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martes, 29 de octubre de 2019

MIGUEL SOUTO - "II: EURÍDICE" ( III Arms ‎– IIIA020 / La Llama Inextinguible ‎– 01, 2018)


- Joven Orfeo –dijo Plutón-, hasta aquí habían llegado noticias de la excelencia de tu música; pero nunca hasta tu llegada se habían escuchado en este lugar sones tan turbadores como los que se desprenden de tu lira. Por eso, te concedo el don que solicitas, aunque con una condición.
 - ¡Oh, poderoso Plutón! –exclamó Orfeo-. Haré cualquier cosa que me pidáis con tal de recuperar a mi amadísima esposa.
 - Pues bien –continuó Plutón-, tu adorada Eurídice seguirá tus pasos hasta que hayáis abandonado el reino de las tinieblas. Sólo entonces podrás mirarla. Si intentas verla antes de atravesar la laguna Estigia, la perderás para siempre.
- Así se hará –aseguró el músico.

He decidido por alguna razón que se me escapa que Eurídice sea mi carta de presentación de letras del músico de La Coruña MIGUEL SOUTO. Quizás sea por la tremenda carga trágica que embadurna esta preciosa cinta doble (como objeto es impagable), segunda parte de una trilogía (empezada en 2016 Ego Solus Ipse), y que lenta pero inexorablemente habla de la cópula perversa entre Thanatos y Eros que desemboca en ese caos infinito, nauseabundo y Sartriano de La Nada. Como suele ocurrir en este tipo de discos tan personales, me siento como un Voyeur montado en una barca que navega por mares serotoninérgicos; un intruso que no debería estar ahí pero que por razones del destino está. Ruego perdón por mi intromisión.

No creo que sea casualidad que la primera cinta se llame Eurídice y la segunda Orfeo, siendo éste quien baje al Inframundo, a la Laguna Estigia, a tratar con Caronte para conseguir llegar a Hades. Ambos amortajados en dos cassettes preciosas en una mortaja de plástico diseñada por TREBLE NOIR y editada por III ARMS / LA LLAMA INEXTINGUIBLE

Aunque previos trabajos de Souto tiren de una estela más oscurantista, abrazando géneros como el Noise, el Drone o el Black Metal (por ejemplo en el proyecto SUDARIA o en el Black Industrial de S.E.K.H.), aquí en solitario se nos muestra en una belleza intimista tan prístina que las primeras notas de piano de "VI: Una Tumba de Ruido y Telarañas" me pilla totalmente desprevenido; a mí y a mis vellos, que en piloerección buscan hermanamiento con las estrellas. Diez minutos lánguidos, decadentes y apesadumbrados que entonan de forma fúnebre lo que el propio artista define con la tremebunda frase: "no ha forma de contar lo que nunca pasará, ni lo que nunca pasó". Un uso de los espacios entre las notas que me recuerdan al clasicismo del dúo ATTHIS en Una Botánica Propia (reseña aquí) y en Sentimiento Oceánico (aquí). 


Se van abriendo paso efluvios de un silencio que no es tal, pesado, plúmbeo y que se transforma en una pátina que flota/borra la melodía del piano... que la lleva a un segundo plano. Así suenan los recuerdos. Ecos, rebotes, esbozos que parecen pero que no son. Como cuando te encuentras de repente a un amigo de la infancia y ves sus caracteres y su fisonomía intacta, pero cuando te fijas o entablas una conversación un aire de extrañeza irrumpe de forma salvaje haciendo tensa cualquier conversación. Así suena el final del primer corte; como extractos de conversaciones radiadas amputadas de vida y reducidas/destiladas a una esencia que vive sólo como impulsos eléctricos. 

Se desvanece el piano y llora la electrónica. Ruido. Amplificación de un cuerpo (in extremis) en descomposición o de un alma (in excelsis) que se evade de la realidad, Souto marca de cierto Harsh Noise pegadizo que coquetea con la electroacústica en "VII: Veneno"

En la Cara B de la primera cinta, "VIII: Antes de Cruzar el Portal" o veinte minutos de un bilioso Noise teñido de Dark Ambient asalta los tímpanos del oyente. Una voz lejana, pasada por vocoder o sampler, pone las coordenadas en el Power Electronics malsano. Al fin y al cabo, no es el primer trabajo que el género dedica a la pérdida y la muerte... aunque con otro acercamiento se me ocurre compararlo con How Welcome is Death to I Who Have Nothing More to Do But Die de CON DOM


Subidas y bajadas de potenciómetros se alternan con un pulsátil y constante drone sobre el que se desarrolla un diálogo de golpeteo de metales. La voz va y viene, métrica medida a la perfección para encajar poesía corrupta en la maraña de ruido aunque cuando crees que va a seguir el tono violento hasta el infinito, el tempo baja y la música se desnuda quedándose en truenos lejanos y campanas tocadas a muerto que se deslizan como una procesión o rito religioso antiguo. Se me ocurre comparar esto con NO FESTIVAL OF LIGHT, ARCHON SATANI o BRIGHTER DEATH NOW, pero siempre con matices... no en vano III ARMS ha editado cosas tan oscuras y experimentales como NOIR NOIR o HEULEN, grupos que sigo bastante desde su paso por MAGIA ROJA.

Si todavía había carne y cuerpo presente en las notas de piano que abrían la cinta, aquí hemos pasado a cohabitar la inexistencia. No quedan humores que evaporar pero sí memoria, recuerdos, fístulas en el alma que imprimen de ponzoña la existencia y que tienen su equivalencia terrenal en esos cantos pseudo tibetanos, throat singing o procesamiento de voces que hacen que pasemos de la melancolía inicial a la más densa oscuridad. Así se cierra Eurídice y se da paso a Orfeo


"El Canto de las Musas Sin Voz" existe por inercia. La apertura de Orfeo es un acople de guitarra procesada característico del Drone y que abruptamente cede el protagonismo a una cósmica sábana de teclado que puede recordar a unos POPOL VUH o TANGERINE DREAM de sus inicios. Me gusta mucho el tono Lo Fi que se le ha dado a la grabación... se siente orgánico y puedes mascar entre tus empastes el chicle eléctrico gomoso de la música. La minimalista pieza "Un Dolor Punzante" es un entierro electroacústico de cariz concreto y experimental fabuloso. Quizás estoy mal de la cabeza pero me suena a Saeta Noise experimental.

"Fiel a la Rosa de lo Inmundo", claro homenaje a los necróticos versos de PANERO, sirve de corto puente ruidista hacia la final "Pulsión de Pulsión" que cierra el círculo a la perfección entroncando con el primer tema de Eurídice. Si aquel era melodía ordenada neoclásica de piano, en Orfeo una tonada de cuerdas (cello, bajo o lo que sea) rasgadas con arco imprime desesperanza sin retorno. Una circular melodía recurrente, acuosa como el llanto, deja vívidas úlceras a su paso por las mejillas (el curso de un río)... al más puro estilo DOCE FUEGOS (aquí), todo se va amontonando en capas y loops. 

