JAVIER COLIS & JUAN PÉREZ MARINA - "SANGRE FÁCIL" (DISCOS BELAMARH, 2020)

          Escribir sobre Sangre Fácil, nuevo disco  de Javier Colis (Mil Dolores Pequeños, Demonios Tus Ojos, Vamos a Morir, Los Cuantos, Las Malas Lenguas, La Femme Fakir...) esta vez junto a Juan Pérez Marina (Javier Corcobado, Leone, Cartografía del Ruido...) no es tarea (sangre) fácil y poco o casi que nada puedo añadir extra tras leer el maravilloso texto de Javier Díez Ena que acompaña en la promo al disco en digipack editado por Discos Belamarh. Casi dos años ya desde que os traje Notas de Abajo, complicado añadir detalles a la obra de Colis pero da la casualidad de que su escucha nocturna con auriculares hace dos noches me hizo `viajar´ literalmente por esos flujos de onda tan presentes en el mundo onírico de Lynch... no había sido mi mejor día en lo personal, y tumbado en la cama contemplaba el aleteo del toldo (destrozado ya por el viento) formando lo que me parecían caras que ululaban. 

Al fondo en un edificio de reciente construcción, una luz se apagaba y encendía con ritmos cíclicos, inexorablemente, como siguiendo algún patrón cósmico desconocido. Durante centésimas de segundo el aleteo del toldo con la música, el encender y apagar y mi propio ritmo circadiano coincidieron en un punto (Foucault mediante) y ahí se detuvo todo. Estaba dentro del maldito disco que se me presentaba a las `ojorejas´ (suerte de sentido que se adquiere cuando uno está en estado de trance) como un inmenso patrón cosido en el interior de una sofocante cabaña india Lakota. En mi tráquea, la áspera sensación de tener estropajo trae como resultado que mediante un alambre tenga que desatascar para respirar... millones de cuerdas de guitarra pseudo-petrificadas en un ámbar sonoro, fecaloma acústico, ectoplasma espectral formado por el detritus de millones de fantasmas de guitarristas muertos excepto uno que los traiciona a todos porque vive. 

El toldo forma la cara barbuda de Master Wilburn Burchette, sus patrones extrañísimos (drone) a la guitarra en aquello que se llamó Opens The Seven Gates Of Transcendental Consciousness (1972) ejerce de Ouija meditabunda con toma de Jack en la que conectar y reamplificar dos formas muy distintas sus instrumentos. Colis y Marina no buscan la apertura Gnóstica del espacio frontal mediante el uso de notas de `Pink Sound´, marca de la casa de la guitarra fabricada mediante 7 maderas distintas de Wilburn Burchette y empleada en Manuales Parapsicológicos de Sonido como Psychic Meditation Music (1974) o el propio Guitar Grimoire (1973); sin embargo, en Sangre Fácil sí que flota una película de Improvisación que para mí es también Pseudo-Esotérica en tanto en cuanto sin ensayar, y mediante un Plug and Play solamente, ambos artistas se sumergen en una belleza que es realzada gracias a una serie de aciertos. Por un lado, huir de virtuosismos y saber `dejar sonar´ cada nota el tiempo necesario para que alcance su máximo grado de expresión; por otro lado, el fundamental acierto de Sangre Fácil en el sonido/mezcla de Miguel Lorenzo en Influx Estudio que recogen la grabación con esa aspereza propia de los sesenta y el uso de amplificadores de combate. Nada de limar para agradar... más bien limar para que duela más. 

Reflejos de lo que cuento está presente en ese inicio de Nana preciosista, con ecos a Rondo Veneciano de "El Pasado que nos Espera".... un western con ínfulas Morriconianas, Glisandos y Arpegios que se repiten como un motivo/score cinematográfico en "Ojos Cerrados de Par en Par". El acompañamiento de una guitarra a la otra es como velar a un ser querido en sus últimos instantes y las idas y venidas de las exhalaciones sonoras mediante el Fender VJ Looper refuerzan la sensación de Tiovivo onírico tan propio del Blues industrial de Lynch en sus trabajos musicales con Badalamenti. El tempo lento, arrastrado, flotante y espectral huele a Feria de Años 50. Algodón de azúcar ya fermentado (colonizado) por un tiempo que parece haberse detenido, con los bolos y pelotas agrietadas por el calor ejercido en el plástico en una Noche de los Tiempos infinita.

"Es Peligroso Asomarse al Interior" es como surfear olas en un Mar de Serotonina entrevisto en un Flashback Noir musical con culata de marfil o la herida punzante de un estilete. El tono se recrudece con atisbos Hendrixianos; "No Me Gana el Alma", con Loop espacial en el fondo creando forma y base para que Colis y Marina se lancen a una Jam que se corta de forma abrupta dando paso a "Amándola, Hablándole, Yendo a Sitios Juntos y Luego Ya No", intimista hasta lo microscópico y puente corto bluesero hacia "Gente Encantadora, Gente Tediosa", diálogo en el que las guitarras casi vocalizan. Así se van sucediendo los temas; volviendo al desierto surfeante del inicio o caracoleando tonadas minimalistas... de lo amable a lo áspero, de "Una Brizna Pegada" y "En la aún Débil Luz" al metronómico paso de un canal a otro en la amenaza soterrada de "Que Parezca un Accidente" (con un curiosísimo acople/riff/arpegio que baja a las cotas gruesas de Black Sabbath pero sólo durante breves segundos). 

Sangre Fácil se va dirigiendo a un punto de no retorno en el que todo se vuelve muchísimo más experimental, angular y (aunque no me guste la etiqueta) tendente al Art Rock y así, como si de un libro se tratara, "Escrito en el Agua Rápida" y "Lagartijas de Salón" parecen doblar y articular dos partes claramente diferenciadas en el resultado final del disco; dicho de otra forma, son el lomo de un libro y a su derecha, de aquí en adelante, Colis y Marina se lanzan en pos de una salvaje cabalgada al más puro estilo Downtown Neoyorquino. Todo se vuelve más inhóspito y salvaje, con reminiscencias a Frith (cómo no), a los Lounge Lizards (cómo sí) o al lirismo funesto de la Velvet Underground (cómo que como) pero sobre todo a las microtonías ambientales de Glenn Branca... mini orquetas sinfónicas proto industriales de donde mamarían Swans y el Noise Rock. Sale también a la superficie el Blues y Folk urbano de alear Waits con Neil Young y pasarlo por cosas tan a priori complicadas de acudir en primera instancia como el Desert Rock de Yawning Man... porque hay desiertos en las ciudades y viceversa.

Da la sensación de que estamos en el mismo lugar pero el paisaje ha cambiado. Una ciudad reamplificada, tecnologizada hasta el punto de hacerla irreconocible, pero con el mismo cielo como manto protector. 

Especialmente interesante me parece la letánica "Garabateando en el Viento". Un loop de Fender de fondo sobre el que zurzir notas tan graves que parecieran remachadas, percusivas y amenazantes dan paso a la inhóspita distorsión de "Was ist Das!" que Juan Diéz Ena compara con Glenn Branca, cosa con la que estoy totalmente de acuerdo pero a la que me gustaría añadir el detalle de la etapa Neoyorquina de Daevid Allen en Opium For The People, Alien in New York y sobre todo sus discos Who's Afraid / Hit Men junto a Kramer ya en los 90. Aunque sean en formato banda, a veces con vientos, se extiende todo ese legado (aunque sea en el inconsciente colectivo) en las glisandas notas esparcidas en "Te lo Tengo Dicho" o la casi oriental (las guitarras parecen un harmonio o Shruti Box) "Vuela Bajo".

