REIDO - "ANATMAN" (AESTHETIC DEATH RECORDS; ADCD 064. 2019)

"As the Fragments Come Together

I Am Everywhere

No Mind"

Desde Bielorusia (Minsk), la banda REIDO (término con igual significado tanto en japonés como en chino y que viene a significar Grado Cero) se forman en 2002, sacan F:\all, su debut en 2006 a cargo de Solitude Productions. En 2011 editan con Slow Burn el heladísimo -11 para luego sumirse en un largo silencio hasta este 2019 donde fichan con AESTHETIC DEATH y sacar su tercer e impresionante largo Anātman donde subliman su estilo hacia un personal Funeral Doom de  alto nivel compositivo; ya se sabe que en géneros tan herméticos como este no es fácil mantener la atención del oyente durante largo tiempo, y ahí está la principal virtud de este Anātman, que al igual que otras bandas de relativo nuevo cuño como PROFETUS y OPHIS llevan el género un pasito mas si no allá, sí que manteniendo lo que grandes e imperecederos dioses como EVOKEN, ESOTERIC o MOURNFUL CONGREGATION hacen.

Advertir que escuchas a vuela pluma y sin prestar atención no valen con bandas como REIDO. Si se quiere hacer uno a la idea de su sonido hay que empaparse de todo como un ritual... aquí funciona eso del tracklist y los temas no están puestos al azar. Lo digo porque siempre hay quien echa una escucha por encima y salpicado a los temas y juzgan sin ahondar (signo de los precipitados tiempos que corren).

Una de las principales razones por las que el Doom extremo de países del este no suele llegar al nivel de otras bandas es por la batería. Se me ocurren ahora mismo decenas (literalmente) de buenas bandas que echan su sonido a perder por el uso de cajas de ritmo... se ve que no abundan los baterías por aquellas tierras, así que es de agradecer que REIDO hayan fichado a Dmitry Kochkin (del desconocido proyecto ambiental Внеземие para las percusiones). Se suman al proyecto Alexander Kachar (guitarras, bajo, voces y sintetizadores) y Anton Matveev (guitarras, sintetizadores e ingeniero de sonido). 

Siguiendo con las curiosidades, hay letras basadas en el Lam Rim Chen Mo de Je Tsonkhapa o del Prajnaparamitahrdaya Sutra (El Sutra del Corazón). El fantástico artwork del digipack es obra de Vladimir "Smerdulak" Chebakov. 

Abre el disco la instrumental "Deathwave" en clave casi drone, con lo que parece el clásico tono de un Dung Chen tibetano que va y viene sobre capas de teclados y un lejano riff de guitarra monolítico al más puro estilo EVOKEN que se va abriendo paso mientras entran unas excelentes percusiones. Muy buena apertura que recuerda a los grandes nombres del género. Sigue casi sin solución de continuidad la monstruosa "The Serpent's Mission", con un deje a MY DYING BRIDE en la forma de dejar las notas flotando de la guitarra, aunque evidentemente cuando el tema coge fuelle con una voz ultra gutural volvemos a los terrenos de EVOKEN, OPHIS y similares. Destacar la producción del disco que hace resaltar bastante al bajo, un acierto para mi gusto.

Lo que a priori pudiera parecer un disco estándar de Funeral Doom va mutando gracias a unos excelentes interludios instrumentales, con toques de teclados y guitarra acústica en la intro de "Dirt Fills My Mouth", un temazo con voces susurradas al más puro estilo de MORGION en Solinari. Viene a ser un cruce entre la decadencia de los riffs de MY DYING BRIDE en sus últimos discos y algo de esa forma de entender el Funeral Doom de bandas como MONARCH o ALDEBARAN.

"Liminal" ronda los 17 minutos. Tal y como dije al inicio de la reseña, brilla el nivel compositivo que no decae un instante... te pueden gustar más o menos, pero los 60 minutos no tienen ni un sólo segundo de relleno. Fantástico el cinematográfico interludio ambiental con un uso parco pero efectivo de los sintetizadores (sin cargar, que luego parece todo una barraca de feria) que lentamente se va disolviendo mediante guitarras al más puro estilo ESOTERIC.... lento, bizarro pero sin el esquizoide uso de los teclados de los ingleses. Por cierto, atentos a cómo se funde el tema a lo MY DYING BRIDE.

El puente instrumental de la homónima "Anātman" rompe el disco por completo. Samplers que llegan radiados, coqueteos con ritmos electro desembocan en "Vast Emptiness, No Holiness", que junto a la anterior son casi 20 minutos que rozan lo épico. Tempo procesionario, tonadas de sintetizadores en segundo plano, ecos Sludge (algo de FUNERAL MOTH aquí y allá) para finiquitar un disco de Funeral doom clásico, sin exabruptos, compuesto y ejecutado de forma exquisita.

https://aestheticdeath.bandcamp.com/album/anatman

https://reido0.bandcamp.com/

VIRTUD CORONA - "UMBRAL CROMA" (MASCARPONE DISCOS; DM55, 2019)

La Croma es una técnica audiovisual en la que un color se extrae de una imagen (por norma es el verde) y sustituir el área resultante por otro color o imagen. Extrapolemos esto como metáfora de la formación de VIRTUD CORONA, combo Sevillano que parece resultar del enroque mediúmnico (croma) de los sintetizadores de NAJA NAJA por la percusión orgánica de la batería de Borja Díaz. Dicho de otra manera, el Post Punk y la New Wave etérea en NAJA NAJA se deriva hacia un agrio Avantgarde Punk muy difícil de catalogar como veremos más adelante.

Borja Díaz a la percusión, Juangui Acosta a la guitarra barítono y Xavier Castroviejo a la bilis vocal se van a los Estudios Pelícano (Marzo de 2019) para grabar, mezclar y masterizar con Jesús Chávez (salvo el corte "Croma" que se modela por obra y gracia de Acosta en Estudios Ninjas Mutantes). Edita Umbral Corona en cinta de cassette el sello valenciano MASCARPONE RECORDS de quien también os he traído reseñas de More Acid For Hegel (aquí) o Miguel A. Ruiz y su Climatery (aquí). 

Este es un primer esbozo de su sonido, porque en su página de Facebook indican que han pasado este mes de Noviembre por La Mina de Raúl Pérez así que estoy preparado para un segundo trabajo en breve.

Se me antoja imposible no citar a BLOOMING LÁTIGO como abuelos espirituales de VIRTUD CORONA, nombre por cierto que para mí resulta un auténtico misterio pero que conecto (en mi psique tiene sentido) con La Virtud Coronada (Ignacio Luzán, 1702 -1754), donde un Rey Tirano era objeto de una rebelión en el contexto de los Austrias y los Borbones. Una obra teatral con personajes que obtienen todo el poder mediante el engaño, alteraciones de la jerarquía establecida y lo que es peor, una exaltación de lo que se llama Monarquía Virtuosa. Seguramente el nombre elegido por la banda no tenga nada que ver con esto que hablo, pero si añadimos que en algunos pasajes parecen una versión avantgarde de LA POLLA RECORDS, no puedo evitar establecer conexiones sutiles. 

Destacar la interpretación vocal de Xavier Castroviejo, escupiendo homilías en castellano con un timbre cercano a los KORTATU en clave THE FALL. La evolución es sorprendente cambiando de registros en cada uno de los proyectos que presenta... los agudos insanos a lo TODAY IS THE DAY en BLOOMING LÁTIGO se sustituyen por líneas vocales mucho más melódicas, con algún que otro efecto de eco si no me equivoco (o cosa de la postproducción). Las letras oscuras y con dobles sentidos se te clavan tanto por su significado abstracto como su métrica perversa (ejemplo el soberbio, infecto contagioso himno de "Sangre Verde").