¿Y no es un Loop el Duelo?.

viernes, 25 de octubre de 2019

YUNCLAS - "TRIPALIUM LIGATUM" (MARBRE NEGRE; MN102, 2019)


Parece que el trabajo no siempre ha dignificado al hombre. Múltiples acepciones etimológicas llevan de la palabra Tortura a Trabajo. Desde el Latín Tripaliāre (torturar) se deriva al Tripalium, instrumento de tortura compuesto de tres palos, inicialmente empleado en el ganado pero que posteriormente se usaría en los esclavos. En francés Travail se enroca con Tormento o Fatiga, mientras que en italiano sería Travaglio, Trabalho en portugués y aunque la forma de la palabra cambie, en alemán Arbeit habla de sufrimiento y Work en inglés viene de Wrikan (persecución) o Rabota en Eslavo

Una búsqueda de hemeroteca más exhaustiva os pondrá sobre la pista también de cómo el Tripalium se conecta con la Crucifixión y esta a su vez con el empalamiento, así que tiro de biblioteca personal y añado lo que decía Daniel Sueiro en La Pena de Muerte (1974) a propósito del tema: `Hay una relación clara entre el empalamiento y la crucifixión. Justo Lipsio, sostiene que éstos llamaron crux a todo suplicio levantado en el aire al que se ligaba o enclavaba al condenado. Lipsio divide ante todo las cruces en simples y compuestas; llama simples a las que sólo constan de un madero, y éstas las subdivide en las que sirven para la "afixión" y las utilizadas para la "infixión". En los maderos de "afixión" se liga o clava a las víctimas. Los maderos de "infixión" consistían en unos palos agudos que traspasaban al desgraciado de abajo arriba por medio del cuerpo hasta la boca´.


Este es el sustrato conceptual que mueve a Tripalum Ligatum, nuevo suplicio en cassette de YUNCLAS editado por MARBRE NEGRE donde destaca un sonido fantástico para ser una cinta (últimamente no es habitual conseguir buenos resultados) dentro del submundo pseudoactivista del proyecto, esta vez menos Techno pero sí más destilado y sugerente. Desde el Dark Ambient pasando por el Noise o el Martial, el disco se graba y mezcla entre Noviembre y Abril de 2019 usando material procesado en diferentes fábricas, industrias y demás (field recording puro y duro) con la ayuda de Aceralia y Pichi Broncomachine. El artwork son grabados muy acordes con la música (Sandra Arias).

Es precisamente al perder los característicos beats Techno que resalta mucho más toda la maraña férrica que subyace detrás de YUNCLAS, y para mí eso ha sido un gran acierto y continúa la línea argumental expuesta por la maravillosa De Lingua Ad Mortem (reseñada aquí), que no es sino evolución a su vez del Techno despiadado de Train to Finland (reseña aquí), a años luz en cuanto a calidad de la visceral cinta de Quebraes (reseña aquí). Entre medias tendríamos esa rara avis alucinante del Split con El Sonido del Vacío (aquí).


30 minutos que se abren con la percusión amenazadora y épica de "Dolor Machina", asaeteada fabulosamente por detalles ambientales de fondo que recuerdan al Dark Ambient de corte clásico con un pie en lo marcial. Es a máximo volumen cuando cobran vida detalles orfebres a base de acoples sobre una pátina electrificada que cuesta identificar... al rato parece una guitarra procesada, y al minuto surgen claramente golpes de martillo y lo que parecen sierras descomunales pidiendo paso por una chapa de acero. 

Silbidos, emisiones de vapor y un ominoso ambiente ponen la carne de gallina. Una evolución fantástica en el submundo de YUNCLAS. Sigue "Patiens Vocatio", entrecortados indicios de que el Lo-Fi Techno podría hacer acto de presencia en cualquier momento, pero la infección decide desparramarse mediante un lento riff de guitarra (o parecido) afinado en el espectro fúnebre del asunto... vibrátil, pesadillesca melodía que se refuerza con una percusión directa y cruda como lo es el golpeteo de hierros.

El homónimo "Tripalium Ligatum" describe la tortura como mejor se puede hacer... con una melodía juguetona que parece sacada de una caja de música, pero pasada por la distorsión del Harsh Noise y embadurnándose de un ambiente psicodélico que lleva la música a un nivel superior. Mejor imposible. Así se cierra la Cara A.


"Patients Ad Mortem" y "Patients Mora" forman un díptico opresivo a lo largo de toda la Cara B. En el primero, a pesar de la oscuridad manifiesta, hay momentos de guitarra acústica que aparecen y se desvanecen como efluvios entre los ásperos engranajes de una maquinaria que nadie revisa desde su creación, creando un contraste marcado y meditabundo. Se roza algo parecido al Doom industrial en algunos momentos o más bien Power Electronics en un tempo lentísimo (excelentes las agudas voces; pocas, pero casi que mejor.... suele abusarse mucho del este recurso en el estilo). "Patiens Mora" es la continuación lógica del anterior, en la misma onda, pero tirando todavía más de experimentación y barroquismos.

Sin temor a equivocarme, uno de los mejores trabajos de Industrial de nuevo cuño que he tenido ocasión de echarme a las orejas, de un proyecto, YUNCLAS, del que vengo contando sus vicisitudes desde hace tiempo y que estoy seguro va a pegar un pelotazo. Al tiempo... y el que avisa no es un traidor... es simplemente un trabajador como tú.

miércoles, 23 de octubre de 2019

MIGUEL A. RUIZ - "LA CÁMARA GAMMA" (EDICIONES TORACIC; TD-80, 2019)


"Como es lógico, nadie se preocuparía por semejante investigación si no fuera
porque existe realmente un ser llamado Odradek. A primera vista tiene el aspecto
de un carrete de hilo en forma de estrella plana. Parece cubierto de hilo, pero
más bien se trata de pedazos de hilo, de los tipos y colores más diversos,
anudados o apelmazados entre sí. Pero no es únicamente un carrete de hilo,
pues de su centro emerge un pequeño palito, al que está fijado otro, en ángulo
recto. Con ayuda de este último, por un lado, y con una especie de prolongación
que tiene uno de los radios, por el otro, el conjunto puede sostenerse como sobre
dos patas."  KAFKA

Editada originalmente en 1987 en el sello EGK de ESPLENDOR GEOMÉTRICO, La Cámara Gamma es ahora reeditado en Cdr con remasterización del propio MIGUEL A. RUIZ para su sello EDICIONES TORACIC, completando un poco más ese acervo musical electrónico y avantgarde (conocimiento en suma) que yace soterrado en los abismos culturales de dos décadas de inopia periodística especializada. 

