de soportar cuando entra la voz de Amaya (va levemente distorsionando) sobre un obsesivo ritmo de clústeres de piano emulando un arpa. 


Sonidos de una mosca y golpes de tambor recuerdan que la carne es el elemento más volátil y putrescente que existe; una parada estratégica y vuelve la melodía principal (creo que este efecto se podría repetir `Ad Nauseam´ que yo estaría todavía con la boca abierta). Scott McLean aporta diseño de sonido y guitarra en "Perla", que abre PART III - ROMPIENDO EL CÍRCULO VICIOSO. Si se pudiera conectar un cable Jack a las emociones, recogeríamos en un altavoz los más luminiscentes acordes que recuerde de los últimos años... simplemente catártico. La guitarra, las voces y el piano o esos órganos que parecen venir del Jacula de 1969 (In Cauda Semper Stat Venenum) ... me faltan palabras para describir esto y me vais a perdonar mi poca capacidad expresiva.

"Círculo Roto" ya huele a redención. Se nota por el tono tristón de la voz de Unavena y los espacios entre notas del piano que compiten con una suerte de alumbre cósmico / lisérgico en la retaguardia. Otro acierto del disco es ese uso de la distorsión de la guitarra tan leve y sutil... creo que si se hubiera basado el álbum en este tipo de efectos hubiera sido menos original y habríamos entrado en esos mundos que transitaron Earth. Aquí prima lo contrario y precisamente por eso un piano de juguete (al menos eso creo) coge las riendas vertebrando una estructura de caja de música rota, bastarda y apócrifa. "Hilos de Fantasía" bordea el Trip Hop casero, el Neo Giallo de Neón y unas proto eclosiones de Noise que muestran una creatividad enorme. 

Como ya me he quedado yo seco creativamente, cierro este texto comentando que el álbum ha sido licenciado por el sello de culto TIME RELEASED SOUND de California y por WOODFORD HOLSE de UK. Por lo demás, uno de los discos del año sin dudarlo y si pudiera, llamaría a este proyecto POLILLAS DE SALIVA.




jueves, 15 de junio de 2023

RAÚL CANTIZANO & HIDDEN FORCES TRÍO - "RAÚL CANTIZANO & HIDDEN FORCES TRÍO" (SENTENCIA RECORDS SR-19LP, 2023)

1- Una historia desde el pasado hasta el presente de HIDDEN FORCES TRÍO contada a mi puta manera o lo que es lo mismo... A TENDER FISTING STORY.

Hace unos 11 años que entrevisté a HIDDEN FORCES TRIO con motivo de su primera Demo, de claras influencias Dolphianas y titulada Out to Punch! (Féretro Records); un proyecto que no ha hecho más que crecer pero de forma real, no como una cabeza metida en tarro de formol que siempre acaba defraudándote. Prácticamente un año después el añorado Simon H. Fell los acoge, arropa e incluso quizás viéndoles un futuro prometedor (añadir apellido Marsalis) en su sello Bruce´s Fingers para el melodioso pero a la par agresivo Topus. Embebidos todavía de un salvaje espíritu Lo-Fi y Plug and Play heredero de venir dos terceras partes de tocar en grupos de metal, experimenté en vivo en La Cloaka la apabullante aleación entre Improvisación Libre y una forma de componer melodías para mí bastante europea en su ejecución.

Surge por aquel entonces (2014) en la Logia Negra del Jazz los Doppelgangers SPUTNIK TRÍO a costa de meter a Gustavo en la maleta del contrabajo y convencer (creo que con la promesa de regalarle diversos vasos para usar de sordina) a nada más y nada menos que a Ricardo Tejero y soflamar un debut homónimo por (atención, evento clave, editado por Raw Tonk Records de Colin Webster). Con todo, el debut Topus adolecía de cierto acabado sonoro mate que no reflejaba para mi gusto el tipo de Jazz agresivo contemporáneo de Hidden Forces Trio así que tuvo que ser su siguiente Crows are Council (Knockturne y Clamshell) en el que una notable mejoría a la producción haría verdadera justicia al impresionante e inventivo Free Jazz de los sevillanos. 

Entre medias, secuestran nuevamente a Gustavo y como dúo alean metal con Impro en el excelentísimo artefacto ARCONTE (editado por Sentencia Records) y acto seguido extender a los Sputnik Trío con nada más y nada menos que Colin Webster en el quintaesencial Spain is the Place (2016, Raw Tonk Records) o el directazo Live Betrayal (Sentencia Records). SPUTNIK TRÍO es una jodida máquina engrasada, como así se demuestra en su conciertazo en La Polivalente, Málaga, allá por 2020 o lo que es lo mismo, meses antes de que el mundo se fuera al carajo con la Pandemia. Extorsionando seguramente a Webster o mediante mediúmnicas artes, se sacan su mejor disco (como ST) titulado igual que un salmo de la Iglesia Católica: What the Hate (2021)... un disco que al igual que la Nurse With Wound List, trae algo parecido pero con dentistas de la Península para que te arreglen los empastes caídos.

Es en este momento cuando se acuerdan de que Gustavo está apunto de morir por asfixia pero gracias a regurgitaciones de aire al modo de Evan Parker, consiguen reanimarlo para traernos el año pasado, y ya como HIDDEN FORCES TRIO nuevamente, The Set-Up... disco plagado de referencias cinematográficas y de cómic posiblemente influencia de un intento de su bajista de hacer notal el nivel cultural que maneja (llamas de atención posiblemente)... Raw Tonk Records, año 2022. Dicho disco provoca las iras y la envidia de sus propios Doppelgangers Sputnik Trío, así que se contestan (casi) a sí mismos con Time Hunt (locos hay en todos los sitios) e incluso presentándolo en vivo en el Clarence Jazz Club Trío. Estaba claro que había que sacar de la anoxia nuevamente a Gustavo antes de que los otros ganaran protagonismo así que en toda su gloria, hoy os presento el excelso nuevo trabajo de HIDDEN FORCES TRÍO, titulado Ra​ú​l Cantizano & Hidden Forces Trio en un ultra alarde de inventiva (sobre Cantizano, os dejo la reseña de Tiento Madera en Tsss Tapes).

2- El presente de HIDDEN FORCES TRÍO o cómo interpreto yo la realidad.

Vale. Lo único claro que tengo es que estamos en 2023. Como en la serie DARK, los universos se han fundido o bukkakeado entre ellos así que tenemos a Marco Serrato al contrabajo, a Gustavo al clarinete bajo y Borja Díaz a la batería haciendo un Spin Off con todo lo que han pillado hasta ahora; ahí tenemos a Xavier Castroviejo (Blooming Látigo, Pylar), Howie Reeve y Mike Watt haciendo voces, Ricardo Jiménez (Orthodox, Pylar) metiendo guitarra en dos temas y a Colin Webster vomitando saxo en otro. Por supuesto y tal y como indica el título, Raúl Cantizano completa este `cuarteto´ con su guitarra y su grandísimo currículum (buscad por ahí y haced algo productivo).