Otro elemento en el sonido que resalta es la penetrante guitarra barítono de Juan G. Acosta, que como un taladro recorre el espectro (umbral) del mástil de un bajo y por tanto conectándose con Bill Laswell en cosas como MASSACRE. Los que conozcan los trabajos de Laswell sabrán que es un bajista que resalta más en las atmósferas y que cede protagonismo a otros compañeros, en este caso Fred Frith... pues bien, en Umbral Corona parece que Acosta se haya transmutado en ambos a la vez y despliega la potencia arrolladora de uno con el virtuosismo del otro. 

Llena tanto los espacios que funciona como base rítmica y solista a la misma vez... ejemplo de esto es el fabuloso inicio de "Umbral", tema donde Acosta despliega una forma de tocar que bordea por completo al barroco golpeteo jazzero de la batería mientras Castroviejo va entonando una letanía extraña más propia de un Cabaret del Inframundo. Fantástica la circular "Mareas" donde la guitarra sin embargo se enfoca a su sonido barítono penetrante, con la pegada matemática de las baquetas de Borja Díaz (tiene algo del rocambolesco y circense mundo de FAITH NO MORE) y el maravilloso falsete a la voz.

Post punk progresivo podría ser una etiqueta ya que lo mismo suenan a Avant Jazz que a KING CRIMSON, sin olvidar abigarradas incursiones rítmicas compostadas en Dub o Reggae como la pegadiza "Sangre Verde", (tema al más puro estilo Frith/Laswell en lo instrumental) y Hardcore Punk ("Azúcar Añadido", "Martillo de Emergencia" o la brutal melodía trasnochadora crepuscular de "El Sendero"). El potentísimo uso de los bombos en "El Hedor", con unas de las mejores letras que he escuchado en muchísimo tiempo, y su ritmo sinuoso son difíciles de describir... la cantidad de detalles acumulados en escasos cuatro minutos es abrumadora. 

De mis temas favoritos es la tribal "Raptus" con ritmo de batería cuasi motorik en el inicio (como una versión bastarda y Lo-Fi de LA DUSSELDORF en versión cañí). La forma de tocar de Acosta aquí alterna lo que podría ser Rock desértico desnaturalizado con Doom Sabbáthico teratogénico... y para colmo el señor Castroviejo se lanza por unos agudos que ríase de Rob Halford. Inmenso Borja Díaz en "Nostalgia de Acero", posiblemente el tema más Indie (por intentar dilucidar algo) de Umbral Croma.

El disco se finiquita con VIRTUD CORONA bajando a los avernos de lo Industrial. "Croma", único tema grabado, mezclado y masterizado por Acosta ejerce de nexo con NAJA NAJA a través de unos ritmos Trip Hoperos decadentes sobre el que destaca un soberbio y amenazante Castroviejo  soltando haikus vocales al más puro estilo AVIADOR DRO en versión after punk. Fantástico cómo se funde el tema en pulsos oníricos que asustarían al propio Lynch.

https://mascarponediscos.bandcamp.com/album/umbral-croma

https://www.facebook.com/virtudcorona/

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ARRAKIS - "SONS OF STARS" (CIVITAS MORTIS RECORDS; TAPE012, 2019)

Os presento el proyecto francés (La Tour d’Aigues, Luberon) ARRAKIS, One-Man-Band curtido en bandas de Black Metal pero que aquí fusiona con maestría la Synthwave con múltiples cosas que citaré a continuación y goterones de sinfonismo. Más optimista que otro tipo de proyectos que cohabitan CIVITAS MORTIS, el sonido es quizás demasiado sintético de lo que yo quisiera (en una entrevista que he encontrado por ahí el autor cita como instrumentos de composición VST en abundancia y FL Studio). Me ha sorprendido la inclusión de dos artworks completos; uno de Apocalypse 2027 y otro de Cyberpriest (puedes poner el que más te guste) oara cada una de las ediciones, física o digital, ambos con regusto a cintas de juegos de ordenadores de 8 bits. 

Sons of Stars es un extrañísimo batiburrillo donde se dan cabida cosas tan distintas como la electrónica francesa de los pioneros cósmicos mezclada con algo parecido a Metal Industrial y un halo de... a ver si acierto, moléculas de Rock Sinfónico que muta a New Wave incluso en algunos cortes con voces. El tempo alocado, rápido y sin tapujos se embadurna de Disco Synth setentero para aglutinar en un sólo producto el compost más raro que yo recuerde y encima funcionar la fórmula.

El subtítulo del Ep es A Space Journey to the Light, y tras darle varias vueltas a la cinta (literal), he de decir que me recuerdo muchísimo a esos productos de Disco y Electro que sableaban las bandas sonoras de películas de Sci-Fi a lo SPACE o las inclusiones de SIMONETTI en el Techno e Italo Disco, que carentes de toda maldad buscaban como objetivo primordial quemar suela de zapato en las salas de baile. El punto de ruptura es la inclusión de determinados riffs de guitarra a cargo de Vieux Chêne (en "Eternal Space Travel").

Abre "Journey of a Free Spirit" que, en palabras de su autor, combina Optimismo, Esperanza e Introspección.... no podría yo estar más de acuerdo con esta definición, máxime con determinados elementos que rozan la New Age (no sé por qué pero se me vienen a la cabeza CUZCO). La más movida y guitarrera "Sons of Stars" es demasiado infantiloide pero tiene mucho encanto (parece la cabecera de unos dibujos animados espaciales de mediados de los 70). Tengo curiosidad por escuchar el remix para 8 bits (aquí). 

La guitarra marca con su presencia "Water of Life" con su tono serrado sintético, voces en off aquí y allá y un ritmo bastante sincopado. Sin casi solución de continuidad se suceden los temas... "Notre Royaume Vient" es muy parecido a los dos anteriores pero entran las voces con un deje algo Post Punk sobre una base de Techno Trance (vaya contraste!). Eso sí, me quedo con los 9 minutos de las dos partes "Experimental Space Disco-Rock" cuyo título se define a sí misma... locura a punto de ebullición.

Si te queda cordura, finiquitas con "Eternal Space Travel" y para el manicomio.

https://civitasmortis.bandcamp.com/album/sons-of-stars

IN†ERSIGNO - "DECREPIT" (CIVITAS MORTIS RECORDS; TAPE 015, 2019)

Tras los previos Darkspace (entrevista y reseña aquí), The End of Time (aquí) y Non Plus Ultra (aquí), vuelvo a visitar el universo Sci Fi terrorífico de INTERSIGNO con este mini álbum de edición limitadísima en cassette verde batracio de nombre Decrepit, que ha sido catapultada al mundo real una vez más gracias a CIVITAS MORTIS RECORDS. Conseguida gracias a gestiones ilegales en el submundo de las Yakuzas digitales, he tenido que batirme en duelo mental con mis Nunchakus ReverbK2 y a ese juego... joder, a ese juego no hay quien me gane.

Terror opresivo bailable con efluvios embriagadores a base de algas decrépitas y sangre coagulada, la música se manifiesta a través de intensos y caleidoscópicos destellos neón pulsátiles y con ese constructo plástico de los 80. Mutación ligera hacia un techno oscurísimo simple en estructura pero poderoso en resultado, Decrepit es la banda sonora bastarda de una generación que lucha porque no entierren sus jodidos recuerdos en 8 bits.

Desde el doble juego melódico de "Beyond The Flames" en lo que se me antoja una pegadiza capa de Synthwave punteada por bases percusivas propias del género al futurista "Nothing Special", posiblemente el himno Carpenteriano de punta hueca del año. El resto adornos que dan el toque psicotrópico necesario para volver los ojos hacia arriba y contemplar Otras Esferas; paradas de ritmo, Fx diversos y vuelta a la melodía principal en un loop que podría ser eterno (si uno pone bien afiladas las orejas, se trata de 3 melodías o 4 a cual más pegadiza que se enroscan como un cable). 