El cariz fantástico no puede pasarse por alto, ya que al fin y al cabo los Rayos Gamma (y por ende casi que cualquier tipo de partícula, emisión o sustancia) pasa por un desarrollo vital con estaciones a lo via crucis muy marcadas. Desde el miedo y el desconocimiento (nada más hay que tirar de los Superhéroes y ver cuántos tienen como origen de sus superpoderes a la emanación, escape o impregnación de tal o cual isótopo), hasta la aplicación en medicina actual, pasando entre medias por la fase de miedo o la fase de glorificación de las nuevas energías (y la consabida falsa publicidad).


MIGUEL A. RUIZ explora el miedo a lo Nuclear mediante un sabio cruce entre el Frío Soviético (no hay nada más sugerente que esto) y la primera medicina experimental (aunque el disco sea de finales de los 80, exuda aires contextuales de los 60).

Una larga suite de 60 minutos dividida en dos secciones principales que son "La Cámara Gamma" y "Die Sorge Des Hausvaters" conforman lo que bajo mi humilde opinión es un trabajo que pertenece a la fase más oscurantista del artista, muy enfocado a lo cinematográfico y con un pie en la música concreta y abstracta. Cargado de matices y rehuyendo la melodía en sí misma, sí que hay toques de ese primer Industrial fabricado en España, pero que se aleja del Noise vertebrándose en exabruptos sonoros propios de una Banda Sonora de Terror.

Sin destacar un corte sobre otro, sí que me gustaría hacer hincapié en un detalle. La Cámara Gamma es un tenebrista cruce entre una banda sonora del primer Morricone (con esa maraña tensa y fluctuante pero sin el uso de vientos o cuerdas) y los discos electrónicos alemanes de la fase ochentera. Es alucinante la versatilidad de un artista camaleónico donde los haya, capaz de mutar entre estilos con una facilidad pasmosa y que en esta gloriosa cassette se volcó a su lado más claustrofóbico.


En 60 minutos ocurren de todo. Desde Soundscapes que podrían ser derivados electrónicos de Also sprach Zarathustra de STRAUSS a partes marcadamente espaciales a lo EDUARD ARTEMIEV pero con recursos más propios de lo Industrial... o dicho de otro modo, un acercamiento minimalista y concreto a lo Industrial. Sin poder asegurarlo, creo que "Die Sorge Des Hausvaters" se basa en Las Preocupaciones de un Padre de Familia, cuento de KAFKA recogido en 1919 en su obra Ein Landarzt. Kleine Erzählungen. En dicho cuento, el protagonista es ODRADEK, quizás crítica al Capitalismo aunque hay teorías que hablan de un regreso psicológico a lo oprimido por el Yo.

Poco más que añadir. Recomendar sin dudarlo esta obra de culto de nuestra música Experimental.

Uno siente la tentación de creer que esta criatura tuvo, tiempo atrás, una figura
más razonable y que ahora está rota. Pero éste no parece ser el caso; al menos,
no encuentro ningún indicio de ello; en ninguna parte se ven huellas de añadidos
o de puntas de rotura que pudieran darnos una pista en ese sentido; aunque el
conjunto es absurdo, parece completo en sí. Y no es posible dar más detalles,
porque Odradek es muy movedizo y no se deja atrapar. KAFKA

martes, 22 de octubre de 2019

TEOSOFÍA, FOTOGRAFÍA POSTMORTEM y ESPIRITISMO en el BLACK METAL de EMANATION (parte III)


"Whatever plane our consciousness may be acting in, both we and the things belonging to that plane are, for the time being, our only realities. As we rise in the scale of development we perceive that during the stages through which we have passed we mistook shadows for realities, and the upward progress of the Ego is a series of progressive awakenings, each advance bringing with it the idea that now, at last, we have reached "reality"; but only when we shall have reached the absolute Consciousness, and blended our own with it, shall we be free from the delusions produced by Maya [illusion]." BLAVATSKY

* FOTOGRAMA I: BEGOTTEN*
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Mother Earth

[she impregnates herself with God's semen]

BEGOTTEN, cinta de culto experimental donde las haya (Edmund Elias Merhige, 1991), sirve de enriquecedor sustrato y compost para la fermentación de una imagen muy particular en el artwork del proyecto de Black Metal experimental EMANATION, de sonido desasosegante y apesadumbrado como ya habíamos visto en los dos previos trabajos  One Soul, One body, One Spirit (reseña aquí) y Under Magnetic Sleep (reseña aquí). Faltaba ese elemento para comprender en su totalidad la profundidad de uno de los más sugerentes proyectos de metal extremo patrios que he tenido ocasión de echarme a los tímpanos. 

La comunión entre Teosofía, Doctrina Espirita y la aparición de la Cinematografía conforman un triple pilar que desplaza los ya demasiado habitados bosques nórdicos para establecer un punto de partida diferente; el olor a musgo y lluvia es sustituido por los efluvios de probetas en viejos alambiques... muñequeras de pinchos y hachas vertiginosas desplazadas por trajes de domingo holgados sobre la piel de un cadáver con Rigor Mortis. Si el Black Metal nórdico exuda fuego, EMANATION vomita ectoplasmas por un tubo digestivo con olor a batracio infecto y el Corpse Paint se acompaña de monóculo y bigote recortado.

El cine onírico, surrealista y perturbador de BEGOTTEN se toca tangencialmente con la imprescindible VAMPYR (Carl Theodor Dreyer, 1932) y ya de paso atraviesa de lleno el cine expresionista alemán de Fritz Lang o Murnau y es que al fin y al cabo la sensación más cercana al contacto con el Más Allá lo daría la visión de esas primerísimas imágenes en movimiento que darían lugar al cine (de lo herético a lo científico pasa una línea tan fina que a veces es inapreciable).  


Tampoco sería desdeñable incluir cintas de culto más actuales como son THE BLACK DOOR (Kit Wong, 2001), sobre todo por el aspecto espiritista del asunto. Esa fusión metafísica de lo mítico, la muerte y lo industrial en la música de EMANATION recordará ineludiblemente en el cine a cosas como ERASERHEAD de Lynch, y es en los característicos usos de los brillos y el contraste de los fotogramas (en las cintas citadas) donde podemos captar el Claroscuro de una música que busca retorcerse sobre sí misma en The Emanation Of Begotten Chaos From God, editado en CD por MONAD PRESS en 2014 y con una repercusión mediática casi nula en nuestras fronteras, muy curioso si tenemos en cuenta de que estamos ante uno de los trabajos más grandes de Black Metal editados en España, y encima con el término Avantgarde de por medio.

Elias Merhige, armado de una sobresaturación excelsa, fotograma a fotograma, en su claustrofóbica cinta BEGOTTEN, viene a ser una buena comparativa del entramado industrial a nivel de sonido en este disco. Nunca el Drone había casado tan a la perfección con el celuloide (sinestesia) y es a partir del visionado de este cine experimental que os digo (y BUÑUEL y más cosas, pero no quiero perder el hilo de lo que os estoy contando) que uno se empapa del Napalm alquímico de EMANATION

*FOTOGRAMA II: SINESTESIA*
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Sinestesia

Del griego antiguo σύν (sýn, "con") y αἴσθησις (aísthēsis, "percepción") más el sufijo -ia.