No sé si Blood Simple (Joel y Ethan Coen, 1984) y sus ásperos encuadres de Thriller Neo Noir habrán influenciado a Colis y Marina pero la paleta expresiva urbana, el humo de las alcantarillas, las chaquetas y gorros calados... los cigarros a medio fumar o el rojo carmín, las siluetas de los cadáveres o la jodida chapa del FBI son estampas cuasi costumbristas, evocadoras/invocadoras de fotogramas que mutan a sonido y viceversa ("Cruza los Dedos").

"Cógelo Todo, Déjalo Todo" hace que sea sacrílego no mencionar a Henry Mancini en esos imposibles, danzantes tempos que huelen a película de espías (Mancini por cierto, el Rey del Loop orgánico). Es justo ahora cuando me doy cuenta de que llevo casi 60 minutos mirando el puto toldo mecerse... miro el tracklist y quedan cuatro temas. No te los voy a describir, lector de mierda, hoy no tengo un buen día y soy de Sangre Fácil.

https://sangrefacil.bandcamp.com/album/javier-colis-y-juan-p-rez-marina-sangre-f-cil

LUBIANKA - "4.0" (KRAKATOA RECORDS; RAI DE LA MEDUSA PRODUCCIONS, 2020)

Bastante ha llovido desde Naufragis, debut de LUBIANKA que reseñé nada más y nada menos que hace 8 años tras un esbozo literario corto sobre su rompedora Demo (cosechó muy buenas críticas allá por donde pasó). En lo que me parece una fantástica reinvención y vuelta de tuerca, la banda de Barcelona embellece su sonido alejándolo de las etiquetas anteriores y mutando de sonido en cada uno de los cortes que componen 4.0, disco en el que tras diatribas personales y mil historias la formación queda establecida con Aleix Brasó (batería), Víctor G. Roca (voz y guitarras), Sergio Gutiérrez (bajo), Florenci Salesas (teclados, piano y sintetizadores) y Christina Garret (voces)... es decir, cambio de bajista mas teclista de regalo con respecto a Cerimònies, un discazo que me voló la cabeza cuando salió. 

Más cosas han pasado antes y durante, como esas sesiones de improvisación con Shruti Box que guardo como oro en paño (aquí) o su tremebundo directo en el desierto de Monegros recogido en un fantástico DVD (en un imposible ataque de mala suerte al más puro estilo Terry Gillian, la primera vez que intentaron hacerlo perdieron la gran mayoría de las cintas o algo así). 4.0 se edita en vinilo por Krakatoa Records junto a Bai de la Medusa Produccions; es decir, una especie de autoedición si tenemos en cuenta que la primera se trata más de una planta de fabricación y que el anterior salió en la germana Tonzonen Records. El resto de detalles técnicos se van a la grabación, mezcla y masterización de Víctor G. Roca en Grabacions Nómades y las fantásticas fotografías de Urko Linaza que adornan el montaje de la portada, también de Víctor.

Si nos paramos aquí un momento, se intuye que 4.0 es un disco muy distinto a Cerímonies. Por un lado, el abordaje característico del rock psicodélico de la banda se ha revitalizado mediante pasajes más jazzeros, toques a música de club nocturno (aires crooner aquí y allá) y unos excelentes arreglos de banjo, saxo, theremin y sitar que van añadiendo aquí y allá. Intocables permanecen las voces pastorales de Christina y Víctor, seña de identidad de una banda en pleno proceso de maduración tal y como se capta en la apabullante "Desert" que abre el disco. Como convertir un auténtico himno indio Cheyenne en una canción Psych, brillan la base rítmica y los arabescos de los teclados añadiendo una dimensión espacial fantástica al acabado. 

"Reflexos", con su inicial banjo, el medio tiempo marcado del piano y las amortajadas voces en salmuera huelen a Blues de tabaco de mascar hundido en la noche de los tiempos. Scott Joplin pasado por un espíritu Proto Glam acojonante y afortunadamente alejándose de esa oleada añejísima de bandas Stoner Psych de la península que se extienden como un cáncer musical metastásico. Un Boogie Swing Psicodélico con trocitos hard rockeros pegados al paladar sediento y atentos al impresionante arrebato espacial de unos teclados arropados por un saxo que entra como los Xhol Caravan (más drogados de lo habitual) y recordando la magia Kraut Hippiesca de Embryo. 

El fundido progresivo hacia "Encara Hi Som a Temps" es muy natural, resultando posiblemente de los temas del disco que más recuerdan a Cerimònies. Los teclados de Florenci Salesas suenan a The Doors pero "modo putrefacción /desfase On" (lo mismo está subrayando con el piano que te borda una sábana de sonidos en el pebetero del sinte). La guitarra hace su solo en justa medida, sin masturbaciones del mástil innecesarias pero subiendo el groove del corte al más puro estilo Grand Funk. Fabuloso el fade out minimalista de la percusión y los teclados.

La Cara A se finiquita con el oriental (otra marca de la casa) "Enzim 4.0"... aguerridas voces de Christina, el saltarín Theremin copulando con un sitar de forma desbocada muestran cómo ha crecido la banda, capaz de conjugar una base de Jazz Rock con Progresivo pero desde una óptica cada vez más caleidoscópica y personal. "És tard" es casi garajera; rezuma cierto primitivismo y la insania "controlada" de la banda cada vez me recuerda más en espíritu a CAN.

Abre la Cara B el temazo "Amnésia", movido a base de estertores orientales otra vez y con el protagonismo de Christina con su peculiar y estentórea pero bella forma de cantar, apoyada en unos agudos imposibles. Si Janis Joplin hubiera llevado el demonio dentro... bueno, creo que ya lo tenía dentro, la verdad, se parecería un pelín a esto. Baja el tempo y unos sonidos de mar abren la jazzera "Portlligat 79", fantástico ejercicio de progresivo dificilísimos de clasificar. Cantando en catalán, supuran algunos toques de ese primer progresivo Barcelonés de Blay Tritono, Iceberg, Sisa, Máquina! o Secta Sónica... es decir, una aleación perfecta entre el Rock Progresivo y la fusión que se estaba haciendo en la Barcelona Preolímpica antes de la entrada de la experimentaciónp pura y dura y bandas más enfocadas a la electrónica, aunque para mis oídos LUBIANKA se alejan de cualquier atisbo del Folk Catalá per sé. 

Sigue el sitar en "Tall", que empieza como una Shloka hindú para ir triturándose como un meteorito entrando en la atmósfera circundante a Bengala. Un triposo riff Psych y cantos tribales que se van acelerando en un clímax elevador y ácimo. Experimentación pura y dura en un corto pasaje ambiental estalla en el pedazo de himno (con soniquete 13th Floor Elevators incluído) "A la Neueska!". Ritmos percusivos Motorik, paradas y acelerones con un mistérico pasaje de teclados, voces en Vocoder y la parte más experimental del disco que se une a "Xekat" formando un binomio fortísimo de guitarras encabronadas y multitud de detalles y perlas. 

https://lubianka.bandcamp.com/album/40

J.G. ENTONADO & ARÍN DODÓ - "ELUCUBRACIONES DE UN DISIDENTE SONORO"

Elucubraciones de un Disidente Sonoro es un documento escrito autoeditado por J.G. ENTONADO (ARÍN DODÓ) y que se me antoja imprescindible para adentrarse en el submundo cuántico excremental de la improvisación libre y performativa de un músico multidisciplinar, poliédrico y en ocasiones (la gran mayoría) de muy difícil clasificación. 

El libro está maquetado de forma agreste, salvaje, sin contemplación amable hacia el lector, y he de decir que la mayoría de textos ya los conocía porque me habían servido de guía para las reseñas que he ido soltando estos años tanto de J.G. Entonado en solitario como de Arín Dodó o Poliedro Kobold. Para los que busquen un acercamiento en forma de guía anárquica les vendrá de perlas, aunque advierto que es casi un puzzle; trozos de webs, enlaces bioalquímicos, aportes de Fancines y todo lo que se os ocurra. 