Así en resumidas cuentas, HDF viran su sonido un pelín a cortes más directos, apelmazados, primitivos, atávicos y a la yugular; herederos (no sé si consciente o inconscientemente) de grandes activos como los proyectos de Mats Gustaffson (Fire! Orchestra, GUSH, The End o Fire!), los Dead Neanderthals, Atomic y vaya, toda esa caterva de Jazzeros contemporáneos con un pie metido dentro del Noise, el Metal y por supuesto, el Free. Resumimos antes si os digo que os puede recordar al fondo de catálogo de RareNoise Records o Rune Grammofon más que al Free afroamericano y combativo que se estila en International Anthem. Vaya, que sí que sigue sonando a Dolphy y otros pero las arremetidas vocales (Patton o Yamakata Eye) junto a esos juegos de cascadas de guitarra te llevan a Naked City, japonesadas (esas bases rítmicas a lo RUINS) o cositas de Frith.

                                     (foto: MANU GARCÍA)

Para completar detalles técnicos, se graba / mezcla / masteriza en La Mina, Happy Place y algunas partes que son caseras por Nacho “Iwantmydogtobeimmortal” García, siendo la edición en glorioso vinilo que suena a vinilo glorioso ilustrado por Gianluca "Tenia" Gambino. La portada... impresionante. La ilustración, titulada Dirty Grandma, es como un reflejo de la madre de los Fratelli en los Goonies pero viendo porno en la tele.

Arranca abigarrada con lo que creo que es Serrato al bajo eléctrico con "Hold my Coffe"... un curiosísimo regusto que me recuerda a los Art Ensemble of Chicago de Les Stances a Sophie quizás por su forma de casi bordear el groove Funk. La agudez con la que acomete Gustavo el clarinete bajo se entremezcla con unas sincopadas notas de guitarra que junto al bajo en unas hirientes sábanas Free mitad Masacre (Laswell / Frith / Hayward), mitad Naked City / Painkiller y similares. Grandiosa la percusión siempre de Borja muy centrada en los platos (un poco a lo Lounge Lizards).



(fotos: MANU GARCÍA)

No sé si calificar esto de Downtown Neoyorquino o Jazz Contemporáneo a la europea pero lo cierto es que ese tempo arrastrado del clarinete es una auténtica locura y la forma en que está tocado el instrumento te lleva a dudar si no está electrificado. Brutal. Sigue "We, Who Sold our Soul for Nothing" con la colaboración de Mike Watt a las imperativas voces (¿soy yo o me recuerda a una versión teratógena de George Clinton de Parliament?) sobre un colchón abstracto donde destaca sobre todo el punzante bajo de Marco que se mueve al compás del percutor herraje de la percusión. Cantizano amortaja el resto añadiendo todavía más caleidoscopía (creo que esta palabra no existe). Sin solución de continuidad Ricardo Jiménez añade también su guitarra en la lluvia de riffs que resulta "Eine Melodie Schnitzen", doblándose ambas con tono cuasi Noir crepuscular (ayuda aquí mucho el tono lúgubre del clarinete). Dos minutos y diez segundos al igual que la siguiente "Il Truffatore" que me ha llevado nuevamente a la etapa de Out to Punch! y Topus solo que reinventadas y abiertas por el abanico que aporta Cantizano. Por cierto, impresionante como en tan poco minutaje van acelerándose y volcando un minimalismo tan matemático que incluso en los minutos finales termina como un oxímoron (o como si el corte se hubiera dado la vuelta).

Bordeando el Metal sureño y lo lisérgico-progresivo de Captain Beefheart eclosiona "All Sizes won't Fit" de Zappescas intenciones y acabado cuasi ZZ Top ahí enterrado a lo que sigue un trascendental y meditativo tema de magnífico título ("Jain in a Bird"). Tempo lento sin llegar a los asfixiantes mundos de Bohren & Der Club of Gore pero casi. A pesar de que guitarra y clarinete llevan el peso, yo me quedo con esa percusión obsesiva de Borja al borde del lunatismo mántrico. Queriéndolo o no, se han marcado un temazo de Doom Jazz.

Progresiva interpretación a lo Captain Beefheart en a penas un minuto de Howie Reeve a la voz y la guitarra de Cantizano, perfecto puente Folk que contrasta con "Daumen und Rumplen", algo así como la continuación de "Eine Melodie Schnitzen" y nuevamente con Ricardo Jiménez a la guitarra. Sigue Serrato llevando el compás en "La Charca" con Xavier Castroviejo que soliloquia sobre un fondo musical totalmente desquiciado y libre... no lo he dicho hasta ahora pero usar bajo eléctrico lleva a Hidden Forces Trío a un nivel de biliosidad superior. Sigue la mistérica "Silver Singer Slingers" con un sucio clarinete que parece venir de otra época y Cantizano dejando abrirse las notas como flores al caer la noche (`flores de mierda´, que me ha salido demasiado poético el asunto). Turno de otro dueto; bajo y guitarra en "Breakfaster" o lo que es lo mismo, suena como si un ciego hiciera punto de cruz y le quedara encima una bonita colcha.

Tramo final con "Nudum Funem" y su vuelta al espíritu Downtown con un asordinado y bestial clarinete, el siempre devastador Colin Webster en "Slam Grezzo" que como genialidad se usa guitarra acústica creándose un curiosísimo contraste. Aquí Serrato vuelve al contrabajo de toda la vida y el resultado es muy al estilo del Jazz Británico. Epiloga "We've Told you Before" donde os rogaría pusiérais atención a lo que están haciendo de fondo Serrato y Díaz a la base rítmica porque os váis a quedar con la mandíbula colgando. Mejor no os la volvéis a colgar porque el disco termina con piano (sí, piano) y una suerte de Free Swing anacrónico que es una jodida delicia.