Según el libreto que acompaña la edición en Cd de The Emanation of Begotten Chaos From God, los temas aquí incluidos vieron la luz en 2011 en formato cassette para posteriormente revitalizarse en esta fabulosa edición de MONAD PRESS LIMITED bajo el auspicio de CG SANTOS

Salvo que se me escape algún dato, imagino que la cinta en cuestión a la que se refiere el texto es la de One Soul, One Body, One Spirit e incluso algún que otro descarte que iría a parar a Under Magnetic Sleep. Los 71 claustrofóbicos minutos son vestidos de gala tal y como dice el autor: "according to some experiments committed in northern Spain, The Black Door and Les Carriéres de Paris, France, in April and November of Two Thousand Eleven".

Unas meditabunda sábana casi Folk abre el disco con "Cyclic Metamorphosis". Notas de guitarra se van pisando unas a otras mediante una especie de teratogénico Loop que deja la melodía de fondo clavada durante 15 impertérritos minutos. Mientras tanto, entran las percusiones en modo monolítico con un Black pseudo Industrial que por tercera vez estalla con la irrupción de las guitarras distorsionadas y todo los efectos y procesamiento de alguien que ha tenido la friolera de 20 años para depurar su sonido con LIKE DRONE RAZORS THROUGH FLESH SPHERE

No queda espacio para respirar... ni un resquicio de luz en la imperturbable marcha fúnebre de un corte bastante original que cuesta etiquetar. Todavía ha de mutar una vez más la música adquiriendo los tonos violentos de los CARPATHIAN FOREST o incluso los austríacos ABIGOR aunque si se presta atención a lo que va transcurriendo en planos paralelos a la línea melódica principal se acordará (la producción Lo Fi ayuda) de T.O.M.B., SKULLFLOWER o WOLVSERPENT. Voces rasgadas, otras susurradas y riffs de guitarra más melódicos de lo que pudiera uno pensar a priori conectan a EMANATION con el Funeral Doom.


Las cosas se van tornando raras. ."Ritual Asphyxia" acentúa el aspecto procesionario (sobre todo por la percusión) pero disuelve como plomo al resto de instrumentos hasta el punto de tener la sensación de que te están curtiendo en Natrón. Me gustaría resaltar ciertas similitudes con la primerísima etapa de SUMMONING (de cuando eran un trío en Lugburz); por la percusión seca y sintética (que se acentuaría luego al pasar a dúo) y por la frialdad cortante de unas guitarras que parecen amplificadas con la energía telúrica de una placa tectónica. Fantástico el interludio corrosivo de Blast Beats y lo acre de las voces. 

Siguen dos temas algo más cortos. El atmosférico "Immortal Blood Coil" con un inicio electrónico al más puro estilo Dark Ambient de COLD MEAT INDUSTRY en un cruce perverso entre Hexerei im Zwielicht der Finsternis de AGHAST y L'arrivée de la Terne Mort Triomphante de GNAW THEIR TONGUES. Exquisita fusión Avantgarde de un nivel tan alto que me cuesta creer lo poco conocido que es este disco. Más furiosa pero igualmente retorcida, "Synesthesia of the Lesser Sphere" tiene la cadencia de un dial fatuo sintonizando emisoras fantasma sobre la pátina más Industrial de todo el disco (rozándose el Harsh Noise y el Power Electronics, sobre todo en lo rítmico que es como escuchar un columpio oxidado mecerse dentro de una campana ultraamplificada). Alucinante cómo la maraña electrónica se amolda y vertebra hacia lo melódico recordando a tanques alemanes como los primerísimos DIE KRUPPS, los bizarros desconocidísimos canadienses ZARAZA o los franceses TREPONEM PAL.


Siguen los 18 minutos de "Inorganic", sin un ápice de piedad por el aparato auditivo del oyente. Si BURZUM hubiera tirado para el Noise sonaría a algo parecido. Música muerta que llega sólo por la gracia y obra de impulsos eléctricos. Música invocada, traída a este mundo por la ciencia y recogida en viejos cilindros de cera. 

Necro Pagan Electro Black obsesivo y pesadillesco como dragar un fecaloma ciclópeo a los intestinos obturados del Universo ("Alive but dead, androgyne totemic emanations over the circumambulatory continuum are the keys of the double helix door, the mystery of the eleven stars with no shine, which thou sawest in the dreams and the eleven mouths of inorganic latent echo"). Interludio de acoples férricos ambientales y luego vuelta a repetir todo lo anterior hasta secarte el alma. Psicodelia más negra que la noche de los tiempos. Este es el disco que hay que mandar en sondas espaciales para presentar a nuestra civilización a otros seres, que queden las cosas claras desde el principio.

Si te queda un ápice de energía vital, todavía te quedan los 15 minutos de "Sands of Totemic Silence". Tenue en su lánguido inicio, destaca por unos espaciadísimos toques ruidistas que tiran de lo experimental. Se toma su tiempo en arrancar pero cuando lo hace lo primero que se me viene al tarro es que CG SANTOS está tocando un Blues en clave Black Metal aunque la intensidad va subiendo en un crescendo épico a lo NEUROSIS que a los eruditos quizás les hable de Post Metal y términos feos de los que no soy amigo.

Un disco que merece a partir de ya ser piedra angular de la música extrema de nuestro país. 

viernes, 18 de octubre de 2019

MEKIGAH - "LITOST" (AESTHETIC DEATH ADCD 031, 2014)


Desde Australia, los atmosféricos MEKIGAH editaron en 2014 un opresivo álbum titulado Litost con AESTHETIC DEATH, la cuna de la asfixia neuronal desde siempre en lo que se refiere a Doom y otras exquisiteces extremas. La banda se forma en 2008 y los conocí a través de un disco tributo a MY DYING BRIDE donde hacían una cover de "God Is Alone"

Si bien sus inicios eran más Gothic Doom con "The Serpent´s Kiss" (2010) y "The Necessary Evil" (2012), ambos editados de forma independiente, es con el fichaje de AESTHETIC DEATH que los de Melbourne mutan su sonido hace una especie de Black Doom con dejes industriales que pueden recordar a los dioses canadienses ZARAZA o los italianos VOID OF SILENCE (en sus primeros discos, porque el último ya se va por otros derroteros). 

En cuanto a los créditos del disco es lioso. VIS ORTIS se encarga de todos los instrumentos en Litost, incluyéndose Batería, Guitarra, Piano, Sintetizadores, Voces... con colaboraciones de KEN CLINGER al Cello, Mellotron, Cuerdas y Sintes; AXIAM ZILTCH a la Guitarra y Taishogoto, mas una serie larga de colaboradores que no voy a desgranar entera aquí porque haría esto un poco farragoso.