"Predator" se despoja de humanidad y suena sintética como el aroma al entrar en una tienda de Todo a Cien china. Salvo la percusión, el resto podría englobarse dentro de la música echa para juegos en la onda retro wave que estamos viviendo pero algo más experimental en formas. Sigue el para mí más flojo "Eternal Afflict" que no me aporta nada nuevo... prefiero las dos partes de "Paranoia" que suman entre las dos 8 aguerridos minutazos de Cosmic Disco Synth de nivel altísimo disfrutable en tu Laser Drome más cercano.

Venid, hijos e hijas de la Gran Ubre porque os voy a saltar un ojo con mi recortada láser de dos cañones.

https://intersigno.bandcamp.com/album/decrepit 

https://civitasmortis.bandcamp.com/album/decrepit

MIGUEL A. GARCÍA & MIGUEL SOUTO - "THE LURKING FEAR" (ANOXIA RECORDS; EXTERTOR 001, 2017)

Una de las nuevas grandes figuras de la música experimental ruidista vasca como es MIGUEL A. GARCÍA (electrónica, oscilaciones, manipulación), con más de un centenar de grabaciones y que aquí une fuerzas con el emergente músico gallejo MIGUEL SOUTO (voz, batería, objetos, violín, metalófono, manipulación) en lo que se me antoja una prueba de que el Espacio Exterior no es lo que aparenta. Lejos de la magnificente/majestuosa sensación benigna que pudiera ofrecernos su contemplación, The Lurking Fear, que así es como se llama este trabajo, aboga por musicalizar el gradiente obsceno de esa inmesa vorágine que es el Cosmos obteniendo como resultado ese término tan en boga hoy día como es El Miedo Cósmico.

Visto el Universo como una gran úlcera en el Paradigma del Ser Humano, quizás habitamos en los recovecos fistulados de una inmesa herida purulenta que exuda anti materia y lejos de estar en vías de expansión, estamos embrionándonos en un caldero séptico sin visas de curación. 

Editado por ANOXIA RECORDS limitado a 200 copias en CD jewel case con excelente artwork de ALEJANDRO TEDÍN, The Lurking Fear funciona al más puro estilo deconstructivista (como si tuviéramos un TODO en 64 bits y lo pasásemos a 16). Sin asideros emocionales, "Trioptesmeae" hace de génesis con una mezcla alucinante de Electroacústica y Dark Ambient. La repetición constante en oleadas de su abstracto motivo principal (a base de procesado ambient flotante) viene reforzado por el uso de percusiones orgánicas en forma de batería y metalófono, algo no demasiado habitual en el género ruidista/noise. Dicho de otro modo, flotan aromas marciales con un pie en el Drone doom gracias a esa maligna batería que cose todo el trabajo como si de un muñón sonoro se tratara. 

Sólo hay que contemplar la portada en blanco y negro y su fabuloso uso de la iluminación para meternos de lleno en el ciclópeo telar lovecraftiano de rigor... no sé, pero hay algo aquí que parece rendir homenaje a Weird Tales, el Pulp norteamericano y todo eso (quizás por esos chirridos/efectos cuasi Sci Fi tan característico en el uso de Osciladores) . 

El segundo corte se titula "Unknown Kadath" y va desde la electroacústica pura y dura inicial a momentos que parecen sacados de la improvisación libre (gracias a las percusiones y las cuerdas manipuladas). Sin embargo, lo que nos llega parece más compuesto que improvisado (no paran de repetetirse como un bucle algunos sonidos) y una de las sensaciones evocadas más potente es la de constante amenaza. The Lurking Fear hace honor a su nombre y ambos músicos se esfuerzan para que el oyente no haga pie en ningún instante... "Unknown Kadath" va mutando hacia una suerte de Score cinematográfico de un viejo y apócrifo film ruso espacial (atentos al acojonante pulso que aparece a partir del minuto 6 como una hélice subsónica...), para acabar fundiéndose en una putrefacta caja de música.

Sigue "Hidátide", pura torsión del sonido tal y como la Hidátide de Morgagni manifiesta. Giro fibroso del eje vascular en una vorágine llena de acoples de lo que parece una guitarra procesada y casi llegando a la fuerza destructiva del Industrial/Power Electronics. La homónima "The Lurking Fear" llega a los 20 minutos de duración y pasa por todos los intervalos que te puedas imaginar dentro de un Via Crucis Cósmico... desde los motivos de campanillas dentro de un contexto pseudo-ritual al maravilloso ambiente que dan las espaciadas notas del violín. 

Avanzando de forma sutil, vuelvo a decir que una de las principales bazas de este trabajo es que respira de fondo un intento soterrado de melodía que ayuda como testigo, guía o Caronte a no perderse (y perder el sentido). Por poner ejemplos con nombres, quizás el dúo experimental CYCLOBE de Ossian Brown y Stephen Thrower sea buena comparación (el secreto está en la mezcla de Dark Ambient, Soundtrack, Abstract y Drone). Atentos a cómo se va transformando el tema con la aparición de la batería (minuto 9 o así) subiendo la intensidad en una pira funeraria magnética donde arden burbujeantes magma, incienso y mirra.

Discazo.

https://anoxiarecords.bandcamp.com/album/the-lurking-fear

CRÓNICA 29 FANCINE: JUEVES 21.... THE END

Acaba la 29 Edición de FANCINE. A estas alturas los medios oficiales ya se habrán hecho eco de todos los galardones, se celebró la Gala, y encima ayer tuve que asistir al triste espectáculo de ver la caseta de Merchandising vacía y sin adornos, exangüe y sin iluminar. Salía de ver lo nuevo de Takashi Miike cuando me la encontré, oscura, sin posters, sin nada... allí bajo el inclemente temporal lluvioso. Todo pasa, todo llega, pero la alegría del Eterno Retorno, del Renacimiento, es inherente al ser humano y pronto el proceso será inverso... ver montar la caseta para el 30 FANCINE provocará en mí alegría, paz y sosiego (parezco sacado de El Nombre de la Rosa hoy). 

El último paseo ritual desde las salas a la parada del Bus es como una ruta trashumante. Lleva ya marcado mi paso y mi ADN... fácil de rastrear porque no me desvío ni un sólo paso. En mi último paseo evito mirar hacia atrás no fuera a ser que convierta en piedra al Cine Albéniz, o no sea capaz de aguantar el dolor de la despedida... o a efectos prácticos, no vaya a perder el Autobús Nocturno y entonces sí que me invadirá una risa nerviosa.

La selección de películas ha sido fantástica, con mucho nivel tal y como viene ocurriendo desde las últimas ediciones. Hubo un tiempo de debacle en que creí que el Festival tiraría por derroteros asequibles y olvidaría al espectador ávido de todo tipo de sensaciones... y gracias a los cielos, esto no ha ocurrido. 

En estos años hemos tenido auténticas bestias pardas fílmicas, sin concesión ninguna, como por ejemplo The Golden Glove (y acordaros de la seca y brutal Love Me Not de la edición pasada). La hemoglobina no ha bajado ni un pelo y Bliss ha estado ahí para recordarlo. Luego tenemos ese cine raro y cuasi experimental que nos ha llegado con la maravillosa Koko Di Koko Da, The Antenna (con todos sus defectos me ha encantado) y muchas más... un poco en la senda de esas The Bunker o Murder Me, Monster. 

Hemos asistido a modas y repuntes del Terror Oriental, al fabuloso Thriller Coreano o a los últimos coletazos del ya manido cine de terror extremo Francés que han sido sustituidos por una forma de rodar fresca y plástica que aunque todo el mundo cite a Mandy como referente, sus acetábulos dan para un debate más largo del que pudiera yo suscitar aquí (Let The Corpses Tan, el cine de Nicolas Winding Refn...). Cine Asia ha aportado exquisitas perlas como The Wild Goose Like o la presencia del referente Brillante Mendoza, todo ello en uno de los años en que más invitados recuerdo.