OBRA MAESTRA DE DISCO al top ten del año y monumental vuelta de tuerca a terrenos de Free Rock o lo que sea.

https://sentenciarecords.bandcamp.com/album/ra-l-cantizano-hidden-forces-trio

lunes, 12 de junio de 2023

NATURALE - "MEDITATION OVER MØRKET" (YOSHIWARA COLLECTIVE 310/ Svensk Psych Aften 019 / Vinyltroll #15 / Virkelighedsfjern Vir064; 2023)

Hoy nos vamos a meter una pastillita debajo de la lengua y a ver cosas que no son de este mundo con Meditation Over M​ø​rket de los daneses NATURALE

Preparaos porque este viaje no va a dejar títere con cabeza. Detrás del proyecto tenemos al músico Kristian Andersen (Kriller) conocido de la escena danesa de Stoner Psych Doom más estrambótica como los Uden Himmel, God Dam, Katla, Lucid Grave, Måneskjold, Rocket Gravy o Solens Folk... nombres que se mueven en el más estricto underground sobre todo a través del sello Virkelighedsfjern (y sus derivados Dyreriget que saca sobre todo 7" y Olmen Tapes para cassettes). Definir la música de todas estas bandas puede ser complejo pero casi se vertebran a raíz de una mugrienta bisagra de Space Rock y Doom pero a decir verdad, la cosa se complica bastante cuando nos enfrentamos a NATURALE. Creado allá por 2015 si no me equivoco, edita Apex 3 (It War Gnarled) mezclando Doom y Rock Espacial, al que sigue una cassette más ambiental en directo titulada Live 2018 editado por Virkelighedsfjern al igual que un Ep de 2020 llamado Lyset del que no he tenido ocasión de escuchar nada.

Llegamos a 2023 y en prístino formato vinilo tenemos la edición de este Meditation Over M​ø​rket que me tiene jodidamente atrapado como en un bucle infecto-contagioso; como digo, sale al mercado en régimen de coedición entre el sello irlandés de culto Yoshiwara Collective junto a Svensk Psych Aften, VinyltrollVirkelighedsfjern. A pesar de que no tengo los trabajos previos y solo los he escuchado por encima, este último me ha recordado a los fineses Jääportit pero en una onda mucho más numinosa y etérea o hipnótica (casi litúrgica) y que viene a ser una especie de reinvención acerada y Dark Ambient de un resucitado Florian Fricke en Popol Vuh. Imaginaos mezclar un oscurísimo disco apócrifo Kraut con los devaneos sinusoidales de Group 1850 o a los míticos Algarnas Tradgard con pinceladas de Coil, Nurse with Wound y Current 93. O yo que sé... Fursaxa con Swans si me pellizcas un testículo. Por cierto, masterización de Joakim Wölm que también es habitual en todo este círculo de bandas alrededor de Kriller.

Brilla igualmente una especie de Neo Folk (ácido) extrañísimo y marciano que se roza y mucho con el Drone y la Psicodelia a lo que hay que sumar los detalles técnicos. Grabado en una casa en Suecia cercana a Strömstad (imagino que la que puede verse en la fotografía del vinilo a cargo de Sven Kruppa creo que dueño del sello Svensk Psych Aften y tocando en grupos como Älgarna Från Värmland); flota un ambiente arrebatadoramente espiritual y en ocasiones cercano a aquellas magnas obras de Jacula o Antonius Rex pero pasadas por una acre y necrótica sábana marcial y fúnebre. Tempos lentos... claustrofóbicos... voces recitadas y throat singing flotando sobre sábanas de grabaciones de campo, guitarras a penas susurradas y unos sintetizadores que suenan brutalmente analógicos.


Abre el álbum "M​ø​rket". Grabaciones de campo que van de golpes sutiles de hierros a unas flamígeras llamas se arropan con cánticos puramente Folk subrayadas por lo que parece o un Theremin o algo parecido. Entra una guitarra lánguida que se funde con los teclados al más puro estilo Canterbury... pero como si bandas como Camel o Caravan estuvieran en un entierro o tocando al borde del precipicio que da lugar al fin del jodido cosmos. Percusión minimalista y la sensación de que me han dado un brebaje extraño en una secta apocalíptica y me está dando miedo de no saber si despertaré mañana. Las sentidas voces de Kriller son apoteósicas y homiliescas. Como si tocáramos cosas de Vanilla Fudge a 21 revoluciones por minuto. Sigue "Lysmaskiner / Slukket" con una apertura muy a lo Popol Vuh o Ash Ra Tempel. Magnífica la atmósfera de unos teclados majestuosos y épicos que rozan a los Tangerine Dream y Schulze... pura música planeadora meditativa y minimalista (no sé si hay guitarra y pedaleras de por medio, pero imagino que sí.

Minuto siete e irrumpe percusión cambiando el devenir de la música hacia una suerte de NEU! en versión ultra opiácea, lenta y Lo-Fi. Sublime. Seguimos con "Vi Fort​æ​rer Skoven For At Dr​æ​be M​ø​rket" con un órgano ultra litúrgico al más puro estilo JACULA. Repetitivo `ad nauseam´ y creando una base sobre la que se mueven cánticos atávicos de corte celta / vikingo. Voces loopeadas sobre las que se añade otra más grave tipo Throat Singing tibetano además de grabaciones como afilado de espadas (a lo Sol Invictus y similares). Lo sabía... lo tenía claro desde el principio; los celtíberos vienen del espacio exterior. El álbum lo cierra los brutales 15 minutos de "Ilden", en el que colabora Morten Bastkjær al bajo. 

Al más puro estilo de las Morning Ragas hindúes, se va construyendo la música de forma espiritual; un reiterativo toque de cuerdas del bajo sobre un fondo de teclados luminiscente hasta que con la entrada de una percusión marcial caemos en terrenos propios del Dungeon Synth más Doom con breves pero geniales irrupciones de distorsion Drone. Dificilísimo de etiquetar este Meditation Over Morket que según me pille el día lo noto más como un Space Rock tocado a velocidades oleosas y tan lentas como el tiempo que tardan en pasar dos Kali Yugas. Fabulosa la voz tristona, lánguida y acompañada de piano / guitarra y burbujeantes, efervescentes efectos de los potenciómetros de los sintes (imposible no acordarse de Tusmorke). 