Diez opresivos cortes que te sumen en un ambiente ritualístico de alto nivel. Abre la cinematográfica "Total Cessation of One", con toques experimentales, abstractas capas Noise y abriendo boca a un grandísimo disco de Avantgarde Doom. Un penetrante y distorsionado riff de guitarra irrumpe en "The Sole Dwelling", serpenteando con un básico y noventero arranque Death/Doom que quita el hipo. Voces guturales que se alternan con partes susurradas, ritmo sincopado de la batería (no hay bajo, por cierto) y unos arpegios alucinantes de la cítara japonesa conocida como Taishogoto como contrapunto a la guitarra distorsionada.

Hay algo en estos MEKIGAH que roza el Industrial Noise de sellos como CRUCIAL BLAST, pero conservan la esencia del Death/doom en las entrañas y eso se nota bastante. Espectacular la monástica melodía de "Arangutia" que muta a una procesionaria letanía de voces procesadas sobre un colchón cuasi étnico, tribal (no me atrevo a decir Maorí) y en cierta medida Drone. El grado de unión que han conseguido de Noise y melodía en sí es significativo (estructura de cebolla le digo yo), y Litost es un álbum que precisa de bastantes escuchas para siquiera sondearlo.


Preciosa melodía del Cello en "By Force of Breath", que además cuenta con cósmicos arreglos del Mellotron llevando la música de MEKIGAH a niveles estratosféricos. Hace acto de presencia un cierto regusto a Dark Ambient y música Ritual sobre todo por las excelentes percusiones. La seca y sucia producción, los arranques Black metaleros y el uso de la electrónica me recuerda mucho a GNAW THEIR TONGUES, otros maestros en unir Neoclasicismo con Industrial, Noise y música extrema.

Sigue la punzante "Sa Fii Al Dracului", corto puente hacia "Wurrmbu", que recupera la esencia cinematográfica inicial merced a una cacofónica panoplia de voces sinfónicas en modo coral y minimalistas toques del Taishogoto. Extrañísima mezcla de Funeral Doom con toques de Progresivo que adquieren pátina acústica en la lejana "Circuitous Revenge" donde más evidentes veo los ecos a los ZARAZA o los desconocidos finlandeses WOODS OF BELIAL (os recomiendo encarecidamente Deimon XIII) aunque si es por bizarrez toques de AARNI podríamos encontrar.


El tramo final es de órdago. Las composiciones se van enrevesando y "Mokuy" necesitaría diez párrafos para describirse; destaco esos lejanos coros de voces masculinas y femeninas difuminadas hasta el punto de la inexistencia y que dialogan a un nivel subsónico con la cítara japonesa. "An Oberbearing Insanity" es la antesala efímera a "Bir´Yun", que cierra una obra maestra descomunal con detalles orquestales varios entre pebeteros orientales, toques de campanas

MAVRO GALA - "HANDS TIRED" (SWEETOHM RECORDINGS; NOTHING TO HARVEST RECORDS; UNDERGROUND UNION CREW, 2018)


No es un estilo que abunde demasiado en mis estanterías, pero tengo que reconocer que estos Μαύρο Γάλα (MAVRO GALA o lo que es lo mismo, BLACK MILK) desde Atenas me han seducido. Post Hardcore, Screamo lo suficientemente bien tocado para echar sal en tus heridas y cronificar las úlceras. Si no sanan, siempre puedes echar plomo derretido en las cavidades... mano de Santo, oye.

Hands Tired, el disco que os presento, viene en un trabajado vinilo con un artwork al más puro estilo DIY. La carpeta está hecha de una cartulina azul en la que se han impreso las letras, títulos y detalles técnicos, incluyéndose dentro algún flyer y un panfleto en griego que no he logrado traducir en su totalidad, pero según mis contactos, versan sobre diferentes temas como "Accidentes Laborales", "Peligros y Seguridad en la Industria del Plomo" y "Peligros durante las soldaduras".

Coeditado por SWEET OHM RECORDINGS, NOTHING TO HARVEST RECORDS, UNDERGROUND UNION CREW y la propia banda, Hands Tired es un pelotazo de Post Hardcore rabioso, muy bien trabajado en la base rítmica que especialmente en la Cara B se sale directamente. Alternancia de partes muy melódicas con otras brutales son marca y sello del estilo que comparo con bandas de aquí que controlo como son los BONEFLOWER, también bastante técnicos. 


22 minutos que pasan como un suspiro. Proclamas Punk a lo "Hanging By a Thread" o bajadas de tempo gloriosas con subidas de intensidad revienta cervicales en la corta pero intensa "Memory" que bebe de fuentes metaleras. Destaca la voz, que sin llegar a esos extremos chillones del Screamo tiene la suficiente potencia para transmitirnos una crudeza que se masca en chicles de bilis (escuchad el timbre casi a lo Rob Halford (al ralentí) en "As If Time Stopped" con una magnífica línea melódica de la guitarra). Por supuesto, cuando hablamos de Post Hardcore bajo y batería deben funcionar y en "Hands Tired" cumplen a la perfección.

Tema preferido el final himno de "Life, Fragile" con letras que coquetean con el suicidio (un clásico), atmosféricos mini interludios de la guitarra y en líneas generales más lentos y meditabundos. Para los amantes del Post Hardcore.

lunes, 14 de octubre de 2019

BROKE LORD - "I AM THE PHANTOM LIMB" (MADRUGADA RECORDS; ORPHAN RECORDS, GOG ARTIFACTS, 2019)


          Fue en los aledaños de la Sala X en Sevilla, a punto de ver a PYLAR o a ORTHODOX (si mal no recuerdo) cuando vi aparecer a un desgarbado tipo con una capucha. Empuñaba un cigarro con masturbatorio gesto en una mano con anillos ominosos, aunque gracias a mi visión especial comprobé que no había restos seminales y pude arriesgarme a estrecharle la mano tras presentarme simplemente como Yo. "Encantado, Tú"... me dijo. "No, no... me llamo Yo". Tras una serie de disquisiciones violentas la cosa quedó como que a partir de ahora me llamaría Ese y que demasiada suerte tenía de al menos ser pronombre determinado y no quedarme en uno o una (y en minúscula, nada de tratos privilegiados).

Andaba LUIS BOULLOSA esos días dando los últimos retoques (o quizás los primeros) al tercer disco del proyecto BROKE LORD I Am The Phantom Limb. Me enteré ese mismo día (mientras me regalaba la cassette de NAJA NAJA) que JUAN G. ACOSTA (también ex- MALHEUR y mil historias más) iba a colaborar en el disco, así que bueno, la expectación que tenía era grande. Grabar en LA MINA de RAÚL PÉREZ y acompañado de la panoplia de músicos a los que suele recurrir Luis es garantía de calidad. 