En definitiva, FANCINE es un festival actual, potente y en continuo crecimiento que se dirige de forma inexorable a su 30 Aniversario, y yo espero si la salud, los acontecimientos y la vida misma lo permite tener el lujo de contarlo por aquí. 

Agradecer a mi familia la complicidad y el trabajo enorme de paciencia en estos días, a los organizadores, coordinadores de prensa, altos estamentos de Fancine, colaboradores de la Uma, los trabajadores del Albéniz y demás que un año más hacen que uno se sienta arropado y cuidado. Es enorme el mecanismo que hay detrás del Festival y cada muesca del engranaje necesitaría un homenaje. GRACIAS POR TODO!.

Cuesta creer que se acabe, pero se acaba. Permitidme que hoy haga las reseñas que me quedan de una forma más fluida o me temo que se me van a desprender los dedos de las manos.

Ayer tuve la oportunidad de ver CRASH de Cronenberg en su excelente versión restaurada... todo un clásico que no creo que precise reseña. Cronenberg es una etiqueta en sí misma y su cine ha sido objeto de tantos estudios que poco podría añadir un simple bloggero como yo al asunto. Sigue fresca, actual y potente, sin perder un ápice de su perturbadora esencia. 

A continuación vi The Wild Goose Lake de Diao Yinan, película que viene tras pasar por múltiples festivales... un sorprendente Noir con preciosa fotografía que va de menos a más y cuyo tramo final es glorioso. Impecablemente narrada y visualmente arrebatadora. Su director ganaría el Festival de Berlín con la anterior Black Coal (2014). El poliédrico uso de los colores, la minimalista banda sonora, las complicadas y laberínticas calles y unos planos de cámara soberbios son sus puntos fuertes. 

Tras esta exquisitez evidentemente el contraste con First Love de Takashi Miike es brutal y no conecté esta vez con su película. First Love me ha parecido demasiado asequible, ausente de la bizarrez de algunos productos de su director más logrados. Su forma de narrar va a trompicones y hay momentos en que me aburrí como una ostra. Con todo tiene todos esos elementos que hacen disfrutable cada producto que nos ofrece. Para gustos, los colores claro... a mí me pareció muy descafeinada.

En estos días también tuve ocasión de ver la desasosegante Aniara, cinta sueca de ciencia ficción existencialista muy recomendable o la costumbrista Gwen, un poco en la línea de esa nueva ola de  Horror Folk de películas como The Witch, la revisión We Are What We Are (prefiero de largo la original mejicana) y muchas más. Tengo que dejarlo aquí o voy a caer literalmente muerto delante de la pantalla. Los ojos no me dan para más.

Nada más. Gracias y Gracias. 

CRÓNICA 29 FANCINE: MARTES 19

Tengo los ojos tan hundidos que por el rabillo del ojo me veo la nuca por dentro, y ya he aprovechado para recortarme bien el pelo por detrás. Los párpados tan caídos que los uso para taparme las rodillas cuando hace frío; mis cejas han perdido toda expresión y parezco un antiguo muñeco de Cortylandia... aun así, soy feliz. 

Sonrío grotescamente de forma perenne aunque si he de ser sincero, cuando alguien me interpela a hablar algo no sé ni lo que estoy contestando y me he sorprendido hablando con un extintor de fuego creyendo que era alguien con jersey rojo. Un TAC me confirma que el 60% de mi masa gris se ha evaporado y ahora parece una nuez (esto me alegra porque dicen que tiene Magnesio... quizás sea buena cosa comerme mi propio cerebro). 

Ayer me dijo el médico que era reversible... y yo creí que estaba hablando de mi estado mental. Pues no, cogió un guante, metió un dedo por mi esfínter anal y me dio la vuelta. Dijo: "ala, ya ve, usted es reversible" (así tal cual, como las chaquetas Bomber aquellas). Cuando vi mis vísceras por fuera exhalé un penetrante grito a la vez que le dije: "USTED NO ES MÉDICO!!!!". 

El área funcional está noqueada. 26 sesiones de cine en 6 días comiendo poco y mal, durmiendo poco y mal, pero disfrutando mucho y bien. FANCINE 29 está ya en su recta final y hoy ha sido otro día grande con cuatro buenas películas. 

El Miércoles tendré que ausentarme por motivos personales y el Jueves finiquitaré FANCINE con otras cuatro sesiones. Seguid disfrutando de la fiesta:

DINER (Mika Ninagawa / Japan / 2019)

"Kanako Oba, una chica solitaria, piensa que su vida no puede ir a peor hasta que se postula para un dudoso trabajo a tiempo parcial. Desde ese momento, su vida parece una ilusión. Termina siendo vendida a un restaurante similar a una fortaleza. Atrapada allí no tiene otra opción que trabajar como camarera para Bombero, el propietario, un chef que resulta ser un asesino retirado".

Fantástica película japonesa de la directura Mika Ninagawa que distribuirá Warner Bros y que se presenta en FANCINE por todo lo alto. Basado en la obra de Yureaki Hirayama (adaptada también al Manga) el guión roza el delirio; códigos de conducta férreos de MASTER CHEF se mezclan con la mafia japonesa, altas dosis de psicotropos y un endiablado trabajo de la cámara (con postproducción de lujo). En ciertos aspectos me ha recordado a esa auténtica bizarrada que fue THE WORLD OF KANAKO (2014) de Tetsuya Nakashima pero menos turbia y violenta que aquella. 

Divertidísima y descarada, pocas pegas le voy a poner. Las películas japonesas de este tipo no tienen parangón y es casi imposible no meterme de lleno en sus historias, por más inverosímiles y rocambolescas que resulten.

DEERSKIN (Quentin Dupieux / France / 2019)

"Georges, un hombre apuesto de mediana edad, se dirige al campo cuando decide parar en una mansión abandonada. Dentro vive un hippie que quiere venderle una chaqueta de piel de ciervo, la cual termina comprando. Desde ese momento, se obsesiona con la chaqueta ya que cree que le sienta bien y, que además, le hace parecer un asesino".

Quentin Dupieux riza el rizo tras AU POSTE del año pasado (y todas las anteriores, claro está). El absurdismo en estado puro me ha encandilado en esta nueva muestra de comedia surrealista (otra obra de culto y van unas cuantas) con tintes de denuncia. El francés es un genio midiendo los tiempos y sus películas tienen la duración necesaria, sin preámbulos ni relleno. Su preciosa fotografía se basa en unos helados exteriores en Sarrance, los Pirineos Atlánticos, donde el duelo interpretativo entre Adèle Haenel y Jean Dujardin brilla con luz propia. 

Absolutamente cualquier cosa puede pasar en una cinta de Dupieux, y memorables escenas como la del sombrero o su final quedarán grabadas en las retinas de los espectadores. O lo amas o lo odias, pero viendo el lleno casi completo de la Sala me atrevo a decir que en Málaga hay muchísimos seguidores del cine de Dupieux. Maravilloso.

Por cierto, sólo como curiosidad, en el inicio suena "Et si tu n'existais pas" de Salvatore Cutugno, que si mi memoria no falla, también sonó en la seca, cruenta LOVE ME NOT de Alexandros Avranas, proyectada creo que el año pasado o el anterior y que es una de las películas más duras que he visto.

ALPHA: THE RIGHT TO KILL (Brillante Mendoza / Philippines / 2019)

"La película cuenta la operación para arrestar a Abel, uno de los mayores narcotraficantes de Manila, llevada a cabo por las fuerzas policiales de la SWAT. Elijah, oficial de policía, y Espino, un camello informador, son los responsables de crear el plan para la operación que pronto se tornará en una confrontación violenta y armada entre la SWAT y el cártel en los barrios marginales de Manila. Antes de que los investigadores lleguen a la escena del crimen, Espino y Elijah escapan con la mochila de Abel llena de dinero y metanfetamina. Este gesto de supervivencia para uno y de corrupción para el otro, pronto desencadenará una serie de sucesos, arriesgando ambos su reputación, sus familias y sus vidas en el proceso".