Poco más puedo añadir de uno de los discos que más me ha atrapado en lo que llevo de año. Sencillamente IMPRESCINDIBLE.






jueves, 8 de junio de 2023

MEGALITH LEVITATION - "OBSCURE FIRE" (AESTHETIC DEATH ADCD 091, 2023)

Vuelvo a transitar por los tegumentos sonoros de los rituales rusos MEGALITH LEVITATION de quienes os traje por aquí un Split con Dekonstruktor y el anterior, mayestático y apabullante Void Psalms. Para datos biográficos os remito a los dos enlaces previos y así me ahorro metralla literaria. Su monumental nuevo disco Obscure Fire vuelve a contar con el sello AESTHETIC DEATH que sacan el álbum en un expectacular Digipack desplegable con libreto interior que alterna tanto fotografías como ilustraciones de GodLikeIkons; una auténtica pasada que refleja a la perfección ese espíritu Psych Occult Doom que se traen entre manos el trío, que siguen siendo: KKV (bajo), PAN (batería) y SAA (guitarra y voces). Para terminar los detalles técnicos, Obscure Fire se graba en Temple of Silence Studio excepto las baterías que se graban en los Wildboard. Para los amantes de las cassettes, existe versión en cinta a cargo de Sounds of Karachun. Vamos al disco:

El homónimo "Obscure Fire" son nueve minutos que entran sin contemplaciones. Un riff circular de guitarra acompasándose a una base rítmica que va creciendo hasta que estalla en esa distorsión clásica de gente como Yob, Sleep y similares, con la particularidad de usar unas voces que pueden recordar a esos lánguidos cánticos propios de los dioses Bong. Efectos Fuzz ultra cósmicos de las pedaleras te ponen en una órbita alucinante que ojo, no está exenta en ningún momento de un gusto exquisito por la oscuridad... y me explico; si otras bandas de este palo suelen ser más lisérgicas que Doom (no sé, así a bote pronto se me ocurren Jex Thoth, Blood Ceremony, Huata...), en Megalith Levitation el cóctel es total: mitad alquitrán, mitad zumo de Litio. Otro aspecto que me encanta de esta gente es que no abusan del Sludge ni del Drone y sus temas están más enfocados a un ultra ácido Doom Metal.

Me voy a permitir el lujo de reproducir las letras porque me parecen un flipe:

`I will be your guiding, ever-burning fire
With spiral flames I will
Create new world of illusions
And ancient mysteries
Will rise from diamond tombs

Burning through the granite walls of enslaved consciousness

Petrified borders of mind
Smashed by whips of dying suns
So take this chemical keys
To see their sepulchral light´

Fabulosos los tres últimos minutos que tiran por terrenos cuasi Progresivos que recuerdan a los grupos italianos del sello Black Widow o los también italianos y devastadores NIBIRU. Bandas de este tipo hay muchas, pero que te consigan llegar al tronco del encéfalo no hay tantas y sin duda MEGALITH LEVITATION son de las que son como ponerte una pastillita de colorines debajo de la lengua. Sigue la monolítica "Of Silence", con multitud de detalles minimalistas en segundo plano, efectos de pedaleras a lo Septic Mind / Esoteric y una base rítmica pétrea como una cadena montañosa cárstica. La guitarra no está quieta ni un instante y hace una labor solista encomiable, meciendo y mutando constantemente, confundiéndose inclusive con el bajo. 10 minutos que se pasan como un suspiro sobre todo por la larguísima introducción instrumental... para cuando entra la mántrica voz parece que estoy metido en un Spin Off o Meandro existencial del Jerusalem / Dopesmoker de los Sleep (ah, y  me he cagado en los calzoncillos). Del minuto 7 en adelante todo se va de madre con un pasaje bastante técnico y avantgarde al estilo de gente como los thrashers Vektor pero mezclado con un regusto Black Metal sobre todo por la afinación de la guitarra.


El corto puente de dos minutos "Descending" sirve para acomodar el cuerpo. Tempo lentísimo y claustrofóbico, rozando el Funeral Doom y continuándose licuosamente con "Into the Depths", donde es imposible no acordarse que había unos tales Electric Wizard capaces de devolver a los muertos a la vida con electricidad y unos amplis. MEGALITH LEVITATION además aportan unos efectos necro espaciales (turbinas, generadores, regurgitaciones, wah wah, mucho fuzz....) que te deja la sensación de estar metido dentro de una onírica / surrealista pintura del holandés Ercher. Puede parecer extraño, pero se me viene a la cabeza el primer disco (Water, Wealth, Hell On Earth) del grupo de culto de Oregón (y de parecido nombre) MEGATON LEVIATHAN

Cierra el disco la descomunal "Of Eternal Doom", de 13 minutos de duración y que completan el trayecto por el celestial caleidoscopio en el que nos meten los de Chelyabinsk. Inicio lánguido y espaciado, en crescendo controlado como si se tratara de una nana o canción colegial pasada por un filtro de Occult Doom insistente, de cierto cariz ritual y muy, muy pegadizo. Un descenso sin duda por un anti-vórtice que te va dragando mientras bajo y guitarra crean una muralla asfixiante que te amortaja las fosas nasales. En el minuto 8 cambio de ritmo abrupto durante unos segundos donde un contrabajo llega, se presenta y marcha para retomarse luego la rumiada melodía; como el bucle perverso de una neurosis compulsiva, 

Megalith Levitation te acompañan hasta el mismo filo del cosmos; atrás, la existencia... un pasito delante, la nada.


*


domingo, 4 de junio de 2023

TRÍO MUDO - "VOLUMEN IV: Poemas musicalizados de Leopoldo María Panero, et alter" (AUTOEDICIÓN, 2023)

I_ 

MIENTRAS LA RAZÓN TIEMBLA ANTE EL DESPOJO
EL DESPOJO TIEMBLA
Y MIENTRAS,
ANTES LA RAZÓN

`Teniendo miedo de morir en tus brazos
oh tú mi amor cuyos pies sólo veo
enredado en la cruz de tu despojo
mientras la razón tiembla ante el espejo
como una cruz hecha para morir´

Para no contar la historia entera, para no repetir conceptos e ideas os emplazaría sin duda a usar las bisagras que os ayudarán a comprender el por qué este Vol. IV de TRÍO MUDO huele a la podredumbre de la redención, al brutalismo hispano y cómo acaba resultando un tratado de la violencia inherente al ser humano y el patetismo del declive; cómo todas las piezas han resultado formar un puzzle de tu propia cara que en aras del misterio no consigues resolver hasta tu propio lecho de muerte (¿es posible no reconocer tu propia faz?... ¿hay algo más pavoroso que ser un ser extraño en un espejo?). Dichas bisagras son Vol.1, Vol.2 y Vol.3 y os rogaría si tenéis cosas redondas con nervios ópticos al extremo pasar por ahí previamente. Me ahorráis trabajo y sobre todo, me llenáis de satisfacción.

(FOTO: EMILIO EMBOLIAS)

Hay una cosa terriblemente insana en los poemas musicalizados de TRÍO MUDO (Panero y otros, como iremos viendo). Bueno, quizás la palabra no sea exactamente la falta de cordura sino más bien algo más inherente a la magia. Porque si las palabras de Panero (voy a centrarme en él, aunque son más los autores musicalizados) casan tan bien con la música no es por pura casualidad. Hay algo terroríficamente magistral en la forma en la que Antonio Acién y Damián Howsoon han conseguido convertir los versos en un ente musical que hace que una vez escuchado resulte imposible ya de volver a disolver... como esos jodidos pegamentos que usan dos elementos que se mezclan para que el resultado químico sea el adecuado, TRÍO MUDO han rescatado unos versos que estaban destinados a lanzarse por el precipicio suicida de la minoría y convertirlos en avatares existenciales brutalmente cañís de una España Negra Negrísima a la que me permití bautizar como COPLA NEGRA.