Los capítulos donde se habla de La Tatucera o las entrevistas al final son especialmente esclarecedoras. Poséis contactar con el propio J.G. Entonado para haceros con alguna copia física o acceder a la versión en PDF gratuita del documento, bastante más cómoda que la física porque puedes acceder a todos los enlaces con un sólo click. La verdad es que me ha venido perfecto para las nuevas reseñas que están por salir de Seidagasa o las colaboraciones con Jose María Pastor... lectura imprescindible para conocer un poco más eso que llaman El Arte Sonoro.

Versión en Pdf:

https://josemariapastorsanchez.files.wordpress.com/2020/01/eds-archivo-definitivo-1.pdf

Para copia física contactar con el autor aquí.

ZWICKY - "MiNoBlues" (NENUFARIA, 2020)

Los primeros compases de "Según Se Mire", tema que abre MiNoBlues, debut de la banda malagueña de Jazz ZWICKY, tiene la particularidad circular única de esos temas que se abren con una serie de notas sostenidas (divagadas) que suenan más a final de un corte que comienzo, no sé si me explico bien. Una cortísima melodía de guitarra eléctrica desemboca en un loop arropado por una base rítmica nostálgica (huele a Cool Jazz) pero que si se examina al microscopio auditivo abre espacio entre notas sugiriendo un abanico de posibilidades propio de la Improvisación Libre menos agresiva en la ejecución. Sin llegar a lo puramente académico, ZWICKY bebe de cosas como el Cosmic Jazz post Coltraniano, el Swing teratogénico y siempre bizarro de Sun Ra y (aquí puedo equivocarme), ese espectral sonido meditabundo de las ediciones de ECM en los 70.

Al minuto es el bajo el que hace/repite el juego soltando varias notas consecutivas triangulándose luego con el motivo inicial. Abstracción amable en cada uno de los instrumentos, el lirismo juega de forma melódica (que no melosa) `sugiriendo´ y dejando ver por el rabillo del (oído) ojo . Se huye de la agresividad para buscar el ambiente clásico (que no añejo) en la guitarra eléctrica de Javier Berrocal; por otro lado, la base rítmica (Pepe Triano al bajo y Emilio Salvatierra a la batería) aun tendiendo hacia el Bop sí que se muestra poliédrica en esencia, especialmente en el bello puente que une cada uno de los solos. Es curioso, pero se trata de un tema que puedes cortar casi por cualquier sitio y unir luego donde quieras que el resultado es siempre el mismo al oído. Como una Matrioska jazzística vaya...

Hace acto de presencia aires propios de la música clásica contemporánea en el abordaje inicial de "Geometría de las Olas". Al no existir vientos, el oyente puede despistarse un poco en lo que escucha, pero cuando rompe la música lo que escuchamos entra dentro del terreno de una exquisita improvisación libre medida al milímetro, cargadísima de detalles de orfebrería musical y algún apunte que recuerda al Jazz Rock no Canterburiano pero sí (otra vez) contemporáneo. La gran variedad de recursos de Salvatierra a la batería hablan de una percusión más que profesional, virtuosa pero sin fórmualas matemáticas espesas. Discurre el medio tempo a caballo entre un Blues abstracto y una nana susurrada por un Henry Mancini en fase Hipnagógica. Las cuerdas (guitarra y contrabajo) zurzen volutas sonoras complicadísimas en un crescendo (el título lo dice) geométrico, angular y que de existir un saxo de apoyo subiría enteros según mi humilde opinión (bueno, un clarinete bajo siempre me seduce bastante).

La nitidez con la que se desenvuelve todo es obra de la grabación y mezcla de Daniel Pineda y Zwicky en Moby Dick Estudio, con posterior masterizado de gala por Máximo RB en Hollers Analog Studio. Sobre la portada y el artwork no os voy a comentar nada y os emplazo directamente a la entrevista que incluyo más adelante. Sigo con la audición...

Una caja circense abre "MiNoBlues - Lullaby". Un tema precioso, que te mece con sus aires salitrosos y pseudo Folk en su primera mitad, y que luego vuelve a mutar en un segundo arreón más visceral con quiebros nuevamente hacia el Jazz Contemporáneo. Cuando las notas se juntan y crece la intensidad (justo antes de la melodía de bajo con arco) me recuerda un poco a una versión más reducida de los nórdicos de culto Atomic. No es hasta que has puesto el disco al menos 4 o 5 veces en que todo el sustrato que hay en MiNoBlues sale a la superfice; escuchas superficiales no dan resultados óptimos (casi nunca lo dan, y en estos estilos menos). Es fácil dejarse llevar por la agresividad de un saxo tenor para decir que tocan Free Jazz, mientras que es muy difícil captar esas mismas sensaciones cuando los vientos no andan presentes, volcándose el conjunto más hacia el lado Contemporáneo o directamente Cool para los muy despistados.

Sigue  "Save the Kiwi", tema nada habitual en forma y estructura, y vertebrado por una obsesiva línea de guitarra y un metronómico patrón de batería (posiblemente este sea de los más Jazz Rockeros del disco). Me gusta mucho cómo se entrelazan los instrumentos, formando mini Jams (o mini solos, no sé cómo expresarlo) que huyen de interminables arengas masturbatorias (el contrabajo por ejemplo, es exquisito a lo largo de todo el álbum). "El Hombre Gusano" es una tripa eventrada del anterior. Mismo espíritu pero con un nivel técnico muy superior (un bajo que engarza notas larguísimas, elongadas y "destensadas", la guitarra microtonal o la ebanistería de Salvatierra en lo percusivo).

El tramo final se mueve entre el regusto mediterráneo y Hard Bop de "Leo, Jaleo" con un tramo final de órdago sobre todo en el Contrabajo, que suena aflamencado para luego dejar paso a que se explaye la guitarra, mientras la batería gana en peso molecular estrechando el espacio entre notas. Con todo, me quedo con "Resumen de Tí", fantástico título para un curioso corte que parece estar construído con retazos de los 6 restantes. Un puzzle jazzístico de alcurnia para paladares pacientes.

Sin más, dejo que sea Emilio Salvatierra quien responda un pequeño cuestionario sobre la banda:

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1. Escuchando en profundidad “MiNoBlues”, uno se da cuenta rápidamente de que no está ante músicos amateurs. Aquí hay un nivel técnico alto y es palpable. ¿Quiénes forman ZWICKY y de dónde vienen?. ¿Podríais resumir un poco la trayectoria biográfica de la banda?.

Zwicky somos Javier Berrocal a la guitarra, Pepe Triano al contrabajo y Emilio Salvatierra a la batería. El origen musical de los tres está ligado a la música popular, sobre todo al folk y el rock. Javier Berrocal como miembro fundador de Perrocal una banda muy interesada en la música folclórica de distintos países, Pepe Triano de la escena malagueña del metal con su banda NRS y yo como miembro de 713avo amor y Después de nunca en lo que podíamos llamar rock experimental o algo así. Además de esta experiencia los tres hemos recibido formación académica musical, Javier y yo en el conservatorio y Pepe en el Taller de músics.

En un principio Javier y yo comenzamos probando a tocar algo de música improvisada e intentábamos encontrar un lenguaje apropiado en el que hacerlo. Los dos habíamos estudiado algo de jazz y pensamos que nos aportaba las estructuras flexibles que necesitábamos para ordenar nuestras ideas, así que nos centramos en él. Fuimos probando algunos músicos y formaciones hasta que encontramos a Pepe. A partir de ahí la formación fue variando, probando a tocar con otros músicos, cambiando a cuarteto y quinteto hasta consolidarse como trío y tomar su nombre. Y en este momento, esa es nuestra formación.