Brillante Mendoza nos vuelve a meter de lleno en el sucio mundo callejero de Manila ofreciendo una cara bien distinta en lo cinematográfico a la más asequible desde el punto de vista comercial WATCH LIST (proyectada también este año). Es decir, el cine de Mendoza se empapa de bilis cuasi periodística para ofrecernos un inaudito trabajo de cámara, un ritmo narrativo ágil que roza el plano secuencia en el que se nota que el director (tal y como comenta en la rueda de preguntas posterior) tiene clarísimo lo que quiere. 

Un aprovechamiento exhaustivo de los recursos para hacer verosímil una trama que es real a día de hoy. La rueda de la droga y su retroalimentación a través de un sistema que va desde las más altas posiciones sociales para extenderse en la calle y posteriormente volver al inicio. Un ciclo de terror que se puede sentir en la película sobre todo en su segunda parte, más calma y para mi gusto cinematográficamente espectacular. Destaca el multipremiado actor Allen Dizon capitaneando esta segunda oleada de Cine Filipino crudo, real y a reivindicar una y otra vez.

EXTRA ORDINARY (Mike Ahern y Enda Loughman / Ireland / 2019)

"Rose es una dulce y solitaria profesora de autoescuela de Irlanda. Su vida sería normal si no fuera por sus poderes sobrenaturales, con los que tiene una relación de amor-odio y, además, las constantes demandas de sus vecinos no lo hacen mucho más fácil. Christian Winter, una estrella de rock fracasada, decide hacer un pacto con el diablo para recuperar su fama. Por ello, el demonio exige el sacrificio de una virgen. Rose es la única que puede parar a este demonio y no estará sola ya que Martin, su nuevo estudiante, la ayudará".

Otro de los puntos fuertes del festival este año es la comedia irlandesa EXTRA ORDINARY, que viene de pasar triunfal por muchos festivales y que bueno, pocas pegas se le pueden poner. Divertida, ingeniosa y un con ritmo final conseguidísimo. Predominan más los aciertos que los clichés, y es casi imposible no disfrutar de las actuaciones de auténticos camaleones como Will Forte (por ejemplo NEBRASKA, ahí es nada), Barry Ward (que trabajó con Mateo Gil en PROYECTO LÁZARO) o la más desconocida pero genial Maeve Higgins.

El personaje de Christian está inspirado en numerosos artistas que se mudaron a Irlanda en los 80 y 90 en su declive para eludir las tasas de impuestos; los insertos de las cintas del padre de Rose son de auténtico delirio (la escena del charco y el perro son impagables). No inventa nada nuevo pero es un soplo de aire fresco.

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Un día de descanso y nos leemos en breve con la crónica del Jueves.

CRÓNICA 29 FANCINE: LUNES 19

Ayer Lunes fue otra buena maratón de cine. No puedo abarcarlo todo pero cada año hay más y más actividades dentro de FANCINE y siempre hay algo que es imposible de cuadrar con tus horarios, y otras veces simplemente cometes errores de peso. Mi error de peso fue no entrar a ver el documental de NAVAJEROS, CENSORES Y NUEVOS REALIZADORES... y no porque no estuviese bien la película que elegí, sino porque me fascina esa época que ha tratado Rafatal en su trabajo. 

Quizás estoy tan cansado ya que me dejo llevar un poco por impulsos del momento pero espero enmendarlo y ver el documental en algún futuro pase que se haga en Málaga.

Llevo un pleno de 22 sesiones de 22 proyectadas y posibles y lo estoy pasando en grande. No quiero ni pensar qué nos deparará el año que viene el 30 aniversario del Festival (y yo haría si estoy entre los vivos 10 años cubriéndolo de forma humilde y espero que distinta; odio lo formal y académico y espero seguir un estilo propio todo el tiempo que pueda). 

Hoy quiero hablaros otra vez (otros años lo he hecho) de los clásicos. Los clásicos son esos compañeros de sala que no conoces de nada pero que llevas viendo toda una eternidad de días y años... no tienes la más remota idea de qué les gusta o qué les disgusta pero les une la misma pasión que a ti. Esta pequeño texto va dedicado a ellos y ellas, los que habitan en el umbral de las salas y están siempre ahí. Desconozco si sois buenas personas o malas, si os mueve sólo un zombificado impulso eléctrico pero joder, qué mérito tenéis. Aunque nunca hayamos tenido unas palabras entre nosotros, sé que tú también piensas que yo soy un clásico y entre clásico se mueven códigos de honor y respeto. 

Algún día hablaremos, discutiremos, nos recomendaremos películas... mientras tanto, hagamos que la distancia siga poniendo la magia de lo clásico. Sabemos que la magia se perderá cuando hablemos por lo que es mejor permanecer callado. Lo he dicho en otras ediciones pero esa gente fija que va siempre son el Alma Sagrada que sustenta todo. Son como atávicos seres mágicos que alimentan de poder al FANCINE como si fuese un ritual pagano. 

No los puedes amputar de ahí o corres el peligro de que la desgracia nos abata.   

Oh, Clásico, cuídate como amigo y amiga entre las sombras que el próximo año nos reunificaremos en el gran Aquelarre. Algún año todos los clásicos y clásicas nos metamorfosearemos unos con otras formando una gran y gigantesca figura al estilo Power Rangers... la llamaremos EL GRAN CLÁSICO. Dará miedo verlo pero realmente soy (somos) bonachones.

Paso a hablar de películas:

LITTLE MONSTERS (Abe Forsythe / Australia, United Kingdom / 2019)

"David es un vago en plena crisis: su novia le ha dejado, se ha quedado sin trabajo, aunque insiste con orgullo en que está al frente de una banda de música que en realidad se separó hace años. Abusa de la hospitalidad de su hermana, hasta que decide ir a una excursión de su sobrino, por una sola razón: acostarse con la profesora del niño, la señorita Caroline. Pero en el viaje, se topará con algo inesperado: zombis".

Australia en el cine gore y de zombies siempre es sinónimo de al menos pasarlo bien. En esta pequeña joya en forma de comedia pseudo musical no fallan, salvando los clichés que abundan con muy buenos momentos de humor. Lo del cine de infectados es alucinante; la capacidad de crear historias nuevas sobre una misma premisa (al fin y al cabo estas películas siguen un algoritmo: infección, persecución, liberación, posible reinfección). 

Muy bien rodada, con momentos gore que no llegan a hacerla cruda... es casi como una peli gore para niños (¿es posible eso?). Me he divertido un montón y la oscarizada, multipremiada Lupita Nyong'o brilla con luz propia comiéndose al algo más sosainas Alexander England. 

Siempre lo digo, el cine Australiano es símil como mínimo de diversión a raudales.

KOKO-DI KOKO-DA (Johannes Nyholm / Sweden, Denmark / 2019

"Una joven pareja decide hacer un pequeño viaje para salvar su relación. Necesitan hacer una parada y pasar la noche en el bosque. Sin embargo, no son conscientes de que no están solos: un grupo de artistas aparecen de entre los árboles aterrorizándolos y llevándolos cada vez más hacia una vorágine de terror psicológico y de humillación".

Maravillosa historia no apta para todos los públicos y paladares (su ritmo y forma de contar desesperó al respetable) en la que se tratan temas como los ritos de paso, el duelo y la culpabilidad desde la óptica de una meta narración simbológica al más puro estilo LYNCH. Si te metes dentro de la película, vivirás una perturbadora y claustrofóbica historia de terror psicológico con tintes de drama donde se cuidan detalles como la música o la escenografía.