          Voy a intentar explicar qué es para mí BROKE LORD negándolo como grupo. Dejadme que niegue tres veces a Luis Boullosa que me consta que ya ocurrió antes en la historia bíblica y así nos va. Sólo desde la negación y lo inverosímil se construye la Realidad, y si te dicen lo contrario es que te ha captado una secta destructiva.

BROKE LORD comenzó como una anomalía, y esta es la Primera Negación. Dejadme que la llame... qué se yo, MIODESOPSIA MUSICAL... es decir, un proyecto que ni estaba en la categoría de underground ni en primera línea. Era algo que se te cruzaba repentinamente y al segundo ya no estaba. Esquivo y generalmente habitante del lugar conocido como Rabillo del Ojo, Luis ha procurado imprimir a cada uno de los tres discos publicados hasta ahora de una preternatural atmósfera decadente que directamente impide que este disco se enroque con la mayoría de proyectos musicales de nuestra Península. Dicho de otro modo, llamémoslo Segunda NegaciónBROKE LORD es el equivalente a un decadente Lord Inglés desterrado a cualquier ignominiosa  aldea hispana y que intente mantener sus elegantes y añejos modales dentro de un rural ambiente de supervivencia. O dicho de un tercer modo, aquí esto no se estila (Tercera Negación y la más grave)... y por tanto me atrevo a catalogar a I Am The Phantom Limb de Rara Avis, de Oopart musical y todo eso.


          I Am The Phantom Limb se me antoja como la destilación sublimada de sus anteriores Death Of a Flower y Nazgul Says (reseñas aquí y aquí). Si el primero era muy terrenal, urbanita y devastador, el segundo coqueteaba con experimentaciones Folk. Para colmo en este último la cosa se complica más mutando las perturbadoras homilías cruce entre el decadentismo religioso y espiritual de NICK CAVE y el desencanto bohemio de LEONARD COHEN con una suerte de Noise Psych Neo Jim Morrisoniano que quita el hipo. 

La culpa de ello la tienen unos arreglos que hablan de una banda (¿banda?) más madura en la que Boullosa ha mejorado ostensiblemente en lo vocal permitiéndose cambios de registro que abren muchas posibilidades en los temas (y que quizás me equivoque, se le dejaba esa labor en el pasado a MACKY CHUCA, mucho más participativa en los dos primeros). El término Neo Folk ahora se me antoja vacuo y la sensación es la de que el salto cualitativo ha sido tan alto que tendría que comprobar que no se haya realizado con pértiga (el cuarto disco si lo hay me sacará de dudas).


          Así que bueno, ASIER MAIAH y JUANGUI ACOSTA cabalgan el Riff, ANTONIO MORENO abrasa las panderetas ciclópeas, MARCO "MAESE" SERRATO perpetúa los callos de sus dedos con el instrumento infravalorado conocido como bajo, también arma de LUIS BOULLOSA junto a las voces Necro Celestiales con la sordina de una capucha calada hasta el bigote, a su vez compartidas por nada más y nada menos que MACKY CHUCA. Importantísimo en mi opinión los arreglos de RAÚL PÉREZ no sólo colaborando con todo lo que pilla y el sonido, sino además añadiendo unos primordiales teclados sesenteros, crepusculares y que invitan a viajar al pasado a surfear con Fraga en la playa de Palomares. 

Sobre la presentación poco voy a decir. Alucinante la baraja de Tarot acompañando a cada uno de los cortes con dibujos del propio LUIS BOULLOSA en la edición especial. Digipack editado por MADRUGADA RECORDS, ORPHAN RECORDS, AK-ATHON y GOG ARTIFACTS, para redondear los datos técnicos.


          La música en este disco duele como el dolor neuronal en la amputación de un miembro. Esa criatura negra que cabalga la noche seguramente pasó habitación en el "Vermeer Hotel". Fantástico tema para abrir el disco con aroma Lynchiano decadente gracias a la afinación de unas guitarras que se baten por los pasillos en duelo. La lenta base rítmica da la sensación de estar aquí pero amplificada en otra época... esa en la que el Surf y el Blues podían aparearse para tener criaturas teratogénicas que adoraban la luna mientras mantenían el equilibrio en tablas de surf fabricadas con tapas de ataúdes. Sin poder establecer que línea de guitarra es de quién, tengo que decir que en conjunto Asier y Acosta han creado una bestia de dos cabezas.


          El encomiable dueto Boullosa y Macky Chuca se mantiene en alza a lo largo de todo el disco siendo "Cloudmaker" el corte que me recuerde más a los dos primeros discos. Riffs simples de bajo acompañando a la batería en modo sonámbulo, con precioso motivo de teclados de fondo y lánguidas guitarras que huelen a tierra mojada; si uno pone la oreja bien en la grabación, se dará cuenta de que cada nota estalla en detalles como fuegos artificiales de sonido... no en vano "Cloudmaker" tiene algo de anti-himno, especialmente cuando se funde en distorsión Noise comedida de guitarras que lenta pero inexorablemente provocan que vayamos despegando del suelo. 

El bajo arábico de "House of the Sun" juega a mirar por caleidoscopios corruptos con el teclado Prog (o será un efecto de la pedalera de guitarra de Acosta?) de Raúl Pérez. Musicalmente suena como los Beatles haciendo Jams con los Doors pero con cantante Crooner. Si en el pasado decía Neo Folk ahora digo Folk Psych, y punto. 

Hay un momento demencial en que me parece que estoy escuchando a PINK FLOYD en Echoes. La monolítica base rítmica imperturbable, las voces de Luis más extrañas que nunca, entonando en una escala más aguda y de fondo guitarras y teclados construyendo extrañas melodías de Space Rock. Quizás JULIAN COPE y su Autogeddon o Jehovakill sean una buena comparación. 


          La misma estructura experimental valdría para "Hand´s On The Table". La relativa simpleza de los dos primeros discos queda borrada de un plumazo con la algarabía disonante rayana en el Noise Rock que pulula por los aledaños de las voces. Otro acierto es dejar el bajo en modo circular... en mi humilde opinión hace que la sensación de claustrofobia aumente y si bien parece en un principio que el tema flota, en segundo plano la maraña electrificada avanza imperturbable como un horno crematorio en el cementerio de tu pueblo. 

"Shallow Zone", con bajo de MARCO SERRATO da un poco de respiro cuando ya creíamos que la acidez liségica iba a acidificarnos el Ph a límites no compatibles con la vida. Preciosas las letras y el abordaje en dueto mas los arreglos de guitarra/teclado que son de un nivel exquisito.


En mi mundo fantasioso "I Am The Phantom Limb" está cantado por un caballero con timbre cercano a NICK CAVE pero que no se parece físicamente a él (ni a KEVIN BACON). Este corte es una bastardada Post Punk macarril flipante, con voces en modo cóctel molotov, y con un espectacular spoken word de MACKY CHUCA. Siguiendo la senda de los 80 pero en otra onda sigue "Abyssinia" que estoy seguro que está grabado en otra época y lo han traído a esta realidad mediante tabla Ouija. 