2. Ya que estamos, si me explicáis de donde viene la palabra ZWICKY os lo agradecería… si tuviera que apostar, viendo la portada y tirando de acervo, me inclinaría por el apellido del astrónomo Fritz Zwicky, uno de los pioneros en descubrir partículas y la materia oscura del Universo. 

Sí, precisamente de él tomamos nuestro nombre. Es un personaje muy curioso, muy poco reconocido en su época por sus teorías y de carácter muy particular. Tuvo grandes intuiciones que solo el paso del tiempo han podido demostrar. Nos pareció un personaje muy interesante y fonéticamente nos encantó su nombre, aunque no tengamos nada claro como se pronuncia realmente.

Lo mejor de todo es que después de tomar su nombre, investigando un poco sobre él, descubrimos que creó una técnica de resolución de problemas que se suele llamar “la caja morfológica”. Sin entrar en detalles, es una técnica que busca conseguir la mayor combinación posible de opciones entre las variantes de un problema, sin tener en cuenta lo descabelladas que puedan ser estas. Ese “invento” nos encantó, creo que es una de las características de nuestra música, la mezcla y combinación de elementos de distintos lenguajes musicales, en muchas ocasiones guiados por la intuición y el bagaje musical de cada uno, sin tener muy en cuenta la lógica de la estética y el estilo. 

3. A pesar de que escuchas rápidas del disco puedan llevar al oyente a confundir la propuesta de vuestra banda como Cool Jazz, en la base se captan y mueven al exterior efluvios de Jazz Rock, especialmente en el uso de la guitarra. ¿Cómo definís vuestra propia música? ¿Qué parte de improvisación y qué parte de composición hay en “MiNoBlues”?.

Creo que la sonoridad del disco es calmada y bastante intimista, no sé si eso podría acercarlo al cool jazz, y como este género, creo que es bastante apreciable la influencia de la “música clásica” en él, especialmente de la música de cámara para guitarra del siglo XX. Creo que hay también elementos del rock, que en el contexto pueden sonar a jazz rock, pero también hay elementos del free jazz o la improvisación libre que me parecen significativos.

Como te comenté antes, en un principio simplemente queríamos hacer música improvisada, música en el instante, pero en el intento tomamos conciencia de lo necesaria que era una estructura para desarrollar esas improvisaciones. Buscando esa estructura nos acercamos al jazz, movidos por nuestra admiración por Coltrane, Ornette Coleman o Alber Ayler e intentando comprender su música nos dimos cuenta de que teníamos que aprender de la tradición que les precedía. En mi opinión la música de Zwicky es resultado de este proceso, toma elementos de lo aprendido e intenta encontrar una entidad y estética propia sin prejuicios de estilo. 

En el disco, como en nuestra música, hay partes que están claramente estructuradas y compuestas, con otros que son espontaneas. Hay temas con una forma clara (tema, improvisaciones, reexposición) con otros en que se suceden secciones escritas que sirven de puente a otras totalmente improvisadas y contrastantes. Cada tema va pidiendo un tipo de desarrollo e intentamos ir dándole el que necesita.

4. ¿Por qué os decantáis por el formato trío?... he tenido acceso a información y juraría que llegásteis a ser un quinteto con vientos. ¿Descartáis el uso de instrumentos de viento en futuras grabaciones?.

Bueno, más que elegir el formato de trío, él formato nos ha elegido a nosotros. Los tres llevamos tocando juntos desde el año 2006 con algunas pausas por asuntos personales y con el paso del tiempo las circunstancias han ido determinando esta formación. Consideramos la formación de trío como algo abierto y nos encantaría que se ampliara.

5. El acabado del CD en cuanto al artwork y demás es muy bonito. ¿Por qué elegís las pinturas de José Díaz Oliva?... la verdad es que pienso que son un acierto y definen el sonido de la banda. Las pinturas surrealistas de Díaz Oliva son una auténtica maravilla, por cierto.

Me alegro mucho que te guste. Todo el artwork esta sacado de un fragmento de una obra de Díaz Oliva con la que llevo conviviendo desde que tengo recuerdo. Tuve la gran fortuna de conocerlo personalmente desde niño por ser amigo de mis padres y siempre me atrajo su obra. Creo que es un pintor desafortunadamente desconocido y que merece un reconocimiento urgente. 

Para mí también existe cierta conexión entre el surrealismo y nuestra música, no es algo intelectualmente buscado, simplemente lo siento así. Quizás por permitir que nuestros bagajes musicales personales se mezclen sin mucho control intelectual, por dar espacio a relaciones musicales intuitivas en ella. 

6. O yo desconozco bastante el circuito, o no hay demasiadas bandas por aquí haciendo vuestra propuesta. Sin ir más lejos, creo que Malheur (banda de Sevilla de similar sonido) se separaron. Sin embargo, hace unos años había una fructífera escena en el sur en lo que a improvisación libre y Jazz se refiere. ¿Cómo veis la escena en cuanto a Salas, bandas y público?. 

Bueno, no me parece que pueda hablar en términos generales de este tema, no creo que tenga conocimiento para hacerlo. Solo puedo comentar lo que he experimentado personalmente. 

Hace unos años sí que se despertó cierto interés por el jazz en Málaga, parte por el empuje de un grupo de músicos jóvenes que tocaban maravillosamente y que tenían ganas de hacer cosas. Se creó la CAM, hasta donde yo conozco la primera escuela orientada hacia la música improvisada en la ciudad, había una Asociación de jazz que comenzó a funcionar en la Escuela municipal de música de Alhaurín de la Torre y florecieron algunos clubs que programaban este tipo de música con regularidad. 

En Jerez comenzó a funcionar un proyecto de improvisación libre muy interesante y pionero por estas tierras, Entenguerengue, la primera orquesta de improvisación libre andaluza. Parte de Zwicky estuvo participando en ella y fue una experiencia estupenda. La actividad del colectivo estaba conducida por un gran pianista de improvisación libre, Alejandro Rojas- Marcos y gracias a nuestros encuentros tuvimos la suerte de trabajar con Chefa Alonso, Ricardo Tejero o Agusti Fernández (por citar a tres), músicos de nivel internacional y que rara vez habían visitado nuestras tierras. 

En este momento la situación es muy diferente. Casi ningún club ha superado el paso del tiempo y el público perdió progresivamente el interés por esta música. La administración municipal intentó convertir este interés cultural en una nueva forma de publicidad y olvido promover realmente los elementos necesarios que hacen crecer la vida cultural de una ciudad. Quedan un grupo de músicos jóvenes que gozan de cierto prestigio y que son los que tiene acceso a las programaciones y algún club o bar que sigue peleando para mantener una programación estable, por lo demás no hay mucho espacio para propuestas.

Afortunadamente aun quedan colectivos y músico con ganas de hacer cosas en el sur. Personalmente creo que hay que escuchar Sputnik trío, Hidden forces trio, Larsen C & the millenials y Alejandro Rojas-Marcos con Ferran Fages... y si te apetecen sonoridades mediterráneas, Zirvia.

7. Creo que hay un subdisco dentro de “MiNoBlues”. Aparentemente sencillo, escuchas sucesivas revelan recovecos que pueden dar lugar a improvisaciones en vivo muy interesantes… en algunos aspectos, casi que diría que los siete cortes que habéis compuesto son piezas estándar para la elongación y transformación en directo. Dicho lo cual… ¿Es ZWICKY una banda de directo?.