Pequeños insertos de sombras chinescas parecen hablar del ciclo de los renacimientos o el despertar y muerte de la culpa (es más, el director tiene un corto de 2009 llamado SUEÑOS DEL BOSQUE en esta técnica). Película en sí de difícil interpretación que aconsejo ver abierto de miras y sin buscar excesivamente el hilo conductor. A veces la obsesión por la búsqueda de una explicación a la trama priva a los espectadores de la sensación de estar metidos en una onírica gincana terrorífica. 

Yo le di la máxima puntuación y lo explico: original, perturbadora, cíclica, busca el desasosiego en elementos que deberían ser lo contrario. Si para los niños los cuentos infantiles y sus personajes tienen vida propia, cuando esos personajes irrumpen en el reino de los humanos se transforman en figuras retóricas terroríficas y malsanas. Y reitero... no apta para todo tipo de público. 

ZOMBI CHILD  (Bertrand Bonello / France / 2019)

"Haití, 1962. Un hombre es traído de entre los muertos para trabajar a la fuerza en el infierno de las plantaciones de caña de azúcar. Cincuenta y cinco años más tarde, en el prestigioso internado de la Legión de Honor en París, una chica haitiana le confiesa a sus nuevas amigas el secreto que ha estado persiguiendo a su familia. Está lejos de saber que estos secretos harán que una de ellas, en un arrebato de amor, cometa una atrocidad".

El director de la recomendable NOCTURAMA (2016) nos trae una dosificada película sobre el problema Zombi en Haití. Narrativamente es perfecta, con dos historias que transcurren hasta desembocar de alguna manera en un tenso clímax. La música es un bastión importante tanto para apoyar de forma minimalista algunas escenas como recogiendo cánticos rituales haitianos. Los gestos, expresiones histriónicas y simbología propias del Vudú son sobrecogedores y lo que es la escenografía es perfecta. Me gustaría hacer mención a la fotografía espectacular en las escenas en que el zombificado vaga por la jungla bajo una luz lunar (no sé si serán filtros pero es maravilloso como queda).

Si bien parece por momentos que la película es un drama, pronto se van atando cabos y sin sobresaltos nos metemos en un tramo final muy logrado mezclando el acervo haitiano con lo sobrenatural sin llegar al pastiche, que es lo importante. Para mi gusto, una de las mejores películas de terror que he visto en el festival... sutil, original y tan dosificada que cuando llega el terror te descoloca completamente. Imprescindible.

RIOT GIRLS (Jovanka Vuckovic / Canada / 2018)

"Después de que todos los adultos hayan muerto debido a una misteriosa enfermedad, los supervivientes (adolescentes todos) están divididos en dos grupos: los desdichados Eastsiders y los tiránicos Westside Titans. Cuando uno de los Eastsiders es capturado por los Titans, Nat y Scratch, dos punks y amigas, liderarán a los Eastsiders en una violenta y peligrosa misión que cambiará el futuro de Potter's Bluff". 

Plana, ridícula historia de la directora del corto THE BOX recogido en la película de episodios XX. RIOT GIRLS es un despropósito de principio a fin. No funciona ni como película apocalíptica ni como drama adolescente... a decir verdad, la única comparación que se me ocurre es con la serie SALVADOS POR LA CAMPANA. Cogiendo a actores que han salido en TURBO KID más de un espectador esperaba algo por el estilo, o al menos una malsana muestra de violencia punkarra apocalíptica.... pues no, lo que tenéis es la bazofia más grande que he visto en años (con el permiso de ANDERSON FALLS). Me niego a seguir comentándola que me cargo de vibraciones negativas.

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Aprovecho el sitio para decir unas palabras sobre algunas películas que he dejado fuera por haber visto con anterioridad. Es lo que tiene fagocitar tanto cine durante el año.

THE GOLDEN GLOVE (Fatih Akin / Germany / 2019)

"Un asesino en serie siembra el pánico entre los residentes de Hamburgo durante los primeros años de la década de los 70". 

Una joya lo nuevo de Fatih Akin. Cruda, despiadada y visceral THE GOLDEN GLOVE, suerte de biopic sobre el asesino en serie Fritz Honka. Como suele ocurrir con este tipo de cine sin concesiones, prima la decadencia en estado máximo (véase HENRY, RETRATO DE UN ASESINO). Sé que hay quien piensa que la caracterización de Jonas Dassler es excesiva... bien, mirad la foto real y haced una prueba. Ponedle las gafas de la época y cambiar el blanco y negro por el color... ahí veréis los perturbadores detalles que hace lo etílico en la faz de una persona. El blanco y negro de la fotografía original no refleja en absoluto la expresión de Fritz Honka, que sí que sería bastante parecida a la aquí conseguida.

Determinadas escenas son repulsivas pero ojo, me parece de un mérito enorme del director no suavizar nada. Si vas a hacer un biopic sobre un asesino en serie no hay nada que suavizar o esconder... si no usas la ficción tienes que recrearte en la sordidez de ese dantesco bar llamado El Guante Dorado en una Hamburgo en plena transición social.

Para mi gusto, una de las que deberían de competir por la mejor película del Festival.

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Cuando llego a casa me miro al espejo y veo que me han descuartizado. Me llevo un susto enorme pero caigo en la cuenta de que me estoy mirando en mi nuevo espejo con efecto caleidoscopio... eso sí, no os recomiendo que lo uséis para afeitaros o podríais hacer un destrozo.

Mañana más, que no puedo con mi alma.

CRÓNICA 29 FANCINE: DOMINGO 17

He aprendido a descansar escribiendo. Si hago que las letras sean parte de mí, conforme avanzan por el monitor no son más que extensiones de mi cuerpo que se tumban en la pantalla. Parece una tontería, pero da descanso. Si tengo frío, he descubierto un truco; señalo el texto y me cubre como una manta. Abriga. Mientras nadie le de a suprimir, pienso seguir existiendo en letras. 

Todos los años me digo lo mismo, que voy a bajar un poco el ritmo, que algún día de descanso tengo que intercalar, que voy a caer malo.... pues nada. Esta mañana me he asustado al verme al espejo. Las bolsas debajo de los ojos se podían estirar como un chicle y las retinas y la mucosa están tan enrojecidas que parece que me he lavado los ojos con amoniaco. 

Por las noches, cuando llego a casa, no puedo dormir con facilidad; cierro los ojos y me estallan cientos de fotogramas a una velocidad endiablada en la pantalla mental que todos tenemos. Se trata de una sobre estimulación en todos los sentidos. Noto que llegado cierto límite, lo mismo puedo ser capaz de ver 10 películas seguidas sin ni siquiera inmutarme, comer o moverme. Es un Trance Anti Zen Fancinero del que luego pasaré por la fase del duelo cuando acabe... el bajón que todo lo compensa. Parto de la base de que por mi trabajo me reloj interno y mi ritmo circadiano están completamente a la deriva, así que no suelo dormirme cuando otros lo hacen ni mis endorfinas se segregan cuando tienen que segregarse... es así, los trabajos a turnos rotatorios matan, pero sin ellos la vida no podría desarrollarse.

Disfrutar y escribir. Cada acto compensa al otro. Me sería muy fácil acudir sin responsabilidad de ningún tipo y sólo disfrutar viendo, pero me faltaría el complemento necesario (realización personal podría tildarse) de escribir. Necesito que tengo que escribir sobre las cosas, que me comunico mejor escribiendo que hablando, y me prometo que el año que viene voy a empezar cada crónica con la mejor frase escuchada ese día entre bambalinas (siempre partiendo del humor, eh?). Hoy por ejemplo podría poner una que me dejó patidifuso; un grupo de chicos y chicas al lado mía y una le dice al resto: "ah, yo pensé que estas películas las hacían especialmente sólo para este festival".............................................................

Esta frase resume toda la lógica de una nueva generación. Estamos en pleno Kali Yuga, corazones.