Claro que para los estudiosos y para gente más versada y preparada que este que os escribe sabrán conectar mejor que yo las moléculas bivalentes que se unen a ese abstracto Viaje del Héroe Urbano que resultó el periplo de 713ºAmor o a esa forma de entonar dulcemente biliosa del gran Corcobado. Los estudiosos sabrán sin duda qué de Chatarrero hay en todo esto, qué Vírgenes Adolescentes son las sacrificadas o con qué Demonios tus Ojos se obtiene este fruto/dádiva del Dios Pan pero permitidme una pequeña reflexión... TRÍO MUDO apartan el Post Punk y acaban siendo el reflejo barojiano del ancestralismo rural y la tierra; de los espadachines que se baten en duelo con navajas y de los secretos familiares enterrados en altillos tapiados `per semper´ con olor a alcanfor. Si Nick Cave fuera integrante de TRÍO MUDO llevaría un puto clavel en la oreja y ese traje de etiqueta que suele llevar sería el de los domingos (y de recia tela de pana).

II_ 

MIRA ADELANTE Y RÍE SI ME MARCHO
ADELANTE, RÍE
Y SI ME MARCHO
MIRA

`Amar es el más fuerte dolor,
y hoy tengo que decirte adiós
a ti, la única rosa de mi jardín,
y tu madre, amordazada, principal
espectador´

A lo largo de mi vida he escuchado muchísimos poemas musicalizados (que si Lorca, que si Ópera Rock, los recurrentes usos de Val del Omar... que si Omega de Morente) pero juro por mi vida que nunca algo me había llegado a la membrana hematoencefálica de tal forma en que cada nota musical de la guitarra en abanico de Acién y la percusión mínimo-maximalista de Damián subrayaban unos versos que parecían estar destinados a unirse de determinadas composiciones. Creo que cuando Panero compuso "Yo Soy Solo mi Perfil" estaba completamente seguro de que su Haiku acerado, descarnado y devastador estaba incompleto y que en un arrebato visionario quizás fruto de los medicamentos castradores mentales del dictatorial sistema psiquiátrico de la época (y de esta) intuyó en una visión chamánica que había una media naranja musical que conseguiría un Soma integrado que ya pasaría a los anales de ese arte enterrado de la Península que no entiende de listas de éxitos (para mí, lista de EXITUS, termino hospitalario que refleja el óbito).

La Rumba, los Verdiales e incluso las Nanas arropan unas letras en Vol. IV que incluso se visten de un minimalismo avantgarde. La portada de Goya es una bala con punta hueca... el grabado número 38 de Los Caprichos se te clava en el tronco del encéfalo con esa intencionalidad brutal de un mono tocando en una postura a lo Johnny Cash; `hasta los burros aplauden por moda la música mala, cuando ven otros que dicen brabísimo´... palabras recogidas en textos manuscritos del Museo del Prado y la Biblioteca Nacional. Me remito a lo que comentaba anteriormente y a una reflexión mía y personal que mantengo todavía a pesar de ser algo con ya 13 años de maceración en mi psique: el periodismo musical en general, las revistas y los libros musicales que se editan en España son en un 90% basura, y al que le pique se se rasque con un rastrillo de los que se usan para recoger el heno. Lo más interesante que se está haciendo en las artes musicales literarias periodísticas son amateurs podcasts, blogs mucho más interesantes que este sin duda y gente que va a contracorriente.

III_

BAJA LA VISTA Y LLORA SI ME QUEDO
LLORA Y BAJA
SI ME QUEDO
LA VISTA

`¿Quién me engaña en la noche, y aúlla
pidiéndome que salga, que salga a la calle y
camine,
y corra, y atraviese las calles como perro
rabioso´

Por tanto. Vol. IV: Poemas Musicalizados de Leopoldo María Panero et Alter, cierra esa tetralogía iniciada en 2016 añadiendo poemas de Corcobado, Fernando Merlo y Jose María Fonollosa. Se graba y masteriza por Máximo R. Bandera en Hollers Analog Studio y el diseño gráfico es del Bacarrá Manuel Luque. Abriendo el disco un sampler de las Campanas de Funeral en Bueu y los redobles de percusión en "Como una Cruz Hecha para Morir". La guitarra y la voz de Acién se torna más agria y mate en en Vol. IV. Ritmos sincopados que llegan en oleadas de riffs de una guitarra simple, directa y al grano que contrasta y mucho con la forma de mecer el ritmo en la magistral "Deseo de Ser Piel Roja" con su ritmo crepuscular a la percusión y que es realmente un canto abierto a la libertad de pensamiento y acción. El poema es una barbaridad que se te clava en el encéfalo y las bajadas del tempo, acompañadas de un delicado trato de la guitarra, una auténtica delicia. Una de las características vocales de Acién en este trabajo es que su forma de entonar está mucho más llena de contrastes... a ratos las voces son más musicales y en otras más imperativas. Magnífico el tramo final de percusión.

Pelos de punta para el rápido tempo de "Fernando Verlo por Verdiales". Violenta, rápida y que mezcla una guitarra rayana en un Noise de aquí, de la tierra y una magistral clase de batería de Damián que se come las baquetas y las regurgita una y otra vez en ráfagas que huelen a. Creo que un puntito más de velocidad y se alcanzan los Verdiales Thrash. Sigue la magnífica "El Territorio del Miedo" cerrando un primer acto (corto y pego) `existencial de componente social´

Intimismo a flor de piel con espíritu crooner, Acién se desnuda completamente el alma pasando al piano en "Voy por la Calle sin Ti" que rompe y eclosiona en un fondo de guitarras devastador; algo así como mezclar los meditativos clústers de lisérgicos de Swans (pero con la energía más contenida) con el piano típico de la copla española tocado por un pianista fumado de opio. Se añade la percusión hasta alcanzar una intensidad monumental que se corta de nuevo abruptamente para dejar al piano solo. Sigue uno de esos temas que me hacen dudar si estoy escuchando una invocación o aquelarre; "Los Pasos en el Callejón sin Salida" reducen la percusión a palmas y la guitarra a la acústica aunque luego se acabe transformando en un pasaje que reproduce la melodía de las palmas pero con batería y eléctrica. "La Pestaña del Deseo" es un poema de Corcobado durísimo y que musicalizado adquiere unas connotaciones de himno de esos propios de Mar Otra Vez en los 90. El riff de la guitarra de Antonio es tarareable (otra virtud de TRÍO MUDO) y se acompaña de las percusiones extra de Javier Blanco a su Bidón de muchos galones; eso y la densidad pétrea de unas letras que te hunden en la miseria de la realidad me ponen los vellos como escarpias. MAGISTRAL.