Sí, sin duda. Creo que en general toda la música que se desarrolla a través de la improvisación se debe escuchar en directo, es el momento en que toma sentido pleno. Los discos son uno de los posibles desenlaces de un tema, pero no son el tema. Los temas cambian en función del lugar donde toques, del orden del repertorio o de las condiciones de escucha que tengas. De hecho, una de las circunstancias que más ha condicionado como han terminado sonando las composiciones en MiNoBlues ha sido las condiciones en que se grabaron. 

8. Este es vuestro espacio para que os despidáis como queráis, contéis planes de futuro o lo que se os ocurra… eso sí, antes de despediros quisiera que me comentárais qué significa SUN RA para vosotros?. Puede parecer una pregunta extraña para finalizar una entrevista, pero siempre he pensado que el verdadero Jazz es a la vez terrenal pero cósmico.

Bueno, creo que hay creadores que por sus ideas y sus actitudes terminan tomando una transcendencia que va más allá de su obra. En la música, para mí, están los ejemplos de John Cage y Sun Ra. En el caso del segundo, creo que es un creador realmente inclasificable, maravillosamente excéntrico y que hizo gala de una libertad creativa poco común. En ese sentido lo considero una referencia... además comparto con él su fascinación por el espacio... 

Para mi escuchar música es un poco como “viajar al espacio”, cuando cierras los ojos y concentras tu atención en la escucha es como si estuvieras en la nada y en la oscuridad comenzaran a aparecer los colores del sonido. Aparecen formas, clusters, bloques de sonidos, melodías que se mueven de un lado a otro con movimientos fugaces. Es una experiencia que te transporta a un lugar diferente. No siempre sucede este viaje, requiere bastante atención, pero desde que empecé a escuchar música lo he experimentado muchas veces. Hay muy pocas sensaciones comparables a estar “dentro de la música”, rodeado por ella, es un “espacio” aparte.

Personalmente me siento heredero de la forma de entender que significa hacer música que impregna el free jazz en los 60, el regreso a la concepción ancestral de la música como herramienta de conocimiento, de sanación y de vínculo social. Parece algo muy místico y lejano pero es algo muy común y tan sencillo como cantar tu canción favorita de rock cuando necesitas saltar y gritar para liberarte de las tensiones diarias. Creo que los miembros de Zwicky de diferente manera, según sus experiencias propias, comparten esa relación con la música. 

Respecto a los proyectos futuros, nos gustaría volver a la promoción y presentación del disco en directo en cuanto lo permitan las circunstancias y reactivar la idea, paralizada por los acontecimientos, de montar un repertorio a cuarteto con voz. Si conseguimos parte de eso, seremos felices.

Muchas gracias por el tiempo que nos has dedicado con la escucha del disco y la preparación de las preguntas para la entrevista. Creo que en el momento cultural que vivimos, con su saturación informativa, las propuestas algo más minoritarias y que no se mueven exclusivamente por un móvil económico quedan rápidamente sepultadas y olvidadas. Ahora más que nunca iniciativas como lo de tu blog y la dedicación que exigen son imprescindibles para que sigan existiendo propuestas creativas. 

También muchas gracias a las personas que hayan llegado hasta estas palabras por su tiempo y atención, espero que hayan sido amenas. 

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https://nenufaria.bandcamp.com/album/minoblues

MONO CANÍBAL & SATAN UMMO - "ASÍ EN UMMO COMO EN LA TIERRA" (TORMO RECORDS TR02, 2020)

Mi historia personal con MONO CANÍBAL comienza como todas estas historias. Chico conoce a Mono, Mono conoce a Chico, Chico entrevista a un Mono (aquí). A partir de ahí el contacto ha sido fluido (y ha soltado fluídos) en textos como la reseña del álbum homónimo (aquí) o el Split con NoiseSculptor (aquí) o Grassa Dato (aquí) donde precisamente ya estaban presentes en los temas de Mono Caníbal las voces procesadas de Sagan Ummo. 

Pues bien, ahora, en todo su esplendor y gloria, un precioso vinilo 10" a cargo del naciente sello TORMO RECORDS (su anterior edición es nada más y nada menos que Hela, y también tienen por ahí cosas de Lodo). Música de Mono Caníbal (Emu Proteus 2, Moog Sub37, Yamaha Dx27, Korg Ms2000, Korg Minilogue, Roland JV1010...); grabación en una selva de otra Galaxia (The Empty Hall) en el año del señor comprendido entre el 2.134 y 4.288 según calendario Ummita. Las letras únicas e impredecibles son obra del inclasificable Sagan Ummo (aquí Satan Ummo). El fantástico artwork es obra de Sagan Crimewear y la acojonante masterización (os juro que los graves son realmente potentes) son de J.F. Rojo en Red Records Studio.

Imaginad unas bases de Break abotargadas como si las hubieras tenido macerando en Salmuera un mes con unas voces que parecen la versión teratogénica/incestuosa de Juan Brujo pero con una lentitud y cadencias tan infecciosas que el Groove que flota en el ambiente le da mil vueltas en cuanto a malignidad a los propios Brujería. Pero ojo, esto es Techno al ralentí mezclado con las influencias cinematográficas (bandas sonoras hispano italianas) de Buio Mundo y demás; el conjunto es único, fresco y me atrevo a decir que es un clásico intantáneo desde ya. 

Esa apertura minimalista de Hip Hop que coquetea con el Industrial Noise de "Sesgo al Sacrificio" es todo un himno. Voces distorsionadas, cajas de ritmo con un ritmo más marcado que el Big Ben o con las coordenadas temporo espaciales de El Péndulo de Foucault. Submundo Ummita en las letras (me niego a explicar esto a los que no tengáis cierta edad, así que mirad el tema en internet). Es curioso, pero a los más viejunos se les puede venir a la cabeza una versión de Ktulu pero intoxicada con Benzodiacepinas.

Imposible no acordarse de Matando Güeros en la apertura ambiental de voces en "Zarza Ardiente", que poco a poco se torna en algo así como Techno Gospel (existe algo así?). La música aquí es más experimental y con menos apoyo en las pétreas bases rítmicas propias del Hip Hop, aunque con el mismo resultado infecto-contagioso. Las rimas/invocaciones de Satan Ummo se te clavan como un un ritual de Santería Cubana Apócrifo con contexto ufológico (imposible pedir más)... siguen pasajes espectrales de electrónica Giallesca conformando una mezcla fresca y original de géneros que ya estaban más que hoyados. 

Termina la Cara A el himno vieja escuela "Reconversión" con el estribillo más Pandémico que puedas imaginar (Ummo Ummo Ummo Caníbal / Caníbal Caníbal Caníbal Woa / Woa Woa Woa Ummo / Ummon Caníbal.... un mantra para las nuevas generaciones post apocalípticas).

Mira que la Cara A es buena, pero me quedo de largo con el otro lado. Las citas bíblicas de "EZ 1:4-24" suenan a una nana para dormir bebés extraterrestres. Maravilloso, ululantes impulsos sesgados perperdicularmente con esos toques Synth típicos de las bandas sonoras de los 70. Escuchar una mezcla de banda sonora a lo Riz Ortolani, Fabio Frizzi o Simonetti con Proto Techno y Rap reptiliano creedme pero no es nada, pero nada habitual. Me atrevo a decir que estamos ante un trabajo rompedor en nuestras fronteras (podría recordar al Drag o Haunted house de la década del 2000 y sus temáticas ocultistas, pero esto me suena infinitamente más Cañí). 

Como colofón, los 6 minutos instrumentales de "Luna 16" (aquí tenéis lectura para un rato). Bases obsesivas, samplers en Ummita, efluvios de soundtrack y bueno, qué más decir... para mí, un disco de adquisición obligada. Una pequeña joya entre tanta morralla que se edita dia sí y día no. Algo distinto, para orejas distintas y seres antropomórficos distintos. Para ahondar, os dejo la siguiente ENTREVISTA con los implicados:

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La siguiente entrevista se realizó en el Sótano del Café Lion a pocos metros de la Plaza de Cibeles. Grabadora en mano, mis preguntas están en rojo. En azul podéis ver una voz no identificada que no hemos conseguido averiguar a quién pertenece. Estudiosos del tema dicen que es una especie de subconsciente disruptivo.