Teclados de neón flotantes que mezclan la New Wave con el Rock Alternativo de EYELESS IN GAZA, el oscurantismo gótico de JOY DIVISION o SISTERS OF MERCY con la impronta de doble filo de unos THE FALL en Perverted By Language. Más pegadizo que un sudario de segunda mano (o segundo cuerpo).

En el tramo final, "Last Postcards From O." nos lubrica y hace que las cuerdas del bajo de SERRATO se deslicen mejor con los efluvios fosforescentes de un tema directo a la yugular al más puro estilo australiano de BAD SEEDS. A estas alturas del disco tengo la sensación de que he estado follando como un loco y hasta ahora no me he dado cuenta de que humanamente tengo un jodido límite... me duelen los huevos, señoras y señores. Me duelen los huevos de tanta tensión acumulada y lo único que quiero es soltar mi simiente en forma de puro, genuino Rock sin contemplaciones. 

Suspiro, eyaculo en "New Motels" y paro de escribir a la voz de ya.

domingo, 13 de octubre de 2019

JORGE NUNO CONNECTION - SAO PAULO (BIG PAPA RECORDS, CREATIVE SOURCES RECORDINGS, 2019)


Hagamos cópula babeliana y mezclemos inglés con español. Aquí tenéis una reseña del tremebundo debut de JORGE NUNO CONNECTION aliñados con pasajes en inglés de una entrevista que le he hecho a Jorge, que conocí en Lisboa previo concierto de los SECRET CHIEFS 3 en el GULBEKIAN hace dos años  ya y que soportó estoicamente mi Jet Lag provocado por sobredosis de benzodiacepinas y Melatonina (aliñadas con 39 grados centígrados a las siete de la tarde). 

Es mejor que el propio Jorge defina su proyecto: Since i have meet so many people along my life in several cities that i go often in my daily job so i have decided to start this connections that means a lot to me in terms of knowledge and relations with the people and musicians that are inserted in it. 

I had the idea of this connections and since the first one was gonna be Sao Paulo so I talked with my friend and great musician Romulo Alexis and he helped me to organise this session at the recording studio so I did before my album with Marcio for the french label  Bambalam records. Then we have meet the day before for a show at hotel Bar, it was great meeting them, and it´s registered in music our relationship…and I have to tell you that this edition is from Creative Sources in Lisbon and Big Papa records from my great friends Carlos Suarez  and Katia Pimentel from this amazing record store, they helped me a lot and in my own Sao Paulo they are my life support.


Alucinantes ráfagas de trompeta asordinada, junto a unos apabullantes arreglos de vibráfono caen en cascada como si de un mantra jazzístico se tratara. La batería, compleja y aureolada tarda en hacer acto de presencia pero cuando lo hace tiene ese cariz tan genuino, vanguardista y étnico que NANÁ VASCONCELOS demostraba en el mágico submundo de CODONA, el trío de culto junto a DON CHERRY y COLLIN WALCOTT

La meditabunda guitarra eléctrica, meditabunda y con algo de desértico, dialoga con una larguísima nota de trompeta hasta que se desvanece "Deus-Fm", primer corte de Sao Paulo, alucinante álbum de JORGE NUNO CONNECTION o lo que es lo mismo, VITOR VIEIRA BRANCO al vibráfono, RAFAEL CAB a la batería, ROMULO ALEXIS a la trompeta y el propio JORGE NUNO a la guitarra. El Jazz electrificante de MILES DAVIS evidentemente está presente y sería torpe de mi parte no establecer paralelismos y el largo bagaje Psych del portugués NUNO sale a flote como el detritus que pugna por hacer acto de presencia en cualquier playa masificada (SIGNS OF THE SILHOUETTE, UIVO ZEBRA y DEAD VORTEX, de todos los cuales os he ido hablando por aquí).


* Hi Jorge, First is to say Thanks for answering this little interview. So… you are part of DEAD VORTEX, SIGNS OF THE SILHOUETTE… ¿could you tell the readers who you are and where you came from?. It would be nice to know about your starting in the music business...

-JN: Hi Antonio, I started playing in rock groups , my first one was Riddle and we did 2 albums and 2 songs for 2 movies , then in several other projects ( Lisamona/Stereo Alligator) before I embark in this more experimental world around 2012 with Signs of the Silhouette.  I did have classic guitar lessons for about 3 years and i did have jazz lessons for about a year or so, but then i have learned from playing with people and still nowadays with you tube you are always learning new things.

Riddle was my first project with a great friend of mine from School Miguel and we´ve learned how to make music together, then we did the other projects Lisamona and Stereo Alligator together, then I have to stop playing cause i was very disappointed with the music world and myself in terms of playing i was just doing basic things and was to lazy to learn more …this new world was my escape in terms of wanting to learn and opens my musical ears as well from new perspectives.


Pero no nos quedemos en lo fácil. Hubo (o hay, porque creo que han sacado nuevo tarbajo) un maravilloso proyecto español de New Jazz y Progresivo llamado ZEM con gente de ILEGALES y que en 2007 sacó un disco con cierto paralelismo sonoro (por el vibráfono y por esa forma de espaciar las notas) con el cuarteto que os presento hoy. Por otro lado, también se me vienen a la cabeza cosas como Joint Happening, discazo del longevo trompetista EDDIE GALE con la banda de Rock Psicodélico MUSHROOM (y que también es de 2007). Ambos son de culto y os invito a descubrirlos. Intento centrarme de nuevo.

El Free Jazz eclosiona en "Raca-Morro", donde al contrario que el corte anterior los instrumentos buscan nutrirse de la Toy Music Zorniana y de la abstracción. Destaca la percusión que sustenta todo como base carbónica. Los guitarrazos de NUNO son pura escuela terrorista a lo FRED FRITH en sus múltiples proyectos de los 80, con un paso en el Downtown Neoyorquino. Corto pero muy intenso.


Sigue "Eco-Conexão", a caballo entre la Improvisación Libre (la trompeta emula un niño llorando o bien una homilía de gallinas salvajes al inicio para luego irse directamente a los Cuartos Mundos de JOHN HASSELL) y el Rock en Oposición. Salvaje muestra de cómo mezclar la World Beat con matemáticas complejas.

Me gusta muchísimo el uso del silencio de la guitarra, que se espacia en esa larga Jam selvática (otra vez CODONA pero mucho más complejos). Hay momentos en que es difícil distinguir lo que es vibráfono, guitarra o trompeta, dando la impresión de que los tres se trenzan y se pasan por pedaleras o algún tipo de procesado, aunque no puedo asegurarlo (puede ser cosa de la producción, que le da a todo un eco muy sugerente).

* You did records with MARCIO GIBSON, JOSÉ LENCASTRE, PEDRO SANTO, BLAISE SIWULA… ¿how do you interplay all these with work?. I think you even played in Spain with suck musicians as EL PRICTO...