Que TRÍO MUDO ha creado su propio sonido es más que evidente. No suenan a nada que puedas oír por ahí; "Un Asesino en las Calles" y "Los Amantes Ciegos" son reflejo de ese contraste... de cómo Antonio canta y toca su guitarra como si de una rumba se tratara (algo que se hereda de 713ºAmor) y Damián complementa, crea y abre en abanico recreándose en paradas y un uso integral de su instrumento. El primero más lento, el segundo lanzado a más velocidad sin rehuir del Noise Rock de toda la vida pero lanzándose a una Jam acojonante con ritmos motorik en la percusión que denota un cierto giro en estos últimos minutos del disco hacia la psicodelia. 

Por fin se recoge en estudio "El Bacarrá en la Noche", insigne himno ya y que juro me hace pensar que la música llegó antes que las letras de Panero. Algo que me perturba y me ha perseguido desde que los escuché por primera vez en 2016 es la sensación de que de forma mediúmnica han compuesto música para que Panero ponga las letras y no al contrario y quizás, no sé si ando equivocado o no (no soy musicólogo ni nada parecido) es eso lo que convierte a este proyecto en algo tan especial (además de que bueno, si habéis leído los artículos previos ya sabréis que todo esto se remonta muchísimos años en el tiempo a la protohistoria de cuando 713º Amor se descompuso en sus miserias). "El Bacarrá en la Noche" se va ralentizando y de fondo maravillosos vientos espaciales... la guitarra sueña consigo misma en una bradicardia musical. 

¿Quieres más sorpresas?... pues "Mi Corazón no Sirve para Amar" de Fonollosa se viste de Hawkwind para darnos una delirante Jam improvisada en la que luego aportan detritus espacial Javier Arnal (voz y trompeta) y Julián Sanz Escalona con su Roland VR730. Lentamente todo se va deslizando también por la vía californiana y nos vamos del tirón a Austin (Texas) para acordarnos de la escena que ácida que se palpa actualmente por aquellas lides. Conforme avanza, más loco es... trompetas, teclados, percusión Krautiana, enemas mentolados.... qué manera más sublime de cerrar el disco y la tetralogía. Mientras la algarabía suena, Panero, Corcobado, Fonollosa, Hidalgo, Pérez Estrada, Javier Jeth, Goya, Solano y León y hasta yo mismo bailamos en un apretado MOSH PIT en un meteorito que se dirige en linea recta a un extraño destello en el punto de fuga del universo... nos damos codazos, batimos cervicales y nos empujamos. Panero me sonríe y luego le da una colleja a Corcobado, que se enfada y a punto está de caerse por un precipicio con haciendo Skateboard; Goya aunque sordo siente la vibración y con su gran cabeza de recio pelo me clava una cana en el entrecejo. Afortunadamente, suena la campana... es el fin del recreo en el Pabellón Psiquiátrico.

Si has llegado hasta aquí tienes una sola opción.

Buenas tardes.

https://triomudo.bandcamp.com/

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viernes, 2 de junio de 2023

YÜNKLAZ II - "Ein deutscher Herbst" (GRABACIONES AUTOBOMBO, 2023)

En 2017 entré en contacto necroanal con la música de YUNCLAS, proyecto que automáticamente me volaría la cabeza con la espectacular cinta autoeditada (Grabaciones AutobomboQuebraes, a cuya reseña os remito porque creo que es importante para entender un poco por qué terrenos nos vamos a ir moviendo en este pequeño artículo. Luchas obreras, Dark Ambient, Terato Techno y otras lindeces que hacen palidecer a ese maravilloso título de disco de Les Rallizes Denudés: `Heavier than a Death in the Family´. Con todo, mucho mejor resultaría incluso la posterior A Train to Finland, en el sello ruso NEN Records, que en cierta medida va a entroncar con una figura de la que vamos a hablar en el disco que hoy os traigo... de momento, quedaos con el nombre de ULRIKE MEINHOF (Oldemburgo, 7 de octubre de 1934 - suicidio en la Prisión de Stammheim, 9 de mayo de 1976), periodista de ideología izquierdista y una de las fundadoras del Rote Armee Fraktion (RAF).

Bajo el nombre de El Sonido del Vacío, saca también en 2017 el homónimo, claustrofóbico e Industrial Noise El Sonido del Vacío (Grabaciones Autobombo), del que posteriormente ese mismo año saldría una suerte de Split con Yunclas. Siguen fabulosos discos autoeditados como De Lingua Ad Mortem (2018) o ya en 2019 el fabuloso (en Marbre Negre) Tripalium Ligatum, posiblemente de los mejores discos de Industrial, Noise y similares que escuché ese año. Pero la perla la puso el rompedor Luddita que nos juntaba a Yunclas con la artista y bailaora Ana Arenas (Zona Watusa, 2019). Dejo sin profundizar otras cosas de Grabaciones Autobombo como Koyaziu o el Black Industrial de Pierre Noir para no saturar e incluso un Split con Mono Caníbal.

Aunque lentamente estaba viendo aparecer nuevos temas subidos a Bandcamp, sinceramente no me esperaba esta expectacular eventración a lo crisálida sonora que ha dado en llamarse YÜNKLAZ II, evidentemente, creo que más que evidente homenaje a los Amon Düül y al Krautrock. No solo eso sino que Ein deutscher Herbst me parece de una calidad absolutamente a años luz de las heces sonoras que se graban en este país... y encima todo en régimen DIY, soterradamente underground y con una inventiva a la hora de componer que más quisiera la inmensa mayoría de reputados músicos de postín. Como todo lo que trata a Yunclas, hay un trasfondo político, social y argumental... aquí nunca nada suena porque sí o se titula de cualquier forma por lo que sea. Esto son balas que están dirigidas a destinatarios concretos así que antes de meternos en farragosos términos descriptivos me lanzo en un bis a bis con el ente tras YÜNKLAZ II:

***

- Bueno, lo primero decirte que sabes que soy un devoto admirador de tus trabajos. Antes de meternos en materia con este impresionante Ein deutscher Herbst vamos a ahondar un poquito en algunos asuntos. Tengo que felicitarte porque este giro del nuevo nombre YÜNKLAZ II me parece una auténtica genialidad aunando esas palabras de poder como Amon Düul, Radio Noisz Ensemble, los Sylvester Anfang y muchas más cosas. ¿Cuándo decides y de qué manera renombrar el proyecto?