1) Veamos… lo primero que tengo que hacer es daros la enhorabuena (yo me lo pensaba) porque hacía bastante tiempo que no escuchaba un vinilo tan jodidamente bien grabado, prensado, masterizado o como quiera que sea el proceso a seguir. Casi se sienten los graves en los empastes. Veamos. ¿Cómo surge una colaboración a priori tan extraña como la de Sagan Ummo y Mono Caníbal (qué tontería de nombre)?..... ¿quizás conciliación entre especies mamíferas?.

MONO CANÍBAL - La verdad es que estamos muy contentos (ya estamos con lo de siempre) con el resultado (si 2+2 son 4, ¿también estarías contento con el resultado?). Una cosa que empezó así un poco “de risas” (esto no lo entiendo, ¿os estábais haciendo cosquillas?) ha culminado en este disco (eyacular). Todo empezó cuando andaba mirando videos del caso Ummo por youtube y me topé con un videoclip de Sagan. Me moló (ufff, la palabra molar indica alguien viejuno que se cree joven) mucho el concepto, la estética y sus putos gritos. Al cabo de unos días le escribí comentándole si le apetecía que montásemos un tema juntos. Hablando y hablando nos dimos cuenta de que nos conocíamos en persona jajajaj (jajajaj). Y al final decidimos hacer unos cuantos tracks mas y darle forma de disco conceptual, cerrar el circulo.

SAGAN UMMO - Yo si sabía quién era él (¿y a qué dedica el tiempo libre?).

2) Recuerdo que el proyecto estaba esbozado hacía tiempo, o al menos algo así me dijo Mono Caníbal. ¿Cuánto tiempo habéis tardado en componer, masterizar y vestir de gala Así en Ummo como en la Tierra?.

MC - El proyecto es de finales de 2015 creo y ha visto la luz en 2020. Realmente hemos tardado 5 años (¿tendrán subvención?), los dos estamos con varias cosas y ha estado temporadas estancado (aquí creo que se refiere a un fecaloma de Sagan Ummo; la gente no come fruta y por eso se estriñe). Ha sobrevivido a malos momentos, inundaciones y pandemias!! LITERAL!! (por qué chillas?). Pero aquí está!. En principio solo iba a ser una edición digital, cuando Tormo lo escuchó pasó ha ser una edición en CD Digipack con algo especial (un platanito pal mono) y al final terminó siendo este 10 putas pulgadas que tengo en mis manos (manos pequeñas).

3) No soy un experto en géneros como el Witchhouse y cosas así, pero el sonido de Así en Ummo como en la Tierra tiene algo de ese aroma espectral (pedante) del género junto a cierto aroma Giallesco. ¿Podéis contarme cómo se gestaron los temas? ¿Surgen primero las letras o la música?.

MC - No sé de que cojones me hablas de Warcraft o yo que se que dices, eso será una movida Andaluza o vete a saber. Primero se hizo una base musical de los 5 tracks, decidimos darle un concepto al disco con un aroma Ummita-Bíblico. Sagan se encargó de darle forma (claro, en un Torno... y luego un sello que es Tormo...venga ya!) a las letras y a raíz de ahí se cambió la estructura musical (ahora seguro que me dice que son Avantgarde) y se fue creando también sobre la marcha (nota mental: investigar sobre marchas, manifestaciones o similar que pudieran haberse dado durante las fechas comprendidas entre la composición del disco). A mi personalmente me gusta mucho trabajar (qué?) así porque me da más ideas y puedo desarrollarlo de otra manera todo, fué un ida y vuelta de impresiones hasta llegar a esto.

Siempre intenté componer percusiones a lo Boom Bap (debe ser algún tipo de interjección desconocida o un personaje de Juego de Tronos) como base del proyecto, echando la mirada muy atrás (cogote) si hablamos de Hip Hop, mantener la oscuridad de grupos como Artifacts, House of Pain etc... Intenté volcar todos mis conocimientos (¿?) de Hip Hop en este proyecto pero adaptándolos a la situación (¿habrá participado Fernando Simón?). De hecho lo primero que hice fue localizar a mi amigo Cako3 que es un vieja escuela de Elche para que me pasase samplers y librerías de sonidos que ellos utilizan desde siempre, pero bueno... luego ya todo cogió la forma (y venga con dar forma a todo) que ahora puedes escuchar (ahora me viene mal).

4) Los toques cinematográficos (otro tonto) están ahí. Temas como “Zarza Ardiente” parecen ser la versión techno de BUIO MONDO e Italia Violenta; también tenemos Synthwave y todo ese rollo Retro que tan fuerte está pegando en algunos ámbitos. ¿Qué influencias tenéis?.

MC - Las influencias son las de siempre, nada ha cambiado (otro Tierra Planista), simplemente es saber qué requiere cada cosa en cada momento (uff qué estrés vivir así) y dejarte llevar sin miramientos y volcar todos los conocimientos adquiridos en todos estos años. Me resulta muy curioso que la gente hable de Synthwave y esas cosas cuando escuchan algo mio jajaja (jajaja). Yo no tengo una base de ese estilo musical en mis conocimientos (¿?). Ya sabes (no) que vengo de Morbid Angel (sí, y yo vengo del peluquero), Slayer, S.O.D., Jagermeister... y las Soundtracks. 

Sé por donde vas cuando nombras el Synthwave pero en mi caso me iría a influencias como Afrika Bambaataa o The Soul Sonic Force si queremos buscar culpables. También decirte que en este trabajo son más mis influencias literarias que las cinematográficas las que me han ayudado a darle forma en algunos aspectos (sí, el doctorado...).

SU - No. 0 Influencias y lo escribí y grabé muy drogado (chicos, las drogas están mal!!!).

5) Os voy a poner aquí un párrafo y me vais a contestar lo que os salga de las narices (a quitar mocos con espátula): “La esencia de WOA no sufre evolución alguna. Es esta misma esencia la que comprende la posibilidad de la idea dimensión, más esta dimensionalidad no puede afectar a su ser como un atributo íntimo pues la dimensionalidad lleva aparejada la mutabilidad y WOA no podría imponerse a sí mismo cambios, y por lo tanto limitaciones. Más las ideas de WOA han de poseer realidad, ha de ser generada siempre que no sea incompatible con la íntima esencia de WOA. ¿Cuántas realidades existen? La respuesta es sencilla: tantas como ideas no incompatibles coexisten en la mente de WOA”.

MC - GOL DE LLORENTE EN ANDFIELD!!!!!!

SU - No (por fin algo coherente).

6) ¿Creéis que en un futuro podré visitar la estrella WOLF 424?.

SU - No.

7) El acabado del 10” es precioso. TORMO RECORDS se ha marcado (GOL DE LLORENTE EN ANFIELD!!!) una edición verdaderamente espectacular; artwork, el rojo transparente del vinilo... ¿Cómo surge el contacto con el sello?. La verdad es que han empezado apostando fuerte… Lodo, Hela y ahora vosotros.

MC - Bueno, los tres responsables del sello son amigos desde hace mucho tiempo; con Julián he compartido grupos como The Hidden Project o Muerte por mil Cortes. Willi me tiene enamorado con ese pelazo, Acho! y Rojo es mi compañero de fechorías y se encarga de casi todas mis producciones en el apartado técnico. Mientras lo estábamos mezclando en su estudio me dijo que eso lo quería editar... bueno y que el Mono lo amenazó de muerte ya sabes como funciona esto (no); una vez le destrozó el estudio... La filosofía del sello es muy buena (sí, Descartes y Kant), ayudar a grupos de la zona (La Liga de la Justicia vaya) y cuidar mucho toda la imagen y sonido.