Darlin' (Mcintosh / United States / 2019)

"Darlin’, una adolescente asalvajada, es trasladada desde un hospital católico a una casa de acogida dirigida por el obispo y sus obedientes monjas, donde será educada para convertirse en una “chica buena”. Sin embargo, Darlin’ esconde un oscuro secreto, y alguien, The Woman, salvaje y peligrosa, va tras ella y está decidida a recuperar lo que es suyo cueste lo que cueste".

Bueno, esta película la había visto con anterioridad pero pensaba acudir a verla otra vez para ver a Pollyana Mcintosh, que al final se ausenta por enfermedad pero aprovecho igual y la reseño:

Lástima que Pollyana Mcintosh no haya podido acudir a FANCINE por enfermedad. Estaba deseoso de hacerle preguntas y de que me firmara mi ejemplar de Al Otro Lado del Río de JACK KETCHUM donde se da inicio al universo concebido por esta suerte de trilogía que va de THE OFFSPRING (2009) a la exitosa THE WOMAN (2011), para acabar en el debut a la dirección de Pollyana en la para mí muy fallida DARLIN´. La historia se ha estirado demasiado y convertido su brutalidad inicial y premisas salvajes en una suerte de drama rocambolesco con buenos momentos aquí y allá pero primando los clichés y la moralina.

Se intenta pasar la historia al lado costumbrista, a la lucha de religiones y al paganismo, y se desemboca en un batiburrillo extraño que produce lo peor que puede producir una película: indiferencia. La frescura de THE WOMAN se ha perdido, y esto ya se siente como una saga que debe de acabar por fin. Está bien dirigida e interpretada y estoy seguro de que el próximo film de Pollyana será su verdadero debut a la dirección una vez finiquitado este personaje (casi que uno nota que quería darle un final digno o algo). Regulera.

VIVARIUM (Lorcan Finnegan / United States / 2019 / 97’)

"Una joven pareja se plantea la compra de su primer hogar. Para ello visitan una inmobiliaria donde los recibe un extraño agente de ventas, que les acompaña a una nueva, misteriosa y peculiar urbanización para mostrarles una vivienda unifamiliar. Allí quedan atrapados en una laberíntica pesadilla surrealista".

Curioso cuanto menos que repitan en dos películas y mismo festival el tándem interpretativo de Jesse Eisenberg e Imogen Poots. Película potente a concurso a caballo entre la ciencia ficción y el terror con momentos muy logrados. Fantástica imaginería basada en un cuidado uso de los escenarios y los colores que provocan desasosiego en el espectador... a veces la asepsia visual puede provocar auténtico pavor. 

Tiene un buen desarrollo y no hay exabruptos que la conviertan en algo demasiado artificial, así que al final te acabas metiendo dentro de ese rompecabezas cinematográfico tan al uso de CUBE y similares; ejercicios cinematográficos de poner en escena los claustrofóbicos escenarios Kafkianos  mezclados con utopías Ballardianas. Todo un logro.

LITTLE JOE (Jessica Hausner / Austria / 2019)

"Alice es una experta en fitogenética que trabaja para una empresa especializada en el desarrollo de nuevas especies de plantas. Creó una flor muy particular, rojo bermellón, de destacada belleza y propiedades terapéuticas. Si el propietario la mantiene a la temperatura adecuada, la alimenta correctamente y le habla frecuentemente, la planta le hará feliz. Desobedeciendo el reglamento de la empresa, regala una de estas flores a su hijo, Joe. Juntos, la llamarán "Little Joe". Pero, a medida que la planta crece, Alice tiene dudas sobre su creación: tal vez esta planta no sea tan inofensiva como su nombre sugiere".

Es curioso lo de esta película. Un sutil ritmo narrativo marcado por una banda sonora excelente, unas interpretaciones fantásticas y un uso del tempo enorme, echados por la borda en un inverosímil y flojo clímax final en una pérdida de fuelle tan grande que me da rabia por lo grande que podría haber sido. Aun teniendo comparaciones de la crítica con LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS, LITTLE JOE juega en una liga más estilizada hasta el punto de que en ocasiones parece que estemos viendo una película perdida de HITCHCOCK.

Hay detalles muy logrados y bien medidos: los vestuarios (la ropa de Alice parece toda sacada de la década de los 60), el uso de los colores, los planos de la cámara, el score musical con detalles de Gagaku japonés y música Gamelan (es de TEIJI ITO, para quien quiera investigar un poco). Aun así la película es de obligado visionado y te mantiene (exceptos sus últimos 5 minutos) pegado al asiento.

CHRONOLOGY (Ali Aydin / Turkey / 2019)

"Hakan y Nihal han estado casados varios años. Poco después de enterarse que ella no puede tener hijos, desaparece. Mientras Hakan busca frenéticamente a su mujer,  descubre una serie de dolorosos secretos sobre él mismo y su matrimonio. Hakan tendrá que hacer frente a sus propios demonios para poder descubrir qué le ocurrió a su mujer".

Tal y como cuenta su director Ali Aydin en la rueda de preguntas, CHRONOLOGY funciona más como cine denuncia que como película de suspense o terror psicológico. Digo esto porque la forma de narrar puede ser engañosa. Como cinta de terror al uso falsea demasiado en el sentido de que le roba información imprescindible al espectador para luego ofrecérsela en un duro y denso sprint final en el que (sin spoilear) te das cuenta de que te han manipulado. 

Luego, todo se revela como una cruda denuncia social de la realidad que están viviendo las mujeres no sólo en países como Turquía (el mismo director comentaba la gran cantidad de críticas que obtuvo en Corea) sino a nivel general. Una vez vista entera y escuchado a su director, es cuando Chronology se revela en toda su dureza.

SWORD OF GOD (Bartosz Konopka / Poland, Belgium / 2018)

"A principios de la Edad Media, dos caballeros cristianos (un veterano, Willibrord y un novicio, Sin nombre) parten para cristianizar una pequeña aldea pagana escondida en las montañas. A pesar de las diferencias de opinión sobre religión, los dos hombres se convierten en compañeros de viaje y crean una relación padre-hijo. A medida que se asientan en la comunidad local, su fe, su visión del mundo y el vínculo entre ellos son puestos a prueba".

El prestigioso y laureado director polaco Bartosz Konopka nos trae una oscura historia sobre la lucha entre la religión y el paganismo. Opresiva, trabajada hasta la extenuación en los escenarios y en la oscurísima fotografía, por momentos parece que estoy viendo cosas del cine de HERZOG como AGUIRRE. Muy buen papel el de Krzysztof Pieczynski que me costaba no compararlo físicamente con el añorado Donald Pleasance.

Dentro de esa corriente de cine histórico oscuro, KREW BOGA (El Mudo, nombre original del film), tiene momentos muy impactantes. Antropología en estado puro que consigue en todo momento que los espectadores cambien su óptica y paradigma hacia el de el ser humano en la Edad Media. La lucha de clanes, la aparición de la violencia por la religión, las conversiones por la espada y la manipulación de los milagros. Fantástica.

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La despedida de hoy es algo más corta. Adiós. 

CRÓNICA 29 FANCINE: SÁBADO 16

Tercera maratón de cinco sesiones y empiezo a confundir la realidad. Todo se vuelve maleable y como el moho, pequeñas perlas de irrealidad séptica pululan por mis retinas. Esos huecos que no deberían estar ahí dan paso a otros mundos que poseen otras reglas. 

En esos mundos a los que se llega por los huecos ponzoñosos provocados en éste, todos/todas son más tolerantes y arriman el codo en hermandad. Desaparecidos la violencia, la intolerancia, e incluso la enfermedad qué paradoja que la putrefacción de nuestro mundo provoque agujeros fistulados hacia una realidad superior... si eso es así, y descubro que es así y no producto de mi mente, puede ser que la solución a nuestros problemas como especie sean cíclicos y cuando el máximo grado de podredumbre llegue, se manifestará ese Otro Lado, ese Nirvana plácido (Eterno Retorno que diría Mircea Eliade), y por tanto la solución como especie no pase por invertir el cambio climático o reconducir la sociedad. 