Muchas gracias, el cambio de nombre vino según lo estaba grabando. Aunque para mí la música que escucho y que tengo como referente y consecuentemente lo que intento hacer va más allá de etiquetas y de estilos concretos, y de hecho como Yunclas he grabado cosas muy diferentes, al final esto no me cuadraba presentarlo con el nombre de Yunclas, proyecto que empecé hace unos años centrado en la electrónica y el techno en concreto. No es que sea diametralmente opuesto tampoco. De hecho siempre inconscientemente me salía fuera un poco de lo que se espera que hagas produciendo techno, principalmente porque no me sale eso que se espera. 

Entonces como digo es una especie de derivada hacia atrás en el tiempo musicalmente hablando y  de ahí vino el nombre, el sonido oriental de la diéresis, la referencia a Amon Düul… Llevaba ya tiempo escuchando mucha psicodelia de los 70, Kraut, Anatolian Rock y cosas Psych o Acid Folk de todo ese periodo y creo que todo ese conjunto da unas posibilidades tremendas. Además soy un seguidor de toda la música de los últimos 60 y 70 de siempre. Esto junto con el modo de componer y producir técnicamente de la electrónica en el Ableton (programa de producción que sigo utilizando para todo) hace posible que pueda utilizar todo esto para expresarme.

- Cada trabajo que has realizado hasta ahora lleva un importante sustrato social, político e incluso contestatario…  Ein deutscher Herbst no iba a ser menos así que me gustaría me expresaras la idea general que intentas transmitir con el disco. Yo me lo imagino como una colonoscopia temporal que va desde la Primera Guerra Mundial a la Segunda, con el fascismo en auge y ese posterior drama del Muro de Berlín y la separación de las dos Alemanias… Guerra Fría inclusive.

Bueno, la historia es “el otoño alemán” del 77 donde se desplegó en Alemania una confrontación al más alto nivel entre el Estado Alemán occidental y la Fracción del Ejército Rojo (RAF). Fue un poco un desastre en todos los sentidos, pero siempre me ha interesado mucho esa historia.  En realidad es un episodio histórico que enlaza con la postguerra alemana, el poso del nazismo en la sociedad de República Federal Alemana, el anticomunismo de la guerra fría y la generación del 68 que rompe con la complicidad nazi de sus padres y los señala abiertamente, a la vez que denuncia la guerra del Vietnam y los americanos. 

La contracultura desarrollada en aquellos años en Alemania fue muy política en muchos aspectos. Ese carácter revolucionario impregna mucho de la forma en que los grupos y proyectos musicales de jóvenes alemanes (y en general europeos) se distinguieron de la música convencional que hasta ese entonces dominaba el panorama. De hecho la música era parte de toda esa generación rupturista con el pasado político alemán, incluso de las personas que integraron la RAF. El libro “Future Days” reflexiona sobre ello.  Me pareció que todo cuadraba bien en lo que me interesaba contar. La agitación política y su historia ( no la de los partidos y las fiestas electorales)  inspira completamente la música que hago. No es intento de proselitismo, es algo que me sale natural. 

- Cuando escucho algunos de los temas del álbum no sé si estoy realmente en un disco Kraut (al menos no en la parte Kosmische pero sí en la Pastoral a lo Popol Vuh), en otro de Acid Folk Psych o en un híbrido psicodélico californiano. ¿Qué te ha influido musicalmente y cómo demonios has grabado esas impresionantes líneas de guitarra?

Me gusta la psicodelia californiana, Grateful Dead, Jefferson Airplane, Q.M.S sin duda, desde bien pequeño. Pero quizás lo que más me influyó para hacer este disco es haber estado escuchando mucho a Popol Vuh (sobre todo), Kalacakra, Guru Guru, Kraan, Embryo, Ash Ra Temple, grupos nórdicos como Älgarnas Tradgärd, Handgjort, Alrune Rod… la verdad que me he puesto hasta arriba de música de ese periodo aunque también me influyen cosas más convencionales. No sé por qué pero algún solo estuvo muy influido por Ritchie Blackmore.  

La guitarra pues grabada en el local de ensayo. Prueba y error sin más, jugando también con la improvisación, lo que va saliendo y lo que queda mejor.  Me gusta el estilo y el sonido de guitarra que se cimentó un poco a principios de los 70. 

- ¿Y la percusión? A pesar de ser programada desde las tablas a partes cuasi motorik, pasando por machaconas bases rítmicas suena todo muy cohesionado. Para mí es el disco más complejo tuyo que he escuchado así que si puedes me gustaría me comentaras algo sobre la composición, grabación y por supuesto, quiero saber algo de los samplers, un recurso muy tuyo que me encanta.

Todos los temas están hechos a partir de la guitarra, después añado lo demás. Las bases rítmicas están programadas todas. Con sonido de batería acústica (porque pensaba que le iba mejor que electrónica) y muestras de instrumentos como la tabla o cosas árabes. 

Los samplers de voz son de Rudi Dustchke (cabeza del movimiento contestatario juvenil alemán que fue objeto de un atentado y que quedó con un parálisis que le terminó provocando la muerte años después) durante una conferencia en la universidad. Luego me encontré por internet extractos del juicio de Stammheim donde se oye a Gudrun Ensslin y Ulrike Meinhof. Y también las conversaciones durante el secuestro de la RAF de la embajada alemana en Suecia, que son también el hilo conductor del tema Komando Holger Meins. 

- Para los lectores, me gustaría te detuvieras en la figura de Holger Meins, Ulrike Meinhof (que sale en la portada y ya trataste en A Train to Finland) y Gudrun Ensslin, que creo que merecen casi que un artículo en sí mismo.

Son tres figuras emblemáticas y representativas de ese periodo. Holger Meins, estudiante de cine y bellas artes, que se incorpora a esa primera generación de integrantes de la RAF, después de pasar por Kommune 1 y de participar un poco de lo que era la contracultura. Muere en una huelga de hambre. Representa a ese tipo jóvenes que de la “via cultural” pasaron radicalmente y de forma total a la “via armada”. 

Ulrike es la intelectual más importante de ese periodo, ya era bastante famosa antes de formar parte de la RAF. Salía por la tele, escribía artículos .. Su biografía es muy interesante para hacerse una idea de lo que significaba ser alemán y darse cuenta de lo que habían hecho los alemanes pocos años antes y como ese despertar transforma el pensamiento. Su muerte por supuesto suicidio en la cárcel de Stammheim sigue teniendo sus puntos ciegos todavía hoy en día. 

Gudrun Ensslin fue otra de las fundadoras de la RAF, profesora, intelectual y con una historia vital totalmente rupturista murió también “suicidada” en la cárcel de Stammheim poco después de Ulrike.