Rojo es el jefe de los Red Records Studios (sí, y yo soy Blanco y conquité Alejandría) y todo queda en casa (agorafobia), es mucho mas fácil así porque la toma de contacto con el trabajo es desde el principio por lo cual se le coge más cariño, no es tan frío todo. El artwork es de Sagan y si te das cuenta es un guiño (estoy guiñando pero no me doy cuenta, te refieres a guiñar o jiñar?) al Scum de Napalm Death... es una reivindicación de principios. Ha quedado realmente bien todo (poner aquí emoticono de optimismo extremo), estoy muy contento (drogas) por que es una amalgama musical de todo lo que siempre nos ha rodeado. Entiendo que la gente no comprenda ciertos matices porque también es una cosa muy personal.

SU - Tormo Records tienen una enormes gónadas.

8) ¿Cómo sabe MONO CANÍBAL qué tema debe ir para MONO CANÍBAL y cuál para BUIO MONDO o MISA TRIDENTE?. ¿Qué puedes contarme sobre los samplers vocales que se escuchan en “Luna 16”?. Por cierto, leyendo EZEQUIEL 1:4 mientras escuchaba el disco la verdad es que ese pasaje de la Biblia es realmente perturbador. ¿Veis conexiones con el Caso Ummo?.

MC - Lo separo por colores, Buio Mondo es negro, rojo y verde, Mono Caníbal es azul oscuro, rojo y plata, Misa Tridente es marrón muy oscuro, gris ceniza y oro, cosas de Mono...

Los samplers que se oyen son de una conversación telefónica con un Ummita (ay que miedo Mammita!) , ya sabes que a partir de la adolescencia ya no pueden vocalizar bien por un problema de laringe, de ahí que no se escuche del todo bien. Solo cambia el entorno socio-cultural para describir las cosas, todo está conectado y nadie sabe nada, pero el fenómeno sigue. No nos crean...

9) ¿Tendremos continuación del Proyecto (no, por Dios)?. Lo digo porque me he quedado con ganas de muchísimo más (menos). ¿Y presentación en Directo (jajajaja)?... no sé, quizás en una Fiesta Homenaje a Antonio Ribera (del Duero)?.

MC - Quizá en un pasado ya esté grabado, no se... Que las cosas sigan su curso (otro amante de Coelho). Un buen homenaje a Ribera sería una bajada a pulmón hacia el fondo mar hasta encontrar esas luces que siempre nos han fascinado y que de vez en cuando suben a la superficie (como las heces en una playa abarrotada en Agosto). Solo así seriamos dignos de homenajear a tal figura, nuestra música no sería suficiente.

SU - Quiero presentarlo en vivo pero que no venga nadie a verlo (verlo a nadie venga no que pero vivo en presentarlo quiero).

10) A continuación os voy a dejar una serie de frases o términos; responded lo que os venga en gana:

- Caballo de Troya y El Mensaje de Otros Mundos

MC - Mejor “Operación Caballo de Troya” de John Keel y es sorprendente porque la interpretación del fenómeno depende de tu postura política, queda claro que el fenómeno muta. O hacemos que mute.

- ¿Ha regresado Satan Ummo a su Planeta Natal tras comerse al jodido Mono?

SU - Sí (sí, emperatriz).

- ¿Quién es más caníbal, el Mono o Ummo?

Su - Sí.

- ¿Brujería o Def Con Dos?

MC - Difícil elección, Brujería me voló la cabeza (nota: investigar Alopecia) y con Def Con Dos aprendimos a reírnos del mundo que nos rodea (jajajaja). Creo que los dos han sido necesarios.

SU - Matando Güeros De Cacería (poeta).

11) Vale, mientras no os vuelva a ver, podéis despediros aquí como os de la gana, este es vuestro espacio (espacio de sitio, no del Cosmos):

MC - Muchas gracias a ti y a toda la gente involucrada en este trabajo, era una espinita que tenía clavada desde hace muchísimo tiempo (otro burro que no va al médico) y parece una locura pero misteriosamente se han dado todas las circunstancias para que esto sea así, como si se tratase de un libro de segunda de Plaza y Janes... Así en Ummo como en la Tierra. Si alguien quiere comprar alguna copia todavía quedan en TORMO RECORDS.

Con la compra de este disco estas contribuyendo a difundir la maldad (jajajajaj) y a que todo siga como debe ser. Si no lo compras... el Mono irá a por ti. Ah si! Y que cuando bebo Jagermeister os puedo identificar, ¿como cuando el chiquino ese de They Alive se pone las gafas..? Pues igual, se quienes sois...

SU - Ojalá te mueras (ojalá me amortajes).

https://monocanibal.bandcamp.com/

http://www.tormorecords.com/es/

LAMORTE / FÖSS - "SPLIT" (VARIOS SELLOS, 2019)

Poco más de un año que reseñé -Vie- de LAMORTE y alguna que otra banda aledaña a estos y tengo el honor de seguir retratando su álbum de fotos que suenan con su nuevo Split con la banda FÖSS en lo que se me antoja una edición preciosa en lo físico (espectacular diseño de Flecha Designs) la carpeta impresa por la cara rugosa, y un precioso spoteado de negro sobre vinilo transparente en 140 gramos (para mi gusto, suena mejor que los 180 gramos cuando son transparentes). Coeditan tantos sellos que es posible que me salte alguno sin querer (llamad al 911 y lo cambio): Sacramento Records, Underground Legends, Aladeriva Records, Discos Delejos, Fuzz T-Shirts, Noizeland Records, Violence in the Veins y La Choza de Doe. 

12 minutos de la Cara A pertenecen a LAMORTE, que agrian exponencialmente su propuesta desde el debut y notándoseles todavía más a gusto en lo que hacen. Mezcla/coctelera entre Sludge, Noisecore y Post Rock llevada con sutilidad gracias al uso de tres (sí, tres) guitarras erigiendo una muralla constante de riffs. Se turnan, doblan, alternan y repliegan de tal modo que si hay paso de la brutalidad a la melodía, ésta nunca resulta dulce (uno de las principales pegas que le pongo al rock instrumental de este tipo, que se mete en terrenos tan acaramelados que me duermen)... es decir, toda la música está bordada sobre un mismo paño de tela de saco áspero al tacto pero con muchos recovecos por los que explorar.

En otras palabras, si pasáramos su música al Braille, nuestras yemas de los dedos pasarían por cadenas montañosas y profundas simas, pero en todo lugar tendríamos un agarradero o barandilla sobre el que apoyar las falanges.

Graba Souler en Sacramento Labs (Sevilla) mezcla/masteriza Sergio Carmona en White Tower Studios. "Adam" y "Gael" son para mí una misma pieza engarzada y las voy a comentar juntas. A las características arriba descritas, añadid la versatilidad de una voz en modo agudísimo (ponga aquí Core), que se tiñe de aspectos propios del Death Melódico, cosa que resalta más en la base rítmica y en el desarrollo poliédrico de las guitarras. Coros con voces limpias dando empaque épico y la sensación general de estar cumpliendo etapas rituales en una espiral/gingkana eterna... como intentar llegar a traspasar el horizonte o buscar un pliego espacio/temporal de una trascendental Línea Maginot. El trenzado de riffs de guitarra es tan efectivo que puedes tararear la música sin problemas, y eso no es fácil en los tiempos que corren.