Quizás, sólo quizás, hay otra realidad más potente al otro lado, más buena, que está haciendo lo posible por ganar a ésta. En ese caso, lo mejor que podríamos hacer es rendirnos y aceptar la Buena Nueva que llega desde los caleidoscópicos colores de los fuegos fatuos.

Acabo de descubrir que estaba dando una cabezada y en mi mano tengo un panfleto de los Testigos de Jehová de al lado de la taquilla de prensa. Nota Mental: no coger nada en estados alterados de consciencia.

Paso a analizar la jornada.

AMIGO (Óscar Martín / Spain / 2019 

"Tras un grave accidente, David decide acoger y cuidar a Javi, su mejor amigo. Sin embargo, no pasa mucho tiempo cuando las disputas entre ambos salen a la luz, ocasionando una relación tóxica y con tendencias homicidas, más cercana a la demencia que a la amistad que mantienen".

Hay todo un universo soterrado de películas malditas y de culto en nuestra cinematografía. Generalmente enclavadas en las décadas de 70 y 80, tenían la particularidad de estar moviéndose en una época convulsa que permitió al Fantaterror hispano alcanzar cotas de culto, tal es ello que es un fenómeno que se estudia y se rememora bastante en el extranjero. Pues bien, esta Amigo de Oscar Martín es un sórdido, alucinante thriller psicológico donde el peso de la trama la llevan dos actores en un excelso estado de gracia. 

Se contó con la presencia de David Pareja para presentar la película y tuvo la amabilidad de contar bastantes anécdotas durante la rueda de preguntas. Brillan el clima opresivo, la fotografía irreal que empapa la película (se esforzaron durante el rodaje de dar ese sensación de fuera de época) y un duelo interpretativo que me puso los vellos de punta. 

Podría hablar largo y tendido de Javier Botet y cómo ha reconducido su Síndrome de Marfan hacia la adaptación y arma cinematográfica, pero prefiero recalcar que estamos ante un resurgir del thriller rural hispano con enormes títulos (recordar que hubo un género en España que se llamó el Spanish Gothic) como esta AMIGO que está cosechando muy buenas críticas y premios por donde pasa. Estas películas son las clásicas que luego viene Yankilandia a hacer su remake. Al tiempo. Recomendadísimo thriller psicológico que te corta el aliento.

ANDERSON FALLS (Julien Seri / Belgium / 2019)

"La película gira en torno al detective Jeff Anderson, el cual tenía una vida normal hasta que su mujer murió. Aunque las evidencias apuntan a que ha sido un suicidio, Anderson se obsesiona con la idea de que ha sido asesinada. Después de una ardua investigación, se enterará de que su mujer ha sido víctima de un grupo de asesinos en serie". 

Tengo la opción de retirarme aquí y no escribir estas líneas, pero no sería justo para el que sigue (si hay alguien) este pequeño diario. Presentaba Julien Seri la película ayer por primera vez en pantalla grande y me huelo que no la ha visto ni en pantalla grande ni en pequeña. Esto tiene que ser como los timos telefónicos o algo porque no puedo comprender de qué forma me metieron este bodriazo ayer. 

Aromas de telefilm, diálogos ridículos, interpretaciones desastrosas, una histriónica música desacompasada metida con calzador, clichés, y lo que es peor... todo ello montado en una película con aires serios de thriller. No sigo, que me conozco. Me paro aquí que para gustos los colores, vengan del espacio o de dónde sea. No sé si es una película o un capítulo de la serie 

COME TO DADDY (Ant Timpson / Canada, Ireland, United States, New Zealand / 2019)

"La vida de Norval está siendo difícil. Vive con su madre mientras entra y sale de distintas terapias de rehabilitación debido a su adicción con el alcohol. Un día recibe una carta de su padre en la que le pide que lo visite. Norval no se lo piensa dos veces y decide reencontrarse con él y así poner fin al vacío emocional que lleva consigo desde su adolescencia. Sin embargo, al poco tiempo de estar allí, Norval se da cuenta de que algo no anda bien, su padre es un borracho empedernido. Lo que en un principio parecía un idílico reencuentro familiar, termina siendo una auténtica pesadilla". 

Ant Timpson hace su debut tras estar produciendo cintas conocidas como HOUSEBOUND, TURBO KID o ABCS of DEATH. Lo que tenemos aquí es un cuidado thriller mezclado con comedia negra con un Elijah Wood que cada vez más está eligiendo papeles algo distintos. El máximo problema que encuentro es que sólo hay un giro de guión en toda la trama, y ese giro divide la película en dos. 

El primer tramo es muy bueno, se mueve entre el suspense con ligeros toques de comedia... pero a partir de girar la bisagra mediante el susodicho giro de guión, la película se convierte en una dantesca payasada fílmica con más comedia que otra cosa y lo peor, que no se dirige hacia ningún sitio. Los que hayan disfrutado dirán que es una crítica soterrada que si tal y que si cual, pero bueno, sólo ver el cartel promocional con Elijah Wood rodeado de frases publicitarias ensalzando la película uno sospecha que el mundo de las reseñas cinematográficas encierra un disparatado compra y venta que es mejor dejar estar.

Para mi gusto, una oportunidad desaprovechada porque potencial había y mucho. Hay momentos buenos pero en otros el piloto automático prima demasiado. Habrá que seguir la pista del director porque apuntaba muy buenas maneras.

SUICIDE TOURIST (Jonas Alexander Arnby / Denmark / 2019)

"Max Isaksen, un detective que está investigando la desaparición de un hombre casado llamado Arthur, llega al hotel Aurora tras seguir una serie de pistas. Aunque a primera vista pueda parecer un hotel cualquiera, esconde un oscuro secreto, ya que se encarga de ayudar a que los clientes cumplan su deseo de suicidarse".

Nikolaj Coster-Waldau sigue la senda ascendente tras la recomendable CUANDO DESPIERTA LA BESTIA pero esta vez en clave introspectiva y siguiendo una estela casi lindante con el cine espiritual y New Age. El ritmo sosegado pero equilibrado nos lleva de la mano hacia un final de abierta interpretación, pasajes reflexivos que ahondan sobre la eutanasia y sí que es verdad, otras partes donde actores tan potentes como Jan Bijvoet (el de BORGMAN) se desaprovechan un poco.

En definitiva, película que entra con facilidad, muy cuidada y con una preciosa fotografía, y cuyas virtudes priman sobre los defectos... afortunadamente no se cae en la moralina barata y al final se queda uno con la sensación de que algo se le ha escapado. Me encantan estar producciones danesas, que siempre ofrecen algo distinto e interesante.

WATCH LIST (Rekhi Ben / Philippines / 2019

"Película ambientada en las guerras anti-drogas y en las matanzas extrajudiciales en Filipinas. María es la protagonista de esta historia y, tras la muerte de su marido en extrañas circunstancias, se encontrará envuelta en los entresijos del oscuro mundo de policías, criminales y drogas de Manila. Ella necesitará encontrar el coraje necesario para proteger a sus tres hijos de este horrible mundo". 

Crudo reflejo de la criminalidad y la droga en Manila, envuelta en unos planos urbanos cargados de miseria que rozan el cine social y de denuncia. Curioso que venga esta película de Rekhi Ben, que el año pasado nos trajo la más limpia y aséptica THE ASHRAM. Casi todos los años llega algún producto rodado en Filipinas y suelen ser películas bastante violentas y sucias y WATCH LIST no es una excepción. 

Mucha droga, muchas motos, mucha gente con chanclas y mucho tiroteo.

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Salgo cerca de las dos de la madrugada del cine y me encuentro al detective de Anderson Falls apoyado en una barandilla y mirando hacia el Teatro Romano. En un primero momento iba a acercarme a consolarle pero luego lo pensé mejor... creo que el rubiales quiere que borren su rastro de la película y ahora no sabe cómo hacerlo.