(emblema de la Facción del Ejército Rojo)

- Volviendo a la música. Me parece impresionante el sonido de la cassette más que nada porque se ve que es reciclada, totalmente DIY y ya te digo que le pega cien patadas a productos `profesionales´ que cuestan un sueldo. Esto es algo común en todas tus cintas… ¿cómo tratas el sonido para sacarle tanto partido?

Pues supongo que tu también sabrás por experiencia que las cintas vírgenes Sony y TDK, por decir dos marcas conocidas, tenían una calidad muy superior ya a las cintas originales y oficiales que editaban los sellos. Los standares de calidad eran muy altos y yo tengo cintas grabadas en los 80 que todavía subsisten y se oyen bien. No se puede decir lo mismo de lo que hay hoy. Las fábricas la verdad es que no miran mucho la calidad de lo que hacen. Los reproductores de cassettes escasean y los nuevos son totalmente lo-fi. En fin, un desastre. 

No obstante todavía se consiguen algunas cintas  de las últimas tdk o sony que se fabricaron en buen estado, aunque cada vez escasean más. No hay nada mejor que esas cintas la verdad. No hay ningún secreto, solo un grabador de cassette que funciona bien todavía, una tarjeta de sonido decente y una mesa de mezclas. Pensé en mandarlas a una fábrica, pero como soy muy mal vendedor, decidí hacerlo yo mismo y el que me la pida se la grabo. 

- ¿Vas a seguir por esta línea de sonido?... ¿qué nos depara el futuro inmediato?

Si, voy a seguir con esa línea y similares. Me interesa mucho la primitive guitar también, por ahí andará la cosa. Ya estoy grabando más cosas, tengo dos temas hechos y en proyecto otro álbum.  Seguiré en esta vena psicodélica y creo que esta vez si lo moveré por algún sello.

- Nada, gracias por tu tiempo y este es tu espacio para comentar lo que te apetezca.

Pues nada muchas gracias por el interés, yo soy un fan de la música y del underground y siempre aprendo algo de lo que comentas en el blog. Precisamente mientras escribo esto estoy escuchando a los Silvester Anfang que no los controlaba y me están encantando, así que gracias de nuevo por descubrírmelos. Un abrazo!.

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"Una Dura Batalla por los Recuerdos" abre el disco con cierto aroma a Can o los Amon Düül de Yeti / Phallus Dei. Una guitarra con espíritu de Jam Session sobrevuela y teje texturas sobre capas de percusiones programadas e insistentes que a veces quieren meterse incluso en el Post Punk de los 80. Sintetizadores subrayan aquí y allá con el orín de las ondas serradas mientras el tempo va subiendo, los samplers vocales enterrados boquean por salir a la superficie y la intensidad alcanza ese nauseabundo, agrio pero incomparable y magnificente sonido de las ya legendarias sesiones de German Oak. Algunos recursos electrónicos puntuales me llevan al proyecto Noruego de Alwanzatar... otro que tal baila. La insistencia hipnótica de las melodías y la forma en que suena la tabla y la percusión añaden ese deje orientalizante muy propio de los discos anteriores bajo el nombre de Yunclas. 

Si mañana alguien me pusiera esto y con la extorsión de pellizcarme un huevo con unos alicates tuviera que decir rápido qué es, estoy seguro que diría que una sesión oscura apócrifa guardada en un cajón de los dueños de OHR, Brain o la madre que los parió. Ese soniquete de teclado circense que va y viene me tiene absolutamente loco. Sigue los mastodónticos 11 minutos de la homónima "Ein deutscher Herbst" añadiendo toques más pastorales a lo Sergius Golowin o unos Popol Vuh pasados por el Techno Synth. Es precisamente esa amplitud y ruptura total con cualquier tipo de etiqueta, pero teniendo como estandarte la creatividad de los 70 lo que acaba amalgamando una fusión maestra de estilos. Es mántrico y espiritual como los Popol Vuh pero en vez recitar himnos se reparten panfletos sobre cómo engrasar el HK MP5... y por cierto, dejad que insista en que el tratamiento lánguido, oleoso y pegadizo de la guitarra suena a German Oak o ese fabuloso colectivo de Sylvester Anfang y Sylvester Anfang II. Maravilloso epílogo ruidista hacia el Space Rock y la escuela electrónica de Berlín y desfase psicotrópico espectacular. No quiero ni imaginarme cómo sonaría esto con una banda al completo.

"Gudrun Ensslin" ahonda todavía más en lo pastoral gracias a doble línea de guitarras... acústica y otra más cargada de Fuzz. A los nombres añadidos evidentemente hay que meter Acid Folk en vena o lo que es lo mismo, Älgarnas Trädgård, Group 1850Witthüser & Westrupp. Cósmico y rural, aunque no salga en tus cartas estelares ni tus mapas. A lo Hawkwind, se va subiendo la intensidad con una guitarra totalmente poseída. Sublime. "Rudi Dutschke" es pegadizo como napalm en gel. Una melodía de corte arábigo nos lleva a Erkin Koray, Edyp Akbayram y toda la caterva propia del Anatolian Psych, con el brutal contraste del sampler discursivo que le añade al conjunto una dimensión de auténtico culto. "Damasco Yemen Palestina" lleva lo escuchado en el anterior corte al extremo y se funde en harmonio / shruti box. 

El tercio final es de órdago. Desde "Kommando Holger Meins", algo así como Kalacakra o Siloah con recitados en alemán radiados más propios quizás del NeoFolk aunque realmente poco importa la etiqueta. Esto es una jodida genialidad de PH extremadamente ácido; como un enema de Litio de baterías abandonadas al sol o usar una hoja de marquetería de hilo dental. Sigue el experimental "Heckler & Koch MP5 Blues" con más electrónica que el tramo central y visitando incluso terrenos de Rock Desértico a lo Yawning Man pasados por filtros cromados o ese gran descubrimiento de ARARAT con gente de Los Natas. YÜNKLAZ II es un ejército musical de una sola persona que se ha bastado a sí misma para exprimir una inventiva a años luz de proyectos `postureantes´ y de rancio abolengo... a años luz de `grupos que necesitan pasar primero por el atrezzo y vestuario antes de sacar un tema´ o a años luz de grupos que `necesitan sí o sí acostarse con un vinilo editado por un sello´. ¿No me crees?... pues ponte el corte del que estoy hablando a partir del minuto 4 o así y dime que esto no es una puñetera pasada. Hazmedme un favor, si no estáis de acuerdo en mis reflexiones antes de venir con historias purgaos en una piscina atiborrada de Peta Zetas.

Ah, y queda la joyita "Meinhof in Stammheim", mitad Turkish, mitad Pentangle pero te la dejo a tí para que la definas.