- JN: yes , i m always playing with different people and absorbing from all of them , the connections is a part of my process. Marcio Gibson for example i met when the first Brazilian tour with Signs of the Silhouette and we became friends; Blaise i did meet in New York and we play together and then did a small tour (5 dates) in Portugal. Jose Lencastre and Pedro Santo are from portugal so we have meet along the way in several occasions and play together all the time..

Yes i did play with Pricto in Barcelona on two occasions at Soda club where he does improvised music  sessions (Nocturna discordia) on wednesdays, and also play with Uivo Zebra at Liceo Mutante in Pontevedra. I really like to play more in Spain, but it s not that easy …


"Tiro-Viola" son 16 minutos en los que pasa casi de todo. Ecos al principio al DAVE PIKE SET de la etapa con el sello alemán MPS o lo que es lo mismo, trabajos como Four Reasons (1969) o Infrared (1970). Salvaje la irrupción de la batería que le da fuerza adicional a la música llevándolo todo a otro nivel más drónico sobre todo por la distorsión de la guitarra que lo acopla todo con la violencia de (repito) proyectos de FRITH o MARC RIBOT.

Para terminar,  "Pai-Mãe" tiene un toque a lo New Thing mezclado con el submundo eléctrico de MILES. La trompeta casi parece el saxo retroalimentado de EDDIE HARRIS en Silver Cycles. La música aquí es más distendida, con cariz casi de música de Club aunque ciertos pasajes transformen y atraviesen en perpendicular el flujo sonoro para dejar constancia de pequeñas paradas a lo Vía Crucis de un alto grado experimental. Los aires misteriosos cuasi Noir del vibráfono comulgan a la perfección con los soliloquios a la guitarra mientras que la batería cual ominosa pistola de clavos suelta su bilis ayudada por la cerbatana infecta de la trompeta. 

Aparentemente la música en JORGE NUNO CONNECTION es amable pero a poco que te descuides te destripa cualquier criatura antediluviana.

* Little more to say JORGE, please say goodbye as you want. Here is your space (and the place):

- JN: Um abraço a todos desde Lisboa , tudo de bom ….

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jueves, 10 de octubre de 2019

GODLESS ENTHROPIA - "TETRACYCLIC DOMINION" (SYMBOL OF DOMINATION / HECATOMBE RECORDS, 2018)


Desde Turín os presento al quinteto GODLESS ENTHROPIA, formados en 2012: tras una demo (Dystopian Metaphors) y un EP (Politics of Fornication) traen su larga duración llamado TETRACYCLIC DOMINION, tremebunda apisonadora de Death Metal con muchísimos retazos Avantgarde, técnicos y progresivos dentro de una base de Brutal Death bastante clásico. Edita SYMBOL OF DOMINATION y HECATOMBE RECORDS en cd, y el artwork es obra de Simone Cavalera.

Tras la intro atmosférica de "Al - Qalyah", construida a base de acoples disonantes de aires orientales, nos estalla en toda la cara "Mother of Cain", suerte de mezclar a los MORBID ANGEL con DEICIDE, IMMOLATION y bestias pardas del estilo; un doble bombo apretado como los vaqueros de Michael Knight en El Coche Fantástico y algún que otro detalle Thrash.

Más extraña y técnica es "Into The Asylum", igualmente violenta pero con riffs de guitarra enrevesados que pueden recordar a ATHEIST, CYNIC o PESTILENCE. La verdad, es impresionante el sonido conseguido por los italianos... si no me equivoco, y viendo el libreto, el disco ha sido masterizado al menos un par de veces siendo su última parada el toque analógico de Hertz Studio en Bialystok, Polonia

Por cierto que a más de un oyente los parones y arranques del final del tema le recordarán al Black Death de cosas como GOD DETHRONED por ejemplo.


Sigue la oscurísima "Witch Burning Princess", híbrido alucinante entre Brutal Death americano con un pie en el Grind y ritmos vertiginosos del bajo, que no para quieto un instante. Fantástico el interludio con solo de guitarra incluído a lo VEKTOR. Las voces en general guturales, con algún repunte más agudo y bien ejecutadas, por lo que pocas pegas podemos poner. 

Parecidos parámetros en "Unpredictable Dementia (Mechanical Disease)" solo que la estructura de esta última se retuerce varias veces sobre sí misma, ralentizando o acelerándose (hasta rozar el Death Sueco) según va marcando un extraño riff de guitarra. Con todo, para mi gusto es de los temas más flojos del disco. Mucho mejor es la retorcida "Erase, Delete, Annihilate", versión Death de los VOIVOD y cosas así. Cuesta no pensar también en cosas como AT THE GATES de su primera época, sobre todo por la brutalidad de la música o esos lánguidos y flotantes riffs de guitarra que se asoman con una facilidad pasmosa.


Cogemos aire con el piano y sintetizadores de "Dysphemic Phaenomenons", bastante normalita y que podrían haberla omitido porque no aporta mucho. Hubiera quedado mejor seguir del tirón con "Third Eye, Cauterized" dentro de una estructura de Death bastante clásico que lo mismo puede recordar a GORGUTS que a DISMEMBER o los mismísimos DEATH

Destaca otro pedazo de solo épico de guitarra antes de meternos con "Solecism I", con voces adicionales de Fabrizio Lord Jotun Prelini, y de aromas sin duda a lo OPETH. Es tal el contraste que lo mismo estoy ante un tema perdido de los SEPTIC FLESH y aquí quizás esté uno de los defectos del disco... ha entrado todo y no ha habido cribaje colándose temas muy buenos con otros más estándard que se parecen demasiado. En mi humilde opinión yo habría reducido minutaje pero a veces cuesta tanto sacar un largo que uno arremete con todo lo que tiene.

"Cause of Disease (Sprouts of New Hate)" ahonda por un Death más melódico y atmosférico. Toques Crust irrumpen en una vorágine a lo VALLENFYRE para que os hagáis una idea, alternándose pasajes letales en cuanto a brutalidad (la base rítmica es una ametralladora) con otros que demuestran que la banda tiene una técnica bastante elevada. Se recoge "Palace of Fornication" de su Single de 2014 donde destaca una bajada radical de tempo a mitad del tema a niveles Death/Doom (voces susurradas aquí y allá como es de rigor) y luego vuelta a acelerarse con una cabalgada a la sueca. 


El tramo final lo forman "Adynation", mezcla perfecta de bilis y melodía a lo FEAR FACTORY de su etapa primera (muy buenos los detalles de samplers, efectos y el maravilloso riff de guitarra que finiquita el tema), la vuelta del doble bombo brutalísimo en "Solecism II", plagado de ritmos entrecortados y bizarros, y la final "The Heights of Eidos (Mother of Cain)" ya sumergiéndose en terrenos suecos sin complejo alguno.

En resumen, un muy buen disco de Death técnico que se habría beneficiado de destilarlo un poco más en duración y quitando algún que otro corte (14 son demasiados).