Para mí, la principal virtud de LAMORTE radica en que su Post Hardcore está muy bien acabado. Compositivamente son un cañón en ascenso y tienen todo eso que les falta a otras bandas de estos estilos. Como mezclar a Fear Factory de su primera etapa con Dark Tranquillity y Mogwai. Raro, no?.

Damos la vuelta al vinilo para la parte de los canarios FÖSS. Propuesta bastante distinta, con un sonido más grave tanto en la afinación de las guitarras (con cierto puntito que tira al Thrash) y el uso de voces guturales más propias del Death. El petardazo que resulta "La Patrona" cuenta con interludio de burbujeantes acoples Fuzz, toques de sintetizadores analógicos y decadente cacharrería añadiendo una dimensión bizarra al acabado. Esa pátina áspera que dan los sintes y la bajada del tempo roza el Ambient, recordándome un poco al último disco de los Lords of Bukkake pero (puedo estar loco) también se me vienen a la mente unos reactualizados Ktulu.

"Turraza en la Taza" sigue en la misma onda añadiendo toques de Crust y Post Hardcore (el toquecito Punk no se lo quita nadie a FÖSS). Bandas como Converge con el añadido achicharrante y abrasivo, épico y monumental de Neurosis o Isis. Muy buen sonido gracias a José A. López (La Caterva Recordings, Gran Canaria) y despliegue técnico que nos dará muchas sorpresas en un futuro... imposible no acordarse de la banda ya de culto Lazharus en ese desfase electrónico final (rozando el Noise) que los encumbra a la categoría de banda a seguir muy de cerca.

De momento me quedo con su primitiva y reptiliana capacidad de convertir en lisérgico el Doom, cosas que sólo unos cuantos nombres pueden permitírselo. Poco más que añadir a un Split más que recomendado. Lo puedes adquirir en los sellos/bandas citados, pero yo enlazo por cortesía al sello que me mandó la promo:

https://sacramentorecords.bandcamp.com/album/split

- O I D E - "Iatroxenia" (Autoedición, 2020)

-oide

Sufijo de origen griego que forma adjetivos o nombres a partir de nombres y adjetivos a partir de adjetivos con el significado de ‘que es parecido a’, ‘que tiene forma de’

          Hay que remontarse a los párrafos 218 a 220 del Código de Hammurabi de más de cuatro mil años para ver cómo se regían socialmente los ciudadanos en la antigua Mesopotamia en cuestiones como la defensa frente a supuestos errores, temeridades y negligencias de los médicos.

Ese "Primum non nocere" de Galeno, a su vez influenciado por Hipócrates en su Libro I de las Epidemias (ayudar o por lo menos no dañar) discurre hasta nuestros días en contraposición con términos como la Mala Práxis, el Dolo y la Tortura... es decir, tendríamos que diferenciar lo "genuinamente inherente a un tratamiento o praxis" (causa y efecto), al daño directo/real/consciente de una persona hacia otra. La Yatrogenia no busca en ningún caso el mal de otro, sino que discurre como efecto inevitable del `Iatros´ (médico) en la `Génesis´(cuidado).

IAGO ALVITE, músico gallego militante en grupos como Frustradicción, Generic Death, Alcornoque, Proxecto Minamata,  o Machetazo se desmarca aquí del Death, Grind y otros estilos para meterse de lleno en el mundo del Dark Ambient más espectral y orgánico, guiado por un abotargado manto de melodías flotantes del bajo eléctrico en comunión con detalles electrónicos alucinantes (su otro proyecto Comando Psicográfico junto a Pablo Gallo sigue una línea ritual similar). Música minimalista donde las haya, este - Oide se compone de dos temas de larga duración, de tintes cinematográficos, y una oscuridad casi mascable gracias a la grabación en Estudios Utopía (Grabacións Distópicas). El aspecto gráfico y acabado del digipack y diseño son obra de Pablo Gallo, autor del reciente Bestiario del Norte en LA FELGUERA.

Los 24 minutos de "Iatroxenia" suenan como si Earth y Swans hubieran sido tratados por un Sacerdote Egipcio con Natrón. Despojados de la rabia metalera, lo que queda es un sustrato inanimado igualmente oscuro, concentrado y apergaminado. Sutil y de progresión pseudo-linea, el tema busca el Trance en el oyente y deja en el paladar la sensación de que "quieres definir la música pero no puedes", y de ahí que lo entronque directamente con ese sufijo de -oide. Música alucinoide, hermeticoide, helicoide, aspergilloide, innmunodeprimoide.... No obstante, a pesar de la repetición Mántrica, hay mini momentos de Clímax, in Crescendos camuflados que le dan todavía mayor empaque al asunto. Un ejemplo español de todo esto pero tirando más de lo electrónico desemboca en cosas como el viejo proyecto (quién se acuerda) Morpheus, pero eso ya sería meternos en terrenos históricos y desviar demasiado la atención.

Steve Von Till y Scott Kelly (Blood and Time por ejemplo) en sus formas instrumentales, algunos discos publicados por Neurot Recordings o Glitterhouse tienen ese marchamo sonoro que estoy intentando describir... una forma aletargada de crear Drones eternos marcados por unos detalles siempre orgánicos dejando a cada nota seguir su rumbo; y es que en ningún momento de los 24 minutos se corta una nota a la mitad para unirla en otra salvo en el motivo principal (estribillo, puente o como queráis llamarlo) que se repite como un Ciclo Ourobórico; un Eterno Retorno Eliadesco (o Elioide para el caso) plagado de sombras Junguianas discurriendo paralelas a barroquismos electrónicos (posiblemente procesamiento por pedaleras) en algunos momentos incluso Proto Industriales (Estigianos) y un Contrabajo camufladísimo (creo que tocado con arco).

No es fácil de distinguir, pero el Folklore Gallego está presente en la grabación a poco que uno haya buceado en la música popular de allí, o en el metal extremo que viene de tan preciosas tierras (especialmente el Pagan Black) en la forma de sutiles cantos/entonaciones emulsionadas en determinados puntos estratégicos del disco...como coger Sangre de Muérdago y darle un quiebro radical hacia el Dark Ambient. Sin embargo, -Oide es un disco urbano, y a pesar del desarrollo Campestre o incluso Country, la pátina bluesera es Industrial (al más puro estilo de esa sensación amenazante de Badalamenti en las bandas sonoras de Lynch). Resumiendo, es como una estatua de mármol representando a Hipócrates pero revisionada con un sombrero de Cowboy.

El segundo corte, "Multitude Deserta", se desmarca un poco de lo anterior para definir un poco más los aspectos melódicos. Lo esbozado se materializa... surgen ecos a las colaboraciones entre Nick Cave y Blixa Bargeld en lo instrumental (ese piano circense teratogénico, muerto) aunque con una voz gutural que remite al Doom/death de corte más gótico. Sin embargo, conforme avanza el tema se van añadiendo detalles electrónicos que mutan y copulan con todo lo anterior, desorientando al oyente. El contrabajo remite a la Música de Cámara, las extrañas percusiones hablan del primer Neofolk, y el conjunto acaba girando hacia el Neoclasicismo.

(Comando Psicogeográfico)

Si tengo que poner una pega (que no lo es en sí), es que esas voces que se intuyen por ahí de fondo (los que hayan escuchado algo de ELEND pueden saber a lo que me refiero) podrían perfectamente convivir con lo que pasa en la superficie... es decir, para futuros trabajos la incursión de lleno de lo vocal podría ser un acierto. Impresionante clímax final, Dadaísmo Doom para las nuevas generaciones...

Por lo demás, a mí me ha parecido una maravilla y pienso que hay un filón enorme por explotar (he dicho explotar no explorar) aquí. Este es el típico disco que me acaba jodiendo la existencia porque no sé en qué estantería clasificarlo. MUY RECOMENDADO.

https://oide.bandcamp.com/releases